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MY MORNING JACKET - Is - Album

Tras una carrera marcada por la experimentación salvaje, paisajes sonoros exuberantes y un inconfundible encanto sureño, la banda estadounidense My Morning Jacket regresa con "Is", su álbum más centrado y emocionalmente directo. No solo marca un hito en cifras, al ser su décimo disco de estudio, sino un momento de discreta reinvención. Con la ayuda del veterano productor Brendan O'Brien, la banda refina en lugar de reinventar, creando una colección que se siente íntima, segura y sorprendentemente fresca. Permítanme recomendar a los lectores de este blog de música por qué "Is" podría ser uno de sus álbumes más gratificantes.

ALBUM: Is 


Tras casi 30 años como banda, se podría perdonar que My Morning Jacket se quedará sin energías. Pero con "Is", su décimo álbum de estudio, publicado el 21 de marzo de 2025, el quinteto de Louisville no muestra signos de fatiga creativa. En cambio, ofrecen un disco conciso y emocionalmente rico que redefine su sonido sutilmente sin perder su esencia.

MY MORNING JACKET - Is - Album (2025)

Grabado en Henson Recording Studios y producido por Brendan O'Brien, el primer productor externo en la historia de la banda, "Is" captura a un grupo que da un paso atrás para avanzar. Es un trabajo de contención, no de reducción. A lo largo de diez temas concisos, canalizan años de experimentación en algo que se siente vivido, pero nunca perezoso.

Por qué este álbum es para recomendar:


El camino hacia "Is" comenzó en territorio familiar: más de 100 demos creados en dos sesiones de composición. Pero esta vez, la banda supo cuándo soltarse. Las primeras improvisaciones se archivaron. En cambio, se apoyaron en la energía pura de las grabaciones caseras de Jim James, usando esos bocetos como trampolines en lugar de como planos. El resultado es un álbum centrado y cuidadosamente estructurado con un corazón palpitante en su centro.

Hay algo refrescante en escuchar a una banda en esta etapa de su carrera que prefiere la claridad a la monotonía. Para los fans que aún añoran la época de "Z", este álbum, "Is", se siente como un hermano mayor: menos locura cósmica, más introspección profunda.

La influencia de Brendan O'Brien:


Aclaremos esto: la incorporación de Brendan O'Brien causó sorpresa. Su trayectoria con artistas históricos (Bruce Springsteen, Pearl Jam, AC/DC) sugería un brillo brillante, listo para la radio. En cambio, aquí hace algo mucho más valioso: escucha. La producción de "Is" realza los mejores instintos de la banda sin eclipsarlos.

Esta es una colección donde ninguna canción supera los cinco minutos, y sin embargo, nunca se siente apresurada. Esa decisión de recortar lo superfluo da sus frutos. El disco fluye sin decaer, y cada número se gana su lugar.

Canciones con propósito:


El álbum arranca con suavidad con "Out In The Open", construida alrededor de un loop de ukelele que James compuso durante la pandemia. La melodía flota, la letra parece un desafío susurrado: "No puedo fingir que no tengo miedo / Pero viviré mientras sea libre". Es una cálida bienvenida, discreta pero profunda.

MY MORNING JACKET

A partir de ahí, la banda pasa a "Half a Lifetime", una canción que se adentra en sus propios archivos con un riff que se remonta a las sesiones de "Z", ahora reelaborado en algo más ágil y reflexivo. Es una canción sobre crecimiento, no sobre nostalgia.

Lo que sigue es posiblemente el tramo más fuerte del álbum. "Everyday Magic" hace honor a su título, combinando un ritmo desenfadado con versos que hablan de encontrar lo extraordinario en lo mundano. Luego llega "I Can Hear Your Love", una canción de aires retro que, de alguna manera, evoca tanto a Bruce Channel como a la intimidad de la fogata del clásico Dirty Dancing. Y si "Time Waited" no acaba en la lista de reproducción de bodas de todas las parejas indie para finales de año, algo ha salido mal. Con un sample de la leyenda del pedal steel, Buddy Emmons, y un estribillo que reflexiona sobre la paciencia del amor, podría ser la canción con mayor resonancia emocional que James ha escrito en años.

Una paleta sónica:


Aunque "Is" se siente más contenida que sus anteriores lanzamientos, la banda no se ha ablandado. "Squid Ink" irrumpe con una guitarra blues funky y una sección rítmica que pisa fuerte como una caravana en el desierto. Hay arrogancia, pero también humor y textura. James pregunta: "¿Por qué no puedo olvidar tu cara?" mientras la música se desliza bajo él como algo salido de un sueño nocturno.

Luego está "Die For It", una melodía que pasa de versos oníricos a un estribillo contundente. Recuerda a Pink Floyd sin resultar original, prueba de que la banda aún puede incursionar en la psicodelia, incluso con las aristas suavizadas.

Y justo cuando uno piensa que el álbum podría decaer, termina con «River Road», un cierre melancólico lleno de líneas de bajo polvorientas y una determinación melancólica. «Preparados, listos, ¡ya!, abajo en River Road», repite James, como para recordarnos que, incluso después de diez álbumes, el viaje importa más que el destino.

Una banda en constante evolución:


Lo que hace que "Is" funcione tan bien es que no intenta reinventar la rueda ni simplemente refrito viejas glorias. My Morning Jacket comprende sus fortalezas: calidez melódica, introspección lírica y capacidad para fusionar géneros sin romperlos, y aquí, perfeccionan esas herramientas en lugar de buscar nuevas.

MY MORNING JACKET

No hay relleno, ni improvisaciones extensas por sí mismas. Y, sin embargo, se percibe que muchas de estas canciones simplemente esperan ser expandidas y transformadas en el escenario. Esa dualidad, disciplina de estudio con potencial en directo, es lo que hace de Is no solo un buen álbum, sino uno significativo en el catálogo de la banda.

Disco Recomendado


Tanto si has seguido a My Morning Jacket desde la época de "At Dawn" como si eres nuevo en su mundo, "Is" te ofrece una entrada accesible y una escucha gratificante. Es a la vez una continuación y un reinicio, un álbum que reconoce el peso del tiempo sin verse agobiado por él.

Así que si buscas música nueva que no llame tu atención a gritos, sino que la conquiste canción a canción, empieza aquí. Con "Is", My Morning Jacket demuestra que, incluso después de 26 años, todavía tienen historias que contar y el sonido perfecto para llevarlas a su propósito.

Video del tema "Everyday Magic":

Tracklist:

1. "Out in the Open" 4:11
2. "Half a Lifetime" 3:20
3. "Everyday Magic" 4:21
4. "I Can Hear Your Love" 3:05
5. "Time Wasted" 3:39
6. "Beginning from the Ending" 4:59
7. "Lemme Know" 3:07
8. "Squid Ink" 3:19
9. "Die for It" 4:04
10. "River Road" 4:52

COWBOY JUNKIES - The Trinty Sessions - Album

En una escena musical a menudo dominada por sonidos sobre-producidos, el segundo álbum "The Trinity Session" (1988) de los Cowboy Junkies se destaca como un ejemplo de minimalismo y autenticidad emocional. Si estás buscando música que trascienda las tendencias y ofrezca una intimidad y profundidad genuinas, este disco innovador merece toda tu atención. A continuación, te propongo por qué la obra maestra sin pretensiones de esta banda canadiense sigue cautivando a los oyentes décadas después de su lanzamiento y, por lo tanto, quiero recomendarla a los lectores de este blog de música.

ALBUM: The Trinity Session


Cuando la banda Cowboy Junkies entró en la Iglesia "Church of the Holy Trinity" de Toronto en una fría noche de noviembre de 1987, no tenían idea de que su humilde sesión crearía uno de los álbumes emblemáticos de la música americana alternativa. "The Trinity Session", grabada con solo una grabadora DAT y un solo micrófono, se ha convertido en una escucha esencial para los amantes de la música que buscan autenticidad, profundidad e intimidad.

Un clásico reinventado:


Si bien Cowboy Junkies son famosos por su serena versión de "Sweet Jane" de Velvet Underground, su versión es excepcionalmente contemplativa, impregnada de melancolía e introspección. Sin embargo, no es la canción destacada del álbum. En cambio, la verdadera magia de "The Trinity Session" radica en la capacidad de la banda para transformar canciones familiares y composiciones originales en experiencias emocionales.

COWBOY JUNKIES - The Trinty Sessions - Album


Canciones originales con profundidad emocional:


Canciones como "Misguided Angel" ilustran hermosamente las fortalezas líricas y melódicas de la banda. La cautivadora voz de Margo Timmins combinada con el delicado trabajo de guitarra de Michael Timmins crean una profunda exploración de la vulnerabilidad romántica. La escasa instrumentación a lo largo del disco intensifica la resonancia emocional, atrayendo a los oyentes a un espacio reflexivo.

Una noche, un micrófono:


El ahora legendario minimalismo de "The Trinity Session", grabado en una sola noche alrededor de un solo micrófono, da como resultado una experiencia íntima única. Este enfoque minimalista mejora significativamente la narración emocional, en particular en la conmovedora interpretación a capela de Margo de "Mining for Gold". Su voz triste establece de inmediato el tono contemplativo del álbum, cautivando a los oyentes desde el principio.

Versiones que redefinen los clásicos:


Cada versión del álbum está abordada con cuidado y reinventada con gran riqueza. El clásico atemporal de Hank Williams "I'm So Lonesome I Could Cry" está impregnado de una soledad inquietante, mientras que "Walking After Midnight" de Patsy Cline se convierte en un paseo oscuro e introspectivo a través de la nostalgia. "Blue Moon Revisited (Song for Elvis)" combina de manera única la composición original con el estándar clásico, creando una experiencia hermosamente fresca y emocionalmente resonante.

COWBOY JUNKIES - banda

Margo Timmins:


La voz de Margo Timmins no depende de la gimnasia vocal; en cambio, su fortaleza es la autenticidad emocional. Sus expresiones sutiles y su delicada interpretación resuenan dentro de la acústica de la iglesia, estableciendo una rara cercanía entre la banda y el oyente. Igualmente integral es la guitarra de Michael Timmins, que complementa la interpretación vocal a la perfección, realzando la profundidad emocional sin eclipsarla.

Influencia en los géneros indie y americana:


Al fusionar elementos de country, folk y dream-pop atmosférico, Cowboy Junkies allanó sin querer el camino para lo que hoy conocemos como americana. Este enfoque de mezcla de géneros influyó significativamente en grupos indie posteriores como Mazzy Star, convirtiendo a "The Trinity Session" en un álbum silenciosamente revolucionario. Su ejecución pausada y sentida desafió la categorización en ese momento, pero sigue siendo influyente hasta el día de hoy.

Capturado en una sola toma:


Sorprendentemente, a pesar de su ritmo lento y atmósfera reflexiva, "The Trinity Session" se grabó casi en su totalidad en una sola toma, sin sobre-grabaciones ni mejoras de posproducción. Este enfoque despojado resalta el talento genuino de la banda y la química natural, brindando una autenticidad que a menudo está ausente en grabaciones de estudio muy producidas.

Disco recomendado


Tanto para los recién llegados como para los oyentes experimentados, "The Trinity Session" ofrece una experiencia musical incomparable, rica en sutileza, sinceridad y profundidad emocional. Este álbum es perfecto para quienes buscan una narración musical genuina, interpretaciones íntimas y un atractivo atemporal.

Recomendado para quienes deseen explorar la belleza de la auténtica música americana y alternativa.

Video del tema "I Don't Get It":


Tracklist: 

1. "Mining for Gold" (James Gordon) 1:34
2. "Misguided Angel" Margo Timmins Michael Timmins 4:58
3. "Blue Moon Revisited (Song for Elvis)" (No incluido en vinilo original) Margo Timmins Michael Timmins Richard Rodgers Lorenz Hart 4:31
4. "I Don't Get It" Margo Timmins Michael Timmins 4:34
5. "I'm So Lonesome I Could Cry" (Hank Williams) 5:24
6. "To Love Is to Bury" Margo Timmins Michael Timmins 4:47
7. "200 More Miles" Michael Timmins 5:29
8. "Dreaming My Dreams with You" (Allen Reynolds) 4:28
9. "Working on a Building" (No incluido en vinilo original) 3:48
10. "Sweet Jane" (Lou Reed) 3:41
11. "Postcard Blues" Michael Timmins 3:28
12. "Walkin' After Midnight" (Don Hecht Alan Block) 5:54

Cowboy Junkies:

  • Margo Timmins – voz principal
  • Michael Timmins – guitarra
  • Alan Anton – bajo
  • Peter Timmins – batería

Músicos adicionales:

  • John Timmins – guitarra, coros
  • Kim Deschamps – pedal steel guitar, dobro, bottleneck slide guitar
  • Jeff Bird – violín, armónica, mandolina
  • Steve Shearer – armónica
  • Jaro Czwewinec – acordeón

Personal técnico:

Peter Moore – productor, ingeniero de mezcla, ingeniero de masterización

FATHER JOHN MISTY - Mahashmashana - Album

El músico Josh Tillman (ex batería de "Fleet Foxes") que opera bajo el nombre artístico de FATHER JOHN MISTY ha vuelto a editar una pequeña joya de rock barroco.

Quiero recomendar su trabajo "Mahashmashana" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Mahashmashana

 
"Mahashmashana" es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Josh Tillman bajo el nombre artístico de Father John Misty, editado el 22 de noviembre de 2024. El álbum fue producido en Los Ángeles por Tillman y Drew Erickson con el colaborador frecuente Jonathan Wilson como productor ejecutivo.

FATHER JOHN MISTY - Mahashmashana - Album (2024)

La portada del álbum fue diseñada por el artista Joe Roberts. Su título hace referencia a la palabra sánscrita Mahāśmaśāna (महाश्मशान), que significa "gran crematorio". Con su título, el álbum cubre temas de mortalidad, identidad y renovación.


Preparando el escenario

 
Los primeros momentos de "Mahashmashana" son una declaración audaz. La canción que da título al álbum, una epopeya orquestal de nueve minutos, sirve como obertura a las grandes ambiciones temáticas del álbum. Sus capas de piano, cuerdas y metales, que alternan entre lo melancólico y lo triunfal, crean un paisaje sonoro que se siente a la vez atemporal y urgente. La rica voz de barítono de Tillman narra una historia de colapso y renacimiento, una "danza de cadáveres" que encuentra belleza en la destrucción. La influencia de íconos de la década de 1970 como Elton John y George Harrison es reconocible, pero la canción es inconfundiblemente la del propio Tillman.

Una odisea lírica

 
La pluma de Tillman es tan aguda como siempre, creando letras que son a la vez mordaces e introspectivas. Temas como “Mental Health” confrontan las personalidades seleccionadas que presentamos al mundo, criticando la naturaleza performativa de la existencia moderna. Con líneas como “Nadie te conoce como tú mismo, ¿se han conocido?”, Tillman disecciona la paradoja de la autoconciencia en una era hiperconectada.

En “Josh Tillman and the Accidental Dose”, su humor negro brilla mientras relata una desventura psicodélica mezclada con autodesprecio. La narrativa surrealista del tema yuxtapone el absurdo con la vulnerabilidad genuina, lo que refleja la lucha constante de Tillman por equilibrar la autenticidad artística con el éxito comercial.

El amor y la pérdida encuentran un punto de encuentro conmovedor en “Screamland”, donde las melodías chocan con letras inquietantes. El estribillo “El amor debe encontrar un camino” resuena como un grito desesperado y un tenue destello de esperanza, que encapsula los fundamentos emocionales del álbum.

Un caleidoscopio sónico

 
Musicalmente, “Mahashmashana” es una ambiciosa amalgama de estilos. Los fans de la banda “Pure Comedy” reconocerán la sátira y los arreglos exuberantes, mientras que la introspección de “Chloë and the Next 20th Century” resurge en momentos más tranquilos. Sin embargo, el álbum también se aventura en territorio desconocido. “She Cleans Up” inyecta una dosis de glam-rock, reforzada por una colaboración con “The Viagra Boys” que añade garra al refinamiento de Tillman.

En el otro extremo del espectro, “Being You” despoja a la grandeza, optando por el minimalismo. Es una pieza sorprendentemente cruda, que quita la personalidad de Father John Misty para revelar al hombre frágil que hay debajo.

La canción que cierra el álbum, “Summer’s Gone”, suena como un eco deliberado de los primeros trabajos de Tillman. Mientras que “Fun Times in Babylon” abrió su debut con ambición, este final elegíaco es una despedida impregnada de una reflexión agridulce. Mientras Tillman canta sobre un Hollywood que ha perdido su brillo, uno no puede evitar preguntarse: ¿es este el final de “Father John Misty” tal como lo conocemos?

El propio Tillman ha insinuado las transiciones, citando la paternidad y el crecimiento personal como catalizadores del cambio. En “Mahashmashana”, el solipsismo de sus álbumes anteriores da paso a una perspectiva más amplia, casi universal. Canciones como “Being You” sugieren un hombre en paz con la incertidumbre, que acepta las paradojas de la existencia en lugar de despotricar contra ellas.

Disco recomendado

 
Para los fans de toda la vida, este álbum ofrece una síntesis de todo lo que hace que Father John Misty sea único: su ingenio, su exuberante instrumentación y su introspección. Pero también es un punto de entrada atractivo para los nuevos oyentes, con su alcance cinematográfico y sus temas profundamente resonantes. Ya sea que marque el final de una era o el comienzo de una nueva, "Mahashmashana" asegura el estatus de Josh Tillman como uno de los narradores de historias más interesantes de la música contemporánea.

Es un asombroso pop rock barroco con una letra, una interpretación y una producción excelentes. Un buen disco.

Video del tema "Being You":

Tracklist:

1.         "Mahashmashana"                  9:19
2.         "She Cleans Up"         4:26
3.         "Josh Tillman and the Accidental Dose"                   5:12
4.         "Mental Health"         6:28
5.         "Screamland"              6:51
6.         "Being You"   5:13
7.         "I Guess Time Just Makes Fools of Us All"  8:35
8.         "Summer's Gone"       4:17

Músicos:

  • Josh Tillman – voz, interpretación
  • Alan Sparhawk – guitarra (pista 5)
  • Drew Erickson – interpretación
  • Jonathan Wilson – interpretación
  • Dan Bailey – interpretación
  • Eli Thomson – interpretación
  • David Vandervelde – interpretación
  • Chris Dixie Darley – interpretación
  • Jon Titterington – interpretación
  • Kyle Flynn – interpretación

Producción:

  • Josh Tillman – producción

Drew Erickson – producción, arreglos
Jonathan Wilson – productor ejecutivo
BJ Burton – producción adicional, mezcla (pistas 3, 5)
Michael Harris – ingeniería de sonido, producción adicional

BIG THIEF - U.F.O.F - Album

Quiero recomendar un álbum que es muy diferente de lo que se escucha habitualmente. Un disco especial que pienso puede ser un descubrimiento para los lectores de este blog de música.

ALBUM: U.F.O.F.

 
Este no es un disco común y corriente, es un tapiz de emociones, recuerdos y visiones cosidas con una precisión sobrenatural. Publicado el 3 de mayo de 2019 y grabado en el sereno lugar de "Bear Creek Studio" en Washington (EE. UU.), el álbum se siente como un descubrimiento más que una creación. Cada nota, cada letra se desarrolla como si se descubriera de un reino olvidado.

BIG THIEF - U.F.O.F - Album

Este es la banda Big Thief en su faceta más exploratoria, mezclando sus raíces folk con texturas ambient y aventuras experimentales. El título del álbum, un acrónimo de "UFO friend", marca el tono: este es un disco que se asoma a la existencia, tanto terrestre como cósmica.

Intimidad y anhelo terrenales

 
Adrianne Lenker, el corazón lírico de la banda, canta sobre temas de amor, pérdida y mortalidad con un toque místico. Su composición no es lineal sino impresionista, pintando escenas que parecen espejismos. En la canción principal, la voz de Lenker revolotea junto a líneas de guitarras espectrales y sintetizadores. En “Orange”, Lenker yuxtapone ternura y fragilidad con una melancolía desgarradora. Es una canción que encapsula la brillantez del álbum: momentos de claridad emocional pura envueltos en las vívidas imágenes de la naturaleza.

Del folk a lo fantástico

 
U.F.O.F. es inequívocamente un producto del crecimiento colectivo y evolutivo de Big Thief. Después de años de gira, la banda funciona en este LP como una entidad singular, su sinergia es palpable en cada canción. El guitarrista Buck Meek, el bajista Max Oleartchik y el baterista James Krivchenia contribuyen cada uno a los paisajes sonoros, acreditado simplemente como “ambient” en las notas del álbum.

Canciones como “Contact” y “Jenni” muestran su alcance. “Contact” comienza como una pieza meditativa antes de estallar en una cacofonía de guitarras distorsionadas y gritos primarios. “Jenni”, por otro lado, es un número inspirado en el shoegaze, donde la guitarra cargada de feedback de Meek lleva al oyente al universo íntimo de Lenker.

BIG THIEF - banda de rock

 

Más allá de los ganchos

 
Lo que distingue a U.F.O.F. es que las canciones no están diseñadas para atraparte con estribillos pegadizos, sino que se desenredan lentamente, revelando nuevas capas con cada escucha. La reimaginada “Terminal Paradise”, que se escuchó por primera vez en el álbum en solitario de Lenker, “Abysskiss”, es un ejemplo. Aquí, el delicado falsete de Lenker se entrelaza con las armonías de barítono de Meek, transformando la canción en una exploración meditativa.

Incluso los momentos más tranquilos, como la hipnótica “Cattails” con sus matices de country alternativo, están impregnados de una complejidad sutil. La batería de Krivchenia guía la voz de Lenker mientras canta sobre el tiempo, el hogar y el paso de la vida.


Un mundo interior

 
Lenker puebla U.F.O.F. con un elenco de personajes y criaturas que parecen sacados de una fábula: Betsy, Jodi, Jenni y los gusanos de seda y las polillas recurrentes. Las letras a menudo evocan las reflexiones naturalistas de Rachel Carson, capturando la esencia de la interconexión de la vida. En “Open Desert”, Lenker imagina su cuerpo envejeciendo y entregándose a la tierra, su voz es un tierno reconocimiento de la inevitabilidad de la mortalidad.

Disco recomendado


U.F.O.F. no es un disco que exija atención; simplemente existe. Es un trabajo sofisticado, un álbum que te invita a sentarte y escuchar, no solo la música sino los espacios intermedios.

Para aquellos dispuestos a descubrir su longitud de onda, U.F.O.F. ofrece una experiencia íntima y trascendente, un recordatorio de que la belleza a menudo reside en los momentos tranquilos y modestos. Un álbum extremadamente interesante, del tipo que aparece pocas veces.

Video del tema "U.F.O.F":

Tracklist: 

1.         "Contact"        3:54
2.         "U.F.O.F."      3:08
3.         "Cattails"        4:05
4.         "From" 3:58
5.         "Open Desert" 3:47
6.         "Orange"         3:30
7.         "Century"        3:07
8.         "Strange"        3:41
9.         "Betsy"           3:28
10.       "Terminal Paradise"    3:25
11.       "Jenni" 4:11
12.       "Magic Dealer"           3:01

Big Thief:

  •  Adrianne Lenker – guitarra acústica (1–7, 9, 10), guitarra eléctrica (1, 5, 8, 9, 11), voces (todas las pistas), coro (2, 4, 5, 8), SK5 (2, 10), piano (3), campanillas (5), respiración (8), percusión (8), ambiente (12)
  • Buck Meek – guitarra eléctrica (1–5, 7–10), palmas (4), coro (4), voces (7, 10), retroalimentación (11), ambiente (12)
  • James Krivchenia – batería (1–5, 7–11), percusión (2), coro (2, 4, 5), SK5 (2), caja mágica (4, 5, 8), campanillas (5), respiración (8), Moog (8), pandereta (9), voces (11), batería de relleno (12), ambiente (12)
  • Max Oleartchik – bajo (1, 2, 4, 5, 7–12), bajo (1–3, 8, 10), coro (2, 4), piano (3), campanas (4), aliento (8), shaker (8), ambiente (12)

Músicos adicionales:

  • Zoë Lenker – coro (4)
  • Andrew Sarlo – viento (9), ambiente (12)
  • Dom Monks  (12)

Técnico:

  • Dom Monks – ingeniero de sonido, mezcla
  • Andrew Sarlo – producción

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Elliott Smith fue un músico y cantautor estadounidense. El instrumento principal de Smith era la guitarra, aunque también tocaba el piano, el clarinete, el bajo, la batería y la armónica. Tuvo un estilo vocal distintivo en su carrera como solista. También era adicto al alcohol y substancias con trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH) y depresión. Su lucha contra las drogas y las enfermedades mentales afectó su vida y su trabajo, e influyó en sus letras. Murió en su casa de Los Ángeles a causa de dos puñaladas en el pecho a los 34 años en 2003.

Un músico brillante con una vida difícil, nos dejó una música maravillosa. Una de esas piezas que quiero recomendar es su disco homónimo.

ALBUM: Elliott Smith

 
Este es el segundo álbum de estudio del cantautor estadounidense del mismo nombre. Fue grabado entre finales de 1994 y principios de 1995 y se publicó el 21 de julio de 1995.

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Este LP no es un disco más, es un diario privado. Este no es un álbum que simplemente escuchas; es uno que puedes sentir. Smith abre un espacio crudo, íntimo y profundamente personal, ofreciendo a los oyentes una visión de una mente que lucha con las fuerzas más oscuras de la vida. Para cualquiera que busque honestidad en la música, este disco es una invitación.

Desde el principio, la simplicidad del álbum es obvia. Elliott Smith elige un enfoque minimalista y de baja fidelidad (lo-fi), solo su voz y una guitarra suavemente rasgueada en su mayor parte, aunque cada nota tiene un peso. No hay una producción pesada, no hay capas de sonido detrás de las cuales esconderse. Deja que su voz y sus letras respiren, dejando que cada palabra tranquila y rasgueo lleguen directamente al oyente. Los pequeños detalles, como la armónica solitaria en "Alphabet Town", por ejemplo, dan la sensación de que está susurrando secretos.

En cuanto a las letras, Smith no tiene filtros. No tiene miedo de ahondar en los temas difíciles: la adicción, la duda y la pesadez de simplemente existir. La canción de apertura "Needle in the Hay" y "Coming Up Roses" lo dejan todo al descubierto, trazando un camino a través de las luchas de Elliott Smith de una manera que se siente tan personal como universal. Sus letras están entretejidas con detalles crípticos, dejando partes de sí mismo atrás para cualquiera que esté dispuesto a profundizar un poco más. No estás simplemente escuchando; estás resolviendo un rompecabezas, juntando las piezas de su historia, descubriendo nuevas capas de significado con cada escucha.

Dicho esto, la magia de este disco radica en cómo Elliott Smith equilibra sus letras crudas con una entrega suave. Su voz es frágil pero firme, como si estuviera cargando un gran peso pero se negara a dejar que lo derribe.

Sin embargo, a pesar de toda la melancolía de este LP, la música tiene una belleza delicada. Canciones como "Clementine" tienen una cualidad similar a la de un aullido, envolviendo la tristeza en suavidad. De alguna manera, Smith logra convertir su dolor en un cálido abrazo, ofreciendo consuelo a través de la experiencia compartida. Incluso cuando está en su peor momento, hay un toque de calidez en su voz.

ELLIOTT SMITH - Músico

Y si bien la obra explora la soledad y la lucha, no todo es pesimismo. En "St. Ides Heaven", por ejemplo, Smith deja que el humor brille, pintando escenas de vagabundeos nocturnos con una curiosidad casi resignada. Sus observaciones son agudas, capturando los absurdos de la vida y recordándonos que no está completamente perdido en la oscuridad. La canción final, "The Biggest Lie", nos deja con esa misma sensación de dualidad, una canción que es a la vez honesta y esperanzadora. Es como la última confesión susurrada de Smith, dejándonos un eco de sus luchas pero también de su fuerza.

Por último, este álbum no trata de perfección; trata de conexión. Es crudo, a veces doloroso, y sin embargo es reconfortante, como escuchar a otra persona poner palabras a sentimientos que creías que eran tuyos. Para cualquiera que quiera música que llegue a lo profundo, "Elliott Smith" ofrece algo único. Es un disco que crece contigo con cada escucha, al que vuelves una y otra vez, y cada vez escuchas algo nuevo.

Disco recomendado


La verdad es que Elliott Smith sabía cómo escribir una canción. Guitarras acústicas brillantes y discretas, arreglos con letras que te golpean profundamente el alma. Este era Smith en sus comienzos de carrera en solitario, explorando y expandiendo los planos de los Beatles de la mejor manera posible. Un disco maravilloso.

Video del tema "Needle in the Hay":

Tracklist (canciones):

1.         "Needle in the Hay"   4:16
2.         "Christian Brothers"   4:30
3.         "Clementine"  2:46
4.         "Southern Belle"         3:06
5.         "Single File"    2:26
6.         "Coming Up Roses"   3:10
7.         "Satellite"        2:25
8.         "Alphabet Town"       4:11
9.         "St. Ides Heaven"       3:00
10.       "Good to Go" 2:24
11.       "The White Lady Loves You More" 2:24
12.       "The Biggest Lie"       2:39

Músicos:

  • Elliott Smith: voz, guitarras acústicas, batería (2, 6, 9), guitarra eléctrica (6, 7, 10), pandereta (3), órgano de aire (6), armónica (8), violonchelo (11)

Personal adicional:

  •  Neil Gust: guitarra eléctrica ("Single File"), fotografía de la portada
  • Rebecca Gates: coros ("St. Ides Heaven")

GREGORY ALAN ISAKOV - Evening Machines - Album

Quería alejarme de la simple recomendación de músicos, bandas y álbumes conocidos para los lectores de este blog de música. Mi objetivo para este post era investigar en profundidad mi colección de discos y encontrar algo menos conocido y de verdadera calidad que realmente entusiasme al melómano que busca sorprenderse.

Creo que he encontrado algo especial y que puedo recomendar. Un músico relativamente menos conocido que es realmente bueno y uno de sus discos que disfruto escuchando con regularidad. El músico es GREGORY ALAN ISAKOV (Isakov) y el álbum que propongo es "Evening Machines".

 

¿Quién es el músico "Gregory Alan Isakov"?

 
Brevemente, es un cantante y compositor estadounidense nacido en Sudáfrica que actualmente reside en Boulder, Colorado. Isakov y su familia emigraron a los Estados Unidos en 1986.

Gregory Alan Isakov - musico folk americano

La música de Isakov combina el indie y el folk (americana), con instrumentos como la guitarra y el banjo. Isakov ha sido influenciado por la música de Leonard Cohen, Iron & Wine y Bruce Springsteen, por mencionar algunos. Aclamado por sus letras, su música explora temas como la naturaleza, la introspección y las experiencias personales dentro de los géneros folk e indie.

Esta es su discografía hasta la fecha:

  • Rust Colored Stones (2003)
  • Songs for October (2005)
  • That Sea, the Gambler (2007)
  • This Empty Northern Hemisphere (2009)
  • The Weatherman (2013)
  • Gregory Alan Isakov with the Colorado Symphony (2016)
  • Evening Machines (2018)
  • Appaloosa Bones (2023)

 

ALBUM: Evening Machines

 
Editado el 5 de octubre de 2018, este disco de estudio es un exuberante conjunto de 13 canciones, seleccionadas de las 40 que tenía, mezcladas por Tucker Martine (Neko Case, The Decemberists...) que le valió a Isakov una nominación al Grammy como "Mejor Álbum Folk". Con "Evening Machines", Isakov ofrece un trabajo muy personal y rico en sonido.

Cuidadosamente elaborado, igual que cualquiera de sus álbumes, transmite una atmósfera completamente diferente. Hay una sensación de anhelo y nostalgia, al mismo tiempo que toca una fibra sensible en tu corazón con una sensación de optimismo esperanzador y benévolo.

GREGORY ALAN ISAKOV - Evening Machines - Album

Grabado en su casa, en su granja, entrega un diario refinado en un elegante códice encuadernado en cuero. A la altura de los mejores trabajos de músicos de folk indie como Andrew Bird, Josh Ritter y Sufjan Stevens, "Evening Machines" satisface las inclinaciones folk y pop de Isakov, ofreciendo baladas austeras y canciones de rock cubiertas de capas de reverberación. Isakov ha creado una joya oscura que filtra la música folk estadounidense a través de las vistas abiertas de su tierra natal, manteniendo al mismo tiempo un nivel de intimidad que puede resultar casi extraño en su intensidad.

Dicho de otra manera, este no es solo un álbum de folk indie envuelto en tonos sepia, es una banda sonora cuyo rústico rollo de película se reproduce solo en la privacidad de tu corazón. Ese comportamiento íntimo y la universalidad emocional que han sustentado durante mucho tiempo la nostalgia están aquí, pero, en términos temporales, las imágenes fijas de viejos postes de enganche y vías de tren han pasado a un segundo plano frente al idealismo de las semillas de diente de león flotantes y los grandes cielos azules, lo que hace que "Evening Machines" sea menos un ejercicio de nostalgia y más existencialista. Esto crea un paisaje sonoro expansivo y profundamente personal.

"Evening Machines" no es fácil, exige tu atención, serás recompensado con repetidas escuchas con nuevas capas de significado reveladas cada vez. Es un álbum sobre la búsqueda de la luz en las horas más oscuras, sobre encontrar consuelo en los momentos de tranquilidad y, en última instancia, sobre el poder perdurable del espíritu humano. Gregory Alan Isakov nos ofrece en este trabajo un refugio, un espacio para la contemplación y la reflexión tranquila.

Disco recomendado

 
Si bien muchos álbumes de indie folk americana te dan una sensación de pérdida y, tal vez, de falta de esperanza, este te cura. Tiene temas de recuperación y agradecimiento. Todo esto, junto con el enfoque nuevo y diferente, lo convierte en un muy buen álbum. Si eres fan del indie folk o de buena música ejecutada y cuidada, buscarlo y escuchar. Creo que puede ser un descubrimiento para los melómanos en busca de algo sorprendente.

Video del tema "Where You Gonna Go":

Tracklist: 

1. Berth 4:53
2. San Luis 4:32
3. Southern Star 2:19
4. Powder 3:12
5. Bullet Holes 3:29
6. Was I Just Another One 2:57
7. Caves 4:49
8. Chemicals 3:19
9. Dark, Dark, Dark 2:59
10.Too Far Away 3:24
11.Where You Gonna Go 4:01
12.Wings in All Black 3:43

EMMA RUTH RUNDLE - On Dark Horses - Album

Soy fan de la banda estadounidense de post-rock "Red Sparowes" y quiero llamar la atención a los lectores de este blog de música sobre una de sus integrantes, Emma Ruth Rundle. Tiene una impresionante carrera en solitario y algunos discos geniales. Uno de ellos es "On Dark Horse", un gran trabajo oscuro y atmosférico que quiero recomendarte. Tiene una sensación de desierto nocturno, que resalta la voz única de Rundle y una excelente música.

 

¿Quién es "Emma Ruth Rundle"?

 

Emma Ruth Rundle es una cantautora, guitarrista y artista visual estadounidense que vive en Portland, Oregon. Anteriormente miembro de "Nocturnes" y "Marriages", ha lanzado cinco álbumes en solitario y es miembro de la banda de post rock "Red Sparowes".

Emma Ruth Rundle es una cantautora, guitarrista y artista visual estadounidense

ALBUM: On Dark Horses

 
El cuarto álbum de estudio en solitario de la cantautora estadounidense Emma Ruth Rundle. Fue publicado el 14 de septiembre de 2018. La producción está cargo de Kevin Ratterman.

Es un álbum pesado, inquietante y bellamente elaborado. La capacidad de Emma para transmitir emociones, tanto en su música como en su voz, es realmente distintiva y única. Este disco no pierde el tiempo haciéndote saber que este es un viaje algo oscuro. Tomemos el ejemplo de la canción "Control", que tiene un estribillo que suena como un estallido, y "Light Song", que casi alcanza un sonido post-metal. Dicho esto, serás llevado mentalmente a territorios que cuentan con bandas como "A Perfect Circle", "Tool", "Red Sparowes" y, en la composición de canciones, a "PJ Harvey" y "Fiona Apple". Pero no me malinterpretes, Emma Ruth Rundle es única.

EMMA RUTH RUNDLE - On Dark Horses - Album

El disco es la continuación de "Marked for Death" de 2016, y en "On Dark Horses" continúa luchando con una aparente oscuridad interior. La mezcla de Rundle de post-rock arremolinado y metal-gótico doom se siente íntima, incluso cuando se elevan los decibeles.

Pienso que Rundle logra dicha atmósfera oscura, y lo llena de matices y detalles sutiles, como los tambores pesados que dan sensación de tristeza, o su voz que parece temblar pese a la esperanza que transmite. Una voz que es capaz de contrastar sentimientos con mucha soltura: tristeza, ansiedad, arrepentimiento, deseo o comodidad son interpretados cuando se requiere.

La melodía reina en este álbum y suena entre cada línea de guitarra: Rundle y su socio Evan Patterson intercambian la elegancia de las seis cuerdas muy bien. La voz de Emma Ruth Rundle, que sube y baja con ondas de sonido, es una herramienta eficaz para transmitir emociones, que cuando se concentra, casi todo lo demás se queda en el camino, como es el caso de las canciones "Fever Dreams" y la brillante "Darkhouse".

En resumen, disfruto la guitarra de "dream" llena de reverberación, que, en combinación con la voz silenciosa, de alguna manera conspiran para hacer que "On Dark Horses" se sienta a la vez íntimo y cinematográficamente grandioso en escala. Es cálido, borroso, quebradizo y por momentos realmente hermoso.

 

Disco recomendado


Es pesado pero también soñador. Emma Ruth Rundle interpreta ocho canciones de diferente poder, llenas de atmósferas. Excelente música y voz. Sonido denso de rock que evoca imágenes de conducir por el desierto de noche.

Video del tema "Darkhouse":


Tracklist: 

1.         "Fever Dreams"          4:49
2.         "Control"        4:10
3.         "Darkhorse"    6:12
4.         "Races"           5:34
5.         "Dead Set Eyes"         4:58
6.         "Light Song"   5:50
7.         "Apathy on the Indiana Border"       4:46
8.         "You Don't Have to Cry"      5:44

Músicos:

  • Emma Ruth Rundle: letras, voz, guitarras, flauta, percusión.
  • Evan Patterson - voz, guitarra, piano,
  • Todd Cook - bajo,
  • Dylan Naydon - batería, percusión,
Kevin Ratterman – mezcla, masterización, productor

LULUC - Diamonds - Album

Pensé en recomendar un disco muy hermoso para comenzar 2024 en este blog de música. Algo opuesto a las canciones de ritmo rápido, ruidosas y de estilo festivo que hemos estado escuchando durante toda la Navidad. Un disco que casi figura en mi lista de "Mejores álbumes de 2023", pero que igualmente merece mención y elogios.

El disco en cuestión es "Diamonds" del dúo "LULUC".

 

¿Quiénes son la banda "Luluc"?

 
Luluc (Lou-Luke) es una banda australiana formada por Zoë Randell y Steve Hassett. Tienen su sede en Brooklyn, Nueva York. Luluc ha lanzado cinco álbumes hasta la fecha; "Dear Hamlyn", "Passerby, Sculptor", "Mistletone Records", "Dreamboat" y "Diamonds".

LULUC , duo australiano

El dúo australiano ha ocupado un curioso espacio musical desde su debut a finales de la década de 2000. Sus canciones son poéticas, a menudo melancólicas y llenas de tradiciones que recuerdan los resurgimientos folklóricos de los años 60 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. La banda es admirada por su composición poética, su exquisita musicalidad y su sonido sobrio pero convincente.

Es con el último disco - "Diamonds" - que quiero destacar y recomendar.

ALBUM : Diamonds

 
Publicado el 15 de septiembre de 2023, este es el quinto "long play" del dúo. Un dúo formado por Zoë Randell y Steve Hassett que han desarrollado un marco que transmite una cierta sensación de exuberancia a pesar de contar con un grupo relativamente pequeño de intérpretes e instrumentos. Los suaves acordes de la guitarra se fusionan con la voz de Randell, creando un folk sencillo y sin afectaciones.

LULUC - Diamonds - Album

La música de este disco se caracteriza por ser indie folk, con influencias de cantantes y compositores alternativos y de rock alternativo/indie. Una colección concisa de canciones que probablemente busque generar impacto a través de la brevedad y el enfoque. Alternativamente, este álbum también encaja dentro del género "Dream-Folk", que se caracteriza por un enfoque musical desenfrenado con el uso de reverberación, voces discretas y atmósferas de baja fidelidad. "Diamonds" es un álbum que invita a los oyentes a dejarse llevar por sus melodías y estados de ánimo.

Dicho simplemente, "Diamonds" es elegante, y Luluc es un candidato poco probable para crear una canción de carretera clásica estadounidense. Autoproducido por Randell y Hassett en su ciudad natal, este álbum es uno de los más completos hasta la fecha. Con su distintiva voz baja y su ritmo pausado, Zoë Randell es excelente para describir los detalles de la vida que pasan desapercibidos, aportándoles riqueza y sensación de asombro. Algunos ejemplos son la dulce "Sleepyhead" o la silenciosa "Evermore", mientras que sus letras tienen economía. Nada se desperdicia, ninguna palabra está fuera de lugar y, sin embargo, las canciones se sienten tan naturales y eternas.

 

Disco recomendado

 
La profundidad emocional y las cualidades atmosféricas de este álbum lo convierten en una adición destacada al género folk indie, ofreciendo una experiencia auditiva que es a la vez personal y expansiva. Una colección de 10 canciones que se desliza con el tipo de gracia armónica que hace que cada canción parezca predeterminada, "Diamonds" es el trabajo más elegante y logrado de Luluc hasta la fecha.

Buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "Diamonds":


Tracklist:

1. Diamonds 3:52
2. Snow 4:51
3. Come on Spring 3:35
4. Moonbeam 2:14
5. The Shore 4:57
6. Hooked 2:39
7. Sleepyhead 2:45
8. Evermore 2:08
9. As Tears Go By 2:53
10. The Sky 2:53

Créditos:

  •  Zoë Randell: voz, guitarra, productora, arreglos de cuerdas, compositora
  • Steve Hassett: voz, guitarra, sintetizador, piano, bajo, batería, productor, arreglos de trompeta, arreglos de cuerdas, compositor.

  • Stuart Bogie: trompetas, arreglos de trompetas.

THE DIED PRETTY - Free Dirt - Album

Quiero dar cobertura en este blog de música a una banda australiana y a su primer disco. Menos conocidos fuera de su Australia natal, "The Died Pretty" han dejado su huella localmente con una serie de muy buenos discos, siendo para mí su debut "Free Dirt" su principal exponente.

Un disco que, comparado con muchos de la misma época, ha envejecido sorprendentemente bien.

¿Quiénes eran "The Died Pretty"?

 
Banda australiana de rock alternativo fundada por los miembros pilares Ron Peno (cantante principal) y Brett Myers (guitarrista principal y corista) en Sydney en 1983. Su música comenzó a partir de una base del primer Bob Dylan eléctrico con influencias psicodélicas, que incluyen "The Velvet Underground" y "Televisión".

THE DIED PRETTY, banda australiana

Su sonido es una mezcla de varios géneros, desde el rock de finales de los 60, pasando por la neo psicodélica, pasando por el post punk, hasta, sorprendentemente, el neo country folk. En pocas palabras, difícil de encasillar, pero sorprendentemente sofisticado y todavía relevante hoy en día.

El grupo se disolvió formalmente en 2002, pero los miembros se reunieron en varias ocasiones para giras cortas por Australia.

ALBUM: Free Dirt

 
El primer álbum de larga duración de la banda australiana de rock alternativo "Died Pretty", publicado en 1986 después de una serie de EPs. Las influencias son claras y la banda lo sabe; escucharás un cantante carismático con la energía de Iggy Pop, un toque de los "Doors" en las partes de órgano retro y algunas de las sensibilidades vanguardistas de los primeros "Velvet Underground". Sin embargo, este LP también captura una sensación de espacio y desesperación del vasto paisaje australiano, como transmiten el título y la portada. Es una obra con mucho sabor australiano.

ALBUM: Free Dirt - The Died Pretty

El álbum encontró al grupo ganando terreno. Si bien las diversas influencias a las que se puede hacer referencia están presentes, "The Died Pretty" comienza a sonar más como un grupo que encuentra un sonido distinto en lugar de seguir el ejemplo de varias influencias.

Con la asistencia de invitados en el estudio en todo, desde saxo hasta guitarra con pedal de acero, y con una buena y completa producción de Rob Younger, "Free Dirt" es un excelente primer disco.

La canción "Wig-Out" es un buen ejemplo de su calidad con tambores marciales y una atmósfera de melodía celta que se hace mucho más intensa al ser interpretada con instrumentos de rock; muestra cómo la banda toma prestado el pasado para sus propios fines. La canción de apertura "Blue Sky Day" es, quizás, una de las mejores de la banda, un corte rockero enérgico pero nunca dominante con un brillo y un impulso de la maravillosa guitarra de Brett Myers combinada con interpretaciones adicionales de mandolina y violín. Su trabajo a lo largo del álbum es excelente, mientras que los teclados de Brunetti toman el liderazgo melódico y de manera similar las inspiraciones de Jim Morrison de Ron S. Peno que son claras. Completa esto con la excelente sección rítmica de Mark Lock-Chris Welsh, y está claro que es una gran banda. Escucha "Through Another Door" cantada por Myers de manera cálida, los grandes solos finales de "Life to Go" (una de mis canciones favoritas de este álbum), "Next to Nothing" y el bellamente ejecutado "The 2000 Year Old Murder", que se encuentran entre los muchos temas más destacados.


Disco recomendado

 
"Free Dirt" se ha convertido en uno de los álbumes australianos clásicos de todos los tiempos. Uno de los mejores discos que puedo recomendar que ha envejecido muy bien y ahora suena aún mejor. Además, es un álbum relativamente menos conocido fuera de Australia y del circuito de música alternativa que estoy seguro atraerá (y sorprenderá) a los melómanos actuales. Una mezcla equilibrada con unas excelentes guitarras sucias y partituras armónicas de saxofón que son absolutamente excelentes.

Vete a buscarlo.

Y termino. Su otro disco a buscar es su tercero, "Every Brilliant Eye" (1990).

Video del tema "Life to Go (Landsakes)":


Tracklist: 

1."Blue Sky Day" – 3:29
2."Round and Round" – 2:41
3."Wig-Out" – 3:06
4."Laughing Boy" – 3:34
5."Through Another Door" (Myers) – 3:17
6."Life to Go (Landsakes)" – 5:31
7."Just Skin" (Myers) – 6:37
8."The 2000 Year Old Murder" – 4:31
9."Next to Nothing" – 6:47
10."Stoneage Cinderella" (Atkinson, Myers, Peno) – 3:19

Personal (Músicos):

  •  Ron S. Peno - voz
  • Frank Brunetti – teclados
  • Tim Fagan – saxofón
  • Graham Lee - pedal de acero
  • Mark Lock - bajo
  • Brett Myers - guitarra, voz
  • John Papanis - mandolina
  • Louis Tillett – piano
  • Julian Watchhorn - violín
  • Chris Welsh - percusión, batería

THE DECEMBERISTS - The Crane Wife (2006)

ALBUM: The Crane Wife


El cuarto álbum se lanzó el 3 de octubre de 2006. Fue producido por Tucker Martine y Chris Walla (mejor conocido por ser un ex guitarrista y compositor de la banda Death Cab for Cutie). El álbum se inspiró en un cuento popular japonés y se centra en dos ciclos de canciones, "The Crane Wife" y "The Island", este último inspirado en "The Tempest" de William Shakespeare. La portada del álbum fue diseñada por la artista Carson Ellis, la esposa de Colin Meloy, quien ha creado ilustraciones para cada uno de los álbumes de la banda.

THE DECEMBERISTS - The Crane Wife (2006) Album
 
En este disco "The Decemberists" empujan su particular estilo de indie-folk-rock hacia la ruta del rock progresivo y los resultados son impactantes. De hecho, algunos críticos y fans han ido tan lejos como para señalar las marcadas similitudes de Jethro Tull. Te gusta escuchar y decidir.

La melodía es una gran prioridad, los arreglos son apasionantes y dramáticos, hay magníficos órganos y guitarras en el sonido, además la banda toca como un conjunto con un cantante nasal al frente. Este último elemento puede ser algo molesto para algunos, sin embargo, la calidad suaviza los escalofríos.


El cuento de "The Crane Wife":

 
Es un antiguo cuento popular japonés. Si bien hay muchas variaciones de la historia, una versión común es que un hombre pobre encuentra una grulla herida en su puerta (o afuera con una flecha en ella), la toma y la cuida hasta que se recupera. Después de que suelta la grulla, aparece en su puerta una mujer de la que se enamora y se casa. Debido a que necesitan dinero, su esposa se ofrece a tejer maravillosas prendas de seda que pueden vender en el mercado, pero solo si accede a no verla haciéndolas nunca. Comienzan a venderlos y a vivir una vida cómoda, pero pronto él la obliga a tejerlos cada vez más. Ajeno al deterioro de la salud de su esposa, su codicia aumenta. Eventualmente se asoma para ver qué está haciendo ella para que la seda que teje sea tan deseable. Se sorprende al descubrir que en el telar hay una grulla arrancando plumas de su propio cuerpo y tejiendolas en el telar. La grulla, al verlo, se va volando y nunca regresa.

 

Otros temas:


Hay una referencia a la historia rusa, la canción "When the War Came" es una representación del asedio de 900 días de Leningrado durante la Segunda Guerra Mundial, el conflicto de Irlanda del Norte, la canción "Shankill Butchers" trata sobre Shankill Butchers, una facción de la Fuerza de Voluntarios del Ulster y la mitología de la Guerra Civil Estadounidense.

 

Estilo Musical y Producción:


El álbum presenta un sonido más refinado y pulido que sus trabajos anteriores, con una mezcla de instrumentos acústicos y eléctricos, que incluyen guitarras, batería, acordeón y mandolina. Las canciones están llenas de ideas melódicas, pero el álbum nunca se siente abrumador, ya que Colin Meloy, el cantante y compositor principal de la banda, no intenta llenar cada minuto con palabras y ganchos.

El álbum destaca el estilo de producción de Tucker Martine, quien ha trabajado con artistas como R.E.M. y mi chaqueta de la mañana

THE DECEMBERISTS - Banda

Si te gusta tanto el rock indie moderno como el rock progresivo retro, no puedo pensar en ningún otro álbum que haga un mejor trabajo al combinar elementos indie y progresivos en un todo cohesivo. Entonces, si eres un oyente de indie rock con la más mínima inclinación por la épica, "The Crane Wife" es algo que debes escuchar.

 

Canciones: track por track

A continuación una breve revisión de la lista de canciones del álbum:

1. "The Crane Wife 3": la canción de apertura del álbum es una balada hermosa e inquietante que establece el tono para el resto del álbum. La canción presenta guitarra acústica, acordeón y la voz distintiva de Meloy.

2. "The Island": esta epopeya de rock progresivo en tres partes es la pieza central del álbum y cuenta la historia de un marinero que naufragó en una isla y se encuentra con un grupo de mujeres misteriosas. La canción presenta una mezcla de instrumentos acústicos y eléctricos, que incluyen guitarra, batería y órgano.

3. "Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)": este dúo con Laura Veirs es una canción destacada del álbum y presenta hermosas armonías y un coro memorable. La canción cuenta la historia de dos amantes separados por la guerra.

4. "Oh Valencia!" - Esta pegadiza canción de indie rock trata sobre un par de amantes desafortunados y presenta un ritmo de conducción y un riff de guitarra memorable.

5. "The Perfect Crime #2": este número de blues presenta una combinación de instrumentos acústicos y eléctricos y cuenta la historia de un criminal que huye.

6. "When the War Came": este corte inspirado en Led Zeppelin presenta un pesado riff de guitarra.

7. "Shankill Butchers": esta canción cuenta la historia de un grupo de notorios asesinos en Irlanda del Norte.

8. "Summersong": esta alegre canción presenta una mezcla de instrumentos acústicos y eléctricos y cuenta la historia de un romance de verano.

9. "The Crane Wife 1 & 2": esta canción de dos partes cuenta la historia de un hombre que rescata a una grulla y se casa con ella, solo para descubrir que es un espíritu que cambia de forma. La canción presenta una mezcla de instrumentos acústicos y eléctricos y muestra las habilidades narrativas de Meloy.

10. "Sons and Daughters" - Un himno conmovedor. La canción es una conclusión adecuada para la narración épica del álbum.

En conclusión, "The Crane Wife" es un álbum ambicioso que destaca las habilidades musicales y narrativas de The Decemberists. La lista de canciones del álbum presenta una mezcla de géneros y estilos, desde baladas inquietantes hasta pistas épicas de rock progresivo, y cuenta una historia cohesiva y atractiva.

Disco recomendado


Aquí tenemos una banda de indie, rock y folk llena de confianza y que ofrece una escucha algo terrenal y orgánica. Los amantes de la música acústica tradicional, todo reforzado con percusión fuerte y guitarra eléctrica, disfrutarán de esto. También las letras y melodías en general son muy entretenidas.

La mezcla de referencias literarias, temas históricos y diversidad musical del álbum lo convierten en una obra destacada en la discografía de "The Decemberists" y en un clásico del género. Será disfrutado por los fans de Jethro Tull, Neutral Milk Hotel, Belle and Sebastian y R.E.M.

Video del tema "Yankee Bayonet":


Tracklist:

1.         "The Crane Wife 3"    4:18
2.         "The Island: Come and See/The Landlord's Daughter/You'll Not Feel the Drowning"      12:26
3.         "Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)"   4:19
4.         "O Valencia!" 3:48
5.         "The Perfect Crime #2"          5:33
6.         "When the War Came"           5:06
7.         "Shankill Butchers"                4:40
8.         "Summersong"                        3:31
9.         "The Crane Wife 1 & 2"         11:20
10.       "Sons & Daughters"               5:14

The Decemberists:

  • Colin Meloy – voz, guitarra, bouzouki, percusión
    Chris Funk: guitarra, pedal steel, bouzouki, banjo, dulcimer martillado, organillo, percusión, coros
    Jenny Conlee: piano, Wurlitzer, órgano de bombeo, órgano Hammond, sintetizador Moog, acordeón, glockenspiel, percusión, coros
    Nate Query - contrabajo, bajo eléctrico, violonchelo, percusión, coros
    John Moen - batería, percusión, coros

Músicos adicionales:

  • Laura Veirs - voz a dúo en "Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)"
  • Eyvind Kang - viola, violín
  • Ezra Holbrook - coros
  • Christopher Walla - coros, teclados
  • Steve Drizos - tambores de mano

Producción

  • Producida por Tucker Martine y Christopher Walla con The Decemberists

SPARKLEHORSE - Good Morning Spider - Album

Las dificultades personales son la piedra angular de muchos discos, pero tocar sus complejidades y escalas, aunque permanece totalmente auténtico, tiende a trascender el alcance de la mayoría de los artistas. El álbum "Good Morning Spider" de la banda Sparklehorse liderada por Mark Linkous es un recordatorio del poder desenfrenado que puede tener la composición sincera y honesta: convertir la miseria en catarsis. 

En este post traeré a tu atención esta obra de arte donde la música es el instrumento para abrir el alma y comunicar emociones que son oscuras pero transmiten esperanza.

¿Quién son la banda Sparklehorse?


Formación estadounidense de indie rock de Richmond, Virginia, liderada por el cantante y multiinstrumentista Mark Linkous. Sparklehorse estuvo activo desde 1995 hasta la muerte de Linkous en 2010. En sus inicios, los miembros de Sparklehorse incluían a Paul Watson (banjo, corneta, lap steel y guitarra eléctrica), Scott Minor (batería, órgano de cuerdas, banjo), Johnny Hott (órgano Wurlitzer, percusión, coros) y Scot Fitzsimmons (bajo).

La banda americana Sparklehorse

La discografía de Sparklehorse:

  • Vivadixiesubmarinetransmissionplot (1995)
  • Good Morning Spider (1998)
  • It's a Wonderful Life (2001)
  • Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain (2006)
  • Dark Night of the Soul (con Danger Mouse) (2010)
  • Bird Machine (2023 - postumo).

ALBUM: Good Morning Spider


Es el segundo álbum publicado el 20 de julio de 1998. Fue bien recibido por la crítica musical y para mí es el mejor disco de Sparklehorse. Una exploración inquietantemente hermosa de las luchas y experiencias personales de Linkous, y se erige como un testimonio de sus habilidades para escribir canciones y su habilidad para crear paisajes sonoros atmosféricos de lo-fi.

SPARKLEHORSE - Good Morning Spider - Album

Es musicalmente ecléctico y emocionalmente poderoso. Este álbum toma temas grises (quizás oscuros y deprimentes) y los convierte en un mundo, combinando la composición de canciones clásicas con un sonido experimental que toma prestado de la alta fidelidad y la baja fidelidad. Grabada después de la reacción accidental y casi fatal a las drogas de Mark Linkous, y su posterior estadía de 12 semanas en el hospital, "Good Morning Spider" habita en los espacios liminales entre el sueño y la vigilia, la enfermedad y la salud, la vida y la muerte.

En 1996, mientras estaba de gira por Europa con Radiohead, Mark Linkous consumió una combinación de antidepresivos, valium, alcohol y heroína en una habitación de hotel de Londres. Inconsciente y con las piernas atrapadas debajo de él durante casi catorce horas, la acumulación de potasio resultante hizo que su corazón se detuviera durante varios minutos después de que levantaran su cuerpo. La cirugía posterior casi le hizo perder el uso de ambas piernas y, como resultado, tuvo que usar una silla de ruedas durante seis meses y requirió diálisis por insuficiencia renal aguda. En general, se cree que esta experiencia de vida es el "alma" de "Good Morning Spider", sin embargo, Mark Linkous lo niega en entrevistas y comenta que la mayor parte del material se escribió antes de que ocurriera todo esto. Pero, una canción "St. Mary", que está dedicada a las enfermeras del hospital del mismo nombre en Paddington donde Linkous se recuperó da para pensar. Así que lo dejó todo a tu criterio después de escuchar el álbum.

Mark Linkous

"Good Morning Spider" tiene sintetizadores, electrónica ambiental, trompetas y loops de batería en la mezcla. Las letras poéticas de Linkous ofrecen una ventana a un mundo personal de dolor y aislamiento, que también es de afirmación de la vida. A pesar de esto, el trasfondo de la inseguridad es omnipresente. La producción también es digna de mención. El uso de Linkous de técnicas de grabación de lo-fi le da al álbum una calidad cruda y sin pulir que se suma a su impacto emocional. El sonido del álbum es rico y en capas, con detalles sutiles que se revelan en repetidas escuchas.


Canciones:


El álbum abre con "Pig", una tema que inmediatamente establece el tono con su guitarra cruda y distorsionada y la voz tensa de Linkous. Es un marcado contraste con las canciones más tenues y melancólicas que siguen, pero es una introducción adecuada a un disco que constantemente desafía las expectativas.

"Good Morning Spider" se caracteriza por su mezcla ecléctica de sonidos y estilos. Desde la calidad soñadora y etérea de "Saint Mary" hasta el rock distorsionado y grunge de "Sick of Goodbyes", el álbum es un viaje sonoro que lleva a los oyentes a través de una variedad de emociones. Las letras de Linkous suelen ser crípticas e introspectivas y exploran los temas de depresión, aislamiento y temor existencial. Sin embargo, hay una sensación de esperanza y resiliencia que impregna el álbum, lo que lo convierte en una escucha profundamente conmovedora y catártica.

Una de las canciones más destacadas es "Maria 's Little Elbows", un tema que resume perfectamente la combinación de belleza y oscuridad del álbum. El corte comienza con una melodía simple y melancólica que gradualmente se convierte en una cacofonía de ruido y distorsión, reflejando la naturaleza tumultuosa de la propia vida de Linkous.

Otras canciones destacadas son Sunshine, Hey Joe y Cruel Sun, aunque en su conjunto este disco está lleno de intuiciones emocionales.

Disco recomendado

 
"Good Morning Spider" tiene un sonido único, profundidad emocional y una atmósfera cohesiva. Muestra el crecimiento de Sparklehorse como banda y solidifica la reputación de Mark Linkous como músico y compositor talentoso. El trágico suicidio de Mark Linkous en 2010 trae el regalo de "Good Morning Spider" a un mayor relieve y eleva este disco a la categoría de "debes escuchar".

Video del tema "Maria's Little Elbows":

Tracklist:

1.         "Pig"                                      2:22
2.         "Painbirds"                             3:50
3.         "Saint Mary"                          3:59
4.         "Good Morning Spider"                    1:09
5.         "Sick of Goodbyes"               3:32
6.         "Box of Stars (Part One)"      0:33
7.         "Sunshine"                             4:59
8.         "Chaos of the Galaxy/Happy Man"   4:31
9.         "Hey, Joe"(Version de Daniel Johnston)       3:04
10.       "Come on In"                         3:43
11.       "Maria's Little Elbows"                     4:16
12.       "Cruel Sun"                            2:25
13.       "All Night Home"                 3:43
14.       "Ghost of His Smile"             3:11
15.       "Hundreds of Sparrows"                   2:26
16.       "Box of Stars (Part Two)"      0:49
17.       "Junebug"                              3:24

 
Personal (Músicos):

  •  Mark Linkous: voz, guitarra, bajo, Wurlitzer, piano, optigan, sampler, vibráfono, armonio, hablar y deletrear, concertina, percusión, caja de ritmos
  • Sofia Mitchalitsianos - voz, violonchelo en las pistas 2 a 4, 6, 7, 10 y 15 a 17
  • Scott Minor: batería en las pistas 1 y 15, armonio en la pista 4
  • Paul Watson - corneta en la pista 2
  • Melissa Moore - violín en las pistas 3, 6, 7, 10 y 16
  • Johnny Hott: batería en la pista 8, piano en la pista 5
  • Stephen McCarthy - guitarra de pedal de acero en la pista 13
  • David Lowery: guitarra, caja de ritmos en la pista 5, bajo en la pista 8
  • Vic Chesnutt - voz de respuesta en la pista 7