WILLIE DIXON - I Am the Blues

ALBUM: I Am the Blues

La influencia de Willie Dixon en el blues es inconmensurable, pero para muchos su nombre permanece a la sombra de las leyendas que ayudó a definir. El disco "I Am the Blues" es su momento de protagonismo, una colección de canciones que dieron forma al sonido del blues de Chicago y más allá. Este álbum es más que una declaración personal; es una lección de historia, un testamento y una invitación a sumergirse en las raíces de la música moderna.

Willie Dixon fue el arquitecto del blues de Chicago, la mente detrás de algunas de las canciones más reconocibles del género y la fuerza que unió las antiguas tradiciones del Delta con la energía urbana del blues eléctrico. Sus huellas están por todas partes en el sonido de Muddy Waters, Howlin' Wolf y Little Walter, y si alguna vez has escuchado un riff de blues saliendo de un amplificador en un disco de rock, es probable que Dixon haya contribuido a inspirarlo.

Pero con "I Am the Blues", editado en 1970, Dixon hizo algo diferente. No se trata de una simple colección de canciones, sino de un momento de protagonismo que se esperaba desde hacía mucho tiempo para un hombre que había pasado décadas dando forma al blues desde detrás de escena. Dixon dio un paso adelante, no solo como compositor o productor, sino como narrador, intérprete y la encarnación misma de la música a la que había dedicado su vida.

La voz detrás de las canciones:

Cuando grabó "I Am the Blues", Dixon ya había compuesto más de 500 canciones, muchas de ellas inmortalizadas por otros artistas. El álbum reúne algunas de sus composiciones más conocidas, canciones que ya habían cimentado su lugar en la historia del blues a través de las voces de Muddy Waters, Howlin' Wolf y Otis Rush. Pero aquí, Willie Dixon las reivindica como suyas, entregándolas con el peso de la experiencia, una voz que transmite historias de lucha, resiliencia y alegría.

Tomemos como ejemplo "Back Door Man". La versión de Howlin’ Wolf era toda amenaza, un himno carnívoro y acechante, pero Dixon la interpreta con una autoridad irónica, como si le recordara al oyente: “Aquí es donde empezó”. Su fraseo es relajado pero autoritario, un narrador que saborea cada verso. En “I Can’t Quit You Baby”, cambia la intensidad abrasadora de Otis Rush por un tono más mesurado y cansado del mundo, enfatizando el agotamiento emocional de la canción en lugar de su desesperación.

“The Little Red Rooster” es otra canción destacada. Mientras que la versión de Wolf tenía un aura primitiva, casi mística, Dixon le da un giro juguetón, casi travieso, convirtiendo la imagen del corral en un guiño cómplice. “I Ain’t Superstitious”, grabada años antes por Howlin’ Wolf con un aire nervioso y atormentado, es más mesurada aquí, el humor más agudo, la interpretación más sólida.

El sonido del blues de Chicago, refinado:

Willie Dixon se rodea de una formación impecable. El trabajo de armónica de Walter Horton es expresivo pero nunca abrumador, entrando y saliendo de los arreglos con sutileza y gracia. El piano, dividido entre Lafayette Leake y Sunnyland Slim, se desarrolla como una conversación callejera, a veces juguetona, a veces conspirativa. Johnny Shines maneja la guitarra, agregando acentos de buen gusto en lugar de solos llamativos, y Clifton James en la batería mantiene todo ajustado y en el bolsillo.

La producción, dirigida por Abner Spector, se mantiene fiel al espíritu del blues de Chicago. No hay nada brillante, nada diseñado para impresionar con pura destreza técnica. En cambio, es crudo, íntimo e inmediato, blues como se supone que debe sentirse, no solo escucharse.

Más que una colección de canciones:

Lo que distingue a "I Am the Blues" de otros discos de blues no es sólo la lista de clásicos o la imponente presencia de Dixon, sino la cohesión del álbum. No se trata sólo de una colección de canciones destacadas; es una conversación con el oyente, una visita guiada por el paisaje del blues. Capta el ingenio, la sabiduría y la experiencia vivida de un hombre que no sólo escribió las canciones, sino que vivió las historias detrás de ellas.

Escuchar "I Am the Blues" es como sentarse con el propio Dixon, dejar que te guíe por el mundo del blues de Chicago, canción por canción. Hay arrogancia en "I'm Your Hoochie Coochie Man", humor en "The Seventh Son" y una tensión latente en "You Shook Me" que subraya la profundidad emocional del género. La voz de Dixon no se trata de perfección técnica, se trata de autoridad, de saber exactamente cómo contar una historia para que se quede contigo.

Su legado:

Dixon dijo una vez: “El blues son las raíces y las otras músicas son los frutos”. Este álbum se erige como una de las expresiones más puras de esa creencia. Es un documento de dónde proviene el blues, pero también un recordatorio de cuánto moldeó todo lo que vino después. No es exagerado decir que sin la composición de Dixon, el rock and roll tal como lo conocemos no existiría, pregúntenle a los Rolling Stones, Led Zeppelin o Cream, todos los cuales tomaron prestado generosamente de su trabajo.

Sin embargo, a pesar de todos los elogios, Willie Dixon nunca se convirtió en un nombre familiar de la manera en que lo hicieron Muddy Waters o Howlin’ Wolf. Su influencia fue enorme, pero su rostro rara vez apareció en las portadas de los álbumes.

Disco recomendado

Para cualquiera que sea nuevo en el blues, "I Am the Blues" es un punto de partida esencial. Es el blues en su forma más pura, directamente de uno de sus más grandes arquitectos. Y para los fans del blues de toda la vida, es un recordatorio de cuánto Dixon le dio al género, no solo las canciones, sino la actitud, el humor y la verdad innegable que hay en el corazón de todo.

Si quieres entender el blues, comienza por aquí. Willie Dixon no solo fue parte de la historia, escribió el libro.

Video del tema "Back Door Man":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A:

"Back Door Man" – 6:08
"I Can't Quit You, Baby" – 6:40
"The Seventh Son" – 4:15
"Spoonful" – 4:56

Cara B:

"I Ain't Superstitious" – 4:03
"You Shook Me" (Willie Dixon, J.B. Lenoir) – 4:15
"(I'm Your) Hoochie Coochie Man" – 4:48
"The Little Red Rooster" – 3:36
"The Same Thing" – 4:40

Ficha:

• Willie Dixon – voz, bajo

Chicago Blues All Stars:

• Walter Horton – armónica
• Lafayette Leake – piano
• Sunnyland Slim – piano
• Johnny Shines – guitarra
• Clifton James – batería

Técnica:

• Abner Spector – productor

BOB DYLAN - The Freewheelin' Bob Dylan - Album

Algunos discos capturan un momento en el tiempo; otros lo trascienden. "The Freewheelin' Bob Dylan" hace ambas cosas. Editado en 1963, no era solo otro LP de folk, era una declaración. Con una mezcla de himnos de protesta, canciones de amor y humor mordaz, Bob Dylan demostró que era más que un músico; era un narrador de historias, un comentarista y una voz que exigía ser escuchada. Este álbum no solo influyó en la música folk, sino que transformó la música popular en su conjunto.

Aprovecho que se estrena película "A Complete Unknown" con el actor Timothée Chalamet quien encarna un joven Bob Dylan, para recomendar el LP "The Freewheelin' Bob Dylan".   

ALBUM: The Freewheelin' Bob Dylan

En 1963, un Bob Dylan de 22 años emergió de la escena folk de Nueva York con "The Freewheelin' Bob Dylan", un álbum que redefiniría lo que significaba ser un cantautor. Si bien su debut homónimo lo había presentado como un intérprete de folk y blues tradicionales, Freewheelin' era algo completamente diferente. Once de sus trece canciones eran composiciones propias, lo que marcaba la llegada de un artista cuyas palabras tenían peso más allá de los cafés de Greenwich Village. Esto ya no era solo música folk; esto era Dylan, crudo e intransigente, forjando un nuevo espacio en la música estadounidense.

Protesta y poesía:

El álbum comienza con el ahora clásico "Blowin' in the Wind", una canción que pronto se convertiría en un himno mundial por los derechos civiles. Su estructura engañosamente simple, que plantea preguntas que siguen siendo tan urgentes hoy como lo fueron entonces, ayudó a cimentar la reputación de Bob Dylan como cantante de protesta, aunque más tarde rechazaría esa etiqueta. Pero Freewheelin' no se trata solo de activismo. El álbum oscila entre temas políticos contundentes como "Masters of War" y "A-Gonna Fall de A Hard Rain" (acusaciones mordaces de guerra e injusticia) y momentos más suaves e introspectivos como "Girl from the North Country" y "Don’t Think Twice, It’s All Right", canciones que diseccionan el amor y la pérdida con una claridad casi inquietante.

Lo que hace que el álbum sea tan notable es la facilidad con la que Dylan se mueve entre estos extremos. En un momento, está lanzando un ataque mordaz contra los belicistas y, al siguiente, está tejiendo reflexiones tiernas y nostálgicas sobre relaciones pasadas. Es esta dualidad (urgencia política mezclada con reflexión personal) lo que le da a Freewheelin’ su poder de permanencia.

Narración con ingenio y mordacidad:

El don de Dylan para contar historias brilla en todo el disco, no solo en sus cortes más serios, sino también en el humor irónico y absurdo de canciones como "Bob Dylan’s Blues" y "I Shall Be Free". Su ingenio es agudo, a veces cortante, como en "Talkin’ World War III Blues", donde teje una visión oscura y cómica de la América postapocalíptico. Este no era el tipo de humor que suavizaba su mensaje; era el humor que hacía que su mensaje fuera aún más agudo, sus palabras aún más difíciles de ignorar.

Un sonido atemporal:

Reducida a solo voz, guitarra y armónica, la producción de Freewheelin’ es tan pura como el propio Dylan. No hay adornos, ni pulido de estudio, solo el hombre y sus canciones. Y, sin embargo, el álbum nunca se siente monótono. La interpretación de Dylan por sí sola lleva cada pista, su voz pasando de un suave canturreo en "Girl from the North Country" a una intensidad casi burlona en "Masters of War". La escasez de la instrumentación hace que parezca inmediato, como si Bob Dylan estuviera sentado allí mismo en la habitación contigo, rasgueando su guitarra y exponiendo sus verdades.

Legado:

Cuando este álbum llegó a las tiendas, Dylan todavía era un gran desconocido fuera del circuito folk. Pero Freewheelin’ cambió eso casi de la noche a la mañana. No fue solo un éxito de crítica; fue un cambio cultural. En cuestión de meses, Dylan estaba siendo aclamado como un “portavoz de una generación”, una etiqueta de la que pasaría gran parte de su carrera tratando de deshacerse. The Beatles se dieron cuenta, y John Lennon recordó más tarde cómo el álbum influyó en su composición. Décadas más tarde, artistas desde Bruce Springsteen hasta Taylor Swift lo han citado como una piedra de toque para su propio trabajo.

Sin embargo, a pesar de todos los elogios, lo que hace que Freewheelin’ perdure no es solo su importancia histórica, es la música en sí. Incluso ahora, las canciones se sienten tan vitales y urgentes como lo fueron en 1963.

Disco recomendado

Para aquellos que aún no han descubierto a Bob Dylan, "The Freewheelin' Bob Dylan" es el lugar perfecto para comenzar. Lo captura en un momento en el que todavía estaba encontrando su voz, pero ya la manejaba con increíble poder. Si quieres un disco que te haga pensar, que te haga sentir y que incluso pueda cambiar tu forma de ver el mundo, este es el tuyo.

Escucharlo y deja que las palabras y melodías de Dylan te lleven. Algunos discos son solo álbumes; "The Freewheelin' Bob Dylan" es una experiencia.

Video del tema "A Hard Rain's a-Gonna Fall":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1. "Blowin' in the Wind" 2:48
2. "Girl from the North Country" 3:22
3. "Masters of War" 4:34
4. "Down the Highway" 3:27
5. "Bob Dylan's Blues" 2:23
6. "A Hard Rain's a-Gonna Fall" 6:55

Cara B:

1. "Don't Think Twice, It's All Right" 3:40
2. "Bob Dylan's Dream" 5:03
3. "Oxford Town" 1:50
4. "Talkin' World War III Blues" 6:28
5. "Corrina, Corrina" 2:44
6. "Honey, Just Allow Me One More Chance" 2:01
7. "I Shall Be Free" 4:49

Ficha:

• Bob Dylan – guitarra acústica, armónica, voz

Músicos adicionales

• Howie Collins – guitarra en "Corrina, Corrina"
  Leonard Gaskin – contrabajo en "Corrina, Corrina"
  Bruce Langhorne – guitarra en "Corrina, Corrina"
  Herbie Lovelle – batería en "Corrina, Corrina"
  Dick Wellstood – piano en "Corrina, Corrina"

Ficha Técnica:

• John H. Hammond – producción
• Don Hunstein – fotógrafo de la portada del álbum
  Tom Wilson – producción

APHEX TWIN - Selected Ambient Works 85–92 (Revisited)

Hablar de Aphex Twin es hablar de un visionario, un creador de mundos sonoros que trascienden el tiempo y el espacio. Su álbum "Selected Ambient Works 85–92" no es solo una pieza clave en la historia de la música electrónica, sino una obra que sigue impactando a oyentes y artistas por igual. Vuelvo a escribir otro blog post sobre esta impresionante obra que décadas después, continúa resonando con fuerza. Una recomendación para todos los amantes de la música.

ALBUM: Selected Ambient Works 85–92

Cuando "Selected Ambient Works 85–92" salió a la luz en 1992, pocos podían prever el impacto que tendría en la música electrónica. Firmado por Richard D. James bajo el alias de APHEX TWIN, este álbum no sólo consolidó su talento como arquitecto del sonido, sino que también marcó un antes y un después en la forma de entender este género. Décadas después de su lanzamiento, sigue siendo un referente ineludible, tanto para los veteranos de la electrónica como para quienes comienzan a explorar sus vastos paisajes.

Desde sus primeros experimentos con sintetizadores modificados y ordenadores de 8 bits en su natal Cornwall (UK), James mostró un talento innato para manipular el sonido. "Selected Ambient Works 85–92" no es un disco concebido en grandes estudios ni con tecnología de vanguardia; se trata de un collage de ideas ensambladas en casetes, muchas de ellas compuestas cuando el artista tenía apenas 14 años. Sin embargo, la aparente crudeza de su proceso no le resta sofisticación; al contrario, le otorga un carácter atemporal que lo diferencia de otros discos de la época.

Obra de ambient que no es puramente ambient:

El título puede llevar a engaño. Aunque "Selected Ambient Works 85–92" es frecuentemente encasillado en la categoría de música ambient, su esencia va mucho más allá. Si bien existen fragmentos de cadencia hipnótica, como en “Tha” o “Schottkey 7th Path”, también encontramos piezas marcadas por ritmos techno y estructuras propias del house. "Pulsewidth", por ejemplo, mantiene un groove inconfundible, mientras que "Green Calx" introduce elementos caóticos que prefiguran el estilo más frenético de sus discos posteriores.

Cada canción del álbum se construye sobre una base minimalista, con bucles repetitivos que se transforman de manera sutil. El enfoque recuerda al trabajo de compositores como Steve Reich, para quienes la repetición es un vehículo hacia el trance sonoro. Pero, a diferencia de la música ambient tradicional, diseñada para el fondo, la propuesta de Aphex Twin demanda atención. Aquí, cada capa de sintetizador y cada beat cumplen una función precisa, atrapando al oyente en un limbo entre la contemplación y el movimiento.

La magia de lo imperfecto:

Parte de la fascinación de "Selected Ambient Works 85–92" radica en su textura sonora. La producción es lo‑fi en el mejor sentido de la palabra: los sonidos no están pulidos, se percibe un leve ruido de fondo y se siente la presencia del hardware primitivo con el que James trabajó. Este aspecto, lejos de restarle calidad, dota al álbum de una calidez particular. No se trata de un disco clínicamente perfecto; más bien, es un testimonio de exploración, de prueba y error, de una mente joven descubriendo nuevas formas de expresión.

Por momentos, el disco suena como si hubiera sido grabado en un espacio infinito. "Xtal", el tema que abre el disco, parece flotar en una neblina etérea, con voces fantasmales que se deslizan entre acordes delicados. En contraste, "Heliosphan" irradia pura energía, con una melodía luminosa que avanza sobre un ritmo vibrante. "Ageispolis" es otro ejemplo de cómo Richard D. James juega con la espacialidad, haciendo que sus composiciones se expandan en todas direcciones.

El impacto sigue vigente:

Si bien en su momento fue recibido con entusiasmo en el circuito electrónico, el tiempo ha demostrado que su alcance es mucho mayor. Artistas de géneros tan diversos como Radiohead, Kanye West, Daft Punk y Björk han reconocido la influencia de Aphex Twin en su obra. Thom Yorke lo ha descrito como una revelación, un músico que le abrió las puertas a un mundo en el que la electrónica no tiene por qué ser fría ni impersonal, sino profundamente emotiva.

A diferencia de otros discos de su tiempo, "Selected Ambient Works 85–92" no ha envejecido. En una época en la que la nostalgia por los sonidos analógicos está en su punto más alto, este disco sigue sonando tan fresco como en 1992. Más allá de su impacto histórico, su mayor virtud es la capacidad de conectar con cualquier oyente dispuesto a sumergirse en su universo. No importa si se escucha en un club oscuro, durante un viaje en tren o en la soledad de una habitación: siempre tiene algo nuevo que ofrecer.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Selected Ambient Works 85–92", es momento de hacerlo. Es un disco que no solo define un periodo clave de la música electrónica, sino que también constituye una experiencia envolvente e hipnótica. No esperes encontrar fórmulas convencionales ni éxitos diseñados para listas de reproducción; aquí lo que importa es la atmósfera, la sensación de moverse dentro de un espacio sonoro que desafía el tiempo. En un mundo saturado de música efímera, volver a este álbum es un recordatorio de que la verdadera innovación no tiene fecha de caducidad.

Video del tema "Tah":

Tracklist:

1. "Xtal" 4:51
2. "Tha" 9:01
3. "Pulsewidth" 3:47
4. "Ageispolis" 5:21
5. "i" 1:13
6. "Green Calx" 6:02
7. "Heliosphan" 4:51
8. "We Are the Music Makers" 7:42
9. "Schottkey 7th Path" 5:07
10. "Ptolemy" 7:12
11. "Hedphelym" 6:02
12. "Delphium" 5:36
13. "Actium" 7:35

BURIAL - Untrue - Album (Revisited)

En el mundo de la música electrónica, pocos álbumes evocan una sensación de lugar y emoción tan distintiva como "Untrue". Más que un disco, es una atmósfera envolvente que atrapa al oyente en su universo sombrío de ritmos fracturados y voces espectrales. Hace años escribí un blog post sobre esta obra, pero volvemos a adentrarnos en su paisaje sonoro y emocional. Al final, quedará claro que Burial no solo creó una colección de temas, sino que capturó un sentimiento, un estado de ánimo, un instante suspendido en el tiempo.

ALBUM: Untrue

Es difícil señalar con exactitud qué es lo que hace que "Untrue" sea tan magnético. Publicado en 2007, el segundo álbum del elusivo productor británico Burial no es sólo una colección de canciones, es una atmósfera, un mundo en sí mismo. Construido sobre fragmentos vocales fantasmales, ritmos turbios y el residuo de pistas de baile que se han desvanecido hace mucho tiempo, "Untrue" es menos un álbum y más una experiencia, una que perdura mucho después de que la última nota se disuelva en estática.

Burial, un artista cuyo verdadero nombre, William Bevan, sólo se reveló después de su nominación al Mercury Prize, creó este trabajo en la oscuridad de la noche, superponiendo sus sonidos como recuerdos desdibujados por el tiempo. Influenciado por el garage británico, el jungle y las texturas ambientales, "Untrue" refina las ideas introducidas en su debut homónimo de 2006. Mientras que ese primer esfuerzo era crudo y críptico, "Untrue" está más centrado, casi hipnótico en su compromiso con el estado de ánimo. El cambio no es dramático, pero sí profundo: este es un álbum de soledad, añoranza y belleza fugaz.

El sonido de la distancia:

Escuchar este disco es como caminar por las afueras de una ciudad a altas horas de la madrugada, cuando el mundo está dormido pero tú sigues despierto, con pensamientos que se niegan a asentarse. La producción característica de Burial, empapada por la lluvia, y los samples vocales empapados de reverberación entran y salen de foco, convirtiendo momentos ordinarios en algo espectral. Las voces, con un tono más alto, estiradas, cortadas en sílabas indescifrables, suenan como ecos de conversaciones perdidas, susurrando secretos que solo se recuerdan a medias.

La canción “Archangel”, quizás la pieza más conocida del álbum, captura este sentimiento a la perfección. Construida sobre un sample manipulada de una canción de R&B (One Wish de Ray J), dobla el tiempo, retorciendo sonidos familiares en algo de otro mundo. El ritmo avanza tartamudeando como un paso vacilante en la oscuridad, mientras que las voces oscilan entre el anhelo y la resignación. Es una música que se siente intensamente personal, incluso si no puedes entender bien lo que se está diciendo.

Otros momentos, como “Ghost Hardware” y “Shell of Light”, juegan con el espacio y el silencio, permitiendo que las grietas en el sonido tengan tanto peso como los ritmos mismos. “Etched Headplate” introduce una calidez tenue, sus sintetizadores brillantes sugieren una sensación fugaz de esperanza, un atisbo de luz antes de que se desvanezca nuevamente en las sombras. Mientras tanto, canciones como “Near Dark” y la canción que da título al álbum encarnan el tira y afloja del álbum entre el aislamiento y la conexión, entre el movimiento y la quietud.

Un reflejo del underground londinense:

La música de Burial siempre ha estado profundamente arraigada en un lugar. "Untrue" parece una carta de amor a los rincones escondidos de Londres, sus calles tenuemente iluminadas, sus autobuses nocturnos llenos de almas exhaustas que regresan a casa. Pero más que un simple documento sonoro de una ciudad, el álbum captura un estado de ánimo que resuena mucho más allá de sus orígenes. Hay una universalidad en su melancolía, una sensación de que estos sonidos pertenecen a cualquiera que alguna vez se haya sentido desconectado del mundo que lo rodea.

La influencia del disco se extiende mucho más allá del dubstep, el género con el que se lo asoció vagamente al momento de su lanzamiento. Mientras que los primeros productores de dubstep a menudo se inclinaban por líneas de bajo agresivas y percusiones bien definidas, Burial forjó un camino diferente, uno que abrazaba la imperfección, la emoción cruda y una sensación de nostalgia espectral. Su uso de texturas ambientales, ritmos fracturados y samples granulosos preparó el terreno para una ola de artistas que lo seguirían, desde James Blake hasta Mount Kimbie y todo el panorama de lo que algunos llaman "post-dubstep".

El peso de la ausencia

El propio Burial ha hablado a menudo sobre la ausencia, la ausencia de voces claras, la ausencia de estructuras tradicionales en las canciones, incluso su propia ausencia del ojo público. Es famoso por evitar las apariciones con la prensa, prefiriendo dejar que la música hable por sí misma. Y "Untrue" prospera en ese espacio de incertidumbre. Es un disco que no exige atención, sino que invita a la introspección, recompensando a los oyentes que se toman el tiempo de sumergirse en sus profundidades.

Hay una dualidad en juego aquí: a pesar de su naturaleza melancólica, el álbum no es sofocante. Es oscuro, sí, pero no carece de calidez. La presencia constante de voces humanas distantes, ya sea que estén cantando, murmurando o disolviéndose en estática, evita que la música se sienta fría. En cambio, es extrañamente íntimo, como escuchar los pensamientos de un extraño a través de una pared, nunca lo suficientemente cerca para comprender por completo, pero lo suficientemente cerca para sentir algo real.

Disco recomendado

Muchos años después, "Untrue" sigue siendo uno de los álbumes electrónicos más importantes de todos los tiempos. Si bien gran parte del mundo de la música ha virado hacia la producción de alta definición y la precisión impulsada por algoritmos, el enfoque de Burial, intencionalmente áspero, deliberadamente lo-fi, se siente aún más vital. Nos recuerda que la música no necesita ser prístina para ser poderosa, que la emoción no se trata de la perfección técnica sino del sentimiento.

Más que un álbum, "Untrue" es un espacio para habitar, un paisaje sonoro que ofrece consuelo en su tristeza y belleza en sus imperfecciones. Ya sea que estés escuchando en una noche lluviosa, a través de auriculares en un tren vacío o solo en tu habitación, sigue siendo un compañero para esos momentos tranquilos en los que el mundo se siente distante. Pocos álbumes logran capturar un estado de ánimo tan específico y al mismo tiempo permanecer atemporales, pero "Untrue" lo hace.

Si aún no te has sumergido en el mundo nocturno de Burial, no hay mejor momento para hacerlo. Deja que la música se desarrolle y piérdete en el resplandor de su brillantez sombría.

Video del tema "Untrue":

Tracklist:

1. Untitled 0:46
2. "Archangel" 3:58
3. "Near Dark" 3:54
4. "Ghost Hardware" 4:53
5. "Endorphin" 2:57
6. "Etched Headplate" 5:59
7. "In McDonalds" 2:07
8. "Untrue" 6:16
9. "Shell of Light" 4:40
10. "Dog Shelter" 2:59
11. "Homeless" 5:20
12. "UK" 1:40
13. "Raver" 4:59

KRAFTWERK - The Man-Machine - Album

Hay álbumes que entretienen, álbumes que inspiran y, luego, hay álbumes que redefinen la música en sí. "The Man-Machine" de los alemanes Kraftwerk se encuentra claramente en esta última categoría. Cuando salió en 1978, no era un disco más, sino un vistazo a un futuro moldeado por la tecnología, la automatización y los sonidos sintéticos. Décadas después, sigue siendo una escucha esencial, no solo para los fans de la música electrónica, sino para cualquiera que sienta curiosidad por la forma en que se entrelazan el arte y la tecnología. Un trabajo que quiero recomendar en este blog de música.

ALBUM: The Man-Machine

A fines de los años 70 (siglo XX), Kraftwerk ya se había establecido como pionero en la música electrónica. Su álbum anterior, "Trans-Europe Express", había sentado las bases para lo que se convertiría en electro y techno. "The Man-Machine" publicado en 1978 llevó las cosas un paso más allá, refinando su estilo mecánico con ritmos más bailables y una visión inquietante, casi profética, de la relación simbiótica entre humanos y máquinas.

Con una duración de poco más de 36 minutos, el disco es preciso y está construido de forma precisa, como si se hubiera construido en un laboratorio con precisión matemática. Los ritmos robóticos y las voces procesadas que impregnan las canciones se sienten futuristas y extrañamente íntimos. Desde el pulso calculado de "The Robots" hasta la belleza resplandeciente de "Neon Lights", Kraftwerk demostró una capacidad incomparable para crear música que se sentía mecánica pero profundamente humana.

Las canciones:

"The Man-Machine" se divide en dos grandes temas: la exploración de la tecnología y su integración con la vida humana, y el atractivo de los paisajes urbanos modernos. El tema de apertura, "The Robots", es tanto un manifiesto como una canción. Sus ritmos mecánicos y voces procesadas con vocoder exponen la visión de Kraftwerk: "Somos los robots". No es solo una canción sobre máquinas, sino sobre la transformación de la humanidad misma.

Por otra parte, "Spacelab" y "Metropolis" se inspiran en la imagen de un futuro industrializado y de alta tecnología, con sus elegantes y elevados sintetizadores que evocan paisajes urbanos dominados por luces de neón y posibilidades infinitas. Estas canciones podrían fácilmente ser la banda sonora de una película de ciencia ficción, pero nunca resultan frías ni distantes. En cambio, transmiten una calidez extraña, un anhelo por algo más allá del acero y los circuitos.

Luego está "The Model", quizás el tema más conocido de Kraftwerk. Una visión aguda y satírica del mundo de la fama y la belleza superficial, la canción irónicamente se convirtió en un éxito en 1981, tres años después de su lanzamiento. Su melodía es engañosamente simple, pero su comentario sobre la cultura impulsada por la imagen sigue siendo igual de agudo hoy.

Uno de los momentos más impactantes del álbum llega con "Neon Lights", una canción que muestra la inesperada profundidad emocional de Kraftwerk. A diferencia de las composiciones más rígidas y mecánicas que la preceden, esta canción se desarrolla como un paisaje urbano de ensueño al anochecer, bañado por un resplandor artificial. Podría decirse que es posiblemente una de las composiciones electrónicas más hermosas de todos los tiempos: un himno a la modernidad y una reflexión sobre sus efectos alienantes.

Una obra maestra visual y conceptual

La música no fue lo único que Kraftwerk diseñó meticulosamente. El arte del álbum es tan icónico como su sonido. Inspirada en el artista constructivista ruso El Lissitzky, la portada muestra a la banda vestida con camisas rojas idénticas y corbatas negras, de pie en una formación rígida. El lenguaje visual refleja los temas del álbum: uniformidad, precisión y la fusión del hombre y la máquina.

Pero más allá de la estética, "The Man-Machine" también toca corrientes culturales más profundas. Su obra de arte, con su estilo industrial, casi paramilitar, hace un sutil guiño al pasado histórico y artístico de Alemania, al tiempo que insinúa un futuro en el que la individualidad se ve desdibujada por la tecnología. La banda no solo estaba haciendo música, sino que estaba haciendo una declaración sobre la existencia moderna.

Legado:

La influencia de "The Man-Machine" es difícil de exagerar. Si bien el trabajo anterior de Kraftwerk ya había preparado el terreno para la música electrónica, este álbum consolidó su lugar como los arquitectos del género. Su impacto se puede escuchar en el auge del synth-pop, el electro e incluso la música de dance. Artistas como Gary Numan, Depeche Mode y Daft Punk tienen una deuda significativa con las ideas y los sonidos creados en las seis cortes.

Décadas después, "The Man-Machine" no ha envejecido, ha evolucionado. Cada reedición y remasterización del álbum solo sirve para resaltar su meticulosa producción, lo que demuestra que sus texturas digitales y ritmos sintéticos se adelantaron años a su tiempo. Si bien gran parte de la música electrónica actual se crea con tecnología mucho más avanzada que la que Kraftwerk tenía en 1978, pocos han logrado capturar la misma sensación de asombro y precisión.

Disco recomendado

Para aquellos que nunca se han aventurado en el mundo de Kraftwerk, "The Man-Machine" es el punto de entrada perfecto. Es accesible pero profundo, futurista pero atemporal. Si aprecias la música que desafía las convenciones sin dejar de ser irresistiblemente escuchable, este álbum merece un lugar en tu colección.

Ya sea que te atraigan sus ritmos hipnóticos, sus inquietantes voces mecanizadas o sus agudas reflexiones sobre el mundo moderno, "The Man-Machine" es un LP que continúa revelando nuevas capas con cada escucha. En una era en la que la inteligencia artificial, la automatización y la identidad digital son más relevantes que nunca, la visión de Kraftwerk se siente menos como ciencia ficción y más como un espejo de nuestro presente.

En pocas palabras, si amas la música que no solo suena increíble sino que también te hace pensar, "The Man-Machine" es una escucha esencial. No es solo un álbum: es un legado, una idea y un vistazo a un futuro que, en muchos sentidos, ya ha llegado.

Video del tema "Das Model":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. "The Robots" ("Die Roboter") 6:10
2. "Spacelab" 5:50
3. "Metropolis" 6:01

Cara B:

4. "The Model" ("Das Model") 3:38
5. "Neon Lights" ("Neonlicht") 9:03
6. "The Man-Machine" ("Die Mensch-Maschine") 5:28

Kraftwerk (Banda):

• Ralf Hütter – concepto del álbum, reconstrucción de la portada (remasterización de 2009), portada, electrónica, teclados, Orchestron, producción, secuenciador Synthanorma, sintetizador, vocoder, voz
• Florian Schneider – concepto del álbum, electrónica, producción, sintetizador, vocoder, Votrax
• Karl Bartos – batería electrónica
• Wolfgang Flür – batería electrónica

SLINT - Spiderland - Album (Revisited)

El álbum "Spiderland" de Slint es uno de esos raros trabajos que no solo piden ser escuchados, sino que exigen ser sentidos. Publicado en 1991 sin mucha fanfarria, esta colección de seis canciones sentó las bases para géneros enteros sin dejar de estar envuelta en misterio. Es un álbum construido sobre la moderación y la tensión, donde los silencios son tan poderosos como las guitarras estrepitosas que siguen. Pero, más que nada, "Spiderland" se siente personal, se desarrolla como una serie de historias susurradas que te invitan a entrar, solo para dejarte atormentado mucho después de que la música se detiene. Miremos más de cerca a cómo surgió este disco singular y por qué sigue siendo tan poderoso décadas después.

ALBUM: Spiderland

Algunos discos no solo marcan una época, sino que la obsesionan. "Spiderland" de Slint, publicado en 1991, es uno de esos raros álbumes que existen como una fotografía en blanco y negro: atemporal, cruda y cada vez más reveladora cuanto más la miras. No se trataba sólo de una colección de canciones, sino de una serie de narraciones envueltas en inquietantes líneas de guitarra y voces susurrantes, interpretadas por un grupo de jóvenes de apenas 20 años que de alguna manera capturaron un sonido que se sentía antiguo y nuevo a la vez. Si nunca has escuchado a Slint, es probable que hayas sentido su influencia: en crescendos de post-rock, entregas vocales habladas o la inquietante dinámica de suaves y fuertes que innumerables bandas han intentado replicar desde entonces.

Pero retrocedamos un poco. Slint fue una banda que nació a mediados de los 80 (siglo xx) en Louisville, Kentucky, donde el hardcore punk era el lenguaje por defecto de la rebelión adolescente. Formado por Brian McMahan (voz, guitarra), David Pajo (guitarra), Todd Brashear (bajo) y Britt Walford (batería), no rechazaron el punk, sino que evolucionaron más allá de él, encontrando belleza en la moderación y la tensión. "Spiderland" es el resultado de esa evolución: un disco que se siente menos como un álbum y más como un secreto susurrado.

Moderación y liberación

A diferencia de muchos LPs de su época, "Spiderland" prospera en el espacio. Cada nota y cada pausa se sienten deliberadas. Las guitarras de McMahan y Pajo a menudo parecen pasarse unas de otras, creando patrones dispersos que de alguna manera tienen tanto peso como una banda completa en overdrive. Las canciones en sí se desarrollan como historias, llenas de inquietud y confesiones susurradas. "Breadcrumb Trail", la canción que abre el álbum, presenta este estado de ánimo inquietante con guitarras irregulares y una narrativa sobre una atracción de feria que lentamente se convierte en algo más oscuro.

A lo largo del disco, Slint juega con dinámicas como pocas bandas lo habían hecho antes. La tensión aumenta lentamente, casi insoportablemente, hasta que se abre por completo en momentos de catarsis. Este enfoque alcanza su punto máximo en "Good Morning, Captain", donde la frágil voz de McMahan se transforma en un gemido desesperado, repitiendo "Te extraño" en un colapso climático que es a la vez devastador y catártico. Es el tipo de liberación emocional que se siente demasiado real, demasiado crudo. Y lo fue: para McMahan, grabar ese clímax vocal fue tan agotador que se internó en un hospital poco después.

Historias en las sombras

La magia de "Spiderland" no reside solo en su sonido, sino en su narrativa. Cada canción parece un vistazo a un mundo privado: un dormitorio tranquilo a medianoche, una caminata solitaria a casa, un recuerdo que se niega a desvanecerse. "Don, Aman" se destaca como quizás el momento más íntimo del álbum. Con solo dos guitarras y voces habladas, pinta un cuadro dolorosamente real de ansiedad social, con Don luchando por mantenerse presente en una reunión, sus pensamientos dando vueltas hasta que finalmente se retira al aislamiento. No hay resolución, no hay consuelo, solo una profunda sensación de inquietud.

Luego está "Washer", lo más cercano que Spiderland llega a una canción de amor, aunque incluso eso se siente tenue y frágil. La voz de McMahan suena como si pudiera quebrarse en cualquier momento, cantando suavemente líneas como "mi cabeza está vacía, mis dedos de los pies están cálidos, estoy a salvo del daño" antes de que la canción se convierta en un hermoso rugido de guitarras. Cada detalle parece deliberado: el sonido de los dedos deslizándose por las cuerdas de la guitarra, los golpes de batería perfectamente sincronizados, la tensión entre las voces y los instrumentos. Es una canción que perdura mucho después de terminar, dejando una extraña sensación de comodidad a su paso.

Un disco creado para perdurar

Lo notable de "Spiderland" es lo mucho que recompensa la paciencia. Al principio, su minimalismo puede parecer impenetrable, sus canciones engañosamente simples. Pero con el tiempo, esas capas se revelan. Cada cambio de dinámica, cada pausa cuidadosamente colocada, se vuelve más significativa. El inquietante instrumental "For Dinner..." sirve como una calma antes de la tormenta, que conduce al tema final, "Good Morning, Captain". Esta última es una epopeya de siete minutos que se siente como una culminación de todo lo que el álbum ha estado insinuando: una construcción lenta y tensa que finalmente estalla en uno de los momentos más cargados de emoción en la historia del rock.

A pesar de su influencia final, "Spiderland" no fue reconocido de inmediato como un clásico. Se vendió modestamente en el momento de su lanzamiento, principalmente encontrando a su público a través del boca a boca. La prensa británica fue la primera en adoptarlo, elogiando su belleza y profundidad emocional, mientras que el público estadounidense lo siguió después. Con el paso de los años, se convirtió en una piedra de toque para innumerables bandas, inspirando géneros como el post-rock y el math rock, aunque los propios Slint siguieron siendo figuras enigmáticas.

Legado

Slint se disolvió antes de que "Spiderland" saliera a la venta. No dejaron atrás grandes declaraciones, ni giras triunfales, solo este extraño y cautivador disco y un legado en aumento. En muchos sentidos, esa desaparición solo se sumó al misterio del álbum. Se siente como un vistazo a otro mundo, un lugar donde el tiempo se detiene y cada sonido tiene peso.

Disco recomendado

Décadas después, "Spiderland" sigue siendo tan potente como siempre. Es un álbum que se niega a desvanecerse en el fondo, exigiendo toda tu atención. No es una escucha fácil, pero es gratificante: un álbum que perdura, que crece con cada escucha, revelando nuevas capas y emociones que quizás te hayas perdido antes. Si estás buscando algo que realmente se destaque, algo que se sienta más como un secreto susurrado que como un himno gritado, "Spiderland" es para ti. Muy, muy recomendado.

Video del tema "Breadcrumb Trail":

Tracklist:

1. "Breadcrumb Trail" 5:55
2. "Nosferatu Man" 5:35
3. "Don, Aman" (Walford) 6:28
4. "Washer" 8:50
5. "For Dinner..." 5:05
6. "Good Morning, Captain" 7:38

Slint (Banda):

• Todd Brashear – bajo (temas 1–2, 4–6)
• David Pajo – guitarra (temas 1–6)
• Brian McMahan – voz (temas 1–4, 6); guitarra (temas 1–2, 4–6)
• Britt Walford – batería (temas 1–2, 4–6); voz (temas 2, 3, 6), guitarra (tema 3) 

RADIOHEAD - Kid A - Album

¿Qué sucede cuando una banda en la cima de su fama decide cambiar las reglas y reinventarse por completo? Para Radiohead, la respuesta fue "Kid A", un álbum que rompió las expectativas y redefinió lo que una banda de rock podría ser. Es un disco nacido del agotamiento y la frustración, un salto audaz hacia el territorio experimental que cambió las guitarras por ritmos con fallas, paisajes sonoros inquietantes y voces crípticas. Lejos de ser una escucha sencilla, "Kid A" es una experiencia extraña e inmersiva que exige paciencia pero recompensa a quienes están dispuestos a explorar sus profundidades. Este no es un álbum más, es un viaje sonoro hacia lo desconocido. Aunque no es uno de mis favoritos de todos los tiempos de Radiohead, es un trabajo muy interesante que quiero recomendar a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Kid A 

Hay discos que te atrapan con estribillos pegadizos y melodías sencillas, y luego hay álbumes como "Kid A", un disco que no te invita a entrar, sino que te envuelve, te confunde y, finalmente, te consume. Lanzado en octubre de 2000, Kid A de Radiohead parece la banda sonora de un universo paralelo. No es solo una colección de canciones, sino una experiencia densa y surrealista que sigue siendo difícil de definir incluso décadas después. Es futurista y antigua, íntima pero distante. Y tal vez ese sea el secreto de por qué todavía resuena.

Después del éxito monumental de "OK Computer", Radiohead se encontró en una encrucijada. El cantante principal, Thom Yorke, se desplomó, desilusionado con el mundo del rock que alguna vez los celebró. La banda podría haber tomado la ruta segura, otro álbum impulsado por la guitarra lleno de himnos aptos para la radio. Pero no lo hicieron. En cambio, rompieron su propio libro de reglas y se reconstruyeron desde cero.

Lo que surgió fue "Kid A", un álbum que desafía toda clasificación. Mezcla música electrónica con fragmentos de jazz, krautrock y música clásica, con canciones construidas a partir de ritmos con fallas, texturas inquietantes y el falsete fantasmal de Yorke, a menudo cortado y deformado hasta quedar irreconocible. Este no era el Radiohead que la gente conocía, pero seguía siendo inconfundiblemente Radiohead.

Una atmósfera diferente

El tema de apertura, "Everything in Its Right Place", marca el tono con sus sintetizadores en bucle y voces fracturadas. Es desconcertante pero cautivador, una señal de que este álbum no trata sobre la gratificación instantánea. La voz de Yorke se desplaza como una señal perdida en una radio vieja, repitiendo frases como mantras. Hay algo hipnótico e inquietante en él, pero no puedes evitar sentirte atraído.

Esta atmósfera inquietante se transmite a través de la canción que da título al álbum, "Kid A", una canción de cuna para máquinas, donde las voces suaves de vocoder y los destellos electrónicos brillantes crean una atmósfera extrañamente tranquilizadora pero ligeramente inquietante. Si "OK Computer" fue una advertencia sobre el auge de la tecnología, "Kid A" parece que ya está viviendo en ese mundo, explorando sus peligros fríos y ocultos.

El "The National Anthem" es donde las cosas toman un giro caótico. Comienza con una línea de bajo amenazante y rápidamente estalla en una cacofonía de metales, que suena más como un desfile de jazz distópico que como una canción de rock. La orden repetida de Yorke, "Everyone", se siente como una súplica desesperada ahogada por la creciente tormenta de ruido. Es uno de los momentos más intensos del álbum, un colapso controlado en forma sónica.

El arte de construir y dejar ir

Si el "The National Anthem" es una tormenta, entonces "Cómo desaparecer por completo" es la calma que la sigue. Es una hermosa canción construida sobre cuerdas orquestales y la frágil interpretación de Yorke. "No estoy aquí. Esto no está sucediendo", canta, con la voz apenas unida. Es uno de los momentos más humanos de un álbum que, por lo demás, suena extraño, un vistazo al estado emocional de Yorke en ese momento, perdido en su propia cabeza pero aferrándose a algo real.

Canciones como "Treefingers" despojan las cosas aún más. Es una pieza ambiental, más sobre el estado de ánimo que sobre la melodía, que se siente como una respiración profunda antes de la segunda mitad del álbum. Luego está "Idioteque", el momento más bailable (y quizás más aterrador) del álbum. Construida sobre una caja de ritmos implacable y sintetizadores con fallas, es una advertencia cruda y apocalíptica. “Esto está pasando de verdad”, canta Yorke una y otra vez, alzando la voz con desesperación. Es un escalofriante recordatorio de las ansiedades del mundo real que bullen bajo la superficie del álbum: el cambio climático, la paranoia tecnológica, el miedo existencial.

No es rock, no es exactamente electrónico

Una de las cosas más notables de "Kid A" es cómo difumina las líneas entre los géneros. En ese momento, era raro que una banda de rock abrazara por completo la música electrónica de una manera tan intransigente. Claro, muchos artistas incursionaron en los sonidos electrónicos, pero Radiohead se lanzó de lleno. Canciones como "Morning Bell" combinan elementos orgánicos y sintéticos a la perfección, creando algo a la vez futurista y profundamente personal.

Incluso cuando aparecen las guitarras, como en "Optimistic", se sienten contenidas, casi vacilantes. Esta no es una canción de rock tradicional, es más como un recuerdo lejano de una, fragmentado y reconstruido a través de la nueva lente de Radiohead. Y, aun así, funciona bien, proporcionando un breve momento de familiaridad antes de que el álbum vuelva a sumergirse en su neblina onírica.

Disco recomendado

Lo que hace que "Kid A" sea bueno es su ambigüedad. Thom Yorke ha dicho a menudo que el álbum no tiene un significado claro, y eso es parte de su encanto. Está abierto a la interpretación, un test de Rorschach musical en el que cada oyente puede encontrar su propio significado. Para algunos, es una reflexión sobre el aislamiento tecnológico; para otros, es un viaje emocional a través de la psique de Yorke. Puede ser inquietante, relajante o ambas cosas a la vez, según tu estado de ánimo y perspectiva.

Sin embargo, lo que es innegable es lo coherente que es toda la experiencia. Este es un álbum que exige ser escuchado como un todo, no dividido en singles. Cada canción se siente como un capítulo de una historia más grande, y cada escucha revela algo nuevo.

En los años transcurridos desde su lanzamiento, "Kid A" ha pasado de ser un experimento divisivo a una pequeña obra maestra ampliamente reconocida. Pero más que su influencia, "Kid A" perdura porque todavía se siente vivo. Sus temas de incertidumbre, miedo y esperanza son tan relevantes hoy como lo fueron en el año 2000, y su sonido, extraño pero extrañamente reconfortante, todavía se siente fresco. No es un álbum fácil, pero eso es lo que lo hace especial.

Si estás dispuesto a sumergirte y dejar que "Kid A" te invada, es posible que te encuentres en un mundo extraño e inolvidable. No es un álbum para todos, pero para aquellos que se conectan con él, es el tipo de experiencia que permanece contigo toda la vida.

Video del tema "How to Disappear Completely":

Tracklist:

1. "Everything in Its Right Place" 4:11
2. "Kid A" 4:44
3. "The National Anthem" 5:51
4. "How to Disappear Completely" 5:56
5. "Treefingers" 3:42
6. "Optimistic" 5:15
7. "In Limbo" 3:31
8. "Idioteque" 5:09
9. "Morning Bell" 4:35
10. "Motion Picture Soundtrack" (incluye un hidden track) 7:01

Músicos adicionales

• Orquesta de St John's: cuerdas
• John Lubbock: dirección
• Vornos en "The National Anthem"
• Andy Bush: trompeta
• Steve Hamilton: saxofón alto
• Martin Hathaway: saxofón alto 
• Andy Hamilton: saxofón tenor
• Mark Lockheart: saxofón tenor
• Stan Harrison: saxofón barítono
• Liam Kerkman: trombón
• Mike Kearsey: trombón bajo
• Henry Binns: muestreo rítmico en "The National Anthem"

GUNS N' ROSES - Appetite for Destruction - Album (Revisited)

A finales de los 80 (siglo xx), cuando el rock se había vuelto elegante y predecible, Guns N’ Roses desató un sonido crudo, rebelde y sin complejos para su época. El disco "Appetite for Destruction" no fue solo otro debut; fue un grito de guerra que redefiniría una era.

Quiero volver a escribir un post sobre este espectacular disco de rock y recomendarlo en este blog de música a los lectores que quizás no lo conozcan, pocos pero alguno hay.

ALBUM: Appetite for Destruction

Algunos álbumes llegan con un susurro y su influencia aumenta con el tiempo. Otros explotan con el impacto y envían ondas de choque que reconfiguran todo un género. "Appetite for Destruction" pertenece a este último grupo. Publicado en 1987, el disco debut de Guns N' Roses no fue un éxito instantáneo, pero una vez que prendió fuego, arrasó el panorama del rock como un reguero de pólvora. Hoy, con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo, se erige como uno de los mejores álbumes de hard rock jamás grabados.

Pero, ¿qué hace que "Appetite for Destruction" sea tan esencial? No se trata solo de los sencillos que se convirtieron en himnos del rock; aunque Welcome to the Jungle, Sweet Child o' Mine y Paradise City por sí solos podrían cimentar el legado de una banda. Es la energía, el abandono temerario y la autenticidad inconfundible lo que hace que este álbum sea una experiencia en lugar de una simple colección de canciones. Guns N' Roses no solo quería entretener; quería sacudir a los oyentes y arrastrarlos a la crudeza de su realidad.

Una nueva generación de rock

A mediados de los 80, el rock mainstream se había asentado en una rutina predecible. Las bandas glam dominaban la MTV con estribillos pulidos e himnos de fiesta, vendiendo la ilusión de buenos momentos sin fin. Sin embargo, Guns N’ Roses trajo algo mucho más oscuro y visceral. Tomaron la arrogancia de Aerosmith, la fuerza de AC/DC y el gruñido del punk, y los transformaron en algo exclusivamente suyo.

La voz abrasadora de Axl Rose no era solo una muestra de alcance, era una voz que rezumaba desesperación, ira y lujuria. Las guitarras de Slash e Izzy Stradlin no solo llenaban el aire con riffs, sino que lo atravesaban, impredecibles e indómitas. Y detrás de ellos, las líneas de bajo enérgicas de Duff McKagan y la batería suelta y oscilante de Steven Adler mantenían todo en movimiento con el caos justo para hacerlo peligroso.

La banda sonora de las calles

El LP comienza con "Welcome to the Jungle", una canción tan vívidamente amenazante que todavía suena como una advertencia. Desde el eco del riff inicial de Slash hasta la voz de Axl, va creando tensión antes de lanzarse a un bombardeo a toda velocidad por las entrañas de la ciudad de Los Ángeles. Los Ángeles no era el patio de recreo de Sunset Strip en el mundo de Guns N' Roses, era un campo de batalla. No se trataba solo de sexo, drogas y rock & roll. Se trataba de supervivencia.

La furia no cesa. El tema "It's So Easy" avanza a trompicones con una sensación de invencibilidad burlona, ​​mientras que "Nightrain" avanza a toda velocidad con la energía temeraria de una borrachera que dura toda la noche. Para cuando la primera mitad del LP cierra con "Mr. Brownstone", un crudo relato sobre la adicción a la heroína, queda claro que a Guns N' Roses no le interesaba endulzar nada. No era una fantasía, era la vida real, sin adornos ni complejos.

Desde las cunetas hasta el horizonte

Incluso en medio de la agresión cruda, Appetite for Destruction muestra una profundidad inesperada. "Sweet Child o' Mine", la canción de mayor éxito comercial del álbum, revela un raro momento de ternura. Construida alrededor de una simple pero hipnótica línea de guitarra de Slash, fue escrita originalmente como una carta de amor a Erin Everly, la entonces novia de Axl. Si bien se convirtió en un clásico instantáneo, la canción nunca pierde la tensión subyacente que impregna el álbum. Ese estribillo inquietante; "¿Adónde vamos ahora?" - no es solo una letra; es una súplica.

Luego está "Paradise City", un sueño febril de escape, un estribillo construido para estadios pero con versos teñidos de añoranza. Es una de las canciones con una estructura más brillante del disco, que pasa de una introducción casi caprichosa a una carrera a toda velocidad hacia el final, con el solo final de Slash.

Y, por último, "Rocket Queen", el número de cierre, es una montaña rusa. Comienza como un pavoneo sórdido y arrogante antes de transformarse en algo sorprendentemente sincero, es el tipo de canción que solo Guns N' Roses podría lograr. Encarna todo lo que los hizo destacar: la suciedad, la furia y los destellos inesperados de sinceridad.

Disco recomendado

Décadas después, "Appetite for Destruction" todavía se siente indómita. Tiene un filo, una sensación de que estas canciones no fueron creadas para que las reprodujeran en la radio, sino que fueron creadas por cinco tipos que intentaban escapar de sus demonios. El éxito del álbum no fue un triunfo de marketing, fue un momento cultural, una sacudida al sistema que demostró que el rock todavía podía ser peligroso.

Algunas bandas se suavizan con el tiempo, su música adquiere un brillo nostálgico. Pero el debut de Guns N' Roses todavía chisporrotea con tensión, sus historias de exceso, ambición y supervivencia son tan electrizantes como lo fueron en 1987. Si nunca has escuchado "Appetite for Destruction" de principio a fin, hazte un favor. No es solo un álbum; es una experiencia; una que te recuerda que el rock and roll nunca estuvo destinado a ser seguro.

Video del tema "Mr.Brownstone":

Tracklist (formato original):

1.Welcome To The Jungle
2.It's So Easy
3.Nightrain
4.Out Ta Get Me
5.Mr. Brownstone
6.Paradise City
7.My Michelle
8.Think About You
9.Sweet Child O' Mine
10.You're Crazy
11.Anything Goes
12.Rocket Queen 

Banda:

• Axl Rose: voz principal, percusión en "Welcome To The Jungle", teclados en "Paradise City"
• Slash: guitarra principal y rítmica
• Izzy Stradlin: guitarra principal y rítmica, coros, percusión en "Paradise City"
• Duff McKagan: bajo
• Steven Adler: batería

JEFFERSON AIRPLANE - Surrealistic Pillow - Album

Antes de que el rock psicodélico tomara forma por completo, antes de que el sonido de San Francisco se convirtiera en un movimiento y antes de que Jefferson Airplane se convirtiera en un nombre familiar, existía el álbum "Surrealistic Pillow". Más que un simple LP, fue una declaración definitoria de 1967, una era de cambios de conciencia, agitación cultural y revolución musical. Combinando folk, acid rock y lirismo surrealista, este disco capturó el pulso de una generación mientras elaboraba melodías que aún resuenan hoy. Lo que sigue en adelante es una inmersión en un álbum que dio forma a la música psicodélica, explorando sus momentos destacados, sus gemas ocultas y su legado duradero.

ALBUM: Surrealistic Pillow 

Pocos discos encapsulan la revolución psicodélica de finales de los años 60 (siglo xx) como "Surrealistic Pillow" de Jefferson Airplane. Publicado en febrero de 1967, el segundo álbum de estudio de la banda fue un momento decisivo, no solo para ellos, sino para todo un movimiento que se estaba formando en el distrito Haight-Ashbury de San Francisco. Fue el primer disco con la potente vocalista Grace Slick y el baterista Spencer Dryden, incorporaciones que ayudarían a dar forma al sonido definitorio de la banda. El disco se elevó al número tres en las listas de Billboard, fue platino y sigue siendo una piedra angular del rock psicodélico.

Pero, ¿qué hace que "Surrealistic Pillow" sea tan convincente? No se trata solo de los éxitos, aunque "Somebody to Love" y "White Rabbit" se han convertido en himnos de su época. Se trata de la capacidad del álbum para extenderse a través de paisajes musicales, mezclando folk, rock y una sensación de surrealismo arremolinado que coincidía con el espíritu de expansión mental de la época. Incluso en 2024, la Biblioteca del Congreso (EE.UU.) reconoció su importancia cultural al agregarlo al "Registro Nacional de Grabaciones". Este es un disco que exige ser escuchado, ya sea que lo descubras por primera vez o lo revises con nuevos oídos.

Una banda sonora para el movimiento psicodélico

Jefferson Airplane no era una banda más de la escena de San Francisco, eran el sonido de San Francisco. Más que sus contemporáneos como "The Grateful Dead", combinaron una musicalidad intrincada con un sentido de urgencia. Su álbum debut, "Jefferson Airplane Takes Off", fue prometedor pero comedido. Con "Surrealistic Pillow", adoptaron texturas más audaces, energía amplificada y una presencia lírica más pesada. Jerry García de the Grateful Dead, quien actuó como asesor espiritual y musical, supuestamente inspiró el título del álbum al comentar que la música era "tan surrealista como una almohada es suave".

A diferencia de algunos álbumes de la época que se decantan por la autocomplacencia, "Surrealistic Pillow" tiene una estructura muy precisa. Mezcla temas de rock contundentes, baladas oníricas e incluso un instrumental acústico impresionante, todo ello en una duración concisa y digerible. La producción de Rick Jarrard pulió sus bordes hasta convertirlos en algo comercialmente viable, un hecho que algunos miembros de la banda lamentaron más tarde. Sin embargo, no se puede negar que los arreglos nítidos y las canciones de tres minutos le dieron al álbum una sensación de enfoque de la que a veces carecían otros discos psicodélicos.

Las canciones que definieron una generación

El LP comienza con "She Has Funny Cars", coescrita por Marty Balin y Jorma Kaukonen. Es una crítica contundente del materialismo, con un ritmo que recuerda a los beats de Bo Diddley. Luego viene el éxito "Somebody to Love", la electrizante llamada a las armas que se convirtió en la canción más importante de Jefferson Airplane. Grace Slick, que había interpretado la canción con su banda anterior, The Great Society, la transforma por completo, su voz imponente atraviesa la mezcla.

Sin embargo, la verdadera profundidad del álbum se revela en sus momentos más tranquilos. Hoy, una inquietante balada folk escrita por Balin y Paul Kantner, presagia el minimalismo que bandas como Mazzy Star explorarían décadas después. Luego está "Comin' Back to Me", grabada en una sesión espontánea después de que Balin recibiera un poco de "marihuana de primera calidad" de la leyenda del blues Paul Butterfield. El resultado es una de las canciones más atmosféricas del álbum, con delicadas melodías de flauta dulce y voces susurrantes que parecen un recuerdo que se desvanece en tiempo real.

Instrumentalmente, "Embryonic Journey" se destaca como un momento de pura musicalidad. Una pieza acústica corta de Kaukonen, es uno de esos raros interludios instrumentales que se siente esencial en lugar de relleno. También destaca cómo Jefferson Airplane no se trataba solo de guitarras fuertes y poesía psicodélica, tenían habilidades técnicas que rivalizaban con muchos de sus pares.

Por supuesto, "White Rabbit" no necesita presentación. Inspirada en Alicia en el país de las maravillas y alimentada por la influencia de Sketches of Spain de Miles Davis, se basa en una marcha lenta e hipnótica que crece hasta convertirse en uno de los clímax más icónicos de la historia del rock. Es una canción que captura la esencia del espíritu experimental de la época, pero también es atemporal.

El lado menos conocido

No todas las canciones de "Surrealistic Pillow" alcanzan el mismo estatus legendario, pero incluso sus momentos "menores" tienen un encanto único. "My Best Friend", escrita por el ex baterista Skip Spence, se inclina más hacia el pop animado, quizás demasiado educado para el resto del álbum, pero aun así es una escucha agradable. "How Do You Feel" incorpora capas de armonías y una influencia folk inesperada, mostrando otra faceta del rango de la banda. Mientras tanto, "Plastic Fantastic Lover", una de las composiciones más cínicas de Balin, adopta un enfoque rápido para comentar el consumismo estadounidense.

Algunos críticos han argumentado que el álbum no es tan cohesivo como otros clásicos de 1967, como "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" o "The Velvet Underground & Nico". Y es cierto que Jefferson Airplane cubre mucho terreno aquí, desde el folk hasta el acid rock y el pop. Pero eso es parte de lo que lo hace tan interesante. Capta a una banda en la cima de su curiosidad creativa, sin miedo a experimentar y explorar diferentes direcciones musicales.

Disco recomendado

La carrera de Jefferson Airplane daría muchos giros y vueltas después de "Surrealistic Pillow". Se aventurarían más en territorio experimental, perderían y ganarían miembros y eventualmente evolucionarían hacia Jefferson Starship. Pero este álbum sigue siendo su declaración más definitoria. Fue el momento en que cristalizaron la energía del movimiento de contracultura en un solo disco que podía sonar en la radio y aún así sentirse subversivo.

Si eres nuevo en Jefferson Airplane, este es el lugar para comenzar. No es solo un álbum, es una cápsula del tiempo. Ya sea que te atraiga la gente de ensueño de Today, la energía implacable de Somebody to Love o la mística psicodélica de White Rabbit, hay algo aquí que se te quedará grabado. Y si lo permites, "Surrealistic Pillow" hará más que simplemente transportarte a 1967, te recordará por qué la música tiene el poder de definir una era.

Video del tema "Comin Back to Me":

Tracklist:

Cara A:

1. "She Has Funny Cars" Jorma Kaukonen, Marty Balin 3:03
2. "Somebody to Love" Darby Slick 2:54
3. "My Best Friend" Skip Spence 2:59
4. "Today" Marty Balin, Paul Kantner 2:57
5. "Comin' Back to Me" Marty Balin 5:18

Cara B:

1. "3/5 of a Mile in 10 Seconds" Marty Balin 3:39
2. "D.C.B.A.–25" Paul Kantner 2:33
3. "How Do You Feel" Tom Mastin 3:26
4. "Embryonic Journey" Jorma Kaukonen 1:51
5. "White Rabbit" Grace Slick 2:27
6. "Plastic Fantastic Lover" Marty Balin 2:33

Jefferson Airplane:

• Marty Balin – voz, guitarra, diseño de álbum, voz principal en "Today", "Comin' Back to Me" y "Plastic Fantastic Lover", voz principal conjunta en "She Has Funny Cars", "My Best Friend", "Go to Her" y "3/5 Of A Mile In 10 Seconds".
• Jack Casady – bajo, bajo fuzz, guitarra rítmica
• Spencer Dryden – batería, percusión
• Paul Kantner – guitarra rítmica, voz, voz principal en "How Do You Feel", voz principal conjunta en "My Best Friend", "D. C. B. A.-25" y "Go to Her"
• Jorma Kaukonen – guitarra principal, voz principal en "Come Back Baby" y "In the Morning"
• Grace Slick – voz, piano, órgano, flauta dulce, voz principal en "Somebody to Love" y "White Rabbit", voz principal conjunta en "She Has Funny Cars", "My Best Friend", "D. C. B. A.-25", "Go to Her" y "3/5 Of A Mile In 10 Seconds"
• Signe Toly Anderson – voz principal en "Chauffeur Blues" (solo en el Reino Unido)
• Skip Spence – batería en "Don't Slip Away", "Come Up the Years" y "Chauffeur Blues" (solo en el Reino Unido)

Personal adicional:

• Jerry Garcia: "asesor musical y espiritual"; guitarra en "Today", "Comin' Back to Me", "Plastic Fantastic Lover", "In the Morning" y "J. P. P. McStep B. Blues"