ART OF FIGHTING - Wires: un clásico indie australiano

A comienzos de este siglo, mientras buena parte del rock alternativo buscaba canciones capaces de crecer hasta llenar estadios, cuatro músicos australianos siguieron una dirección bastante menos evidente. Art of Fighting decidió reducir el volumen, separar los golpes de batería, dejar respirar las guitarras y comprobar cuánto podía aguantar una canción antes de romperse por completo.

El resultado "Wires", su primer álbum, publicado en Australia en marzo de 2001. Décadas después, sigue siendo un disco curioso incluso dentro de la música independiente de su época. No porque resulte extraño o experimental en un sentido convencional, sino porque se atreve a hacer algo especialmente difícil: confiar en la paciencia.

Aquí casi nunca sobra nada. Una guitarra puede aparecer durante unos segundos y desaparecer. El bajo se mueve discretamente bajo las voces. La batería evita imponerse. Entre una nota y la siguiente hay huecos que otros grupos habrían llenado de inmediato.

Y precisamente ahí vive gran parte de la emoción de "Wires".

ALBUM: Wires

La banda no había empezado haciendo esta clase de música. Sus primeras grabaciones estaban mucho más cerca del indie rock estadounidense de los años noventa. Pavement, Sonic Youth y Sebadoh formaban parte de su educación musical, y aquellas influencias podían escucharse en sus primeras maquetas.

Con el tiempo, "Art of Fighting" comenzó a eliminar ruido de sus canciones. Hacia 1998, el grupo ya experimentaba con estructuras más abiertas y delicadas en los EP The Very Strange Year y Empty Nights. Todavía estaban buscando una identidad, pero la dirección empezaba a estar clara.

Ollie Browne recordaría años después un momento que ayuda a comprender ese cambio. Una mañana escuchó por casualidad en la radio "I Dream a Highway", de Gillian Welch. Llegó cuando la canción ya había comenzado y quedó atrapado por su lentitud y su paciencia. No era exactamente la música que hacía Art of Fighting, pero sí contenía algo que el grupo quería perseguir: la posibilidad de tocar despacio y en voz baja sin renunciar a la intensidad.

Convertir esa idea en un álbum completo sería bastante más complicado.

Un apartamento, una guitarra barata y un invierno en Melbourne:

Buena parte de "Wires" tomó forma durante el invierno de 2000 en el suburbio de Carlton North, Melbourne. Ollie Browne y Peggy Frew vivían en un pequeño apartamento situado encima de una tienda. Muchas canciones comenzaron allí durante largas noches, con una guitarra acústica Yamaha de unos 200 dólares y la luz de las farolas entrando desde la calle.

El escenario encaja sorprendentemente bien con el sonido posterior del álbum. Hay algo nocturno en estas canciones, pero no una oscuridad teatral. Se parecen más a esas horas en las que una ciudad está prácticamente dormida y cualquier sonido parece adquirir una importancia desproporcionada.

Browne llevaba estructuras de acordes, melodías y letras todavía incompletas, pero "Art of Fighting" trabajaba colectivamente sobre ellas. Peggy Frew construía líneas de bajo melódicas, Miles Browne añadía guitarras finas y teclados, mientras Marty Brown encontraba la manera de mantener aquellas canciones extremadamente lentas en movimiento. También fue responsable del Fender Rhodes que aparece en el disco.

El grupo desmontaba y reconstruía cada composición una y otra vez. Esa atención obsesiva explica por qué Wires puede parecer espontáneo y frágil cuando, en realidad, detrás existe una preparación minuciosa.

Una canción lenta puede ser más difícil:

"Art of Fighting" llegó a las sesiones del álbum con una ventaja poco habitual: prácticamente ya había grabado Wires entero como maqueta. Temas como "Moonlight", "Just Say I’m Right" o "Find You Lost" llevaban tiempo formando parte de sus conciertos, mientras "Skeletons" o "Something New" eran todavía mucho más recientes.

El productor elegido fue Tim Whitten, cuyo trabajo con la banda australiana Crow había impresionado profundamente al grupo. Para unos músicos que admiraban el álbum Li-Lo-Ing, poder trabajar con Whitten en Megaphon Studios era casi una aspiración improbable.

Las sesiones tuvieron lugar a finales de 2000. La prioridad no consistía en conseguir un sonido espectacular, sino en preservar la interacción entre los cuatro músicos.

En canciones tan lentas, entrar ligeramente fuera de tiempo podía desmontarlo todo. Marty comenzaba algunas grabaciones siguiendo una claqueta para establecer el pulso. Después, Whitten la retiraba y permitía que los músicos terminaran la canción escuchándose entre ellos.

Ese pequeño detalle se percibe en el resultado. "Wires" tiene precisión, aunque nunca parece mecánico.

"Skeletons" abre una puerta que después ya no se cierra:

Los primeros minutos de "Skeletons" contienen buena parte del lenguaje del álbum. La voz de Ollie Browne aparece contenida, casi vulnerable, mientras las guitarras construyen un paisaje que nunca termina de asentarse.

Se han señalado conexiones con Mazzy Star o Built to Spill, y tienen sentido. También resulta inevitable pensar en el slowcore de Low cuando aparece "Moonlight", o incluso en Songs: Ohia durante algunos de los momentos más desnudos del disco. Art of Fighting, sin embargo, no suena como una combinación calculada de esas referencias.

Su personalidad procede de la tensión:

"Akula" quizá sea el ejemplo más evidente. Las escobillas de la batería y los largos espacios entre notas hacen que escucharla se parezca a esperar algo que no sabemos si llegará. Miles Browne describió esa forma de tocar como una relación entre tensión y liberación. El grupo tenía que mantenerse unido precisamente durante los momentos en los que aparentemente estaba ocurriendo menos.

Ese principio convierte el silencio en un instrumento más.

Pop de canciones frágiles:

Una escucha superficial podría hacer pensar que "Wires" mantiene la misma velocidad emocional durante todo el recorrido. Al detenerse en las canciones aparece una realidad bastante diferente.

"Give Me Tonight", por ejemplo, revela cuánto le interesaba a Ollie Browne la estructura de la canción pop. Durante aquella etapa quería probar formas algo más compactas, con versos, estribillos y puentes reconocibles, pero sin abandonar la delicadeza que Art of Fighting había descubierto.

"Find You Lost" es, para mí, donde esa combinación alcanza uno de sus mejores momentos. La canción incluye voces invitadas de Marcus Barczak y avanza sin necesidad de buscar un gran estallido final. Todo parece suspendido durante unos minutos. Es melancólica sin resultar sentimental y hermosa sin esforzarse por demostrarlo.

Peggy Frew toma la voz principal en "I Don’t Keep a Record", aportando un cambio de perspectiva que evita que el álbum dependa exclusivamente del registro de Browne.

Más adelante, "Just Say I’m Right" deja entrar algo más de volumen y distorsión. No rompe con la lógica del disco, pero demuestra que la contención funciona mejor cuando existe la posibilidad de abandonarla.

La tristeza nunca termina de convertirse en desesperación. Durante la creación del álbum, el propio Ollie Browne llegó a preocuparse por la cantidad de melancolía acumulada en las canciones. Quiso escribir algo que ofreciera un poco más de luz.

De esa intención nació "Reasons Are All I Have Left":

La referencia fue Everybody’s Talking, de Harry Nilsson. Browne admiraba su capacidad para transmitir tristeza y, al mismo tiempo, producir una extraña sensación de apertura. Buscaba algo parecido.

La canción cumple precisamente esa función dentro de "Wires". No elimina la melancolía anterior, pero cambia su significado. Después de escuchar el álbum completo, la sensación que queda no es tanto de derrota como de una belleza que necesita convivir con cierta tristeza para existir.

Las letras y los arreglos parecen compartir esa misma inseguridad. Relaciones que podrían romperse, personas intentando acercarse, pensamientos difíciles de ordenar. Nada termina de resolverse por completo.

Por qué se llamó "Wires":

El título apareció durante una noche en un pub de Kings Cross mientras la banda esperaba que Tim Whitten terminara una mezcla. Durante algún tiempo habían manejado otros nombres, entre ellos Murder In The Dark, pero ninguno terminaba de representar el disco.

La palabra Wires procedía de una frase que había circulado entre ellos: “You want to put wires in my brain”.

Funcionaba en varios niveles. Estaban las cuerdas de las guitarras, el Fender Rhodes, las escobillas de batería y todo el sistema físico de cables que permite grabar música. Pero también aparecía una lectura emocional, los hilos invisibles que conectan unas personas con otras.

Para un álbum tan preocupado por la fragilidad de esas conexiones, difícilmente podían haber encontrado un nombre más adecuado.

Un premio que la banda no esperaba ganar:

"Wires" fue publicado por Trifekta Records en 2001 y ese mismo año recibió el premio ARIA a mejor lanzamiento alternativo.

La victoria resultaba especialmente improbable para sus autores. Compartían nominación con grupos como You Am I, Something for Kate, Big Heavy Stuff y Magic Dirt, bandas que ellos mismos habían admirado años antes.

De hecho, "Art of Fighting" ni siquiera acudió a la ceremonia. Tenía programada una gira europea de seis semanas y decidió continuar con ella.

La noticia llegó mientras estaban en Krefeld, Alemania. En mitad de la carga del equipo después de un concierto, una llamada telefónica les comunicó que habían ganado. Guitarras y amplificadores terminaron momentáneamente abandonados mientras los cuatro intentaban asimilarlo.

El reconocimiento del disco no terminó ahí. En 2021, Rolling Stone Australia situó "Wires" en el puesto 159 de su selección de los mejores álbumes australianos.

Escuchar en una época que apenas deja espacio al silencio:

Quizá la razón por la que este álbum de Art of Fighting me sigue resultando tan atractivo tenga poco que ver con la nostalgia.

Su manera de utilizar el tiempo incluso parece más radical ahora.

Vivimos rodeados de canciones que intentan mostrar rápidamente cuál es su mejor parte. "Wires" hace exactamente lo contrario. No corre hacia ningún estribillo, no fuerza grandes momentos emocionales y rara vez intenta conquistar al oyente de inmediato. Necesita espacio.

Y cuando se lo das aparecen todos esos pequeños movimientos que al principio podían pasar inadvertidos: una línea de bajo que cambia la dirección de la canción, unas escobillas entrando suavemente, una guitarra que deja una nota suspendida o una voz que parece dudar antes de continuar.

Disco recomendado

Para alguien joven que nunca haya escuchado a "Art of Fighting", comenzaría por "Skeletons" y "Find You Lost", pero no me quedaría ahí. "Wires" funciona mejor cuando se escucha entero y sin demasiadas interrupciones. Hay discos que impresionan por todo lo que contienen. Este consigue algo bastante más raro: emocionar por todo aquello que sabe que no necesita añadir. Creo que te va gustar.

Video del tema "Reasons Are All I Have Left":

Tracklist:

1. Skeletons 04:04
2. Give Me Tonight 04:38
3. Akula 05:18
4. Moonlight 04:45
5. I Don't Keep A Record 05:49
6. In No Good Way 04:35
7. Find You Lost 07:17
8. Reasons Are All I Have Left 04:30
9. Just Say I'm Right 06:09
10. Wires 01:27
11. Something New 07:04 

BIG THIEF - Double Infinity - Album

Pienso que este no es un disco que llegue con la intención de reafirmar nada. "Double Infinity" aparece en un momento de transición para Big Thief, cuando la banda ya no necesita demostrar su relevancia y puede permitirse explorar otras formas de decir, tocar y sentir. Escucharlo es aceptar que no todas las respuestas están claras y que, a veces, la música más interesante nace precisamente de ese espacio incierto.

ALBUM: Double Infinity

Este año me parece uno de los discos más interesantes publicados, no porque sea el más inmediato ni el más redondo, sino porque es uno de los que que más preguntas me plantea. "Double Infinity" llega en un momento clave para Big Thief, cuando la banda podría haberse acomodado tras el éxito masivo y crítico de "Dragon New Warm Mountain I Believe in You" y, sin embargo, decide hacer justo lo contrario. En lugar de repetir fórmula, el grupo se desarma, se expone y se permite grabar un álbum que suena a proceso, a búsqueda y, en ocasiones, a duda. Como oyente y como seguidor de su trayectoria, eso me resulta estimulante.

Ruptura y apertura:

El álbum se publica el 5 de septiembre de 2025 y es el primero que la banda graba sin Max Oleartchik, bajista fundador que abandonó el grupo en 2024 tras una etapa convulsa tanto a nivel interno como externo. La salida de Max marcó el final de una era para una banda que hasta entonces se había definido por una cohesión casi orgánica, por esa sensación de cuatro cuerpos respirando al mismo tiempo. En lugar de intentar reemplazar esa dinámica, Adrianne Lenker, Buck Meek y James Krivchenia optaron por redefinirla.

"Double Infinity" se grabó durante tres semanas en el "Power Station" de Nueva York, con Dom Monks de nuevo al mando de la producción, pero con una premisa distinta. Por primera vez, Big Thief trabajaron como un núcleo de tres músicos e invitaron a colaboradores de procedencias muy diversas, desde el ambient espiritual de Laraaji hasta percusionistas con formación afrocaribeña como Caleb Michel, pasando por el bajista Joshua Crumbly. El resultado no es un álbum de banda en el sentido clásico, sino un espacio abierto donde las canciones se expanden, se estiran y, a veces, se disuelven.

Adrianne Lenker lo describió como "gritar desde la montaña, hacia el cielo y hacia el núcleo de la tierra". Esa imagen resume bien el espíritu del disco: no hay una dirección clara, sino una voluntad de abarcarlo todo, aunque eso implique perder nitidez por el camino.

Sonido improvisado y psicodélico:

Si Dragon New Warm Mountain, era un catálogo exuberante de estilos, "Double Infinity" es un álbum mucho más unitario en atmósfera, aunque no necesariamente en estructura. Aquí desaparecen casi por completo los temas folk inmediatos y las canciones con estribillos memorables. En su lugar aparece una música más meditativa, psicodélica y, en muchos momentos, claramente improvisada.

El arranque con "Incomprehensible" marca el tono desde el primer minuto. Es una canción de rock espacial, impulsada por una batería nerviosa y una guitarra que parece buscar constantemente nuevos puntos de apoyo. La voz de Lenker no lidera la canción tanto como la atraviesa, con ecos que la convierten casi en otro instrumento más. Es significativo que el disco empiece así, con una declaración de intenciones que no busca seducir, sino situar al oyente en un terreno inestable.

"Words" continúa por ese camino, con guitarras que chirrían, armonías que se superponen sin resolverse del todo y una sensación general de búsqueda. Aquí Big Thief parecen dialogar tanto con el rock psicodélico de finales de los sesenta como con el folk experimental de discos como "U.F.O.F.", pero llevándolo un paso más allá, hacia terrenos menos narrativos y más sensoriales.

"Los Angeles" actúa como un primer punto de anclaje. Es una canción más desnuda, con guitarras acústicas y armonías vocales que remiten a Bob Dylan o Joni Mitchell, pero incluso aquí hay algo flotante, como si la canción no terminara nunca de posarse del todo. La letra, fragmentaria y evocadora, habla de reencuentros y de vínculos que sobreviven al paso del tiempo sin necesidad de explicaciones.

Canciones como estados emocionales:

Una de las claves de "Double Infinity" es que muchas de sus canciones funcionan menos como relatos cerrados y más como estados emocionales prolongados. "No Fear", con sus siete minutos de duración, es probablemente el mejor ejemplo. Construida sobre un groove lento y envolvente, la canción se va cargando de capas, percusiones múltiples, guitarras procesadas y efectos que crean una sensación cercana al dub o al shoegaze más etéreo. Las letras, simples hasta rozar lo infantil, parecen pensadas como mantras, no como mensajes racionales. Puede resultar frustrante para quien busque la precisión lírica de otros discos de Big Thief, pero también tiene algo hipnótico, casi físico.

"Grandmother", con la colaboración de Laraaji, es uno de los momentos más extraños y, a la vez, más reveladores del álbum. La canción celebra la impermanencia, el amor atravesado por la conciencia de la pérdida. La zither, los drones y las vocalizaciones sin palabras aportan una dimensión casi espiritual, alejando a Big Thief de cualquier etiqueta estricta de rock o folk. Aquí la banda parece más cercana a una experiencia colectiva que a una canción en el sentido tradicional.

"All Night, All Day" introduce una energía distinta, con percusiones rápidas y una sensación rítmica que recuerda vagamente a una versión acústica y orgánica del drum and bass. Es uno de los temas más accesibles del disco y, al mismo tiempo, uno de los más luminosos, con letras que hablan de gratitud y conexión.

El tema que da título al álbum, "Double Infinity", es quizá el corazón emocional del conjunto. Es una canción serena, casi suspendida en el aire, donde Lenker canta sobre un amor que no necesita definirse, que existe más allá del tiempo y del lenguaje. No es una declaración ni una despedida, sino algo más difuso y, por eso mismo, más honesto.

Comparaciones inevitables:

Es difícil no establecer paralelismos entre "Double Infinity" y otros momentos de transición en la historia del rock. Hay algo de "ADore" de Smashing Pumpkins en su mezcla de sensibilidad gótica y experimentación, o de "Planet Waves" de Bob Dylan en esa sensación de banda que se reconfigura mientras sigue avanzando. No son discos que buscaran agradar en su momento, y precisamente por eso han envejecido de forma interesante.

También es inevitable compararlo con Dragon New Warm Mountain…, y ahí surgen muchas de las críticas. Este no es un disco expansivo ni celebratorio. Es más bien un otoño espiritual, una etapa de introspección tras el exceso. Algunas canciones pueden parecer inacabadas o repetitivas, pero quizá esa incomodidad sea parte del mensaje.

Por qué interesa:

"Double Infinity" no es el álbum más inmediato de Big Thief, ni probablemente el más querido a corto plazo. Pero es uno de los más honestos. Refleja una banda en plena transformación, dispuesta a perder certezas para explorar otras formas de conexión, tanto entre ellos como con el oyente. En un contexto cultural donde todo parece exigir claridad, posicionamiento y rapidez, este disco apuesta por la ambigüedad, el proceso y la escucha atenta.

Disco recomendado

Recomendar "Double Infinity" implica también advertir. No es un disco para poner de fondo ni para buscar grandes himnos. Es un álbum que pide tiempo, paciencia y una cierta disposición a dejarse llevar. Si entras en su lógica, te devuelve una experiencia rica, extraña y profundamente humana. Para quienes sigan la evolución de Big Thief o simplemente busquen un álbum que se atreva a ser distinto en 2025, este es, sin duda, un viaje que merece la pena recorrer.

Video del tema "Grandmother":

Tracklist:

1. "Incomprehensible"              3:53
2. "Words"              3:47
3. "Los Angeles"              3:57
4. "All Night All Day"             4:48
5. "Double Infinity"              4:12
6. "No Fear"              6:58
7. "Grandmother" (with Laraaji) 6:00
8. "Happy with You"             4:26
9. "How Could I Have Known"     4:48

Big Thief (Banda):

• Adrianne Lenker – voz, guitarra (todas las pistas), drone (4), percusión, ambientación (8)
• Buck Meek – guitarra (todas las pistas), voz (1, 3, 7–9)
• James Krivchenia – batería (todas las pistas), percusión (1, 2, 4–9), sintetizador (1), voz (1, 7, 8), drone (4, 9), ambientación (8)

Músicos adicionales:

• Alena Spanger – voz
• Hannah Cohen – voz
• Joshua Crumbly – bajo
• June McDoom – voz
• Laraaji – cítara (1, 3, 4, 6–8), tablet (1, 3, 4, 7, 8), piano electromecánico (2), voz (2, 7), percusión (6)
• Mikel Patrick Avery – percusión (1, 2, 5–7)
• Mikey Buishas – piano (1, 3–5, 8), bucle de cinta (2–7), sintetizador (7)
• Caleb Michel – percusión (2, 4, 7–9)
• Jon Nellen – percusión (3, 4, 6, 8, 9)
• Adam Brisbin – guitarra (9)

Técnico:

Dom Monks – producción, mezcla, ingeniería

BENEFITS - Constant Noise - Album

Este disco llega en un momento en el que todo alrededor parece saturado. Cuando escuché "Constant Noise" por primera vez, sentí que Benefits estaban poniendo en palabras y sonido una sensación muy común hoy: cansancio, desconcierto y la dificultad de orientarse entre tanto ruido. Este nuevo trabajo no busca grandes gestos, sino entender ese clima y convertirlo en algo que merece ser escuchado con atención. Con esa misma intención te propongo uno de los mejores discos del 2025.

ALBUM: Constant Noise

Descubrí "Constant Noise" poco después de su lanzamiento en marzo de 2025. No sabía muy bien qué esperar, porque Benefits siempre me había parecido uno de esos grupos cuyo mensaje se siente incluso antes de procesar sus canciones. Pero lo que encontré en este nuevo trabajo fue una evolución que no esperaba. El grupo británico ha dado un giro sonoro y emocional hacia un territorio más amplio, más reflexivo y, al mismo tiempo, más devastador. Este disco no busca impresionar con volumen, sino con la precisión de lo que quiere contar.

Desde la primera escucha tuve claro que Constant Noise es un álbum construido desde una urgencia honesta. No hay artificio ni pose. Hay cansancio, lucidez y un deseo casi obsesivo de entender qué está ocurriendo a nuestro alrededor. Y esa mezcla, cuando se combina con la voz incisiva de Kingsley Hall y las texturas electrónicas de Robbie Major, crea una experiencia que va más allá de una simple colección de canciones. Es un documento cultural de un país agotado.

Cómo surgió Constant Noise:

Cuando Benefits publicaron Nails en 2023, muchos los interpretamos como una grieta en el mapa sonoro británico. Era un álbum directo, rabioso, sin filtros. Pero entre ese debut y este segundo trabajo, el Reino Unido ha cambiado aún más. El clima político, la crisis económica, el desgaste emocional y la manipulación mediática han intensificado la sensación de vivir rodeados de ruido, un ruido que lo invade todo, desde las redes sociales hasta el discurso público.

Ese ruido constante es la materia prima del disco. Kingsley Hall y Robbie Major han reducido el grupo a un dúo y han decidido mirar de frente ese paisaje: recortes sociales, desigualdad, un país fracturado por discursos que señalan hacia abajo en vez de hacia arriba. La palabra “benefits” ha reaparecido en el debate político como arma contra quienes menos tienen, mientras que figuras tecnológicas, cada vez más poderosas, moldean un futuro inquietante desde posiciones de privilegio absoluto.

En medio de esa mezcla de vulnerabilidad y descontento, Benefits no han respondido con más furia, sino con algo más interesante: profundidad. Constant Noise se ha construido como una reacción adulta, consciente y emocionalmente fatigada, que no renuncia a la crítica social, pero que busca nuevas formas de expresarla. Un sonido más amplio, más pensado, más inquietante

Música, producción y atmósfera:

El disco sorprende desde el principio. La canción que lo abre, “Constant Noise”, no estalla, se desliza. Hall recita con calma, casi con resignación, sobre una base electrónica que combina coros suaves y un pulso industrial. Es una introducción que ya señala una diferencia importante con respecto a Nails: aquí la intensidad se repliega para dejar espacio a la reflexión.

Ese tono más contenido se rompe de inmediato con “Land of the Tyrants”, una de las piezas más contundentes del álbum. El ritmo recuerda a “Star Guitar” de The Chemical Brothers, pero el mensaje está lejos del escapismo del club. Hall cuestiona la apatía política, la indiferencia ante quienes toman decisiones que afectan a millones. Es una canción que puede hacerte mover la cabeza, pero que también te obliga a pensar en el lugar en el que vives.

La electricidad continúa en “Blame”, donde la influencia de Underworld o Leftfield aparece de forma clara. El motor rítmico es constante, casi físico, mientras Hall señala la facilidad con la que se busca un culpable sencillo para problemas estructurales. Esta unión entre baile y crítica social es uno de los grandes aciertos del disco.

Después llega uno de los momentos clave: “Missiles”. Aquí Benefits entregan su pieza más cruda y emocional. Hall habla con voz casi quebrada sobre Gaza, sobre la forma en que la guerra se ha convertido en un espectáculo normalizado, sobre la mirada cansada de una sociedad que ya no sabe cómo reaccionar. Major, mientras tanto, construye una estructura sonora que se vuelve más oscura a medida que avanza la canción, como si el mundo digital se plegara sobre sí mismo. Es un tema difícil de escuchar, pero imposible de ignorar.

“Lies and Fear” nos devuelve al Benefits más directo. Su percusión veloz, casi violenta, recuerda a su etapa anterior. Suena como un ataque, una sacudida, una llamada a no dejarse arrastrar por la manipulación mediática que divide y confunde.

Más adelante, “Divide” introduce una energía distinta gracias a la colaboración del rapero SHAKK. Su presencia aporta tensión, pero también camaradería. La canción se convierte en un diálogo entre dos voces que, desde distintos estilos, observan el mismo país roto.

Video del tema "Divide":

El tramo final es más introspectivo. “The Victory Lap” tiene un aire de celebración triste, como un brindis en mitad de una ciudad derruida. “Terror Forever”, en cambio, mezcla instrumentos de jazz con recitado mordaz, y crea un ambiente frenético y al mismo tiempo profundamente humano. Y el cierre, “Burnt Out Family Home”, es un susurro extraño y melancólico. Parece una despedida, una pausa después de horas de observar el mundo sin filtros.

Ecos, influencias y conexiones:

Es fácil encuadrar a Benefits dentro de la tradición del spoken word británico. Su música convive con el trabajo de Sleaford Mods, Kae Tempest o Soft Play. Pero lo que han logrado en Constant Noise va más allá del estilo. Han encontrado una forma propia de unir poesía política y electrónica, ruido y contención, rabia y lucidez.

En este disco resuenan ecos de Radiohead, sobre todo de Kid A, no tanto por el sonido sino por la voluntad de cambiar de piel. También hay algo de Faithless en los pulsos más rítmicos y un aroma a rave sombrío que recuerda a los primeros años de la cultura electrónica británica, esa en la que bailar era también una forma de resistencia.

Un reflejo de nuestro tiempo: 

Lo que más me impacta del álbum es que no se limita a describir lo que va mal. Hace algo mucho más complejo: registra el cansancio. La fatiga emocional. La sensación de que estamos rodeados de ruido que no nos deja pensar. Ese ruido no es solamente sonoro, es social, político, informativo. Es el ruido de las noticias, de las redes, de los discursos que enfrentan. Es el ruido de vivir rápido sin saber por qué.

Constant Noise capta esa atmósfera y la convierte en música. Habla de guerras retransmitidas como entretenimiento, de una población que se siente pequeña ante decisiones gigantes, de un país que se fragmenta. Pero también habla de la posibilidad de encontrar unión, de la importancia de no perder el sentido crítico, de no cerrar los ojos. Es un disco terrible y hermoso al mismo tiempo, porque refleja exactamente la época que vivimos.

Por qué este disco es bueno:

A medida que fui escuchando Constant Noise, sentí que estaba ante un álbum que no se quedará atrapado en su propio año. Tiene una mirada tan precisa sobre la realidad que probablemente seguirá siendo relevante mucho tiempo. Benefits han ampliado su sonido sin perder su esencia. Han ganado profundidad sin perder contundencia. Y han demostrado que la música puede ser un lugar donde pensar y sentir al mismo tiempo.

No es un disco fácil, ni pretende serlo. Pero es necesario. Es uno de esos trabajos que te acompañan incluso cuando no lo estás escuchando.

Disco recomendado

Si te interesa la música que dialoga con su tiempo, si te atraen las propuestas que mezclan electrónica, poesía y crítica social, o si simplemente buscas algo que te remueva de verdad, te recomiendo que escuches Constant Noise. Es un álbum intenso, honesto y sorprendentemente humano. Te llevará a lugares incómodos, pero también a otros donde la claridad se abre paso entre el ruido. Es uno de los grandes discos del año 2025. Para mi, sin duda.

Video del tema "Land of the Tyrants":

Tracklist:

1. "Constant Noise" 3:05
2. "Land of the Tyrants" (featuring Zera Tønin) 3:06
3. "The Victory Lap" 4:16
4. "Lies and Fear" 1:47
5. "Missiles" 5:49
6. "Blame" 3:51
7. "Continual" 3:03
8. "Divide" (featuring Shakk) 5:42
9. "Relentless" (featuring Pete Doherty) 3:59
10. "Terror Forever" 1:03
11. "Dancing on the Tables" 3:14
12. "Everything Is Going to Be Alright" 3:52
13. "The Brambles" 3:34
14. "Burnt Out Family Home" 4:38

Miembros:

• Kingsley Hall - Letras, Voz, Composición
• Robbie Major - Composición, Sintetizadores, Violín, Letras

Hugh Major - Guitarra
James Adrian Brown – Producción, Mezcla
James Welsh – Producción, Mezcla
James Trevascus – Masterización

PINBACK - Blue Screen Life - Album

Antes de profundizar en los detalles del disco "Blue Screen Life", vale la pena detenerse a apreciar qué hace que este álbum y a Pinback sean tan diferentes del ruido que los rodeaba a principios de la década de 2000. Mientras la mayoría de las bandas indie de la época subían el volumen y buscaban una energía revivalista, Pinback tomó el camino opuesto: se encerraron en sí mismos. Su sonido no fue creado para salas abarrotadas ni sencillos de radio; fue diseñado para salas tranquilas y noches largas, para quienes escuchan tanto como sienten. Y eso es lo que hace que revisitar Blue Screen Life hoy sea tan gratificante: no es solo un álbum para escuchar, sino uno para habitar, capa a capa, mientras exploramos lo que se esconde tras su delicada precisión y profundidad emocional.

ALBUM: Blue Screen Life

Cuando escuché Blue Screen Life, tuve esa extraña sensación de descubrimiento: la sensación de haberme topado con algo personal. Editado en octubre de 2001 a través de Ace Fu Records, este segundo álbum del dúo de San Diego Pinback, formado por Armistead Burwell Smith IV y Rob Crow, se siente como un mensaje enviado desde otra era del rock indie. Era una época en la que la música aún podía ser discreta, intrincada y emotiva sin llamar la atención.

Pinback comenzó en 1998 como un modesto proyecto paralelo. Crow, conocido por su trabajo con Heavy Vegetable y Thingy, unió fuerzas con Smith, anteriormente de Three Mile Pilot y The Black Heart Procession. Lo que comenzó como un experimento se convirtió rápidamente en una de las colaboraciones más discretamente influyentes de la música independiente estadounidense.

Su química era extraordinaria: el bajo melódico de Smith y las guitarras estratificadas de Crow se entrelazaban a la perfección, creando canciones que eran a la vez técnicas y tiernas. Juntos, construyeron un mundo sonoro que se sentía artesanal, preciso, pero nunca estéril. Marcando el tono

El tema inicial, "Offline P.K.", sienta las bases de inmediato. Es fluido, ligeramente desfasado e hipnótico, invitándote a un paisaje sonoro que parece mitad soñado, mitad diseñado. Las guitarras brillan como la luz del sol reflejada en un vaso de agua, mientras que la batería se mueve suavemente por debajo, anclando la melodía sin abrumarla.

Este es indie rock despojado de ego. Donde muchos de sus colegas buscaban llenar cada espacio con sonido, Pinback se inclinó hacia la moderación. Convirtieron la quietud en un acto de rebeldía. Las canciones se despliegan lentamente, recompensando la paciencia con capas de armonía que parecen florecer en tiempo real.

Para cuando llega "Concrete Seconds", el álbum ya ha marcado su atmósfera: cálida, melódica y engañosamente simple. Sin embargo, bajo la superficie, cada detalle parece deliberado. Blue Screen Life está construido como una arquitectura, cuidadoso, preciso, pero nunca frío.

Canciones que susurran:

Si "Offline P.K." te abre las puertas, "Penelope" es donde te das cuenta de lo que hace especial a este álbum. Es una de esas raras canciones que logran ser a la vez íntimas y universales. Cuenta la leyenda que fue escrita como una canción de amor a un pez, un origen peculiar que, de alguna manera, encaja con el humor seco y la honestidad emocional del dúo.

El bajo de Smith prácticamente canta, creando un contrapunto con la voz entrecortada de Crow. Cada elemento, desde la sutil guitarra acústica hasta las armonías entrelazadas, se siente esencial. La canción flota, transportándote suavemente a un punto intermedio entre la melancolía y la comodidad.

Luego llega "Boo", quizás la pieza central emocional del álbum. Sus guitarras acuáticas y su suave percusión pintan una imagen de serena devoción. El verso "If the line breaks and there's no air, will you hold me?" me sigue deteniendo cada vez. Es poesía frágil vestida de pop, y captura la capacidad única de Pinback para convertir la vulnerabilidad en estructura.

Mientras tanto, "X I Y" aporta un tono más ligero con su inesperado ritmo reggae, y "Prog" muestra la experimentación rítmica del dúo. Estos pequeños desvíos evitan que el disco se hunda demasiado en la introspección. Te recuerdan que, bajo la calma, también hay alegría.

La arquitectura de la emoción:

Lo que encuentro fascinante de Blue Screen Life es cómo equilibra el corazón y el intelecto. Cada canción se siente calculada, casi científica en su precisión, pero las emociones nunca se sienten distantes.

Esto se puede apreciar con mayor claridad en "Bbtone". Construida alrededor de un motivo de guitarra repetitivo, se desarrolla como una meditación. Cada nota se siente colocada con intención. La voz de Crow se cierne sobre la música como una suave guía, guiándote a través de un laberinto sonoro que, de alguna manera, resulta reconfortante en lugar de frío.

Más tarde, "West" y "Tres" cierran el disco con una gracia serena. Sus líneas de piano se sienten casi como un himno, ofreciendo una sensación de cierre sin fin. El final no se resuelve, simplemente se desvanece, como un profundo suspiro liberado en la noche.

Al escuchar el álbum completo, me impresiona cómo la complejidad de Pinback nunca resulta académica. Es geometría emocional, música que satisface tanto la mente como el corazón.

    

Un disco que aún vale la pena:

Cuando salió Blue Screen Life, la escena indie estaba dominada por nombres más sonoros: The Strokes, The White Stripes, Modest Mouse. Pinback se distinguía. No buscaban la radio ni la modernidad; construyeron discretamente algo más duradero.

Con los años, este álbum se ha convertido en un clásico, el tipo de disco que los músicos se pasan como un código secreto. Su influencia se extendió a bandas como Death Cab for Cutie, The Postal Service y muchas otras que aprendieron que la sutileza podía ser tan poderosa como el ruido.

Incluso hoy, décadas después, Blue Screen Life suena genial. Su producción, suave, a veces incluso discreta, le otorga una calidez humana ausente en muchas grabaciones de la era digital. Esa sobriedad te invita a acercarte, a escuchar con atención. Y cuando lo hagas, descubrirás un álbum que se siente preciso y profundamente vivo.

Lo que cabe destacar es que Pinback logró este nivel de profundidad con tan pocos recursos. Dos músicos, algunas herramientas de grabación caseras y un propósito compartido. Su discreta dedicación convirtió el minimalismo en algo trascendente.

Una reflexión personal:

Suelo escuchar "Blue Screen Life" por la noche, cuando la casa está en silencio y el resplandor de una pantalla es la única luz. Quizás sea apropiado, dado el título del álbum. Creo que es música hecha para momentos de soledad.

Cada vez que escucho, encuentro algo nuevo: una armonía que no había notado, un pequeño cambio rítmico que cambia por completo la atmósfera de una canción. Esa es la magia de Pinback. Su trabajo no te atrapa al instante; poco a poco se gana tu confianza.

Así que si nunca has escuchado este álbum con atención, te recomiendo que lo hagas ahora. Ponte los auriculares, cierra los ojos y deja que se desarrolle a su propio ritmo. No hay prisa, la belleza de Pinback reside en su paciencia.

Disco recomendado

Blue Screen Life no es un disco que exija atención; se la gana silenciosamente. Es la prueba de que el rock indie puede ser a la vez emocionalmente rico e intelectualmente agudo. Rob Crow y Armistead Burwell Smith IV no solo escribieron canciones, sino que construyeron pequeños mundos sonoros donde coexisten la fragilidad y la precisión. Este no es un álbum para todos. Es para quienes escuchan con atención, aprecian la calma entre tormentas y encuentran significado en la moderación. Pero para ellos, se convierte en algo verdaderamente especial, un acompañamiento más que una simple colección de canciones.

Décadas después, sigue siendo una obra maestra de sutileza emocional. Si valoras la melodía por encima del volumen, la estructura por encima del espectáculo y la sinceridad por encima del estilo, Blue Screen Life merece un lugar en tu biblioteca de discos.

Video del tema "BBtone":

Tracklist:

1. "Offline P.K." 3:17
2. "Concrete Seconds" 4:08
3. "Boo" 3:58
4. "Bbtone" 4:47
5. "Penelope" 4:46
6. "Talby" 4:01
7. "X I Y" 3:32
8. "Prog" 4:03
9. "Your Sickness" 4:49
10. "Seville" 4:08
11. "West" 3:50
12. "Tres" 5:48

THE BUG CLUB - On The Intricate Inner Workings Of The System

ALBUM: On The Intricate Inner Workings Of The System

Cuando te topas con una banda como The Bug Club, es difícil no sentir curiosidad. Su tercer álbum de estudio, “On The Intricate Inner Workings Of The System”, es una montaña rusa de humor, energía y narración. Originarios de la modesta ciudad de Caldicot, en el sur de Gales, The Bug Club demuestra que las grandes ideas pueden surgir de los lugares más pequeños. Este disco no es solo un álbum, es una invitación a abrazar el caos, reírse de las absurdeces de la vida y, lo más importante, bailar mientras lo haces.

Compuesto por Sam Willmett (voz/guitarra), Tilly Harris (voz/bajo) y Dan Matthew (batería), el trío se ha ganado un espacio único en el indie rock moderno. Desde su creación en 2016, han sido imparables, produciendo diez sencillos, dos EP y tres álbumes de larga duración mientras realizan más de 200 espectáculos al año. Su productividad creativa sería intimidante si no fuera tan alegre, y su último trabajo es un testimonio del encanto de su enfoque.

Humor y Power Chords

 
El álbum, que se publicó el 30 de agosto de 2024, cobra vida con “War Movies” y “Quality Pints”, canciones que muestran la habilidad de The Bug Club para convertir lo mundano en algo entretenido. "War Movies" es al mismo tiempo un comentario descarado sobre los clichés cinematográficos y una muestra del feroz trabajo de guitarra de Sam Willmett, mientras que "Quality Pints" se adentra en el ritual de encontrar consuelo en una cerveza bien servida. Es una salva inicial llena de energía que se siente irreverente y profundamente sincera, un tono que mantienen magistralmente a lo largo del disco.

El secreto de estos números, y gran parte del álbum, radica en las voces duales de Sam y Tilly. Sus voces rebotan entre sí con una química natural que solo surge de años de colaboración, agregando capas de profundidad y humor incluso a las líneas más simples.

Espíritu punk

En esencia, “On The Intricate Inner Workings Of The System” combina la energía del punk con las melodías contagiosas del garage rock. Es lo-fi, pero intencionalmente, lo que le da al álbum una sensación íntima, casi en vivo. Sus influencias son claras pero no abrumadoras: está la irreverencia juguetona de The Modern Lovers, el humor de The Moldy Peaches e incluso algo de la entrega contundente de Buzzcocks. Y, sin embargo, The Bug Club sigue siendo completamente ellos mismos, canalizando estas inspiraciones en algo innegablemente fresco.

Tomemos “Pop Single”, por ejemplo. Su comentario meta sobre la industria musical es a la vez agudo y divertido: pero debajo del humor se esconde una melodía genuinamente pegadiza a la que es imposible resistirse. De manera similar, “Lonsdale Slipons” convierte un homenaje irónico al infame calzado del Reino Unido en un himno desenfrenado, mientras que “We Don’t Care About That” logra burlarse de las conversaciones triviales con un encanto implacable.

El humor con sustancia

 
Si bien el humor está presente en todas las canciones, hay una sorprendente cantidad de profundidad en las letras. La canción “Actual Pain”, por ejemplo, revela un lado más oscuro de la personalidad generalmente alegre de la banda. Debajo de la superficie se encuentra una reflexión conmovedora sobre cómo el humor puede actuar como un mecanismo de defensa.

En otro lugar, “Better Than Good” adopta la simplicidad tanto en su arreglo como en su mensaje: “No puedes conseguir algo mejor que lo bueno”. Es una declaración de satisfacción envuelta en una línea de bajo al estilo de Violent Femmes y una producción lo-fi que se siente deliciosamente sin pulir.

Incluso la canción principal, que dura poco menos de dos minutos, logra ofrecer una crítica mordaz de los sistemas sociales con una urgencia que perdura mucho después del acorde final.

 

Banda para el pueblo

 
Lo que distingue a The Bug Club es su capacidad de hacer que cada canción parezca una broma interna de la que te invitan a reírte con ellos. Su mentalidad de espectáculo en vivo se filtra en el disco, y cada riff, letra y ritmo de batería parece estar destinado a ser compartido con una multitud. Este espíritu comunitario se ejemplifica mejor quizás en la duración del álbum, poco más de 30 minutos, pero lleno de tanta energía e ingenio que parece una aventura mucho más larga.
 

Disco recomendado

 
El encanto de The Bug Club reside en su negativa a tomarse demasiado en serio. Están aquí para divertirse y quieren que te unas a ellos. Ya sean las sarcásticas reflexiones de “A Bit Like James Bond” o la energía implacable de “War Movies”, este álbum ofrece una rara combinación de ingenio agudo y talento musical innegable.

Hay algo refrescante en una banda que puede criticar el mundo con tanta ligereza. En una época en la que la música a menudo parece demasiado seria o completamente distante, The Bug Club encuentra un equilibrio, recordándonos que el humor y el corazón no son mutuamente excluyentes.

Reflexiones finales

 
El álbum “On The Intricate Inner Workings Of The System” es un disco alegre, caótico y humano. Es música que te hace reír, pensar y bailar, todo en el lapso de unos pocos minutos. Ya seas un fan de toda la vida o nuevo en el mundo de The Bug Club, este álbum es una escucha obligada. Una encantadora sorpresa y descubrimiento.

Video del tema "Quality Pints":

Tracklist:

1. War Movies 02:24
2. Quality Pints 02:18
3. Pop Single 02:53
4. Best Looking Strangers in the Cemetery 01:55
5. A Bit Like James Bond 02:38
6. We Don't Care About That 04:26
7. Lonsdale Slipons 02:13
8. Better Than Good 02:40
9. Actual Pain 02:15
10. Cold. Hard. Love. 03:14
11. The Intricate Inner Workings of the System 01:39

NILUFER YANYA - A Method Actor - Album

La británica Nilüfer Yanya esta ahora en su mejor momento y reconocida como uno de los jovenes talentos de la escena indie pop-rock. Quiero recomendar a los lectores de este blog de música su disco titulado "My Method Actor".

ALBUM: My Method Actor

Con este tercer álbum, Nilüfer Yanya se consolida firmemente como una de las voces más cautivadoras de la música británica contemporánea. Publicado el 13 de septiembre de 2024, este sucesor de “PAINLESS” encuentra a Yanya introspectiva, segura de sí misma y artísticamente liberada. Es un álbum que prospera en la contención, tanto musical como líricamente, pero que carga con un peso emocional que perdura. Con su colaborador habitual, Wilma Archer (Sudan Archives, Celeste…), como único socio en la producción, Yanya esculpe un espacio sonoro profundamente personal, un mundo donde cada elección se siente deliberada, pero nada resulta forzado.

Si “Painless” insinuaba la habilidad de Yanya para capturar la vulnerabilidad con una energía angular y ansiosa, “My Method Actor” la muestra inclinándose hacia algo más rico y contemplativo. El álbum abre con “Keep On Dancing”, una canción que establece el tono para lo que sigue. Es confrontativa en espíritu, con las voces suaves pero firmes de Yanya lanzando un desafío lírico: “¿Qué estás buscando?”. A medida que la canción crece desde delicados rasgueos acústicos hasta un remolino de voces y guitarra eléctrica superpuestas, Nilüfer Yanya deja claro que esta es una artista plenamente dueña de su sonido.

Esa confianza continúa en el tema principal, “Method Actor”, donde las texturas de guitarra grunge se encuentran con detalles de pedal steel, creando una tensión sonora que refleja el peso temático de la canción. Yanya canta sobre identidades cambiantes, sobre ponerse y quitarse máscaras: “Llevando mi nuevo disfraz”, reflexiona, como si tratara de reconciliar las múltiples versiones de uno mismo que mostramos a los demás. La metáfora de la “actuación de método” (título del álbum) se entreteje a lo largo del disco, abordando la brecha entre quiénes somos cuando nos observan y quiénes somos cuando estamos solos. Es una exploración de la autoconciencia, entregada con una claridad artística que resulta refrescantemente sincera.

Gran parte de esta obra brilla en sus momentos más tranquilos, donde Yanya reduce la instrumentación a lo esencial. Binding destaca como una clase magistral de contención, con su frágil arreglo de guitarra folclórica, percusión ligera y pedal steel susurrante, sirviendo como el contrapunto perfecto para la desgarradora interpretación vocal de Yanya. Su voz aquí tiene una cualidad fantasmal, mientras bosqueja un relato impresionista sobre la necesidad de escapar.

Donde sus discos anteriores a menudo vibraban con una energía nerviosa, este álbum se siente más deliberado, casi meditativo. Canciones como “Mutations” y “Ready for Sun (Touch)” se despliegan lentamente, invitando al oyente a sentarse con su inquietante belleza.

Líricamente, “My Method Actor” aborda con frecuencia transiciones y finales no resueltos. “Like I Say (Runaway)” funciona como una confesión, con Yanya admitiendo: “El minuto en que pierdo el control / me rompo por dentro”. Es un sentimiento que se repite a lo largo del álbum, dotándolo de una cohesión temática que refleja su unidad sonora.

El disco también deja espacio para la exploración instrumental. Canciones como “Mutations” y “Faith’s Late” habitan en sus propias atmósferas, con largos finales instrumentales que no se sienten indulgentes, sino más bien invitaciones a la reflexión. En “Mutations”, una ráfaga de cuerdas al final de la canción funciona como una liberación de tensión, un momento de catarsis que contrasta bellamente con la intensidad contenida del tema.

Incluso en sus momentos más oscuros, hay una claridad en la composición de Yanya que distingue este álbum. En “Made Out of Memory”, una de las piezas más conmovedoras del disco, Yanya lanza una línea que golpea directo al corazón: “Cavaré mi propia tumba / Me importa un carajo”. Es una declaración venenosa, pero entregada con una aceptación de sí misma que la hace aún más impactante. Aquí no hay melodrama, solo un silencioso reconocimiento del dolor y de la resiliencia que proviene de asumirlo.

La parte final del álbum se siente como un suave descenso, con “Just a Western” actuando como una lenta combustión que combina guitarras exuberantes con un ritmo hipnótico. “Wingspan”, el número que cierra el disco con una gracia onírica. Sus sintetizadores y líneas de guitarra delicadas hacen eco de la apertura del álbum, creando una sensación cíclica que convierte a “My Method Actor” en una experiencia completa y cohesionada.

En última instancia, este disco es un testimonio del crecimiento de Nilüfer Yanya como compositora y música. Al despojarse del ruido y centrarse en lo que realmente importa —su voz, su guitarra y sus historias—, Yanya ha creado una obra que se siente tanto íntima como expansiva. Es un álbum que recompensa con cada escucha, revelando nuevas capas en cada viaje. Desde sus susurros más silenciosos hasta sus declaraciones más audaces, “My Method Actor” es un logro brillante: un álbum tan profundamente personal como universalmente resonante. Para una artista que siempre ha parecido sabia más allá de sus años, esta es Nilüfer Yanya en su versión más segura de sí misma y quizás también en la más vulnerable.

Disco recomendado

En un panorama musical saturado de ruido, “My Method Actor” destaca por su poder silencioso y su brillantez sin pretensiones. Con este disco, Nilüfer Yanya no solo demuestra que pertenece a lo mejor del rock británico, sino que se posiciona como una de sus voces más singulares y esenciales. Un álbum que recomiendo escuchar, uno que se quedó a las puertas de mi lista de Mejores Álbumes de 2024.

Video del tema "Like I Say (I Runaway):

Tracklist: 

1.         "Keep on Dancing"    2:08
2.         "Like I Say (I Runaway)"      2:57
3.         "Method Actor"          3:51
4.         "Binding"       5:16
5.         "Mutations"    4:16
6.         "Ready for Sun (Touch)"       5:33
7.         "Call It Love" 4:53
8.         "Faith's Late"  4:49
9.         "Made Out of Memory"         3:34
10.       "Just a Western"         4:29
11.       "Wingspan"    2:27

Músicos:

• Nilüfer Yanya – voz principal
  
  
• Will Archer – producción, guitarra eléctrica (todas las pistas); guitarra acústica (pistas 1–7), programación (1, 4), teclados (1, 9), bajo (2, 3), coros (2, 6–8, 10, 11), piano (3, 4, 6, 7), guitarra barítono (3, 5), batería (5–7, 9, 10), sintetizador (7, 9), guitarra clásica (8, 10), grabación de campo (11)
• Ellis Dupuy – batería (pista 3)
• Joe Harvey-Whyte – pedal steel guitar (pistas 3–5, 9)
• Clíona Ní Choileáin – violonchelo (pistas 5, 7)

THE LA'S - The La's - Album

ALBUM: The La's

El único álbum de estudio de la banda de rock inglesa The La 's, publicado el 1 de octubre de 1990. Incluye los singles "There She Goes", el mayor éxito del grupo y "Timeless Melody". Una edición de lujo de The La 's fue lanzada el 7 de abril de 2008.

¿Quiénes eran The LA´s?

 
The La 's fue una banda de Liverpool (UK), originalmente activa desde 1983 hasta 1992. El grupo fue formada por Mike Badger en 1983 y Lee Mavers se unió al año siguiente, aunque durante la mayor parte de la historia del grupo, la formación que cambiaba con frecuencia giraba en torno a la dúo principal de Lee Mavers (voz, guitarra) y John Power (bajo, coros) junto con muchos otros guitarristas y bateristas, incluidos Paul Hemmings, John "Timmo" Timson, Peter "Cammy" Cammell, Iain Templeton, John "Boo" Byrne , Chris Sharrock, Barry Sutton y Neil Mavers.

 

Después de su debut LP del mismo nombre, John Power dejó The La 's para formar la banda "Cast" y THE LA' S entró en una pausa prolongada en 1992. El grupo luego se reformó brevemente a mediados de la década de 1990, 2005 y 2011. Sin embargo, no hay nuevas grabaciones.

El miembro fundador Mike Badger ha nombrado a Captain Beefheart como la principal influencia de La's; la banda también ha citado a artistas como Bo Diddley, Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Pink Floyd, Jimi Hendrix,... como influencias.

The La's han sido citados como influencias de Oasis, The Courteeners, The Stone Roses, The Charlatans, The Libertines y The 1975.

 

Volviendo a su único álbum....

 
Esta es una obra especial. Algunos álbumes logran existir fuera de tiempo o lugar. De esos, el único disco de "The La's" es tal caso.

El sonido sugiere los años 60 en sus arreglos simples, melodiosos e impulsados por la acústica, pero parece moderno en su enfoque abierto y espacioso.

Por ejemplo, la canción más conocida de la banda, "There She Goes", es indicativa del material de La 's en su fuerza melódica; con el resto del álbum mostrando un poco más de poder. Desde aquí puedes rastrear los inicios del Britpop y el nacimiento de Blur, Oasis y The Stone Roses. Vayamos más allá, tiene sentido pensar en este álbum como una especie de relleno entre dos períodos de la música conocidos como la "invasión británica": el primero es el de bandas como The Beatles, The Stones, The Kinks y The Who. , el segundo con Blur, Oasis, etc.

 

Estilo de música:

 
El álbum se caracteriza por su sonido de guitarra jange, melodías pegadizas y ganchos pop infecciosos. Las influencias se remontan a las bandas de rock británicas de la década de 1960 como The Beatles y americanas como The Byrds, así como al sonido Merseybeat de su ciudad natal, Liverpool. El álbum presenta una mezcla de temas alegres y melódicos, que muestran la habilidad de la banda para crear canciones pop memorables.

 

Momentos destacados-canciones:

 
1. "There She Goes": esta canción es la más destacada del álbum y se ha convertido en una de las canciones más conocidas de la banda. Cuenta con un riff de guitarra pegadizo, una melodía contagiosa y un coro para cantar. Una canción eterna.

2. "Timeless Melody": Otro destacado, muestra la capacidad de la banda para crear canciones pop melódicas y atemporales. Cuenta con un riff de guitarra memorable y un coro pegadizo.

3. "Son of a Gun": abre el álbum con su sonido enérgico y optimista. Establece el tono para el resto del álbum y muestra el sonido tintineante de guitarra de la banda.

 

Legado:

A pesar de ser el único álbum de estudio de la banda, "The La 's" ha tenido un impacto duradero en la industria de la música. El sencillo principal del álbum, "There She Goes", se ha convertido en un clásico pop atemporal y ha sido versionado por numerosos artistas (un ejemplo, por "Sixpence None the Richer") . El álbum en sí a menudo se considera un clásico de culto y ha influido en las generaciones posteriores de músicos.

Disco recomendado

 
Un álbum fascinante de "jangle", "The La 's" de The La' s es un debut de gran prestigio que muestra el sonido tintineante de guitarra pop y la composición pegadiza de la banda. Ha resistido la prueba del tiempo y continúa siendo celebrado como un clásico en el género jangle pop. Uno de los grandes álbumes de rock pop británico de todos los tiempos.

Video del tema "There She Goes":

Tracklist (formato original):

1.         "Son of a Gun"           1:55
2.         "I Can't Sleep"            2:37
3.         "Timeless Melody"     3:01
4.         "Liberty Ship" 2:31
5.         "There She Goes"       2:42
6.         "Doledrum"    2:50
7.         "Feelin'"          1:45
8.         "Way Out"      2:32
9.         "I.O.U."          2:13
10.       "Freedom Song"         2:23
11.       "Failure"          2:54
12.       "Looking Glass"         7:51

The La's:

• Lee Mavers - voz principal y coros, guitarras
• John Power - bajo y coros
• Peter "Cammy" Camell - guitarras principales
• Neil Mavers - batería y pandereta
• John "Boo" Byrne - guitarra eléctrica (en "There She Goes")
• Chris Sharrock - batería y pandereta (en "There She Goes")
• Paul Hemmings - guitarra eléctrica (en "Way Out")
• John "Timmo" Timson - batería, pandereta y campanas (en "Way Out")

Producción:

• Steve Lillywhite - productor, mix
• Mark Wallis - productor adicional, ingeniero de sonido. 

BLUR - The Ballad of Darren (2023)

ALBUM: The Ballad of Darren

El noveno álbum de estudio fue publicado el 21 de julio de 2023. Las canciones del álbum fueron escritas por el líder Damon Albarn en 2022 mientras estaba de gira con solo proyecto en solitario  "Gorillaz" y compuestas por Albarn y el resto de la banda. Fue producido por James Ford (también conocido por ser miembro de Simian Mobile Disco y Last Shadow Puppets, así como por su trabajo de producción con Arctic Monkeys, Depeche Mode, Foals, Florence and the Machine, Gorillaz, Klaxons, Jessie Ware, Pet Shop Boys... por mencionar algunos). Este disco se convirtió en el sexto álbum #1 de la banda en el Reino Unido.

La portada del álbum presenta una fotografía de 2004 de un hombre nadando solo en la piscina al aire libre Gourock en Gourock, Escocia, tomada por Martin Parr. Su título hace referencia a Darren "Smoggy" Evans, el guardaespaldas de la banda desde hace mucho tiempo.

Una obra sorprendente con su gran trabajo de guitarra y nuevas ideas que transmite calidad e intimidad en el primer álbum de Blur en ocho años. El disco ha sido descrito como una reflexión sobre la vida de mediana edad, con un enfoque en la nostalgia, la pérdida y la melancolía.

Damon Albarn explora el lado más tranquilo. Hay reflexión y sinceridad, trepando a través de una variedad de prácticas y flujos instrumentales, magistralmente gestionados por el cuarteto. Hay muchos ritmos de piano gruesos que guían a Blur a nuevos terrenos. Blur dota a las canciones de Albarn de profundidad y dimensión, mientras Graham Coxon decora los márgenes que dejan los ritmos elásticos de Alex James y Dave Rowntree

Estilo musical e influencias:

Descrito como un trabajo que contiene elementos de lounge pop y pop alternativo de los 70, el álbum ha sido comparado con los trabajos de Lou Reed, John Cale, el álbum "A Moon Shaped Pool" de Radiohead y el propio "Think Tank" de Blur. Damon Albarn comentó en una entrevista que en este álbum, su forma de cantar fue influenciada por Alex Turner.

Canciones:

Aquí hay una breve reseña track por track del álbum "The Ballad of Darren":

1. "The Ballad": Abre con esta canción introspectiva. Cuenta con instrumentación tenue y letras reflexivas.

2. "St. Charles Square": presenta un sonido más optimista, con riffs de guitarra pegadizos y un ritmo de conducción. Agrega una energía dinámica al sonido general del álbum.

3. "Barbaric": Con sus guitarras distorsionadas y energía frenética, esta canción destaca en el álbum. Captura una sensación de caos y urgencia, agregando un toque de aventura.

4. "Russian Strings": este corte adopta un enfoque más experimental, con sonidos atmosféricos y voces superpuestas. Agrega un toque de misterio al sonido general del álbum.

5. "The Everglades (For Leonard)": esta canción es un hermoso tributo a Leonard Cohen, con una melodía suave y una letra conmovedora. Muestra la capacidad de Blur para evocar emociones a través de su música.

6. "The Narcissist": esta canción explora temas de autorreflexión e introspección. Presenta letras introspectivas y un sonido más sencillo, lo que permite que brille el peso emocional de la canción. Una de mis favoritas.

7. "Goodbye Albert": esta canción presenta un sonido más acústico, con una hermosa melodía de guitarra y una voz inquietante. Captura una sensación de pérdida y nostalgia.

8. "Far Away Island": con su sonido soñador y su voz etérea, esta canción se destaca en el álbum. Captura una sensación de anhelo y escape, agregando un toque de aventura.

9. "Avalon": este corte presenta un sonido más electrónico, con sintetizadores atmosféricos y un ritmo de conducción. Agrega una energía dinámica al sonido general del álbum.

10. "The Heights": el álbum se cierra con esta canción destacada, con cuerdas exuberantes y una melodía inquietante. Cierra el círculo del álbum, dejando a los oyentes con una sensación de cierre y reflexión.

En general, cada canción contribuye al tema de la vida de mediana edad, la nostalgia y la melancolía; al mismo tiempo que ofrece melodías memorables y profundidad emocional.

Disco recomendado

"The Ballad of Darren" es un álbum sólido que muestra la brillantez de Blur, es genial ver que están de vuelta. Si bien es posible que el álbum no sea tan accesible de inmediato como algunos de los trabajos anteriores de la banda, recompensa las escuchas repetidas con su composición e instrumentación. Los fans de la banda encontrarán mucho que amar aquí, mientras que los recién llegados se sentirán atraídos por la profundidad emocional y la sofisticación musical del álbum. Para mí, este es uno de los mejores lanzamientos de 2023.

Video del tema "The Heights":

Tracklist:

1.         "The Ballad"   3:37
2.         "St. Charles Square"   3:55
3.         "Barbaric"       4:09
4.         "Russian Strings"        3:38
5.         "The Everglades (For Leonard)"        2:56
6.         "The Narcissist"          4:05
7.         "Goodbye Albert"      4:17
8.         "Far Away Island"     2:58
9.         "Avalon"         3:05
10.       "The Heights" 3:24

Blur:

• Damon Albarn - voz, coros, teclados, piano
• Graham Coxon - guitarra, coros, voz principal en "Sticks and Stones"
• Alex James - bajo
• Dave Rowntree - batería

Músicos adicionales:

• James Ford - teclados (pistas 1–6, 8, 10)
• Izzi Dunn – violonchelo (1, 3, 5, 7, 8, 10)
• Ciara Ismail - viola (1, 3, 5, 7, 8, 10)
• Kotono Sato – violín (1, 3, 5, 7, 8, 10)
• Sarah Tuke - violín (1, 3, 5, 7, 8, 10)
• Alistair White - trombón (9)
• Nichol Thompson - trombón (9)
• Chris Storr - trompeta (9)
• Danny Marsden - trompeta (9)

Técnico:

• James Ford – producción

BECK - Odelay - Album

¿Quién es el músico Beck?

Beck David Hansen (nacido como Bek David Campbell), conocido artísticamente como "Beck", es un músico, cantante y compositor estadounidense. Una de las figuras más ingeniosas y eclécticas de la era alternativa que saltó a la fama a principios de la década de 1990 con su estilo experimental y de "lo-fi".

Ha publicado hasta la fecha 14 álbumes de estudio. Aquí está la discografía de sus álbumes de estudio:

• Golden Feelings (1993)
• Stereopathetic Soulmanure (1994)
• Mellow Gold (1994)
• One Foot in the Grave (1994)
• Odelay (1996)
• Mutations (1998)
• Midnite Vultures (1999)
• Sea Change (2002)
• Guero (2005)
• The Information (2006)
• Modern Guilt (2008)
• Morning Phase (2014)
• Colors (2017)
• Hyperspace (2019)

Nacido y criado en Los Ángeles, Beck creció empapado del hip hop y el folk en su adolescencia y comenzó a actuar localmente en cafeterías y clubes. Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1989 y se involucró en el movimiento anti-folk de la ciudad. Al regresar a Los Ángeles a principios de la década de 1990, grabó su exitoso single "Loser", que se convirtió en un éxito mundial en 1994. Desde entonces, Beck ha sido un pilar de la cultura popular y ha consolidado su posición dentro del mundo de la música como uno de los más brillantes artistas creativos de su generación.

Es un músico muy original y un brillante alquimista de estudio. Su música no se trata tanto de la melodía, sino del estado de ánimo, el ritmo y, sobre todo, la textura. Si escuchas atentamente los detalles de la producción, todos los samples y los filtros sonoros, descubrirás todo un mundo microscópico en su interior, lleno de sorpresas. En la superficie, sin embargo, la música es genial y, aunque es diversa, la entrega vocal independiente, el ritmo irresistible y el estado de ánimo lo unen todo.

Estilo de música de Beck:

El estilo musical de Beck se considera popularmente alternativo e indie. Él mismo toca muchos de los instrumentos de su música. Beck también ha realizado algunos remixes para otros artistas, en particular David Bowie y Björk. Beck fusiona varios elementos musicales en su música; hip hop, funk, soul, folk, psicodelia, electrónica, country, música latina, blues, noise, jazz y rock.

Disco preferido de Beck

De todos sus álbumes, mi favorito es "Odelay" de 1996. A continuación voy a repasar con más detalle este disco y ver si te puedo animar a descubrirlo si aún no lo conoces.

 

ALBUM: Odelay

El quinto álbum de estudio publicado el 18 de junio de 1996 con una producción intrincada y meticulosa de los "Dust Brothers" en su primer trabajo desde "Paul 's Boutique" de los "Beastie Boys". 

Basado en una combinación de sonidos y samples, este álbum nos presenta varios singles exitosos, incluidos "Where It's At", "Devils Haircut" y "The New Pollution", y alcanzó el puesto número dieciséis en el Billboard 200. Desde su lanzamiento, "Odelay" ha aparecido en las listas de numerosas publicaciones como uno de los más grandes de la década de 1990 y de todos los tiempos.

Este álbum es completamente impredecible. Nunca sabes qué vendrá del siguiente verso o suite. Es caótico, ecléctico, inspirado y ocasionalmente lúcido y hermoso. Las partes se fusionan en un todo propio, aunque indefinible. Pocos géneros escapan sin ser probados por Beck en este disco. Está el retro-psicodélico de “New Pollution”. El acento del desierto de “Lord Only Knows”. El electro-metal en "Novocane"... etc. Parte de la razón por la que "Odelay" funciona tan bien es que Beck trabaja en ángulos. Hay acertijos y sutilezas a lo largo de esta obra: teléfonos y robots en "Where It 's At"; el canto con voz de rana en "Readymade" etc. Ser tan meticuloso al hacer un disco aparentemente tan aleatorio es la genialidad de Odelay.

¿Por qué escuchar el álbum "Odelay"?

Es genial, ecléctico, diverso, lleno de creatividad e ideas. Está llena de personalidad, innovadora, única, accesible y pegadiza a pesar de ser idiosincrásica y no convencional. Tiene un uso brillante de samples, la producción es increíble, los ritmos son fantásticos, el rap es genial con letras extrañas y sin sentido y se entrega con un flow brillante.

¿He logrado al menos convencerte?

"Odelay" es ecléctico:

Lo que más disfruto de "Odelay" es que termina expresando una serie de géneros diferentes; folk y country, grunge garage rock, electro, exotismo, old skool rap, toques de noise rock..., pero no hay ruptura entre sensibilidades, todo fluye, los sonidos densos sugieren que las canciones son un poco más complicadas de lo que en realidad son.

Beck reelaborar estructuras de blues ("Devils Haircut"), country ("Lord Only Knows" y "Sissyneck"), soul ("Hotwax"), folk ("Ramshackle") y rap ("High 5 [Rock the Catskills]", y "Where its At"); pero cada tema tuerce lo convencional, ya sea en su construcción o presentación, dando un pulso vibrante, eléctrico, sorprendente en su forma. Como un mosaico, todos los detalles se suman a una imagen más grande que sus partes, por lo que, aunque aquí se encuentran algunas de las mejores canciones de Beck, "Odelay" se aprecia mejor como un todo, con cada muestra en capas que realza la alusión que vino antes.

Samples y la producción:

 
El aporte de la producción de los "Dust Brothers" juega un papel clave en la configuración del sonido del álbum y contribuye a su legado perdurable. Junto con Beck, crearon un álbum rebosante de creatividad e innovación. El trabajo de producción de los "Dust Brothers" en temas como "Devils Haircut" y "The New Pollution" ayuda a elevar la composición de canciones de Beck a nuevas alturas, infundiendo a su música una sensación de alegría e imprevisibilidad. Además de su trabajo de producción, los "Dust Brothers" también contribuyeron al álbum como músicos. Tocan una variedad de instrumentos en el álbum, incluidos tocadiscos, samplers y percusión.

Volviendo a Beck, un aspecto destacado del álbum es su uso inventivo de las técnicas de samples y producción. El álbum presenta una variedad de sonidos y samples encontrados, que van desde discos antiguos de blues y country hasta oscuras grabaciones de palabras habladas y fragmentos de conversaciones. Estos samples a menudo se manipulan y distorsionan más allá del reconocimiento, creando un efecto similar a un collage que se suma a la sensación ecléctica y de mosaico del álbum. Beck también experimenta con técnicas de producción como la tartamudez, el "phase" y la reverberación, lo que le da al álbum una calidad surrealista y de otro mundo.

La relevancia de "Odelay":

A pesar de haber sido lanzado hace muchos años, "Odelay" sigue siendo relevante e influyente en el mundo de la música. Su mezcla ecléctica de géneros y estilos ha influido en innumerables músicos de varios géneros, desde el indie rock hasta el hip-hop. Su uso de samples y apropiación también ayudó a allanar el camino para una nueva era de producción musical. Además, los temas de individualidad, autoexpresión y desilusión con la sociedad de "Odelay" continúan resonando entre los oyentes de hoy, lo que lo convierte en un disco clásico y de "hay que escuchar".

Cómo "Odelay" de Beck Influenció la Cultura Pop

"Odelay" de Beck es una obra que ha dejado una duradera huella en la cultura pop. Su mezcla de varios géneros como el hip hop, rock, funk y country, y muestra el estilo único y experimental de Beck. "Odelay" fue un éxito crítico y comercial, ganando un premio Grammy al Mejor álbum de música alternativa y obteniendo un lugar en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista "Rolling Stone".

La influencia del álbum en la cultura pop se puede ver en los innumerables músicos y bandas que han citado "Odelay" como inspiración (MGMT, Adam Green, Arcade Fire, The Black Keys …). La mezcla de géneros de Beck se ha convertido en un elemento básico en la industria musical, y el uso innovador de samples y técnicas de producción del álbum ha influenciado a innumerables productores.

"Odelay" también abrió el camino para otros artistas alternativos para ingresar al mainstream. Abrió puertas para artistas que no se adaptaban a los géneros tradicionales y proporcionó una plataforma para la música experimental y única.

Disco recomendado

El disco "Odelay" representa el pico de la intuición, y la culminación del sonido que Beck fue perfeccionando en sus primeros trabajos. Es un álbum esencial para los amantes de la música que aprecian la fusión de los géneros musicales. Su combinación única de estilos, producción magistral y letras atractivas lo convierten a "Odelay" en un clásico atemporal que continúa resonando entre los oyentes después de su lanzamiento. Si aún no has experimentado la magia de "Odelay", te recomiendo que la escuches y te sumerjas en el extraordinario mundo musical de Beck.

Para mí esta es la obra maestra de Beck y uno de los mejores discos de los 90 (Siglo XX).

Video del tema "Where It's At":

Tracklist (original format): 

1.         "Devils Haircut"         3:14
2.         "Hotwax"                   3:49
3.         "Lord Only Knows"   4:14
4.         "The New Pollution"  3:39
5.         "Derelict"                   4:12
6.         "Novacane"                4:37
7.         "Jack-Ass"                 4:11
8.         "Where It's At"           5:30
9.         "Minus"                      2:32
10.       "Sissyneck"                3:52
11.       "Readymade"            2:37
12.       "High 5 (Rock the Catskills)"            4:10
13.       "Ramshackle" (Algunas copias incluyen el "hidden track" titulado "Computer Rock")      - 7:29

Ficha:

Beck Hansen: 

voz (1–13), guitarra (1–2, 4, 6, 8–12), bajo (1–4, 6–12), armónica (1–2, 6–7), órgano (1, 4–6, 8, 10), guitarra slide (2–3), clavinet (2, 4), sintetizador Moog (2, 5–6, 9, 12), guitarra eléctrica (3, 7), guitarra acústica (3, 7, 13), piano de pulgar (5), batería (5), caja de rumba (5), pandereta (5), maracas (5), piano eléctrico (6–8), xilófono (7), tocadiscos (9), conga (10), echoplex (12), percusión (12)

Músicos adicionales:

• Dust Brothers: tocadiscos (1–2, 6, 8, 12), caja de ritmos 808 (6, 12)
• Ross Harris – mago (2), niño (2)
• Joey Waronker – batería (3, 6, 9, 13), percusión (3, 9, 12–13), campanas (9)
• Mike Millius – grito (3)
• Paolo Díaz – tablas (5)
• Mike Boito – clavinet (6), trompeta (8), órgano (8, 10, 12)
• David Brown – saxofón (8)
• Money Mark – órgano (8)
• Eddie Lopez – outro hablado (8)
• Greg Leisz – pedal steel (10)
• Charlie Haden – contrabajo (13)

Técnica:

• Beck Hansen – productor, mezcla (1–12); Dirección de arte, diseño
• Dust Brothers – productores, mezcla (1–8, 10–12)
• Mario Caldato, Jr. – productor, mezcla (9)
• Brian Paulson – productor, mezcla (9)
• Tom Rothrock – productor, mezcla (13)
• Rob Schnapf – productor, mezcla (13)