STONE TEMPLE PILOTS - Purple - Album

Quiero recomendarte una pequeña joya del rock alternativo de los años 90 (siglo xx). Un álbum titulado "Purple" grabado y editado por el grupo estadounidense "Stone Temple Pilots". Un trabajo que con el tiempo ha madurado y suena mejor cada vez que lo pongo.

 

¿Quiénes son la banda "Stone Temple Pilots" (STP)?

 
Un grupo de rock estadounidense formado en San Diego, California, en 1989. Originalmente compuesto por Scott Weiland (voz principal), los hermanos Dean (guitarra) y Robert DeLeo (bajo, coros) y Eric Kretz (batería), la formación de la banda se mantuvo sin cambios desde su formación hasta el despido de Scott Weiland (abuso de sustancias) en febrero de 2013. El 3 de diciembre de 2015, Scott Weiland fue encontrado muerto por una sobredosis accidental.

Originalmente bajo el nombre "Mighty Joe Young", la banda firmó con Atlantic Records y cambió su nombre a Stone Temple Pilots. STP se convirtió en una de las bandas más exitosas de la década de 1990, vendiendo más de 18 millones de álbumes en Estados Unidos y 40 millones en todo el mundo. STP lanzó cinco álbumes de estudio: Core (1992), Purple (1994), Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop (1996), No. 4 (1999) y Shangri-La Dee Da (2001), antes de separarse en 2003, después de lo cual los miembros de la banda participaron en varios proyectos.

STP finalmente se volvió a reunir en 2008 para una gira de reunión, lanzó su sexto álbum homónimo en 2010 y realizó una gira activa. STP ha lanzado dos álbumes con el nuevo vocalista Jeff Gutt en la voz.

Si bien inicialmente formaron parte del movimiento grunge de principios de la década de 1990, los lanzamientos posteriores de la banda expresaron una variedad de influencias, incluido el rock psicodélico y el rock clásico.

Quiero destacar su segundo LP "Purple" a los lectores. Para mí su mejor trabajo y una pequeña joya del rock de los 90.

 

ALBUM: Purple

 
El segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "Stone Temple Pilots", fue publicado el 7 de junio de 1994. El disco que continúa con el trabajo establecido por el álbum debut de la banda, Core (1992), fue un gran éxito comercial, debutando en el No. 1 en el Billboard 200. Dio los sencillos exitosos; "Vasoline", "Interstate Love Song" y "Big Vacuum". El álbum funciona en algún lugar entre el rock grunge con tendencia al heavy metal de su debut, los remolinos psicodélicos alternativos de bandas como Jane 's Addiction y Smashing Pumpkins, y algo de glam.

"Stone Temple Pilot"s había sido duramente criticado por ser otra banda más del "grunge" y algunas lecturas en medios sobre sus primeros días indican que lo sentían emocionalmente. "Purple" es un gran paso adelante con respecto a su debut, mostrando a una banda avanzando a buen ritmo. Este LP tiene su propio carácter, muy melódico y psicodélico con bonitas canciones y arte de estudio.

El éxito de "Purple" es que las bandas no temen moderar su grunge con grandes ganchos de arena y melodías arremolinadas. Funciona bien en el éxito de radio "Vasoline" y en "Pretty Penny", de base acústica, pero realmente brilla en las dos obras maestras del disco, "Big Vacuum" e "Interstate Love Song".

Con la banda encontrando su propio sonido, este disco bien puede ser la obra maestra de STP, si un álbum que ha sido certificado 6x Platino puede justificar la calificación como una joya escondida, entonces es este.

Además, descubrirás algunas letras muy reflexivas y conscientes de Scott Weiland. Canciones como "Meatplow" y "Still Remains" en realidad encuentran a Weiland reflexionando sobre la relación entre el amor, el sexo, el matrimonio y la muerte con una calidad poética. Y los hermanos DeLeo son capaces de combinar muy bien las letras con su propia música única para crear un ambiente apropiado que lleva al límite la etiqueta "Alt. Rock" de principios de los 90, evitando al mismo tiempo las trampas autoindulgentes que aparecerían más tarde con el grupo. De hecho es la guitarra de DeLeo lo que para mí es lo más destacado de "Purple", hard rock melódico con suficiente accesibilidad pop para llegar a una mayor audiencia.

 

Disco recomendado

 
Un álbum muy sólido de Stone Temple Pilots. "Purple" se erige como el álbum más completo de STP, todo un éxito desde el punto de vista comercial, es uno de los grandes lanzamientos de rock de los años 90.

Video del tema "Lounge Fly":

Tracklist - canciones (formato LP original):

1.         "Meatplow"                3:37
2.         "Vasoline"                  2:56
3.         "Lounge Fly"              5:18
4.         "Interstate Love Song"          3:14
5.         "Still Remains"                       3:33
6.         "Pretty Penny"                       3:42
7.         "Silvergun Superman"            5:16
8.         "Big Empty"               4:54
9.         "Unglued"                   2:34
10.       "Army Ants"   3:46
11.       "Kitchenware & Candybars" (hidden track) 8:06

Stone Temple Pilots (Musicos):

• Scott Weiland - voz principal, guitarra en "Silvergun Superman", percusión en "Pretty Penny"
• Dean DeLeo - guitarras eléctricas y acústicas, percusión en "Pretty Penny", final de batería en "Silvergun Superman"
• Robert DeLeo: bajo, guitarra en "Vasoline", "Lounge Fly", "Pretty Penny", "Silvergun Superman" y "Kitchenware and Candybars", percusión en "Pretty Penny"
• Eric Kretz - batería, percusión en "Vasoline", "Lounge Fly", "Pretty Penny" y "Big Vacuum"

Personal adicional:

• Brendan O'Brien - productor, grabación, mezcla, percusión en "Meatplow", "Interstate Love Song", "Silvergun Superman", "Army Ants" y "Kitchenware & Candybars", guitarra en "Kitchenware & Candybars", mellotron en "Army Ants".

TAJ MAHAL - Taj Mahal - Album

El músico estadounidense "Taj Mahal", uno de los bluesmen más subestimados, también editó uno de los discos de blues más subestimados. Su álbum debut homónimo es increíblemente apasionado, y el trabajo vocal y de armónica de Mahal es para admirar.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música este primer LP.

¿Quién fue el bluesman "Taj Mahal"?

 
Su verdadero nombre es Henry St. Claire Fredericks Jr., más conocido como "Taj Mahal", un músico de blues estadounidense. Toca la guitarra, el piano, el banjo, la armónica y muchos otros instrumentos, incorporando a menudo elementos de "world music". Taj Mahal ha hecho mucho para remodelar la definición y el alcance de la música blues a lo largo de sus más de 50 años de carrera fusionándola con otras formas no tradicionales.

El estilo de guitarra de Taj Mahal es con el pulgar y el dedo medio al tocar, en lugar de con el dedo índice como lo hacen la mayoría de los guitarristas. Al principio de su carrera musical, Mahal estudió los distintos estilos de sus cantantes de blues favoritos, como Jimmy Reed, Son House, Sleepy John Estes, Big Mama Thornton, Howlin' Wolf y Mississippi John Hurt.

Considerado un estudioso de la música blues, sus estudios de etnomusicología en la Universidad de Massachusetts Amherst le acercarían más a la música folclórica del Caribe y África Occidental. Con el tiempo, incorporó cada vez más música de raíces africanas a su música, adoptando elementos de reggae, calipso, jazz, zydeco, R & B, música gospel y country blues.

Su discografía es extensa, demasiado larga para añadirla aquí, a la que te animo a buscarla online. Es asombroso.

Es con su primer LP "Taj Mahal" que quiero llamar tu atención.

 

ALBUM:Taj Mahal

 
El LP debut del guitarrista y vocalista estadounidense "Taj Mahal". Grabado en 1967 y publicado en agosto de 1968, el álbum contiene canciones de blues de Sleepy John Estes, Robert Johnson y Sonny Boy Williamson II re elaboradas en estilos de blues contemporáneo y folk-rock. También se encuentra la adaptación de Taj Mahal de "Statesboro Blues" de Blind Willie McTell, que inspiró la popular grabación de "Allman Brothers Band". Taj Mahal proporciona la voz y la armónica de blues y está respaldado por los guitarristas Jesse Ed Davis y Ry Cooder.

La portada del disco es una fotografía de Guy Webster de una casa de estilo victoriano, conocida como "Salt Box", que estuvo ubicada en Bunker Hill Avenue en el vecindario Bunker Hill de Los Ángeles.

Este es un gran disco de blues que se ha mantenido notablemente bien con el paso del tiempo. El virtuosismo de la guitarra, encarnado en el trabajo de Taj Mahal, es minimalista y Taj aborda la música con una sorprendente mezcla de autenticidad y juventud.

Todo el álbum es una maravillosa mezcla de logros estilísticos y técnicos llenos de influencias del blues de los años 1930 y 1940, pero también haciendo uso de la separación de sonido estéreo y la mejor tecnología de grabación en su momento.

El resultado son temas como "Diving Duck Blues" de Sleepy John Estes, el simpático "The Celebrated Walkin' Blues" y que tiene el sonido de un lanzamiento de finales de los años 40. Blind Willie McTell ("Statesboro Blues") y Robert Johnson ("Dust My Broom") también están representados, en lo que es uno de los discos más silenciosos y desafiantes iconoclastas de 1968. Además, el primer tema "Leaving Truck" es un destacado, un favorito personal, con una gran interpretación de Majal del número de "Sleepy John Estes".

Musicalmente es necesario hacer una mención. Hay un excelente elenco de músicos de apoyo, Bill Boatman guitarra rítmica, Ry Cooder guitarra rítmica y mandolina, Jessie Edwin Davis guitarra solista y piano, que realmente brilla en este álbum. La guitarra ocupa un lugar destacado, por supuesto, y Taj Mahal toca una excelente guitarra slide y, además, Taj tiene una gran voz.

 

Disco recomendado

 
Este álbum celebra la profunda riqueza del blues estadounidense, estableciendo inmediatamente a Taj Mahal como uno de los más grandes intérpretes del género de su generación. Un disco de blues realmente excelente que es "imprescindible" para los fans y seguidores del blues.

Ir a buscarlo, lo disfrutarás.

Video del tema "Leaving Truck":

Tracklist:

Cara A:

1."Leaving Trunk" (Sleepy John Estes) – 4:51
2."Statesboro Blues" (Blind Willie McTell, arr. Taj Mahal) – 2:59
3."Checkin' Up on My Baby" (Sonny Boy Williamson II) – 4:55
4."Everybody's Got to Change Sometime" (Estes) – 2:57

Cara B:

1."EZ Rider" (arr. Taj Mahal) – 3:04
2."Dust My Broom" (Robert Johnson) – 2:39
3."Diving Duck Blues" (Estes) – 2:42
4."The Celebrated Walkin' Blues" (arr. Taj Mahal) – 8:52

Músicos:

• Taj Mahal - voz, armónica, guitarra slide
  
  
•  Jesse Ed Davis - guitarra solista, guitarra slide
• Ry Cooder – guitarra rítmica, mandolina
• Bill Boatman - guitarra rítmica
• James Thomas - bajo
• Gary Gilmore – bajo
• Sanford Konikoff - batería
• Chuck "Brother" Blackwell - batería

Producción:

Raphael Valentin, Roy Halee - ingenieros de sonido.

NEW MODEL ARMY - Vengeance - Album

Quiero llamar la atención a los melómanos sobre una notable banda de post punk llamada NEW MODEL ARMY. Un grupo que no escatimó en su letras, especialmente al principio de su carrera, exponiendo una imagen musical de Gran Bretaña bajo la ultraconservadora primera ministra Margret Tatcher. con espíritu de izquierdas, su disco debut "Vengeance" es un comentario poderoso, con buena música que respalda las palabras.

El disco "Vengeance" ha envejecido bien, y con el auge reciente de las ideas ultraconservadoras de derecha, este trabajo vuelve a encontrar relevancia y atraerá a ciertos públicos. Dicho esto personalmente quiero resaltar sus aspectos musicales, sabiendo que su contexto es parte intrínseca del paquete.

 

¿Quiénes son la banda "New Model Army"?

 
Grupo de rock inglés formado en 1980 por el vocalista, guitarrista y compositor principal Justin Sullivan, el bajista Stuart Morrow y el baterista Phil Tompkins. El grupo tomó su nombre del ejército permanente formado en 1645 por los parlamentarios durante la Primera Guerra Civil Inglesa, lo que indica claramente sus intenciones musicales desde el principio.

Justin Sullivan ha sido el único miembro continuo de la banda, que ha visto numerosos cambios de formación en sus cuatro décadas de historia. Su música se basa en influencias de todo el espectro musical, desde el punk y el folk hasta el soul, el metal y la música clásica. Las letras de Sullivan, que van desde lo directamente político hasta lo espiritual y personal, siempre han sido consideradas una parte clave del atractivo de la banda.

Justin Sullivan ha comentado en entrevistas que parte de la inspiración lírica de la banda (y la suya propia) proviene de Tom Waits, Bruce Springsteen, Gillian Welch, Joni Mitchell y Bob Dylan.

 

ALBUM: Vengeance 

 
Es el primer LP de estudio de la banda de rock inglesa "New Model Army", publicado originalmente el 4 de abril de 1984. Con una duración de menos de media hora, las ocho canciones de "Vengeance" tuvieron un impacto definitivo en las escenas musicales underground de todo el Reino Unido y más allá. 

Posteriormente, el álbum fue relanzado en CD como "Vengeance - The Independent Story en 1987" ampliado con los primeros sencillos de la banda, así como "Vengeance - The Whole Story 1980-84" ampliado en 2012, incluidas sus sesiones de radio y las primeras demostraciones en un segundo. CD. Me centraré en el original.

"Vengeance" es una obra de punk sin remordimientos y sin reconstruir, una imagen salvaje de la entonces Gran Bretaña de Thatcher que rugía de rabia entre su juventud. Las letras, la voz, el bajo, la batería, la guitarra, las canciones, todo son excelentes. Para mí una pequeña obra maestra del post punk.

Líricamente, "Vengeance" es un álbum muy poderoso y estimulante que aborda diversos temas sociales y políticos de la época. "Smalltown England" es una descripción mordaz de la vida en los pueblos cada vez más conservadores de Inglaterra. "A Liberal Education" denuncia la pérdida del paraíso y la inocencia y alude al colapso de la izquierda. La canción de apertura, "Christian Militia", se burla del ascenso de los renacidos cristianos en los EE. UU., mientras que "Notice Me" es una burla hacia aquellos desesperados por llamar la atención; el número final, "Spirit of the Falklands", fue una condena tardía de la fiebre bélica que arrasó Gran Bretaña un par de años antes.

Curiosamente, acontecimientos de nuestros días hacen este álbum, y de su contenido, relevante y de interés para un nuevo público.

 

Disco recomendado

 
Este álbum marcó un hito importante en la carrera de la banda, mostrando su combinación de influencias punk y folk. El poderoso sonido del álbum y sus letras con conciencia social lo han convertido en un clásico de la era post-punk. El impacto del álbum en la escena post-punk fue significativo y su influencia todavía se puede sentir hoy. Para los fans del post-punk y el punk rock, "Vengeance" gustara. Su energía cruda, sus letras con conciencia social y su producción minimalista lo hacen destacar.

Video del tema "Smalltown England": 

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

"Christian Militia"  – 3:25
"Notice Me"  – 2:36
"Small Town England"  – 3:19
"A Liberal Education"  – 5:27

Cara B:

"Vengeance"  – 4:06
"Sex (The Black Angel)"  – 3:25
"Running in the Rain"  – 3:52
"Spirit of the Falklands" - 3:42

Créditos:

• Voz, guitarra - Slade The Leveller (Justin Sullivan)
• Bajo, voz: Stuart Morrow
• Batería - Robb Heaton

Productor – Mond Cowie

SPLIT ENZ - True Colours - Album

Dedico un post en este blog de música a una gran banda de Nueva Zelanda que era creativa, vanguardista y maestros de la música pop. También pusieron a Nueva Zelanda en el mapa musical convirtiéndose en el grupo de rock más importante de su país.

La formación es "Split Enz" y el disco que quiero recomendar es "True Colours".

 

¿Quiénes eran la banda "Split Enz"?

 
Un grupo de Nueva Zelanda formado en 1972. Considerada como la primera banda de Nueva Zelanda en obtener un reconocimiento significativo fuera de Australasia, inicialmente se destacaron por su sonido de rock progresivo-art, un estilo visual extravagante y actuaciones teatrales. Más tarde, la banda avanzó hacia un sonido pop-new wave que produjo el exitoso sencillo "I Got You" (1980).

La banda estaba formada por los compositores Tim Finn (voz) y Phil Judd (guitarra-voz). La formación original la completaron Mike Chunn (bajo), Miles Golding (violín) y Mike Howard (flauta). El grupo experimentaría varios cambios a medida que evolucionaron. Por ejemplo, el hermano de Tim Finn, Neil Finn, se unió como reemplazo de Phil Judd el 7 de abril de 1977, Nigel Griggs reemplazó a Mike Chunn en el bajo, y en 1983, la banda volvió a ser un sexteto con la incorporación del baterista Paul Hester. La música de la banda sonaba fuera de época y a menudo oscura, pero al final, dejaron atrás un cuerpo de trabajo que siempre fue interesante y que a menudo alcanzó pura brillantez pop.

"Split Enz" se separó en 1984. Desde entonces, la banda ha realizado varias reuniones breves.

Neil Finn y Paul Hester formaron una nueva banda llamada "The Mullanes" con el bajista Nick Seymour y cambiaron su nombre a "Crowded House" cuando se lanzó su primer álbum homónimo en 1986 alcanzando el éxito mundial. Tim Finn también se unió a "Crowded House" como cuarto miembro de 1989 a 1991, tiempo durante el cual la banda grabó y lanzó su tercer álbum "Woodface".

 

ALBUM: True Colours

 
Es el sexto disco de estudio editado por la banda neozelandesa "Split Enz" y fue su primer gran éxito comercial. Publicado el 21 de enero de 1980, el álbum contó con contribuciones más pronunciadas del co-cantante y compositor Neil Finn. El sencillo "I Got You" fue el motor que llevó al grupo hacia el éxito internacional.

"Split Enz" encontró su lugar en la new wave que estaba de moda con "True Colours", dejando atrás las excentricidades y excesos de sus trabajos anteriores en favor de un pop brillante y memorable. El álbum también destaca el surgimiento de Neil Finn como un gran compositor; su canción "I Got You" ayudó a impulsar el álbum y a la banda hacia el éxito internacional. Hay otros grandes momentos y canciones como el divertido "Shark Attack" , éxito en los EE. UU., la hermosa "I Hope I Never" que tiene una letra muy profunda, la maravillosa "Nobody Takes Me Seriously" y "Missing Person". Además, hay dos instrumentales divertidas, "Double Happy" y "The Choral Sea" que suenan como una fusión de new wave y disco.

Video del tema "Nobody Takes Me Seriously":

Este álbum se sitúa como uno de los puntos culminantes de la era de la new wave. Como parte de su marketing, el disco fue lanzado en varias portadas de diferentes colores con vinilo grabado con láser, que creo son ahora artículos de colección.

 

Disco recomendado

Un genial álbum pop de los armoniosos hermanos Finn; Neil se convertiría en un compositor reconocido a nivel mundial, especialmente con "Crowded House". También es un disco divertido que recomendaría a cualquier fan de XTC, Roxy Music o Talking Heads. Recomendaría este álbum también a cualquiera que disfrute del new wave pop bien ejecutado de los años 80 (siglo xx).

Video del tema "I Hope I Never":

Tracklist (canciones):

Cara A: 

1.         "Shark Attack"           2:52
2.         "I Got You" (Neil Finn)         3:24
3.         "What's the Matter with You" (N. Finn)       3:02
4.         "Double Happy" (Instrumental)         3:15
5.         "I Wouldn't Dream of It"       3:14
6.         "I Hope I Never"        3:24

Cara B:

7.         "Nobody Takes Me Seriously"          3:32
8.         "Missing Person" (N. Finn)    3:32
9.         "Poor Boy"     3:19
10.       "How Can I Resist Her"        3:26
11.       "The Choral Sea" (Instrumental)        4:29 

Split Enz (músicos):

• Tim Finn - voz, guitarra acústica
• Neil Finn - voz, guitarra
• Noel Crombie - voz, percusión
• Malcolm Green - batería
• Nigel Griggs - bajo
• Eddie Rayner - teclados

Producción:

David Tickle - productor 

CROSBY, STILLS & NASH - Album (1969)

Voy a recomendar un trío que ahora es legendario, "Crosby, Stills & Nash" (CSN), y en particular su disco debut del mismo nombre. Hay un dicho popular que dice algo así como... "Ya no los hacen como antes"...creo que esto se puede aplicar al siguiente disco. Una obra maestra del uso de la melodía y las armonías con una brillante interpretación de la guitarra.

           

ALBUM: Crosby, Stills & Nash

 

El disco de estudio debut del supergrupo de folk rock "Crosby, Stills & Nash" (CSN), publicado en 1969. Es el único lanzamiento de la banda antes de agregar a Neil Young a su formación. Este LP tiene canciones memorables como "Marrakesh Express" y "Suite: Judy Blue Eyes" por ejemplo y ha sido certificado cuatro veces platino por la RIAA por ventas de + 4.000.000.

En la portada del álbum, los miembros son, de izquierda a derecha, Nash, Stills y Crosby, al revés del orden del título del álbum. La foto fue tomada por su amigo y fotógrafo Henry Diltz. Se puede ver a Dallas Taylor (baterista) mirando a través de la ventana de la puerta en la parte posterior de la manga.

El LP instantáneamente llevó a "Crosby, Stills & Nash" al estrellato basándose en las raíces del rock, usando folk, blues e incluso jazz. Los tres combinaron sus diferentes puntos fuertes, David Crosby por los comentarios sociales y las piezas de ambiente atmosférico, Stephen Stills por sus diversas habilidades musicales y por combinar sutilmente elementos folk y country en complejas estructuras de rock, y Graham Nash por sus melodías pop aptas para la radio.

Este debut inmortaliza las armonías altas y sorprendentemente cercanas del grupo que son absolutamente atemporales, y el mejor material permanece sólido. El magnífico tema de apertura de Stills, "Suite: Judy Blue Eyes" (sobre su ruptura con Judy Collins) es una canción de amor épica, "Pre-Road Downs" de Nash es folk-pop alegre con ligeras texturas psicodélicas y "Long Time Gone" de Crosby sigue siendo una potente comentario sobre el asesinato de Robert Kennedy.

Como he aludido, cada miembro aporta algo único al proyecto. Graham Nash infunde elementos pop al disco. Las contribuciones de David Crosby tienen sus raíces en el blues rock psicodélico. La producción está bien concebida y ejecutada, con énfasis tonal en los rellenos de guitarra acústica de Stephen Stills que suenan magníficos cuando se tocan con voces equilibradas. Si necesitabas pruebas del enorme talento de Stephen Stills como compositor y artista, este es tu álbum. Su forma de tocar la guitarra es lo que hace que la voz cobre vida.

Todo el disco es una expresión de alegría, demostrada a través de voces en armonía celestial y melodías más que pegadizas. Los artistas rebosan de tantas ideas de canciones fantásticas y exuberantes que el álbum está casi derrochado lleno de ganchos irresistibles y momentos destacados para cualquier fan del folk-rock. Las capas de voces que se entrelazan unas con otras combinadas con composiciones inspiradas elevan este álbum a las alturas.

 

Disco recomendado

 
Es un documento definitivo de su época. Este es uno de los grandes álbumes que tenemos en oferta. La armonía es hermosa, los ritmos de la banda, la guitarra y la batería son relajantes y suaves. El otro disco de CSN que a menudo se cita, "Deja Vu", tiene un toque más oscuro y es quizás un álbum más pegadizo, pero en general, este LP es inmejorable por la facilidad alegre que se escucha.

Un disco esencial para todos los que les gusta el pop melódico fuerte y las guitarras folk suaves. Un álbum totalmente edificante.

Video del tema "Suite: Judy Blue Eyes":

Tracklist-canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Suite: Judy Blue Eyes"                     7:25
2.         "Marrakesh Express"              2:39
3.         "Guinnevere"                          4:40
4.         "You Don't Have to Cry"                  2:45
5.         "Pre-Road Downs"                2:56

Cara B:

1.         "Wooden Ships"                     5:29
2.         "Lady of the Island"  2:39
3.         "Helplessly Hoping"   2:41
4.         "Long Time Gone"     4:17
5.         "49 Bye-Byes"                       5:16

Músicos:

• David Crosby – voz; guitarra en "Guinnevere"; guitarra rítmica en "Wooden Ships" y "Long Time Gone"
• Stephen Stills: voz, guitarra, bajo, teclados, percusión en todas las pistas excepto "Guinnevere" y "Lady of the Island".
• Graham Nash – voz; guitarra rítmica en "Marrakesh Express" y "Pre-Road Downs"; guitarra acústica en "Lady of the Island".

Personal adicional:

•  Dallas Taylor - batería en "Pre-Road Downs", "Wooden Ships", "Long Time Gone" y "49 Bye-Byes"
• Jim Gordon - batería en "Marrakesh Express"
• Cass Elliot - coros en "Pre-Road Downs"

Producción:

Crosby, Stills and Nash - productores.

RAY CHARLES - Modern Sounds in Country and Western Music - Album

No tengo ninguna razón de peso que explique por qué no le he dedicado un post a RAY CHARLES en este blog de música. Así que lo voy a compensar recomendando a los lectores uno de sus mejores y grandes discos, "Modern Sounds in Country and Western Music". Un álbum que es más grande que la música que ofrece, ayudando a trascender en la sociedad estadounidense al unir las diferencias de color de piel de blancos y negros y la música de la época.

En pocas palabras, Ray Charles decide interpretar la "música country" y darle un enfoque "soul", ejemplificando así que la música es universal y que el "encasillamiento" es una invención sesgada del ser humano.

Esto hace que este disco sea especial, una obra maestra innovadora que desafió los límites del género y las normas culturales de la época. Además, no menos importante, el maravilloso canto y la música de este LP colocan a Ray Charles firmemente en la "mainstream" y en el Olimpo de la historia de la música.

 

ALBUM: Modern Sounds in Country and Western Music

 
Un disco de estudio del cantante y pianista estadounidense Ray Charles. Fue grabado en febrero de 1962 y publicado en abril de ese año. La integración del soul y el country en el álbum desafió las barreras raciales en la música popular en el apogeo del "Movimiento por los Derechos Civiles". En el proceso de grabación del álbum, Charles se convirtió en uno de los primeros músicos afroamericanos en ejercer un control artístico total sobre su propia carrera discográfica.

Este disco se aleja de la música de R & B que Charles había grabado en la década de 1950. Presenta estándares de la música country, folk y western reelaborados por Ray Charles en formas de canciones populares de la época, incluidos R & B, pop y jazz. Charles produjo el álbum con Sid Feller (también trabajó con Elvis Presley, Dean Martin, Peggy Lee, Nancy Wilson, etc.), quien ayudó al cantante a seleccionar canciones para grabar y actuó junto al saxofonista Hank Crawford, una sección de cuerda dirigida por Marty Paich y un big band arreglada por Gil Fuller y Gerald Wilson. Los temas del álbum tratan sobre el desamor y el amor, siendo la mayor parte del material baladas elegido por Charles.

Este álbum fue un éxito inmediato comercial y de la crítica. Sus cuatro singles de éxito le dieron a Ray Charles un mayor reconocimiento en el mercado pop. El álbum y su sencillo principal, "I Can't Stop Loving You", obtuvieron la certificación de oro de la "Recording Industry Association of America" en 1962, ya que cada disco había vendido al menos 500.000 copias en los Estados Unidos. Ahora se considera el mejor disco de estudio de Ray Charles y una grabación histórica en la música estadounidense que transfigura el pop, el soul y define la música country y western moderna.

Con este disco uno puede decir: "Ray Charles realmente sabe cantar", es increíble. Ambas caras del LP también están llenas de música hermosa, cada canción arreglada maravillosamente. Hay grandes arreglos también de canciones western y country con influencia del pop de big band y el "soulful" Rhythm and Blues. Ray Charles al piano tiene un toque espléndido y sutil en su interpretación la mayor parte del tiempo. El acompañamiento del coro se siente cálido y rico, y una sección de cuerdas agrega un acompañamiento magnífico.

Volvamos a Ray Charles cantando. Su voz es casi perfecta, inyectando una pasión conmovedora en canciones destinadas al "consumo de piel blanca". Infunde a algunas canciones una profundidad que nunca habían experimentado en ese momento. Estába cerrando la brecha entre la música blanca y negra, haciendo que cada una sea accesible para la otra y haciéndolo de una manera que nunca renuncia a quién es y cómo canta.

Ray Charles siempre ha afirmado que nunca vio la diferencia entre el país predominantemente blanco y lo que él llamaba “música negra”. Creo que Ray ha dicho que “si te gusta la música country, te gusta la música negra, obtienes exactamente lo mismo” (más o menos). Por lo tanto, este álbum no trata sobre las diferencias entre razas o géneros musicales. Se trata de unidad. En un momento en el que la tensión racial en Estados Unidos estaba en su punto máximo, Ray Charles envió un mensaje de igualdad y esperanza. El éxito comercial de este trabajo también allanó el camino para que futuros artistas experimentaron con diferentes géneros y estilos, rompiendo barreras que existían anteriormente en la industria musical.

Algunas canciones para destacar son el éxito comercial "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me", que muestran la capacidad de Charles para infundir en cada letra emoción y pasión, cautivando al oyente con sus conmovedoras interpretaciones. El éxito del álbum se destaca aún más por sus éxitos que encabezan las listas y los elogios de la crítica, lo que solidifica el estatus de Ray Charles como leyenda musical y pionero.

 

Disco Recomendado

 
La fusión del álbum de canciones clásicas de country con las conmovedoras interpretaciones de Ray Charles crea un sonido único y atemporal. Es admirable que fuera la primera vez que Charles caminaba por el panorama de la música country y logra hacer un álbum tan exitoso y conmovedor. Es cosa de genios, de esos artistas especiales que son universales. "Modern Sounds in Country and Western Music" marcó el presente con su lanzamiento, pero también el futuro con la influencia que ha tenido. Un disco trascendente.

Video del tema "I Can´t Stop Loving You":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Bye Bye Love"         Boudleaux Bryant, Felice Bryant      2:09
2.         "You Don't Know Me"          Eddy Arnold, Cindy Walker 3:14
3.         "Half as Much"           Curley Williams          3:24
4.         "I Love You So Much It Hurts"        Floyd Tillman 3:33
5.         "Just a Little Lovin' (Will Go a Long Way)" Eddy Arnold, Zeke Clements           3:26
6.         "Born to Lose"           Frankie Brown, pseudonym of Ted Daffan  3:15

Cara B:

1.         "Worried Mind"         Ted Daffan, Jimmie Davis     2:54
2.         "It Makes No Difference Now"        Floyd Tillman, Jimmie Davis 3:30
3.         "You Win Again"       Hank Williams            3:29
4.         "Careless Love"          Traditional, arranged by Ray Charles            3:56
5.         "I Can't Stop Loving You"    Don Gibson    4:13
6.         "Hey, Good Lookin'" Hank Williams            2:10

Músicos:

• Ray Charles - piano, voz, productor
• Hank Crawford – saxofón alto
• Gil Fuller, Gerald Wilson - arreglos (big band)
• Marty Paich – arreglos (cuerdas)

DUKE ELLINGTON - Ellington at Newport 1956 (Complete) - Album

Recomiendo un álbum de jazz en directo grabado en 1956 por Duke Ellington y su banda en el "Newport Jazz Festival". Un gran disco de jazz y un clásico que es también la gran historia de regreso de una leyenda del jazz en decadencia con la narrativa añadida de intriga, misterio y reconciliación.

La historia del concierto (y LP) "Ellington at Newport" es extraordinaria y una de las grandes historias del jazz. Duke Ellington, en la bajada de una carrera ilustre, en 1956 estaba dirigiendo su "big band" a través de una excelente aparición en el "Festival de Jazz de Newport" cuando su saxofonista Paul Gonzalves inició lo que terminó siendo un solo de 27 coros en el medio del número "Diminuendo in Blue and Crescendo in Blue" que azotó a la multitud (hasta entonces muy pausada en su respuesta al concierto) en un caos absoluto. Un Gonzalves exhausto finalmente se desplomó en el escenario, dejando a Ellington y al equipo tocando durante un set prolongado sólo para evitar que el público se amotinara. El evento fue noticia en todo el mundo, el álbum LP resultante se convirtió en un éxito y Duke Ellington volvió a ser el centro de atención como uno de los líderes de banda más admirados del mundo.

Sin embargo, durante décadas, el mundo (y los fans del jazz) vivió bajo la impresión de que el LP "Ellington at Newport" ofrecía un documento vívido del triunfo de Duke y su orquesta en el festival de jazz de 1956. A finales de los 90, esta ilusión se hizo añicos por las revelaciones encontradas en el doble CD "Ellington at Newport 1956 (Complete)" editado en 1999.

Calma, por favor, todo gran disco necesita una gran narrativa, una historia que le dé un aura de magia.

 

ALBUM: Ellington at Newport 1956 (Complete)

Aunque fue grabado y editado en 1956 en formato LP, recomiendo el remasterizado doble CD de 1999.

En 1996, una cinta descubierta en el archivo de "Voice of America" reveló que el LP de 1956 había sido "reelaborado" con actuaciones de estudio mezcladas con algunas grabaciones en vivo y aplausos artificiales. Sólo alrededor del 40% de la grabación de 1956 fue realmente en directo. El entonces productor George Avakian mezcló la música de estudio "mejorada" con partes de la actuación en vivo real. Los aplausos se copiaron en la versión original para ocultar el hecho de que Paul Gonsalves había estado tocando con el micrófono equivocado durante su legendaria actuación y, a menudo, era completamente inaudible.

En la reedición del CD de 1999, la grabación de "Voice of America" y las cintas en vivo de Columbia se ensamblaron minuciosamente utilizando tecnología digital para crear una grabación estereofónica, esta vez con el solo de Gonsalves claramente escuchado. Dicho esto, permítanme poner contexto histórico adicional para ayudar a apreciar más este álbum.

Muchas "big bands" se retiraron a mediados de la década de 1950, pero Duke Ellington mantuvo su banda trabajando. La "Duke Ellington Orchestra" realizó giras europeas a principios de la década de 1950, y Ellington apoyaba principalmente a la banda a través de los royalties obtenidos por sus composiciones populares de las décadas de 1920 a 1940. El concierto y el disco del "Newport Jazz Festival" de 1956 revitalizaron la decadente carrera de Ellington. ¡En el momento del festival, la banda ni siquiera tenía un contrato discográfico! Posteriormente, Ellington volvió a tener un contrato con Columbia Records. Duke Ellington apareció poco después en la portada de la prestigiosa revista "Time", y su resurgimiento de popularidad se prolongó durante el resto de su vida. Algunos de sus álbumes más aclamados por la crítica se produjeron durante la siguiente década y media, hasta que la edad y la enfermedad empezaron a reclamar a algunos de los miembros de la banda de Duke y, en 1974, al propio Ellington.

Para consolidar aún más esta asombrosa historia de regreso, en 2022, la "Biblioteca del Congreso" seleccionó el álbum "Ellington at Newport 1956" para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones de los Estados Unidos" por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".

La reedición de 1999 es un CD doble y presenta el concierto completo, material inédito y algunas sorpresas. Como ya se mencionó, un poco más de contexto; por razones técnicas, la calidad prevista para un disco en directo no se logró en la fecha del concierto de 1956. Así, la banda volvió a grabar el tema central "Festival Junction" en el estudio después del concierto. Esto se mezcló con charlas en vivo, aplausos, etc., para el lanzamiento del LP original, convirtiéndolo así más en un asunto de estudio con una fachada "en vivo". Décadas más tarde, las cintas originales en directo se mezclaron con un sonido mejorado. Así, en 1999 se reeditó todo el concierto de Newport de 1956 en orden cronológico, junto con todas las charlas sobre el escenario y los largos anuncios del MC. Se convirtió en un CD doble con 130 minutos de duración, pero sólo 50 minutos de música "nueva" real en comparación con los 45 minutos del original, porque la toma de estudio de la "Festival Suite" del original (y otras tomas) ha sido adjunto al final del segundo disco. Por ejemplo, obtienes las tres canciones de la "Festival Suite" dos veces: una en la mezcla inédita del concierto en vivo y otra en la versión inferior de estudio del disco original.

Las ventajas parecen claras (a) la secuenciación es mejor en la versión original, (b) la experiencia auditiva es mejor en la versión original, (c) la "experiencia de atmósfera" mejor en el paquete completo de 1999, (d) sonido y mezcla está mucho mejor y (e) una canción adicional "Black and Tan Fantasy" solo en el paquete completo. El "nuevo" supera a la "vieja" presentación orgánica, o al menos esa es mi opinión.

Para calmar aún más a los puristas, retocar actuaciones en vivo en el estudio era (es) una práctica común y muchos grandes nombres que habían grabado material en vivo arreglaron los "malos momentos" priorizando la calidad. Duke Ellington, siendo un perfeccionista, simplemente no estaba satisfecho con la calidad del sonido de la grabación original. De este modo, la tecnología moderna permitió una mayor restauración y el lanzamiento de la grabación original en 1999 (la edición ampliada y remasterizada).

Volvamos al CD de 1999. Es el único formato donde podrás disfrutar del tracklist del LP original. Cuarenta y cinco minutos del Duke y su orquesta haciendo magia, tanto en directo como en el estudio, mientras están bañados por el brillo de los aplausos enlatados. ¿Es tan malo? Cuatro décadas de oyentes compraron el LP original y les encantó. Además, en la versión en CD de 1999 se incluyen las notas originales de George Avakian y Phil Schaap contribuye con notas extensas sobre el concierto. También encontrarás y experimentarás a la banda tocando gran música como "Take the 'A' Train", "Newport Jazz Festival Suite", un showcase de Harry Carney en "Sophisticated Lady" y una salida vocal regular de Jimmy Grissom. Luego está el famoso "Diminuendo in Blue y Crescendo in Blue". Como señala la historia, el interludio del saxofón provocó que una multitud enloquecida bailara, y pronto el público fue tan ruidoso como la banda. Cuando la multitud no se calmó, Ellington salvó el día cerrando con una versión larga de "Skin Deep". Ahora está disponible una versión más limpia del famoso solo de tenor de Paul Gonsalves, eternamente marcada en la historia del jazz.

 

Disco recomendado

 

Considerándolo todo, es un álbum cuya historia es tan convincente y magnífica como la música que contiene. Aunque la narrativa y el debate entre el original y versión estudio hacen que la conversación sea excelente durante una cena con un buen vino, la importancia es la música y cómo la carrera de una leyenda del jazz dio un giro hacia arriba haciendo su figura mayor grandeza con este álbum (y su actuación de 1959).

Esta es una escucha esencial para cualquier persona con curiosidad e interés en el jazz. Es más que recomendable.

Video del tema "Diminuendo And Crescendo In Blue":

Tracklist: Remastered 1999 CD: Ellington at Newport (Complete):

Disc one:

1. "The Star-Spangled Banner" - 1:10
2. Father Norman O'Connor Introduces Duke & the Orchestra / Duke Introduces Tune & Anderson, Jackson & Procope - 3:36
3. "Black and Tan Fantasy" - 6:21
4. Duke Introduces Cook & Tune - 0:26
5. "Tea for Two" - 3:34
6. Duke & Band Leave Stage / Father Norman Talks About The Festival - 2:30
7. "Take the 'A' Train" - 4:27
8. Duke Announces Strayhorn's A Train & Nance / Duke Introduces Festival Suite, Part I & Hamilton - 0:41
9. "Part I - Festival Junction" - 8:10
10.Duke Announces Soloists; Introduces Part II - 0:38
11."Part II - Blues to Be There" - 7:09
12.Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III - 0:19
13."Part III - Newport Up" - 5:33
14.Duke Announces Hamilton, Gonsalves & Terry / Duke Introduces Carney & Tune - 0:25
15."Sophisticated Lady" - 3:52
16.Duke Announces Grissom & Tune - 0:17
17."Day In, Day Out" - 3:50
18.Duke Introduces Tune(s) and Paul Gonsalves Interludes - 0:23
19."Diminuendo and Crescendo In Blue" - 14:20
20.Announcements, Pandemonium - 0:44

Pause Track - 0:06

Disc two:

1. Duke Introduces Johnny Hodges - 0:18
2. "I Got It Bad (and That Ain't Good)" - 3:38
3."Jeep's Blues" - 4:36
4. Duke Calms Crowd; Introduces Nance & Tune - 0:42
5."Tulip or Turnip" - 2:49
6. Riot Prevention - 1:08
7."Skin Deep" - 9:13
8."Mood Indigo" - 1:30
9.Studio Concert (Excerpts) - 4:01
10.Father Norman O'Connor Introduces Duke Ellington / Duke Introduces New Work, Part I & Hamilton - 1:02
11."Part I - Festival Junction" - 8:46
12.Duke Announces Soloists; Introduces Part II - 0:32
13."Part II - Blues To Be There" - 7:48
14.Duke Announces Nance & Procope; Introduces Part III" - 0:16
15,"Part III - Newport Up" - 5:20
16.Duke Announces Hamilton, Gonsalves & Terry / Pause / Duke Introduces Johnny Hodges - 0:41
17."I Got It Bad (And That Ain't Good)" - 3:47
18."Jeep's Blues" - 4:31

Pause Track - 0:06

Tracks 9-19 de CD2 no fueron parte del directo original.

Músicos:

• Duke Ellington – piano
• Cat Anderson - trompeta
• Willie Cook - trompeta
• Ray Nance - trompeta, voz
• Clark Terry - trompeta
• Quentin Jackson – trombón
• Lawrence Brown - trombón
• John Sanders - trombón
• Britt Woodman – trombón
• Johnny Hodges – saxofón alto
• Russell Procope – saxofón alto, clarinete
• Paul Gonsalves – saxofón tenor
• Harry Carney - saxofón barítono
• Jimmy Hamilton - clarinete
• Jimmy Woode - contrabajo
• Al Lucas - bajo
• Jimmy Grissom - voz
• Sam Woodyard - batería

GOLDFRAPP - Felt Mountain - Album

Presentó un disco que se remonta musicalmente a los años 60 (siglo xx), concretamente con influencias de las bandas sonoras del cine, para ofrecer un trabajo moderno que incorpora todos los avances tecnológicos del estudio. GOLDFRAPP y su álbum debut "Felt Mountain" es una pieza hermosa y delicada que da un aviso del "Post Trip Hop" pero permanece anclada en el pasado.

¿Quiénes son el dúo "Goldfrapp"?

 
Son una formación inglés de música electrónica de Londres, formada en 1999. El dúo está formado por Alison Goldfrapp (voz) y Will Gregory. Alison Goldfrapp comenzó su carrera musical actuando con la compañía de danza "Catherine Massin" en los Países Bajos cuando tenía poco más de veinte años. A principios de la década de 1990, Goldfrapp fue vocalista invitado de la banda electrónica "Orbital" y del artista de trip hop "Tricky". En 1999, conoció al compositor Will Gregory después de que este escuchara una primera versión de la canción "Human". Gregory y Goldfrapp sintieron una conexión mutua y después de varios meses de llamadas telefónicas, decidieron formar una banda y comenzaron a actuar bajo el nombre de "Goldfrapp".

El estilo musical de "Goldfrapp" ha evolucionado con el tiempo y se lo considera en gran medida una formación de música electrónica. "Goldfrapp" ha explorado una variedad de estilos musicales, aunque muchas canciones se caracterizan por la distintiva voz de soprano de Alison Goldfrapp y los arreglos de cuerdas y sintetizador de múltiples capas de Will Gregory. Todas las canciones de la banda están compuestas conjuntamente por Goldfrapp y Gregory, Goldfrapp usa su voz para crear melodías y ritmos de batería y Gregory compone con teclados antiguos.

La discografía de Goldfrapp hasta la fecha es:

• Felt Mountain (2000)
• Black Cherry (2003)
• Supernature (2005)
• Seventh Tree (2008)
• Head First (2010)
• Tales of Us (2013)
• Silver Eye (2017)

Quiero destacar y recomendar el disco debut "Felt Mountain".

 

ALBUM: Felt Mountain

 
El estudio debut del dúo inglés de música electrónica "Goldfrapp". Fue publicado el 11 de septiembre de 2000. El álbum toma influencia de una variedad de estilos musicales como el pop de los 60, el cabaret, el folk y la electrónica. Se puede decir que es de naturaleza "retrofuturista" y recuerda (aunque no es lo mismo) al álbum debut de "Portishead". Sí, Adrian Utley de "Portishead" toca el bajo en algunas canciones.

En este primer LP, Allison Goldfrapp explora diferentes estilos. Junto con el compositor y multi-instrumentista Will Gregory, Alison Goldfrapp explota su voz única en canciones que toman prestado del pop y la electrónica de los años 60 sin que suenen derivativas o desenfocadas. De hecho, si eres fan de "John Barry" y las canciones de cine, o si creciste con las bandas sonoras de las películas de James Bond, este es tu disco.

Desde el estilo cinematográfico de tema "Human" y "Lovely Head" hasta los sofocos de la canción principal, el dúo adopta una amplia variedad de poses, dándole a "Felt Mountain" una sensación estilizada y teatral. Canciones como "Utopia", "Felt Mountain" y "Paper Bag" le permiten a Alison una licencia vocal total para sobresalir y esto lo hace sin vergüenza, es una voz única y sensual. Otros destacados son "Horse Tears" y el ya mencionado "Lovely Head", cada uno de ellos ganadores, y la musicalidad y juego vocal está ejecutado en un nivel técnico que impresiona. 

La instrumentación de "Felt Mountain" es genial, con un enfoque en instrumentos reales que agregan calidez y humanidad a la columna vertebral electrónica del álbum. El uso del clavecín es inteligente, mientras que las cuerdas agitadas a lo largo del álbum evocan bandas sonoras de la década de 1960. Es la producción de "Felt Mountain" que es un elemento clave que distingue al álbum de otros lanzamientos de música electrónica de la época. Los instrumentos y la electrónica reales, combinados con un enfoque en crear una sensación de atmósfera y estado de ánimo, crean una experiencia auditiva única y cautivadora. La capacidad del álbum para evocar una sensación de nostalgia y al mismo tiempo sentirse moderno y relevante es asombrosa.

En resumen, un debut único de "electrónica" que combina una variedad de influencias que incluyen temas de películas de John Barry, Jean Michel Jarre, material de la era Pet Sounds de The Beach Boys, música clásica de la era barroca, cabaret, pop sintético, un poco de jazz latino, y un sonido original que es sutilmente cinematográfico, fríamente íntimo, a veces futurista, a veces desconcertante y muchas veces simplemente extraño. Luego está la voz, Alison Goldfrapp, un elemento diferenciador, etéreo y sensual.

Disco recomendado

 
Una extraña y hermosa mezcla de lo romántico y lo inquietante, "Felt Mountain" es uno de los debuts más llamativos del año 2000. La voz de Alison Goldfrapp se destaca y la producción de Will Gregory es de primer nivel.

Quizás no sea del gusto de todos, pero sí es un impresionante viaje musical retro-futurista que aún resuena con la escucha actual. Los fans del late night, el chill out, el trip hop y el ambient disfrutarán de esto, al igual que aquellos fans donde simplemente quieren tomar su café o té y relajarse con música.

Video del tema "Utopia":

Tracklist (formato original): 

1.         "Lovely Head"                      3:49
2.         "Paper Bag"               4:05
3.         "Human"         (music: Tim Norfolk; Bob Locke; Goldfrapp; Gregory )         4:36
4.         "Pilots"                       4:29
5.         "Deer Stop"               4:06
6.         "Felt Mountain"                     4:17
7.         "Oompa Radar"                     4:42
8.         "Utopia"                     4:18
9.         "Horse Tears"             5:10

Goldfrapp (Músicos):

• Alison Goldfrapp - voz, silbidos, teclados
• Will Gregory - teclados, arreglos de cuerdas, arreglos de metales

Músicos adicionales:

• Stuart Gordon – violín, viola (pistas 1, 9); violines trémolo (pista 6); solo de violín (pista 9)
• Adrian Utley - bajo (pistas 1, 4); sintetizador, bajo trémolo (pista 2)
• Nick Batt – sintetizador de bajo (pista 1); percusión de metal (pista 3); programación adicional (pistas 1, 3, 4, 8)
• John Parish - batería (pistas 1, 2, 9); bajo, guitarra trémolo (pista 9)
• Alexander Bălănescu - violín (pistas 2, 5, 8)
• Sonia Slany - violín (pistas 2 a 5, 8)
• Nick Barr - viola (pistas 2, 5, 8)
• Nick Cooper - violonchelo (pistas 2 a 5, 8)
• Mary Scully - contrabajo (pistas 2, 5, 8)
• Andy Davis - ukulele barítono, melódica, koto (pista 2)
• Male voices – tarareando (pista 2)
• Jacqueline Norrie - violín (pistas 3, 4)
• Bill Hawkes - viola (pistas 3, 4)
• Rowan Oliver - percusión (pistas 3, 4)
• Andy Bush - trompeta (pista 3); solo de fliscorno (pista 7)
• Ben Waghorn - saxofón tenor (pista 3)
• John Cornick - trombón (pista 3)
• Clive Deamer - pinceles (pista 4)
• Steve MacAllister - trompa (pista 6)
• Steven Claydon - sintetizador (pistas 6, 8)
• Flowers Band - banda de música (pista 7)
• Tony Orrell - batería (pistas 7, 8)

Técnico:

 Will Gregory - producción
Alison Goldfrapp – producción 

THE RACONTEURS - Consolers of the Lonely - Album

Recomiendo a los lectores un buen álbum de rock n roll (de la vieja escuela). La banda es THE RACONTEURS y el álbum es "Consolers of the Lonely".

¿Quiénes son la banda The Raconteurs?

 
Una banda de rock estadounidense de Detroit, Michigan, formada en 2005. La banda está formada por Jack White (sí, White Stripes: voz, guitarra), Brendan Benson (voz, guitarra), Jack Lawrence (bajo) y Patrick Keeler (batería). Lawrence y Keeler eran originalmente miembros de "The Greenhornes", mientras que White y Lawrence se convirtieron más tarde en miembros de "The Dead Weather".

La banda ha lanzado tres discos hasta la fecha, y es con su segundo "Consolers of the Lonely" con el que quiero llamar vuestra atención.

 

ALBUM: Consolers of the Lonely

 
El segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "The Raconteurs". Fue lanzado el 25 de marzo de 2008. La banda no realizó ninguna promoción antes del lanzamiento del álbum y su existencia sólo se confirmó una semana antes.

Se trata de una mezcla de blues bizarro, rock progresivo rústico, pop fracturado y guitarras contundentes; prueba de que "The Raconteurs" son más que un grupo de power pop y una verdadera banda de rock & roll. El alma y la pasión de la banda se sienten con el muro de sonido de energía impenetrable que los rodea. Detrás de las sesiones se encuentra una composición realmente rápida y productiva entre los cantantes principales de la banda, Brendan Benson y Jack White.

Encontrará "óperas westerns" de tipo melodramático como "The Switch and the Spur" o números con ingeniosos trucos de estudio que hacen de esta la mayor producción relacionada con Jack White hasta el momento. Las mezclas son realmente buenas. Todo fluye como si la música tuviera vida propia, con un toque de garage. El sonido de la guitarra, esa guitarra... potente.

El álbum realmente se pone en marcha con un ritmo country en "Old Enough" y después de eso, hay una serie de momentos notables: "The Switch and the Spur", "Hold Up", que ruge como los Stones de los 70 en su forma más sórdida; los arrasadores temas "Cinco contra Cinco"; la espléndida versión de Terry Reid que encuentra su heredero en "These Stones Will Shout" y, finalmente, la balada final de "Carolina Drama".

Estas melodías añaden un peso considerable al disco, y estas canciones convierten a "Consolers of the Lonely" en un álbum desequilibrado y cargado de fondo que es muy sólido y más rico en contenido y contexto.

En resumen, "Consolers of the Lonely" es un álbum destacado en la discografía de The Raconteurs, que resalta la capacidad de la banda para combinar diferentes estilos. Una música imprescindible para los fans del indie rock y la música con toques de blues.

Disco recomendado

 
Puro Rock'N'Roll, rock duro de los 70 con riffs de guitarra demenciales. Un álbum recomendado lleno de canciones divertidas y trepidantes. Si buscas rock de raíces sólidas y valientes que suene más o menos sacado de 1976, no busques más. Dicho de otra manera, si te gusta cualquier forma de blues rock, busca este álbum.

Video del tema "Consoler of the Lonely" (LIVE Later with Jools Holland):

Tracklist:

1.         "Consoler of the Lonely"       3:26
2.         "Salute Your Solution"          3:00
3.         "You Don't Understand Me" 4:53
4.         "Old Enough" 3:58
5.         "The Switch and the Spur"    4:24
6.         "Hold Up"      3:27
7.         "Top Yourself"           4:26
8.         "Many Shades of Black"        4:25
9.         "Five on the Five"      3:33
10.       "Attention"     3:40
11.       "Pull This Blanket Off"          1:59
12.       "Rich Kid Blues"        4:34
13.       "These Stones Will Shout"     3:54
14.       "Carolina Drama"       5:55

The Raconteurs (músicos):

• Jack White - voz, guitarra, estilófono, piano, órgano
• Patrick Keeler - batería, percusión
• Brendan Benson - voz, guitarra, órgano, piano
• Jack LJ Lawrence - bajo, banjo, coros

Músicos adicionales:

• Dean Fertita – clarinete
• Dirk Powell – cuerdas
• The Memphis Horns
• Flory Dory Girls - coros
• Frozen 140 Swanson (David Swanson de "Whirlwind Heat")

Producción:

Jack White  – producción, mezcla, arreglos de trompeta
Brendan Benson - producción, arreglos de trompeta
The Raconteurs - arreglos de canciones
Wayne Jackson - arreglos de trompeta