SONIC YOUTH - Smart Bar: Chicago 1985 - Live Album

Antes de que Sonic Youth se convirtiera en una referencia inevitable del rock alternativo, hubo noches pequeñas, escenarios pegajosos y conciertos donde todo parecía a punto de descarrilar. El disco "Smart Bar: Chicago 1985" nos devuelve a uno de esos momentos en los que una banda todavía no era leyenda, pero ya sonaba como si quisiera incendiar el mapa. Este directo no solo documenta un concierto en Chicago, también captura la tensión creativa de cuatro músicos empujando la guitarra eléctrica hacia territorios nuevos, incómodos y excitantes. Entrar en este álbum es escuchar el ruido justo antes de que la historia cambiara.

ALBUM: Smart Bar: Chicago 1985

Hay álbumes en directo que sirven para cerrar una etapa. Y luego están los que hacen justo lo contrario: abrir una puerta al pasado para enseñarnos el instante exacto en que una banda todavía no sabía que iba a cambiar la historia. "Smart Bar: Chicago 1985", publicado el 13 de noviembre de 2012 por Goofin’ Records, pertenece a esa segunda categoría. No es un grandes éxitos en directo ni una celebración nostálgica. Es una grabación cruda, irregular y eléctrica que captura a Sonic Youth cuando aún eran una promesa peligrosa del subsuelo americano.

Escuchar este álbum de nuevo hoy es como entrar en una sala pequeña de Chicago una noche de agosto de 1985 y descubrir, entre humo, cables y amplificadores al límite, que algo importante estaba ocurriendo delante de tus ojos.

Cuando el rock alternativo todavía no tenía nombre:

En 1985 el rock independiente no era una industria ni una etiqueta de escaparate. Era una red artesanal de fanzines, cartas por correo, conciertos en clubes pequeños y giras sin dinero. Lee Ranaldo lo explicó años después: "aquello era un mundo previo a internet, donde las conexiones se hacían cara a cara, con vinilos como tarjeta de presentación y con la sensación de que todo estaba por inventar".

Mientras la radio estadounidense se rendía al glam metal y al exceso, en otra parte del mapa surgían bandas que empujaban el lenguaje del rock hacia zonas menos cómodas. Hüsker Dü aceleraba el punk hacia la melodía, Butthole Surfers convertía el caos en espectáculo y Sonic Youth retorcía la guitarra eléctrica hasta hacerla hablar en otro idioma.

El concierto del Smart Bar se produjo pocos meses después de la salida de Bad Moon Rising, segundo álbum oficial del grupo. Ese disco había supuesto una ruptura deliberada con su material anterior: nuevas afinaciones, nuevas estructuras y una atmósfera obsesiva, casi cinematográfica. Pero además había un cambio decisivo en la formación. Bob Bert había salido de la banda y entraba Steve Shelley, baterista joven, preciso y feroz, que terminaría siendo una pieza esencial en la identidad de Sonic Youth.

Cómo nació este álbum en directo:

Durante años, la leyenda de Sonic Youth en vivo circuló sobre todo entre cintas piratas y grabaciones de fans. Por eso "Smart Bar: Chicago 1985" tiene tanto valor documental. Se trata de la grabación multi-pista más antigua conocida de un concierto de la banda. Parte del inicio del show tuvo que completarse con una cinta doméstica tomada entre el público, detalle que lejos de perjudicar el resultado lo vuelve más humano.

Llegó en 2012, poco después del parón indefinido provocado por la separación de Thurston Moore y Kim Gordon. Algunos lo vieron como una excavación oportunista del archivo. Yo lo veo de otro modo: una oportunidad de escuchar a Sonic Youth antes de convertirse en referencia obligatoria. Antes de Daydream Nation, antes de influir en Nirvana, antes de que la palabra "alternativo" acabara domesticada por el mercado.

El sonido: ruido con arquitectura interna:

Lo primero que impresiona del álbum es su energía física. No suena limpio, tampoco pretende hacerlo. Suena vivo. Las guitarras de Moore y Ranaldo chirrían, zumban, se cruzan como cables pelados. Hay feedback, drones, golpes metálicos, silencios tensos y ráfagas de distorsión que parecen improvisadas aunque en realidad responden a una lógica interna muy precisa.

Steve Shelley cambia por completo la dinámica. Donde Bob Bert era más tosco y tribal, Shelley introduce impulso, movimiento y una extraña elegancia rítmica. Basta escuchar "Brave Men Run (In My Family)" para notar cómo la batería empuja la canción hacia delante sin perder oscuridad.

La producción mantiene una cercanía casi táctil. Se oye la sala, se percibe el volumen, incluso ciertos defectos técnicos suman atmósfera. Este no es un disco para audiófilos, es un disco para quienes quieren sentir el aire vibrando frente al amplificador.

Canciones que mutan:

Gran parte del repertorio procede del disco Bad Moon Rising, pero muchas canciones aquí superan en intensidad a sus versiones de estudio.

"Death Valley ’69" aparece como una amenaza real. La introducción de guitarra tiene algo de remolino industrial, como si Swans se encontrara con Television en un túnel oscuro. Kim Gordon sustituye el dramatismo de Lydia Lunch con una interpretación más seca, más callejera, más hostil.

"I Love Her All The Time" conserva su hipnosis, pero en directo adquiere un pulso casi romántico bajo capas de ruido. Es una canción hermosa escondida dentro de un accidente controlado.

"Ghost Bitch" se vuelve más agresiva, menos literaria y más punk. Gordon no canta, lanza frases como quien rompe cristales.

Y luego están los adelantos del futuro. "Secret Girl" aparece todavía frágil y nebulosa, anticipando el universo de EVOL. "Expressway to Yr Skull", una de las grandes piezas del grupo, ya muestra esa mezcla de deriva espacial y melancolía urbana que después sería central en su catálogo. Escuchar su primera encarnación produce una emoción especial: el momento en que una canción descubre quién quiere ser.

También aparece "Kat ’n’ Hat", instrumental nunca editado oficialmente en estudio, curiosidad valiosa donde se intuye la arquitectura expansiva que años más tarde cristalizaría en Daydream Nation.

Kim Gordon, centro magnético:

Mucho se ha hablado de Thurston Moore como figura visible, pero este álbum recuerda algo esencial: Kim Gordon era una fuerza insustituible. Su presencia aquí domina el escenario. Su voz no busca virtuosismo ni complacencia, busca carácter. Tiene distancia, ironía, amenaza y belleza. En un entorno donde muchas mujeres eran reducidas a papeles secundarios dentro del rock, Gordon ocupaba el centro sin pedir permiso.

Escuchándola en "Smart Bar: Chicago 1985" se entiende por qué tantas artistas posteriores, de PJ Harvey a St. Vincent pasando por innumerables bandas de noise pop y post punk, encontraron en ella una referencia.

Lo que dice sobre su tiempo:

1985 no parece tan lejano hasta que uno escucha este disco. Aquí no hay corrección digital, no hay redes sociales, no hay estrategia de marca. Hay una banda viajando con poco dinero, durmiendo donde puede, tocando para públicos pequeños y buscando nuevas formas de expresión porque sí.

Ese contexto importa. Sonic Youth no estaba reaccionando a una tendencia, estaba creando un espacio donde después entrarían otros. El auge del rock alternativo de los noventa no se entiende sin estos años de ensayo y riesgo. Sin estos conciertos donde quizá parte del público hablaba entre canciones porque todavía no comprendía del todo lo que estaba viendo.

Disco recomendado

No es el mejor punto de entrada a Sonic Youth, ni pretende serlo. Para eso quizá siguen ahí Daydream Nation, Goo o EVOL. Pero "Smart Bar: Chicago 1985" ofrece algo que ningún clásico de estudio puede dar: el temblor del presente.

Aquí la banda todavía está llegando a sí misma. Y precisamente por eso resulta tan fascinante. No hay comodidad, no hay fórmula, no hay legado que defender. Solo hambre, intuición y volumen.

Yo recomiendo este disco a cualquiera que quiera entender cómo nace una gran banda de verdad. No cuando ya sale en portadas, sino cuando aún toca en salas pequeñas y convierte el ruido en revelación. Si alguna vez has querido escuchar el instante previo al mito, este álbum te está esperando.

Video del tema "The Burning Spear (Live):

Tracklist:

1. "Hallowe'en" 5:42
2. "Death Valley '69" 7:20
3. "Intro"/"Brave Men Run (In My Family)" 4:51
4. "I Love Her All the Time" 5:20
5. "Ghost Bitch" 5:55
6. "I'm Insane" 5:20
7. "Kat 'n' Hat" (Instrumental) - unreleased previamente 3:36
8. "Brother James" 2:50
9. "Kill Yr Idols" Moore 2:32
10. "Secret Girl" Gordon 3:13
11. "Flower" Gordon 2:36
12. "The Burning Spear" 5:01
13. "Expressway to Yr Skull" 9:04
14. "Making the Nature Scene" 3:42

Sonic Youth (Banda):

• Thurston Moore – voz, guitarra
• Kim Gordon – voz, bajo
• Lee Ranaldo – guitarra
• Steve Shelley – batería, mezcla

PINK FLOYD at Pompeii - MCMLXXII (2025 Remastered)

Antes de que The Dark Side of the Moon los convirtiera en un fenómeno global, Pink Floyd era una banda a la deriva en paisajes sonoros cósmicos, impulsada más por la experimentación que por la ambición. "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII", la versión remasterizada en 2025 de su legendario concierto de 1972, captura este momento de transición con una claridad impactante. Presentada sin público en las ruinas de un antiguo anfiteatro romano, esta reedición invita a los oyentes a sumergirse en el corazón de los años de formación de la banda, donde los ecos rebotan en la piedra, la música respira libremente y el futuro aún está por escribir.

ALBUM: Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII (2025 Remastered)

Hay algo inherentemente cinematográfico en Pink Floyd. Desde las texturas melancólicas de "Meddle" hasta la narrativa extensa de "The Wall", esta banda siempre pintó con ambición cinematográfica. Pero mucho antes de que la maquinaria comercial de giras por estadios y mega-álbumes conceptuales tomara el control, existía "Pompeii". Filmada a la sombra del Vesubio, interpretada sin público y ahora renacida en 2025 como "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII", esta icónica grabación finalmente ha recibido la restauración que merece, una que posiblemente no necesitaba.

Sí, los motivos de Sony pueden ser claros. Tras gastar cientos de millones en los derechos del catálogo de Pink Floyd, una reedición pulida de una película de concierto ya reeditada es más una jugada comercial que una resurrección artística. Pero a veces, incluso las ganancias económicas pueden tener una extraña belleza.

El álbum como máquina del tiempo:

Aclaremos esto: si ya tienes la caja de The Early Years o Obfusc/ation de 1972, puede que no necesites esta nueva versión. La remezcla Dolby Atmos de Steven Wilson es elegante y espaciosa, tan sutil que solo los oídos más dedicados notarán la diferencia. Sin embargo, "Pompeii – MCMLXXII" es más que una actualización sonora. Es una invitación a un momento específico: octubre de 1971, cuando cuatro jóvenes entraron en las ruinas de un anfiteatro romano e hicieron eco del sonido a través del tiempo.

Este no es solo un álbum en vivo. Es Pink Floyd antes del maremoto de The Dark Side of the Moon, aún inmerso en exploraciones libres e improvisaciones sobrenaturales. Sin público de estadio, sin teatralidad conceptual, solo instrumentos, aire, luz y piedra.

Ecos entre las cenizas:

El álbum abre con Echoes Part 1, y pocos comienzos musicales se sienten tan inmersivos. El minimalista "ping" del piano de Richard Wright florece en una de las subidas de guitarra más evocadoras de David Gilmour. Hay una contención inquietante, como si invocaran algo de las profundidades de la tierra. La decisión de dividir Echoes en dos partes en este lanzamiento puede frustrar a los puristas, pero la interpretación en sí sigue siendo impresionante.

Video del tema "Echoes" Part 1:

La verdadera joya, sin embargo, es "Careful With That Axe, Eugene". En teoría, es una maravilla de un solo riff. En la práctica, es aterradora. Los susurros de Roger Waters y el grito final explotan como el mismísimo Vesubio, acentuados por los salvajes gruñidos de guitarra de Gilmour y los paisajes sonoros disonantes de Wright. Es uno de esos cortes donde la banda no toca para el público, toca para los fantasmas.

De la aleatoriedad al ritual:

Mucho se ha dicho de "A Saucerful of Secrets" por ser "aleatoria", y quizás todavía lo sea, pero en el mejor sentido. Es el sonido de una banda que intenta articular algo incognoscible. La batería de Nick Mason aquí se siente a la vez tribal y mecánica, mientras que los lamentos sin palabras de Gilmour durante la sección Voces Celestiales se encuentran entre sus interpretaciones más emotivas. En esta versión de 2025, la mezcla le brinda una paleta sonora más amplia para explorar, con su larga melena ondeando al viento como un chamán surrealista del rock.

Luego está "One of These Days". La versión de estudio de Meddle es una tormenta; esta versión es una tempestad filmada en gran angular. La famosa amenaza hablada ("Un día de estos te voy a cortar en pedacitos") impacta con más fuerza cuando no hay público que la aclame. La mezcla de Steve Wilson no intenta reinventar la rueda, pero sí permite que la batería de Mason golpee como olas, implacable y exigente.

Luz solar ancestral y fuego sónico:

"Set the Controls for the Heart of the Sun" merece una mención especial. Es quizás el tema más logrado de este lanzamiento. Los motivos orientales, el pulso hipnótico, la sensación de navegación celestial... es psicodélico, sí, pero no sin rumbo. Hay control y gracia. Los teclados de Wright brillan como olas de calor que surgen de piedras antiguas, y la paciencia de la banda al dejar que la pieza se desarrolle dice mucho de su confianza en esta etapa.

Menos lograda es "Mademoiselle Nobs", un tema de blues novedoso con Dave Gilmour en la armónica y un perro aullando. Es corto e inofensivo, pero su presencia se siente más como una nota al pie que como un final. Quizás sea un momento de ligereza después de la intensidad, pero no está a la altura de la carga espiritual de lo que lo rodea.

La película, el formato y la sensación:

Rodada originalmente en 16 mm y ahora restaurada en 4K, Pompeya – MCMLXXII no es impecable. Algunos podrían encontrar granulado el escalado IMAX. Pero esa es la cuestión. No se trata de un producto pulido, sino de un documento histórico. El contraste visual entre el equipo minimalista de la banda y las enormes ruinas que la rodean sólo refuerza el mito. Sin pirotecnia en el escenario. Sin fans gritando. Solo rock al desnudo.

La idea original del director Adrian Maben, capturar una actuación en directo sin distracciones, funciona incluso mejor ahora que en 1972. Sin el ruido del público, se oye todo. El zumbido de un amplificador. La respiración entre versos. El viento que susurra en el coliseo. Hay espacio para que la música respire y para que el oyente respire con ella.

Y luego está la grabación de la banda de vuelta en Londres, experimentando en Abbey Road con lo que más tarde se convertiría en "The Dark Side of the Moon". Están en el comedor pidiendo el desayuno, riendo, construyendo algo monumental sin darse cuenta aún de lo enorme que llegaría a ser.

Entonces, ¿por qué volver a Pompeya? ¿Por qué ahora?

Porque en 2025, la música rock puede parecer demasiado manipulada, demasiado explicada. Y, sin embargo, aquí tenemos a una banda de hace medio siglo, tocando sin pretensiones, que aún logra sonar como si buscara algo inalcanzable. No se trata solo de nostalgia, se trata de redescubrimiento.

No, no necesitas MCMLXXII si ya tienes una edición anterior. Pero si nunca has experimentado a Pink Floyd antes de The Dark Side of the Moon, o si solo los conocías como leyendas de la radio, este es el disco ideal. Muestra a la banda en transición, experimental, incierta e infinitamente fascinante.

Disco recomendado

Si estás listo para adentrarte más en lo que era Pink Floyd antes de convertirse en un nombre conocido, "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII" es un capítulo vital. Captura no solo el sonido de una banda en evolución, sino también la sensación de una época en la que hacer música era exploración, no ejecución.

Ya sea que seas nuevo en Pink Floyd o estés buscando reconectarte con la versión de la banda que llevó su incertidumbre con orgullo, este es un álbum y una película que recompensa la escucha atenta y los oídos abiertos.

Video de Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII - Official Trailer:

Tracklist:

Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII – 2025 Remastered

1."Pompeii Intro"
2."Echoes, Part 1"
3."On The Run" (studio footage)
4."Careful With That Axe, Eugene"
5."A Saucerful Of Secrets"
6."Us and Them" (studio footage)
7."One of These Days
8."Set the Controls for the Heart of the Sun"
9."Brain Damage" (studio footage)
10"Mademoiselle Nobs"
11."Echoes, Part 2"

Pink Floyd:

• Roger Waters: bajo, guitarra rítmica en "Mademoiselle Nobs", gong, platillos, gritos y palabras habladas en "Careful with That Axe, Eugene", voz principal en "Set the Controls for the Heart of the Sun", piano adicional en "Echoes".
  
  
• David Gilmour: guitarra principal, guitarra slide, armónica en "Mademoiselle Nobs", voz principal en "Echoes", voz en "Careful with That Axe, Eugene" y "A Saucerful of Secrets", voz adicional en "Set the Controls for the Heart of the Sun".
  
  
• Richard Wright: órgano Hammond, órgano Farfisa, piano de cola, voz principal en "Echoes", VCS 3 en "Pompeii" (introducción).
  
  
• Nick Mason: batería, percusión, fraseo vocal en "One of These Days".

HUMBLE PIE - Performance Rockin' the Fillmore - Album (Live)

Es uno de los mejores álbumes en directo jamás grabados, a la altura de The Who "Live at Leeds", The Allman Brothers "At Fillmore East" y Deep Purple "Live in Japan". El trabajo al que se alude es el LP doble de 1971 "Performance Rockin' the Fillmore" de la banda británica de blues rock "HUMBLE PIE".

Quiero recomendar esta joya a los lectores de este blog de musica y a los melómanos.

 

ALBUM: Performance Rockin' the Fillmore

 
Este es un magnífico doble LP en directo de 1971 del grupo inglés de blues-rock "Humble Pie" grabado en "Fillmore East" en la ciudad de Nueva York del 28 al 29 de mayo de 1971. El sencillo de gran éxito de este disco es ""I Don't Need No Doctor". El 29 de octubre de 2013, el sello discográfico "Omnivore Recordings" editó las cuatro sesiones grabadas ese fin de semana como un conjunto de cuatro CDs - "Performance: Rockin' the Fillmore-Complete Recordings".

El set de una hora contiene una canción original y varias versiones. Esta fue la gira y el doble LP que abrió el mercado estadounidense a "Humble Pie". Después de mezclar el álbum, y poco antes de su lanzamiento, el guitarrista Peter Frampton dejó la banda debido a los crecientes conflictos entre él y Steve Marriott.

Como se indica, este doble LP se grabó mientras Peter Frampton todavía estaba en la banda y captura la magia de "Humble Pie", donde el lirismo y las ideas de Steve Marriot se equilibraba con la abrasadora guitarra y solos de Frampton. Es un testimonio de lo duro que puede llegar a ser el rock sin desviarse hacia el heavy metal. El cociente del alma y la interacción de guitarras que impulsan este disco es impresionante.

Aquí encontrarás una banda realmente trabajada que puede estirarse y tocar. La banda tiene mucha clase, sentimiento y podría ir en muchas direcciones. Este es definitivamente uno de los grandes álbumes de rock and roll en vivo jamás publicado en vinilo.

"Performance Rockin' the Fillmore" también resalta la diversidad de la banda al incluir dos canciones paralelas, "I Walk On Gilded Splinters" de Dr. John y el clásico de The Muddy Waters "Rollin' Stone". Los otros dos lados cuentan con un grupo disparando a toda máquina. Hay un excelente trabajo de guitarras de Steve Marriot y Peter Frampton, y la sección rítmica de Greg Ridley en el bajo y Jerry Shirley en la batería es tan sólida y firme como cualquier otra banda de rock en ese momento. La formación sube al escenario en llamas y no cede hasta que la última nota es recibida con un estruendoso aplauso.

Esencial escuchar toda la grabación de "Performance: Rockin' the Fillmore". Es un trabajo candente y basado en blues interpretado con pasión, alma y vigor. Verdaderamente una grabación de concierto legendaria de una época que produjo numerosos LP en directo geniales. No hay nada mejor aquí, captura la energía cruda y la emoción de "Humble Pie" en el escenario.

Disco recomendado

 
Un documento de una banda en un momento crucial de su existencia, es valioso y revelador. Este es un excelente álbum de hard rock. De principio a fin se ubica entre las mejores presentaciones en vivo jamás realizadas en la historia del rock. Imprescindible para cualquiera que presuma ser un fan del rock de los 70 o en general. Es absolutamente esencial.

Video del tema "I Don't Need No Doctor":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Disc 1:

Cara A:

1.         "Four Day Creep"       Ida Cox          3:46
2.         "I'm Ready" (from Humble Pie)        music: Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley; words: Willie Dixon   8:31
3.         "Stone Cold Fever" (from Rock On) Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley 6:18

Cara B:

4.         "I Walk on Gilded Splinters" Dr John Creaux          23:25

Disc 2:

Cara A:

5.         "Rollin' Stone" (from Rock On)        Muddy Waters; arranged by Peter Frampton, Steve Marriott, Greg Ridley, Jerry Shirley   16:07

Cara B:

6.         "Hallelujah I Love Her So"    Ray Charles    5:10
7.         "I Don't Need No Doctor"     N.Ashford, V. Simpson, J. Armstead           9:15 

Humble Pie (Músicos):

• Steve Marriott - guitarra, voz, armónica
• Peter Frampton - guitarra, voz
• Greg Ridley - bajo, voz
• Jerry Shirley - batería

CHEAP TRICK - At The Budokan - Album (Live)

Es una de las muchas grandes historias del rock tipo "cenicienta". La banda estadounidense CHEAP TRICK no pudo romper el mercado estadounidense, sin embargo, triunfaban en Japón. El sello discográfico japonés quería grabar y lanzar un álbum "EN VIVO". Lo hicieron y sólo iba a ser editado en Japón, pero vendió tantas unidades que fue lanzado al mundo, vendiendo más de 3 millones de copias. El LP "At The Budokan" rompió "Cheap Trick" en los Estados Unidos y a nivel mundial al convertir el mencionado disco en uno de los grandes álbumes en directo de la historia del rock, un LP emblemático especialmente para el género power-pop.

 

ALBUM: Cheap Trick at Budokan (o simplemente "At the Budokan")

 
Es el primer álbum en vivo de la banda estadounidense de rock "Cheap Trick" y su disco más vendido. Grabado en el "Nippon Budokan" de Tokio (Japón), el álbum fue publicado por primera vez en Japón el 8 de octubre de 1978 y posteriormente en Estados Unidos en febrero de 1979.

El LP "At The Budokan" impulsó la popularidad de la banda y se convirtió en uno de los mejores álbumes de rock en vivo de todos los tiempos y un clásico del género power pop. En 2019, el álbum fue seleccionado por la "Biblioteca del Congreso" para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos" por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".

Tal vez fue el ingeniero de grabación con el toque mágico, tal vez fue una banda que disfrutaba de triunfar después de luchar durante tanto tiempo, tal vez sonaban más heavy en el escenario o tal vez fueron los miembros de la banda tratando de impresionar a miles de fans femeninas que gritaban. Cualquiera sea el motivo, la grabación final es excepcional. Batería con mucha energía, guitarra ruidosa y apasionada, voces a todo gas, melodías encantadoras, armonías sorprendentes y la energía de la banda para sacar lo mejor de sí. Y todo se junta en esta obra maestra.

El éxito comercial de "At Budokan" confirmó a "Cheap Trick" como una de las mejores bandas en directo de los años 70 (siglo xx). La enorme base de fans de Japón llevó a la banda a la cima en América del Norte con una poderosa y animada interpretación de muchas de sus exitosas canciones de sus dos primeros álbumes: Cheap Trick (1977) e In Color (1977).

El concierto contó con siete canciones escritas por el guitarrista Rick Nielson, incluido “Hello There” y algo de material nuevo. Uno de ellos fue el futuro éxito "Need Your Love" (coescrito por Nielson y el bajista Tom Petersson) y una versión del viejo clásico de Nueva Orleans de Fats Domino, "Ain't That A Shame".

El rendimiento general es excelente. La batería agresiva de Bun E.Carlos y el increíble trabajo de guitarra de Rick Nielsen arrasaron en todo el espectáculo. Esto es puro rock n' roll, pop y pegadizo, con un toque de dulzura. Un álbum en directo ahora clásico que está a la altura de "Made in Japan" de Deep Purple y el resto de álbumes en vivo clásicos de la era de los 70.

Si nunca antes has escuchado una sola canción de "Cheap Trick", deberías comenzar aquí. Este es un álbum icónico que merece absolutamente su estatus y realmente representa el poder de la música en vivo. Esto es algo que todo aficionado a la música debe escuchar.

 

Disco recomendado

 
"Cheap Trick", sin saberlo, allanó el camino para gran parte del rock pop de la década siguiente, así como para una sorprendente cantidad de rock alternativo de los años 1990 (ejemplos Foo Fighters, Weezer, Smashing Pumpkins, The Raconteurs) y fue "At Budokan" que capturó la banda en todo su poder. No es fácil encontrar álbumes en vivo tan enérgicos y puramente divertidos como este.

Un potente álbum de rock pop en directo muy recomendado que debe escucharse y disfrutarse. "Cheap Trick" una banda excelente, no hay duda.

Video del tema "I Want You to Want Me" (Live):

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Hello There"             2:27
2.         "Come On, Come On"           3:03
3.         "Lookout"                  3:15
4.         "Big Eyes"                 3:47
5.         "Need Your Love"     9:07 

Cara B:

6.         "Ain't That a Shame"             5:10
7.         "I Want You to Want Me"                3:38
8.         "Surrender"                            4:40
9.         "Goodnight Now"                             2:42
10.       "Clock Strikes Ten"               4:11

Cheap Trick: (Músicos):

• Robin Zander - voz principal, guitarra rítmica
• Rick Nielsen - guitarra principal, coros
• Tom Petersson – bajo, coros
• Bun E. Carlos – batería

Técnico:

Cheap Trick – productores

AC/DC - If You Want Blood (LIVE) - Album

Estaba revisando mi colección de discos y encontré el LP de AC/DC en directo de 1978 titulado "If You Want Blood". Qué sonido, qué energía, cuánto se echa de menos a Bon Scott y qué banda. Puro hard rock and roll como debe ser y sonar, un LP imprescindible para seguir escuchándolo y para transmitir a tus hijos para su educación musical.

Quiero recomendar esto a los lectores, lectores más jóvenes, que tal vez no estén familiarizados con el álbum en vivo "If You Want Blood".

ALBUM: If You Want Blood

 
El primer disco en directo de la banda australiana AC/DC y su único álbum en vivo con Bon Scott como vocalista principal. Esta grabación a menudo se considera uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos. Se publicó originalmente en el Reino Unido y Europa el 13 de octubre de 1978, en los EE. UU. el 21 de noviembre de 1978 y en Australia el 27 de noviembre de 1978. La grabación se realizó en el "Teatro Apollo" de Glasgow, Escocia, el 30 de abril de 1978.

Me encanta la portada del álbum. Una foto del fotógrafo Jim Houghton. Además, los productores Harry Vanda y Georg Young hacen un gran trabajo y pudieron captar la interpretación de alto voltaje del grupo. La banda es impecable y enérgica, Bon Scott está "on fire" y también los hermanos Young. La lista de canciones que tocaron esa noche también es deliciosa para cualquier fanático de AC/DC o del hard rock.

AC/DC cimenta su reputación y deja una huella histórica en las electrizantes presentaciones en vivo de la banda: la energía y las travesuras incesantes de Angus Young, la increíble voz de Bon Scott y la inclinación del resto de la banda por lograr riffs y ritmos simples, pero extremadamente efectivos y memorables. AC/DC simplemente se especializó en el hard rock crudo y blues, como se evidencia en este "If You Want Blood You've Got It".

Grabado durante su gira mundial en promoción de su álbum de estudio "Powerage", "If You Want Blood You´ve Got It" contiene muchas de las mejores composiciones de AC/DC hasta ese momento: "Bad Boy Boogie", "The Jack", "Problem Child ", "Whole Lotta Rosie", "Alto voltaje", "Let There Be Rock" y "Rocker". Se podría decir que la mayoría de las versiones de estudio de estas canciones son superiores y que la selección de canciones podría haber sido mejor seleccionada (agregando tal vez gigantes como "Jailbreak", "It's A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)", "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" o "Down Payment Blues" hubieran sido maravillosos), pero este álbum muestra a AC/DC como una gran banda en vivo y en gran forma.

Video del tema "Let There Be Rock":

Hecha esta observación, no seamos demasiado duros. Re-examinamos la lista de canciones: encontrarás las mejores canciones de cada álbum de estudio anterior. "Riff Raff" y "Rock 'n' Roll Damnation" (de Powerage); "Hell Ain't A Bad Place To Be", "Whole Lotta Rosie", "Let There Be Rock" y Bad Boy Boogie" (de Let There Be Rock); "Problem Child" (de Dirty Deeds Done Dirt Cheap); "The Jack", "Alto Voltaje" y "Rocker" (de T.N.T.)... ¡guau!

Es simplemente, sin discusión, una de las mejores grabaciones en directo de una banda a punto de caramelo para conquistar el mundo, triste pero brevemente interrumpida por la trágica muerte de Bon Scott. La crudeza junto con su sublime artesanía queda magníficamente captada en esta grabación. Sumado a esto el ingenio diabólico y las habilidades vocales difíciles de repetir de Bon Scott para crear una oferta en vivo perfecto y entretenido. Puedes entender por qué muchos consideran a Scott uno de los mejores cantantes del rock n roll de todos los tiempos.

En pocas palabras, Bon Scott ruge, los solos y el trabajo principal de Angus Young arden y arden, y la triple sección rítmica de Malcolm Young, Cliff Williams y Phil Rudd avanza sin descarrilarse. Es acojonante.

Disco recomendado

Rock "old school" tocado por una banda en la cima de su arte. Este álbum, ahora un clásico del hard rock en todos los sentidos, es icónico. Uno de los grandes "álbumes en vivo" jamás editados y una experiencia auditiva esencial para cualquier joven seguidor, amante o fan del rock n roll. No puedo recomendar más esta pieza de magia.

Un disco 5/5 ★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Whole Lotta Rosie":

Tracklist - canciones (Original):

1.         "Riff Raff"    
2.         "Problem Child"        
3.         "Hell Ain't A Bad Place To Be"       
4.         "Rock n Roll Damnation"     
5.         "Bad Boy Boogie"    
6.         "Dog Eat Dog"          
7.         "The Jack"      
8.         "High Voltage"          
9.         "Whole Lotta Rosie" 
10.       "Let There Be Rock" 
11.       "Fling Thing" 
12.       "Rocker"

Personal:

• Bon Scott - voz principal
• Angus Young - guitarra solista
• Malcolm Young - guitarra rítmica, coros
• Cliff Williams - bajo, coros
• Phil Rudd - batería

Producción:

• Harry Vanda y George Young.

Video del tema "Riff Riff":

VAN MORRISON - It's Too Late to Stop Now - Album

No soy un gran (fanático) seguidor de Van Morrison, y menos después de gestionar durante muchos años sus ediciones discográficas en España. El hombre es insoportable y una persona muy difícil de trabajar, su búsqueda obsesiva de la perfección es admirable pero en realidad inalcanzable y las frustraciones del artista lamentablemente explotan llevándose a todos los que lo rodean.

Dicho esto, tengo que admitir que es innegable que Van Morrison es un músico magnífico y una leyenda musical. Cuando se concentra en su música, ocurre la magia y uno se deja llevar emocionalmente por sus actuaciones. Estos momentos dorados han sido capturados en cintas grabadas para la prosperidad; en particular una serie de presentaciones en vivo que se convirtieron en el álbum doble "It 's Too Late to Stop Now". Un período en el que Van Morrison estaba en su apogeo.

Para cualquiera que no esté familiarizado con el trabajo de Van Morrison, este es un comienzo imprescindible.

 

ALBUM: It's Too Late to Stop Now

 
Un álbum doble en directo publicado en 1974 por el cantautor norirlandés Van Morrison. Presenta actuaciones que fueron grabadas en conciertos en "The Troubadour" en Los Ángeles, California, el "Civic Auditorium" de Santa Mónica y "The Rainbow" en Londres, durante la gira de tres meses de Morrison con su banda de once integrantes, "The Caledonia Soul Orchestra", de mayo a julio de 1973. Está entre los mejores álbumes en vivo de la historia, y "It's Too Late to Stop Now" fue grabado durante los mejores años del cantante como intérprete en vivo.

Este ahora clásico LP en directo demuestra una síntesis de R & B con las inclinaciones místicas de Morrison. Un tracklist que es vibrante y ofrece todo lo que tenía dentro Morrison del momento. Por ejemplo, escucharlo interpretar los seis clásicos del soul y blues que versiona es una revelación.

Un exceptional series de conciertos en general que resume claramente su carrera desde sus días con "Them" (representados por interpretaciones abrasadoras de "Gloria" y "Here Comes the Night") hasta su LP "Hard Nose the Highway" de 1973 (temas "Warm Love", "Wild Children"). Además de los éxitos, incluidos "Caravan", "Domino" e "Into the Mystic", Morrison incluso saca cortes de R&B ("Bring It on Home to Me", "Ain't Nothin' You Can Do") antes de cerrar la colección con una interpretación espectacular de "Cyprus Avenue" del mítico disco "Astral Weeks".

Van Morrison obviamente está en plena forma, su banda es brillante y su ritmo, selección de canciones e invención vocal son simplemente asombrosas. Las canciones ya mencionadas son asombrosas; la apertura "Ain't Nothing You Can Do" es igual al original de Bobby Bland y tiene una voz casi inigualable en ferocidad. "Wild Children" toma una canción menor y la convierte en una obra maestra mística, "I've Been Working" y "Listen to The Lion" al menos igualan el lado original y final de "Here Comes The Night", "Gloria" , "Caravan" y "Cypress Avenue" son un grand slam. Genial!

Más allá de la increíble actuación de Morrison, la maestría musical mostrada por su banda de acompañamiento, "The Caledonia Soul Orchestra", es nada menos que excepcional. Compuesto por músicos de sesión experimentados y virtuosos del jazz, el conjunto añade profundidad y textura a las canciones de Morrison, elevándolas a nuevas alturas. Ya sean los conmovedores arreglos de trompeta, los intrincados solos de guitarra o la ajustada sección rítmica, cada elemento musical contribuye al sonido dinámico y la energía en vivo del álbum.

En términos de producción, "It 's Too Late to Stop Now" está notablemente pulido dado 1974, capturando la energía y el ambiente de una actuación en vivo sin sacrificar la claridad o la fidelidad. La calidad del sonido es limpia, lo que permite que cada instrumento y matiz brille con precisión de audio. Esta atención al detalle sólo sirve para mejorar la experiencia general, sumergiendo al oyente más profundamente en la música con cada canción que pasa. Algunos audiófilos juran que la versión en vinilo es superior al CD.

En general, "It's Too Late to Stop Now" es una obra maestra de grabación en vivo, que captura a Van Morrison en la cima de sus poderes creativos. Con sus interpretaciones electrizantes, su musicalidad impecable y su composición atemporal, este álbum sigue siendo un testimonio del legado perdurable de Morrison como uno de los más grandes artistas de su generación. Ya seas un fan acérrimo o un oyente ocasional, este LP doble es esencial para cualquiera que aprecie el poder de la música en directo para conmover el alma y estimular los sentidos.

 

Disco recomendado

 
Esta es una recopilación estelar de grabaciones en vivo de un artista y su banda en su apogeo absoluto. Tanta energía y momentos en este álbum doble que están llenos de emociones y tensión combinando elementos de rock, soul, jazz y folk con notable delicadeza. Siendo un fan del blues, realmente disfruto las versiones de blues de este LP.

Es un placer escucharlo. Uno de los grandes álbumes en directo jamás grabados y puestos a la disposición al público.

Video del tema "I Just Want to Make Love to You (Live)":

Tracklist (formato LP original):

Disc 1:

Cara A:

1.         "Ain't Nothin' You Can Do"  Bobby "Blue" Bland cover (1964)     3:44
2.         "Warm Love"                                                                        3:04
3.         "Into the Mystic"                                                                  4:33
4.         "These Dreams of You"                                                                   3:37
5.         "I Believe to My Soul"           Ray Charles cover (1961)                  4:09

Cara B:

1.         "I've Been Working"                                                            3:56
2.         "Help Me"       Sonny Boy Williamson II cover (1963)                    3:25
3.         "Wild Children"                                                                               5:04
4.         "Domino"                                                                              4:48
5.         "I Just Want to Make Love to You" Muddy Waters cover (1954)  5:16

Disc 2:

Cara A:

1.         "Bring It On Home to Me"    Sam Cooke cover (1962)                   4:42
2.         "Saint Dominic's Preview"                                                   6:18
3.         "Take Your Hand Out of My Pocket" Sonny Boy Williamson II cover (1969)      4:04
4.         "Listen to the Lion"                                                              8:43

Cara B:

1.         "Here Comes the Night"                                                                  3:14
2.         "Gloria"                                                                                 4:16
3.         "Caravan"                                                                             9:20
4.         "Cyprus Avenue"                                                                             10:20

Ficha:

• Van Morrison - voz
• Nathan Rubin - primer violín
• Tom Halpin o Tim Kovatch – violín
• Nancy Ellis – viola
• Teresa Adams – violonchelo
• Bill Atwood - trompeta, coros
• Jack Schroer – saxofones alto, tenor y barítono, pandereta, coros
• Jef Labes – piano, órgano
• John Platania - guitarra, coros
• David Hayes - bajo, coros
• Dahaud Shaar (David Shaw) – batería, coros

Personal de producción:

•  Van Morrison, Ted Templeman - productores
• Van Morrison, Jef Labes (cuerdas), Jack Schroer (cuernos) - arreglos

SONIC YOUTH - Live in Brooklyn 2011 (2023)

ALBUM: Live in Brooklyn 2011

El 12 de agosto de 2011, la banda de rock experimental y alternativo "Sonic Youth" realizó su último concierto en Estados Unidos en un escenario al aire libre con vista al East River en Williamsburg Waterfront en Brooklyn (Nueva York). Se grabo y es una gran manera de "terminar" su carrera en su ciudad.

"Live in Brooklyn 2011", se ha publicado físicamente el 18 de agosto de 2023. Estuvo disponible originalmente en 2020 como parte de varios lanzamientos piratas oficiales de Sonic Youth (Bandcamp). Ahora, gracias a "Silver Current Records", se erige como la primera grabación en directo de ese lote en someterse a una perfecta mezcla, masterización y edición oficial.

Después de las actuaciones de "Kurt Vile" y "Wild Flag", Sonic Youth subió al escenario. Sonic Youth tocó un conjunto de 17 canciones que abarcó números de su primer álbum de estudio y destacó muchos otros álbumes hasta el último.

Sonic Youth inicia su actuación con una explosión de energía, cautivando instantáneamente la atención a través de una poderosa interpretación de cuatro temas icónicos de finales de la década de 1980: “Brave Men Run (In My Family)”, “Death Valley '69”, “Kotton Krown” y “Kill Yr Idols”. Esta secuencia de apertura marcó un tono inconfundible para el resto del espectáculo.

Los momentos más destacados es la perfecta transición de la banda entre diferentes épocas de su discografía. Clásicos atemporales como “Eric’s Trip” del disco Daydream Nation se entrelazan armoniosamente con temas más nuevos y profundos como “Calming The Snake” del disco The Eternal de 2009. Hacen un bis final y terminan con una versión extendida de 'Inhuman' cerrando el círculo y devolviéndole al principio.

Desde el setlist estudiado por Steve Shelly hasta la química eléctrica palpable en el escenario, este CD resume todo lo que uno podría esperar de un evento en vivo de Sonic Youth. Cada canción de esta compilación recibe un estruendoso aplauso.

Mi única crítica es la continua charla de Thurston Moore, desearías que se callara y tocará música. Sin embargo, no dejes que su entusiasmo y emociones de despedida en ese momento te desanimen de escuchar este magnífico disco en directo.

Disco Recomendado

Para la posteridad, esta es una colección exuberante. "Live In Brooklyn 2011" logró inmortalizar la esencia de la destreza artística de "Sonic Youth". Un gran CD en vivo que disuelve tres décadas de música en una ópera ruidosa de 17 canciones.

El álbum es un testimonio de la influencia de "Sonic Youth" en la música alternativa e indie. La actuación de la banda es estimulante, llena de vida y un conmovedor recordatorio de su legado. Esto es algo que los fans de Sonic Youth y la música rock experimental deben escuchar. Buscarlo y disfrutarlo!

Video del tema "Eric´s Trip" (LIVE):

Tracklist:

1.Brave Men Run (In My Family) 5:12
2.Death Valley ’69 5:51
3.Kotton Krown 5:08
4.Kill Yr Idols 2:56
5 Eric’s Trip 3:46
6.Sacred Trickster 2:11
7.Calming the Snake 3:52
8.Starfield Road 3:27
9.I Love Her All the Time 7:15
10.Ghost Bitch 4:18
11.Tom Violence 3:11
12.What We Know 4:55
13.Drunken Butterfly 4:23
14.Flower 4:27
15.Sugar Kane 7:43
16.Psychic Hearts 4:32
17.Inhuman 12:00

Sonic Youth:

• Kim Gordon - Voz, guitarra (bajo)
• Mark Ibold - Bajo
• Thurston Moore - voz, guitarra
• Lee Ranaldo - Voz, guitarra
• Steve Shelley - batería

The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper - Album

Es uno de los álbumes seminales en vivo de finales de los 60 (Siglo XX). Una grabación que capta la esencia de la explosión del blues "blanco" eléctrico de finales de los 60, donde realmente se puede escuchar y sentir la energía creativa de Mike Bloomfield y Al Kooper descubriendo el significado del blues, en directo y sin red. Estoy hablando de …

 

ALBUM: The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper

 
Después de dejar "Blood Sweat and Tears", Al Kooper llamó al personal de la sala Fillmore West y les pidió que concertaran un par de conciertos con él y Mike Bloomfield. Realmente no tenían ninguna canción para tocar, pero a medida que se acercaba la fecha, se pusieron las pilas.

El resultado final es un álbum doble grabado en el local de Fillmore West y publicado en enero de 1969; el disco es un sucesor del álbum de estudio "Super Session", que incluía a Stephen Stills además de Bloomfield y Kooper, y había logrado un éxito comercial y crítico a principios de 1968. Los conciertos se llevaron a cabo durante tres noches y, según Al Kooper, por dos sesiones por noche; esto debería haber producido varias horas de grabaciones, de las cuales el álbum proporciona poco menos de noventa minutos.

Las actuaciones, grabaciones y producción son un poco toscas; en las notas de la carátula del disco, Al Kooper describe las dificultades para encontrar una sala de ensayo, el insomnio crónico de Bloomfield y el fallo de un micrófono vocal durante "Dear Mr Fantasy"; el tema "I Wonder Who" se desvanece durante un solo de Bloomfield sin razón aparente.

Sin embargo, el doble álbum sigue siendo un documento importante, aunque crudo, de una actuación en vivo de blues-rock de la época y también es notable no solo por una de las primeras grabaciones en directo de Carlos Santana, sino también por el debut de Bloomfield como vocalista.

Utilizando la sección rítmica de John Kahn y Skip Prokop, los dos músicos se baten en duelo y se enfrentan. Bloomfield sufría de insomnio crónico y eso dificulta las cosas para el segundo concierto, para el que Kooper contó con la ayuda de Steve Miller y un prácticamente desconocido Carlos Santana (él mismo un devoto de Bloomfield) para varios temas.

"The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper" destaca la increíble maestría musical de Bloomfield y Kooper, quienes eran muy respetados en la escena del rock y el blues en ese momento. Las actuaciones son crudas y enérgicas, destacando el trabajo de guitarra de Bloomfield y el teclado de Kooper. El álbum presenta una mezcla de canciones originales y versiones.

Una de las canciones más destacadas del álbum es "The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)", que presenta un arreglo juguetón y optimista que contrasta con las más bluseras y conmovedoras del álbum. Otro tema destacado es "Don't Throw Your Love on Me So Strong" (canción de Albert King) que presenta un solo de guitarra abrasador de Bloomfield que muestra su increíble habilidad técnica y profundidad emocional.

Otras canciones notables a tener en cuenta son la dinamita "Her Holy Modal Highness", "Mary Ann" (versión de Ray Charles) y "Green Onions" (versión de Booker T).

 

Disco Recomendado

Pienso que Mike Bloomfield nunca tocó mejor. Su trabajo de guitarra en este álbum supera todo lo que hizo con su banda "Butterfield" y "Electric Flag". Y tocaba mucho. E incluso aquí canta. Y el canto de Al Kooper es conmovedor, alcanzando realmente cada nota. 

"The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper" es una obra maestra de grabación en vivo. Es un viaje emocionante a través del mundo del rock y el blues, lleno de actuaciones inolvidables y momentos de brillantez musical. Este álbum es una verdadera joya en la historia de las grabaciones en directo y un testimonio del legado perdurable de Bloomfield y Kooper como pioneros musicales. Aquellos que aman el buen blues y la emoción de una presentación en vivo deben tener (escuchar) esto.

Video det tema "Don't Throw Your Love on Me So Strong":

Tracklist (doble LP original):

Disc 1:

CARA A:

"Opening Speech" (Mike Bloomfield) – 1:30

"The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)" (Paul Simon) – 5:38

"I Wonder Who" (Ray Charles) – 6:04

"Her Holy Modal Highness" (Al Kooper, Mike Bloomfield) – 9:08

CARA B:

"The Weight" (Robbie Robertson) – 4:00

"Mary Ann" (Ray Charles) – 5:19

"Together 'Til the End of Time" (Frank Wilson) – 4:15

"That's All Right" (Arthur Crudup) – 3:28

"Green Onions" (Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson Jr., Lewie Steinberg) – 5:26

 Disc 2:

CARA A:

"Opening Speech" (Al Kooper) – 1:28

"Sonny Boy Williamson" (Jack Bruce, Paul Jones) – 6:04

"No More Lonely Nights" (Sonny Boy Williamson I) – 12:27

CARA B:

"Dear Mr. Fantasy" (Jim Capaldi, Stevie Winwood, Chris Wood) – 8:04

"Don't Throw Your Love on Me So Strong" (Albert King) – 10:56

"Finale-Refugee" (Al Kooper, Mike Bloomfield) – 2:04

Músicos:

• Al Kooper: órgano, ondiolina, piano (sobregrabación como Roosevelt Gook en "Together 'Til the End of Time") y voz principal
• Mike Bloomfield - guitarra y voz
• John Kahn - bajo
• Saltar Prokop - batería
• Carlos Santana - guitarra en "Sonny Boy Williamson"
• Elvin Bishop - guitarra y voz principal en "No More Lonely Nights"

JAMES BROWN - Live at the Apollo - Album

Introducción:

Hace mucho que no dedico espacio para el melómano de la música soul y funk. En este post, exploró la importancia de uno de los más grandes intérpretes del estilo, James Brown, la evolución de los géneros soul y funk, y el legado duradero de la obra "James Brown Live at the Apollo”. Uno de los grandes discos en directo del soul-funk y de Brown.

¿Quién era James Brown?

Considerado a base de su talento y duro trabajo el progenitor central de la música funk y una figura importante de la música del siglo XX, es también conocido con varios apodos honoríficos, algunos de los cuales incluyen "el hombre más trabajador en el mundo del espectáculo", "El padrino del soul", "Mr. Dynamite " y "Soul Brother No. 1". En una carrera de más de 50 años, influyó en el desarrollo de varios géneros musicales: soul, funk, rap y hip hop. James Brown fue uno de los primeros 10 miembros del "Salón de la Fama del Rock and Roll" en su inducción inaugural en Nueva York el 23 de enero de 1986.

Murió el 25 de diciembre de 2006. 

La importancia de James Brown en la historia de la música:

James Brown, fue un revolucionario en la industria de la música. Su estilo único y enérgico, combinado con su talento vocal y su presencia magnética en el escenario, lo convirtieron en una fuerza imparable en la música popular. James Brown rompió barreras raciales y sociales con su música, y su influencia aún se puede sentir en generaciones posteriores de artistas.

Uno de los géneros donde más impacto tuvo, y tiene, es el Hip Hop. El tema de 1970 "Funky Drummer" sigue siendo una de las canciones más sampleadas del hip-hop. La batería "sample" ha sido la columna vertebral de muchas canciones de artistas como Nas, Dr. Dre y Public Enemy. Cuando se trata de hip-hop, James Brown es el núcleo musical sobre el que se construyeron casi todos los ritmos del rap y también se convierto en el padrino del hip-hop.

Introducción al álbum "James Brown Live at the Apollo":

El álbum "James Brown Live at the Apollo" es una joya musical que captura la esencia y el poder del legendario James Brown en su apogeo. Grabado en el icónico teatro "Apollo" de Harlem en 1962, este disco en directo se convirtió en un hito en la historia de la música y estableció a James Brown como uno de los artistas más influyentes de su tiempo.

ALBUM: James Brown Live at the Apollo

Es el primer álbum en vivo de "James Brown and the Famous Flames" grabado en 1962 y publicado en mayo de 1963. Capturando el popular espectáculo teatral de Brown por primera vez, el álbum fue un gran éxito comercial y de crítica y consolidó su estatus como una estrella líder del Soul-R & B.

En 2004, fue una de las 50 grabaciones elegidas ese año por la Biblioteca del Congreso para ser añadidas al Registro Nacional de Grabaciones. En 1998, el álbum fue incluido en el "Salón de la Fama de los Grammy".

Exploración de los géneros soul y funk:

"James Brown Live at the Apollo" es un testimonio del poder del soul y el funk. Estos géneros musicales surgieron en la década de 1960, fusionando elementos del rhythm and blues, el jazz y la música gospel. El soul se caracteriza por su emotividad y pasión, mientras que el funk se define por su ritmo contagioso y su enfoque en la sección rítmica. James Brown fue un pionero en la creación y popularización de estos estilos, y su música sentó las bases para futuras innovaciones en el género.

Una mirada a "James Brown Live at the Apollo":

"James Brown Live at the Apollo" es un álbum que captura la energía y la emoción de las actuaciones en vivo de James Brown. El álbum presenta una selección de sus mayores éxitos, como "I Got You (I Feel Good)" y "Please, Please, Please". Cada canción es interpretada con una pasión desenfrenada y un ritmo contagioso que hace que sea imposible no moverse al compás de la música.

Canciones clave del álbum:

El álbum "James Brown Live at the Apollo" aborda una variedad de temas que reflejan la experiencia humana y la lucha por la igualdad. Las canciones transmiten mensajes de empoderamiento y autoafirmación en medio de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos. Estas canciones resonaron profundamente en la comunidad afroamericana y se convirtieron en himnos de resistencia y orgullo.

A continuación el Tracklist (formato LP original):

A1. Introduction and Theme
A2. I'll Go Crazy
A3. Try Me / Theme
A4. Think / Theme
A5. I Don't Mind / Theme
A6. Song Titles Interlude
A7. Lost Someone Part 1

B1. Lost Someone Part 2
B2. Medley:

a. Please, Please, Please
b. You've Got the Power
c. I Found Someone (I Know It's True)
d. Why Do You Do Me
e. (You Made Me Love You) I Want You So Bad
f. I Love You, Yes I Do
g. Why Does Everything Happen to Me (Strange Things Happen)
h. Bewildered
i. Please, Please, Please

B3. Night Train

Track por Track:

 
1 - Introduction and Theme: este es el comienzo del álbum, donde el MC "Fats Gonder" presenta a James Brown y su banda, "The Famous Flames". La introducción crea una sensación de anticipación y emoción.

2 - I'll Go Crazy: un número de R & B enérgico y pegadizo que muestra la habilidad de Brown para entregar voces poderosas y emocionales. La interacción con la audiencia es palpable.

3 - Try Me / Theme: un cambio de ritmo, una balada más tranquila que muestra la versatilidad de Brown. Su interpretación emocional realmente brilla.

4 - Think / Theme: un número de R & B enérgico, con un ritmo frenético y una interpretación vocal apasionada de Brown.

5 - I Don't Mind / Theme: otra balada, con una interpretación vocal más suave pero igualmente emocional.

6 - Song Titles Interlude: un breve interludio en el que se mencionan los títulos de las canciones que se van a interpretar a continuación.

7 - Lost Someone Part 1: la primera parte de una canción de blues soul de diez minutos. La interacción con la audiencia es intensa.

8 - Lost Someone Part 2:  la misma intensidad emocional y la interacción con la audiencia.

9 - Medley: Este es un popurrí de varias canciones de Brown, todas interpretadas con gran energía y emoción. Cada canción se mueve rápidamente a la siguiente, creando una sensación de ritmo y flujo.

10 - Night Train: Este es el cierre del álbum, una canción de R & B clásica con una parte de latón inmediatamente reconocible y una interpretación vocal emocionante de Brown. La energía de la canción y la interacción con la audiencia hacen que sea un final memorable para el álbum.

Es importante recordar que una de las cosas que hace que este álbum sea tan especial es la energía de la actuación en vivo de Brown y la interacción con la audiencia. La pasión y la emoción en la voz de Brown, junto con la respuesta de la audiencia, realmente capturan la experiencia de un concierto en directo de James Brown.

Disco Recomendado

"James Brown Live at the Apollo" es un álbum legendario que captura la esencia y el poder de James Brown en su mejor momento. Este disco en directo no solo definió una época, sino que dejó una huella imborrable en la historia de la música. A través de su música, James Brown rompió barreras y abrió el camino para futuras generaciones de artistas. Su legado perdura en la industria musical y su influencia sigue siendo relevante hasta el día de hoy. No hay duda de que "James Brown Live at the Apollo" es un tesoro musical que merece ser apreciado y celebrado por su impacto y su contribución al mundo de la música.

Escucha este álbum legendario y sumergirte en el poder de James Brown. Uno de los mejores álbumes de Soul de todos los tiempos e imprescindible para todos los fans del R & B. 

Video del tema "Night Train":

Banda: James Brown and The Famous Flames:

• James Brown - voz principal
• Bobby Byrd - barítono/voz de bajo (y teclados en "Lost Alguien")
• Bobby Bennett - primera voz de tenor
• Lloyd Stallworth - segunda voz de tenor

Músicos extras:

• Lewis Hamlin - director musical, trompeta
• Hubert Perry - bajo
• Clayton Fillyau – batería
• Les Buie - guitarra, 
• Lucas "Fats" Gonder - órgano, Maestro de Ceremonia
• Clifford MacMillan - saxofón tenor
• St. Clair Pinckney - saxofón tenor
• Al "Brisco" Clark - saxofón tenor, saxofón barítono
• William Burgess - saxofón alto
• Dickie Wells - trombón
• Roscoe Patrick - trompeta
• Teddy Washington - trompeta

Recomendaciones de escucha: otros álbumes icónicos de soul y funk:

Te recomiendo explorar otros álbumes icónicos de soul y funk que han dejado una huella duradera en la historia de la música. Algunos de estos álbumes incluyen:

• "What 's Going On" de Marvin Gaye: Este álbum emblemático aborda temas sociales y políticos importantes con una mezcla única de soul, jazz y música de Motown.

• "Superfly" de Curtis Mayfield: La banda sonora de esta película de culto es un clásico del funk, con letras profundas y arreglos musicales innovadores.

• "Off the Wall" de Michael Jackson: Este álbum marcó el inicio de la carrera en solitario de Michael Jackson y presenta una mezcla de soul, funk y pop que lo convirtió en un fenómeno mundial.