LINKIN PARK - Hybrid Theory - Album

Debo admitir desde el principio que Linkin Park nunca ha sido mi banda favorita. Su mezcla de rap, rock y electrónica no siempre coincidió con mis preferencias musicales. Sin embargo, ignorar la magnitud del impacto de Hybrid Theory sería un error. Este debut vendió más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, y ese éxito habla por sí solo. Millones de personas encontraron claramente algo en su mezcla de agresividad y melodía que resonó profundamente, y aunque puede que no sea perfecto, "Hybrid Theory" tiene muchas cualidades que merecen reconocimiento y recomendación.

ALBUM: Hybrid Theory

Cuando Linkin Park lanzó "Hybrid Theory" el 24 de octubre de 2000, pocos podrían haber predicho que este debut se convertiría en uno de los discos más perdurables del siglo XXI. Nacido en la ola nu-metal de finales de los noventa, el álbum poseía todas las características del género: guitarras distorsionadas, ritmos hip-hop y furia descarnada, pero también introducía algo diferente. En lugar de apoyarse en la arrogancia y el impacto, el sexteto californiano combinó vulnerabilidad, accesibilidad pop y texturas electrónicas con la energía visceral del rap-rock.

El resultado fue un álbum que llegó directamente a millones de jóvenes oyentes que navegaban por su propia turbulencia. Al equilibrar la confesión con la catarsis, Linkin Park creó una mezcla de estilos y emociones que resonó en todas las culturas y generaciones.

De Xero a Linkin Park:

La historia de "Hybrid Theory" comienza con los amigos del instituto Mike Shinoda, Brad Delson y Rob Bourdon, quienes comenzaron como Xero a mediados de los 90. Tras reclutar a Joe Hahn y al bajista Dave "Phoenix" Farrell, la banda experimentó con demos iniciales y cambios de formación antes de fichar a Chester Bennington como líder en 1999. Su cinta de audición, grabada sobre viejas pistas instrumentales de Xero, convenció de inmediato a la banda de que habían encontrado la pieza que les faltaba.

Los gritos abrasadores y los susurros frágiles de Bennington se complementaban a la perfección con los raps y los instintos melódicos de Shinoda. Juntos, se convirtieron en una fuerza dual en el centro de un grupo que completaban Delson a la guitarra, Bourdon a la batería, Hahn a los tocadiscos y, más tarde, Farrell al bajo. Con un contrato con Warner Bros. en mano, la banda cambió su nombre a Linkin Park, y Hybrid Theory se convirtió en su primer álbum y en un reflejo de su identidad original. La Música: Confesión y catarsis

"Hybrid Theory" es corta para los estándares modernos, con poco menos de cuarenta minutos, y cada tema rara vez supera los cuatro minutos. Pero la brevedad juega a su favor. Desde los primeros compases de "Papercut", la paranoia y el conflicto interno se contrastan con los densos riffs de guitarra y el rasgueo de los platos. Los versos de rap de Shinoda transmiten la inquietud de la autovigilancia constante, mientras que el estribillo a gritos de Bennington estalla como una válvula de escape.

La intensidad continúa en "One Step Closer", el primer sencillo del álbum, donde el infame estribillo de Bennington, "cállate cuando te hablo", se convirtió en un grito de guerra generacional. Los críticos de la época lo descartaron como una agresión formulista, pero para muchos oyentes reflejaba la frustración real de sentirse ignorado.

"Crawling", que le valió a la banda un Grammy, explora las asfixiantes garras de la adicción y la inseguridad. Su gélida introducción electrónica da paso a la desesperada confesión de Bennington: "Estas heridas no sanarán". La vulnerabilidad hizo que la canción destacara en un género a menudo criticado por su bravuconería vacía.

"In the End", quizás el tema más icónico de la banda, se despoja de todo con un toque de piano y un tema de desesperanza. Los versos de rap de Shinoda trazan la inutilidad del esfuerzo en una relación que se desmorona, mientras que el conmovedor estribillo de Bennington universaliza el dolor. Sigue siendo una de las canciones de rock más escuchadas en la historia digital, demostrando su perdurabilidad mucho después de su lanzamiento.

En otros temas, canciones como "With You and By Myself" exploran las relaciones tóxicas y el aislamiento, mientras que "Points of Authority" denuncia las estructuras de poder abusivas. Incluso "Cure for the Itch", una pieza instrumental de Hahn, refleja el eclecticismo del álbum y su compromiso con su identidad híbrida.

Amado, odiado e imparable:

"Hybrid Theory" no fue universalmente elogiado en su lanzamiento. Algunos críticos desestimaron sus estructuras por predecibles, sus letras por adolescentes y su sonido por pertenecer a la sobresaturada ola del nu-metal. NME, por ejemplo, consideró sus intentos de eclecticismo como medidas a medias. Sin embargo, mientras la crítica debatía, el público votaba con su billetera y sus auriculares.

El disco se convirtió en disco de oro en cinco semanas y vendió aproximadamente 100.000 copias semanales durante años. Ascendió al número dos en el Billboard 200, alcanzando finalmente 12 discos de platino solo en Estados Unidos. Con más de 32 millones de copias vendidas en todo el mundo, se erige como el debut más vendido desde Appetite for Destruction de Guns N' Roses y el álbum de rock más exitoso del siglo XXI. Cuatro sencillos, "One Step Closer", "Crawling", "Papercut" e "In the End", dominaron la radio y la televisión, convirtiendo a Linkin Park en nombres conocidos casi de la noche a la mañana.

La ausencia de lenguaje grosero también amplió su audiencia. Los padres se sentían más cómodos comprándolo para sus hijos adolescentes, y la honestidad emocional de las canciones encontró oyentes de todas las edades. Para muchos jóvenes fans, incluyéndome a mí, Hybrid Theory no era solo música, era un espejo. Decía que la soledad, la ira y la inseguridad no eran cargas solitarias, sino experiencias compartidas.

Un salvavidas para los forasteros:

El éxito de Hybrid Theory no se explica únicamente por las cifras de ventas o la difusión en radio. La verdadera razón reside en su impacto emocional. Recuerdo haber descubierto el álbum por primera vez siendo un adolescente que a menudo se sentía desconectado de sus compañeros. Me había cansado del pop convencional y buscaba algo que conectara con mis propias ansiedades.

Escuchar a Bennington gritar, susurrar y cantar sobre la paranoia, la traición y la inseguridad fue como si alguien finalmente expresara los sentimientos que había mantenido ocultos. La combinación de los versos firmes de Shinoda y la emoción volátil de Bennington proporcionó a las canciones estructura y liberación. No se trataba de virtuosismo ni complejidad, sino de conexión.

Para muchos, "Hybrid Theory" fue una puerta de entrada a exploraciones musicales más profundas, un disco que abrió puertas en lugar de cerrarlas. Animó a los oyentes a verse reflejados en las historias de otros y a encontrar solidaridad en las luchas compartidas.

Legado y evolución:

Linkin Park continuaría evolucionando su sonido, experimentando con la orquestación, la electrónica y el rock alternativo en álbumes como Meteora, Minutes to Midnight y A Thousand Suns. Sin embargo, "Hybrid Theory" sigue siendo su declaración de principios, el momento en que su visión híbrida cristalizó y resonó en todo el mundo.

Incluso tras el trágico fallecimiento de Chester Bennington en 2017, el álbum sigue siendo una cápsula del tiempo de su época y una expresión atemporal de conflicto interno. Su relanzamiento en 2020, coincidiendo con su vigésimo aniversario, sacó a la luz demos inéditos, que nos recuerdan la ambición innata que impulsó a la banda.

Por qué Hybrid Theory sigue vigente:

Más de décadas después de su lanzamiento, "Hybrid Theory" perdura no por su perfección, sino por su humanidad. Las canciones tienen una estructura sólida, a veces simple, pero capturan emociones que no lo son en absoluto. La ira, el dolor, la añoranza y la resiliencia se desbordan de maneras que resultan cercanas, ya sea que lo hayas escuchado por primera vez en el año 2000 o ayer.

Es fácil analizar el disco como un producto del auge del nu-metal, pero es más útil verlo como un hito cultural que dio voz a quienes se sentían sin ella. Hybrid Theory no es solo un álbum debut; es una declaración de que la música puede fusionar géneros, trascender las críticas y conectar profundamente con personas de todos los orígenes. 

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Hybrid Theory", o si hace años que no lo haces, te recomiendo que lo vuelvas a escuchar. Sus doce temas son concisos pero impactantes, ofreciendo una mezcla de agresividad y melodía que se mantiene única incluso hoy en día. Ya sea la atmósfera inquietante de "Papercut", la cruda honestidad de "Crawling" o el himno imperecedero de "In the End", el álbum satisface tanto a quienes lo escuchan por primera vez como a los fans de toda la vida.

"Hybrid Theory" es más que un producto de su época. Es un recordatorio de cómo la música puede ser profundamente personal y universalmente resonante. Por esa razón, merece ser reconocido no solo como uno de los debuts más vendidos de la historia, sino como uno de los discos más importantes de las últimas décadas.

Video del tema "In The End":

Tracklist (formato original):

1. "Papercut" 3:04
2. "One Step Closer" 2:35
3. "With You" 3:23
4. "Points of Authority" 3:20
5. "Crawling" 3:29
6. "Runaway" 3:03
7. "By Myself" 3:09
8. "In the End" 3:36
9. "A Place for My Head" 3:04
10. "Forgotten" 3:14
11. "Cure for the Itch" 2:37
12. "Pushing Me Away" 3:11

Linkin Park:  

• Chester Bennington – voz principal
• Rob Bourdon – batería, coros
• Brad Delson – guitarra principal, bajo ("With You", "Points of Authority", "Crawling", "Runaway", "By Myself", "In the End" y "Pushing Me Away"), coros
• Joe Hahn – tocadiscos, samples, sintetizador, coros, ilustraciones
• Mike Shinoda – co-voz principal y rap, teclados, programación, samples, guitarra rítmica ("Crawling" y "Pushing Me Away"), piano en "My December", ilustraciones
• Dave "Phoenix" Farrell – bajo (acreditado, pero no interpreta)

Músicos adicionales:

• Ian Hornbeck – bajo ("Papercut", "A Place for My Head" y "Forgotten")
• Scott Koziol – bajo ("One Step Closer")
  The Dust Brothers – secuenciación y sampling ("With You")

Producción

Don Gilmore – producción, ingeniería de sonido

caroline - caroline 2 - Album

En un año ya saturado de pop de alto concepto y lanzamientos indie que buscan algoritmos, es raro encontrar un álbum que parezca surgido no de un plan de marketing, sino de una obsesión compartida por el sonido, el silencio y el extraño terreno intermedio. "caroline 2", el segundo trabajo de estudio del colectivo londinense de ocho miembros, caroline, es precisamente ese tipo de disco. No te pide atención, se la gana poco a poco, desarrollándose como un recuerdo compartido que se transmite hasta que empieza a parecer algo mucho más íntimo. Mientras escuchaba este álbum (hoy), a veces perplejo, a menudo conmovido, me di cuenta de que no solo estaba escuchando canciones. Estaba entrando en un espacio que la banda había construido, ladrillo a ladrillo desigual. A continuación, una mirada más detallada a cómo surgió este espacio y por qué "caroline 2" podría ser uno de los discos más revolucionarios del año.

ALBUM: caroline 2

Si el primer álbum del octeto londinense Caroline fue una ventana a un colectivo que buscaba su voz, "Caroline 2" representa lo que sucede cuando esa voz tiene espacio para resquebrajarse, expandirse, resonar y regresar transformada. Publicado el 30 de mayo de 2025, este segundo trabajo no es tanto una secuela como una evolución visible, una que nunca intenta ocultar sus imperfecciones y, al hacerlo, se vuelve aún más cautivadora.

Este no es un disco fácil. Ni lo intenta. Pero es notablemente generoso. Cada momento de "Caroline 2" ofrece algo que intriga. Es una obra que respira como un ser vivo, y podría ser uno de los lanzamientos más desafiantes y gratificantes del año.

Rechaza la perfección en favor del proceso:

En esencia, "caroline 2" es una celebración de la imperfección. Esta banda, un conjunto de ocho músicos con trayectorias que abarcan desde el folk de los Apalaches hasta el minimalismo clásico, grabó el álbum durante 18 meses por todo el Reino Unido, con sesiones clave en Big Jelly Studios en Ramsgate. Los créditos de producción se leen como un discreto quién es quién de los artesanos del sonido: la ingeniería musical estuvo a cargo de Syd Kemp, la mezcla a cargo de Jason Agel y la masterización a cargo de Heba Kadry.

Pero aún más que su cuidadosa producción, el espíritu del disco proviene de cómo caroline asume el acto de hacer música como algo fluido e impredecible. Las canciones evolucionan a medida que avanza, las ideas colisionan y los arreglos llevan las marcas de su creación, cicatrices sonoras que se resisten a ser suavizadas.

Tomen como ejemplo la pieza destacada "When I Get Home". Comienza con un latido, apenas presente, como si surgiera de un sótano bajo la propia canción. A medida que la música se despliega, demos fantasmales y fragmentos autotuneados se filtran, cosidos en la trama como viejos recuerdos que interrumpen el presente. Se siente como alguien que recuerda una conversación que nunca terminó de terminar.

Sonido de la desintegración y la reconstrucción:

El tema inicial, "Total Euphoria", ofrece una de las experiencias auditivas más cautivadoras de los últimos tiempos. Comienza modestamente: un solo acorde de guitarra, luego una voz, luego otro instrumento, cada uno ligeramente desalineado, como si dudaran si unirse al mismo ritmo. Finalmente, las partes convergen, solo para ser interrumpidas por un estallido de ruido discordante que parece aplanar la canción para luego revivirla con una belleza apremiante. Para cuando todo el conjunto canta al unísono: "¡Te lo estás tomando con calma / Sé que no te importa!", el caos se siente merecido, eufórico en su liberación.

La misma imprevisibilidad estructural anima "Coldplay cover", quizás el tema más audaz del álbum. A pesar de su nombre irónico, no hay un himno de estadio. En cambio, es un collage sonoro de dos melodías incompatibles interpretadas en dos salas separadas. Literalmente se puede oír el micrófono caminar entre ellas, intentando dar sentido a la locura. A mitad de camino, las melodías se funden. Al final, te quedas con algo extraño y hermoso, una canción que nunca quiso estar completa, pero que de alguna manera se volvió más grandiosa gracias a ello.

Colaboración y vulnerabilidad:

A lo largo de "caroline 2", el espíritu democrático de la banda se hace palpable. Esta música se crea con la escucha mutua, tanto como al tocar. Esto se aprecia con mayor claridad en "Tell Me I Never Knew That", con la cantante estadounidense Caroline Polachek. Su voz se abre paso con claridad, sus melodías se entrelazan delicadamente con frases de guitarra acústica, hasta que la banda va añadiendo texturas que se deshilachan lentamente. Para cuando aparecen las líneas a medias de Jasper Llewelyn, la canción ha adquirido una nueva dimensión: algo fracturado, íntimo, extrañamente reconfortante.

El uso vocal de la banda a lo largo del disco desafía las convenciones. A veces es melodioso, a veces con una distorsión electrónica, a veces gritado al unísono. Las letras, a menudo minimalistas y repetidas, parecen bocetos emocionales más que declaraciones pulidas. Pero esta crudeza funciona. Ya sea murmurando "Decídete" o gritando "Prepárame / Dos jinetes abajo", estos fragmentos evocan más de lo que cualquier explicación podría. Se siente como un recuerdo, no solo como un sonido:

Hay un término que me viene a la mente al escuchar "caroline 2": remiendo visible. Como los vibrantes parches y las puntadas irregulares de las reparaciones hechas a mano, este disco se niega a ocultar sus imperfecciones. Las resalta. Cada corte revela las capas subyacentes: ideas inacabadas, maquetas a medio escuchar, fragmentos de ensayos, el sonido de dedos moviéndose sobre las cuerdas, respiraciones grabadas.

En "U R Ur Only Aching", por ejemplo, la banda contrasta el noise maximalista con un dúo folk depurado grabado en un cementerio londinense. Es una yuxtaposición que podría parecer efectista, pero aquí se siente esencial: dos registros emocionales, igualmente reales, coexistiendo.

De igual manera, "Two Riders Down" ancla el núcleo del álbum con una elegía extensa que se construye lentamente, con su arreglo oscilando entre la disonancia y un orden frágil. Los versos finales, «Estoy aquí y te digo / No puedo estar conmigo mismo», no suenan como poesía, sino como una confesión sin filtros. Es uno de esos momentos que convierte el sonido en algo casi táctil.

Un tapiz imperfecto y glorioso:

A pesar de toda su ambición, "caroline 2" no es impecable. A veces, la repetición de estribillos líricos vagos puede resultar cansina. No todas las canciones alcanzan la misma altura emocional. Y la última canción, "Beautiful Ending", aunque temáticamente adecuada, se extiende más de lo necesario sin innovar.

Pero creo que la perfección nunca fue el objetivo. Este es un disco que prioriza la sensación sobre la estructura, la emoción sobre la coherencia. Está dispuesto a asumir riesgos, incluso si algunos se quedan cortos.

Por qué merece la pena escuchar "caroline 2":

Álbumes como "caroline 2" no se ven a menudo. Es la rara pieza musical que te invita a volver, no porque sea pegadiza o fácil, sino porque se niega a conformarse. Evoluciona con cada escucha. En un momento se siente como una banda dibujando un plano en tiempo real. Al siguiente, se siente como un coro de fantasmas cantando verdades demasiado complejas para expresarlas con palabras.

Disco recomendado

Si te gusta la música impredecible, emocionalmente cruda y profundamente colaborativa, aquí encontrarás mucho que disfrutar. Es un trabajo audaz, imperfecto y a menudo impresionante de una banda que sigue inventando sus propias reglas. Impresiona.

Video del tema "Total Euphoria":

Tracklist:

1. "Total Euphoria" 4:30
2. "Song Two" 3:32
3. "Tell Me I Never Knew That" 4:39
4. "When I Get Home" 6:05
5. "U R Ur Only Aching" 4:37
6. "Coldplay Cover" 4:16
7. "Two Riders Down" 6:39
8. "Beautiful Ending" 5:24

VIVA BELGRADO - Cancionero de los Cielos - Album

El producto nacional nunca me ha captado demasiado la atención. Si, lo sigo y hay bandas y músicos excepcionales, pero no es algo que me "explota la cabeza". Dicho esto, hay algunos que me "flipan", pocos pero los hay. Uno de ellos es la banda de Córdoba, Viva Belgrado, un grupo explosivo de hardcore rock que pienso son de altísimo nivel, aquí y en cualquier sitio.

Este año han editado "Cancionero de los Cielos" y me han vuelto a encandilar, esta vez por la parte más íntimo de su música. Quiero dar sitio a dicho trabajo en este blog de música y recomendarlo a los lectores.

ALBUM: Cancionero de los Cielos

 
La banda española "Viva Belgrado" vuelve a escena con su cuarto álbum, Cancionero de los Cielos", publicado el 19 de enero de 2024 y hay algo innegable: este disco marca un punto de inflexión en su trayectoria. Desde que comenzaron en 2011, han sabido moverse en el underground español, construyendo un sonido propio y una honestidad que los diferencia. Ahora, con este nuevo trabajo, demuestran que están en un momento único de madurez musical y creativa.

Te invita a explorar

 
El título, "Cancionero de los Cielos", ya es en sí una declaración de intenciones. Nos lleva hacia algo etéreo, cargado de metáforas y símbolos, donde cada canción parece guiarnos en un viaje introspectivo. Las letras de Cándido Gálvez, voz y guitarra de la banda, parecen salidas de un diario: una búsqueda de redención y de respuestas en un mundo caótico. Este álbum no es solo una lista de temas, sino un verdadero mapa emocional que Viva Belgrado despliega con cada uno de sus integrantes: Álvaro Mérida a la batería, Ángel Madueño al bajo, y la colaboración magnífica de Santi García en la producción.

Con "Vernissage", la primera canción, Viva Belgrado pone las cartas sobre la mesa. Aquí no hay rodeos; el grupo lanza una crítica directa a la industria musical y al mismo tiempo hace una autocrítica generacional. Con la frase “¿Quién quiere salvar el rock si puede estar de fiesta?”, reflejan una mirada desilusionada hacia la banalización del arte y nos hacen partícipes de su desencanto, pero sin perder la fuerza que siempre los ha caracterizado.

Este disco es, además y sin duda, una aventura musical donde la banda se atreve a romper sus propias barreras. Aquí encontrarás de todo: desde el shoegaze hasta el hip hop. La colaboración con el rapero Erik Urano en "Jupiter and Beyond the Infinite" es un ejemplo de esta expansión sonora. Con sintetizadores que evocan un paisaje espacial, esta canción muestra cómo Viva Belgrado ha aprendido a moverse entre géneros, manteniendo su esencia y explorando territorios nuevos.

Por otro lado, temas como "Elena Observando la Osa Mayor" ofrecen un respiro, una pausa introspectiva sin guitarras, donde el espacio y el simbolismo llenan el vacío con una suavidad poco habitual en el grupo. Aquí, el lado más melódico de la banda se abre paso, mostrándonos una faceta vulnerable y llena de detalles que invita a la reflexión.

 

La autenticidad como bandera

 
A lo largo de su carrera, Viva Belgrado ha mantenido su identidad intacta, resistiendo a las etiquetas y manteniéndose fiel a su propio lenguaje. En "Cancionero de los Cielos", la banda se adentra aún más en sus contradicciones y sombras. La canción "Gemini", por ejemplo, es una confesión desgarradora y, al mismo tiempo, una afirmación de identidad. En "Nana de la luna Pena", la voz de Sara Zozaya se suma para añadir un toque de ternura que contrasta con la crudeza de otros cortes. Este número tiene algo de canción de cuna, de refugio en la tormenta. Es un recordatorio de que siempre hay algo de belleza, incluso en los momentos más oscuros, y Viva Belgrado sabe plasmarlo de una manera honesta y sin artificios.

 

Letras con peso literario

 
Las letras de "Cancionero de los Cielos" son mucho más que palabras puestas al azar. Aquí encontramos referencias literarias y artísticas que enriquecen el disco y nos hablan de temas profundos como la soledad, el deseo o incluso la muerte. En temas como "Chéjov y las gaviotas" y "Saturno devorando a su Hijo", la banda utiliza figuras literarias y artísticas como una forma de explorar sus propias emociones, creando un diálogo entre su música y el legado cultural que les inspira.

Cada canción está construida con un cuidado minucioso, y eso se nota en la manera en que Viva Belgrado ha logrado unificar cada palabra y cada sonido. En "Ranchera de la Mina", por ejemplo, la banda juega con su propio proceso creativo, abordando temas como la presión y la fragilidad de hacer arte en un mundo que, muchas veces, parece no entender el esfuerzo y la pasión detrás de cada nota.

Otro elemento a destacar es la producción Es, sin duda, uno de los aspectos más llamativos del álbum. Grabado en La Mina, Sevilla, bajo la batuta de Raúl Pérez y Santi García, el disco logra un equilibrio entre todos sus elementos. Aquí, cada instrumento brilla en su momento, y la claridad de la producción permite apreciar cada detalle, cada matiz. Es como si cada canción estuviera diseñada para hacer sentir al oyente en medio de la experiencia, casi como si pudiera tocar los sonidos que surgen de cada tema.

Las ya mencionadas colaboraciones con Erik Urano y Sara Zozaya no son meros adornos; son elementos que añaden profundidad a la narrativa del álbum. Erik Urano aporta una intensidad lírica, mientras que la voz de Sara añade una delicadeza que contrasta maravillosamente con la intensidad de otros temas, logrando así una dinámica envolvente.

Una invitación a perderse y encontrarse

 
"Cancionero de los Cielos" no es solo un disco; es una invitación a embarcarse en un viaje interno. Es una obra que refleja la valentía y autenticidad de Viva Belgrado, un grupo que se atreve a moverse entre géneros y explorar nuevos territorios sin perder su identidad.

Para quienes buscan algo más que música para el fondo, este disco es una experiencia que vale la pena. Con "Cancionero de los Cielos", Viva Belgrado nos recuerda que la música sigue siendo un espacio donde conectar con uno mismo y con los demás. Es una invitación a mirar hacia arriba, hacia los cielos, y al mismo tiempo a mirar hacia adentro, hacia aquello que nos define.

Disco recomendado

 
Para los amantes de la música que buscan algo más que simple entretenimiento, este disco es una experiencia. Viva Belgrado ha creado una obra que, sin duda, resonará en aquellos que buscan autenticidad. A través de sus letras sinceras y su sonido expansivo, Viva Belgrado nos recuerda que, en un mundo cada vez más desconectado, la música sigue siendo un espacio de conexión y de exploración.

En mi caso, para ser producto nacional, es realmente excepcional.

Video del tema "Gemini":

Tracklist:

1. Vernissage (3:43)
2. Chéjov y las gaviotas (2:30)
3. Nana de la luna pena (3:42)
4. Ranchera de la mina (2:05)
5. El Cristo de los Faroles (3:52)
6. Gemini (2:24)
7. Elena observando la Osa Mayor (3:38)
8. Un tragaluz II (1:16)
9. Jupiter and Beyond the Infinite (3:55)
10. Saturno devorando a su hijo (3:25)
11. Perfect Blue (4:00)
12. Un tragaluz (3:19)

NEW BRAND - Deja Entendu - Album

Dentro de la música rock existen numerosos géneros (blues rock, heavy rock, punk rock, pop rock…etc. y etc.), por no hablar de subgéneros. Supongo que es una reacción a nuestros tiempos modernos donde todo necesita una categoría para poder catalogarse y segmentarse.

Hay un género que es bastante popular y que periódicamente nos ofrece buena música rock. El "emo" (viene de "emoción") es un género de rock que se relaciona con un público más joven, especialmente durante su etapa de adolescente, una etapa con altibajos emocionales. La música dentro del "emo" suele ir acompañada de letras emocionales muy reveladoras que a menudo son oscuras pero con elementos personales sinceros y reveladores. Es como "poner el corazón en la manga" para mostrárselo al mundo.

Aunque no soy un gran fan del "emo rock", hay bandas que disfruto escuchándolos. Uno es "Brand New", y en concreto su segundo disco "Deja Entendu", uno que deseo destacar y recomendar.

 

¿Quiénes eran la banda Brand New?

 

Grupo de rock estadounidense de Long Island, Nueva York. Formada en 2000, la banda estaba formada por Jesse Lacey (voz, guitarra), Vincent Accardi (guitarra, voz), Garrett Tierney (bajo, voz) y Brian Lane (batería, percusión). A ellos se unió Benjamin Homola (percusión) para sus presentaciones en directo. De 2005 a 2013, la banda también incluyó a Derrick Sherman (guitarra, coros, teclados). La banda es reconocida como una de las más influyentes dentro de la escena "emo" de la década de 2000.

"Brand New" se describe con mayor frecuencia como una banda de rock "emo", pero también como indie rock y rock alternativo. La formación ha enumerado una amplia variedad de bandas como influencias que van desde shoegaze hasta noise rock. "Brand New" ha incluido a "The Smiths" y a su líder Morrissey como favoritos. El cantante Jesse Lacey también ha citado a bandas de rock inglesas como "Ride", "The Stone Roses" y "The Beatles" como sus principales influencias. Los elementos más ruidosos de "Brand New" estan influenciados por "Sonic Youth" y "My Bloody Valentine".

Otros citados por el grupo son las bandas Polvo, Archers of Loaf, Fugazi, Modest Mouse, Radiohead, Bloc Party, Sigur Rós y Explosions in the Sky.

Su discografía hasta la fecha:

• Your Favorite Weapon (2001)
• Deja Entendu (2003)
• The Devil and God Are Raging Inside Me (2006)
• Daisy (2009)
• Science Fiction (2017)

Como ya he indicado, no soy un gran seguidor del estilo "emo", sin embargo, disfruto de algunas de las ofertas disponibles. Dentro de los discos que hay, el segundo LP titulado "Deja Entendu" de Brand New me gusta.

 

ALBUM: Deja Entendu

 
El segundo LP de estudio de la banda de rock estadounidense "Brand New", publicado el 17 de junio de 2003. Es elogiado por mostrar la maduración de la banda desde su debut "Your Favourite Weapon", y los críticos musicales describieron el álbum como el momento en el que la banda "comenzó a mostrar la ambición de mirar más allá de la escena emo/post-hardcore". Suena muy periodístico, pero es decir que hay una gran evolución musical y es el álbum que "despuntó" a la banda. El trabajo es ampliamente visto como uno de los mejores álbumes del género "emo".

"Deja Entendu" no se trata solo de rupturas amargas y no cae en el agujero del punk-pop. Producido por Steven Haigler (Pixies, Quicksand etc.), este esfuerzo encuentra a "Brand New" buscando texturas y estructuras de canciones, para mí muy melódicas. Sin embargo, hay canciones explosivas y completas y otras de trabajo acústico más lento, lo que no molesta. No hay dos canciones que suenen iguales. Incluso dentro de cada canción, hay cambios dramáticos que te mantienen alerta. Es una clase en dinámica y secuenciación.

Dicho esto, ten en cuenta que este LP también es uno de los álbumes más oscuros del género. El astronauta solitario de la portada lo resume muy bien (fue diseñado por los músicos Don y Ryan Clark de la banda "Demon Hunter").

Curiosamente, varios de los títulos de las canciones hacen referencia a películas. "Tautou" hace referencia a la actriz, Audrey Tautou, en la película Amélie. "Okay I Believe You, But My Tommy Gun Don't" es una frase de Solo en casa 2: Perdidos en Nueva York, y "Sic Transit Gloria...Glory Fades" es una cita de la película Rushmore de Wes Anderson, y son sólo algunos ejemplos. "Me vs. Maradona vs. Elvis" es una canción que Jesse Lacey describe como su peor pesadilla. El título hace una comparación con Elvis Presley, quien murió por una sobredosis de drogas, y Diego Maradona, que padecía adicción a las drogas y fue acusado de violencia doméstica. "Guernica", cuyo título hace referencia al cuadro de Picasso, fue escrito sobre el abuelo de Lacey y su lucha contra el cáncer. "Good to Know That If I Ever Need Attention All I Have to Do Is Die", crítica la industria de la música y cuando los managers, sellos, agentes y abogados ponen sus garras en el dinero. La canción "Play Crack the Sky" trataba sobre el naufragio del FV Pelican en 1951 en Montauk Point, Nueva York, donde 45 personas perdieron la vida a una milla del faro. Así va el disco.

Como puedes ver, y escuchar, si el género "emo" se describe a grandes rasgos, un género de música rock caracterizado por letras emocionales, a menudo confesionales, "Deja Entendu" tiene todos los elementos junto con un contenido altamente cargado emocional que a menudo se adapta mejor a la etapa "adolescente" de vida. Como se mencionó anteriormente, "Deja Entendu" es posiblemente el mejor álbum de referencia "emo" que luego influyó en muchas otras bandas del género.

 

Disco recomendado

 
Canciones con grandes ganchos, composición madura, buena interpretación vocal y letras. Oscuro emocionalmente, impacta de forma más natural en el oyente más joven. Sin embargo, si te concentras en la ejecución musical, es todo un deleite escuchar buena música rock.

En conclusión, quizás no sea para todos, pero sí es un buen álbum de rock americano que al menos debería ser escuchado. Una pequeña obra maestra de genero "emo" que estableció el estándar y el listón para que otros sigan, y al menos lo intenten.

Video del tema "Good to Know That If I Ever Need Attention All I Have to Do Is Die":

Tracklist:

1.         "Tautou"                    1:42
2.         "Sic Transit Gloria...Glory Fades"                 3:06
3.         "I Will Play My Game Beneath the Spin Light"                  3:57
4.         "Okay I Believe You, But My Tommy Gun Don't"            5:35
5.         "The Quiet Things That No One Ever Knows"                    4:01
6.         "The Boy Who Blocked His Own Shot"                  4:39
7.         "Jaws Theme Swimming"                  4:34
8.         "Me vs. Maradona vs. Elvis"             5:19
9.         "Guernica"                  3:23
10.       "Good to Know That If I Ever Need Attention All I Have to Do Is Die"             7:00
11.       "Play Crack the Sky"             5:27

SUNNY DAY REAL ESTATE - The Rising Tide - Album

Post dedicada a una excelente banda de rock alternativo llamada "Sunny Day Real Estate" y su último disco (hasta la fecha) del año 2000, "The Rising Tide".

 

¿Quienes son la banda Sunny Day Real Estate?

 
Banda de rock alternativo estadounidense, más tarde "emo", de Seattle, Washington, formada en 1992. La formación actualmente está compuesta por los miembros fundadores Jeremy Enigk (voz, guitarra), Dan Hoerner (guitarra) y William Goldsmith (batería), junto a Greg Suran ( guitarra), quien originalmente tocó con la banda entre 2000 y 2001, y Chris Jordan (bajo), quien se unió a la banda en 2022. El bajista fundador Nate Mendel fue miembro de la banda durante tres de sus cuatro encarnaciones.

En 1994, la banda lanzó su álbum debut "Diary" en "Sub Pop Records". Sin embargo, poco después de grabar su segundo álbum "LP2", la banda se separó. La sección rítmica Mendel y Goldsmith se unieron a "Foo Fighters", mientras que el vocalista y guitarrista Enigk se embarcó en una carrera en solitario.

En 1997, se reagrupan el tiempo suficiente para grabar dos álbumes de estudio más y un álbum en vivo, pero finalmente se disolvieron nuevamente en 2001. La banda se reunió nuevamente en 2009. El bajista Nate Mendel, quien decidió permanecer con "Foo Fighters" durante la reunión anterior en 1997, participó en esta reunión. Sin embargo, los intentos de grabar un "nuevo" récord han fracasado.

"Sunny Day Real Estate" ha sido considerada principalmente una banda emo, así como un grupo de rock alternativo independiente (al menos en sus principios). Otros géneros musicales utilizados incluyen el post-hardcore, el post-punk y el post-grunge. También han utilizado elementos musicales del grunge.

 

ALBUM: The Rising Tide

 
Es el cuarto álbum de la banda de rock estadounidense "Sunny Day Real Estate" publicado en 2000. La banda pasó un mes trabajando en el material mediante improvisaciones, lo que finalmente resultó en alrededor de 30 canciones para elegir. Comenzaron a grabar con el productor Lou Giordano a finales de 1999.

"The Rising Tide" se describe a menudo como un álbum de rock de arena, con elementos de rock progresivo y rock sinfónico; la letra incluye referencias a la lluvia, los ángeles y el océano. Las pistas individuales se compararon con las bandas Rush y Yes, mientras que la voz del líder Jeremy Enigk se compara con la del líder de Yes, Jon Anderson.

"The Rising Tide" viene en arrollamientos y oleajes, que van desde un rock intransigente como "Killed by an Angel" y "One" hasta baladas suaves y hermosas como "Rain Song" y canciones de estilo pop como "Television". También es uno de los trabajos con más sonido expansivo de la banda, rico en cuerdas y teclados que añaden profundidad adicional, como por ejemplo en "Fool in the Photograph" y "Faces in Disguise".

La producción de Lou Giordano le da a "The Rising Tide" un sonido grande y limpio que enmarca bien la detallada composición y los arreglos de "Sunny Day...", dando a los sobrios y reflexivos "Tearing in My Heart" y "The Ocean" tanto impacto como a temas como "Snibe". y "Disappear". La canción más destacada es la última, "The Rising Tide", que mezcla una hermosa melodía, voz y un ritmo insistente.

En resumen, un buen ejemplo de cómo esta banda madura hasta el punto de que esta es su última gran "despedida" (hasta el momento).

 

Disco recomendado

 
Expansivo y complejo sin comprometer la concentración y el apasionamiento de la banda, este es uno de los mejores álbumes de "Sunny Day Real Estate". Emoción incondicional respaldada por melodías arrolladoras y una gran producción. En mi opinión es el mejor disco de la formación, aunque los fans acérrimos de "Sunny Day Real Estate" ven este último álbum de estudio como un cambio completo de estilo (Experimental-Progresivo) que no les cayó bien.

Dicho esto, los fans del rock alternativo, emo y el post-grunge encontrarán aquí mucho para disfrutar.

Video del tema "The Rising Tide":

Tracklist: 

1.         "Killed by an Angel"  4:55
2.         "One"  4:09
3.         "Rain Song"    4:03
4.         "Disappear"     4:09
5.         "Snibe"            4:29
6.         "The Ocean"   4:50
7.         "Fool in the Photograph"       4:09
8.         "Tearing in My Heart"            5:07
9.         "Television"    4:31
10.       "Faces in Disguise"     6:02
11.       "The Rising Tide"       5:37

Sunny Day Real Estate:

•  Jeremy Enigk – voz, guitarra; bajo (todos excepto la pista 9), piano (pistas 1, 4, 5, 7, 9 y 11), teclados (pistas 1, 8, 10 y 11), piso y rodilla (pista 3), vocoder (pista 5), Mellotron (pista 6), batería (pista 8)
• Dan Hoerner – guitarras (todas excepto la pista 10); guitarra lap steel (pista 1), sitar eléctrico (pista 7), bajo (pista 9)
• William Goldsmith: batería (todas excepto las pistas 3 y 8), percusión (pistas 5, 7 y 9 a 11), voz (pistas 6 y 10)

Músicos adicionales:

•  Larry Packer - arreglo de cuerdas (pista 3), violín (pistas 3 y 10)
• Rob Turner - arreglo de cuerdas (pista 3), violonchelo (pistas 3 y 10)
• Stan Kurtis - violín (pistas 3 y 10)
• Rachel Handman - violín (pistas 3 y 10)
• Michelle Stewart - violín (pistas 3 y 10)
• Ryan Hall - viola (pistas 3 y 10)
• Emily Schaad - viola (pistas 3 y 10)
• Lisa Bressler - violonchelo (pistas 3 y 10)
• Derek Bermel - arreglo de cuerdas (pista 10)
• Lou Giordano - programación (pista 11)

LUNGFISH - The Unanimous Hour - Album

Lungfish (Banda)

Grupo de rock estadounidense formado en 1987 en Baltimore, Maryland. En 2005, la formación de Lungfish estaba formada por Daniel Higgs (voz, guitarra), Asa Osborne (guitarra), Sean Meadows (bajo) y Mitchell Feldstein (batería). Los dos bajistas anteriores fueron John Chriest y Nathan Bell. La música de la banda abarca el emocore, rock alternativo y post-hardcore. Los críticos también han añadido que la música es muy intensa, minimalista pero compleja donde "Lungfish" abarca desde el taoísmo hasta el estoico.

 

ALBUM: The Unanimous Hour

 
El octavo álbum de estudio fue publicado en junio de 1999. En mi opinión, el más sólido. La edición original se agotó, pero apareció en 2011 en formato CD remasterizado, lo que le dio una increíble experiencia de sonido "nueva".

Antes de avanzar haré una breve advertencia al lector, "Lungfish" te aburrirá o lo pondrá en un trance trascendental; dicho de otra manera, "o lo entiendes o no lo entiendes". Depende de cómo enfoques la música. Básicamente, utilizan dos o tres "riffs" simples y monótonos por canción, agregan un bajo contundente, una batería pesada y eso es todo. Sin "solos", sin salidas. Agregue a eso las letras "esotéricas" de Daniel Higgs que bordean la línea entre la biología y la filosofía oriental, y lo tendrás..... esto es "Lungfish". Yo personalmente lo pillo..

Después de editar trabajos anteriores estilo post-rock, "Lungfish" re-introdujo en "The Unanimous Hour" elementos de disonancia y poder vocal, reviviendo la energía punk del grupo. Algunas de las canciones más dinámicas de la banda se encuentran aquí en este disco muy bien desarrollado. Dos temas destacados de su carrera: "Space Orgy", mientras que el zumbido más familiar de "God 's Will" establece los mantras más descifrables del cantante Daniel Higgs. "The Unanimous Hour" termina con unos sólidos temas tipo instrumental al estilo Mogwai ("Sands of Time", "Return to the Caves") y un experimento vocal extraño y de mano dura ("Metatron"). Es una obra de viaje cósmico musical.

Disco recomendado

 
"The Unanimous Hour", quizás es el esfuerzo más impresionante de "Lungfish". Este octavo disco es un buen punto de entrada al catálogo singular de la banda. "The Unanimous Hour" también es un punto de inflexión entre los primeros años de la banda y el riff minimalista guiado que predominará en sus tres últimos discos. Es un trabajo post-hardcore cósmico para la "persona pensante" (y flipao).

Atrévete y buscarlo.

Video del tema "Searchlight":

Tracklist:

1.Space Orgy
2.Web of Mirrors
3.Searchlight
4.Vulgar Theories
5.God's Will
6.Mated
7.Metatron
8.Sands of Time
9.Return to the Caves
10.Hallucinatorium

ONE LAST WISH - 1986 - Album

¿Eres un fan del punk y hardcore? ¿Quizás eres seguidor de grupos como "Rites of Spring" y "Fugazi"? Si es así, es posible que no conozcas la banda "One Last Wish" y su único disco "1986". Sigue leyendo ...

¿Quiénes eran la banda One Last Wish?

 
Fueron una formación americana post-hardcore de corta duración pero no menos influyente de Washington, D.C. Fue formada en mayo de 1986 por miembros de "Rites of Spring" y se separó en enero de 1987.

En medio de la disolución de "Rites of Spring" en 1986, tres de sus cuatro miembros, Guy Picciotto, Janney y Branden Canty, formaron "One Last Wish" después de contratar a Michael Hampton, ex guitarrista de Faith and Embrace. La única grabación en LP de la banda se realizó en noviembre de 1986, producido por Ian MacKaye.

Tras la disolución de la banda, tanto Canty como Picciotto se unirían a MacKaye en la banda Fugazi. "One Last Wish" se separó poco después de que se completara la mezcla de "1986" y, como resultado, el álbum no fue lanzado hasta 13 años después, en noviembre de 1999, en el sello "Dischord Records" de Ian MacKaye.

 

ALBUM: 1986

 
Grabado en noviembre de 1986 pero publicado en 1999, 13 años después. El único álbum de estudio grabado por "One Last Wish". Proporciona una idea del alcance cada vez mayor que asumieron los miembros de la banda como músicos. En contraste con sus formaciones anteriores, especialmente "Rites of Spring", One Last Wish inyectó melodía y optimismo en su crudo tinte punk. Tales incursiones proporcionarán planos fundamentales para la eventual carrera de Guy Picciotto y Brendan Canty con Fugazi el año siguiente. El álbum es considerado un clásico de los géneros post-hardcore y emo.

Como se describe, era un fenómeno musical de corta duración, el disco "1986" fue la única grabación del grupo, realizada en unos pocos meses. El sonido es como un híbrido de todos los elementos de sus otros proyectos musicales; por ejemplo, el material de "Rites of Spring" que se quedó colgado. La voz conmovedora de Guy Picciotto es tan feroz (y delicada) como siempre, y la música es agitada, bien compuesta y compasiva a la vez. 

Algunos fans y críticos musicales describen "1986" como Rites of Spring tocando new wave; mucho más pop, con melodías tintineantes tocadas a una velocidad vertiginosa. Hermosas armonías, coros eufóricos y musicalidad catártica. En mi opinión, esta es una gran y brillante joya del punk y hardcore americano.

Algunas canciones destacadas del álbum "1986" de One Last Wish incluyen: "Hide", "Burning in the Undertow", "Break to Broken", "Friendship Is Far", "My Better Half" y "Loss Like a Seed", aunque todo el disco es muy sólido. La lista de canciones muestra el estilo post-hardcore crudo y emotivo y la sensación melódica de la banda. De hecho, algunos lo describen como un album prototipo del estilo "emo".

 

Disco Recomendado

 
Una joya escondida del punk y del post-hardcore. Una evolución de "Rites of Spring" y el salto antes de "Fugazi". Si eres fan de "Rites of Spring" y "Fugazi" y aún no estás familiarizado con este disco, entonces este es el "eslabón perdido". Es increíblemente edificante y una pieza "imprescindible" (hay que escuchar) en el género post-hardcore y emo.

Video del tema "Hide":

Tracklist:

1.Hide 2:12
2.Burning in the Undertow 2:09
3.Break to Broken 2:02
4.Friendship Is Far 2:37
5.My Better Half 1:57
6.Loss Like a Seed 2:01
7.Three Unkind Silences 1:39
8.Shadow 1:51
9.Sleep of the Stage 1:35
10.One Last Wish 2:19
11.This Time 1:59
12.Home Is the Place 1:38

Músicos:

• Michael Hampton - guitarra, coros
• Brendan Canty - batería
• Guy Picciotto - guitarra, voz principal,
• Edward Janney - bajo, coros, voz principal

THE CURE - Faith - Album

The Cure (Banda)

Para mi generación el grupo británico "The Cure" es un clásico, casi todos los de mi edad (y algo menos) han comprado sus discos, los han seguido, los han visto en concierto o conocen mínimamente su música y existencia, especialmente su cantante Robert Smith. Todavía están activos desde que se formaron en 1978.

Con la generación de hoy son menos conocidos, o vistos como música rock para "viejos". Sin embargo, hay un interés renovado a medida que algunos jóvenes amantes de la música (melómanos), y al menos los de mente musicalmente más abierta, buscan descubrir nuevos sonidos o profundizar en los inicios del "rock gótico-siniestra". De cualquier manera, es saludable y "The Cure" tiene un montón de material grabado de todos los estilos y sonidos diferentes para adaptarse a la mayoría de los gustos de la música rock.

Personalmente, puedo recomendar algunos álbumes para que comiences tu exploración si no estás familiarizado: el debut "Three Imaginary Boys" (1979) es un clásico, los tres lanzamientos seguidos: "The Head on the Door" (1985), "Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me" (1987), "Disintegration" (1989, y un favorito) y "Wish" (1992). Todos estos son simplemente geniales.

Sin embargo, daré espacio a un disco menos popular pero no menos excelente lanzado en 1981 titulado "Faith". Este trabajo es uno de mis favoritos porque es el primer LP que compré de "The Cure", y porque es quizás el más introvertido, uno de los más oscuros y ciertamente "muy gótico". Sus elementos musicales y las letras pueden haber dejado una marca en la mente de un adolescente "confundido y lleno de hormonas" (el mío) que aún hoy trae recuerdos de mi adolescencia.

ALBUM: Faith

El tercer álbum de estudio de "The Cure" publicado el 17 de abril de 1981. Contra la mayoría de los críticos, para mí "Faith" es uno de los mejores y más influyentes álbumes de "The Cure". La adición de un bajo de 6 cuerdas (interpretado por Robert Smith) por primera vez significa que el álbum no suena en absoluto como sus dos LP anteriores. También es "sombrío" principalmente debido a que varios miembros de la banda perdieron familiares durante este período. Se trata, pues, de la mediación sobre la fe (la necesidad y la falta de ella), un registro a la vez catártico y con un aura triste. Sin embargo, la banda se volvió aún más oscura y enojada con su siguiente álbum, "Pornography", por lo que este LP no es tan extremo.

"Faith" no es una colección de canciones, sino una pieza completa. "The Holy Hour", "All Cats Are Grey" y "Faith" son piezas atmosféricas lentas que cuando se comparan junto a las canciones más rápidas como el single "Primary" y "Doubt", ilustran el panorama general de los altibajos contenidos en el escenario emocional de la banda en ese momento.

Este álbum también es un hito para "Robert Smith" líricamente, diversificándose en cuestiones de fe y espiritualidad que "The Cure" nunca volvió a tocar tan bien. Como comentaba, es un disco deprimente, sin duda, pero también uno de los álbumes más subestimados y hermosos de "The Cure". The Cure no volvería a explorar tan bien esa exuberante tristeza hasta su excelente disco "Disintegration" (1989). Quizás la "conexión" de este último con "Faith" haga de "Disintegration" uno de mis favoritos dentro de la discografía de "The Cure".

Volviendo al disco "Faith" en sí, aquí hay una breve reseña de las canciones:

• The Holy Hour: abre con una solemne introducción de órgano que establece el ambiente para todo el álbum. La canción se desarrolla con guitarras inquietantes, un bajo palpitante y la voz distintiva de Robert Smith. Las letras tienen un tema religioso y exploran la pérdida de la fe y la búsqueda de la redención.
  
  
• Primary: es más optimista y enérgica. La canción presenta un riff de guitarra pegadizo, una línea de bajo de conducción y un coro infeccioso. Las letras tratan el tema de la obsesión y la necesidad de control, que es un tema recurrente a lo largo del álbum. Es un tema destacado que muestra la capacidad de The Cure para crear canciones pop pegadizas con un toque más oscuro.
  
  
• Other Voices: más lenta y atmosférica con mínima instrumentación. La letra describe la sensación de estar perdido y solo en el mundo, que es un tema común en la música de "The Cure". La canción presenta teclados inquietantes y un ritmo de batería hipnótico, creando un paisaje sonoro de ensueño que atrae al oyente.
  
  
• All Cats Are Grey: una canción hermosa e inquietante que presenta algunos de los sonidos más atmosféricos y etéreos de "The Cure".
  
  
• The Funeral Party: este tema es uno de los más destacados del álbum y presenta una línea de bajo que conduce, una batería optimista y guitarras arremolinadas. La letra trata sobre la muerte y el paso del tiempo, pero la canción es más de celebración que de luto.
  
  
• Doubt: La letra trata el tema de la duda y la incertidumbre, mientras el protagonista lucha por encontrar su lugar en el mundo.
  
  
• The Drowning Man: tiene las melodías más inquietantes y hermosas de este disco. La letra trata el tema del ahogamiento y la sensación de estar abrumado por la vida. El clímax de la canción es intenso y emotivo, con la voz de Robert Smith alcanzando un punto álgido.
  
  
• Faith: hermosa canción que da título al álbum, y una de mis favoritas. Las letras tratan el tema de la pérdida y la búsqueda del sentido de la vida. La canción es llevada por un riff de guitarra repetitivo y una línea de bajo pulsante, creando una atmósfera hipnótica y meditativa.

En general, reconozco que "Faith" no sea para todos, ya que requiere cierta medida de atención y paciencia para un cierto estado mental: es un LP para ser disfrutado y considerado como una obra de arte independiente con su sutilmente abigarrado capas y timbres y su sentimiento predominantemente oscuro pero ciertamente no monótono, que debe subirse alto para dejar que sus hermosas texturas sonoras te envuelvan lentamente. Creo que, dada la oportunidad, encontrarás este disco una escucha maravillosa, fascinante y gratificante.

Disco recomendado. Este álbum marcó un punto de inflexión en el sonido de "The Cure", estableciéndolos como una de las bandas más influyentes en el "rock gótico" y el "post-punk". Escucha obligada para los fans de la música oscura y alternativa, y un gran punto de partida para aquellos que buscan explorar las obras de "The Cure". Aparte de esto, es genial escucharlo para cualquiera que esté interesado en el krautrock (Neu!), el post-glam (Eno-Bowie), el post-punk (Joy Division) o el post-rock (Slint, Tortoise).

PD. Si te gusta este disco y su estilo "rock gótico". Esto no es ni tan intenso ni tan "siniestro" como el próximo LP de "The Cure" "Pornography". Tal vez quieras experimentar emociones "más oscuras" y más "fuertes".

Video del tema "Faith":

Tracklist (formato LP):

Cara A: 

1.         "The Holy Hour"        4:25
2.         "Primary"                    3:35
3.         "Other Voices"           4:28
4.         "All Cats Are Grey"   5:28

Cara B:

1.         "The Funeral Party"    4:14
2.         "Doubt"                       3:11
3.         "The Drowning Man" 4:50
4.         "Faith"                         6:43

KARATE - In Place of Real Insight - Album

Karate es una banda estadounidense formada en Boston en 1993 por Geoff Farina, Eamonn Vitt y Gavin McCarthy, a la que se unió Jeff Goddard en 1995. El grupo se separó en 2005. Geoff Farina desarrolló problemas auditivos debido a doce años de directos y se vio obligado a disolver el grupo. Al disolverse se fue a lo grande, el grupo había grabado seis álbumes de estudio y tenía casi setecientas actuaciones en veinte países. Su último concierto se realizó en Roma, Italia, el 10 de julio de 2005. La buena noticia para los fans es que se han reunido este año (2022).

La banda se caracteriza por la fusión de indie rock, emo, post-hardcore, post-rock y jazz, y la influencia del jazz que se vuelve más dominante a medida que pasa el tiempo. 

ALBUM: In Place of Real Insight

El segundo LP del grupo fue publicado en 1997. Un disco con un sonido menos post-hardcore en comparación con su debut homónimo, este es más melódico en sonido y con énfasis en la sutileza. También escucharás estilo "emo" sombrío con voces apasionadas y dinámicas suaves y fuertes.

Lo que disfruto de este disco son las estructuras creativas y poderosas de las canciones y las excelentes voces. Con algunas canciones de indie rock que contienen chispa, "Karate" explora nuevos territorios. Desde temas oscuros y enérgicos como "It 's 98, Stop" hasta "New New", este disco muestra más madurez que su primer LP. La banda además no se esconde y propone todo tipo de emociones sonoras.

Dicho esto, los momentos tranquilos y envalentonados de la banda se mezclan con los mismos cortes punk contundentes, permitiendo efectivamente que un "suave" como "Today Or Tomorrow" coexista junto con su material duro. Esto hace que "Karate" haga simple la fusión de estilos polarizados, lo que hace que sea posiblemente el mejor álbum porque permite que partes tan dispares se mezclen. En una tribu musical subversiva que oscila entre lo radical y la ortodoxia musical, "Karate" es un interrogante porque suenan como pocos de su género (si es que caben en uno).

Un disco recomendado. Realmente disfruto escuchando este disco regularmente. Si te gusta el post hardcore o el emo-rock melódico, o incluso bandas como "Fugazi", disfrutarás de esta banda y, en particular, de este disco.

Video del tema "The New Hangout Condition":

Tracklist:

1. This, Plus Slow Song 2:24
2. New Martini 3:36
3. Wake Up, Decide 3:05
4. It's 98, Stop 4:30
5. New New 2:46
6. The New Hangout Condition 5:04
7. On Cutting 4:24
8. Die Die 2:40
9. Today or Tomorrow 1:59

DOMESTIC TERMINAL - All The Stories Left To Tell - Album

Domestic Terminal (Grupo rock)

Me he cruzado con esta nueva banda americana y me ha llamado gratamente la atención. Formada en Lake Forest, Illinois, los miembros son Tim Hotchkiss (guitarra y voz), Kyle Waggoner (bajo, teclados y voz) y Jack Mancuso (batería y voz principal). En algunas fuentes también dicen que han agregado otro miembro para el primer disco.

"Domestic Terminal" toca un sonido brillante y atmosférico de rock del "Midwest" similar a "Moving Mountains" o "American Football". No son lo suficientemente "chillones" como para ser clasificados realmente como estilo "Emo", aunque los oyentes encontrarán suficiente contenido para que estén cerca. Personalmente, disfruto de su sonido de "guitarra jangle", aunque ofrecen una amplia mezcla de sonidos dream-pop, indie y neo folk.

Los chicos ya han lanzado algunos EPs y recientemente han publicado su álbum debut.

ALBUM: All The Stories Left To Tell

Primer álbum de estudio publicado el 23 de julio de 2022.

Esta obra respira ser un viaje emocional para los componentes. Parece personal, pero no exclusivo. Suena desgarrador, pero es positivo. Vulnerable, pero no débil. Se ofrece una buena variedad de canciones, y es una buena presentación y lo que tienen para ofrecer.

El álbum comienza con un instrumental mágico, "Melt Beneath the Sun", que combina acordes de guitarra brillantes con sonidos ambientales. Hay "jangle" y me gusta esto.

La primera canción propiamente dicha del álbum es el single "Purple Envelope". Es tierno y optimista, con un fuerte enfoque en guitarras melódicas y voces susurrantes. El bajo mantiene un surco suave debajo, proporcionando un buen ritmo. El tamborileo, especialmente durante el puente, es bueno. Todo suena bien en conjunto, cada pieza mantiene su carácter. “Blessings and Curses”, con sus ritmos, patrones de guitarra e influencias vocales, se siente nostálgico. “Koi Pond” es un trabajo de colaboración con el baterista Matt Ackman contribuyendo con la letra. Los otros aspectos (temas) destacados incluyen "Chalk Dust" (otro single), "Seven of Your Favourite Stars", "Capo 1 Song" (transmite un sentimiento espiritual) y "When the Oceans Ran Dry". El álbum termina con el mismo sonido tintineante con el que comenzó, agregando una buena capa de cohesión. Es una bonita manera de concluir.

En general, "All the Stories Left to Tell" tiene composiciones consistentes. La dinámica es cautivadora. Es un buen trabajo de rock melódico que seguramente encontrará una audiencia entre los fans de los sonidos tipo "emo" y "dream-pop" de los años 90 y principios de los 2000. Aquellos con un mayor conocimiento de la composición apreciará la columna vertebral rítmica que se escucha a lo largo del álbum.

Un disco recomendado. "Domestic Terminal" para muchos es una banda "nueva" y virtualmente desconocida, pero este podría ser el álbum que les dé la exposición necesaria para salir de las sombras. Un buen disco que será disfrutado por los lectores que también les gusta bandas como "American Football", "Field Music", "Big Thief", etc... incluso "Fleet Foxes". Estaré atento a la evolución de esta banda, mientras tanto te animo a buscar esta novedad en las plataformas de streaming de música digital.

Video del tema "Seven of Your Favorite Stars":

Tracklist: 

1. Melt Beneath the Sun...
2. Purple Envelope
3. Blessings and Curses
4. Koi Pond
5. All the Stories Left to Tell
6. Chalk Dust
7. Seven of Your Favorite Stars
8. Shapeless
9. Capo 1 Song
10. Summit
11. When the Oceans Ran Dry
12. To the Touch