ERIC CLAPTON - Slowhand - Album

El álbum de 1977, "Slowhand", de ERIC CLAPTON marcó un momento importante en la carrera del guitarrista. Después de una serie de esfuerzos en solitario moderadamente exitosos (mejor dicho poco exitosos) y "desenfocados" a mediados de la década de 1970, Clapton utilizó "Slowhand" para recuperar su estatus como uno de los cantautores y guitarristas más destacados del rock.

Para mí el LP de Clapton "461 Ocean Boulevard" (1974) es su mejor, pero "Slowhand" es igual de impresionante y por eso quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Slowhand

Es el quinto LP de estudio en solitario de Eric Clapton. Publicado el 25 de noviembre de 1977 y titulado según el apodo de Clapton, es uno de sus álbumes de estudio de mayor éxito comercial.

Producido por Glyn Johns, Clapton pensó que Johns había realizado un gran trabajo con "The Rolling Stones" y "Eagles" y sabía cómo trabajar con músicos británicos y estadounidenses. El enfoque de Johns, que desaconsejan los "jams" excesivos, permitió a los músicos ofrecer un sonido más cohesivo y pulido. Este enfoque en la precisión y la moderación es evidente a lo largo del álbum, donde las líneas de guitarra de Clapton están hábilmente equilibradas con la sección rítmica y los coros.

La portada del álbum fue realizada por el propio Eric Clapton con la ayuda de Pattie Boyd y Dave Stewart, acreditados como "El & Nell Ink". Muchos críticos han dicho que la icónica portada es más famosa que la música, tal vez haya algo de ironía en esto.

"Slowhand" comienza fuerte con la famosa canción de blues de J.J.Cale, "Cocaine". Alternando entre blues ("Mean Old Frisco"), country ("Lay Down Sally"), rock convencional ("Cocaine", "The Core") y pop ("Wonderful Tonight"), "Slowhand" suena coherente gracias a la captación del material por la banda. Además de la gestión con mano izquierda de Glyn Johns con los excesos de Clapton.

Se escucha Clapton y su banda como unos virtuosos relajados, nunca son llamativos, pero su forma de tocar es magistral y segura. Esa seguridad y el material ecléctico del álbum hacen de "Slowhand" sea uno de los mejores discos de la discografía de la carrera de Eric Clapton.

En general, una buena mezcla de rock, blues y country, es un trabajo que retrata brillantemente el ciclo de adicción y libertad, remordimiento y recuperación. Clapton atravesaba una dura adicción a las drogas y problemas personales y este álbum no queriendo lo transmite. En última instancia, "Slowhand" se erige como un síntesis de los raíces de blues y sensibilidad pop de Clapton que ayudó a restablecer a Clapton como uno de los principales cantautores y guitarristas del rock. La combinación de atractivo comercial y profundidad artística aseguró un impacto duradero convirtiéndose en uno de los trabajos en solitario más vendidos y aclamados de Clapton.

 

Disco recomendado

En su conjunto, este es un gran LP de la década de 1970. Eric Clapton se divierte con este disco y lo hace contagioso. Ideal para fans del blues y el rock.

Video del tema "Cocaine":

Tracklist-canciones (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Cocaine"        J. J. Cale         3:41
2.         "Wonderful Tonight" Eric Clapton   3:44
3.         "Lay Down Sally"      Eric Clapton • Marcy Levy • George Terry   3:56
4.         "Next Time You See Her"     Eric Clapton   4:01
5.         "We're All the Way"   Don Williams  2:32

Cara B:

1.         "The Core"      Eric Clapton • Marcy Levy    8:45
2.         "May You Never"      John Martyn   3:01
3.         "Mean Old Frisco"     Arthur Crudup           4:42
4.         "Peaches and Diesel"  Eric Clapton • Albhy Galuten           4:46

Músicos:

• Eric Clapton - voz principal, guitarras
  
  
• Dick Sims - teclados
  Marcy Levy - armonía y coros, co-voz principal en "The Core"
• Carl Radle – bajo
• Yvonne Elliman – armonía y coros
• George Terry - guitarras
• Jamie Oldaker - batería, percusión
• Mel Collins - saxofón en "The Core" 

Producción:

• Glyn Johns - productor, ingeniero
• Tinta El y Nell. (David Stewart, Nello) – dirección de arte y diseño.

PANTERA - Vulgar Display of Power - Album

En el metal, los nombres que destacan son Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest, Metallica, Slayer y Pantera. La banda "Pantera" es la más reciente de estas formaciones en abrir camino en el género. Yo añadiría que también salvaron el "metal" con su gran disco "Vulgar Display of Power", álbum considerado uno de los mejores en su tipo y que recomiendo en este post.

 

¿Quiénes son la banda "Pantera"?

 
Un grupo estadounidense de heavy metal de Arlington, Texas, formado en 1981 por los hermanos Abbott (el guitarrista Dimebag Darrell y el baterista Vinnie Paul), y compuesta por el vocalista Phil Anselmo, el bajista Rex Brown y los músicos de gira Zakk Wylde y Charlie Benante.

La formación más conocida del grupo estaba formada por los hermanos Abbott junto con Brown y Anselmo, quienes se unieron en 1982 y 1986 respectivamente. Considerada como una de las bandas más exitosas e influyentes en la historia del metal, "Pantera" ha vendido más de 20 millones de discos en todo el mundo.

Aquí está su discografía hasta la fecha:

• Metal Magic (1983)
• Projects in the Jungle (1984)
• I Am the Night (1985)
• Power Metal (1988)
• Cowboys from Hell (1990)
• Vulgar Display of Power (1992)
• Far Beyond Driven (1994)
• The Great Southern Trendkill (1996)
• Reinventing the Steel (2000)

"Pantera" hizo una pausa en 2001, pero las disputas persistentes llevaron a la banda a separarse en 2003. Los hermanos Abbott formaron "Damageplan", mientras que Anselmo continuó trabajando en varios proyectos paralelos, incluido "Down", al que también se unió Brown.

"Pantera" ha influido en muchas bandas de metal modernas, incluidas Slipknot, Machine Head, Bullet for My Valentine, Trivium, Children of Bodom, Lamb of God, Gojira, All That Remains, Five Finger Death Punch...etc.

Para mí su mejor disco es el de 1992 "Vulgar Display of Power".

 

ALBUM: Vulgar Display of Power

El sexto disco de estudio de la banda estadounidense de heavy metal "Pantera". Publicado el 25 de febrero de 1992, está producido por Terry Date. Este es el álbum más vendido de "Pantera" hasta la fecha y sería certificado doble platino. Es considerado uno de los álbumes de metal más influyentes de la década de 1990.

El título del álbum está tomado de una línea de la película de 1973, "El exorcista". La portada del álbum es una foto de un hombre siendo "golpeado" en la cara y fue tomada por el fotógrafo Brad Guice.

"Vulgar Display of Power" es una descripción cruda, pulverizadora e intensa de rabia y hostilidad que agota a los oyentes y te envía a la sumisión. Incluso las "baladas", "This Love" y "Hollow" tienen secciones de coro agresivas y poderosamente ruidosas.

La estrategia del álbum de apilar las mejores canciones al principio y dejar que su impulso lleve al oyente durante el resto funciona muy bien. El power metal post-hardcore de sonido denso y la intensidad indignada de "Pantera" ayudarían a allanar el camino para muchos grupos de metal alternativo.

Escuchas canciones épicas y magníficas actuaciones de cada miembro del grupo. Dimebag Darrell se destaca por su increíble trabajo con la guitarra. “Mouth for War”; “A New Level”; “F*cking Hostile” “Rise”, “This Love” y “Hollowed” son ahora canciones clásicas del metal.

A pesar de todo su brutal poder, el legado de "Vulgar Display of Power" es que "salvó" al Metal, tal como lo conocemos ahora. Apareció en una época en la que el grunge, el alternativo y el hip hop estaban tomando el control y el metal comenzaba a ser evitado por los medios. Con Guns N' Roses cerca del semi-retiro y Metallica suavizando y comercializando su sonido, el Metal necesitaba un salvador. Aquí estaba "Pantera" y el álbum "Vulgar Display of Power" para presentar la declaración definitiva.

Disco recomendado

 
Uno de los álbumes de metal con mejor sonido y más originales disponibles. Este disco representa líricamente la hermandad, la determinación y la confianza en uno mismo. Si eres un fan del rock heavy y metal, debes escucharlo. Una verdadera obra de arte del metal.

Video del tema "Mouth of World":

Tracklist - canciones:

1.         "Mouth for War"        3:57
2.         "A New Level"           3:57
3.         "Walk" 5:14
4.         "Fucking Hostile"       2:48
5.         "This Love"     6:32
6.         "Rise"  4:36
7.         "No Good (Attack the Radical)"       4:49
8.         "Live in a Hole"          5:00
9.         "Regular People (Conceit)"    5:27
10.       "By Demons Be Driven"        4:40
11.       "Hollow"         5:48

Músicos:

• Phil Anselmo - voz
• Diamond Darrell - guitarras
• Rex Brown - bajo
• Vinnie Paul - batería

Técnico:

• Terry Date – ingeniería de sonido, mezcla, producción
• Vinnie Paul – ingeniería de sonido, mezcla, producción.

SWANS - Soundtracks for the Blind - Album

Voy a recomendar un álbum que es inquietante, intenso, variable y, si se le das tiempo y paciencia, gratificante. "Soundtracks for the Blind" es un doble álbum de la formación SWANS que lleva el post-rock a otro nivel.

Dicho esto, me resultó difícil escucharlo la primera vez. Sin embargo, eso es lo que hace que el disco sea tan bueno.

 

ALBUM: Soundtracks for the Blind

 
Es el décimo disco de estudio de "Swans" y fue publicado como doble CD el 22 de octubre de 1996. Este trabajo pretendía, como sugiere el título, funcionar como una "banda sonora para una película inexistente". Recibió elogios de la crítica y fue el último álbum de estudio editado por la banda hasta "My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky" de 2010.

Gran parte del disco está vinculado con trabajos de collage de audio y piezas de textura basadas en samples grabadas en varios momentos y lugares, así como el uso de material anterior de Swans. 

Este álbum es difícil comprender completamente, pero se puede sentir. Un sentimiento muy oscuro, poderoso, que francamente a veces resulta "incómodo", pero definitivamente en línea con el género del rock experimental y el post-rock.

Curiosamente, este doble disco de dos horas y media de duración no pretende ser una creación uniforme; las propias notas de Michael Gira indican que las fuentes de las canciones van desde "grabaciones en casetes portátiles hasta sonidos encontrados, samples, bucles y grabaciones multipista terminadas grabadas con diez músicos diferentes. Se puede encontrar de todo, desde música electronica extrema hasta las más suaves obras acústicas.

El corte largo "The Helpless Child" es asombroso, mientras que otro número igualmente largo, "The Sound", ruge y susurra a la vez. Hay otras canciones que continúan la práctica de Swans de mezclar conversaciones grabadas al azar con actuaciones exquisitamente arregladas: "I Was a Prisoner in Your Skull" es digna de mención. Los propios temas de Jarboe son geniales, desde el techno fracturado y que cambia de tempo de "Volcano" hasta la versión en vivo de "Yum-Yab Killers". El final con el sorprendente pero apropiado "Surrogate Drone", permite a "Swans" retirarse de la grabación (se toman un descanso prolongado) al más alto nivel. Sí, acabo de mencionar solo algunos cortes, algunos realmente destacados, en su totalidad es una mezcla inquietante de post-rock, drone y ambient. También encontrarás fragmentos (samples) interesantes de entrevistas repartidas por todo el álbum. Es un increíble paisaje sonoro.

En resumen, este es quizás el disco más ambicioso e impresionante de "Swans". En este álbum, "Swans" realiza plenamente el art rock de álbumes anteriores al elevar la atmósfera, la duración, la variedad y la grandeza general hasta el punto de inventar un nuevo tipo de post-rock que resultaría muy influyente.

Disco recomendado

 
Un doble LP monumental. El sonido de la desintegración. Simplemente escúchala desde la primera hasta la última canción, en orden, y prepárate para encontrar un sentimiento dentro de ti que ni siquiera sabes que existía. ¿Exagerado? Escúchalo.

Video del tema "The Sound":

Tracklist:

Disc One (Silver): 

1.         "Red Velvet Corridor"                      3:04
2.         "I Was a Prisoner in Your Skull"                  6:39
3.         "Helpless Child"                    15:47
4.         "Live Through Me"               2:32
5.         "Yum-Yab Killers"     Jarboe  5:07
6.         "The Beautiful Days"            7:49
7.         "Volcano"       Jarboe  5:18
8.         "Mellothumb"            2:46
9.         "All Lined Up"                      4:48
10.       "Surrogate 2"  Gira, Jarboe    1:52
11.       "How They Suffer"               5:52
12.       "Animus"                   10:41

Disc Two (Copper):

1.         "Red Velvet Wound" Jarboe  2:02
2.         "The Sound"              13:11
3.         "Her Mouth Is Filled With Honey"   Gira, Jarboe    3:19
4.         "Blood Section"                    2:39
5.         "Hypogirl"                 2:44
6.         "Minus Something"    Gira, Jarboe    4:14
7.         "Empathy"                 6:45
8.         "I Love You This Much"                  7:23
9.         "YRP"            7:47
10.       "Fan's Lament"                      1:28
11.       "Secret Friends"         Gira, Jarboe    3:08
12.       "The Final Sacrifice"             10:27
13.       "YRP 2"                     2:09
14.       "Surrogate Drone"                 2:06

Swans (Músicos):

• Michael Gira: voz, guitarra, samples, sonidos, loops, productor (todas las pistas excepto "Volcano"),
• Jarboe - voz, teclados, sonidos, loops, productor (en "Volcano").

Músicos invitados:

• Joe Goldring - guitarra eléctrica, bajo (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Vudi - guitarra eléctrica, guitarra acústica (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Larry Mullins - batería, percusión, vibráfono (disco uno 3, 5, 9, 12; disco dos 2, 7, 9, 12, 13)
• Cris Force - viola (en "Animus" y "YRP").

Músicos adicionales, varios segmentos:

Bill Rieflin
Cristóbal Hahn
Clinton Steele
Larry Lame
Norman Westberg
Algis Kizys 

THE BATS - Daddy´s Highway - Album

Antes de la aparición del grunge, el jangle-pop dominó el mundo del indie rock a finales de la década de 1980 y una de las mejores ejecutoras del estilo provino de Nueva Zelanda. La banda "The Bats" es experta en crear canciones indie pop pegadizas y memorables, también denominadas "The Dunedin Sound".

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música el primer disco de la banda "Daddy's Highway".

¿Quiénes son la banda "The Bats"?

Son una influyente conjunto de rock de Nueva Zelanda formada en 1982 en Christchurch por Paul Kean (bajo), Malcolm Grant (batería), Robert Scott (voz principal, guitarra rítmica, teclados) y Kaye Woodward (guitarra principal, voz). "The Bats" tienen fuertes vínculos con Dunedin y generalmente se agrupan con los músicos del "sonido de Dunedin" que surgieron a principios de la década de 1980. La banda ha conservado los mismos cuatro miembros desde 1982 hasta la actualidad.

Aquí está la discografía del grupo hasta la fecha:

• 1987    Daddy's Highway     
• 1990    The Law of Things    
• 1991    Fear of God   
• 1993    Silverbeet       
• 1995    Couchmaster  
• 2005    At the National Grid 
• 2008    The Guilty Office      
• 2011    Free All the Monsters
• 2017    The Deep Set
• 2020    Foothills

Mi disco favorito es el primero.

ALBUM: Daddy's Highway

Antes de este primer LP, "The Bats" había lanzado tres EPs aclamados. Mientras estaban de gira por el Reino Unido, un conocido en Glasgow le ofreció el uso del estudio de 8 pistas de su casa. Allí se grabaron la mitad de las canciones de lo que se convertiría en "Daddy 's Highway".

A su regreso a Nueva Zelanda, la grabación se completó en Christchurch y el álbum fue publicado por "Flying Nun" en 1987. Este primer LP tiene muchos tintineos de guitarra, voces delicadas y dulces melodías.

Kaye Woodward es la compañera de canto perfecta para Robert Scott, mientras que el violinista invitado Alastair Galbraith pone su talento en primer plano, como lo ha hecho con tantas otras bandas de Nueva Zelanda. El tema que abre "Treason" es un gran comienzo para el álbum, pero lo que realmente se destaca en "Daddy 's Highway" es "North by North". Con el solo de violín de Galbraith, muestra que la banda tiene fortalezas ocultas para material más enérgico. La interpretación vocal de Scott es sobresaliente, y el ritmo rápido parece serlo aún más a medida que avanza la canción.

También aparecen canciones más tranquilas, desde la dulzura de "Sir Queen" hasta el suave "Candidate". "Tragedy" es uno de los mejores números y termina en un zumbido bajo que te toma por sorpresa.

"Daddy 's Highway" se erige como uno de esos álbumes realmente agradables de escuchar. Es un pop de jangle, sin pretensiones y bien elaborado, y la mayoría de las canciones están impregnadas de una especie de ligereza atmosférica y despreocupada. Sin embargo, esto no implica nada acerca de una ausencia de sustancia; el sentimiento sonoro puede ser ligero, pero la profundidad tanto de la canción como de la emoción es obvia.

Con el tiempo, "Daddy 's Highway" se considera ahora un álbum histórico de la música de Nueva Zelanda. Capta la esencia del "sonido Dunedin" y muestra la capacidad de la banda para crear melodías, ganchos y letras memorables. Es una escucha esencial para los fans del indie rock, el jangle pop y el rock alternativo, y su influencia aún se puede sentir en la música contemporánea actual.

Disco recomendado

Imprescindible buscar y escuchar esta LP para aquellos interesados en el jangle pop y la música indie neozelandesa en general. Mola mucho.

Video del tema "North by North":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1."Block of Wood" – 3:12
2."Miss These Things" – 3:07
3."Mid City Team" – 2:25
4."Some Peace Tonight" – 2:53
5."Had to Be You" – 3:03
6."Daddy's Highway" – 4:00

Cara B:

1."Treason" – 2:55
2."Sir Queen" – 3:25
3."Round and Down" – 2:18
4."Take It" – 2:30
5."North by North" – 4:08
6."Tragedy" – 3:00

The Bats (Músicos):

• Robert Scott - voz principal, guitarras
• Kaye Woodward – voz, guitarras; órgano ("Tragedy"); bajo ("Block of Wood", "Had to Be You")
• Paul Kean – voz, bajo; órgano ("Daddy's Highway"); guitarras ("Block of Wood", "Had to Be You")
• Malcolm Grant - batería; caja de ritmos ("Mid City Team")

Músico adicional:

• Alastair Galbraith - violín ("Tragedy", "Sir Queen", "North by North")

Técnico:

Paul Kean - ingeniero de sonido, mezcla

THE WHO - My Generation - Album

Aunque no es el mejor disco de los británicos THE WHO - cabe destacar "Who 's Next" (1971) para ese honor - su álbum "My Generation" es un gran debut que deseo recomendar a los lectores de este blog de música. Es un LP altamente maníaco y explosivo que captura a la banda saliendo de su fase mod de R & B y aventurándose en territorio power pop para abrir su revolucionario pero formativo ataque de distorsión y guitarra sónica.

Estoy seguro de que el lector veterano está familiarizado con "My Generation", pero tal vez los jóvenes melómanos no, por lo que deseo animarles a escucharlo.

 

ALBUM: My Generation

 

El LP debut de la banda de rock inglesa "The Who", publicado el 3 de diciembre de 1965. En los Estados Unidos, fue editado el 25 de abril de 1966 con una portada diferente y un tracklist ligeramente modificado. "The Who" está formado por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra), John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería), y cuenta con contribuciones del músico de sesión Nicky Hopkins (piano). Contiene los ahora clásicos como "The Good's Gone", "Much too Much" y los legendarios "My Generation" y "The Kids are Alright", lo que hace de este disco un trabajo potente, ruidoso, divertido e irónico desde el principio hasta final.

Esta fue una grabación y lanzamiento apresurado después de que sus sencillos llegaron a entrar en las listas. Inicialmente tenía solo versiones y a Townsend se le dio la tarea de crear nuevo material lo antes posible. Con todo el trabajo realizado, el resultado final no impresionó a la banda ya que sintieron que no capturaba la intensidad de su actuación en directo. Al ser lanzado de todos modos, no se vendió como se esperaba, sin embargo con el tiempo los críticos y fans lo han calificado como uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos, destacando especialmente su sonido duro, inusual para la época, y que presagia varios estilos de hard rock como el punk y el heavy metal.

Tomado en su contexto histórico y donde estaba el Rock Británico en ese momento (Beatles, Rolling, Cream...), este es un LP debut explosivo, más de lo que uno esperaría de una "banda mod". Tenía guitarras y baterías ferozmente poderosas, aún no capturadas antes en un disco de rock. Los crujidos de acordes y las distorsiones de guitarra de Pete Townshend explotan en el temazo "My Generation" y "Out in the Street"; Keith Moon ataca la batería con una delicadeza relámpago y despiadada dando ya signos porque sería ser considerado uno de los grandes. No obstante, la banda se aferra a su temprana influencia en "R&B" con las dos versiones de James Brown, pero gran parte del material original de Townshend fusionó ganchos y acordes potentes de estilo Beatles con letras mod en "The Good's Gone", "Much Too Much", ""La-La-La-Lies" y "The Kids Are Alright". El número "A Legal Matter" insinuaba una letra ambiciosa, y "The Ox" fue un caos instrumental que llevó al límite la tecnología de amplificación de 1965 con su retroalimentación de guitarra y redobles de batería sin parar.

En cuanto a la musicalidad, la voz de Roger Daltrey transmite "coolness" y frialdad. El ataque de guitarra de Pete Townsend lo muestra como uno de los mejores que jamás haya tocado el instrumento, la batería de Keith Moon es explosiva y cargada, mientras que la actitud fría y distante de John Entwistle te hace pasar por alto el hecho de que ya es uno de los mejores bajistas que existen. Puede que a la propia banda le haya resultado difícil llevarse bien en este punto, pero las cuatro piezas de este rompecabezas ya encajaban perfectamente.

Para dar algunas críticas (menores), la ejecución general, estoy de acuerdo, fue a veces tosca y la composición no tan sofisticada como lo sería en álbumes posteriores; sin embargo, "The Who" nunca superó el nivel de pura energía de este disco.

Disco recomendado

"My Generation" es uno de los álbumes debut más convincentes de artistas de los años 60 y 70 (siglo xx). Un excelente primer disco con canciones pegadizas y música a todo volumen. Si eres un fan del rock clásico y aún no has escuchado esto, definitivamente deberías hacerlo.

Término, "The Who" continuaría grabando discos mayores que los convertirían en leyenda con LPs como "Who´s Next", "Quadrophenia" y la ópera rock "Tommy". Tres discos más para encontrar y escuchar.

Video del tema "My Generation" (version stereo):

Tracklist - canciones (LP original): 

Cara A:

1.         "Out in the Street"      2:31
2.         "I Don't Mind" (James Brown)          2:36
3.         "The Good's Gone"    4:02
4.         "La-La-La-Lies"         2:17
5.         "Much Too Much"      2:47
6.         "My Generation"        3:18 

Cara B:

1.         "The Kids Are Alright"          3:04
2.         "Please, Please, Please" (Brown, Johnny Terry)        2:45
3.         "It's Not True"            2:31
4.         "I'm a Man" (Bo Diddley)     3:21
5.         "A Legal Matter"        2:48
6.         "The Ox"         3:50

The Who (Músicos):

• Roger Daltrey - voz principal, armónica 
• Pete Townshend: guitarra eléctrica, coros y voz principal en "A Legal Matter"
• John Entwistle - bajo, coros
• Keith Moon - batería

Músico adicional:

Nicky Hopkins – piano

THE GUN CLUB - Fire of Love - Album

Presento una banda y un disco que fusiona el blues temprano con el punk. La banda de Los Ángeles THE GUN CLUB y su LP debut "Fire of Love" es una escucha obligada para quienes no están familiarizados, especialmente para el lector más joven de este blog de música. Un disco que nunca volverá a ser, ni será como ningún otro que haga lo que hace, llámalo "tribal blues", "vudú blues", "psychobilly" o "cowpunk".

 

¿Quiénes eran la banda "The Gun Club"?

 
Una formación estadounidense de post-punk de Los Ángeles activa de 1979 a 1996. Creada y dirigida por el cantautor y guitarrista Jeffrey Lee Pierce, se destacaron como una de las primeras bandas del punk rock en incorporar influencias del blues, rockabilly y la música country. Llamada una banda de "tribal psychobilly blues", así como los iniciadores del sonido punk blues "cowpunk", "The Gun Club" tomó los primeros blues acústicos del Delta y los "punkificó". Hasta entonces, las bandas utilizaban la inspiración de "Iggy & The Stooges" y los "New York Dolls", pero nunca retrocedieron tanto.

Aquí está su discografía:

• Fire of Love (1981)
• Miami (1982)
• The Las Vegas Story (1984)
• Mother Juno (1987)
• Pastoral Hide and Seek (1990)
• Divinity (1991)
• Lucky Jim (1993)

Quiero recomendar su gran debut, "Fire of Love".

 

ALBUM: Fire of Love

 
El disco debut de la banda de rock estadounidense "The Gun Club", publicado en 1981. Este LP se considera innovador por ser el primero de su tipo en combinar el sonido duro y sencillo del punk rock con la música de "roots" estadounidenses. Esta innovación ayudó a crear el estilo punk blues que inspiró a innumerables músicos de garage rock. Por tanto, es un LP con marca de agua para toda la música de raíces post-punk.

Era (y estaba etiquetado) "Voodoo blues" como nunca antes se había oído hablar. Todo el asunto del psycho-billy estaba ganando popularidad en el Reino Unido en esta época, especialmente gracias a "The Cramps", pero "The Gun Club" era mucho más oscuro. Por ejemplo, menos años 50-60 (siglo xx) y más Robert Johnson en la encrucijada hablando con el diablo.

Aquí encontrarás el estilo inundado de rock, blues infernal y country gótico de Jeffrey Lee Pierce. Con la guitarra de slide de Pierce combinada con los riffs de Ward Dotson y la sólida sección rítmica del bajista Rob Ritter y el baterista Terry Graham, "The Gun Club" explotó en Los Ángeles a principios de los años 80 con una actitud de mala leche. Con una excelente producción de Chris D. de "The Flesh Eaters", "Fire of Love" superó todas las expectativas.

Nadie había escuchado música como esta antes, ni después. Las canciones de Pierce tienen sus raíces en su estado natal de Texas. La canción "Sex Beat" es una historia de vudú, sexo, droga y muerte. Aquí convergen bandas y músicos como Black Flag, Sex Pistols, el bluesman Son House y Hank Williams en una mezcla de energía hirviente. "The Gun Club" siguen con una versión de "Preachin the Blues" de Robert Johnson con un slide ardiente a toda velocidad. Pero no es hasta "She 's Like Heroin to Me" y el punk-blues de "Ghost on the Highway" que el oyente comprende por fin de qué se trata realmente "The Gun Club" y este LP.

En resumen, un disco explosivo y demoledor, que mezcla la furia del punk, post punk y hardcore con el blues, el folk y el country, pasando por el rockabilly y el psychobilly. Este álbum sentó el precedente para una nueva ola de sonido que seguirán bandas posteriores. Bandas como "Pixies", "Sonic Youth" y "Nirvana" tomarían este sonido forjado y lo llevarían en direcciones completamente diferentes. "Fire of Love" definitivamente llevó la música alternativa y underground a nuevas alturas de logros, fue (es) adelantado a su tiempo. Es implacable, despiadado y desinhibido.

Disco recomendado

 
Una obra única de punk blues tan maravillosa con una calidad que lo devuelve todo a las raíces del rock. Una banda a la que todo amante de la música llega eventualmente y luego se castiga a sí mismo por no haber aprendido sobre ellos antes. Esta es la obra maestra de "The Gun Club" y el lugar perfecto para empezar. Blues con actitud punk.

Video del tema "Preaching Blues":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1."Sex Beat" - 2:45
2."Preaching the Blues" (Robert Johnson; arranged by Jeffrey Lee Pierce) - 3:58
3."Promise Me" - 2:35
4."She's Like Heroin to Me" - 2:33
5."For the Love of Ivy"  - 5:31
6."Fire Spirit" - 2:52

Cara B:

1."Ghost on the Highway" - 2:43
2."Jack on Fire" - 4:40
3."Black Train" - 2:11
4."Cool Drink of Water" - 6:10
5."Goodbye Johnny" - 3:41 

The Gun Club (Músicos):

• Jeffrey Lee Pierce - voz, guitarra slide, coros en "Jack on Fire"
• Ward Dotson: guitarra, guitarra slide y coros en "Jack on Fire"
• Rob Ritter - bajo
• Terry Graham - batería

Músicos adicionales:

• Tito Larriva - productor, violín en "Promise Me"
• Chris D. - productor, coros en "Jack on Fire"
• Lois Graham - coros en "Jack on Fire"

KILLING JOKE - Night Time - Album

KILLING JOKE eran una banda inglesa única y subversiva que se encontraba a caballo entre el post-punk y el industrial, y que finalmente acumuló una carrera larga e influyente. Su debut "Killing Joke" (1980) es su mejor disco y define el género, pero "Night Times" es otro discazo que los fans definitivamente deberían investigar.

Por eso deseo recomendar a los lectores de este blog de música dicho LP.

 

ALBUM: Night Time

 
Este es el quinto disco de estudio de la banda inglesa de post-punk "Killing Joke", publicado en febrero de 1985 y producido por Chris Kimsey (ha trabajado con Peter Frampton, The Rolling Stones, Terry Reid, Jimmy Cliff, The Cult, Cactus World News, The Psychedelic Furs, Marillion, INXS, Ash y muchos otros).

"Night Time" encuentra un "Killing Joke" reconstituido, con Paul Raven en el bajo y atrapado entre su agresión de los trabajos anteriores y un enfoque más tranquilo y accesible. Dicho esto, para lograr esta accesibilidad la banda no traiciona su sonido distintivo y único.

Algunos fans acérrimos de "Killing Joke" no estarían de acuerdo conmigo y afirmarían que este LP fue el comienzo de la evolución del grupo hacia una banda de rock moderno aburrida. Está bien, sin embargo en el momento de ser editado, el "choque" entre las dos partes tuvo un equilibrio perfecto y, como resultado, "Night Time" es posiblemente el álbum más fresco del cuarteto desde su magnífico debut de 1980.

"Night Time" tiene una cualidad cálida y de himnos que ahora complementa el enfoque explosivo y contundente anterior que hizo el nombre de la banda, como destacan canciones como "Kings and Queens". Geordie Walker toca algunos solos impresionantes en medio de sus feroces riffs, como en el primer tema "Night Time", mientras Paul Ferguson mezcla y combina ritmos electrónicos. La experimentación de Jaz Coleman con teclados, samples vocales y melodías principales más tranquilas y suaves tiene un paralelo con su propio canto, ahora libre de los tratamientos y ecos de los discos anteriores. Tiene una gran voz, y es un placer escucharlo dejar que fluya sin forzarla. El tema "Eighties" fue retomada más tarde por "Nirvana" que "clonó" completamente la línea de guitarra en el corazón de la canción "Come As You Are" (Killing Joke llevo a juico a Nirvana por copiar). Mi canción favorita de este álbum, "Love Like Blood", fue un éxito de pistas y un sencillo revolucionario en el Reino Unido, siguiendo el camino de la popularidad del rock gótico y de la nueva ola con una importante apoya  de la radio.

Además, dejan a un lado lo industrial en favor del lado gótico y ruidoso del post-punk y lo logran bastante bien. El estilo de composición oscuro de álbumes anteriores todavía está aquí con la adición de grandes ganchos, lo que lo convierte en uno de sus álbumes más accesibles abriendo hacia un público más grande.

Por último, pero no menos importante, en términos del legado de la banda, "Night Time" se cita a menudo como uno de los álbumes clave en el desarrollo de los géneros post-punk y rock gótico. La influencia del álbum se puede escuchar en una amplia gama de bandas, desde "The Cure" hasta "Nine Inch Nails", y los fans del género continúan celebrándolo hasta el día de hoy.

 

Disco recomendado

Que las bandas quieran pulir su sonido no es necesariamente algo malo, y este álbum puede ser una prueba de ello. Si bien no es mi disco de "Killing Joke" favorito, "Night Time" es uno de sus mejores trabajos. Las guitarras ruidosas y la potencia bruta siguen aquí, esta vez con riffs y melodías más pegadizas. La letra es genial y es un producto de su época.

La calidad y consistencia del álbum lo convierten en una escucha obligada para los seguidores del género, y su influencia se puede escuchar en una amplia gama de bandas que siguieron sus pasos. Este álbum se mantiene bien después de tanto tiempo.

Video "Love Like Blood":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Night Time"  4:58
2.         "Darkness Before Dawn"       5:22
3.         "Love Like Blood"     6:50
4.         "Kings and Queens"   4:41 

Cara B:

1.         "Tabazan"       4:36
2.         "Multitudes"   4:59
3.         "Europe"         4:38
4.         "Eighties"        3:51

Killing Joke (Músicos):

• Jaz Coleman - voz, teclados
• Kevin "Geordie" Walker - guitarra
• Paul Raven - bajo
• Paul Ferguson - batería, voz

Producción:

Chris Kimsey - producción, mezcla

THE ICICLE WORKS - The Icicle Works - Album

Una de las bandas de los 80 (siglo xx) que nunca obtuvieron el éxito que se merecieron, "THE ICICLE WORKS". Liderado por el genio Ian McNabb fueron de los primeros en fichar con el sello "Beggars Banquet" y pioneros en lo que en se denominaría música indie (jangle). 

Su debut fue su mejor disco, no sobra ningún tema y además incluye los grandes éxitos de su carrera como "Love is A Wonderful Colour" (version UK) y "Whisper to a Scream (Birds Fly)" (versión EE.UU,), además de los temas "Nirvana","Lover´s Day" y "Out of Season". 

Quiero recomendar este primer LP a los lectores de este blog de música.

¿Quiénes son la banda "The Icicle Works"?

 
Una formación inglesa de rock alternativo que lleva el nombre del cuento de 1960 "The Day the Icicle Works Closed" del autor de ciencia ficción Frederik Pohl. La banda, formada por el cantante, guitarrista, teclista y compositor Ian McNabb, el bajista Chris Layhe, el baterista Chris Sharrock, lanzó cuatro álbumes de 1984 a 1988. La banda original se separó en 1989.

Son conocidos por el éxito Top 20 del Reino Unido llamado "Love Is a Wonderful Colour" (1983). Mientras en Estados Unidos y Canadá consiguieron un éxito entre los Top 40 con el sencillo de 1984 "Birds Fly (Whisper to a Scream)".

Mi disco favorito de "Icicle Works" es su debut "The Icicle Works".

ALBUM: The Icicle Works
(titulado "Icicle Works" en los Estados Unidos)

 
Es el LP debut homónimo de "The Icicle Works". El álbum fue publicado en 1984. El disco original presenta diferentes listas de canciones y portadas en el Reino Unido, Estados Unidos y Canadá.

La versión estadounidense del álbum tiene una versión remezclada y retitulada de "Birds Fly (Whisper to a Scream)". El remix de EE. UU. no incluye la introducción hablada femenina que se escuchó en la mezcla del Reino Unido.

El LP en general está impulsado por las letras de Ian McNabb, bien versadas, pensadas y alfabetizadas. Los temas del amor juvenil y el misticismo oriental están bien tratados. Se puede decir que es un disco "pensante", con matices existencialistas filosóficos. 

Musicalmente es un claro álbum de estudio. Se pueden escuchar múltiples pistas para muchos de los instrumentos, lo que permite que un trío tenga un sonido orquestado, esto es cierto para la percusión. La profunda superposición de sonidos respalda la profundidad de las letras. De nuevo, me salta a la mente, "bien pensado".

Otra distinción de este LP es que los intentos de transmitir el significado y el sentimiento de esta obra rara vez terminan en mal rollos. Hay mucho júbilo y absoluta alegría en las canciones más dinámicas. Es decir, para ser un disco "profundo" es muy entretenido y positivo.

En resumen, un buen disco de indie que tiene un aire de celebración. Hay referencias a las estaciones en este álbum, y esto (típicamente) conduce a metáforas sobre la vida y la muerte del amor y otras preocupaciones humanas. El disco salió en un período en el que bandas de rock-new wave como "Echo and The Bunnymen", "Cactus World News", "Simple Minds" y "U2" eran las referencias claras. Los críticos pensaron que "Icicle Works" se uniría a este grupo de bandas con este debut, sin embargo no fue así. Lástima, porque se trata de un trabajo realmente apasionante y deliciosamente melódico.

 

Disco recomendado

 
Este álbum lo mezcla generosamente todo, toques heroicos de guitarra progresiva, folk y rock clásico. Un tesoro perdido.

Video del tema "Love is a Wonderful Colour":

Tracklist (UK version):

1."Chop the Tree" – 4:42
2."Love Is a Wonderful Colour" – 4:13
3."Reaping the Rich Harvest" – 4:06
4."As the Dragonfly Flies" – 3:58
5."Lovers' Day" – 4:49
6."In the Cauldron of Love" – 3:50
7."Out of Season" – 4:46
8."A Factory in the Desert" – 3:11
9."Birds Fly (Whisper to a Scream)" – 3:48
10."Nirvana" – 5:07

Video del tema "Whisper to a Scream (Birds Fly)":

Tracklist (US version):

1.         "Whisper to a Scream (Birds Fly)"   
2.         "In the Cauldron of Love"    
3.         "Nirvana"       
4.         "Lover's Day"
5.         "A Factory in the Desert"     
6.         "Waterline"   
7.         "Chop the Tree"         
8.         "Out of Season"        
9.         "As the Dragonfly Flies"       
10.       "Love Is a Wonderful Colour"

COURTNEY BARNETT - Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit - Album

Recomiendo un álbum debut de rock genial y divertido de un músico australiano muy talentoso. Ella es Courtney Barnett y el disco en cuestión es el maravilloso lanzamiento de 2015 "Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit".

¿Quién es la artista musical Courtney Barnett?

 
Courtney Melba Barnett es una cantante, compositora y músico australiana (nacida en Sydney). Conocida por su estilo de canto "inexpresivo" y sus letras humorísticas, atrajo la atención con el lanzamiento de su EP debut autofinanciado "I've Got a Friend Called Emily Ferris" en 2012.

Obteniendo elogios de la crítica y reconocimiento internacional, tiene ya cuatro álbumes de estudio en su discografía:

• Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit (2015)
• Lotta Sea Lice (2017, with Kurt Vile)
• Tell Me How You Really Feel (2018)
• Things Take Time, Take Time (2021)

Quiero recomendar el debut de Barnett "Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit " un trabajo brillante.

 

ALBUM: Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit

 

Este es el debut de estudio del músico australiano de indie rock "Courtney Barnett", editado el 20 de marzo de 2015. El álbum recibió una gran aclamación y fue clasificado como uno de los mejores álbumes de 2015. Es un trabajo realmente divertido con grandes guitarras y letras divertidas que tienen esa vibra de "The Arctic Monkeys" o "The Strokes".

También es una afirmación sólida de que el rock & roll no necesita reinvención para revivir. Desde cualquier punto de vista, Barnett es tradicional, una cantautora apoyada por un trío de guitarra, bajo y batería, que canta baladas y hace noise.

El aspecto ruidoso puede provenir de los primeros días de rockera de pub, cuando Courtney Barnett subía el volumen y agudizó sus habilidades a raíz del punk. Esto convierte a Barnett, en parte, en una larga línea de trovadores del rock underground. Además, su marcado acento australiano conlleva un orgullo tácito por su tierra natal, pero sus astutos giros de frase, alternativamente irónicos y melancólicos, dan una mayor sensación de lugar, tiempo y carácter.

Cuando se pide, Barnett y su banda pueden ser muy poderosos; con "An Illustration of Loneliness" y "Kim's Caravan" se ponen furiosos, pero también pueden caer en una tranquila tristeza, como lo destacan en "Depreston" y "Boxing Day Blues". La banda también es contundente, golpeando con duros ganchos en "Aqua Profunda!" y "Nobody Really Cares If You Don't Go to the Party", al tiempo que le da a "Elevator Operator" y "Pedestrian at Best" una urgencia que imita las inteligentes palabras de Barnett.

Aquí no encuentras lujos, pero si hay algo fresco y distinto. Eso es lo que hace que "Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit" sea tan bueno y estimulante.

En resumen, "Courtney Barnett" escribe con admirable confianza y facilidad, dirigiendo su mirada aguda a los aspectos mundanos de la vida para revelar los dolores, miedos y alegrías que hacen que todo valga la pena. Mientras tanto, los nítidos instrumentos de garage rock mantienen un aire enérgico y divertido a lo largo de todo el disco, lo que lo convierte en uno de los debuts más fuertes y, un gran disco.

 

Disco recomendado

 
"Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit" es un gran debut. Su punto fuerte reside en su simplicidad, es decir, la capacidad de Barnett para tomar situaciones y emociones cotidianas y convertirlas en narrativas divertidas. Este álbum no es sólo una colección de canciones, sino un reflejo de los momentos ordinarios de la vida, lo que demuestra que, a veces, son las cosas más simples las que más resuenan.

Este álbum es un refrescante soplo de autenticidad en el panorama musical, un testimonio del talento de "Courtney Barnett" como compositora y narradora. Es un disco que mejora con cada escucha.

Video del tema "Depreston":

Tracklist:

1.         "Elevator Operator"    3:14
2.         "Pedestrian at Best"   3:50
3.         "An Illustration of Loneliness (Sleepless in New York)"     3:10
4.         "Small Poppies"          7:00
5.         "Depreston"    4:52
6.         "Aqua Profunda!"      2:00
7.         "Dead Fox"     3:33
8.         "Nobody Really Cares If You Don't Go to the Party"         2:46
9.         "Debbie Downer"       3:16
10.       "Kim's Caravan"         6:46
11.       "Boxing Day Blues"   3:02
12.       "Stair Androids & Valley Um..."       6:33

Músicos:

• Courtney Barnett - guitarra, voz
• Dave Mudie - batería, percusión, voz
• Bones Sloane - bajo, voz
• Dan Luscombe - guitarra, voz

Producción:

Courtney Barnett – producción, arte

Burke Reid – producción, ingeniería de sonido, mezcla

Dan Luscombe - producción, mezcla

CINDY LEE - Diamond Jubilee - Album

Quiero llamar la atención de los lectores de este blog de música sobre un disco único y muy especial. El músico es ambas palabras, además de valiente, moderno, trasgresor, creativo y muy innovador. La artista es CINDY LEE y el disco que quiero recomendar es "Diamond Lee", un mega doble LP con un sonido que combina Noise Pop, Experimental Rock, Psychedelic Pop y Dream Pop.

¿Quién es el músico "Cindy Lee"?

Se trata del proyecto drag queen y pop hipnagógico del músico canadiense Patrick Flegel, ex guitarrista y cantante principal de "Women".

 

ALBUM: Diamond Jubilee

 
Es el séptimo disco de estudio de la banda canadiense "Cindy Lee", proyecto del músico Patrick Flegel. Un álbum doble que fue publicado el 29 de marzo de 2024 en el propio sello discográfico de Flegel, "Realistik Studios", disponible exclusivamente en YouTube y GeoCities. Al parecer, el artista tiene un "asunto" con las plataformas de música Spotify y Apple por su política de royalties y su "explotación" de artistas y bandas.

"Diamond Jubilee" es un álbum doble de 32 temas que duran más de dos horas. Sí, dos horas, algo poco habitual en el panorama musical actual. Su oferta sonora se presta a un sentimiento recuperado e hipnóticamente nostálgico. "Diamond Jubilee" es, ante todo, un disco pop. En sus momentos más propulsores, las canciones recuerdan a The Beach Boys y The Velvet Underground, pero con un enfoque muy 2024.

Este trabajo del artista canadiense Patrick Flegel bajo su alter ego "Cindy Lee" es por lo tanto una descomunal y visionaria epopeya musical que desafía las convenciones del pop (psicodélico). "Diamond Jubilee" presenta una amplia muestra representativa de sonidos pop retro filtrados a través de un prisma de indie-rock de baja fidelidad. Es mucho para asimilar con una sola sesión de escucha, pero ten paciencia, te recompensará.

La música tiene sus raíces en la habilidad de Lee como artista y vocalista. Es difícil realizar un seguimiento de todos los detalles musicales: solos, estribillos, líneas de bajo potentes, órgano y cuerdas, todos se sienten vulnerables pero bien interpretados, especialmente porque Flegel incluye frases melódicas recurrentes y canciones dentro de canciones de tal manera que uno no puede estar seguro de qué vino y de dónde.

A lo largo de este álbum, Flegel entrelaza imágenes de música y pérdida, canciones que representan a amigos o amantes del pasado. Incluso después de muchas escuchas, es difícil retener en la mente los detalles de cada canción; simplemente hay demasiados para permitir un recuerdo perfecto. ¿Cual es mi favorito? ¿Simplemente el más fantástico?: “Drácula”, “Always Dreaming”, "Dallas", “All I Want Is You”...etc etc? ¿Es quizás la canción con el increíble solo de guitarra, la que tiene hermosas armonías? La música siempre está a punto de desaparecer en el fantasmal reino del pop del que surgió.

En resumen, "Diamond Jubilee" es una obra monumental por su ambición y complejidad, pero a la vez seduce con su belleza envolvente. Es un tsunami sonoro que exige una entrega total, recompensando con una fuente inagotable de revelaciones sónicas, letras cautivadoras y emociones.

Como comenté al principio, si hay que elegir el disco más singular del año, sería este. Pero además es un trabajo muy bueno de pop melódico y por un artista con coraje y mucha creatividad que no le importa ir contracorriente. Aquí está su atractivo, de ser un disco que se posiciona solo lejos de la "mierda" que nos escupe el pop frívolo y de chicle.

Disco recomendado

 
Patrick Flegel ha concebido algo verdaderamente único, un recordatorio del potencial del formato álbum en un mundo de los "playlists". "Diamond Jubilee" tiene madera de ser y convertirse en un clásico atemporal, una deslumbrante y adictiva odisea musical destinada a ser redescubierta una y otra vez.

Este álbum es un trabajo de paciencia y curación, etéreo y fascinante. Este es un pop de dormitorio épico lleno de canciones de amor platónicas. Búscalo y escúchalo. Hay que asimilarlo en su conjunto, si al principio notas nada, inténtalo de nuevo, ten paciencia.

Video del tema "Dallas":

Tracklist:

1XLP:

1.         "Diamond Jubilee"     5:22
2.         "Glitz" 4:10
3.         "Baby Blue"    3:55
4.         "Dreams of You"        2:46
5.         "All I Want Is You"   3:00
6.         "Dallas"           3:15
7.         "Olive Drab"   1:31
8.         "Always Dreaming"   3:43
9.         "Wild One"     2:04
10.       "Flesh and Blood"      5:13
11.       "Le Machiniste Fantome"      1:02
12.       "Kingdom Come"       4:42
13.       "Demon Bitch"           4:24
14.       "I Have My Doubts"  3:32
15.       "Til Polarity's End"     4:04
16.       "Realistik Heaven"     3:42 

2XLP:

1.         "Stone Faces" 4:22
2.         "Gayblevision"           2:56
3.         "Dracula"        6:08
4.         "Lockstepp"    4:39
5.         "Government Cheque"           5:06
6.         "Deepest Blue"           2:57
7.         "To Heal This Wounded Heart"        3:33
8.         "Golden Microphone"            2:49
9.         "If You Hear Me Crying"      4:01
10.       "Darling of the Diskoteque"  3:04
11.       "Don't Tell Me I'm Wrong"    4:48
12.       "What's It Going to Take"     3:29
13.       "Wild Rose"    3:50
14.       "Durham City Limit"  5:24
15.       "Crime of Passion"     3:13
16.       "24/7 Heaven" 5:25 

Musicos:

•  Patrick Flegel – actuación, ingeniería de sonido, producción
  
  
•  Steven Lind - guitarra ("Baby Blue", "Durham City Limit"); bajo (secciones de "Demon Bitch" y "Til Polarity's End"); batería ("Baby Blue", "Wild One"); sintetizador y cuerdas ("Baby Blue", "Always Dreaming", "Flesh and Blood", "Dracula", "Lockstepp"); aplausos ("Rosa salvaje"); ingeniería de sonido, producción, mezcla