RIVERSIDE - Shrine of New Generation Slaves - Album

Voy a destacar a los meómanos algo especial y quizás desconocido, una banda de Polonia. El grupo se llama "Riverside", cantan en inglés y ofrecen rock progresivo de metal melódico con toques de folk local que combinan muy bien en su disco "Shrine of New Generation Slaves". Un álbum que deseo recomendar a los lectores.

 

¿Quiénes son la banda polaca "Riverside"?

 
Son una formación polaca de rock progresivo de Varsovia. Fueron fundados en 2001 por Mariusz Duda, Piotr Grudziński, Piotr Kozieradzki y Jacek Melnicki, quienes compartían el amor por el rock progresivo y el heavy metal, aunque Mariusz Duda, el principal letrista y compositor de la banda, estaba más cerca de la electrónica y la música experimental como Radiohead, Massive Attack, Tangerine Dream...etc, evolucionando más tarde hacia grupos de rock progresivo como Pink Floyd, Rush, Tool... además de thrash metal.

Puede describirse a "Riverside" como una mezcla de elementos atmosféricos de rock y metal, lo que da como resultado un sonido similar al de Porcupine Tree, Pink Floyd, Pain of Salvation... y así sucesivamente.

"Riverside" tiene la siguiente discografía de momento:

• Out of Myself (2003)
• Second Life Syndrome          (2005)
• Rapid Eye Movement            (2007)
• Anno Domini High Definition          (2009)
• Shrine of New Generation Slaves     (2013)
• Love, Fear and the Time Machine     (2015)
• Wasteland       (2018)
• ID.Entity (2023)

Personalmente descubrí "Riverside" con su disco de 2013 "Shrine of New Generation Slaves". Cualquier fan de Porcupine Tree, Pink Floyd, Big Big Train, Dream Theater, Kansas, etc. debería descubrir esta obra.

 

ALBUM: Shrine of New Generation Slaves

 

Este es el quinto disco de estudio de la banda polaca de rock progresivo "Riverside". El álbum fue publicado el 18 de enero de 2013 en Polonia, el 21 de enero en el resto de Europa y el 5 de febrero en Estados Unidos. Los críticos destacan que este álbum es una desviación significativa del trabajo anterior de la banda, mostrando un lado más delicado y melódico de su música. Después de una escucha atenta tengo que estar de acuerdo en el lado melódico, algo que sí disfruto. 

Este es un álbum conceptual, pero en un sentido no tradicional. Hay una conexión entre los temas: la rutina de la vida laboral moderna, la frustración por los sueños infantiles incumplidos y la ambición frustrada, la tensión que esto puede ejercer sobre nuestras relaciones y la superficialidad de la cultura popular.

"Riverside" en su mensaje musical ofrece un vasto, propulsor, voluble y cinematográfico conjunto de canciones que hábilmente atraviesan géneros, combinando elementos de progresivo, metal, jazz, pop y folk de Europa del Este en una manera sorprendentemente agradable que debería complacer a los fans de Porcupine Tree, Dream Theater, Pink Floyd, Kansas e incluso Opeth. 

La música ofrecida nunca es del todo triste, pero tampoco nunca del todo triunfante, sino que conlleva una aceptación de la melancolía. No es del todo aventurero, pero avanza. "Riverside" flota entre las líneas que definen el Metal y el Rock, o tal vez la balada metal, pero en cierto modo también es a veces muy heavy para ser Rock, incluso hay Folk, es diferente pero a la vez familiar.

Las actuaciones son realmente buenas en todos los ámbitos: la batería sutil y firme como una roca de Piotr Kozieradski, los ricos y virtuosos teclados de Michał Łapaj, la maravillosa y atmosférica guitarra de Piotr Grudziński y la distintiva voz (tipo AHA) y el intrincado bajo de Mariusz Duda, que para "Riverside" es un instrumento principal.

En general, "Shrine of New Generation Slaves" es un álbum diverso y dinámico que muestra la comprensión única de "Riverside" de los estilos de rock progresivo.

Disco recomendado

Un buen álbum. Las canciones son memorables, la producción es agradable y la musicalidad es excelente. Sí, me recuerdan mucho a "Porcupine Tree" y los riffs de guitarra de "Pink Floyd" (ejemplo el tema "Celebrity Touch"), pero bueno, no hay problema en absoluto, me encantan esos grupos.

Escucha a esta banda y comienza con este disco. Me sorprendió gratamente y estoy seguro de que tú también lo estarás. Mola!

Video del tema "Celebrity Touch":

Tracklist (formato LP original):

1.         "New Generation Slave"        4:17
2.         "The Depth of Self-Delusion"           7:39
3.         "Celebrity Touch"       6:48
4.         "We Got Used to Us" 4:12
5.         "Feel Like Falling"     5:17
6.         "Deprived (Irretrievably Lost Imagination)" 8:26
7.         "Escalator Shrine"      12:41
8.         "Coda"            1:39

Riverside (músicos):

• Mariusz Duda – voz, bajo, guitarra acústica, ukulele
• Piotr Grudziński – guitarra
• Michał Łapaj – teclados y órgano Hammond
• Piotr Kozieradzki – batería

Invitado: 

• Marcin Odyniec – Saxo soprano en 'Deprived' y saxo alto en "Night Session – Part Two"

SQUID - O Monolith

ALBUM: O Monolith

El segundo álbum de estudio de la banda británica "Squid", publicado el 9 de junio de 2023 en "Warp Records". Producido por Dan Carey (también trabajó con Black Midi y Fontaines D.C.), el álbum ya ha lanzado tres sencillos: "Swing (In a Dream)", "Undergrowth" y "The Blades".

"Squid" ha descrito el álbum como una "evocación musical del medio ambiente, la domesticidad y el folclore hecho a sí mismo". La verdad es que no lo pillo. Varias de las ocho canciones del álbum se estrenaron y se trabajaron frente a audiencias en directo mientras estaban de gira en apoyo de su álbum debut, "Bright Green Field". Así las canciones han pasado la "prueba del público". 

Dicho esto, este disco es "extraño", cautivador e inquietante. Si bien la pregunta más común que surge naturalmente es, ¿este disco es mejor que el debut "Bright Green Field"? La respuesta es otra. "O Monolith" es diferente, una evolución natural de "Bright Green Field", lo que hace que la respuesta no sea ni mejor ni peor, solo un disco diferente.

"Squid" ahora usa los elementos post-punk de su sonido como un medio para mantener el impulso y comunicar sensaciones de ansiedad y frustración, pero la música en sí misma ha navegado a un lugar mucho más misterioso y complejo. El cambio más inmediato en el sonido de "Squid" es un mayor énfasis en la melodía y la estructura armónica.

El álbum está lleno de experimentalismo que mantiene la estructura y la melodía suficientes para seguir siendo identificable fácilmente, pero luego desorienta y sorprende con una variedad de estructuras extrañas, arreglos, disonancias, etc.

Canciones: Track-por-track: 

1. "Swing (In a Dream)": el álbum abre con una secuencia de sintetizador de 7/8 que se acumula gradualmente con la adición de una guitarra con toques "math" y percusión electrónica. Un testimonio de la capacidad de la banda británica para crear un sonido complejo y en capas.

2. "Devil 's Den": comienza tranquilo y espeluznante, con un tono metálico de guitarra bajo los vientos de madera pastorales. La canción se convierte en un momento ruidoso y silencioso que se siente en deuda con el progreso de los 70 con sus texturas de sintetizador.

3. "Siphon Song": una canción destacada que utiliza melodías inquietantes, sintetizadores y coros.

4. "Undergrowth": Brinda un momento de respiro, mantenido a flote por una línea de bajo inspirada en el funk, que ilumina los chillidos subyacentes.

5. "The Blades": la construcción más efectiva del álbum, con tambores frenéticos y voces gritadas combinadas con cuerdas cinemáticas en la sección media.

6. "After the Flash": Menos impactante y de ritmo más lento, parece que tarda demasiado tiempo llegar a donde va, aunque finalmente resulta satisfactorio.

7. "Green Light": Un punto culminante del álbum. Es un corte frenético desde el principio, con letras caóticas sobre señales de tránsito y símbolos que parecen expresar una sensación de confusión e incapacidad para escapar.

8. "If You Had Seen The Bull's Swimming Attempts You Would Have Stayed Away": la canción de cierre del álbum, combina susurros anticipatorios, riffs de guitarra agradables y suaves y coros entusiastas para crear un final magnífico, casi distópico.

En general, "O Monolith" es un testimonio de la capacidad de Squid para experimentar y traspasar los límites de su música. Es un disco que no tiene miedo de explorar nuevas firmas de tiempo, dicotomías suave-fuerte y paisajes sonoros intensos. Cada canción tiene capas intrincadas y está muy bien pensada, y cada instrumento se construye sobre el otro para evocar emociones.

Disco recomendado

"O Monolith" es un álbum notable que destaca la evolución de la banda y la madurez en su sonido. El álbum es una mezcla de influencias post-punk, rock progresivo e indie-rock, lo que da como resultado una experiencia sonora interesante y cautivadora. Recomiendo este álbum a cualquiera que aprecie la música innovadora, compleja y emocionalmente resonante. Es un disco que exige tu atención, pero con paciencia te recompensa con una experiencia auditiva rica e inmersiva. Si eres fan del post-punk, el rock progresivo o el indie rock, hay algo en "O Monolith" para ti. Buscarlo por los medios digitales y darlo una escucha.

Candidato para estar presente en la lista de fin de año de "mejores álbumes".

Video del tema "Devil´s Den":

Tracklist:

1.         "Swing (In a Dream)" 4:29
2.         "Devil's Den"  3:05
3.         "Siphon Song"            5:58
4.         "Undergrowth"           6:35
6.         "After the Flash"        5:34
7.         "Green Light" 4:23
8.         "If You Had Seen the Bull's Swimming Attempts You Would Have Stayed Away"        5:14

PINK FLOYD - Wish You Were Here

PINK FLOYD (Banda)

Pink Floyd es una de las bandas más emblemáticas e influyentes de la historia de la música. Su legado musical sigue vigente hasta el día de hoy, y uno de sus álbumes más icónicos es "Wish You Were Here". Un clásico atemporal que sigue inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. En este blog post, te invito a explorar en detalle el álbum "Wish You Were Here" de Pink Floyd, desde su contexto histórico hasta su impacto en la música contemporánea.

Una introducción al álbum "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here" es el noveno álbum de estudio de Pink Floyd, y se publicó en septiembre de 1975. Fue el sucesor del aclamado álbum "The Dark Side of the Moon" y es considerado uno de los mejores trabajos de la banda. En este álbum, Pink Floyd explora temas como la fama, la vida en la carretera, la locura y la ausencia. "Wish You Were Here" es un viaje musical épico que cuenta con algunas de las canciones más icónicas de la banda.

El contexto histórico y cultural de su lanzamiento 

 
En 1975, el mundo estaba en plena Guerra Fría y la música estaba experimentando una revolución cultural. El rock progresivo estaba en su apogeo y Pink Floyd se encontraba en el pináculo de su éxito comercial y creativo. "Wish You Were Here" es una reflexión sobre la condición humana en la sociedad moderna y su lanzamiento coincidió con una época de cambio y transformación en todo el mundo.

Los miembros de Pink Floyd en la época del álbum

 
La banda estaba compuesta por Roger Waters en el bajo y la voz, David Gilmour en la guitarra y la voz, Richard Wright en los teclados y Nick Mason en la batería. Durante la grabación del álbum, la tensión entre los miembros de la banda era alta debido a las diferencias creativas y personales.

A pesar de las tensiones, los miembros de Pink Floyd lograron trabajar juntos para crear un álbum que se ha convertido en un clásico de la música. La colaboración entre Roger Waters y Dave Gilmour en las letras y la música fue especialmente destacada en este álbum, y la habilidad de Wright en los teclados se puede escuchar claramente.

En resumen, es un disco que refleja la época en que fue creado y sigue siendo relevante hoy en día. La combinación de la música, las letras y el contexto histórico y cultural lo convierten en una obra maestra de Pink Floyd y del rock en general.

Examen de las canciones del álbum

 
El álbum "Wish You Were Here" cuenta con cinco canciones épicas, cada una con su propio sonido y significado. A continuación, analizaremos cada una de ellas:

• "Shine On You Crazy Diamond"

Está canción de apertura es una oda al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, quien había desaparecido en la oscuridad de la fama y la locura. La canción se divide en dos partes y es una de las míticas de la banda. "Shine On You Crazy Diamond" es un testimonio del inmenso talento y genio de Syd Barrett. 

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia que siente la banda por la pérdida de su amigo y compañero de banda. La música es una mezcla de rock progresivo y jazz, con solos de saxofón y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Además, la canción es un homenaje a la creatividad y originalidad de "Syd Barrett", quien fue una gran influencia en la música de Pink Floyd. Su legado sigue vivo en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

• "Welcome to the Machine"

Esta canción es una crítica a la industria musical y a la forma en que las estrellas son forjadas y manipuladas por el sistema. La canción presenta una atmósfera oscura y experimental.

La letra del tema habla sobre la pérdida de la individualidad y la creatividad en la música, y cómo el sistema trata a los artistas como productos en vez de seres humanos. La música es una mezcla de rock progresivo y electrónica, con efectos de sonido que crean una atmósfera inquietante y desconcertante.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de la autenticidad y la originalidad en la música, y de la necesidad de mantenerse fiel a uno mismo en un mundo cada vez más comercial y homogéneo.

• "Have a Cigar"

Esta canción es una sátira sobre la industria musical y los ejecutivos que manejan la carrera de los artistas. La canción presenta un sonido de rock duro y una letra sarcástica y divertida. "Have a Cigar" es una de las canciones más populares de la banda.

La letra de la canción habla sobre las falsas promesas y la hipocresía de los ejecutivos de la industria musical, que tratan de explotar a los artistas para su propio beneficio. La música es una mezcla de rock y blues, con un solo de guitarra que es uno de los más icónicos de la banda.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de mantenerse fiel a uno mismo y de no dejarse manipular por los intereses de los demás. Es una crítica divertida y satírica a la industria musical y a la forma en que funciona.

• "Wish You Were Here"

Esta canción es una balada emotiva y conmovedora sobre la ausencia y la nostalgia. La canción presenta un sonido acústico y una letra que habla directamente al corazón. "Wish You Were Here" es uno de los mayores éxitos de Pink Floyd y se ha convertido en un himno para muchas personas.

La letra de la canción habla sobre la pérdida y la nostalgia por alguien que ha desaparecido, ya sea por la muerte o por la distancia. La música es una mezcla de rock acústico y folk, con un solo de guitarra que es uno de los más emotivos de la banda.

Esta canción es un homenaje a todas las personas que han perdido a alguien importante en sus vidas, y un recordatorio de la importancia de valorar y apreciar a las personas que tenemos a nuestro alrededor.

• "Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-IX)"

Esta canción final es una continuación de la primera canción del álbum y es una oda final a "Syd Barrett". La canción presenta una atmósfera cósmica y experimental y es una de las favoritas de los fans de Pink Floyd.

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia por la pérdida de Syd Barrett, y sobre la importancia de su legado en la música de Pink Floyd. La música es una mezcla de rock progresivo y psicodélico, con solos de guitarra y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Esta canción es un homenaje final a "Syd Barrett" y a su legado en la música de Pink Floyd. Su influencia sigue siendo evidente en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

El proceso creativo detrás de "Wish You Were Here"

 
Es uno de los grandes álbumes de Pink Floyd, pero su creación no fue fácil. La banda enfrentó tensiones internas y desafíos creativos para dar vida a este trabajo maestro. El concepto original del álbum se centraba en la muerte y la ausencia, pero la banda decidió incluir temas más generales en las canciones para llegar a un público más amplio.

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour fue esencial para la creación del álbum, pero también hubo momentos de tensión y conflictos creativos. Ambos músicos tenían diferentes enfoques en cuanto a la dirección musical que debía tomar el álbum, pero finalmente lograron trabajar juntos.

La inspiración de Syd Barrett

Syd Barrett, el fundador de Pink Floyd, fue una gran inspiración para el sonido y la atmósfera de "Wish You Were Here". Barrett había dejado la banda antes debido a su salud mental, pero su legado creativo nunca desapareció de la mente de sus antiguos compañeros de banda. Su estilo musical experimental y su enfoque en la improvisación y la creatividad inspiraron a Pink Floyd a explorar nuevos sonidos y a crear un álbum que rompiera con las convenciones musicales.

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour

 
Roger Waters y David Gilmour eran los principales compositores, y su colaboración fue esencial para la creación del disco. A pesar de las tensiones entre ellos, su creatividad conjunta resulta en algunos de los momentos más emotivos e impactantes del álbum. La canción "Shine On You Crazy Diamond" es un ejemplo perfecto de la colaboración entre Waters y Gilmour, con su emotiva letra y su impresionante solo de guitarra.

La producción y grabación del álbum

 
"Wish You Were Here' se grabó en los estudios Abbey Road en Londres, y la producción estuvo a cargo de Pink Floyd y de Brian Humphries. El LP presenta una gran cantidad de efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que le da un sonido experimental e innovador. La canción "Welcome to the Machine" es un ejemplo perfecto de esto, con sus efectos de sonido mecánicos.

El impacto y legado de "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here' es uno de los álbumes más icónicos en la historia de la música. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Pero, ¿qué hace que este álbum sea tan especial?

La recepción crítica y comercial

El éxito comercial de "Wish You Were Here" fue impresionante. El disco vendió millones de copias en todo el mundo y se convirtió en uno de los LPs más vendidos de Pink Floyd. Además, fue aclamado por la crítica. Los críticos de música elogiaron la música, las letras y la producción del álbum. El álbum se convirtió en un parte-aguas para la banda y se considera uno de los mejores trabajos de Pink Floyd.

La música es una mezcla de rock progresivo, psicodélico y música experimental. Las letras profundas y emotivas tratan temas como la alienación, la fama y la muerte. La canción principal del álbum, "Wish You Were Here", es una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y ha sido versionada por muchos artistas.

 

El lugar de "Wish You Were Here" en la discografía de Pink Floyd

 
Es un álbum esencial en la discografía de Pink Floyd. Se encuentra entre los trabajos más emblemáticos y respetados de la banda, y representa una evolución en su sonido y en su forma de hacer música. Además, el álbum marca la transición de Pink Floyd de una banda de rock progresivo a una banda de rock más experimental.

El disco fue creado después del éxito de "The Dark Side of the Moon", otro gran álbum de Pink Floyd (mi favorito de todos). La portada de este álbum, del fotógrafo y artista Storm Thorgerson, muestra a dos hombres estrechándose la mano en llamas, y es una metáfora de la industria musical y de cómo puede destruir a las personas que están involucradas en ella.

La influencia del álbum en la música contemporánea

 
"Wish You Were Here" ha sido una gran influencia en la música contemporánea. Artistas de todo el mundo han citado a Pink Floyd como una influencia importante en su música, y este álbum en particular ha inspirado a muchas personas a crear música honesta y emotiva.

La música de Pink Floyd ha sido una inspiración para muchos artistas de rock, metal, electrónica y música experimental. La música de este disco ha sido sampleada y versionada por muchos artistas de hip hop y electrónica. La canción "Shine On You Crazy Diamond" ha sido utilizada en películas y programas de televisión, y ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo a David Gilmour, el guitarrista de Pink Floyd.

En resumen, es un grandísimo álbum que ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y en la música contemporánea. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Este álbum seguirá siendo una influencia en la música durante muchos años más.

Disco recomendado

"Wish You Were Here" es un álbum que sigue inspirando a generaciones de fans de la música. Desde su contexto histórico y cultural hasta el proceso creativo detrás de su creación, este disco representa una de las cumbres de la música en el siglo XX. Si no has escuchado "Wish You Were Here" antes, te animo que lo hagas. Es una obra maestra que sigue resonando en muchos corazones y mentes hasta el día de hoy.

Video del tema "Have a Cigar":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Shine On You Crazy Diamond" (Parts I to V)                   13:32
2.         "Welcome to the Machine"                7:28 

Cara B: 

1.         "Have a Cigar"                       5:08
2.         "Wish You Were Here"                     5:35
3.         "Shine on You Crazy Diamond" (Parts VI to IX)    12:28
 

Ficha técnica:

Músicos:

• David Gilmour: voz, guitarras, pedal steel guitar, EMS Synthi AKS, bajo adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
• Roger Waters: voz, bajo, EMS VCS 3, guitarra adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
• Richard Wright: órgano Hammond, conjunto de cuerdas ARP, Minimoog, piano Steinway, EMS VCS 3, Hohner Clavinet D6, piano eléctrico Wurlitzer EP-200, piano Rhodes, armónica de cristal, coros
• Nick Mason: batería, percusión, timbales, platillos, efectos de cinta 

Músicos adicionales:

•  Dick Parry - saxofono tenor y baritono en "Shine on You Crazy Diamond"
• Roy Harper - voz en "Have a Cigar"
• Venetta Fields - coros
• Carlena Williams - coros

Producción:

• Brian Humphries - ingeniero de sonido

La canción: Wish You Were Here

Quizás la más popular del álbum "Wish You Were Here".  David Gilmour y Roger Waters colaboraron en la escritura de la música, con Gilmour como vocalista principal.

Significado

La letra está inspirada en un sentimiento de nostalgia por la ausencia de un ser querido, y dedicada al antiguo miembro de la banda, Syd Barrett, que dejó la misma en 1968 por problemas mentales. Sin embargo, en el documental "The Story of Wish You Were Here", Gilmour y Waters describen por separado el concepto original que difiere de esta interpretación. Roger Waters, describe la letra como dirigida a sí mismo. Estar presente en la propia vida y liberarse para experimentar verdaderamente la vida es un tema principal en esta canción. Gilmour, por su parte, reconoce que nunca interpreta la canción sin recordar a Syd Barrett.

La disputa en curso entre Gilmour y Rogers parece haberse derramado en la interpretación de esta canción. Por lo tanto, todavía lo deja abierto a la interpretación.

La canción ha sido un gran éxito comercial, tanto en su lanzamiento original como en reediciones y versiones posteriores. Se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y una de las favoritas de los fans en todo el mundo. "Wish You Were Here" ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, y su mensaje simple sobre la pérdida y el anhelo de conexión emocional tiene una resonancia profunda.

Letras de Pink Floyd "Wish You Were Here":

Canción - Original Inglés:

So, so you think you can tell
Heaven from hell
Blue skies from pain
Can you tell a green field
From a cold steel rail
A smile from a veil
Do you think you can tell

Did they get you to trade
Your heroes for ghosts
Hot ashes for trees
Hot air for a cool breeze
Cold comfort for change
Did you exchange
A walk on part in the war
For a lead role in a cage

How I wish
How I wish you were here
We're just two lost souls
Swimming in a fish bowl year after year
Running over the same old ground
What have we found
The same old fears
Wish you were here

Traducido al Español:

Así que crees que puedes distinguir
el Paraíso del Infierno,
el cielo azul del dolor.
Puedes distinguir un campo verde
de un frío raíl de acero
Una sonrisa de un velo
Crees que puedes distinguirlo

Te hicieron cambiar
tus héroes por fantasmas
cenizas ardiendo por árboles
aire cálido por una brisa fresca
el frío confort por el cambio
Cambiaste un rol secundario en la guerra
por un papel protagonista en una jaula

Cómo desearía que estuvieras aquí
Sólo somos dos almas perdidas
nadando en una pecera,
año tras año,
corriendo sobre el mismo viejo suelo.
Y, qué hemos encontrado
Los mismos viejos miedos…
Ojalá estuvieras aquí

PAUL McCARTNEY & WINGS - Band On The Run

ALBUM: Band On The Run 

El tercer álbum de estudio del grupo británico-estadounidense "Paul McCartney and Wings" publicado el 7 de diciembre de 1973. Fue el quinto álbum de McCartney después de dejar "The Beatles" en abril de 1970. Sigue siendo el álbum más exitoso de McCartney y uno de los más célebres de sus obras post-Beatles. Considerado como uno de los mejores álbumes de la carrera posterior a los Beatles de McCartney, muestra su talento para escribir canciones y su rango musical con su mezcla diversa de rock, pop y música progresiva.

Como anécdota, antes de grabar este LP el baterista Denny Seiwell y el guitarrista Henry McCullough abandonaron el grupo. Sin tiempo para reclutar otros músicos, Paul McCartney entró al estudio en Nigeria (África) solo con su esposa Linda y el guitarrista Denny Laine. Por lo tanto, McCartney tocó el bajo, la batería, la percusión y la mayoría de las partes de guitarra principal. Además, para empeorar los problemas, les robaron y perdieron las canciones de demo (cintas). A partir de esta "pesadilla", McCartney logró volver a Londres, afinar las cosas y publicar este disco. En general, narrativamente, es un álbum sobre la libertad, las canciones representan la idea de la libertad de las presiones cotidianas, la libertad de los conflictos, la libertad de las preocupaciones, incluso la libertad de la muerte.

También está presente un majestuoso sonido orquestal, con una amplia gama de incursiones en el estilo, desde el vibrante jazz-pop acústico de "Bluebird" y el sencillo rock de "Helen Wheels" hasta el blues de "Let Me Roll It" y una canción tipo pub, "Picasso's Last Words (Drink to Me)". Los dos grandes singles de radio son "Jet", y mi favorito personal de este disco, el tema de apertura "Band on The Run". Este álbum "rocks" se mueve de una manera que ningún otro álbum de "Wings" lo hizo después. Además tiene una gran producción algo que seguro aprendió Paul de los días de estudio con George Martin y The Beatles.

Disco Recomendado. El instinto infalible de McCartney para hacer música pop se desborda en este LP. Tiene arreglos disciplinados e imágenes maravillosamente poéticas, todo presentado en melodías encantadoras y hermosas. Como mencioné anteriormente y deseo resaltar nuevamente, una verdadera obra maestra de la música pop. Si eres fan de los "Beatles" o simplemente te encanta el pop rock y aún no has escuchado este álbum, por favor hazlo.

Por último, si estás interesado, mi disco favorito de Paul McCartney como solista es "Ram", este es también un gran álbum con su banda "Wings".

Video del tema "Band on The Run":

Tracklist:

1."Band on the Run" – 5:12
2."Jet" – 4:09
3."Bluebird" – 3:23
4."Mrs. Vandebilt" – 4:40
5."Let Me Roll It" – 4:51
6."Mamunia" – 4:51
7."No Words" – 2:35
8."Picasso's Last Words (Drink to Me)" – 5:49
9."Nineteen Hundred and Eighty Five" - 5:28

SUPERTRAMP - Paris (Live 1979) - Album

Lo que hace que este álbum sea excepcional para mí, es que es uno de los pocos (si es que hay otro) álbumes en directo donde las canciones "Live" mejoran las versiones originales de estudio - otro ejemplo seria "Live in the City of Light" (1987) por Simple Minds .

Aparte encuentras una fabulosa oferta de canciones de una de las bandas de rock-pop más grandes del mundo a principios de los años 80 (Siglo XX).

Hablo de..
. 

ALBUM: Paris (Supertramp Live)

 
Es un álbum doble en directo publicado en 1980. La mayoría de las canciones fueron grabadas de un concierto del 29 de noviembre de 1979 en el "Pavillon de Paris" (Francia). Curiosamente, el disco originalmente se iba a llamar "Roadworks", menos mal que no fue así.

"Paris" es un increíble set en directo que capta a SUPERTRAMP en la cima de su popularidad mientras estaban de gira promocionando su gran álbum de 1979, "Breakfast In America"; en un momento en que el co-líder Roger Hodgson todavía estaba con el grupo.

Antes de este lanzamiento, la banda estaba bajo una gran presión por parte de su compañía discográfica para producir otro nuevo disco al mismo nivel del enormemente exitoso "Breakfast in America", y necesitaban salir de la rutina de giras y grabaciones por un tiempo para considerar la dirección musical para tal álbum. Tomarse un respiro significaba que el próximo disco de estudio no estaría terminado hasta 1981 como mínimo, por lo que se necesitaba algo "para llenar el vacío". Usando el estudio móvil de la banda, se grabaron varios conciertos en directo en Canadá y en toda Europa. Sin embargo, cuando a la banda se les presentaron cintas que contenían mezclas aproximadas de estas grabaciones, y los miembros votaron por sus temas favoritos, la mayoría de los votos coincidieron con las grabaciones del concierto del 29 de noviembre en "The Pavilion" - PARÍS (Francia).

Esto hace que esta sea una excelente manera de descubrir SUPERTRAMP con un repertorio que incluye temas de sus "mejores años". La lista de canciones de "Paris" contiene casi todo el álbum "Crime of the Century" de 1974 (excepto "If Everyone Was Listening"), tres canciones de "Crisis? What Crisis?" (1975), dos del álbum "Even in the Quietest Moments" (1977), tres del álbum "Breakfast in America" (1979) más "You Started Laughing", y la cara B de la canción "Lady" de Crisis? ¿Qué Crisis?.

Los grandes clásicos están incluidos en este directo, como "School", "Ain't Nobody But Me", "The Logical Song", "Dreamer", "Rudy", "Take The Long Way Home", "Fool's Overture" y "Crime Of The Century", además de una canción exclusiva, "You Started Laughing", que no se encuentra en ningún otro sitio. Hodgson y el co-líder Rick Davies cantan con todo su corazón y tocan sus respectivos teclados con gran pasión. Como ya sabrán, durante este período de la carrera de la banda, la asociación Hodgson & Davies comenzó a fracturarse. Hodgson iba a anunciar unos años después su salida.

En el lado de la producción y la música, "Paris" es quizás una de las mejores grabaciones en directo que puedes escuchar. Sonido nítido, maestría musical de alta calidad, voces impecables, elementos combinados y perfectamente equilibrados. Inusual para su época y aún difícil para cualquier grabación en directo en un álbum actualmente.

En conclusión, "Paris" contiene las mejores canciones de Supertramp, presenta su formación clásica y las actuaciones son casi perfectas. Además de eso, esto se grabó poco antes de la salida de Roger Hodgson, lo que lo convierte en la declaración final del clásico Supertramp. Si estás buscando una introducción a Supertramp, "París" es el lugar para comenzar. Si ya conoces su trabajo, es el álbum en directo que debes tener.

Disco recomendado.

Video del tema "Breakfast in America" (Live Paris 1979):

Tracklist (formato LP doble):

 A1.School - l5:20
A2.Ain't Nobody but Me - 4:53
A3.The Logical Song - 3:41
A4.Bloody Well Right - 6:11

B1.Breakfast in America - 2:36
B2.You Started Laughing - 3:50
B3.Hide in Your Shell - 6:36
B4.From Now On - 6:44

C1.Dreamer - 3:15
C2.Rudy - 6:51
C3.A Soapbox Opera - 4:33
C4.Asylum - 6:41

D1.Take the Long Way Home - 4:35
D2.Fool's Overture - 10:14
D3.Two of Us - 1:23
D4. Crime of the Century - 6:14

Músicos:

• Rick Davies - voz, teclados, armónica, compositor,
• Roger Hodgson - voz, guitarra, teclados, compositor,
• John Helliwell: saxofón, instrumentos de viento, teclados, voces, palabra hablada,
• Dougie Thomson - bajo,
• Bob C. Benberg - batería, percusión.

Video del tema "Logical Song" (Live Paris 1979):

CIRCLE - Prospekt - Album

Quiero llamar tu atención sobre una interesante banda de Finlandia llamada CIRCLE. Son un grupo de rock experimental formado en Pori en 1992 por el bajista y cantante Jussi Lehtisalo, el único miembro que ha estado en la banda a lo largo de su carrera. Su estilo ecléctico en constante cambio se ha asociado con géneros como el krautrock, el heavy metal, el progresivo y el rock.

Son muy productivos, han grabado y publicado más de 20 álbumes. La lista es demasiado larga para resaltar aquí, pero puede consultarla en Internet. Muchos son buenos trabajos, pero he elegido un disco en particular que me parece entretenido y que escucho a menudo para relajarme. El lanzamiento de 2000, titulado "Prospekt".

ALBUM: Prospekt

Es el noveno álbum de la banda finlandesa Circle, publicado originalmente en 2000. Los ritmos sin parar, los golpes, los sonidos circulares y las improvisaciones se tocan hasta el agotamiento con el órgano y el violín, lo que agrega una calidad minimalista que pone al oyente en un estado de trance. 

El álbum tiene un estilo "krautrock" en general que muestra una fuerte influencia tanto de las bandas "Can" como de "Neu!". Basándose en gran medida en largas improvisaciones centradas en un solo riff o progresión de acordes, las canciones tienen un sonido expansivo de rock progresivo, a menudo superando los diez minutos, como los ejemplos de "Aarre" y "Eripwre".

Las seis canciones están bien arregladas y suenan trabajadas y completas. Lo interesante de "Prospekt" es la paciencia meditativa de la banda. Algunos podrían considerar que una canción de diez minutos con un solo riff es aburrida, pero "Circle" han elaborado muy bien las canciones: Circle toca un riff durante tanto tiempo que el oyente queda en un estado hipnótico, y luego la banda varía ligeramente el tema (melodía). De hecho, es la razón por la que disfruto de este disco, me pone en una especie de estado meditativo tranquilo. Solo deja que el bajo golpeando y las guitarras repetitivas te dominen, encontrarás que es una experiencia increíblemente inmersiva.

"Circle" han experimentado cambios de formación a lo largo de su carrera, y la formación para este álbum es inusual (atrevida) con dos baterías, dos guitarras, un teclado, un bajo y, sorprendentemente, un violín. Admiro el aventurerismo sónico y los giros instrumentales creativos particularmente con la canción final del álbum, "Eripwre", y el piano eléctrico jazzístico - el órgano Hammond. Muy cool!

En resumen, un disco recomendado. "Prospekt" es para mí uno de los mejores discos de estos finlandeses. Es una obra épica. Búscalo en los canales musicales online habituales y escúchalo. Te sorprenderá.

Video del tema "Dedofiktion":

Tracklist:

01."Dedofiktion" (8:22)
02."Gericht" (6:45)
03."Stimulance" (6:53)
04."Varhain" (6:55)
05."Aarre" (10:17)
06."Eripwre" (10:33)

Músicos:

- Teemu Elo - guitarras
- Jyrki Laiho - guitarra
- Jussi Lehtisalo - bajo
- Tomi Leppänen - batería
- Teemu Niemelä - teclado
- Janne Peltomäki - batería
- Mika Rättö - teclados, voz
- Pike Kontkanen - violín

SPIRIT - Twelve Dreams of Dr. Sardonicus - Album

Quiero presentarte un gran disco de rock psicodélico (y prog) para descubrir y escuchar. He elegido la banda americana de rock "Spirit" fundada en 1967 y con sede en Los Ángeles. Su álbum "Twelve Dreams of Dr. Sardonicus" de 1970 es ahora una obra de referencia y un clásico. Aunque tiene más de 50 años, es atemporal y sigue sonando genial.

ALBUM: Twelve Dreams of Dr. Sardonicus

El cuarto álbum de "Spirit" y producido por David Briggs, mejor conocido por su trabajo con Neil Young. El LP original fue publicado en noviembre de 1970. Una instantánea perfecta del período de transición cuando el rock psicodélico estaba llegando a su fin y el rock progresivo estaba emergiendo.

Este disco tiene la reputación de ser el álbum más "trippy" de Spirit (como lo indica la portada), sin embargo, en realidad contiene la composición y la interpretación más disciplinadas de la formación original, reduciendo parte de la deriva y ofreciendo algunas de sus mejores melodías. Encontrarás aquí sus grandes canciones como "Nature's Way" un entrañable estándar de radio FM, junto con "Animal Zoo" y "Mr. Skin". El guitarrista principal Randy California y los miembros nunca han sonado mejor y solo lograron los altos estándares alcanzados aquí en algunas canciones después.

Esta fue también la última obra maestra de la era psicodélica. Líricamente, "Twelve Dreams Of Dr Sardonicus" resume todo lo que esa era estaba tratando de decir. Canciones como "Nothing To Hide" se burlan del mundo heterosexual; “Love Has Found A Way” y “Life Has Just Begun” ilustran cuánto es posible si tu mente está preparada para ello. Musicalmente, es infinitamente inventivo, y pone al mismo nivel las facciones de jazz, pop y heavy rock de la banda. Y aunque cristaliza un momento en el tiempo, no suena anticuado en absoluto. De hecho, escuchar en 2022 todavía te da un subidón.

Aunque es ampliamente reconocido como un "clásico del psicodélico", con mencionado tiene mucho más que ofrecer. Tiene algunos movimientos de rock progresivo y heavy, así como sintetizadores y tonos de guitarra con ritmo. Los veteranos y los críticos de música afirman al escribir sobre este disco que no había nada que sonara así en ese momento.

En resumen, un disco recomendado. Todo el álbum es una pieza imprescindible para los fans del psych-prog. Buena música con un sonido completamente original que te enganchará la primera vez que la escuches. No conozco a nadie que se sentara y lo escuchara y luego dijera que no le gustaba. Una experiencia psicodélica con canciones geniales que se destacan sobre el resto de sus contemporáneos. Una obra maestra psicodélica de principio a fin.

Video del tema "Life Has Just Begun";

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Prelude – Nothin' to Hide"   3:41
2.         "Nature's Way"                      2:30
3.         "Animal Zoo"             3:20
4.         "Love Has Found a Way"      2:42
5.         "Why Can't I Be Free?"         1:03
6.         "Mr. Skin"                  3:50

Cara B:

7.         "Space Child (instrumental)" 3:26
8.         "When I Touch You"             5:35
9.         "Street Worm"                3:40
10.       "Life Has Just Begun"                      3:22
11.       "Morning Will Come"            2:58
12.       "Soldier"                           2:43

COOGANS BLUFF | Flying to the Stars - Album

La filosofía de este blog es,  en una  parte,  poder presentar música a un lector inquieto y curioso que busca descubrir algo por supuesto bueno, pero llamativo. A todo fan de la música le gusta ser sorprendido y llevado fuera de lo común, y con suerte conocer un estilo, banda o artista para hacerse encantar y quizás hacerse un seguidor.

Os presento un conjunto y álbum fuera de lo común, al menos para mí. Una banda alemana que es relativamente poca conocida fuera de su círculo de actuación y de su país. Sin embargo, llevan haciendo música bastante tiempo y ya han grabado más de media docena de álbumes. La literatura (biografías) sobre ellos es escasa, y lo que hay está en alemán, cosa que no es un problema ya que pongo a continuación un escueto resumen sobre ellos. Te presento...

Coogans Bluff (Banda)

Grupo de rock fundado en Rostock (Alemania) en 2003. Ofrecen una variada mezcla de progressive rock, krautrock y elementos de soul-funk. La banda adquiere su nombre de la película del mismo titulo, "Coogan 's Big Bluff" (con Clint Eastwood). Escuchando sus álbumes la banda es más bien una “mezcla de hard rock de los años sesenta y setenta y una especie de deconstrucción de "Captain Beefheart" y sus blues. Algunos con oídos más finos los describirían como “retro” pero es difícil encontrar bandas que combinen Krautrock, Progressive e incluso Space Rock de una manera tan inusual con estos alemanes. Sus canciones son voluminosas ya que son pegadizas y el ritmo deja suficiente espacio para que se desarrollen melodías y detalles en sus canciones.

Coogans Bluff fue fundada por los hermanos Charlie Paschen y Willi Paschen, así como Clemens Marasus y Thilo Streubel. En los primeros años, los chicos tocaron una mezcla de stoner rock y punk, y lanzaron algunos EP por su cuenta (Teach Me Tiger 2003, Flex till Death 2004) actuando por toda Alemania.  En 2007, publicaron su primer disco de larga duración, "CB Funk". La banda logró una mayor atención nacional por primera vez en 2007 y realizó su primera gira por el norte de Europa como teloneros de la banda de Berlín "Rotor". Desde entonces han ido encontrando su propio sitio y ganando popularidad por Europa y en el circuito "underground " estadounidense. En 2012 su cantante dejó la banda y el bajista Clemens Marasus tomó las labores vocales con lo cual emergió por completo su sonido único y estilo propio.

La discografía de "Coogans Bluff" hasta ahora:

• 2007: CB Funk
• 2011: Magic Bubbles
• 2012: Poncho Express
• 2014: Gettin' Dizzy
• 2016: Flying to the Stars
• 2017: Bluff Live
• 2020: Metronopolis

El último disco de los chicos, Metronopolis (2020), me gusta mucho y te lo recomiendo. Sin embargo, mi favorito es el álbum de 2016 "Flying To The Stars". Un auténtico viaje espacial de rock como bien sugiere el título.
 

ALBUM: Flying to the Stars

Quinto álbum de estudio publicado en 2016. Un disco producido por el baterista Charlie Paschen que recuerda al hard rock de los años 70 con elementos de funk, rock psicodélico y stoner rock. Es un álbum que borda en lo conceptual, aunque "Flying To The Stars" no es un álbum fácil, tienes que lidiar con él. Una vez que esto se haya logrado, no te dejará ir tan rápido.

Las convenciones se tiran por la borda con el tema que abre el álbum, que, con un tiempo de duración de más de 12 minutos y medio, representa una especie de obertura del álbum y señal de intenciones. Sonidos psicodélicos a alta velocidad, antes de que bajes algunas marchas y vayas construyendo notas lentamente desde la calma, además de un canto ligeramente hipnótico. Es rock progresivo y es psicodélico.  A "Coogan 's Bluff" les gusta ser instrumental y se las arreglan para mantener la tensión incluso sin cantar. Cuando el canto está ahí, vuelve a parecer multifacético. Puede parecer pegadizo, pero también siniestro y amenazador.

Hay piezas menos largas y menos hipnóticas: como “Back To The One” que suena secamente, “N.R.I.H.C” que es bastante lento y pesado, “¡Hurra!” respira jazz rock y “A Swim In The Park” que suena ligero y amapola. Se vuelve realmente espacial de nuevo con el tema final de "No Need", que aumenta desde un comienzo parecido a una balada hasta un gran final. Esta mezcla se mantiene unida sobre todo por la sección de metales que ha sido la columna de la banda durante varios años y corre como un hilo a lo largo de todo el álbum. Con "Flying To The Stars" el grupo presenta un maravilloso viaje musical que no es aburrido.

Un disco recomendado y para descubrir. La banda alemana redefine a su manera el "rock progresivo" y te deja gratamente sorprendido. Hay buena música, el sonido mola y ofrecen una propuesta de rock entretenida y apetecible.

Busca este álbum y dale una escucha. Si te gusta el hard-rock y progresivo te puede dar una gran sorpresa.

Video del tema "Flying to the Stars":

Tracklist:

1.         Flying to the Stars      12:41
2.         Back To The One       4:03
3.         Alpha Tango   0:40
4.         Hooray !         4:22
5.         N.R.I.H.C.      3:00
6.         Swim In The Park      4:51
7.         Where No Man Has Gone Before     5:57
8.         No Need         6:56

BLUE ÖYSTER CULT - Secret Treaties - Album

Blue Öyster Cult (Banda, abreviado BOC)

Un breve historia de "BOC"

Grupo americano de rock estadounidense formado en 1967 popularmente conocidos por los singles como "(Don't Fear) The Reaper" (quizas la de mayor exito comercial), "Burnin 'for You" y "Godzilla". Han vendido 25 millones de discos en todo el mundo, incluidos siete millones solo en los Estados Unidos. La banda todavía está activa y ha experimentado numerosos cambios en su formación. El conjunto más duradera y de mayor éxito comercial de Blue Öyster Cult incluía a Donald "Buck Dharma" Roeser (voz y guitarra), Eric Bloom (voz y guitarra), Allen Lanier (teclados y guitarra rítmica), Joe Bouchard (bajo) y Albert Bouchard (batería). Para este post destacaré los primeros años del grupo. Personalmente perdí el interés por la banda después de los años 70, aunque hay que reconocer que continuaron produciendo algunos álbumes interesantes durante los años 80 y 90.

Los descubrió el crítico de rock Sandy Pearlman, cuando la banda se llamaba "Soft White Underbelly", en la "Stony Brook University" en Long Island (Nueva York). La formación original de la banda estaba formada por el guitarrista Roeser, el tecladista Allen Lanier, los cantantes Jeff Kagel (alias Krishna Das) y Les Braunstein, el bajista Andrew Winters y el baterista Albert Bouchard. Sandy Pearlman quería que el grupo fuera la respuesta americana a los británicos "Black Sabbath": llevarían la etiqueta de "los Black Sabbath americanos" desgraciadamente durante su carrera. En 1970 cambiaron su nombre a "Blue Öyster Cult" y  en 1971 la banda firmó con" Columbia Records" para publicar su álbum debut del mismo nombre en 1972 .

Blue Öyster Cult (BOC) es una banda de hard rock, cuya música también ha sido descrita como heavy metal, rock psicodélico, acid rock y rock progresivo. También han sido reconocidos por influenciar directamente a posteriores géneros del rock como el stoner metal y el speed metal. La banda está (estaba) influenciada por artistas como The Grateful Dead, The Doors, Jefferson Airplane, MC5, Jimi Hendrix, y como no, Black Sabbath.

Sin embargo ellos han dejado una imborrable marca sobre el rock y posteriores músicos y bandas. Han influido sobre Iron Maiden, Metallica, Alice in Chains, Mudhoney, Opeth, White Zombie, los australianos Radio Birdman y Hoodoo Gurus, The Cult, The Minutemen, Queens of the Stone Age...por mencionar algos populares nombres.

La discografía es extensa, y aún siguen publicando álbumes. A continuación sus álbumes de estudio hasta ahora:

• Blue Öyster Cult (1972)
• Tyranny and Mutation (1973)
• Secret Treaties (1974)
• Agents of Fortune (1976)
• Spectres (1977)
• Mirrors (1979)
• Cultösaurus Erectus (1980)
• Fire of Unknown Origin (1981)
• The Revölution by Night (1983)
• Club Ninja (1985)
• Imaginos (1988)
• Cult Classic (1994)
• Heaven Forbid (1998)
• Curse of the Hidden Mirror (2001)
• The Symbol Remains (2020)

Como he comentado al principio mi interés y admiración por Blue Öyster Cult se mantiene con entusiasmo durante sus tres primeros discos, después pierdo la pista. Hay un directo después de 1974 que es muy bueno - "On Your Feet or on Your Knees (1975)" - que merece atención con otros álbumes de los años 80 y 90. Sin embargo, el álbum por excelencia para mi gusto es "Secret Treaties (1974)", cuando estaban en el pináculo de sus poderes artísticos.

ALBUM: Secret Treaties

 
El tercer álbum de estudio publicado en abril de 1974. Es una locura de disco, complejo, misterioso, esquivo y al límite. Basándose en gran medida en la mitología (y críptica), es una obra maestra del rock con una canción magnífica tras otra. Refleja el pico de la musicalidad de Blue Öyster Cult; no eran solo la copia americana de "Black Sabbath" (yo no me lo creo), sino cinco grandes músicos que sabían hacer buen rock.

El disco es sin duda la mejor obra de la banda. Es la destilación más pura de todas las fortalezas de Blue Öyster Cult. Aquí las canciones son expansivas y exuberantes en sus texturas. La extravagancia explota en este trabajo, al igual que los riffs de guitarra saturados proporcionados por Buck Dharma y Eric Bloom.

Con este álbum el grupo creó su propia marca de psicodélico pesado para diversificar su ataque agresivo de sus contemporáneos. Escucha el tema "Subhuman" o el corte "Dominance and Submission". Los acordes menores florecen , las guitarras radian en capas de múltiples pistas y la batería de Bouchard reluce. Por otra parte, en los temas "Cagey Cretins" y "Harvester of Eyes" los riffs de guitarra son subrayados por el órgano-teclado de Lanier, y su urgencia de ciencia ficción aumentada por armonías vocales. La canción "Flaming Telepaths" es acojonante, con cruces de líneas de guitarra y un latido rítmico insistente y exigente. El álbum se cierra con "Astronomy", tema llena de melancolía, pavor y pérdida que deja al oyente en un terreno completamente nuevo, habiendo viajado un largo camino desde el principio con la pieza "Career of Evil" que inicia el viaje al terror delicioso de la mente musicalmente brillante de Blue Öyster Cult.

Un disco recomendado y progresivo. Un trabajo de rock sin aliento que es un placer oscuro y siniestro. Una colección vertiginosa de poesía críptica de ciencia ficción salvaje y riffs potentes. Es un clásico y muy apreciado por los que somos ya veteranos. Si eres joven pregunta a tus padres rockeros sobre Blue Öyster Cult...es más que probable que respondan afirmativamente. 

Este álbum puede resultar algo extraño para el oído joven y moderno, es normal, hablamos de un disco grabado hace casi 50 años; tener paciencia y enfoca en los instrumentos (las guitarras, teclados...etc.) y el "poder melódico" que zumba. Es, bajo mi punto de vista, un álbum imprescindible para entender mejor el Hard Rock, especialmente sus comienzos y su evolución.

Video del tema "Astronomy":

Tracklist (formato LP):

Cara A
1.         "Career of Evil"          3:59
2.         "Subhuman"               4:39
3.         "Dominance and Submission"                       5:23
4.         "ME 262"                   4:48

Cara B
5.         "Cagey Cretins"                     3:16
6.         "Harvester of Eyes"    4:42
7.         "Flaming Telepaths"   5:20
8.         "Astronomy"              6:28

Ficha:

Miembros de la banda:

• Eric Bloom - voz, guitarra rítmica, teclados
• Donald "Buck Dharma" Roeser - guitarra solista
• Allen Lanier – teclados, guitarra rítmica, sintetizadores, segunda guitarra solista en la pista 11
• Joe Bouchard - bajo, voz
• Albert Bouchard - batería, voz

Producción:

• Murray Krugman, Sandy Pearlman - productores
• Tim Geelan, Jerry Smith - ingenieros de sonido
• Lehman Yates, Lou Schlossberg - grabación
• John Berg - diseño de portada

FAQ:

Popular pregunta que hacen muchos melómanos sobre la banda.

¿Cuál ha sido la canción de mayor éxito comercial del grupo Blue Öyster Cult?

Sin ninguna duda la canción "(Don’t Fear) The Reaper" del disco "Agents Of Fortune" (1976) es el gran triunfo comercial de Blue Öyster Cult. Solo con "Burnin’ for You", del tremendo Fire of Unknown Origin (1981) cosecharon un éxito comparable.

FARAQUET | The View from This Tower

Faraquet (Banda)

Grupo americano de Post-Hardcore de la ciudad de Washington D.C., y a veces incluida en el género de "Math Rock". El trío se formó en 1997 y se disolvió en 2001 después de publicar su álbum debut "The View from This Tower" con el sello "Dischord Records". Faraquet fue influenciado por compañeros de DC como Fugazi, Jawbox y Nation of Ulysses, así como por bandas de Rock-Progresivo como "King Crimson". Este último matiz es importante, para mi la incorporación del estilo "Progressive Rock" les aparta del "Hardcore" para hacer "Faraquet" una banda distinta y diferente, tanto que gusta al público que inicialmente "huyen" del Punk o sus sonidos derivados más agresivos.

Desde Chicago Devin Ocampo (voz y guitarra) y Chad Molter (batería) se mudaran a Washington DC, y Jeff Boswell (bajo y Moog) fue reclutado para completar la formación de "Faraquet" en 1998. Influenciado por el sonido de "DC", la banda lanzó su EP debut en DeSoto Records en 1998 seguido de un EP dividido con "Akarso" al año siguiente. En el 2000, el álbum debut "View From This Tower" fue publicado, sería el único disco de la banda.

No obstante, aunque encasquillados en la categoría "Post-Hardcore", la música de "Faraquet" cruza varias fronteras estilísticas. De ahí que los riffs así como algunas estructuras y guiños vocales nos lleven directamente a "King Crimson", pero a su vez su estilo remite igualmente a grandes figuras del Punk, Jazz e Indie-rock. El álbum "The View from This Tower" continúe todos estos mencionados estilos musicales, una musicalidad fuera de lo normal y sonidos más acogedores y psicodélicos que los de sus "hermanos" del sello Dischord Records. Inicialmente me había llamado la atención esta banda vía la prensa especializada y con el perjuicio de que eran un grupo "Post-Hardcore" agresivo estilo Minor Threat...este álbum me descolocó y rompió todo mis prejuicios. Es un disco accesible, muy inteligente e impresionante.

ALBUM: The View from This Tower

Es el único álbum de la banda "Faraquet". Publicado en 2000 me parece una joya subestimada del "Math Rock" (por salirme de la etiqueta de "Post-harcore").

Fusionando la sofisticación musical y el ingenio de "King Crimson" con la ferocidad y el sonido "DC" de Fugazi, Faraquet creó este álbum frenético, agitado y apasionado que se derrumba en una atrofia melódicamente muy agradable. La banda abraza la experimentación del Rock-progresivo y las alusiones al Free-jazz, pero no sucumben a los excesos de ninguno de los géneros. El resultado es magnífico, y en mi caso, gratamente sorprendente. Además, es un disco de una maestría musical impresionante, con estructuras de canciones creativas con sensibilidad Pop (quien lo iba pensar dentro del sonido "DC"). Los momentos estelares para mi son: "Cut Self Not", "Carefully Planned", "The View from This Tower" y "The Missing Piece", aunque es un disco que se debe disfrutar desde principio a fin.

Un disco recomendado. Un impresionante, y lamentablemente único álbum de "Faraquet", lleno de una interpretación hábil y lograda, así como ganchos sólidos, acompañado por un vocalista que encaja perfectamente con su sonido. Una obra variada y colorido, que se sale de lo que uno espera del movimiento y estilo "Post-hardcore" y "sonido DC".

Busca el álbum y escucharlo, te puede sorprender. Yo lo flipe la primera vez.

Video del tema "Cut Self Not":

Tracklist del disco "The View from This Tower":

1. "Cut Self Not"
2. "Carefully Planned"
3. "The Fourth Introduction"
4. "Song for Friends to Me"
5. "Conceptual Separation of Self" (Cello por Amy Domingues)
6. "Study in Complacency"
7. "Sea Song"
8. "The View from This Tower"
9. "The Missing Piece"