ELTON JOHN - Goodbye Yellow Brick Road - Album

Si menciono el nombre ELTON JOHN, muchos piensan en un músico que suena en la radio para adultos nostálgicos y "viejos" que les gusta el pop suave. Esta visión es una prevalente entre los melómanos más jóvenes que quizás no saben que el pianista y cantante lleva en activo desde 1962.

Elton John tiene muchas identidades artísticas y ha interpretado muchos estilos de música. Personalmente soy fan del Elton John de sus comienzos y especialmente de los años 70 (siglo xx). Después no me interesó y dejé de seguirle.

Si el músico se ha mantenido tanto tiempo en activo es porque es un maestro en adaptarse a los cambios de estilo musicales e ir creciendo con su audiencia. Su extensa discografía tiene absolutamente de todo, desde lo sublime hasta autentica basura, poca pero la hay. Sobrevivir tanto tiempo es en sí admirable y de respetar. Es un gigante de la música y esto no se puede negar.

Quiero recomendar en este blog de música uno de sus mejores (sino mejor) discos grabado en su mejor momento como músico. La obra es el doble LP titulado "Goodbye Yellow Brick Road", un trabajo extraordinario que sigue siendo relevante y que mejor define el artista rompedor, estrambótico e innovador, para mi gusto.

 

ALBUM: Goodbye Yellow Brick Road

 
Este es el séptimo disco de estudio del cantante, pianista y compositor inglés Elton John, publicado por primera vez el 5 de octubre de 1973 como un doble LP. Entre las 17 canciones, el álbum contiene los éxitos "Candle in the Wind" (si, antes de Lady Di), el sencillo número uno en Estados Unidos "Bennie and the Jets", "Goodbye Yellow Brick Road" y "Saturday Night's Alright for Fighting".

El álbum fue un gran éxito comercial, alcanzando el número uno en el Billboard 200 y desde entonces ha vendido más de 20 millones de copias en todo el mundo y es ampliamente considerado como la obra maestra de Elton John.

Es un disco que tiene algo para todos. La icónica portada de Elton escapando de la realidad de la clase trabajadora inglesa y su envoltorio por sí solos merecen una mención. Creativa y conceptualmente, este es Elton en su mejor momento. De hecho, Elton John admite abiertamente que "Goodbye Yellow Brick Road" fue escrita y grabada durante el período más candente de su carrera como artista.

Por lo tanto, fue diseñado para ser un éxito absoluto y lo fue, una declaración de intenciones que se extendió a lo largo de dos plásticos para mostrar cada elemento de la personalidad brillante de John.

El doble LP comienza con el melodramático tema de estilo progresivo de 11 minutos "Funeral for a Friend-Love Lies Bleeding" y abraza inmediatamente el exceso pero también la melodía, ya que John cambia inmediatamente a "Candle in the Wind" y después al éxito "Bennie & the Jets", dos canciones que forman el núcleo de su canon y explican en gran medida el atractivo de "Goodbye Yellow Brick Road". Este disco anunció la madurez de Elton John, el artista, el profesional que sabe cómo satisfacer a cada segmento de su audiencia, y este afán por complacer significa que el disco también es entretenidamente abrumador.

Si tomamos las canciones por separado, es asombroso, ya que ofrece canciones pop tan perfectamente esculpidas como "Grey Seal", rockeras como "Saturday Night's Alright for Fighting" y "Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)", junto con baladas cinematográficas como "I've Seen That Movie Too", "The Ballad of Danny Bailey (1909-34)" y novedades estilo glam como "Jamaica Jerk-Off". Este doble LP tiene todo lo que John Elton hizo antes y sugiere cómo se moverá en el futuro. 

Por lo tanto, "Goodbye Yellow Brick Road" se puede resumir como animado, rockero, diverso, sincero y brillante en todos los aspectos. Muestra al legendario pianista de rock tomando todo lo que funcionó en sus álbumes anteriores y ampliándolo, lo que lo convierte en uno de los mejores álbumes de rock de principios de los 70. Este logro se debe a la excelente composición, la abundancia de variedad, la brillante estructura, un conjunto de magníficas canciones que son todas efectivas; el material es divertido y conmovedor cuando quiere serlo, y también sumamente agudo. Es un testimonio del poder de Elton John en los años 70 como estrella y músico.

 

Disco recomendado

 
Tal vez, la mayoría estará de acuerdo, es el mejor álbum de Elton John y uno de los grandes LP dobles. La musicalidad y la variedad de estilos son asombrosas. Es la culminación de Elton John, su inseparable letrista Bernie Tuapin y su banda.

Si eres un lector joven y no estás familiarizado con el Elton John temprano (para mí, su mejor período), este disco es para buscar y escuchar. No tiene que ver nada con el "personaje" que es hoy Elton John, obviamente con muchos más años, menos facultades y haciendo música ahora más en acorde con su realidad. 

Video del tema "Bennie and the Jets":

Tracklist - canciones* (formato LP original):

*Toda la música está compuesta por Elton John; todas las letras están escritas por Bernie Taupin

Disc 1

Cara A:

1.         "Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding"   11:09
2.         "Candle in the Wind" 3:50
3.         "Bennie and the Jets" 5:23

Cara B:

1.         "Goodbye Yellow Brick Road"         3:13
2.         "This Song Has No Title"       2:23
3.         "Grey Seal"     4:00
4.         "Jamaica Jerk-Off"     3:39
5.         "I've Seen That Movie Too"   5:59

Disc 2

Cara A:

1.         "Sweet Painted Lady"           3:54
2.         "The Ballad of Danny Bailey (1909–34)"     4:23
3.         "Dirty Little Girl"       5:00
4.         "All the Girls Love Alice"      5:09 

Cara B:

1.         "Your Sister Can't Twist (but She Can Rock 'n Roll)"         2:42
2.         "Saturday Night's Alright for Fighting"        4:57
3.         "Roy Rogers"  4:07
4.         "Social Disease"         3:42
5.         "Harmony"      2:46

Ficha:

• Elton John – voz, piano acústico (1–6, 8–10, 12–17), Fender Rhodes (5, 6), órgano Farfisa (3, 5, 7, 13), mellotrón (5, 6, 11)
• David Hentschel – sintetizador ARP (1, 12)
• Davey Johnstone – guitarra acústica, guitarra eléctrica, guitarra Leslie, guitarra slide, guitarra de acero, banjo, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17)
• Dee Murray – bajo, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17)
• Nigel Olsson – batería, congas, pandereta, coros (1, 2, 4, 10, 13, 17), efectos de coche (12)
• Ray Cooper – pandereta (12)
• Del Newman – arreglos orquestales (4, 8–10, 15, 17)
• David Katz – contratista de orquesta (4, 8–10, 15, 17)
• Leroy Gómez – solo de saxofón (16)
• Kiki Dee – coros (12)

Sin acreditar – Interjecciones vocales en "Jamaica Jerk-Off" (acreditado a Prince Rhino, Reggae Dwight y Toots Taupin, posiblemente un seudónimo de Elton John y Bernie Taupin, aunque esto es incierto), caja de ritmos, maracas, timbales, claves en "Jamaica Jerk-Off", castañuelas en "Funeral for a Friend", maraca en "I've Seen That Movie Too", pandereta en "Social Disease", acordeón, vibráfono en "Sweet Painted Lady"

• Producción:

Gus Dudgeon – productor.

KING CRIMSON - In the Court of the Crimson King - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música, y a los melómanos, uno de los mejores álbumes de rock progresivo jamás grabado (si no el mejor). Quizás más reconocido por los lectores más jóvenes por su icónica portada, el LP debut "In the Court of the Crimson King" de KING CRIMSON debería ser escuchado y simulado. Combinando elementos de jazz de vanguardia, pop psicodélico y folk, acid rock, música clásica y letras místicas, es excepcional. Fue un gran avance en los años 70 y todavía es relevante hoy.

 

ALBUM: In the Court of the Crimson King

 

El LP debut de la banda inglesa de rock progresivo "King Crimson", publicado el 10 de octubre de 1969. El álbum es pionero y uno de los más influyentes del género del rock progresivo, combinando influencias musicales en las que se fundó la música rock con elementos de jazz, música clásica y música sinfónica. De hecho, el consenso general es que este es uno de los mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos. Este es también el disco que hace de puente del rock psicodélico al progresivo: una obra de arte única.

La portada del álbum también es ahora icónica y parte de la historia de la música rock. Lo ves en todas partes, desde camisetas, estampados... hasta tazas de café. Barry Godber, un programador informático amigo de Peter Sinfield, pintó el diseño de la portada del álbum. Usó su propio rostro, visto a través de un espejo, como modelo.

Personalmente disfruté más de otro álbum de la banda, "Red" (1974), sin embargo, este es el álbum definitivo del grupo y uno de los debuts más atrevidos jamás grabados. En su momento, arrasó con todas las bandas psicodélicas progresivas de la época: "The Moody Blues", por ejemplo. Fue tan bueno que a "King Crimson" le tomó casi cuatro años lograr un disco tan fuerte o conciso.

El "mellotron" de Ian McDonald es el instrumento dominante, junto con sus saxos y la guitarra de Fripp, lo que hace de este un disco que suena diferente a todo lo demás. Y a pesar de que el sonido de Mellotron está apagado y atenuado, sigue siendo feroz, en un álbum destacado por una fuerte composición, la voz más fuerte de toda la carrera de Greg Lake y la forma de tocar la guitarra de Fripp que mezcla extrañamente música clásica, explosiones de rock y jazz.

Además este LP ilustra cómo de diferente puede ser un disco de una canción a otra y aún así sentirse como algo organizado y conceptualizado. El paquete completo es un esfuerzo grupal con la letra, la música y el arte. Pocos álbumes han tenido un impacto tan duradero en la música.

Por lo tanto, desde mi punto de vista, una gran obra de rock progresivo que crece en estatura con cada escucha. Cada melodía es hermosa y cada arreglo y nota están perfectamente calculados y ensamblados. El álbum es profundo y rico. Te guste o no el rock progresivo, es difícil no aceptar la influencia de este LP. Bandas como Yes, Genesis y una multitud de aspirantes a grupos progresistas estaban tomando nota.

Dos momentos particularmente destacados de este disco son las canciones "21st Century Schizoid Man" (sampleada por Kanye West) y "Epitaph".

Disco recomendado

 
Este es un álbum histórico, un punto de referencia para que todas las bandas de rock progresivo se inspiren de muchas maneras diferentes. La gente no estaba realmente preparada para tal movimiento en la música con "In the Court of the Crimson King" todavía en 1969. Fueron necesarios algunos años más para que el género "prog" se expandiera. Así pues, este es el disco que cristalizó el género; rock grandioso y sinfónico que debe tanto a las obras clásicas como al blues. Este debut sienta las bases para todo lo que siguió en el "prog"; piezas extendidas de larga duración, generalmente con dos o más movimientos, una combinación de diferentes géneros que incluyen música clásica, jazz, blues y world-beat, además de interpretación virtuosa y letras que intentan contar una historia.

En fin, necesita ser parte de tu colección de discos.

Video del tema "21st Century Schizoid Man":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "21st Century Schizoid Man" (including "Mirrors") 7:24
2.         "I Talk to the Wind"              6:05
3.         "Epitaph" (including "March for No Reason" and "Tomorrow and Tomorrow")    8:47

Cara B:

4.         "Moonchild" (including "The Dream" and "The Illusion")   12:13
5.         "The Court of the Crimson King" (including "The Return of the Fire Witch" and "The Dance of the Puppets")        9:25

King Crimson (Banda):

• Greg Lake - voz principal, bajo, producción
• Robert Fripp – guitarras eléctricas y acústicas, producción
• Ian McDonald: saxofón, flauta, clarinete, clarinete bajo, Mellotron, clavecín, piano, órgano, vibráfono, coros, co-voz principal en "I Talk to the Wind", producción
• Michael Giles – batería, percusión, coros, producción
• Peter Sinfield – letra, producción

CAMEL (Banda) - Camel - Album

Considerados por algunos críticos musicales como "los grandes héroes anónimos del rock progresivo de los 70 (siglo xx), la banda británica "Camel" no es uno de los nombres conocidos del rock progresivo, pero sólo por su producción musical se lo merecerían. Sus sentidos únicos de la melodía y la musicalidad los colocaron fuera del resto y comenzaron una carrera larga y muy productiva. Lo que hizo que "Camel" se destacará para mí es su capacidad para crear fuertes melodías vocales y convertirlas en largos e increíbles segmentos instrumentales.

Para aquellos seguidores del rock progresivo que no están familiarizados con la banda y quieren descubrir el sonido "Camel", su primer álbum "Camel" es un excelente punto de partida.

 

¿Quiénes eran la banda "Camel"?

 

Banda inglesa de rock progresivo formada en 1971. "Camel" originalmente estaba formada por Andrew Latimer (guitarra, flauta y voz), Andy Ward (batería), Doug Ferguson (bajo) y el teclista Peter Bardens, anteriormente de la banda "Them".

Han publicado hasta la fecha catorce álbumes de estudio y catorce sencillos, además de numerosos álbumes en directo y DVD. Sin alcanzar una popularidad masiva, la banda ganó seguidores de culto en la década de 1970 con LPs como Mirage (1974) y The Snow Goose (1975). A principios de la década de 1980 adoptaron una dirección más jazzística y comercial, pero luego hicieron una pausa prolongada. Desde 1991 la banda es independiente y edita álbumes con su propio sello discográfico.

"Camel" ha sido reconocido como una de las principales influencias del subgénero "neoprogresivo" que surgió en la década de 1980. Su música ha influido en artistas como Marillion, Opeth y Steven Wilson (Porcupine Tree)

 

ALBUM: Camel

 
El disco debut de la banda inglesa de rock progresivo "Camel", fue publicado en febrero de 1973. Una colección de canciones individuales, principalmente de Andrew Latimer y Peter Bardens. Hay muchos ganchos y muchas sorpresas para mantener tu interés sin ningún "shock" sofisticado. Todo se siente natural y cohesivo, un gran comienzo para la carrera de la banda.

El diseño de la portada del álbum de Modula, presenta una imagen simple pero enigmática de un camello en un paisaje desértico frente a una puesta de sol, evoca una sensación de mística. Su enfoque minimalista se alinea bien con el enfoque de la banda en la sustancia por encima del estilo.

Este cuarteto fue posiblemente una de las mejores combinaciones de instrumentistas para grabar un álbum. Los cuatro miembros muestran una química perfecta y eso mantiene su música atractiva en cada canción. Puedes escucharlo una vez para concentrarte principalmente en la batería, y luego nuevamente en el bajo, y luego en el teclado o la guitarra, y el álbum sigue siendo igual de convincente. Musicalidad de primer nivel en este LP.

La canción de apertura, "Slow Yourself Down", es marca registrada de "Camel", con el teclado de Bardens y la guitarra dinámica de Latimer. La primera de las composiciones de Peter Barden es "Mystic Queen", que recuerda mucho a la época y es muy indicativa de lo que haría que "Camel" fuera tan popular más tarde. Las dos canciones que componen el resto de la cara uno son “Six Ate” y “Separation”, ambas muestran el amor de la banda por el jazz, otra faceta de las credenciales progresivas de "Camel".

La segunda cara abre con "Never Let Go", que también se convirtió en el primer single de la banda cuando se lanzó en noviembre de 1972. Con la voz de Andrew Barden, evolucionó hasta convertirse en una de las canciones más queridas de la banda. El segundo corte, “Curiosity”, es otro original de Bardens. También es la cara B de su sencillo debut, es una canción característica de Bardens que presenta su evocador trabajo en el teclado. Por último, “Arubaluba” es un gran tema de rock progresivo; todos riffs ascendentes, cambios de tiempo y por supuesto destreza instrumental.

En general, este disco debut de "Camel" tiene melodías fantásticas desde la primera nota hasta la última, además no hay nada superfluo. Un LP que ejemplifica lo mejor del rock progresivo británico y que debería ser más apreciado y reconocido.

 

Disco recomendado

 
Si bien algunos fans piensan que esto no es tan bueno como los álbumes posteriores del grupo (por ejemplo, el LP "Mirage" de 1974), definitivamente es un comienzo excelente y un lanzamiento esencial de "Camel", así como un muy buen punto de partida para adentrarse en su música.

Puro rock progresivo y sin florituras, digno de un comienzo de una gran banda.

Video del tema "Slow Yourself Down" (Remastered):

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "Slow Yourself Down"                      4:47
2.         "Mystic Queen"                                 5:40
3.         "Six Ate" (instrumental)         6:06
4.         "Separation"                           3:57

Cara B:

1.         "Never Let Go"                                  6:26
2.         "Curiosity"                             5:55
3.         "Arubaluba" (instrumental)    6:28

Camel (Banda):

•  Andrew Latimer – guitarra; voces (1, 4)
• Peter Bardens – órgano, Mellotron, piano, sintetizador VCS 3; voces (5, 8)
• Doug Ferguson – bajo; voces (2, 6)
• Andy Ward - batería, percusión

HAWKWIND - In Search of Space - Album

Destacó en este blog de música para melómanos un grupo considerado los pioneros del "space rock". "Hawkwind" ha influido en muchas bandas y tiene una discografía amplia y productiva. Hay algunos álbumes que son sobresalientes, pero para mi gusto el lanzamiento de 1971 "In Search of Space" es un verdadero viaje musical.

 

¿Quiénes son la banda Hawkwind?

 
Banda de rock inglesa conocida como uno de los primeros grupos de space rock. Desde su formación en noviembre de 1969, "Hawkwind" ha pasado por muchos cambios y ha incorporado muchos estilos diferentes a su música, incluido el hard rock, el rock progresivo y el rock psicodélico. Se les considera una banda de proto-punk influyente. Sus letras abordan temas de la vida urbana y la ciencia ficción.

"Hawkwind" ha sido citado como influencia por Ministry, Monster Magnet, los Sex Pistols (que hicieron un cover de "Silver Machine"), King Gizzard & the Lizard Wizard, Black Flag, Ty Segall... por mencionar algunos.

Los músicos notables que han actuado en "Hawkwind" incluyen a Lemmy (Motorhead), Ginger Baker, Robert Calvert, Nik Turner y Huw Lloyd-Langton. Sin embargo, la banda está más estrechamente asociada con su fundador, cantante, compositor y guitarrista Dave Brock, quien es el único miembro original que queda.

 

ALBUM: In Search of Space

 
También conocido como "X In Search of Space", es el segundo álbum de estudio de la banda "Hawkwind", publicado en 1971. Ahora se considera un LP clásico de "space rock". "Hawkwind" utiliza este disco para explorar paisajes sonoros psicodélicos e improvisaciones libres. La primera canción es la improvisación más larga, el resto también es una variedad de otras canciones de "space rock", pero "Master of the Universe" y "Children of the Sun" realmente destacan. El CD remasterizado de 1996 tiene bonus tracks que incluyen su gran éxito "Silver Machine" con Lemmy (Ian Kilmister) con la voz y el bajo.

El concepto del álbum gira en torno a una ruta de escape radical del autoritarismo y el conformismo dominante, como sugiere su título "In Search of Space". La portada del álbum, diseñada por Barney Bubbles, contribuye a un concepto fantástico de ciencia ficción, que representa una nave espacial bidimensional desatada en el tiempo. Sí, lo sé, cosas muy "out there".

"In Search of Space" puede considerarse musicalmente un disco con dos vibraciones: la primera cara del LP es más una aventura de rock más rápida, mientras que la segunda cara es más suave, acústica con una sensación alucinante con tipos de instrumentación más interactivos que profundizan aún más los aspectos más "espaciales" (trippy).

Para destacar ejemplos, aquí hay algunos números para degustar: "You Shouldn't Do That" (un jam de 15 minutos), "You Know You're Only Dreaming", "Master of the Universe", "We Took the Wrong Step Years Ago" y por supuesto "Silver Machine" (bonus track en el lanzamiento en CD de 1996).

En general, este disco es una buena mezcla de space rock, heavy psych, acid rock y proto-punk. Además, bien puede hacer callar la boca del purista del punk que dice que el punk rock no tiene raíces en la psicodelia o el progresivo; este LP es muy psicodélico y tan proto-punk como "MC5" o "The Stooges". Sumado a todo esto, "In Search of Space" se considera un álbum importante y un punto culminante en la discografía de "Hawkwind", particularmente en su trabajo de 1971-75. Es un álbum que realmente lleva al oyente a un viaje musical y es algo que cualquier fan del rock psicodélico-progresivo debe escuchar.

 

Disco recomendado

 
"In Search Of Space" es la definición del "space rock". Una auténtica obra de referencia del género. Sin embargo, es mejor compartir la opinión de un auténtico referente y maestro músico. Steven Wilson de la banda "Porcupine Tree" colocó este disco en el puesto número 2 de su Top 5, y agregó:

"es un extraordinario torbellino de sonido cósmico, la declaración definitiva del rock espacial. Me encanta la sensación repetitiva, casi pagana, del álbum. Prescindió de la idea de solistas y tiene un verdadero sentido de "otredad".

Busca este álbum, abróchate el cinturón de seguridad y escúchalo.

Video del tema "Silver Machine":

Tracklist (CD remaster 1996, contiene el éxito "Silver Machine"):

Cara A:

1.         "You Shouldn't Do That"                              15:41
2.         "You Know You're Only Dreaming"            6:36 

Cara B:

3.         "Master of the Universe"                   6:17
4.         "We Took the Wrong Step Years Ago"        4:48
5.         "Adjust Me"                                       5:46
6.         "Children of the Sun"                        3:14

1996 remastered CD bonus tracks:

7.         "Seven By Seven" (original single version)               5:21
8.         "Silver Machine" (original single version)                 4:39
9.         "Born to Go" (live single version edit; live at the Roundhouse)      5:05

Hawkwind (Banda):

•  Dave Brock: voz, guitarra eléctrica, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, armónica, generador de audio.
• Nik Turner – saxofón alto, flauta, voz, generador de audio
• Del Dettmar - sintetizador
• Dik Mik (Michael Davies) - generador de audio
• Dave Anderson - bajo, guitarras eléctricas y acústicas (álbum original)
• Terry Ollis - batería, percusión (álbum original)

Músicos en los temas extra del CD Remasters de 1996:

• Robert Calvert - voz
• Lemmy (Ian Kilmister) - bajo, voz en "Silver Machine"
• Simón King - batería

Producción:

Hawkwind y George Chkiantz.

Hawkwind y George Chkian

PINK FLOYD - Animals - Album

Quiero reseñar y recomendar en este blog de música uno de los discos más oscuros del catálogo de Pink Floyd. El disco "Animals" para muchos es el mejor LP de Pink Floyd, con su aura oscura, lúgubre y pesimista envuelta en un álbum conceptual que critica el sistema económico capitalista (especialmente el de Reino Unido de los años 70) y sus efectos alineadores sobre las personas (en particular la clase trabajadores).

Aunque, para mí, no es el mejor trabajo, ciertamente se destaca entre sus otras obras maestras y merece su lugar como un "game changer" y un gran trabajo dentro del género del "rock progresivo".

Un LP muy especial que habla más de lo que suena.

ALBUM: Animals

 
El décimo disco de estudio de la banda de rock inglesa Pink Floyd, publicado el 21 de enero de 1977. Este álbum continúa con las composiciones de larga duración que componían sus trabajos anteriores, como "Meddle" (1971) y "Wish You Were Here" (1975). La portada del LP, concebida por el bajista y compositor principal de la banda, Roger Waters, y diseñada por su colaborador Storm Thorgerson, muestra un cerdo inflable flotando entre dos chimeneas de la "Battersea Power Station".

Considerado una desviación lírica de los álbumes anteriores de Pink Floyd, "Animals" es un trabajo conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de la Gran Bretaña de mediados de los años 1970. No se lanzaron sencillos de "Animals", pero la banda lo promocionó a través de la controvertida gira "In the Flesh". Digo controvertido porque Roger Waters se volvió cada vez menos tolerable con el público (incluida la infame escena del escupitajo) y sentó las bases para la siguiente obra maestra, "The Wall".

Con este telón de fondo, y aparte de los profundos conflictos internos de la banda que ocurrían en ese momento, "Animals" encuentra al grupo creando un sonido turbio y ligeramente sombrío lejos de la atmósfera limpia y estéril de "Wish You Were Here". Las composiciones de Waters y Gilmour y la interpretación general de la banda en "Animals" hablan de un poderoso deseo de regresar al sonido underground. La producción es maravillosa; pesado, espeso, metálico, todo ello manteniendo el sonido espacial característico de la banda.

Este LP está basado en la fábula política de George Orwell "Animal Farm", la letra del álbum describe varias clases de la sociedad como diferentes tipos de animales: los perros depredadores, los despóticos cerdos despiadados y el rebaño de ovejas "sin sentido e incuestionable". La novela de Orwell se centra en el estalinismo, el álbum es una crítica del capitalismo y se diferencia nuevamente en que las ovejas eventualmente se levantan para dominar a los perros. Este álbum también es en parte una respuesta al movimiento punk rock, que creció en popularidad como una declaración nihilista contra las condiciones sociales y políticas prevalecientes, y también una reacción a la complacencia y nostalgia general que parecía rodear a la música rock.

"Animals" está estampada por todas partes con Roger Waters, sin embargo, la guitarra de David Gilmour domina, y los teclados de Richard Wright rara vez se elevan por encima de un fondo que crea el ambiente. Esto le da inmediatez a la música y, de hecho, aumenta el ambiente oscuro dándole poder. También hace que "Animals" sea lo más accesible posible, ya que surge con audaces líneas de guitarra de blues-rock y texturas hipnóticas de rock espacial. Sin embargo, a pesar de todo, la oscuridad del espíritu de Waters sigue siendo cierta, y dado que no hay ganchos vocales ni melodías, todo depende del estado de ánimo, las letras casi nihilistas y la gran guitarra de Gilmour.

La escala del trabajo es pura audacia. Se trata de todo el contexto de su época, de toda la cultura que prevalece, de la interminable carrera de ratas. Así, "Animales" tiene una cualidad sostenida de rabia, de rebelión, de rechazo. El primer paso en una rebelión es el reconocimiento; conciencia; identificar la causa de la miseria. Esto es lo que hace Pink Floyd aquí. Inquietud política cerebral y convincente con composiciones sonoras de hard rock e inquietantes. Hay magníficas texturas sonoras y una virtuosa musicalidad. El resultado final es un álbum de art rock casi perfecto.

Yo coloco "Dark Side of The Moon", "Wish You Where Here" y "The Wall" como mis tres mejores discos de Pink Floyd. Sin embargo, "Animals" ocupa el cuarto lugar y fácilmente podría haber estado en el Top 3 si no hubiera sido tan sombrío y político. Para muchos, críticos incluidos, "Animales" es para ellos el mejor.

Volvamos a mi opinión personal. "Animales" reconozco, es un poco difícil de abordar. Las letras son sombrías, las canciones son largas y la estética es bastante vaga (encaja perfectamente en la portada del álbum). Sin embargo, si puedes profundizar en él, probablemente encontrarás que es uno de los álbumes más gratificantes de Pink Floyd en su discografía. Generalmente se olvida "Animals", pero sigue siendo uno de los mayores logros de Pink Floyd.

 

Disco recomendado

 
De todos los álbumes de la era clásica de Pink Floyd, "Animals" es quizás el más extraño y oscuro, un disco que es difícil de aceptar inicialmente pero que termina dando muchas recompensas. "Animals" es más que un simple signo de los tiempos, es también otra obra maestra de una banda que en el momento de su lanzamiento no podía equivocarse.

Una cosa que no se puede negar es que es una obra maestra del rock progresivo.

Video del tema "Sheep":

Tracklist (original LP). Canciones de Pink Floyd "Animals":

Cara A:

1.         "Pigs on the Wing (Part One)"           1:24
2.         "Dogs" 17:04

Cara B:

1.         "Pigs (Three Different Ones)"           11:28
2.         "Sheep"           10:20
3.         "Pigs on the Wing (Part Two)"          1:24

Ficha técnica:

• David Gilmour: voz principal (2), guitarra principal (2–4), bajo (3, 4), guitarra acústica (2), talk box (3)
• Roger Waters: voz principal, voz armónica (2, 3), guitarra acústica (1, 5), guitarra rítmica (3, 4), bajo (2), efectos de cinta (3, 4), vocoder (2–4), concepto de manga
• Richard Wright: órgano Hammond (2–4), sintetizador de cuerdas ARP (2–4), Fender Rhodes (2, 4), Minimoog (2, 4), órgano Farfisa (2), piano (3), clavinet (3) , EMS VCS 3 (4), voces de armonía (2)
• Nick Mason: batería, percusión (2–4), efectos de cinta (4), gráficos

Músicos adicionales:

• Snowy White - solo de guitarra (en la versión de 8 pistas de "Pigs on the Wing")

Producción:

• Pink Floyd - productores musicales
• Brian Humphries - ingeniero de sonido

SPOOKY TOOTH - Spooky Two - Album

Voy a presentarte uno de los álbumes oscuros (es decir, menos conocidos) de los años sesenta: "Spooky Two" de la banda británica "Spooky Tooth". Un disco "perdido" que merece atención y ser redescubierto por una nueva generación de fans de la música rock.

 

¿Quiénes eran la banda "Spooky Tooth"?

 
"Spooky Tooth" era un grupo de blues y rock progresivo del Reino Unido, imaginativo y de bordes duros, formado en Carlisle en 1967. Estuvieron activos principalmente entre 1967 y 1974. Antes de "Spooky Tooth", cuatro de los cinco miembros fundadores de la banda eran parte de la formación "Art". Tras la disolución de Art, los miembros de la formación final de esa banda (el guitarrista Luther Grosvenor, el vocalista Mike Harrison, el baterista Mike Kellie y el bajista Greg Ridley - más tarde se unió a "Humble Pie") unieron fuerzas con el teclista y vocalista estadounidense Gary Wright en Octubre de 1967 y formaron "Spooky Tooth".

ALBUM: Spooky Two

Este es el segundo álbum de estudio de la banda de rock inglesa "Spooky Tooth". Fue publicado originalmente en marzo de 1969. El productor Jimmy Miller es responsable de algunos de los sonidos de órgano Hammond más dulces que se escuchan en el rock.

Este fue también el último lanzamiento del álbum de la formación original e incluyó su versión ahora clásica de la canción de Larry Weiss "Evil Woman" y el gran "Better by You, Better than Me", que fue versionado por Judas Priest en su lanzamiento Stained Class. (1978).

Las ocho canciones del LP combinan rock de estilo libre y de guitarra suelta, lo que da como resultado una música agradable. Con Gary Wright en teclados y voz y el cantante Mike Harrison detrás del micrófono, son realmente fluidos. Con énfasis en los teclados, canciones como "Lost in My Dream" y la obra maestra de nueve minutos "Evil Woman", suena y se desliza genial.

"Spooky Tooth" también se distingue de sus contemporáneos del Reino Unido al untar su sonido con fuertes influencias gospel y mantener un equilibrio entre una composición ecléctica y un sonido cohesivo y reconocible. La influencia del gospel se manifiesta en "I've Got Enough Heartaches" y, en menor medida, en "Feelin' Bad", donde la banda extrae una pesadez de la producción con teclas bajas del piano. En otras canciones, la banda diverge hacia un fino pop country rock, riffs duros y pegadizos, folk rock y vestigios más pesados de la psicodelia del momento. El compositor principal (y único miembro estadounidense de la banda), Gary Wright, merece crédito por unir tantos estilos en el disco.

Aunque "Spooky Tooth" duró unos siete años, sus otros álbumes nunca mantuvieron la misma pasión o la misma colaboración talentosa de cada músico individual que en "Spooky Two". "Spooky Tooth" era una gran banda y debería haber tenido más éxito del que tuvo, como indica y demuestra este álbum.

 

Disco recomendado

 
Un gran segundo álbum de "Spooky Tooth". Blues rock británico muy sabroso y duro con excelentes guitarras solistas y órgano Hammond. Esto ofrece una experiencia nueva con letras y estructuras de canciones innovadoras. Algunas de las canciones necesitan un par de escuchas para realmente gustar al oyente, pero al final deja una satisfacción. Un disco que hay que redescubrir.

Los fans del psychedelic-rock de finales de los 60 disfrutarán de esto, al igual que todos los conocedores de la música rock.

Video del tema "Evil Women":

Tracklist (lista formato original): 

1. Waitin' For The Wind
2. Feelin' Bad
3. I've Got Enough Heartache
4. Evil Woman
5. Lost In My Dream
6. That Was Only Yesterday
7. Better By You, Better Than Me
8. Hangman, Hang My Shell On A Tree

Banda:

•  MIKE HARRISON – Voz principal y teclados
• GARY WRIGHT – Voz principal y teclados
• LUTHER GROSVENOR - Guitarras
• GREG RIDLEY - Bajo
• MIKE KELLIE - Batería

FAUST - Faust IV - Album

Dentro del estilo de música rock denominado "KRAUTROCK", el disco "Fausto IV" es uno de los álbumes más interesantes de su época, una obra maestra del género.

Dicho género ha dado lugar a muchas grandes bandas ahora aclamadas como innovadoras y pioneras experimentales como Neu!, Can, Circle, Cluster, etc. En este caso en particular la banda en cuestión es Faust, creadores del álbum "Faust IV".

 

¿Quiénes eran la banda Faust?

 
Banda de rock alemana de Hamburgo. Formado en 1971 por el productor y ex periodista musical Uwe Nettelbeck, el grupo estaba compuesto originalmente por Werner "Zappi" Diermaier, Hans Joachim Irmler, Arnulf Meifert, Jean-Hervé Péron, Rudolf Sosna y Gunther Wüsthoff, en colaboración con el ingeniero de sonido Kurt Graupner.

Su música se orientó en torno a la disonancia, la improvisación y los sonidos electrónicos experimentales, e influiría en la música ambient e industrial posterior. La carrera inicial del grupo a principios de los años 70 produjo una serie de álbumes que reinventaron radicalmente el papel del estudio de grabación, introduciendo técnicas de corte de cintas al rock psicodélico libre.

El grupo se disolvió en 1975 y algunos de los miembros fundadores se volvieron a reunir en 1990.

 

ALBUM: Faust IV

 
Este es el cuarto álbum de estudio del grupo alemán de krautrock "Faust", publicado en 1973. Se lo conoce como un "clásico del krautrock". Este fue el último álbum de la primera encarnación de la banda: Werner "Zappi" Diermaier – batería, Hans Joachim Irmler – órgano, Jean-Hervé Péron – voz, bajo, Rudolf Sosna – voz, guitarra, teclados y Gunther Wüsthoff – sintetizador. saxófono.

En comparación con discos anteriores, "Faust IV" es relativamente más moderado y convencional (más accesible), aunque todavía está por delante de todo lo que estaba haciendo la escena del rock de vanguardia alemán en ese momento. Esta "accesibilidad" fue criticada por los fans "incondicionales" como una "traición", muy dura crítica y una reacción exagerada en mi opinión, ya que abrió a Fausto a una audiencia más amplia. Dicho esto, el sonido general es muy experimental: una mezcla de ruido industrial, drones, rock psicodélico y música abstracta, hipnótica y atmosférica. También hay alguna que otra voz, sintetizador, teclados y saxofón.

El primer corte electroacústico de casi 12 minutos "Krautrock" es un número característico que prepara el escenario. Hay un par de temas pop más extraños que capturan el sentido del humor surrealista del grupo: uno, "The Sad Skinhead", a través de su ritmo tipo reggae (recuerda también un poco a "The Clash"), y otro, "It's a Bit of a Pain", interrumpiendo un número pastoral de guitarra acústica con los ruidos de sintetizador más molestos que la banda pueda evocar. También hay una tendencia general hacia canciones más cortas y más voces en este LP, pero todavía hay algunos cambios repentinos e impredecibles en las piezas instrumentales.

Hay varios temas de paisajes sonoros sin ritmo, en su mayoría electrónicos, llenos de efectos de sintetizador vibrantes y flotantes, así como muchos toques de guitarra inspirados en "The Velvet Underground" característicos del grupo (por ejemplo, "Jennifer"), e incluso algunos pasajes de jazz-rock (por ejemplo, " Just A Second" y "Giggy Smile") y canciones psicodélicos.

En general, cada canción es muy diferente de la otra y existe en su propio espacio, mientras que el resultado global es una experiencia psicodélica. Quizás para el oído de los "lectores más jóvenes" FAUST IV pueda ser difícil de asimilar en la primera escucha, estoy de acuerdo. Sin embargo, si eres paciente y le das tiempo, este LP crecerá en ti. De hecho, muchos amigos músicos encuentran este disco muy agradable ya que su "formación musical" ha entrenado sus oídos para captar más fácil que los de los no músicos. Mantén la calma, este no es un disco "elitista", solo algunos captan más rápido que otros, como he mencionado, dale tiempo y te entusiasmará.

 

Disco recomendado

Es el mejor y más accesible álbum de Faust.

"Fausto IV" en su momento (y años después) no se parecía a nada escuchado antes. Es impredecible, extraño, inconexo y, sin embargo, también es extrañamente accesible y escuchable.

Esto es progresivo y experimental, pero al mismo tiempo es pegadizo y divertido, una mezcla poco común. Grandes ritmos. Mezcla sin esfuerzo pop, fuzz de los 60, ruido, ambient, jazz, folk, melodía y rarezas. Todavía hoy suena sorprendentemente moderno.

Es una escucha imprescindible para melómanos y los amantes del krautrock y la música experimental. "Fausto IV" seguiría influyendo en una generación de músicos y grupos de art-rock.

Video del tema "Just A Second":

Tracklist (formato LP vinilo):

A1 Krautrock
A2 The Sad Skinhead
A3 Jennifer 

B1 Just a Second
B2 Giggy Smile / Picnic on a Frozen River [mal etiquetado como Picnic on a Frozen River, Deuxieme Tableau]
B3 Läuft... Heisst das es läuft oder es kommt bald... Läuft [mal etiquetado como Giggy Smile]
B4 Run [mal etiquetado como Läuft... Heisst das es läuft oder es kommt bald... Läuft]
B5 It's a Bit of a Pain

STEVEN WILSON - Hand. Cannot. Erase - Album

Como fan de la banda "Porcupine Tree", quiero darle espacio en este blog de musica a su líder Steve Wilson. Un músico excepcional y también un artista en el verdadero sentido de la palabra. También tiene una brillante carrera en solitario y quiero recomendarles uno de sus muchos grandes discos, el álbum conceptual titulado "Hand. Cannot. Erase".

 

¿Quién es Steven John Wilson?

 

Es un músico inglés. También es el fundador, guitarrista, vocalista principal y compositor de la banda de rock "Porcupine Tree", además de ser miembro de varias otras bandas, incluidas "Blackfield", "Storm Corrosion" y "No-Man". También es solista y ha lanzado por ahora seis álbumes en solitario desde su debut en solitario, "Insurgentes" en 2008. En una carrera que abarca más de 30 años, Wilson ha hecho música prolíficamente y ha obtenido elogios de la crítica.

Como anécdota, Wilson es un compositor, productor, ingeniero de audio, guitarrista y teclista autodidacta, y toca otros instrumentos según sea necesario, incluido el bajo, el autoarpa, el dulcimer martillado y la flauta. Sus influencias y su trabajo han abarcado una amplia gama de géneros que incluyen pop, psicodelia, rock progresivo y electrónica, entre otros, cambiando su dirección musical a través de sus álbumes.

 

ALBUM: Hand. Cannot. Erase.

 

Es el cuarto álbum de estudio en solitario del músico inglés Steven Wilson. El disco fue lanzado el 27 de febrero de 2015. Steven Wilson describe este álbum como menos "jazz" en comparación con el trabajo anterior, con sólo unas pocas partes escritas para flautas y saxofones. Wilson también describió el álbum como un reflejo más de todo el material diferente de su catálogo anterior, presentando elementos de música electrónica y canciones pop sencillas junto con pistas largas de orientación progresiva. Junto a Wilson, el álbum cuenta con la voz de la israelí Ninet Tayeb. En pocas palabras, encontrará una exquisita artesanía musical, una musicalidad virtuosa por parte de cada participante y voces potentes en todo momento.

Según Wilson, el álbum está escrito desde una perspectiva femenina, y el concepto y la historia están inspirados en el caso de Joyce Carol Vincent, una mujer que vive en una gran ciudad (Londres) que muere en su apartamento y nadie la extraña desde hace más de dos años, a pesar de tener familiares y amigos. Sus vecinos, amigos y familiares la describieron como extrovertida, atractiva y ambiciosa, pero de alguna manera nadie la echó de menos. ¡Espeluznante!

Como trabajo conceptual, es majestuoso y exquisitamente elaborado, "Hand. Cannot. Erase" es una obra maestra de Steven Wilson. Desde el dolorosamente magnífico "Three Years Older" hasta el celestial "Ascendant Here On...", la música conmueve, las letras cautivan y el trabajo completo es una experiencia asombrosa.

Complementando a Wilson, Guthrie Govan realiza un vertiginoso trabajo de guitarra y los teclados de Adam Holzman brillan en todas partes (notablemente en la canción "Regret #9). La voz de Wilson parece completamente intacta por el tiempo; su conmovedor trabajo vocal es lo más destacado.

Diseñado por Steve Orchard y producido y mezclado por Wilson, el álbum es rico y detallado en cuanto a sonido. Es un paisaje inmenso e imaginativo que fusiona el rock clásico de los álbumes, el pop sofisticado de los 80, el metal, el progresivo y la electrónica en canciones elaboradas por expertos.

 

Canciones:

 

La joya absoluta del álbum es la canción "Routine". Cuenta la historia de una mujer que perdió a su marido y a sus hijos en un tiroteo en la escuela. La rutina la mantiene viva, pero también la mantiene en el sueño de que todo sigue como antes. ¡Brillante!

Otros temas destacados incluyen "3 Years Older", "Hand Cannot Erase", "Regret #9", "Happy Returns", "Home Invasion" y "Perfect Life", aunque es un disco muy sólido.

Para poner un último punto, a pesar de que en los discos hay muchos temas oscuros, "Hand. Cannot. Erase". es elogiado por su concepto sólido, diversos estilos musicales y musicalidad excepcional. El álbum muestra el talento integral de Steven Wilson como compositor, productor y conceptualista, lo que hace de este trabajo una obra de arte inteligente, conmovedora e inmersiva.

 

Disco recomendado

 
"Hand. Cannot. Erase." está para ser escuchado en un solo tirón. Escucharás la "vibra" de finales de los 70 y principios de los 80 que recuerda a los tiempos de Pink Floyd, Genesis y Yes.

Un registro inquietante pero profundamente conmovedor: un tratado metafórico sobre la alienación social, la soledad y la dislocación urbana, ofrecido sin pretensiones. Es estéticamente atractiva y al mismo tiempo resonante emocional e intelectualmente; la música pop no puede esperar lograr más.

Hazte un favor y escucha esto sin molestias. Sumérgete en el mundo catártico y solitario de Steven Wilson y no te decepcionarás. Dicho esto, lo admito y advierto que a los oídos de los lectores más jóvenes puede resultarles "difícil", tener paciencia y escuchar también lo que sucede de fondo. Todo encajará.

Video del tema "Home Invasion/Regret #9":

Tracklist (formato original):

1.         "First Regret" (instrumental)  2:01
2.         "3 Years Older"          10:18
3.         "Hand Cannot Erase" 4:17
4.         "Perfect Life" 4:46
5.         "Routine"        8:58
6.         "Home Invasion"        6:24
7.         "Regret #9" (instrumental)     5:00
8.         "Transience"    2:43
9.         "Ancestral"     13:30
10.       "Happy Returns"        6:00
11.       "Ascendant Here On..." (instrumental)         1:54

Músicos:

•  Steven Wilson: voz principal, Mellotron (pistas 1 a 10), teclados (pistas 1, 2, 4, 6, 7 y 8), guitarras (pistas 2 a 10), bajo (pistas 1, 2 y 5 a 7) , banjo (pista 7), dulcimer martillado (pista 9), programación (pistas 1–5, 9 y 10), agitador (pistas 3, 5 y 6), efectos (pistas 1, 2, 4, 5 y 9–11 )
• Guthrie Govan - guitarra (pistas 1, 2, 6, 7, 9 y 10), guitarra solista (pistas 5, 7 y 9)
• Nick Beggs: bajo (pistas 3 y 9), Chapman Stick (pistas 4, 6, 7 y 10), coros (pistas 2, 4–6, 9 y 10)
• Adam Holzman: piano (pistas 1–3, 5–7 y 9–11), órgano Hammond (pistas 1–3, 5–7, 9 y 10), celesta (pistas 3, 5 y 9), Fender Rhodes (pistas 3, 4, 6 y 9), Wurlitzer (pista 7), sintetizador Moog Voyager (pista 7)
• Marco Minnemann - batería (pistas 2 a 7 y 9)

Músicos adicionales:

•  Dave Gregory - guitarras (pistas 2, 3 y 10)
• Chad Wackerman - batería (pista 10)
• Ninet Tayeb - voz (pistas 5 y 9), coros (pista 3)
• Theo Travis – flauta y saxofón barítono (pista 9)
• Katherine Begley - palabra hablada (pista 4)
• Leo Blair - voz solista (pista 5)
• Schola Cantorum de la Cardinal Vaughan Memorial School - coro (pistas 5, 10 y 11)
• London Session Orchestra - cuerdas (pistas 9 y 10)

Producción:

•  Steven Wilson: producción, composición, arreglos, mezcla, mezcla 5.1, diseño artístico.

ELO - Eldorado - Album

The Electric Light Orchestra (ELO) 

 
Banda de rock inglesa formada en Birmingham en 1970 por los compositores y multiinstrumentistas Jeff Lynne, Roy Wood y el baterista Bev Bevan. Su música es una fusión de pop y arreglos clásicos con iconografía futurista. Después de que Wood dejara la banda en 1972, Lynne se convirtió en el único líder, arreglando y produciendo cada álbum mientras componía casi todo el material original. Desde este punto hasta su primera separación en 1986, Lynne, Bevan y el teclista Richard Tandy fueron los únicos miembros constantes del grupo.

ELO se formó a partir del deseo de los miembros de crear canciones modernas de rock y pop con matices clásicos. Durante las décadas de 1970 y 1980, ELO lanzó una serie de álbumes y sencillos, incluido el álbum de mayor éxito comercial, el disco doble Out of the Blue (1977). En 1986, Lynne perdió interés en la banda y disolvió el grupo. Aparte de una breve reunión a principios de la década de 2000, ELO permaneció en gran parte inactivo hasta 2014, cuando Lynne volvió a formar la banda con Tandy como ELO de Jeff Lynne.

Durante el período más activo de 13 años, ELO vendió más de 50 millones de discos en todo el mundo. En 2017, cuatro miembros clave de ELO (Jeff Lynne, Wood, Bevan y Tandy) fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

La discografía de ELO hasta el momento:

• The Electric Light Orchestra (1971)
• ELO 2 (1973)
• On the Third Day (1973)
• Eldorado (1974)
• Face the Music (1975)
• A New World Record (1976)
• Out of the Blue (1977)
• Discovery (1979)
• Time (1981) (credited como ELO)
• Secret Messages (1983)
• Balance of Power (1986)
• Zoom (2001)
• Alone in the Universe (2015)
• From Out of Nowhere (2019)

No cabe duda de que el oído moderno estará más abierto a su disco de mayor éxito comercial, el doble LP "Out of the Blue" (1977). Sin embargo, igual de impresionante, si no tan accesible (debido a sus elementos más clásicos), es "Eldorado" de 1974. Un trabajo seminal en la discografía de la banda y un hito significativo en la evolución del rock progresivo. Este álbum marcó un punto de inflexión para ELO, ya que fue su primer álbum conceptual y mostró la capacidad de la banda para combinar a la perfección elementos clásicos y de rock en una narrativa cohesiva y atractiva.

 

ALBUM: Eldorado

 
El cuarto álbum de estudio de Electric Light Orchestra (ELO). Fue publicado en los Estados Unidos en septiembre de 1974 y en el Reino Unido en octubre de 1974. El álbum presenta una mezcla de rock, pop y música clásica, con arreglos orquestales y un uso destacado de cuerdas y sintetizadores.

Eldorado es considerado uno de los mejores álbumes de ELO, si no el mejor. Esta es una incursión innovadora en la fusión de rock, cuerdas y coros. ¿Por qué es tan bueno? Tiene tres singles realmente fuertes: "Can't get it out of my head", "Boy Blue" y "Eldorado". Además, el valor añadido es que es realmente fácil y agradable de escuchar en todo momento. Dicho esto, admito que este disco puede no ser digerido fácilmente por el oído moderno, sin embargo, el oyente veterano de rock y pop realmente lo disfrutará. Francamente, es y se ha mantenido como material AOR (Adult Oriented Rock) aunque su verdadera magia está en los arreglos de cuerdas.

 

Álbum conceptual:

 
"Eldorado" es el primer álbum conceptual de ELO. La trama sigue a un personaje que viaja a mundos de fantasía a través de sueños, para escapar de la desilusión de su realidad mundana. En última instancia, la personalidad en cuestión se da cuenta de que no puede escapar de las duras realidades de la vida. Estos conceptos se exploran a través de una variedad de estilos y temas musicales, desde el animado y enérgico "Boy Blue" hasta el melancólico e introspectivo "Mister Kingdom". 

Lynne comenzó a escribir el álbum en respuesta a las críticas de su padre, un amante de la música clásica, quien dijo que el repertorio de Electric Light Orchestra "no tenía melodía". La influencia de The Beatles es predominante, especialmente en la melodía del verso de "Mister Kingdom", que algunos críticos han dicho que se asemeja a "Across the Universe".

 

Canciones:

Aquí destaco algunos temas:

• "Can't Get It Out of My Head": una balada melancólica con un coro memorable y una destacada sección de cuerdas. Lanzado como sencillo es uno de mis favoritos de este disco.

• "Boy Blue": una canción de rock alegre con una melodía pegadiza y un solo de guitarra, con un coro de niños en el coro.

• "Laredo Tornado": una canción de rock de inspiración country con un tempo rápido y un solo de armónica, con una sección de palabras habladas en el medio.

• "Poor Boy (The Greenwood)": una canción de inspiración folk con un simple riff de guitarra acústica y un solo de armónica, con un coro en el coro.

• "Mister Kingdom": una canción de rock psicodélico con una atmósfera de ensueño y un solo de guitarra, con una sección de palabras habladas en el medio.

• "Eldorado": una balada grandiosa que sirve como pieza central del álbum, que presenta una mezcla de elementos clásicos y de rock, un coro memorable y una sección de palabras habladas en el medio.

En general, un álbum innovador para su época. Es un viaje hacia el futuro de la música, guiado por la visión de Jeff Lynne y el talento colectivo de la banda. El canto arrastrado de Jeff Lynne es perfecto para el material onírico, y la banda toca espectacularmente.

 

Disco recomendado

Debes escuchar "Eldorado" con tus mejores auriculares. Hicieron álbumes más logrados; pero nunca hicieron uno mejor. Si bien puede que no sea su álbum de mayor éxito comercial, es uno de los favoritos de los fans y debe escucharse para los amantes del rock clásico y el rock progresivo.

Y lo admito, para algunas personas puede haber demasiados elementos clásicos en comparación con trabajos posteriores de ELO, por ejemplo "Out of the Blue" (1977). Pero este es más cerebral y experimental, con una maestría musical extraordinaria. 

Video del tema "Can't Get It Out of My Head":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Eldorado Overture" (instrumental)  2:12
2.         "Can't Get It Out of My Head"         4:21
3.         "Boy Blue"     5:18
4.         "Laredo Tornado"      5:29
5.         "Poor Boy (The Greenwood)"           2:57

Cara B:

6.         "Mister Kingdom"      5:50
7.         "Nobody's Child"       3:40
8.         "Illusions in G Major" 2:36
9.         "Eldorado"      5:20
10.       "Eldorado Finale"       1:20

Músicos:

• Jeff Lynne: voz principal y coros, guitarras eléctricas y acústicas, bajo, Moog, producción, orquesta y arreglos corales
• Bev Bevan - batería, percusión
• Richard Tandy: piano, Moog, clavinet, piano eléctrico Wurlitzer, guitarra, coros, orquesta y arreglos corales
• Mike de Albuquerque - bajo y coros (acreditado; partió durante la grabación del álbum)
• Mike Edwards: violonchelo
• Mik Kaminski – violín
• Hugh McDowell – violonchelo

Personal adicional:

• Peter Forbes-Robertson - palabra hablada
• Louis Clark - orquesta y arreglos corales y dirección