EVERYTHING BUT THE GIRL - Fuse (2023)

ALBUM: Fuse 

El undécimo álbum de estudio del dúo británico Everything but the Girl (EBTG), publicado el 21 de abril de 2023. Es su primer álbum de estudio en casi 24 años después de "Temperamental" (1999).

Un gran regreso de este equipo (Tracey Thorn y Ben Watt), después de centrarse en formar una familia juntos y dejar la música de lado por un tiempo. Con "Fuse", el primer álbum de EBTG en 24 años, el dúo deja claro que no les interesa el pasado y están más centrados en el presente.

Sin embargo, este dúo siempre parece encontrar ese punto ideal entre la melancolía y la alegría, el placer y el dolor, el arrepentimiento y el deleite, tanto en la música como en sus letras. La letra se siente universal y personal.

El álbum contiene una mezcla de canciones electrónicas y acústicas. Los temas "When You Mess Up" e "Interior Space" comenzaron como "baladas de piano improvisadas" que Watt grabó en su iPhone. Típico de este hombre, ya que es un genio de la producción musical.

Al escuchar "Fuse" lo percibo como un disco muy gratificante. Aquí hay algunas razones de por qué:

1. Estilo y sonido: "Fuse" muestra el sonido pop electrónico característico de Everything But The Girl, con texturas y ritmos electrónicos suaves y elegantes. El álbum combina letras alfabetizadas, música evocadora y ritmos contemporáneos, creando una mezcla convincente.

2. Composición y voz: la voz de Tracey Thorn es más profunda y experimentada, lo que agrega una sensación de madurez al álbum. La voz de Thorn se vuelve más vivaz y ronca, lo que, junto con incursiones inesperadas de cambio de tono y Auto-Tune, sugiere un deseo belicoso de no permanecer preservado en ámbar. Sin embargo, como siempre, sigue siendo excepcional. La composición del dúo es toda sofisticación con la capacidad de contar historias sobre la recuperación de la inocencia.

3. Viaje musical: Everything But The Girl ha tenido un viaje musical impresionante, transformándose en diferentes estilos a lo largo de los años. Desde sus inicios en el neo-jazz a principios de los 80 hasta su exploración de elementos electrónicos en los 90, "Fuse" continúa donde lo dejaron, destacando su crecimiento y evolución como artistas.

4. Canciones destacadas: El álbum incluye algunos temas destacados como "Run a Red Light", que se describe como una fantasía asombrosamente hermosa de discotecas nocturnas. El tramo de mitad del álbum que comprende "Time and Time Again", "Lost" y "No One Knows We're Dancing" también muestra la facilidad con la que "Fuse" combina un sentido moderno del sonido.

En general, "Fuse" de Everything But The Girl es un álbum elegante y convincente que combina pop electrónico, letras alfabetizadas y ritmos contemporáneos. Muestra el crecimiento y la evolución del dúo como artistas mientras se mantienen fieles a su sonido característico. El álbum también ha sido bien recibido por la crítica, que aprecia su capacidad para trascender las tendencias y crear música que resiste el paso del tiempo.

 

Disco recomendado

"Fuse" no es tan amigable para los clubes ni tan sencillo como los ahora clásicos "Walking Wounded" y "Temperamental", pero contiene la producción más aventurera que EBTG haya intentado jamás, lo que demuestra que el dúo no ha perdido su toque para emparejar música actualizada con temas relevantes y conmovedores.

A cualquiera a quien le guste la música sofisticada, suave y escuchable, esto le servirá muy bien. Presenta un conjunto de letras más serias y maduras y un nuevo desarrollo más electrónico en el sonido, que debería traer mucho placer a tus oídos y mentes.

Mi álbum favorito de EBTG sigue siendo "Walking Wounded" (1996), pero "Fuse" es un disco muy bueno, cool y placentero. Uno de los mejores lanzamientos del 2023.

Video del tema "Run a Red Light" (Live for 6 Music BBC):

Tracklist:

1.         "Nothing Left to Lose"          3:44
2.         "Run a Red Light"     3:39
3.         "Caution to the Wind"           4:06
4.         "When You Mess Up"           3:48
5.         "Time and Time Again"         2:51
6.         "No One Knows We're Dancing"      4:09
7.         "Lost"  3:25
8.         "Forever"        3:41
9.         "Interior Space"          2:24
10.       "Karaoke"       3:51

BRIAN ENO - Ambient 1: Music For Airports - Album

Dedico espacio (blog post) a un género musical menos popular pero no menos importante. La música "ambient" es un género de música que se enfoca en crear texturas y paisajes sonoros atmosféricos en lugar de estructuras, melodías o ritmos de canciones tradicionales. Se caracteriza por su énfasis en el estado de ánimo, el tono y la experiencia auditiva en general, a menudo con el objetivo de evocar una sensación de calma, relajación o contemplación. La música "ambient" generalmente presenta arreglos minimalistas, tempos lentos y el uso de instrumentos electrónicos, como sintetizadores y samplers, para crear paisajes sonoros inmersivos y en evolución. 

El género fue "inventado" por Brian Eno a finales de la década de 1970 con su álbum "Ambient 1: Music for Airports". Exploramos juntos al artista y músico Brian Eno con un resumen extenso del disco "Ambient 1: Music for Airports" explicando su estructura, canciones, impacto y legado, con el fin de recomendar y animar su búsqueda al lector que no esté familiarizado con este trabajo.

Pero antes de analizar "Ambient 1: Music for Airports", conozcamos brevemente a Brian Eno.

¿Quién es Brian Eno?

Brian Peter George Eno, también conocido como Brian Eno, es un músico, compositor, productor y artista visual británico (nacido Melton, Suffolk), mejor conocido por sus contribuciones a la música ambient y su trabajo en rock, pop y electrónica. Brian Eno ha introducido conceptos y enfoques no convencionales a la música contemporánea. Es una de las figuras más influyentes e innovadoras de la música popular. En 2019, Eno fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" como miembro de Roxy Music.

Se unió al grupo de glam rock "Roxy Music" como teclista en 1971 antes de abandonar en 1973. Luego, Eno lanzó una serie de álbumes en solitario y comenzó a explorar una dirección minimalista.

Además de su trabajo en solitario, Brian Eno colaboró frecuentemente con otros músicos en la década de 1970, incluidos Robert Fripp, Cluster, David Bowie y David Byrne. También se estableció como un codiciado productor, trabajando en álbumes de John Cale, Jon Hassell, Talking Heads, Ultravox y Devo. En las décadas siguientes, Eno continuó grabando álbumes en solitario y produciendo para otros artistas, principalmente U2 y Coldplay, junto con el trabajo de artistas como Daniel Lanois, Laurie Anderson, Grace Jones, Slowdive, Karl Hyde, James, Kevin Shields y Damon Albarn.

Brian Eno inventa la música "ambient":

 
Brian Eno lanzó una serie de álbumes electrónicos "ambient" eclécticos. Él acuñó el término "música ambient", diseñado para modificar la percepción del oyente del entorno circundante. A Brian Eno se le atribuye la creación del género de música ambient.

El primer trabajo de música ambient de Eno fue "Discreet Music" (1975), es considerado un álbum emblemático del género. A esto le siguió su "Ambient series: "Music for Airports (Ambient 1)", "The Plateaux of Mirror (Ambient 2)" con Harold Budd en el teclado, "Day of Radiance (Ambient 3)" con el compositor estadounidense Laraaji , y "On Land (Ambient 4)".

La discografía de Brian Eno es muy extensa; en "Roxy Music", trabajos en solitario y colaboraciones, además de muchas producciones y mezclas. Te animo a buscar en la web tu mismo si estás interesado en los títulos.

Brian Eno: Influencia y legado:

Brian Eno es a menudo mencionado como uno de los artistas más influyentes de la música popular. Sus contribuciones a la música abarcan varios géneros, incluidos el rock, el ambient y la música electrónica.

Algunos aspectos clave de su influencia y leyenda en la música son:

• Música pionera - "ambient": se le atribuye a Brian Eno la creación del género de música "ambient", que se enfoca en crear texturas y paisajes sonoros atmosféricos en lugar de estructuras de canciones tradicionales. Su álbum de 1978 "Ambient 1: Music for Airports" se considera una obra fundamental en el género.

• Innovar en el estudio: Brin Eno es conocido por sus técnicas de producción innovadoras y el uso creativo de la tecnología en el estudio de grabación. Ha trabajado con numerosos artistas, ayudándolos a traspasar los límites de su sonido. Algunas colaboraciones notables incluyen la "Berlin Trilogy" de David Bowie (Low, Heroes y Lodger), "Remain in Light" de Talking Heads y The Unforgettable Fire", "The Joshua Tree" y "Achtung Baby" de U2.
  
  
  

• Estrategias oblicuas: Eno co-creó un juego de cartas llamado "Estrategias oblicuas" con el artista Peter Schmidt. Estas tarjetas ofrecen indicaciones y sugerencias creativas para ayudar a los artistas a superar los bloqueos creativos y pensar de manera diferente sobre su trabajo. Han sido utilizados por muchos músicos y artistas desde su creación en la década de 1970.

• Música generativa: Eno ha sido pionera en el campo de la música generativa, que implica la creación de sistemas que producen composiciones musicales en constante cambio. Su álbum de 1996 "Generative Music 1" fue uno de los primeros lanzamientos comerciales en utilizar este enfoque y ha seguido explorando el concepto en su trabajo.
  
  
• Arte visual e instalaciones: además de sus contribuciones musicales, Eno también ha estado involucrado en la creación de arte visual e instalaciones, a menudo incorporando elementos de luz y sonido. Su trabajo en esta área ha consolidado aún más su condición de artista multifacético e influyente.

En resumen, la influencia y la leyenda de Brian Eno en la música se pueden atribuir a su enfoque innovador de la composición, la producción y el proceso creativo, así como a su voluntad de explorar nuevas ideas y tecnologías. Su trabajo ha tenido un impacto duradero en una amplia gama de artistas y géneros, convirtiéndose en un verdadero ícono en el mundo de la música.

 

ALBUM: Ambient 1: Music for Airports

 

El sexto álbum de estudio de Brian Eno, publicado en 1978. Es el primero de los álbumes de Eno lanzados bajo la etiqueta de "música ambient", un género musical destinado a "inducir a la calma y un espacio para pensar". Si bien no es la primera entrada de Eno en el estilo, se le atribuye haber acuñado el término "Ambient". El álbum fue el primero de cuatro álbumes lanzados en la serie "Ambient" de Eno, que concluyó con Ambient 4: On Land de 1981. A lo largo de los años, el álbum "Ambient 1: Music for Airports" ha vendido más de 200.000 copias, lo que lo convierte en uno de los álbumes en solitario más vendidos de Eno.

El álbum "Ambient 1: Music for Airports" consta de cuatro composiciones creadas superponiendo bucles de cinta de diferentes longitudes, y fue diseñado para reproducirse continuamente en bucle como una instalación de sonido, con la intención de calmar la atmósfera tensa y ansiosa de una terminal de aeropuerto. Eno definió su enfoque en oposición al Muzak "enlatado" y las prácticas de escucha fácil.

El álbum "Ambient 1: Music for Airports" es universalmente considerado como el "mejor disco ambient de todos los tiempos".

Track por Track review:

 
El álbum consta de cuatro piezas (canciones) sutiles y de evolución lenta, cada una diseñada para crear una atmósfera relajante y envolvente. La intención de Eno era proporcionar un fondo sónico relajante para el entorno a menudo estresante de los aeropuertos.

• "1/1": el corte de apertura presenta una suave melodía de piano repetitiva acompañada de suaves tonos de sintetizador. Las notas del piano se tocan a intervalos irregulares, creando una sensación de espacio y atemporalidad. La pieza es minimalista, pero evoca una sensación de calma y tranquilidad. El tempo lento y el arreglo escaso permiten que el oyente se sumerja completamente en el paisaje sonoro.

• "2/1": esta composición presenta armonías vocales etéreas y sin palabras que flotan sobre un lecho de acordes de sintetizador cálidos y sostenidos. Las voces, interpretadas por miembros del conjunto vocal británico "The Cockpit", se procesan y reproducen en bucle, creando un efecto hipnótico de otro mundo.

• "1/2": el tercer corte presenta una serie de notas de sintetizador largas y sostenidas que cambian y evolucionan gradualmente con el tiempo. La pieza tiene una calidad más abstracta en comparación con las pistas anteriores, con el foco en los cambios sutiles de tono y textura. Se invita al oyente a perderse en el paisaje sonoro que se desarrolla lentamente.

• "2/2": La composición final vuelve al uso del piano, esta vez acompañado de una melodía de sintetizador delicada y aguda. La pieza tiene un sentimiento más melancólico e introspectivo, proporcionando una conclusión adecuada para el álbum.

 

El legado de "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno":

 
El legado de "Ambient 1: Music for Airports" es significativo y de gran alcance, ya que ha tenido un profundo impacto en la industria de la música y el desarrollo del género "ambient". El enfoque innovador del álbum para la composición, el diseño de sonido y su propósito previsto ha influido en innumerables artistas y compositores, así como moldeado la forma en que pensamos y experimentamos la música en varios contextos.

Estos son algunos elementos clave del legado del álbum:

• Nacimiento de la música "ambient": "Ambient 1: Music for Airports" es ampliamente considerado como el primer verdadero álbum de música "ambient". Estableció los principios básicos del género, como el enfoque en la atmósfera, la textura y el minimalismo, así como la idea de la música como un elemento funcional y ambiental. El lanzamiento del álbum allanó el camino para que numerosos artistas explorarán y ampliarán el género "ambient".

• La música como elemento funcional: el concepto de Eno de crear música diseñada específicamente para el entorno del aeropuerto fue innovador (quién lo hubiera imaginado en ese momento). Introdujo la idea de la música como un elemento funcional que podría usarse para mejorar o alterar la atmósfera de un espacio, en lugar de solo servir como una forma de entretenimiento. Desde entonces, este concepto se ha aplicado a varios contextos, como la música para la relajación, la meditación e incluso los espacios comerciales como instrumento comercial de marketing.

• Influencia en la música electrónica: Las técnicas y los paisajes sonoros utilizados en "Ambient 1: Music for Airports" han tenido un impacto duradero en la música electrónica en general. El uso innovador de sintetizadores, bucles y técnicas de procesamiento del álbum inspiró a muchos músicos electrónicos a experimentar con enfoques similares, lo que llevó al desarrollo de subgéneros como downtempo, chillout e IDM (música de baile inteligente).

• Inspiración para las instalaciones sonoras y el arte sonoro: el trabajo de Eno en "Ambient 1: Music for Airports" también ha influido en el campo de las instalaciones sonoras y el arte sonoro. El enfoque del álbum en la creación de entornos sonoros inmersivos ha inspirado a los artistas a explorar la relación entre el sonido, el espacio y la experiencia del oyente, lo que lleva a una amplia gama de instalaciones y obras de arte innovadoras y que invitan a la reflexión.

• Impacto en la música popular: la influencia del álbum se extiende más allá de los géneros de música ambiental y electrónica. Muchos músicos populares, incluidos David Bowie, U2; Radiohead y Coldplay, han citado el trabajo de Eno en "Ambient 1: Music for Airports" como inspiración para su propia música, lo que demuestra el impacto de gran alcance del álbum en la industria de la música en general.

En general, el legado de "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno es multifacético y perdurable. El disco no solo estableció el género de la "música ambient", sino que también introdujo nuevas formas de pensar y experimentar la música en varios contextos. Su influencia se puede experimentar en una amplia gama de estilos musicales y ha inspirado a innumerables artistas y compositores.

 

Músicos directamente influenciados por el álbum "Ambient 1: Music for Airports": 

Aquí hay algunos nombres:

•  Aphex Twin
• Sigur Rós
• Moby
• Biosphere
• Radiohead
• The Orb
• Stars of the Lid
• Steve Roach
• Tim Hecker
• Fennesz
• Jon Hopkins
• Eluvium

Disco recomendado

"Ambient 1: Music for Airports" es una obra fundamental en el género de la música ambient y electrónica, que destaca el enfoque innovador de Brian Eno para la composición y el diseño de sonido. Los arreglos minimalistas del álbum y el enfoque en la atmósfera y la textura han influido en innumerables artistas y compositores en los años transcurridos desde su lanzamiento. Además, recomiendo "Ambient 1: Music for Airports" de Brian Eno por su significado histórico, relajación y alivio del estrés, su composición innovadora y por ser un clásico atemporal. Simplemente dicho, es una obra que se debe tener y de escucha obligatoria para todos los amantes de la "música ambient" y electrónica.

Es un disco histórico!

Video del tema "2/1":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "1/1" (Acoustic and electric piano; synthesizer.) Brian Eno, Rhett Davies, Robert Wyatt 16:30
2.         "2/1" (Vocals; synthesizer.)    Eno     8:20

Cara B:

3.         "1/2" (Vocals; acoustic piano.)           Eno     11:30
4.         "2/2" (Synthesiser) 6:00

Personal (Músicos):

• Brian Eno - sintetizador, piano eléctrico, voz
• Christa Fast - voz ("2/1", "1/2")
• Christine Gómez - voz ("2/1", "1/2")
• Inge Zeininger - voz ("2/1", "1/2")
• Robert Wyatt - piano acústico ("1/1", "1/2")

EVERYTHING BUT THE GIRL - Walking Wounded

ALBUM: Walking Wounded

El noveno álbum de estudio del dúo británico "Everything but the Girl" (EBTG) publicado el 6 de mayo de 1996. Este disco vio al grupo adoptar un estilo más electrónico y orientado al dance tras el éxito masivo de la versión remix de "Missing" de su álbum anterior, "Amplified Heart"(1994). Recuerdo que este fue un álbum muy fresco y original y un gran punto de partida para EBTG en su momento. Cuatro temas de este álbum se lanzaron como singles; "Walking Wounded", "Wrong" con influencias house, el downtempo "Single" y "Before Today".

Este álbum se basa en la música downtempo, drum and bass y trip hop, comprimiendo el amplio espacio abierto de esos sonidos mencionados en un formato pop. Este LP también marcó un cambio en el enfoque del dúo para escribir canciones. Ben Watt produjo pistas instrumentales, mientras que Tracey Thorn escribió letras después de escuchar las canciones completas. Ben Watt también amplifica la utilización de samples, por ejemplo, a partir de "Song to the Siren" de Tim Buckley y "Starless and Bible Black" de Stan Tracey. De hecho, este disco destaca las excelentes cualidades de producción de Ben Watt y su profundo conocimiento de la música dance y las técnicas de ingeniería correspondientes. Realmente disfruto de las influencias del drum and bass y trip-hop "poppy" en este álbum.

Como se mencionó anteriormente, "Walking Wounded" hizo que la música dance experimental, el trip-hop y el jungle fueran accesibles a una audiencia nueva y más amplia. Con la música pop en el centro de las raíces musicales de "Everything but the Girl", facilitaron la unión de estructuras musicales techno complejas para la degustación comercial. Eso no significa que el dúo diluyó el género electrónico, simplemente encontraron una manera de incorporar los ritmos electrónicos en canciones cuidadosamente elaboradas.

En comparación con sus contemporáneos de música dance más ortodoxos, su composición se hace más accesible y es menos aventurera. Siempre buenos en todo momento, los ritmos electrónicos utilizados en "Walking Wounded" evitan sin esfuerzo que una serie de tristes canciones de amor se vuelvan demasiado deprimentes. La canción principal, por ejemplo, tiene una pista de acompañamiento hermosa e inconexa que le da una sensación de ensueño. Me gusta mucho.

Principalmente un proyecto downtempo, "Walking Wounded" es un híbrido delgado y diverso de composición de canciones alternativas para adultos con respaldo electrónico perfecto para la voz tranquila e íntima de Tracey Thorn. "Wrong" es un hermoso número de deep house, y todavía uno de mis favoritos. "Single" es una gran canción downtempo, increíblemente atmosférica y de naturaleza cinematográfica con arreglos escasos de batería en el fondo y una trompeta de jazz. "Mirrorball" es otro momento destacado, una canción influenciada por el R & B con sintetizadores analógicos retro con Thorn recordando sus años de adolescencia en la era disco. "Flipside" es un corte optimista con un ritmo más funky y la voz de Thorn alterada, mientras que el tema principal tiene influencias de drum n'bass. Como extra encontrarás remixes de "Wrong" y "Walking Wounded (remix de "Omni Trio")" que amplifican sus características musicales con "Todd Terry", quien previamente había remezclado su tema "Missing" en un éxito de club mundial, volviendo a remezclar "Wrong".

Es una magnífica pieza de música pop electrónica. Su producción sofisticada, melodías memorables y honestidad emocional continúan convirtiéndolo en una obra querida. No se puede subestimar su importancia en la evolución de la música electrónica, ya que ayudó a allanar el camino para que una nueva ola de artistas explorara las posibilidades de mezclar sonidos electrónicos y acústicos. Un álbum que también abordó abierta y honestamente los desafíos emocionales de las relaciones, particularmente aquellas que terminan en desamor. Las canciones del álbum fueron escritas desde un lugar de experiencia personal y resuenan con el oyente que ha experimentado luchas similares en sus propias vidas. Al abordar estos temas con franqueza y sensibilidad, "Everything But the Girl" (especialmente a través de la voz de Tracy Thorn) ayudó a aportar profundidad emocional y honestidad al género de la música electrónica.

Y concluyó, "Everything But the Girl" tuvo una increíble racha de maravillosos álbumes "electrónicos": "Amplified Heart" (1994), este mismo trabajo reseñado "Walking Wounded" y el disco de 1999 "Tempramental". Podría haber elegido los otros dos para invitarte a explorar "EBTG ", pero creo que "Walking Wounded" es el comienzo más sabroso, tiene una leve ventaja.

En fin, un disco recomendado para cualquiera interesado por la música pop electrónica. En este disco, los hermosos tonos dulces de Tracy Thorn y su atmósfera ideal presentan algunas canciones bellamente sentidas. Este LP demostró que "Everything But The Girl" podía seguir siendo relevante en la música dance, como lo hicieron en el pop durante los años 80 y principios de los 90. Gran evolución y adaptación del dúo a las cambiantes modas de la música y lo que es mejor, este disco ha envejecido muy bien.

Video del tema "Single":

Tracklist:

1.         "Before Today"                      4:18
2.         "Wrong"                                 4:36
3.         "Single"                                  4:38
4.         "The Heart Remains a Child" 3:50
5.         "Walking Wounded"  6:05
6.         "Flipside"                   4:33
7.         "Big Deal"                 4:29
8.         "Mirrorball"               3:27
9.         "Good Cop Bad Cop"            4:54
10.       "Wrong" (Todd Terry remix) 4:45
11.       "Walking Wounded" (Omni Trio remix) 6:43

MEAT BEAT MANIFESTO | Satyricon - Album

Meat Beat Manifesto (Banda)

También conocidos como "MBM", es un grupo de música electrónica formado originalmente por Jack Dangers y Jonny Stephens que se formó en 1987 en Swindon, Reino Unido. La banda, encabezada por Dangers (el único miembro permanente), ha demostrado ser versátil a lo largo de los años, experimentando con techno, dubstep, drum & bass, IDM, industrial, dub y jazz fusión mientras recorre el mundo actuando en directo con otros grandes de la electrónica como Nine Inch Nails, The Chemical Brothers y Prodigy. Algunos de los álbumes iniciales de la banda han tenido el mérito de influir en el auge del trip hop, el "big beat" y "drum & bass".

Meat Beat Manifesto es un grupo electrónico muy influyente cuya mezcla de samples de ritmos, líneas de bajo dub y elementos de géneros diversos (industrial, techno, hip hop...) ayudó a sentar las bases del big beat, jungle, trip-hop y muchos otros estilos. Dirigido por el cofundador Jack Dangers, MBM ha estado activo desde finales de los años 80, publicando álbumes aclamados y realizando conciertos utilizando técnicas innovadoras y audiovisuales. 

El álbum debut álbum "Storm the Studio" de 1989, provocó que el grupo fuera catalogado sin saberlo como una formación de música industrial. Esto de ser encasquillados en "categorías" nunca gustó a MBM, y con el álbum "Satyricon" de 1992, MBM había evolucionado su sonido y desarrollado un gran número de nuevos seguidores dentro de la comunidad techno y rave, habiendo influido sobre bandas como Prodigy y The Future Sound of London. 

La banda continuó experimentando, con álbumes posteriores como "Actual Sounds + Voices" de 1998 y "At the Center" de 2005,  exploran la fusión del Jazz. El álbum "Autoimmune" de 2008 dejó claro la conexión entre el material inicial de la banda y el sonido dubstep emergente. MBM se mantiene activo durante la década de 2010, mezclando jungle, techno y electro en álbumes como "Opaque Couché" de 2019.

La discografía de Meat Beat Manifesto hasta ahora:

1989 Storm the Studio
1990 Armed Audio Warfare
1990 99%
1992 Satyricon
1996 Subliminal Sandwich
1998 Actual Sounds + Voices
2002 RUOK?
2005 At The Center
2008 Autoimmune
2010 Answers Come in Dreams
2018 Impossible Star
2019 Opaque Couché

No obstante, hay un hilo que atraviesa todos los trabajos de MBM, su activismo político y social. MBM formó un colectivo político con los miembros de "Consolidated" y "Disposable Heroes of Hiphoprisy": Jack Dangers y Mark Pistel de Consolidated co-produjeron los primeros materiales de "Disposable Heroes...". Además se mantienen muy activos haciendo remixes, ejemplos son para Depeche Mode, Nine Inch Nails, The Shamen, Banco de Gaia, David Bowie …etc.

En resumen, MBM se anticipan y influyen sobre bandas como The Crystal Method, Underworld, The Chemical Brothers...Dj Shadow...etc. 

Mi disco favorito es "Satyricon" de 1992, un disco con base industrial que incorpora los sonidos "rave" acompañado de samples y diálogos "políticos y sociales". Muy "intelligent dance music" (IDM) para su época. También un disco muy bueno es "Actual Sounds +Voices" (1998), sobre esto otro día.

ALBUM: Satyricon

El cuarto álbum de estudio publicado el 29 de septiembre de 1992.

Ecléctico en su construcción y directo en su intensidad, Satyricon es uno de los grandes lanzamientos de música electrónica de los años 90. La letra del álbum puede ser cínica e incómoda y la producción demasiado experimental (samples y diálogos) para un oyente casual, pero eso es exactamente lo bueno. El disco se sostiene sobre una base "industrial" peligrosa y desafiante, pero sin perder su encanto de escucha.

El disco logra incorporar y abarcar muchos estilos (te vendrá a la cabeza The Orb, Orbital, NIN...) sin dejar de tener una voz propia. Jack Dangers realmente tiene un oído de productor, lo que le da a su mezcla de música dance una ventaja considerable: lleva el enfoque de un músico al territorio de un programador, y su uso de la voz en realidad mejora el impacto de una canción en lugar de disminuirlo. La electrónica y los samples oscuros crean una tensión casi constante entre el ritmo y la ansiedad, entre el abandono y la introspección. El otro socio "Jonny Stephens" asume una carga de trabajo casi igual como productor, ingeniero, mezclador y multi-instrumentista, y sus contribuciones a la guitarra "lap steel" añaden una capa maravillosa al álbum.

Utilizan un vasto arsenal de "samples" oscuros, sacados desde la ciencia ficción ("samplea" la película "Dark Star" de 1974…) hasta diálogos de películas (por ejemplo, “Animal House”), diálogos  psicoanálisis a puerta cerrada (de los años 50)… y publicidad de la televisión británica. Un álbum que tiene electro, breakbeat, hip-hop, techno, downtempo y muchas capas de sonidos hipnóticos. Hay muchos "samples" en este disco, tantos que no te darás cuenta de ellos, y si te ocurre, no sabrás de dónde vienen. 

Un disco recomendado. Un magnífico álbum de electrónica que avisa y anticipa al "Big Beat". Después de este trabajo MBM se va a los Estados Unidos para surtir el interés y la demanda para su música de los americanos (en particular de Trent Reznor (NIN) y su sello "Nothing Records").

Video del tema "Mindstream":

Tracklist:
01."Pot Sounds" – 2:06
02."Mindstream" – 4:52
03."Drop" – 4:07
04."Original Control (Version 1)" – 5:02
05."Your Mind Belongs to the State" – 5:02
06."Circles" – 4:15
07."The Sphere" – 0:39
08."Brainwashed This Way/Zombie/That Shirt" – 5:31
09."Original Control (Version 2)" – 5:22
10."Euthanasia" – 4:33
11."Edge of No Control, Pt. 1" – 5:59
12."Edge of No Control, Pt. 2" – 3:15
13."Untold Stories" – 1:52
14."Son of Sam" – 4:49
15."Track 15" – 1:27
16."Placebo" – 5:04

AIR | Moon Safari

Air (Banda)

Es un dúo de música electrónica francesa, formado por Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel. 

Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel crecieron en Versalles, los dos no se conocieron hasta que comenzaron a estudiar en la misma universidad. Dunckel, que había estudiado en el Conservatorio de París, tocaba en una banda alternativa llamada "Orange". Uno de los compañeros de banda de Dunckel, Alex Gopher, introdujo a Godin en la alineación. Mientras que el propio Gopher partió (más tarde para grabar para el sello "Solid"), Dunckel y Godin continuaron, convirtiéndose en Air en 1995.

Con un sonido atmosférico y sensual inspirado en Brian Wilson, Jean-Michel Jarre y Vangelis, así como en la música disco, el "New Wave" y en banda sonoras de películas, Air puede haber sido un caso atípico a finales de los años noventa con el boom de la electrónica, pero se convirtieron en uno de las formaciones de la electrónica más influyentes de la década de 2000.

Air se asocia con una variedad de estilos musicales: electrónica, dream pop, downtempo, chillout, trip hop, ambient, pop electrónico...etc. Dunckel creció escuchando tanto música clásica como música electrónica...especialmente Kraftwerk. A continuación, se interesó por "Siouxsie and the Banshees" y "Joy Division", mientras era fan de David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed. Brian Eno y Cluster fueron dos que más le inspiraron. Dunckel compartía con Godin un gusto especial por la música de Michel Legrand, Philip Glass y Grace Jones. Durante su infancia, Godin estaba fascinado por "The Beatles" antes de descubrir más tarde "Sly and the Family Stone". El dúo fue influenciado por los pioneros del Rock progresivo "Pink Floyd". Como se puede apreciar existe una fuente diversa y ecléctica de influencia musicales que le dan a AIR un sonido distinto y característico. 

Los franceses utilizan mucho sus instrumentos de estudio (como los sintetizadores Moog, el Korg MS-20, Wurlitzer y Vocoder) en el escenario, donde su capacidad para improvisar se destaca más claramente. La banda interpreta en directo las conocidas canciones de los álbumes como versiones extendidas o modificadas. Air colabora a menudo con artistas como Beth Hirsch (Moon Safari), Françoise Hardy ("Jeanne"), Jean-Jacques Perrey ("Cosmic Bird"), Gordon Tracks ("Playground Love" y " Easy Going Woman "- Gordon Tracks es un seudónimo del cantante francés Thomas Mars de Phoenix), Beck (leyenda de 10 000 Hz), Jean-Michel Jarre, así como el baterista Earl Harvin, Vincent Taurelle y Steve Jones.

La discografía de AIR hasta el momento:

1998 Moon Safari
2001 10 000 Hz Legend
2004 Talkie Walkie
2007 Pocket Symphony
2009 Love 2
2012 Le Voyage Dans La Lune 

Para mi el mejor álbum de AIR es el debut "Moon Safari", un pedazo de debut. Lo atractivo de este disco es que consigue equilibrar la electrónica "Pop" con el toque "Alternativo". Es decir, apetece y alcanza a un público más amplio mientras mantiene su aura de ser "Underground".

ALBUM: Moon Safari 

El primer álbum de estudio fue publicado el 16 de enero de 1998 y fue correctamente aclamado por la crítica. Se le atribuye haber preparado el escenario para el incipiente estilo de música "downtempo". 

El primer tema, "La Femme d'argent" - mi favorita - marca la pauta de todo el álbum. Una línea de bajo pegadiza y algo de percusión mundana proporcionan un telón de fondo para un trabajo de sintetizador vibrante. Es una gran mezcla, y toman ese concepto y lo llevan a lugares nuevos y emocionantes, como el single dance-pop ("Sexy Boy") que arrasó por todo el mundo, y los estilos pop más clásicos de "Remember" y "Ce Matin La", para al final regresar hacia la tierra con una balada impresionante como "New Star In The Sky" que utiliza los sonidos de los niños jugando para agregar un sentimiento vagamente distante. La vocalista invitada "Beth Hirsch" aparece en dos canciones con un toque de "lounge"...exquisito. Pocos álbumes miran tanto al pasado como al futuro como "Moon Safari", un álbum muy completo, cohesivo, innovador y francamente adictivo. Y añado más, es un álbum terapéutico, relajante y cálidamente acogedor.

El álbum también hizo un gran servicio a la electrónica francesa, fue el punto donde los anglosajones dejaron de ignorar las delicias del "electro-pop" francés. Comercialmente el disco tuvo más éxito comercial internacionalmente que en Francia; en los EE.UU. lleva ya vendido + 400.000 copias. ¿Abrió este álbum el camino para otros franceses como Daft Punk? Yo diría que sí. Nos llegaría después una ola de artistas franceses de la electrónica como Ollano, Dimitri From Paris y St Germain, por ejemplo, que serían aplaudidos y comercialmente exitosos por todo el mundo. 

En fin, un disco recomendado. Un álbum ya un clásico del "chillout",  y sus temas muy "trillados" en los cafés más cool de todo el mundo. Yo solo te puedo aconsejar cuando lo busques, o recuperes este álbum, sentarte (tumbarte) y dejar que la música te lleve. Aunque su magia aparece en toda su gloria acompañado de amigos como música de fondo. Siempre habrá alguien que diga..."¿Quién son estos?". 

Video del tema "La femme d'argent":

Tracklist de "Moon Safari":

1.         "La femme d'argent"  7:08
2.         "Sexy Boy"                4:57
3.         "All I Need" (Beth Hirsch)               4:28
4.         "Kelly Watch the Stars"                    3:44
5.         "Talisman"                 4:16
6.         "Remember"   2:34
7.         "You Make It Easy" (Beth Hirsch)               4:00
8.         "Ce matin là" 3:38
9.         "New Star in the Sky (Chanson pour Solal)"            5:38
10.       "Le voyage de Pénélope"                   3:10

ALPHA | Stargazing - Album

Alpha (Banda)

Formación de música electronica inglés de la ciudad de Bristol. Se fundó el "colectivo" en 1996 por Corin Dingley, Wendy Stubbs y Hannah Collins; otro miembro fundador, Andy Jenks, dejó en 2007.

El dúo Corin Dingley y Andy Jenks inspirado en las bandas sonoras de películas trabajaron anteriormente a "Alpha" en un proyecto llamado "Ariel" (1995), y en otros conjuntos como "Statik Sound System" y "Sugarboat" en el área de Bristol, hogar de los grupos de Trip Hop Massive Attack y Portishead. Al igual que Massive Attack, Alpha reclutó a cantantes para agregar voces a su estilo downtempo, lo que los llevó a ser incluidos en la categoría de "Post Trip Hop".

El movimiento de "Trip Hop" de la ciudad de Bristol es tan estrecha que "Alpha" y su debut álbum, "Come from Heaven",  fue el primer lanzamiento del sello "Melankolic" de Massive Attack en 1997.

Desde entonces han publicado 10 álbumes de estudio; a continuación su discografía hasta ahora:

• Come from Heaven (1997)
• The Impossible Thrill (2001)
• Stargazing (2003)
• Made in Space (2003)
• Lost in a Garden of Clouds: Part 1 (2004)
• Lost in a Garden of Clouds: Part 2 (2006)
• The Sky Is Mine (2007)
• Two Phazed People (2009) (with Horace Andy)
• Eleventh Trip (2012)
• Loving Nobody (2015

El álbum debut "Come from Heaven" de 1997 es una gran tarjeta de introducción y "The Impossible Thrill" (2001) es muy bueno, ambos son muy recomendados. Sin embargo para mi el tercer disco "Stargazing" (2003) es la joya de la corona de la discografía de ALPHA.

ALBUM: Stargazing

Tercer álbum de estudio publicado el 12 de mayo de 2003. Incluye contribuciones vocales de Wendy Stubbs, Helen White, Martin Barnard y Kelvin Swaby. En 2004, se publicó un CD de edición especial con una lista de canciones diferentes; lo menciono para los fanaticos y coleccionistas. Alpha habían dejado el sello discográfico de Massive Attack, y puede que explique la partida - "cambio" - en sonido para este disco: para mi más energético-vivo. Es especulación mía.

No obstante, las canciones son soñadoras, orgánicas y exuberantes. Corin Dingley y Andy Jenks admitieron que perdieron la trama en lo que respecta a la melodía y el ritmo antes de grabar las canciones que componen "Stargazing", pero con sus 14 canciones son audaz y hermosos llevándote  al corazón del viaje atmosférico.

Para alcanzar la accesibilidad no ha amortiguado la dinámica etérea de la banda. Si anteriormente sonaban como si estuvieran canalizando Massive Attack, aquí se expanden en influencias que van desde "Nick Drake"...a "John Barry". Las cuerdas (violines) y los instrumentos de aire explotan como adornos musicales, mientras las baladas se mezclan con efectos de sonido de ciencia ficción y cine que crean una agradable tensión.

El cuarteto de vocalistas y antiguos colaboradores Wendy Stubbs, Helen White, Martin Barnard y Kelvin Swaby pintan imágenes auditivas evocadoras, tiernas y de texturas extrañas. Un ejemplo es la voz de Kelvin Swaby que encaja perfectamente con Alpha, lo que supone un cambio brillante de ritmo como demuestra el tema "Elvis". En fin, un disco pensado y madurado que claramente demuestra una evolución musical de la formación tanto en sonidos como en las composiciones que transmite cierta sofisticacion. Mientras que algunos de sus contemporáneos publicaron álbumes un tanto torpes y serpenteantes, Alpha redefinió la música electrónica inteligente y apasionada del soul con este álbum.

Un disco recomendado. Muy buen álbum de música electronica ambient-downtempo. El título del "Mejor álbum de Alpha" no es unánime, se discute entre los primeros tres discos. En mi caso, elijo "Stargazing"; pacífico, intenso y en última instancia inspirador. Perfecto para desconectar, escuchar y mirar las estrellas de noche.

Video del tema "As Far as You Can":



Tracklist del álbum "Stargazing":
1. "Sleepdust" 1:36
2. "Once Round Town" 3:01
3. "Lipstick from the Asylum" 3:52
4. "A Perfect End" 4:08
5. "Elvis" 3:23
6. "As Far as You Can" 3:30
7. "Saturn in Rain" 4:43
8. "Waiting" 3:52
9. "Silver Light" 4:11
10. "I Just Wanna Make You" 3:51
11. "Vers Toi" 3:48
12. "Double View" 2:56
13. "Blue Autumn" 4:50
14. "Portable Living Room" 4:01

THE BLAZE - Dancehall - DISCO 2018

THE BLAZE - Dancehall

Los franceses Guillaume y  Jonathan Alric (son primos),  llamados artísticamente THE BLAZE,  publican su debut álbum titulado "Dancehall" (7 de Septiembre de 2018). Aparte de elaborar cortos (cine-films) son productores musicales y ofrecen un sonido "down-tempo beats". Llamémoslo lo que queremos han lanzando un pedazo de disco para ser el primero y es candidato para ser uno de los mejores del 2018. Lo que denomino yo aquí como un DISCO 2018. Impresionante!

Buscarlo y hacerte con ello! Ya!

Tracklisting del álbum "Dancehall":

1 Opening letra por – Jason Glasser 3:31
2 Heaven  letra por – Jason Glasser 3:39
3 SHE 3:38
4 Places 3:34
5 Rise         4:46
6 Runaway 4:15
7 Breath 3:49
8 Queens 3:54
9 Faces 3:57
10 Mount 3:01

Video de la canción "Runaway" del álbum "Dancehall" por THE BLAZE:




El dúo publicaron el 10 de marzo, su segundo álbum titulado "The Jungle". Despúes de cuarto años y actuando por todo el mundo han recogido sus experiencias y plasmado todo en esta obra. Un trabajo más orientado hacia la pista de baile, con más dance beats, que tiene unos momentos muy bueno, por ejemplo el tema "Siren". 

Puedes escucharlo por los canales habituales y plataformas digitales. The Blaze esta previsto actuar en España (Bilbao) medidos del 2023 en un Festival.