THE DARKSIDE | All That Noise - Album

The Darkside (Banda)

Grupo británico de Rock alternativo formado en 1989 y uno de los muchos proyectos que surgieron de los esfuerzos innovadores de los miembros de la banda "Spacemen 3". The Darkside se formó en Rugby en 1989 y fue dirigida por Pete Bain (también conocido como Bassman), quien había dejado la formación "Spacemen 3" justo antes de su álbum de 1989 "Playing With Fire". Luego, a Bain se le unió en el nuevo equipo su ex compañero de banda, el baterista Sterling Roswell (también conocido como Rosco). Las voces fueron inicialmente manejadas por Nick Haydn pero su partida obligó a Bain a asumirlas. Sin embargo era una formación inestable con muchos cambios que ayudó a acortar la vida de la banda.

El grupo debutó en abril de 1990 con el single "Highrise Love", al que siguió "Waiting for the Angels" y el álbum, "All That Noise". Con Rosco moviéndose a los teclados, el grupo reclutó a Craig Wagstaff, a quien habían conocido mientras estaban en "Spacemen 3". El siguiente lanzamiento de la banda fue el álbum en directo "Psychedelicise Suburbia" de 1991, solo disponible por pedidos vía correo. Un doble EP en noviembre de 1991 precedió al segundo álbum de estudio "Melomania", que fue publicado en enero de 1992. Con la partida del guitarrista Kevin Cowen tras el lanzamiento del LP, Bain asumió las funciones de guitarra para el EP "Mayhem to Meditate". Cuando el sello discográfico "Situation Two" rechazó los demos para un tercer LP, la banda se separó.

Desde la separación de la banda, Pete Bain ha grabado varios álbumes con el nombre de "Alpha Stone" y ha sido invitado a varios de los álbumes de "E.A.R" de su ex compañero de banda Peter Kember. Rosco ha publicado el álbum en solitario "Ubik" bajo su nombre falso, Sterling Roswell.

La corta discografía de The Darkside: 

1990 - All That Noise 
1991 - Psychedelicise Suburbia (disco en directo)
1992 - Melomania 

Como se puede leer, The Darkside tuvo una corta vida como banda. El último álbum "Melomania" es muy citado entre los fans como su mejor trabajo, aunque personalmente me gusta más el debut, "All That Noise". Y hay una razón, el tema que abre el álbum debut, "Guitar Voodoo" me parece una locura de maravilla, suficiente en sí para eclipsar y relegar sus otros trabajos.

 

ALBUM: All That Noise 

 
El álbum debut publicado en 1990, por los dos ex-miembros (bajista y baterista) de "Spacemen 3" que decidieron hacer una versión más lúcida de su antigua banda. Aquí un posible problema, demasiado referencias y comparaciones con lo que estaban haciendo sus antiguos colegas, Peter Kember (Sonic Boom) y Jason Pierce (Spiritualized). Añades la inestabilidad de la formación - The Darkside - y es un pequeño milagro que "All That Noise" se grabará. No obstante, su mérito es que no percibes los problemas internos de la banda y ofrecen un disco para mi bastante sólido. El instrumental “Guitar Voodoo” que abre el álbum muestran generosamente todas sus habilidades musicales, es un comienzo perfecto para el álbum: un ritmo de batería lento y una línea de bajo retumbante con riffs de guitarra estridentes que se acumulan en un "wah wah" sonoro pesado y cargado que te engancha al álbum desde el principio. Es mi tema favorita de todo el material que han ofrecido "The Darkside".

También hay que ser honesto, "All That Noise" es un poco escaso en diversidad y tira mucho del hilo de lo logrado con "Spacemen 3", aunque compensa estas pequeñas deficiencias con su armoniosa simpatía. El álbum tiene buenas canciones como "Found Love" que suena triunfante, puedes sentir la emoción extática, "Waiting for the Angels", Good for Me" y "All that Noise" son cortes psicodélicas destacadas y el penúltimo tema "Soul Deep" sirve de guinda al estilo "funky" para ayudar cerrar todo de forma espléndida. Dicho esto, a algunos amigos míos no les gusta como termina el disco...hay gustos para todos.   

Un disco recomendado. Si te gusta la banda SPACEMEN 3 te gustará mucho este disco. La música es neo-psicodelia con un ambiente Dream-pop. Agradable para los oídos con mucha melodía, ya que la guitarra psicodélica y el órgano flotante marcan el camino. Y si no, solo por escuchar el tema que abre este trabajo "Guitar Voodoo", merece buscarlo y escucharlo. Quizás te guste, o no te guste este disco, escucha y sabrás. 

Video de la canción "Guitar Voodoo":

Tracklist:

1. Guitar Voodoo 6:18
2. Found Love 2:53
3. She Don't Come 2:27
4. Good for Me 2:38
5. Love in a Burning Universe 6:09
6. All That Noise 1:44
7. Spend Some Time 3:11
8. Don't Stop the Rain 3:24
9. Soul Deep 6:56
10.Waiting for the Angels 5:12

TALK TALK - Albums Ranked

Talk Talk (Banda)

Una breve historia

Grupo británico formado en 1981, dirigida por Mark Hollis (voz, guitarra, piano), Paul Webb (bajo) y Lee Harris (batería). La historia comienza con el hermano mayor de Mark, Ed Hollis, un disc jockey y productor que pasó a dirigir bandas de la era Punk como "Eddie & the Hot Rods". Mark Hollis originalmente planeó convertirse en psicólogo infantil, pero en 1975, dejó la universidad para mudarse a Londres, formando finalmente una banda llamada "Reaction". Ed Hollis pidió algunos favores, y en 1977, "Reaction" grabó un "demo" para el sello Island Records. Entre los temas estaba un original de Mark Hollis titulado "Talk Talk", que luego apareció en la compilación de punk "Beggars Banquet Streets". Después de un sencillo, "I Can't Resist" de 1978, "The Reaction" se disolvió y, a través de su hermano, Mark Hollis conoció al bajista Paul Webb, al baterista Lee Harris y al tecladista Simon Brenner, con quien formó Talk Talk en 1981.

Comenzaron su carrera con discos que personificaban la era del "New Wave" que los engendró. No obstante, el grupo británico dio pasos de gigantes con cada álbum sucesivo hacia el descubrimiento de un sonido totalmente único y no categorizable conteniendo y fusionando elementos del jazz, clásico y música experimental y ambient; sus magistrales álbumes finales, aunque descuidadas comercialmente, poseen una atemporalidad rara entre la música de cualquier género, y en retrospectiva parecen el claro punto de partida para el movimiento Post-Rock de los años 90 (Siglo XX).

La banda logró el éxito temprano en las listas con los singles de synth-pop "Talk Talk" (1982), "It's My Life" y "Such a Shame" (ambos de 1984) antes de avanzar hacia un enfoque más experimental a mediados de la década de 1980, pionera en lo que se conoció como Post-Rock. Talk Talk logró un gran éxito de crítica en Europa y el Reino Unido con los sencillos "Life's What You Make It" (1985) y "Living in Another World" (1986), y en 1988 publicaron su cuarto álbum "Spirit of Eden", que fue aclamado por la crítica pero comercialmente menos exitoso.

La fricción con el sello de la banda, EMI, resultó en acciones legales y contraprestación. Webb se fue, y la banda cambió a Polydor para su último álbum de estudio, "Laughing Stock" de 1991, pero se separaron poco después. El cantante Mark Hollis lanzó un álbum en solitario en 1998 antes de retirarse de la industria de la música; Mark Hollis murió en 2019.

La influencia de Talk Talk sobre los músicos ha superado la visibilidad de la banda entre el público en general. Junto con la banda Slint, a Talk Talk se les atribuye la invención del "Post-Rock" en sus dos últimos álbumes, Spirit of Eden y Laughing Stock. Los artistas que han elogiado a la banda o los han citado como una influencia incluyen Tears for Fears, Radiohead, Doves, Elbow, Shearwater, M83, Bark Psychosis, Steven Wilson de Porcupine Tree, Death Cab for Cutie...y muchos otros

Una nota personal

Los lectores habituales de este blog pueden haber observado que soy un gran fan de "Talk Talk", y en particular a su líder Mark Hollis. Son mi banda fetiche, y considero a Mark Hollis uno genio; uno de los compositores - músicos más creativos y dotados que hayan grabado y pisado sobre un escenario.

Aparte de los cinco discos de estudio de "Talk Talk", recomiendo que busques para escuchar su único álbum en solitario, "Mark Hollis" de 1998. Una joya de "silencio" fusionando música clásica, folk y jazz para despedirse del publico y retirarse con su familia.
 

Video: Talk Talk - Top Ranking Albums

¿Cuántos álbumes tuvo Talk Talk?

La banda inglesa Talk Talk publicó cinco álbumes de estudio, un álbum en directo, ocho álbumes recopilatorios, 25 sencillos-singles, un EP y dos lanzamientos de videos en vivo.

Albums ranked:

Como fan de "Talk Talk", y admirador del trabajo musical de la banda y de Mark Hollis, he elaborado un video (pequeño homenaje) que ilustra mi selección de los mejores álbumes de estudio de Talk Talk en formato ranking: del #5 al #1. Obviamente es subjetivo, es personal y cada uno tendrá sus preferencias...el ranking en esencia es lo de menos.

Mejor álbum de Talk Talk: The Colour of Spring 

¿Cuál es el mejor álbum de Talk Talk? Para mi el mejor álbum es "The Colour of Spring", aunque muchos especialistas y fans también eligen los dos discos posteriores: Spirit of Eden y Laughing Stock. La verdad es que son obras maestras y en ciertos momentos superan en creatividad e innovación al  "The Colours of Spring".

Publicado el 17 de febrero de 1986 con la colaboración y producción habitual de Tim Friese-Greene, el tercer álbum "The Colours of Spring" es musicalmente un gran paso del pop sintetizado de los primeros discos, con un mayor enfoque en guitarras, pianos y órganos como en los temas "Life's What You Make It", "Living in Another World" y "Give it Up". Tiene un sonido descrito por la banda como más orgánico y contiene la improvisación que iba a dominar en sus trabajos posteriores. Lo que más me atrae de este disco es que es "el puente" del sonido aún más accesible hacia lo que sería el sonido más abstracto, conceptual y experimental. Este álbum lo hace en uno de los mejores discos de "transición" de todos los tiempos. Se escucha los principios de lo que seria un nuevo estilo de Rock - el Post-Rock - sin perder accesibilidad. Prefiero escribir menos y dejarte escuchar el disco que es la mejor manera de entender sus encantos. Buscarlo por las plataformas digitales musicales disponibles, o mejor aun, hacerte con una copia.

Un momento estelar para destacar, de los muchos: el último tema, “Time is Time”.

Tracklist del álbum “The Colour of Spring”:

1.         "Happiness Is Easy"     6:30
2.         "I Don't Believe in You"           5:02
3.         "Life's What You Make It"       4:29
4.         "April 5th"        5:51
5.         "Living in Another World"        6:58
6.         "Give It Up"     5:17
7.         "Chameleon Day"         3:20
8.         "Time It's Time"           8:14

BIFF BANG POW! | Songs for the Sad Eyed Girl

Biff Bang Pow! (Banda)

Eran un grupo de Indie-pop de Londres, Inglaterra, activo entre 1983 y 1991. El nombre "Biff Bang Pow!" es derivado de una canción de la banda de los años 60 llamada "The Creation". El líder de la formación es el escocés Alan McGee, la fuerza detrás del sello discográfico "Creation Records". Alan McGee había estado anteriormente en la banda "The Laughing Apple", que lanzó tres sencillos en 1981-82.

Después de mudarse a Londres, McGee formó una nueva banda, "Biff Bang Pow !", una salida para las aspiraciones musicales de McGee que llegó a representar muy bien la filosofía musical inicial del sello "Creation Records": Indie-pop melódico y de "jangle-guitar". El sello "Creation Records" llegaría de ser uno de los medios independientes más inventivos y exitosos del Reino Unido de los años 90 (My Bloody Valentine, Primal Scream, Ride, The Jesus & Mary Chain, Slowdive....Oasis), y razón por el que McGee y socio comercial Dick Green se apartaran de la banda y enfocarse totalmente en el negocio.

La banda estaba formada por McGee en la guitarra y voz, con Dick Green (y socio comercial) en la guitarra, Joe Foster en el bajo y Ken Popple en la batería. Luego, Dave Evans reemplazó a Foster (quien emprendió en solitario como "Slaughter Joe"), y el guitarrista / organista Andrew Innes (que luego se unió a "Primal Scream") se unió a tiempo parcial. 

El álbum debut de "Biff Bang Pow!" fue "Pass The Paintbrush ... Honey" publicado a principios de 1985, mostrando una mezcla de influencias mod, psicodélica y new wave. En 1986 se publicó posiblemente el álbum más fuerte de la banda "The Girl Who Runs The Beat Hotel", que amplió las influencias psicodélicas y pop de los sesenta del primer álbum, y contó con colaboraciones con el artista / pintor JC Brouchard. Este álbum coincidió con el pico de la primera ola de Indie-pop y, a medida que esto dio paso al "shoegaze" y al grunge, Creation Records también se movió en esa dirección, con el sello cada vez más asociado con artistas como My Bloody Valentine y Ride. Con Biff Bang Pow !, sin embargo, McGee continuó con el pop de guitarra, volviéndose cada vez más melancólico con lanzamientos como "Oblivion" (1987), "Love Is Forever" (1988), "Songs For The Sad Eyed Girl (1990)" y "Me (1991)", que resultó ser el último álbum propiamente dicho de la banda. En los años 90, con su sello discográfico logrando un gran éxito con artistas como Oasis, Alan McGee encontró menos tiempo para su propia banda y se dedicó a cuidar "la gallina de oro".

La discografía de álbumes de estudio de Biff Bang Pow!:

• 1985 - Pass the Paintbrush, Honey
• 1986 - The Girl Who Runs the Beat Hotel 
• 1987 - Oblivion 
• 1988 - Love Is Forever 
• 1990 - Songs for the Sad Eyed Girl 
• 1991 - Me  

Existe un consenso entre la crítica y fans que los discos "The Girl Who Runs the Beat Hotel" y "Oblivion" son los mejores trabajos de Biff Bang Pow! Personalmente me gusta más el álbum "Songs for the Sad Eyed Girl" de 1990, es más íntimo y melódico, y coloquialmente, más moña. El "amor"en sus variantes es un hilo conductor de este disco. 

ALBUM: Songs For The Sad Eyed Girl 

Es el quinto álbum publicado en 1990. Una hermosa obra de Indie-pop británico fácil de seguir. Excelentes melodías se deslizan y se quedan en la memoria, contiene la tristeza más íntima escondida en las profundidades de los sonidos, aunque respira optimismo y radia la esperanza. La voz y cante de Alan McGee siempre me ha molestado (un tono irritante), que maneja mejor en este álbum. 

Es un disco cómodamente corto, solo siete canciones y también de corta duración, lo cual se hace de fácil digestión. El sonido "jangle" es precioso, hay auténticas canciones realmente geniales y melódicas que expulsan emociones de amor, desamor o simplemente la imposibilidad de alcanzarlo. Un trabajo principalmente acústico e íntimo que permite demostrar la capacidad de composición de Alan McGee. Hay unos temas que me parecen realmente buenos, el tema que abre el disco "She Kills Me", la preciosa "Baby, You Just Don't Care", "Religious" y la canción que termina la obra "Hug Me Honey". Canciones fruto de su época, dentro de un contexto musical del Reino Unido donde llegaba y se despuntaba la ola del Indie y el Shoegaze. Dicho esto, también se ha mostrado que los temas y el álbum "Songs For The Sad Eyed Girl" ha resistido la prueba del tiempo. Sigue sonando de actualidad. 

Un disco recomendado de una banda relativamente poco conocida fuera del Reino Unido y por los fans del Indie-pop. Puede ser un gran descubrimiento para los lectores más jóvenes que les gusta el sonido "jangle-guitar". Anímate y búscalo. 

Video del tema "She Kills Me":

Tracklist:

1. She Kills Me           4:42
2. The Girl from Well Lane    2:39
3. Baby, You Just Don't Care            4:19
4. If You Don't Love Me Now You Never Ever Will          2:43
5. Someone to Share My Life With   2:49
6. Religious     5:34
7. Hug Me Honey      2:54

THE PHARCYDE | Bizarre Ride II the Pharcyde - Album

The Pharcyde (Banda de Hip Hop) 

Grupo americano de hip hop formado en 1989, en el centro sur de Los Ángeles. Los cuatro miembros originales de la formación son Imani (Emandu Wilcox), Slimkid3 (Trevant Hardson), Bootie Brown (Romye Robinson) y Fatlip (Derrick Stewart). DJ Mark Luv fue el primer disc jockey (DJ) del grupo, seguido por el productor J-Swift y luego J Dilla. El grupo es quizás más conocido por los singles "Drop", "Passin 'Me By" y " Runnin '", así como su primer álbum, Bizarre Ride II the Pharcyde (1992). El grupo continúa girando y grabando, tanto en colaboración como en proyectos en solitario; el más reciente es el EP colaborativo de Hardson con el galardonado DJ Nu-Mark (de Jurassic 5) lanzado en 2014.

Los miembros del grupo de Pharcyde Slimkid3, Bootie Brown e Imani se conocieron como bailarines a finales de la década de 1980 y bailar era su principal ambición hasta 1990. Por esta época, Imani y Slimkid3 estaban en un grupo llamado "As Is" y más tarde un grupo llamado "Play Brothers", mientras que Bootie Brown era un bailarín de respaldo de "Fatlip" (Fatlip fue el último miembro en unirse a The Pharcyde). 

Publicaron cuatro álbumes de estudio, cada uno de más a menos. A continuación su discografía:

• 1992 Bizarre Ride II the Pharcyde
• 1995 Labcabincalifornia
• 2000 Plain Rap
• 2004 Humboldt Beginnings 

Eran contrapuesto al Rap que dominaba la costa oeste que seguía la línea del "Gangsta rap": ejemplos son NWA, Dr.Dre, Ice T Snoop Dogg... Su música y filosofía era más en línea al "Rap del Daisy Age" de la costa este como De La Soul y A Tribe Called Quest, aunque con un fuerte sentido de humor y uso creativo de "samples".

El mejor álbum de THE PHARCYDE sin duda es el debut de 1992, "Bizarre Ride II"

ALBUM: Bizarre Ride II the Pharcyde

Es el álbum debut publicado el 24 de noviembre de 1992. El álbum fue producido por el ex miembro del grupo J-Swift, y cuenta con una sola aparición, proporcionada por el poco conocido rapero de Los Ángeles Bucwheed (conocido entonces como "Buckwheat" de The Wascals). En los años posteriores a su lanzamiento, "Bizarre Ride II" ha sido aclamado por críticos musicales y fans, como un álbum de Hip Hop clásico (old skool) y aparece en las listas de los mejores álbumes del género musical.

Publicado durante la era dominante del "Gangster-rap" del hip hop de la costa oeste, "Bizarre Ride II" fue descrito como "diferente" (un aire fresco) debido a su humor alegre y su producción exuberante y jazzística. Bizarre Ride II ayudó a establecer una nueva escena alternativa en la costa oeste, seguida por artistas como Hieroglyphics , The Coup y Jurassic 5. Como muchas veces ocurre, a pesar de la gran aclamación de la crítica, el álbum produjo sólo ventas moderadas, alcanzando el #75 en la lista de álbumes Billboard 200 en 1993. Pasaron años para que el álbum fuera aclamado como uno de los álbumes de Hip Hop “alternativo” más elogiados e influyentes de la década de 1990.

Gran parte de los elogios del álbum se debió al contenido excéntrico y cómico. La loca narración de historias y la alegría del álbum proporcionaron una alternativa al hip hop pesimista y hardcore que había gobernado la escena en ese momento. Bizarre Ride II también contó con el increíble trabajo de producción de J-Swift, quien proporciona al álbum un paisaje sonoro exuberante y de Jazz a través del uso de instrumentación y sampling en directo. J-Swift se basó en samples de artistas como James Brown, Donald Byrd, Sly & the Family Stone, The Meters, Quincy Jones, Jimi Hendrix, Roy Ayers y Marvin Gaye. Aparte de "samples", J-Swift también proporcionó piano, bajo y teclados en el álbum, y el productor "JMD" proporcionó los arreglos de batería. Estos arreglos de teclas son optimistas y los "loops" de batería de ritmo rápido proporcionan gran parte del telón de fondo para las entregas líricas animadas de la formación.

Con múltiples voces de estilo libre (freestyle) sobre historias-canciones como "Oh, Shit", "Soul Flower", "Ya Mama", e incluso una crítica sobre conducir mientras es negro llamada "Oficial", demostró que la filosofía de "Daisy Age Rap" no era puramente un fenómeno de la costa este. Las parodias e interludios con acompañamiento en directo (generalmente solo batería y piano) solo mejoran la naturaleza libre de los procedimientos, y el grupo incluso tiene éxito cuando no depende del humor, como lo demuestra el cuento de desamor "Passin 'Me By", mi tema favorita del disco. 

Un disco recomendado, un viaje divertido a través de la historia del funk, el rock y el jazz. La obra "Bizarre Ride II the Pharcyde" es un clásico como ningún otro y no hay nada similar. Pieza esencial de cualquier colección de música Hip Hop que se considera seria.

Video del tema  "Passin' Me By": 

 Tracklist:

1. 4 Better Or 4 Worse (Interlude)    0:44
2. Oh Shit       4:22
3. It's Jiggaboo Time (Skit)    1:26
4. 4 Better Or 4 Worse           5:05
5. I'm That Type of Nigga     5:15
6. If I Were President (Skit)  1:01
7. Soul Flower (Remix)          4:23
8. On the DL  4:28
9. Pack the Pipe (Interlude)   0:21
10. Officer      4:00
11. Ya Mama  4:21
12. Passing Me By     5:03
13. Return Of The B-Boy      3:39
14. Quinton's On the Way (Skit)       2:10
15. Pack the Pipe        5:04
16. Otha Fish  5:22 

NICK DRAKE - Pink Moon - Album

Era un talento singular que pasó casi desapercibido durante su breve vida, Nick Drake produjo varios álbumes de escalofriante belleza. En retrospectiva, estos han llegado a ser reconocidos como logros máximos tanto de la escena del folk-rock británico como de todo el género de cantantes y compositores de rock.
 

¿Quién era Nick Drake (Músico)?

Nicholas Rodney Drake (19 de junio de 1948 - 25 de noviembre de 1974) fue un cantautor y músico británico conocido por sus canciones basadas en la guitarra acústica. No logró encontrar el éxito comercial durante su vida, pero su trabajo gradualmente fue adquiriendo mayor notoriedad y reconocimiento. 

Grabó y publicó tres álbumes de folk acústica, pero apenas vendió durante su vida. Su música acústica era sofisticada, con toques de jazz, y su toque de guitarra acústica era emotivo; usó afinaciones alternativas para crear grupos de tonos. Drake estudió literatura inglesa en Cambridge y disfrutó de la poesía de Yeats, Blake y Vaughan; sus letras tienen el mismo espíritu evocador, con imágenes extraídas de la naturaleza. Empleó en su composición una serie de símbolos y códigos elementales, en gran parte extraídos de la naturaleza. La luna, las estrellas, el mar, la lluvia, los árboles, el cielo, la niebla y las estaciones son todos de uso común, influenciados en parte por su educación rural. Las imágenes relacionadas con el verano figuran en el centro de sus primeros trabajos; a partir del segundo disco "Bryter Layter", su lenguaje es más otoñal, evocando una temporada comúnmente utilizada para transmitir sentimientos de pérdida y dolor. En todo momento, Drake escribe con indiferencia, más como un observador que como un participante, como si estuviera viendo su vida desde una gran e infranqueable distancia.

Nick Drake sufrió de depresión, particularmente durante la última parte de su vida, un hecho que a menudo se refleja en sus letras. Rara vez había tocado en directo durante sus días como artista de grabación, y en un momento declaró su intención de nunca volver a grabar, y se retiró a la casa de sus padres en la zona rural de Warwickshire. El 25 de noviembre de 1974, Drake murió de una sobredosis de amitriptilina, un antidepresivo recetado; tenía 26 años. Nunca se ha resuelto si su muerte fue un accidente o un suicidio. 

Dejó un legado de tres álbumes de estudio. No hubo documentales ni álbumes recopilatorios tras su muerte. El perfil público de Nick Drake se mantuvo bajo durante la década de 1970, aunque su nombre apareció ocasionalmente en la prensa musical. A mediados de la década de 1980 y durante la del 1990, Drake estaba siendo citado como importante influencia por músicos como Kate Bush, Paul Weller,, The Black Crowes, Peter Buck de R.E.M., Robert Smith de The Cure y  Belle y Sebastian... Drake ganó una mayor exposición con el lanzamiento del sencillo "Life in a Northern Town" de "Dream Academy", que incluía una dedicatoria a Drake. En la década de 1990, el trabajo de Nick Drake, pasado por alto en ese momento, había sido reevaluado. Los tres álbumes de Drake ahora son aclamados por la crítica.

La discografía de Nick Drake:

• Five Leaves Left (1969)
• Bryter Layter (1971)
• Pink Moon (1972)

Cada uno de los tres álbumes de estudio de Nick Drake ofrecen un ángulo diferente de su sonido folk acústico. Su debut de 1969, "Five Leaves Left", es una bonita pieza de humor, con la guitarra de Drake a menudo acompañada por el bajo de Danny Thompson (de la banda de folk-rock contemporánea "Pentangle") y por los arreglos de cuerdas de Robert Kirby. El segundo álbum "Bryter Layter" de 1971 es más detallado: Drake está acompañado por una sección de ritmo en casi todas las melodías. El último álbum de 1972, "Pink Moon", es más intimo, con Drake actuando completamente en solitario; se grabó rápidamente en dos sesiones nocturnas. 

Elegir un álbum como su "mejor" es difícil. Los tres son obras excepcionales, pero puesto a elegir, en mi caso recurro con más frecuencia a "Pink Moon" de 1972. Quizás porque es más íntimo, más humano y sientes el llanto del compositor...me parece un privilegio ser invitado a una comunión con el artista. Además, conocido el contexto y la situación personal del músico el oyente aprecia aún más su último disco. 

 

ALBUM: Pink Moon

El tercer y último álbum de Nick Drake publicado el 25 de febrero de 1972 y grabado por el productor habitual Joe Boyd. Fue el único de los álbumes de estudio de Drake que se lanzó en América del Norte durante su vida y se diferencia de los álbumes anteriores en que fue grabado sin una banda de acompañamiento. Solo está Nick Drake en la voz, guitarra acústica y un breve riff de piano sobre grabado en el tema principal - "Pink Moon".

Lanzado dos años antes de la muerte de Drake, el contenido lírico de "Pink Moon" a menudo se ha atribuido a la batalla en curso del músico contra la depresión. Las canciones son más cortas que en sus álbumes anteriores, con una duración total del álbum de poco más de 28 minutos (11 canciones).

El trabajo "Pink Moon", al igual que los álbumes de estudio anteriores, no vendió bien, pero desde entonces ha obtenido importantes elogios de la crítica musical. Llamar a este álbum "triste" realmente no le hace justicia. Es melancólico, pero lo que realmente captura es el sentimiento solitario de nostalgia. Nick Drake aquí desnuda su paleta musical y usa arreglos escasos para combinar con su voz impresionante. "Pink Moon" más que cualquier otra cosa es el álbum que convirtió a Drake en la figura de culto. 

No hacía casi nunca directos y no promocionaba sus discos. La canción que da título al inicio de "Pink Moon" se usó en un anuncio de automóvil alemán casi 30 años después, lo que le dio otro renovado estallido de aprecio y llamó la atención a una nueva generación: una de las muchas ironías de la vida, tener el reconocimiento merecido de tal manera y forma. El álbum sigue una línea de elegante melancolía donde Drake evita sonar pretencioso en lo más mínimo gracias a su continuo abrazo de vocalizaciones simples y tiernas. Mientras tanto, la pura majestuosidad de su forma de tocar la guitarra te hará vibrar, escuchar sus canciones "Road" o "Parasite", los convierte en unas maravillas. El clímax máximo es el tema final, "From the Morning", cuya letra conmovedora hace casi llorar por el testimonio tan íntimo y tan intenso. 

Como ya se ha escrito, reconocimiento del talento de Drake llegaron años más tardes. Las primeras versiones de las canciones de Nick Drake se lanzaron en 1992, cuando Lucinda Williams hizo un cover de "Which Will" en su álbum "Sweet Old World",  y la banda de rock alternativo "Sebadoh" hizo un “cover” de "Pink Moon" en su EP "Sebadoh vs Helmet". En 2006, "Beck" grabó versiones de las canciones del álbum para su publicación online, incluyendo "Which Will" y "Parasite"...seguido de otros músicos y bandas que haría de altavoces para una nueva legión de admiradores y fans.

Disco recomendado

Una belleza deslumbrante de un álbum con melodías delicadas y voces suaves y susurros. Uno de los más grandes discos de folk (británico) jamás que se ha convertido en una obra imprescindible. Una obra maestra. 

Y termino, una vez descubierto este disco (si aun no lo conoces), buscar sus otros álbumes - Five Leaves Left y Bryter Layter - cada uno es diferente pero igualmente hermosos e impactantes como "Pink Moon". 

Video del tema "From The Morning":

Tracklist del álbum "Pink Moon":

Cara A

1.         "Pink Moon"   2:06
2.         "Place to Be"  2:43
3.         "Road"            2:02
4.         "Which Will"  2:58
5.         "Horn" 1:23
6.         "Things Behind the Sun"       3:57

Cara B

1.         "Know"           2:26
2.         "Parasite"        3:36
3.         "Free Ride"     3:06
4.         "Harvest Breed"         1:37
5.         "From The Morning"   2:30

THE AMERICAN ANALOG SET | From Our Living Room to Yours

The American Analog Set (Banda)

Conocidos también como "AmAnSet", son un grupo americano de Indie-rock y Lo-fi con sede en Austin (Texas). 

Evolucionaron de las cenizas de la banda "Electric Company". Después de la desaparición de "Electric Company", el guitarrista y vocalista Andrew Kenny, la tecladista Lisa Roschmann y el baterista Mark Smith se reunieron para elaborar un número de grabaciones improvisadas en "4-track" que finalmente llevaron a su decisión de reformarse como grupo. Siguió la incorporación del bajista Lee Gillespie, y el cuarteto se rebautizó como "The American Analog Set" antes de prepararse para sus primeras actuaciones. Después de su segundo concierto, la banda consiguió un contrato con el sello discográfico local "Emperor Jones" y publicaron su single debut, "Diana Slowburner II". Su primer álbum, "The Fun of Watching Fireworks", siguió en 1996.

El sonido inicial del grupo estuvo muy influenciado por el Krautrock y el Post-rock y bandas de shoegaze británicas como Cocteau Twins, que a menudo presentaban largos pasajes instrumentales. Con el tiempo, sus canciones se hicieron más cortas y con más influencia Pop. La banda ha publicado seis álbumes hasta el momento:

1996 - The Fun of Watching Fireworks
1997 - From Our Living Room to Yours
1999 - The Golden Band
2001 - Know by Heart
2003 - Promise of Love
2005 - Set Free

En octubre de 2005, comenzaron a difundirse por Internet rumores de que el grupo estaba a punto de disolverse. La banda refutó rápidamente tales rumores, pero agregó que es posible que no vuelvan a salir de gira debido a sus obligaciones con otros proyectos. Su último álbum, fue "Set Free" de 2005.

Conocí esta banda de "bajo perfil" por su álbum "From Our Living Room to Yours", un disco que me encanta y me animo a buscar su debut de 1996. Desde entonces he estado siguiendo la banda y sus posteriores lanzamientos, y puedo decir que "From Our Living Room to Yours" es su mejor álbum.

 

ALBUM: From Our Living Room to Yours

Es el segundo álbum publicado el 1 de julio de 1997. No es para aquellos que busquen canciones Pop de dos a cuatro minutos de ritmo rápido, este álbum debe tomarse como un todo, y no como canciones separadas. A mi me gusta mejor con auriculares donde se construye y luego se expande maravillosamente para perderte en la arquitectura tonal, la pura belleza y así experimentar la sensación de estar flotando.

Es un disco relativamente poco conocido, pero es un maravilloso álbum. Desde el fascinante primer corte "Magnificent Seventies" en adelante, "From Our Living Room to Yours" teje un tapiz sonoro de notable complejidad y textura. Las canciones son sutilmente dinámicas, explorando más a fondo las fortalezas de sus tensas y austeras composiciones; las voces tienen un valor aún mayor que antes, traduciéndose como pasajes instrumentales extendidos en los que las melodías minimalistas del grupo alcanzan un poder casi de trance. De hecho, el álbum parece presentarse en tres o cuatro "movimientos" que, aunque no varían mucho en sonido o estado de ánimo, están conectados por transiciones sin fisuras que actúan para unir aún más el trabajo. Me atrevo a decir que se parece mucho a un "concept album", aunque, ¿Cuál es el concepto?... se me escapa.

Un disco recomendado. Un álbum exquisito, el mejor de "AmAnSet", rebosante de intensidad silenciosa y canciones casi perfectas, algunas de las músicas más relajadas y hermosas que podrás escuchar. En una época - la nuestra - donde la mayoría de la música suena igual con un obvio enfoque comercial y de “chicle”, es un alivio poder mirar en el “baúl de los recuerdos” y descubrir álbumes del pasado grabados por músicos que tenían otra visión del arte. Si te gustan bandas como Neu! y otras experimentales, seguro que te va gustar este disco si ya no lo conoces. Mola, y mucho.

Video del tema “Don´t Wake Me”:

Tracklist:

1.         "Magnificent Seventies"            8:57
2.         "Using the Hope Diamond as a Doorstop"       2:45
3.         "Blue Chaise"   6:38
4.         "Where Have All the Good Boys Gone"          5:37
5.         "White House" 5:13
6.         "Two Way Diamond I" 4:08
7.         "Two Way Diamond II"           4:28
8.         "Don't Wake Me"        6:55

CURTIS MAYFIELD | Curtis - Album

Curtis Mayfield (Músico)

Un extraordinario músico, intérprete, compositor, productor y arreglista. Sin duda, el primer músico afro-americano que realmente utilizó el formato de álbum no solo como un foro de comentarios sociales, sino también como una salida para su propia visión artística. Un hombre con el control total de su propia dirección artística desde el principio, abrió las puertas a otros como Marvin Gaye, Stevie Wonder, Bobby Womack, Gil Scott-Heron, The O-Jays, Sly Stone, Bill Withers, Isaac Hayes...etc

¿Quien fue Curtis Mayfield?

Nacido el 3 de junio de 1942 en Chicago - murió el 26 de diciembre, es uno de los músicos más influyentes detrás del Soul, Funk y la música afro-americana. Alcanzó el éxito y el reconocimiento por primera vez con "The Impressions" durante el movimiento por los derechos civiles de finales de los años 50 y 60, y luego como solista.

Mayfield recibió su primera guitarra cuando tenía diez años y cantaba en un coro de gospel. Fue un músico autodidacta, y creció admirando al cantante de blues Muddy Waters y al guitarrista español Andrés Segovia. En 1956 a la edad de 14 años se unió al grupo vocal "The Impressions". Como compositor, Mayfield se hizo conocido como uno de los primeros músicos en incorporar temas más frecuentes de conciencia social a la música Soul. En 1965, escribió "People Get Ready" para "The Impressions", que mostraba su composición más políticamente cargada. Después de una cadena de éxitos en los años 60 como "Keep On Pushing," "People Get Ready", "It's All Right" (Top 10), "Talking about My Baby"(Top 20) y "Woman's Got Soul", Mayfield comienza su carrera en solitario en 1970.

Curtis Mayfield publicó varios álbumes, incluida la banda sonora de la película de "Super Fly" en 1972 considerado por algunos su "obra maestra". La banda sonora "Superfly" se destacó por sus temas de conciencia social, principalmente abordando problemas que rodean a las minorías del centro de la ciudad como crimen, pobreza y abuso de drogas. 

El 13 de agosto de 1990, Mayfield quedó paralizado del cuello para abajo después de que el equipo de iluminación le cayera encima durante una actuación en directo en Nueva York. A pesar de esto, continuó su carrera como artista discográfico, publicando su último álbum "New World Order" en 1996. Mayfield ganó un Grammy "Legend Award" en 1994 y un Grammy "Lifetime Achievement Award" en 1995. Es un doble miembro del "Salón de la Fama del Rock and Roll", como miembro de "The Impressions" en 1991, y nuevamente en 1999 como solista. También fue dos veces miembro del "Salón de la Fama de los Grammy". Murió por complicaciones de la diabetes tipo 2 a la edad de 57 años el 26 de diciembre de 1999. 

El legado de Curtis Mayfield es enorme. Como líder de "The Impressions", grabó algunas de las mejores músicas del grupo vocal soul de la década de 1960. Como solista en la década de 1970, ayudó a ser pionero del Soul y Funk, y ayudó a introducir comentarios políticos y sociales en la música Soul. Su forma de tocar la guitarra, cantar y escribir canciones con conciencia social influyó en una variedad de artistas, incluidos Jimi Hendrix, Bob Marley, Tracy Chapman, Sly Stone, Marvin Gaye, Stevie Wonder...por decir algunos.

La discografía de Curtis Mayfield: 

•  Curtis (1970)
• Roots (1971)
• Super Fly (1972)
• Back to the World (1973)
• Claudine (con Gladys Knight & the Pips) (1974)
• Sweet Exorcist (1974)
• Got to Find a Way (1974)
• There's No Place Like America Today (1975)
• Give, Get, Take and Have (1976)
• Sparkle (con Aretha Franklin) (1976)
• Never Say You Can't Survive (1977)
• Do It All Night (1978)
• Heartbeat (1979)
• Something to Believe In (1980)
• The Right Combination (con Linda Clifford) (1980)
• Love is the Place (1982)
• Honesty (1983)
• We Come in Peace with a Message of Love (1985)
• Take It to the Streets (1990)
• New World Order (1996)

Consiste un alto consenso en que el álbum, y la Banda Sonora "Superfly" es el mejor disco, no hay duda que es uno de sus mejores y recomiendo que lo busques si aún no lo has escuchado. Sin embargo, me gusta más el debut de 1970, "Curtis", yendo tan lejos como para decir que este es un álbum impecable, magnífico de principio a fin. En ocho canciones y en 40 minutos, Mayfield logra entregar un álbum de letras contundentes llenas de crítica política, una celebración de la cultura afro-americana y canciones funky-bailables, conmovedoras y pegadizas. Un pedazo de álbum.
 

ÁLBUM: Curtis

Ya en 1970 la música de Curtis Mayfield se había transformado en la conciencia del poder afro-americano, y su primera incursión completa en un territorio resbaladizo llegó con su primer álbum en solitario, "Curtis", publicado en septiembre de 1970. Producido por él mismo, fue lanzado en su propio sello "Curtom Records". Los estilos musicales de Mayfield se alejaron más de los sonidos Soul del grupo anterior de Mayfield, "The Impressions", y presentaban un sonido más Funk y con influencias psicodélicas. El tema-narrativo del álbum incorpora preocupaciones políticas y sociales de la época. Llegó al #1 en los álbumes Billboard (música negra) y el #19 en las listas de álbumes Billboard (general). Sólo el single "(Don't Worry) If There A Hell Below, All Going To Go" se lanzó de este trabajo en los Estados Unidos llegando al #3; sin embargo, una versión editada de "Move On Up" pasaría 10 semanas en el top 50 del UK Singles Chart.

Este álbum representó una apoteosis musical para Curtis Mayfield; de hecho, muchos especialistas han comentado que fue el álbum "Sgt. Pepper" de Soul de los años 70 (Siglo XX), lo que ayudó con su contenido y su éxito a abrir todo un género a lienzos musicales mucho más grandes y ricos que los artistas con los que habían trabajado anteriormente. Mezclando temas contemporáneos sobre el orgullo racial y la responsabilidad cívica ("Miss Black America" y "Move On Up"), el disco es una mezcla de realismo y ritmos bailables. Este disco abrió la carrera de Mayfield en la medida en que sacudió las cadenas del comercialismo de "The Impressions", convirtiéndose en portavoz de su generación.

El disco "Curtis" es una declaración del hombre y su música: poderosa y actual que reflejaba no solo los sonidos Soul más actualizados de su período finamente producidos por el propio Mayfield, también sus preocupaciones políticas y sociales abrazándolos con los sonidos R&B más elegantes del pasado. Como productor, Mayfield adoptó los sonidos Soul más progresivos de la época, ampliándose de manera convincente en temas como "Move on Up", pero también recurrió a sonidos orquestales (y bongos etc), para lograr timbres musicales sorprendentes (como en " Wild and Free "). Mayfield ejecuta en este álbum algunas de las mejores melodías que jamás escribiría; son todos himnos del orgullo afro-americano, canciones de libertad... 

Un disco recomendado por la visión artística, las canciones, los arreglos, la voz... una obra irresistible. Este disco llega a ubicarse como uno de los grandes álbumes de Soul y Funk de todos los tiempos. Es una obra profunda, político, actual y hermosamente elaborada. Solo hay que escuchar "Move On Up" que sigue llenando pistas de baile después de tantos años. 

Y termino, si te gusta este álbum, escucha "Superfly" de 1972, o viceversa...ambos son grandísimos discos y decir cual es mejor es muy difícil. Al final, como casi siempre, es cuestión de gusto y como un@ se siente en el momento.

Video de "Move on Up":

Tracklist del álbum "Curtis" (formato original):

Cara A
1.         "(Don't Worry) If There's a Hell Below, We're All Going to Go"   7:50
2.         "The Other Side of Town"     4:01
3.         "The Makings of You"           3:43
4.         "We the People Who Are Darker Than Blue"           6:05

Cara B
5.         "Move On Up"           8:45
6.         "Miss Black America"            2:53
7.         "Wild and Free"         3:16
8.         "Give It Up"   3:49

DAVID KAUFFMAN & ERIC CABOOR | Songs From Suicide Bridge

Existen aún piezas musicales que sorprenden. Grabaciones olvidadas que vuelven del pasado para asombrarnos. La siguiente historia es sobre dos cantautores americanos David Kauffman & Eric Caboor que si no fuera por un pequeño sello independiente no hubiésemos sabido de ellos, ni tampoco de su álbum colaboración "Songs From Suicide Bridge". Una pequeña joya de alt-folk que se nos presentó de nuevo y a llamado la atención 30 años después a una nueva generación.

David Kauffman & Eric Caboor (Músicos)

¿Quienes son David Kauffman & Eric Caboor?

A priori hay poco en internet sobre cada uno por separado. Lo que existe es cómo se conocieron y colaboraron para grabar unas canciones, y después grabar un álbum.

La narrativa va que en 1982, dos aspirantes a cantautores llamados David Kauffman (de Madison, Nueva Jersey) y Eric Caboor (de Burbank, California) se reunieron en un lugar llamado "Basement" (Echo Park) en Los Ángeles y tocaron sus canciones a una sala media llena. Se llevaron bien y en 1983 decidieron grabar en un cobertizo sus mejores temas al estilo "Do It Yourself" (DIY) con un "4 track".  Tomaron la decisión de planchar unos 500 vinilos para repartir entre amigos, radios universitarias y a "tastemakers". Sin ninguna reacción para notar ambos cantantes se fueron por caminos separados.

No sería hasta 30 años después que la música de David Kauffman y Eric Caboor llegaría a una audiencia más grande que la sala "Basement" y sus 500 copias del vinilo original. Gracias al pequeño sello independiente "Light in the Attic", la reedición de este álbum pronto llevaron su primer álbum a una audiencia completamente nueva. Y con ello, los oyentes hipnotizados comenzaron a difundir lentamente la leyenda del álbum, como un cuento popular clásico. Es como una historia de "piratas" que encuentran un tesoro en una isla desierta y dentro de un cofre enterrado está el disco ""Songs From Suicide Bridge".

ALBUM: Songs From Suicide Bridge

Grabado en Burbank en 1983, "Songs From Suicide Bridge" es el álbum debut de David Kauffman y Eric Caboor, dos compositores solitarios que se conocieron por casualidad dos años antes en el sótano de una iglesia metodista, aka "Basement".

El disco "Songs From Suicide Bridge" es tan oscuro y deprimente como el título te hace creer. Pero también es inquietante y hermoso, un documento de bricolaje atemporal de canciones acústicas melancólicas creadas por músicos reacios que habían renunciado a la idea de "triunfar" en la industria de la música. Kauffman y Caboor solo plancharon 500 copias en vinilo de "Songs from Suicide Bridge" con su propio sello "Donkey Soul Music" en junio de 1984 y enviaron casi la mitad de ellas a radios universitarias y públicas, con poca respuesta a cambio.

Pasaron más de 30 años, el 12 de mayo de 2015, el sello independiente "Light In The Attic" reedita "Songs From Suicide Bridge". Un álbum con una foto de portada fantasmal del puente "Suicide" de la Calle Colorado en Pasadena, donde más de 100 personas han terminado con sus vidas desde la construcción del puente en 1913. Vaya introducción visual ¿no? 

David Kauffman & Eric Caboor bajo el estilo "DIY" lograron crear algo distintivo; con un poco de reverberación en las voces y un sonido de guitarra acústica nítido, a veces percusivo que intensifica el aislamiento intenso de las canciones, el álbum es sorprendentemente emotivo y hermoso. Si, la línea del álbum es tristón, es un álbum construido sobre bases acústicas de folk-rock atravesado por un profundo sentido de alienación, aislamiento, desafección y una silenciosa y resignada desesperación. Quizás Kauffman y Caboor no estaban pasando por sus mejores momentos en 1983, aunque su música yuxtapone optimismo y una "luz al final del túnel". El resultado, para mi es un álbum absolutamente maravilloso, un conjunto de canciones fuertes y conmovedores. Viene a mente el álbum de Bruce Springsteen, "Nebraska" y álbumes más tristones de Neil Young cuando escuchas este disco. 

Momentos estelares para mi son: "Neighborhood Blues", "Life And Times On The Beach", "Midnight Willie", "Tinsel Town" y "One More Day(You'll Fly Again)", aunque todo el álbum es una preciosidad.

Un disco recomendado. Un auténtico descubrimiento que nos aparece de la nada, perdido (literalmente) en las estanterías de algún estudio o garaje para asombrar al que lo escuche. Hace tiempo que no me emocionaba tanto con un disco, especialmente con la historia detrás. Muy conmovedor y necesario en nuestros tiempos, como las sensaciones atemporales que describe.

Buscarlo por las plataformas digitales y canales habituales. Escucha este álbum, vas a flipar.

Video del tema "Kiss Another Day Goodbye":

Tracklist del álbum "Songs From Suicide Bridge":

1. Kiss Another Day Goodbye
2. Neighborhood Blues
3. Life Without Love
4. Angel of Mercy
5. Life and Times on the Beach
6. Backwoods
7. Midnight Willie
8. Where's the Understanding?
9. Tinsel Town
10.One More Day (You'll Fly Again)

AGENT ORANGE | Living in Darkness

Agent Orange (Banda)

Grupo americano de Punk-Rock formado en Placentia (Orange County), California en 1979.

La banda "Agent Orange" se formó por el guitarrista Mike Palm, un músico cuyas primeras influencias incluyeron la música surf, el heavy metal y el rock de los años 50 y 60 (Siglo XX). Envalentonado por el auge del Punk-rock, Mike Palm comenzó a consolidar sus gustos en una fusión de estilos con sonidos clásicos con el impacto y la velocidad del Punk. En equipo con el bajista Steve Soto y el baterista Scott Miller, Palm armó la primera edición de "Agent Orange". En 1980, el trío lanzó su single debut, "Bloodstains" b / w "America" y "Bored of You". Gracias al programa de radio "KROQ" de Bingenheimer, "Bloodstains" se convirtió en un favorito de la comunidad Punk del sur de California, y la banda llegó a un acuerdo con el sello independiente "Posh Boy" para grabar su primer álbum "Living in Darkness" de 1981. Desde entonces su legado es que el trío son acreditados como los pioneros del Surf-punk, y se convirtieron en una de las bandas verdaderamente perdurables de la comunidad Punk de la costa oeste americana.

La discografía de álbumes de estudio:

•  Living in Darkness (1981)
• This Is the Voice (1986)
• Virtually Indestructible (1996)

El álbum debut del grupo, Living in Darkness de 1981, es el mejor disco de la banda y se convirtió en una piedra de toque en el skate-punk underground.

ALBUM: Living in Darkness

Es el primer álbum de estudio publicado en 1981. El álbum mostró una mezcla innovadora de los estilos punk, surf rock y skate punk, y también fue incluido en los "10 mejores discos de skate punk de todos los tiempos".

El álbum original consta de ocho temas. En 1992, se amplió para incluir tres canciones inéditas de las sesiones del álbum ("Pipeline", "Breakdown" y "Mr. Moto"), así como las grabaciones de 1979 que les valieron su contrato con el sello "Posh Boy" ("Bloodstains", "America ","Bored of You" y "El Dorado"). También se incluyeron en la reedición una entrevista de 1981 y unas notas escritas por el guitarrista Mike Palm. En 1988, "Agent Orange" grabó una versión inédita del álbum, titulada "Living in Total Darkness". Yo tengo el disco en su formato original y en vinilo, me basta con este, aunque sepas que hay reediciones.

Escuchando este disco surge la pregunta ¿Son una banda punk, power-pop o surf rock? Al incorporar los tres elementos musicales en uno, "Agent Orange" demuestra que estaban un paso por delante del resto de los grupos punk-hardcore de su época. Es un fantástico álbum, con una combinación de letras personales sobre las dificultades de ser un punk en la escena inicial, y de simplemente vivir la vida y conservar la propia santidad, apasionantes comentarios sociales políticos y canciones instrumentales. En "Living in Darkness", Agent Orange tiene todo el tema del punk bastante bajo control. Una aventura veloz de 20 minutos de duración sin paradas de una canción a la siguiente sin frenos.

Un disco recomendado. Un gran álbum para todos los fans del punk-rock, o simplemente para aquellos que tengan ganas de escuchar algo diferente. Un sonido punk-rock-surf con un lado melancólico y con una gran maestría musical. Perfecta "Banda Sonora" para los aficionados de "Skate" y/o "Surf" para no decir todos los seguidores de la "cultura urbana". Si eres un joven lector busca este disco, pienso que te va gustar, y mucho. Si eres un lector veterano quizás ya lo conozcas, mejor, recuperarlo.

Video del tema "Too Young to Die":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A

1.         "Too Young to Die"   2:04
2.         "Everything Turns Grey"       2:00
3.         "Miserlou"       2:07
4.         "The Last Goodbye"  2:49

Cara B

5.         "No Such Thing"        2:47
6.         "A Cry for Help in a World Gone Mad"       2:09
7.         "Bloodstains"  1:44
8.         "Living in Darkness" 4:13

PRINCE | Top 10 Ranking Albums

PRINCE (Músico)

Prince Rogers Nelson (7 de junio de 1958-21 de abril de 2016) fue un cantautor, músico, productor de discos, bailarín, actor y cineasta estadounidense. Es ampliamente considerado como uno de los mejores músicos de su generación. Simplemente, ningún otro artista de la era del Rock se compara con Prince. Era la combinación de un conceptualista pop visionario y un maestro músico que podía capturar los sonidos que imaginaba, una cualidad que impulsó su notable éxito en la década de 1980. Las ideas llegaron a Prince tan rápido que no podían ser contenidas en sus propios discos, con o sin su banda de apoyo "The Revolution".

No había un área de la música pop en los 80 que no tuviera su influencia: se podía escuchar en el funk y R&B sesiones, en el electro-techno y rock neo-psicodélico, y justo en la cima de las listas de éxitos. El reinado de Prince continuó hasta principios de los años 90, un momento en el que cambió "The Revolution" por el jazz-funk de "New Power Generation". 

A mediados de la década de los 90, entró en una guerra con su compañía discográfica por conseguir su "libertad", que contribuyó a una lenta caída en las listas de éxitos. Una vez que recibió la emancipación de su contrato, aprovechó la oportunidad para publicar tanta música como pudo grabar, tomándose ocasionalmente el tiempo para enfocar su objetivo en "el mainstream", anotando éxitos como el disco "Musicology" de 2004 en el proceso. Prince produjo nueva música a un ritmo frenético a lo largo de la última década de su vida El 21 de abril de 2016 se comunicó que el músico había muerto (sobredosis accidental de fentanilo, tratamiento de dolores) a la edad de 57 años.

Vendió + 130 millones de discos en todo el mundo, ubicándolo entre los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos. Sus premios incluyen el "Grammy President 's Merit Award", los "American Music Awards" por logros y méritos, el "Billboard Icon Award", un "Academy Award" y un "Golden Globe Award". Fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 2004, en el "Salón de la Fama de la Música del Reino Unido" en 2006 y en el "Salón de la Fama de la Música Rhythm and Blues" en 2016.

La amplia discografía de álbumes (estudio y BSO) de PRINCE:

• For You (1978)
• Prince (1979)
• Dirty Mind (1980)
• Controversy (1981)
• 1999 (1982)
• Purple Rain (1984)
• Around the World in a Day (1985)
• Parade (1986)***
• Sign o' the Times (1987)
• Lovesexy (1988)
• Batman (1989)
• Graffiti Bridge (1990)
• Diamonds and Pearls (1991)
• Love Symbol Album (1992)
• Come (1994)
• The Black Album (1994)
• The Gold Experience (1995)
• Chaos and Disorder (1996)
• Emancipation (1996)
• Crystal Ball (1998)
• The Truth (1998)
• The Vault: Old Friends 4 Sale (1999)
• Rave Un2 the Joy Fantastic (1999)
• The Rainbow Children (2001)
• One Nite Alone... (2002)
• Xpectation (2003)
• N•E•W•S (2003)
• The Chocolate Invasion (2004)
• The Slaughterhouse (2004)
• Musicology (2004)
• 3121 (2006)
• Planet Earth (2007)
• Lotusflow3r (2009)
• MPLSound (2009)
• 20Ten (2010)
• Plectrumelectrum (2014)
• Art Official Age (2014)
• HITnRUN Phase One (2015)
• HITnRUN Phase Two (2015)
  
  

¿Cuáles son los mejores álbumes de Prince?

Una tarea súper difícil, cada fan tendrá sus discos favoritos, y en su particular orden. Me he lanzado al charco, al debate, para proponer los TOP 10 RANKING ÁLBUMES de Prince para mi gusto. Una lista obviamente subjetiva y personal. Ya sabes somos todos fans y aquí cada uno vive la música de su manera, y espero no molestar a los que tengan otra opinión.

Aquí un video que repasa el Top 10:

LISTA TOP 10 RANKING:

1. Sign O’ the Times (1987)
2. Purple Rain (1984)
3. 1999 (1982)
4. Controversy (1981)
5. Dirty Mind (1980)
6. Lovesexy (1988)  
7. Diamonds & Pearls (1991)
8. Around the World in a Day (1985)
9. Prince (1979)
10.The Love Symbol Album (1992)

***no incluye el soundtrack album, ejemplo; Parade: Music From the Motion Picture "Under the Cherry Moon".

Deja tus comentarios si deseas dar tu propia lista. Esta es simplemente la mia.

MIDNIGHT OIL | 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 - Album

Midnight Oil (Banda)

Grupo de rock australiano compuesta por Peter Garrett (voz, armónica), Jim Moginie (guitarra, teclado), Martin Rotsey (guitarra) y Rob Hirst (batería). El grupo fue formado en Sydney en 1972 por Hirst, Moginie y el bajista original Andrew James (entonces en la banda "Farm"): reclutaron a Peter Garrett al año siguiente, cambiaron su nombre en 1976 y contrataron a Martin Rotsey un año después. Peter Gifford se desempeñó como bajista de 1980 a 1987, y Bones Hillman asumió el papel hasta su muerte en 2020.

Como el grupo "FARM"...tocaban versiones de canciones de Cream, Creedence Clearwater Revival y Led Zeppelin. Colocaron un anuncio y Peter Garrett (ex-"Rock Island Line") se convirtió en su nuevo vocalista y comenzó a introducir elementos de rock progresivo de estilo Jethro Tull y Yes, así como su propio material. Garrett estaba estudiando en la Universidad Nacional de Australia en Canberra, por lo que "Farm" era solo una banda a tiempo parcial y tocaban para la comunidad de surfistas del norte de Sydney. A finales de 1976, Pete Garrett se mudó a Sydney para completar su título de abogado, pero Farm se convirtió en un grupo de tiempo completo y cambió su nombre a "Midnight Oil" sacando un nombre de un sombrero, dejando atrás "Television", "Sparta" y "Southern Cross". Después de cambiar su nombre a Midnight Oil, el grupo comenzó a desarrollar un sonido agresivo, Punk-Hard rock para su público de Pub-rock.

Midnight Oil desde sus principios, especialmente Peter Garrett (activista y después político), tienen una ADN social y ayudaron a concienciar a toda una generación de jóvenes australianos. La banda trajo un nuevo sentido de inmediatez política y social a la música Pop: no solo éxitos incendiarios como "Beds Are Burning" y "Blue Sky Mine" (contra la explotación de la industria minera de los territorios aborígenes australianos) atrajeron la atención mundial sobre la difícil situación de los pueblos indígenas y la clase trabajadora de Australia, sino que el grupo también puso su dinero; además de montar presentaciones benéficas para organizaciones como Greenpeace y Save the Whales, el líder Peter Garrett más tarde se convirtió en miembro de la Cámara de Representantes de Australia para el partido laborista. Al principio, la música de Midnight Oil era rock duro tosco con un toque Punk, mientras que comenzaron a adoptar construcciones melódicas más aventureras y arreglos angulares que sonaban inteligentes sin caer en la pretensión. El grupo adoptó un enfoque un poco más accesible y arreglos más dinámicos con el éxito internacional del álbum "Diesel and Dust" de 1987, y mantuvieron un ataque menos agresivo con "Blue Sky Mining" de 1990 y "Earth and Sun and Moon" de 1993. El disco "Capricornia" de 2002 los encontró reforzando su sonido nuevamente antes de hacer una pausa, sólo para regresar al trabajo en directo en la década de 2010. Ultimo álbum publicado "The Makarrata Project" (2020).

La discografía hasta ahora de MIDNIGHT OIL:

• Midnight Oil (1978)
• Head Injuries (1979)
• Place without a Postcard (1981)
• 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1 (1982)
• Red Sails in the Sunset (1984)
• Diesel and Dust (1987)
• Blue Sky Mining (1990)
• Earth and Sun and Moon (1993)
• Breathe (1996)
• Redneck Wonderland (1998)
• Capricornia (2002)
• The Makarrata Project (2020)

Midnight Oil es considerado uno de los grupos más prestigiosos e importantes del Rock australiano. Además, la banda ha influido en otros grupos internacionales como Green Day, REM, Pearl Jam, Biffy Clyro... así como artistas australianos como Crowded House, Powderfinger, The Living End...etc. El grupo también ha inspirado a artistas fuera del ámbito de la música popular, incluida el poeta Daniel Nester y el pintor Nicholas Harding.

Las canciones de Midnight Oil han sido versionadas por artistas como U2, Patti Smith, The Killers, Imagine Dragons, Silverchair , Tom Morello , Billy Bragg, Duran Duran, Lily Allen, Bob Geldof, Mark Ronson y Scorpions. Es más que probable - y no te sorprenda - que la música de "Midnight Oil" suene en una protesta por los derechos humanos y/o el calentamiento global.

Soy fan de Midnight Oil desde hace mucho tiempo. El disco que más éxito comercial tuvo fue el impresionante "Diesel and Dust" de 1987. Sin embargo, para mi el mejor álbum de la banda es "10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1" de 1982.

ALBUM: 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1

 
El cuarto álbum de estudio publicado en 1982. Alcanzó el puesto #3 en la lista australiana de álbumes y permaneció en la lista durante 171 semanas. Conocido también como el disco que puso "Midnight Oil" sobre el escenario mundial del rock entrando por la puerta del mercado americano. Un álbum como un elemento de "shock" dado su carga política y de protesta aceptado por su magnífico nivel de energía y de música.

La banda muestra mucha madurez con este disco y como ya he comentado, es el "primer álbum estadounidense" agregando muchos elementos progresivos con más sintetizadores y estructuras de canciones más complejas (hay toques "New-wave" similar a "Talking Heads"). Un salto en calidad y estilo desde sus tres primeros álbumes, que sigue siendo hoy uno de los clásicos del rock australiano. Riffs de rock poderosos y pegadizos se combinan con melodías hábiles y letras contundentes de comentarios políticos-sociales para producir un impacto auditivo y sobre la consciencia.

Midnight Oil ya era una de las bandas más populares de Australia cuando hicieron este "debut" en los Estados Unidos y aunque tenían cierto conocimiento y experiencia del Hard rock inteligente pero físico de los primeros tres álbumes del grupo podrían haber hecho que fuera un poco más fácil de tragar para el público estadounidense donde los singles de baile tradicionalmente no incluyen el cántico "Es mejor morir de pie que vivir de rodillas, y cuestionar "la política exterior estadounidense" - canciones que protestaban las bases militares americanas situadas en suelo australiano. No obstante, apostaron fuerte por ellos mismos y resultó ser tan pegadizo como The Easybeats, tan sudoroso y contundente como "Rose Tattoo",  e incluso AC/DC, y mucho más inteligentes.

Midnight Oil conquistó internacionalmente y estuvo entre las mejores bandas que surgieron de Australia durante la década de 1980, y "10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1" fue su primer gran álbum sin lugar a dudas. Repleto de declaraciones políticas, excelente musicalidad, letras brillantes y melodías maravillosas tanto crudas como suaves. Gran obra y mejor pieza de exportación.

La presentación de "10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1" de principio a fin es la combinación más convincente de letras apasionadas, poderosamente entregadas sobre arreglos progresivos y una brillante producción de vanguardia. Hay estilos que van desde Pub-Rock a Punk, con adornos electrónicos, hasta himnos de protesta con temas de maltrato a los pueblos aborígenes. Este y otros comentarios políticos mordaces, literalmente escupidos por la imponente figura y calva de Peter Garrett, pueden hacer que las almas más adormiladas se den cuenta. Una actitud "en tu cara", temas como "Only The Strong" y "US Forces" hacen esto de inmediato. Canciones dinámicas como la apertura "Outside World" y el inquietante "Screaming Blue" pueden pasar de un paisaje sonoro suave y agradable a un fuego ardiente. Luego está el mencionado anteriormente "Power & the Pasion" con un ritmo de conducción y un coro inevitable que todavía impulsa el espíritu hasta el día de hoy. "Somebody 's Trying to Tell Me Something" trae toda esta cacofonía a una conclusión caótica y palpitante, terminando con Garrett gritando en un bucle sin fin por si acaso no entendió el mensaje. Vaya manera más clara para terminar este disco. El álbum "Diesel & Dust" fue un mayor éxito comercial y subió más alto en las listas, pero este álbum para mi representa el mejor momento de "Midnight Oil".

Un disco recomendado. Y como anécdota, la encuesta de expertos de la industria australiana votó este álbum como "el mejor álbum australiano de todos los tiempos" (encuesta encargada por el periódico "The Age", y los resultados se publicaron el 27 de junio de 2008). Un álbum para tener en tu colección y un referente del rock australiano de unas de las bandas más grandes jamás desde las antipodas.

Video del tema "Power and the Passion":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A
1.         "Outside World"                    4:24
2.         "Only the Strong"                  4:31
3.         "Short Memory"                     3:52
4.         "Read About It"         3:52
5.         "Scream in Blue"                    6:22

Cara B
6.         "US Forces"                4:06
7.         "Power and the Passion"                    5:39
8.         "Maralinga"                4:44
9.         "Tin Legs and Tin Mines"                  4:28
10.       "Somebody's Trying to Tell Me Something" 3:58