NEIL YOUNG - Tonight’s the Night: duelo y rock inmortal

Antes de entrar en el disco "Tonight’s the Night", conviene dejar una idea sobre la mesa: Neil Young no llegó a este disco buscando hacer una obra oscura, ni un manifiesto contra el éxito, ni una pieza de culto para futuros coleccionistas. Llegó exhausto, golpeado por la muerte de dos personas muy cercanas y bastante lejos del lugar cómodo al que el álbum "Harvest" lo había llevado apenas unos años antes. Por eso este álbum no se escucha como una colección de canciones perfectamente ordenadas, sino como una noche larga en la que una banda intenta mantenerse en pie tocando para sus amigos ausentes. Ahí empieza su rareza, quizás también su grandeza.

ALBUM: Tonight’s the Night

Cuando escuché "Tonight’s the Night", no tuve la sensación de entrar en un disco, sino en una habitación mal iluminada a la que nadie me había invitado. Se oye una banda que parece tocar demasiado tarde, con demasiadas copas encima y demasiado dolor en el cuerpo. Neil Young no canta como quien quiere convencer a nadie. Canta como quien acaba de recibir una noticia terrible y todavía no sabe qué hacer con ella.

Publicado en junio de 1975, aunque grabado casi dos años antes, entre agosto y septiembre de 1973, "Tonight’s the Night" es el sexto álbum de estudio de Neil Young y una de las obras más extrañas, incómodas y diría, necesarias de la música rock de los años setenta (siglo XX). No es un disco perfecto en el sentido pulido de la palabra. De hecho, su grandeza está precisamente en lo contrario, en su voz rota, sus tempos torcidos, sus pianos tambaleantes, sus guitarras que entran como si empujaran una puerta medio cerrada.

Después de Harvest:

Para entender mejor este álbum hay que recordar dónde estaba Neil Young en 1972. Venía de publicar Harvest, un disco enorme, popular, ubicuo, de esos que durante años aparecían en cualquier tienda de segunda mano junto a Carole King o Cat Stevens. "Heart of Gold" lo había colocado en el centro de la carretera, en ese lugar donde el éxito se vuelve cómodo para todos menos para quien lo ha escrito.

Young, sin embargo, no parecía hecho para quedarse ahí. La celebridad le pesaba. La limpieza de aquel country folk emocional empezaba a sonarle demasiado segura. En las notas de Decade escribiría después que viajar por el medio de la carretera se volvió aburrido, así que se fue hacia la cuneta. "Tonight’s the Night" es, probablemente, el punto más oscuro de ese desvío.

También es el cierre de la llamada "Ditch Trilogy", junto a Time Fades Away y On the Beach. Tres discos que parecen escritos contra la comodidad, contra la imagen del cantautor sensible y domesticado, contra la idea de que el éxito cura algo. Aquí no cura nada. Aquí solo deja más espacio para escuchar el ruido.

Danny Whitten, Bruce Berry y una banda tocando para los fantasmas:

El corazón del álbum late alrededor de dos muertes. Danny Whitten, guitarrista y voz de Crazy Horse, murió en noviembre de 1972 tras ser apartado de los ensayos de la gira de Harvest porque ya no podía tocar. Bruce Berry, roadie cercano al círculo de Young, murió de sobredosis de heroína en junio de 1973. Dos pérdidas demasiado cercanas, demasiado concretas, demasiado culpables.

Por eso el disco empieza nombrando a Bruce Berry. No como símbolo, sino como persona. "Bruce Berry was a working man", canta Young en la canción titular, y esa frase tiene algo casi documental. No está intentando construir una gran metáfora sobre la muerte. Está diciendo, este hombre existió, cargaba una furgoneta, recogía guitarras, cantaba cuando la noche se vaciaba, y ahora ya no está.

La grabación se hizo en buena parte en Studio Instrument Rentals, el negocio fundado por Bruce Berry y su hermano Ken. No era un estudio lujoso, sino un espacio de ensayo con un escenario pequeño. Young, el productor David Briggs y la banda se reunían allí por la noche. Bebían, hablaban, jugaban, esperaban a que algo pasara. Cuando pasaba, grababan.

La banda, conocida como Santa Monica Flyers, estaba formada por Neil Young, Ben Keith a la pedal steel guitar, Nils Lofgren al piano y la guitarra, y la sección rítmica de Crazy Horse, Billy Talbot al bajo y Ralph Molina a la batería. No suenan como músicos contratados para hacer un trabajo impecable. Suenan como supervivientes intentando seguir juntos.

Un sonido sucio, vulnerable y extrañamente hermoso:

Lo fascinante de "Tonight’s the Night" es que muchas veces parece a punto de derrumbarse, pero nunca se cae del todo. La voz de Neil Young se quiebra en las notas altas, especialmente en "Mellow My Mind", donde el esfuerzo físico de cantar ya cuenta parte de la historia. El piano de "Speakin’ Out" entra con una torpeza casi doméstica, como si alguien hubiera encendido la grabadora antes de que todos estuvieran preparados. Y, sin embargo, esa falta de preparación es el alma del álbum.

Algunos discos que usan la crudeza como pose. Este no. Aquí la crudeza parece una consecuencia natural de no tener fuerzas para fingir. En 1973, mientras otros artistas exploraban las posibilidades más sofisticadas del estudio, Young grababa un disco que parecía venir del fondo de una trastienda. Frente a la precisión elegante de Steely Dan o el brillo controlado del rock californiano, Neil Young eligió la madera húmeda, el amplificador saturado, el micrófono demasiado cerca, el silencio incómodo después de una frase.

Y en medio de todo aparece Ben Keith, que es uno de los grandes secretos emocionales del álbum. Su pedal steel guitar no suaviza el dolor, lo estira. En "Albuquerque", sus notas parecen nubes lentas sobre una carretera vacía. Young canta sobre querer encontrar un lugar donde a nadie le importe quién es, y Keith convierte esa huida en una imagen sonora preciosa, amplia, casi cinematográfica.

"Borrowed Tune" es otro de esos momentos que se quedan pegados. Young admite que ha tomado prestada la melodía de "Lady Jane" de los Rolling Stones porque está demasiado gastado para escribir la suya. Podría sonar como una broma, pero no lo es. Es una confesión de agotamiento creativo, emocional y físico. Lo que en otro artista sería descuido, aquí se vuelve verdad.

El final de los años sesenta:

Aunque "Tonight’s the Night" nace del duelo personal, también habla de una época que se estaba descomponiendo. En "Roll Another Number", Young se distancia de Woodstock con una frase que suena a despedida generacional. Ya no hay helicópteros, comunas luminosas ni promesas de paz universal. Hay cansancio, habitaciones vacías, drogas que han dejado de parecer una aventura y amigos que no vuelven.

En ese sentido, el disco conversa con obras como Berlin de Lou Reed o There’s a Riot Goin’ On de Sly and the Family Stone. No porque suenen igual, sino porque comparten una misma intuición, la fiesta de los sesenta había terminado, y alguien tenía que recoger los vasos rotos. Sly lo hizo desde el funk envenenado. Lou Reed desde el teatro de la devastación urbana. Neil Young lo hizo desde un rock de carretera, borracho, rural, casi fantasmal.

"Tired Eyes" quizá sea el punto más sombrío. La canción cuenta una historia de violencia, cocaína y hombres muertos en un campo abierto, pero Young la canta como si apenas pudiera articularla. No hay morbo. Hay desgaste. Esa manera de decir “tell me more” suena menos a curiosidad que a alguien atrapado en una conversación que preferiría no haber empezado nunca.

Y luego está "Come On Baby Let’s Go Downtown", grabada en directo en 1970 con Danny Whitten cantando al frente. Es una canción viva, eléctrica, casi alegre, pero dentro de este álbum se vuelve escalofriante. Escuchamos a Whitten antes del desastre, cantando sobre salir, buscar, arder. Su presencia no funciona como homenaje solemne. Funciona como un fantasma que de pronto se sienta a la mesa.

Por qué se debe recuperar:

Con los años, "Tonight’s the Night" ha sido reconocido como uno de los grandes discos de Neil Young y del rock estadounidense. Llegó al número 25 del Billboard 200, pero su importancia no se mide por ventas. Su legado está en haber demostrado que un álbum podía ser grande sin sonar acabado, que la emoción no siempre llega ordenada, que el duelo también puede parecer una banda tocando demasiado fuerte a las tres de la mañana.

No es un disco fácil para entrar en Neil Young. Quizá por eso me parece una puerta magnífica para una generación acostumbrada a canciones limpias, mezclas perfectas y emociones empaquetadas en tres minutos. Aquí todo respira de otra manera. Las canciones no intentan gustarte de inmediato. Te miran desde un rincón y esperan a que te acerques.

Escribo sobre "Tonight’s the Night" porque todavía me sorprende. Porque cada vez que lo escucho encuentro algo nuevo en su aparente desorden, una línea de bajo que empuja con dignidad, un golpe de batería que llega medio segundo tarde y por eso parece más humano, una frase de Young que no pretende ser poética y acaba siéndolo.

Disco recomendado

Mi recomendación es sencilla, escuchadlo entero, de noche si puede ser, sin convertirlo en una pieza de museo. No busquéis un clásico respetable. Buscad un álbum herido, vivo, incómodo, lleno de humo y de cariño por los que ya no están. Tonight’s the Night no consuela, pero acompaña. Y a veces, en la música, eso vale mucho más.

Video del tema "Tonight´s the Night":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. "Tonight's the Night" (4:39)

Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

2. "Speakin' Out" (4:56)
Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

3. "World on a String" (2:27)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano; Ben Keith – guitarra pedal steel; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/8/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

4. "Borrowed Tune" (3:26)
Neil Young – piano, armónica, voz. La letra, de Young, está basada en la melodía de "Lady Jane" de Mick Jagger/Keith Richards. Tanto el título como la letra ("Estoy cantando esta melodía prestada / que tomé de los Rolling Stones") indican el origen de la canción.
Grabado en Studio, Broken Arrow Ranch, 5/12/1973. Producido por Neil Young.

5."Come On Baby Let's Go Downtown" (3:35)
Neil Young – guitarra, voz; Danny Whitten – guitarra, voz; Jack Nitzsche – piano; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz
Grabado en Fillmore East, Nueva York, 7 de marzo de 1970. Producido por David Briggs y Neil Young.

6. "Mellow My Mind" (3:07)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano; Ben Keith – guitarra pedal steel; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería. Grabado en S.I.R., Hollywood, 26 de agosto de 1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

Cara B:

1. "Roll Another Number (For the Road)" (3:02)
Neil Young – guitarra, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz
Grabado en S.I.R., Hollywood, 9 de septiembre de 1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

2. "Albuquerque" (4:02)
Neil Young – guitarra, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 13/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

3. "New Mama" (2:11)
Neil Young – guitarra, voz, vibráfono; Nils Lofgren - piano; Ben Keith – voz; Ralph Molina – voz; George Whitsell – voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 10/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

4. "Lookout Joe" (3:57)
Neil Young – guitarra, voz; Ben Keith – guitarra slide, voz; Tim Drummond – bajo; Jack Nitzsche – piano; Kenny Buttrey – batería
Grabado en Studio, Broken Arrow Ranch, 15/12/1972. Producido por Elliot Mazer y Neil Young.

5. "Tired Eyes" (4:38)
Neil Young – guitarra, armónica, voz; Nils Lofgren – piano, voz; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo, voz; Ralph Molina – batería, voz.Grabado en S.I.R., Hollywood, 26/08/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

6. "Tonight's the Night – Part II" (4:52)
Neil Young – piano, voz; Nils Lofgren – guitarra; Ben Keith – guitarra pedal steel, voz; Billy Talbot – bajo; Ralph Molina – batería, voz. Grabado en S.I.R., Hollywood, 13/09/1973. Producido por David Briggs y Neil Young.

Músicos:

• Neil Young – voz; guitarra en "World on a String", "Come On Baby Let's Go Downtown", "Mellow My Mind", "Roll Another Number", "Albuquerque", "New Mama", "Lookout Joe" y "Tired Eyes"; piano en "Tonight's the Night", "Speakin' Out" y "Borrowed Tune"; armónica en "World on a String", "Borrowed Tune" y "Mellow My Mind"; vibráfono en "New Mama"
  
  
• Ben Keith – guitarra de pedal steel, voz en "Tonight's the Night", "Speakin' Out", "Roll Another Number", "Albuquerque" y "Tired Eyes"; guitarra de pedal steel en "World on a String" y "Mellow My Mind"; voz en "New Mama" Guitarra slide y voz en "Lookout Joe"
  
  
• Nils Lofgren: piano en "World on a String", "Mellow My Mind", "Roll Another Number", "Albuquerque", "New Mama" y "Tired Eyes"; voz en "Roll Another Number", "Albuquerque" y "Tired Eyes"; guitarra en "Tonight's the Night" y "Speakin' Out"
  
  
• Danny Whitten: voz y guitarra eléctrica en "Come On Baby Let's Go Downtown"
  
  
• Jack Nitzsche: piano eléctrico en "Come On Baby Let's Go Downtown" Piano en "Lookout Joe"
  
  
• Billy Talbot – Bajo en todos los temas excepto "Borrowed Tune", "New Mama" y "Lookout Joe"
  
  
• Tim Drummond – Bajo en "Lookout Joe"
  
  
• Ralph Molina – Batería y voz en todos los temas excepto "Borrowed Tune", "New Mama" y "Lookout Joe"
  
  
• Kenny Buttrey – Batería en "Lookout Joe"
  
  
• George Whitsell – Voz en "New Mama"

FATHER JOHN MISTY - Mahashmashana - Album

El músico Josh Tillman (ex batería de "Fleet Foxes") que opera bajo el nombre artístico de FATHER JOHN MISTY ha vuelto a editar una pequeña joya de rock barroco.

Quiero recomendar su trabajo "Mahashmashana" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Mahashmashana

 
"Mahashmashana" es el sexto álbum de estudio del músico estadounidense Josh Tillman bajo el nombre artístico de Father John Misty, editado el 22 de noviembre de 2024. El álbum fue producido en Los Ángeles por Tillman y Drew Erickson con el colaborador frecuente Jonathan Wilson como productor ejecutivo.

La portada del álbum fue diseñada por el artista Joe Roberts. Su título hace referencia a la palabra sánscrita Mahāśmaśāna (महाश्मशान), que significa "gran crematorio". Con su título, el álbum cubre temas de mortalidad, identidad y renovación.

Preparando el escenario

 
Los primeros momentos de "Mahashmashana" son una declaración audaz. La canción que da título al álbum, una epopeya orquestal de nueve minutos, sirve como obertura a las grandes ambiciones temáticas del álbum. Sus capas de piano, cuerdas y metales, que alternan entre lo melancólico y lo triunfal, crean un paisaje sonoro que se siente a la vez atemporal y urgente. La rica voz de barítono de Tillman narra una historia de colapso y renacimiento, una "danza de cadáveres" que encuentra belleza en la destrucción. La influencia de íconos de la década de 1970 como Elton John y George Harrison es reconocible, pero la canción es inconfundiblemente la del propio Tillman.

Una odisea lírica

 
La pluma de Tillman es tan aguda como siempre, creando letras que son a la vez mordaces e introspectivas. Temas como “Mental Health” confrontan las personalidades seleccionadas que presentamos al mundo, criticando la naturaleza performativa de la existencia moderna. Con líneas como “Nadie te conoce como tú mismo, ¿se han conocido?”, Tillman disecciona la paradoja de la autoconciencia en una era hiperconectada.

En “Josh Tillman and the Accidental Dose”, su humor negro brilla mientras relata una desventura psicodélica mezclada con autodesprecio. La narrativa surrealista del tema yuxtapone el absurdo con la vulnerabilidad genuina, lo que refleja la lucha constante de Tillman por equilibrar la autenticidad artística con el éxito comercial.

El amor y la pérdida encuentran un punto de encuentro conmovedor en “Screamland”, donde las melodías chocan con letras inquietantes. El estribillo “El amor debe encontrar un camino” resuena como un grito desesperado y un tenue destello de esperanza, que encapsula los fundamentos emocionales del álbum.

Un caleidoscopio sónico

 
Musicalmente, “Mahashmashana” es una ambiciosa amalgama de estilos. Los fans de la banda “Pure Comedy” reconocerán la sátira y los arreglos exuberantes, mientras que la introspección de “Chloë and the Next 20th Century” resurge en momentos más tranquilos. Sin embargo, el álbum también se aventura en territorio desconocido. “She Cleans Up” inyecta una dosis de glam-rock, reforzada por una colaboración con “The Viagra Boys” que añade garra al refinamiento de Tillman.

En el otro extremo del espectro, “Being You” despoja a la grandeza, optando por el minimalismo. Es una pieza sorprendentemente cruda, que quita la personalidad de Father John Misty para revelar al hombre frágil que hay debajo.

La canción que cierra el álbum, “Summer’s Gone”, suena como un eco deliberado de los primeros trabajos de Tillman. Mientras que “Fun Times in Babylon” abrió su debut con ambición, este final elegíaco es una despedida impregnada de una reflexión agridulce. Mientras Tillman canta sobre un Hollywood que ha perdido su brillo, uno no puede evitar preguntarse: ¿es este el final de “Father John Misty” tal como lo conocemos?

El propio Tillman ha insinuado las transiciones, citando la paternidad y el crecimiento personal como catalizadores del cambio. En “Mahashmashana”, el solipsismo de sus álbumes anteriores da paso a una perspectiva más amplia, casi universal. Canciones como “Being You” sugieren un hombre en paz con la incertidumbre, que acepta las paradojas de la existencia en lugar de despotricar contra ellas.

Disco recomendado

 
Para los fans de toda la vida, este álbum ofrece una síntesis de todo lo que hace que Father John Misty sea único: su ingenio, su exuberante instrumentación y su introspección. Pero también es un punto de entrada atractivo para los nuevos oyentes, con su alcance cinematográfico y sus temas profundamente resonantes. Ya sea que marque el final de una era o el comienzo de una nueva, "Mahashmashana" asegura el estatus de Josh Tillman como uno de los narradores de historias más interesantes de la música contemporánea.

Es un asombroso pop rock barroco con una letra, una interpretación y una producción excelentes. Un buen disco.

Video del tema "Being You":

Tracklist:

1.         "Mahashmashana"                  9:19
2.         "She Cleans Up"         4:26
3.         "Josh Tillman and the Accidental Dose"                   5:12
4.         "Mental Health"         6:28
5.         "Screamland"              6:51
6.         "Being You"   5:13
7.         "I Guess Time Just Makes Fools of Us All"  8:35
8.         "Summer's Gone"       4:17

Músicos:

• Josh Tillman – voz, interpretación
• Alan Sparhawk – guitarra (pista 5)
• Drew Erickson – interpretación
• Jonathan Wilson – interpretación
• Dan Bailey – interpretación
• Eli Thomson – interpretación
• David Vandervelde – interpretación
• Chris Dixie Darley – interpretación
• Jon Titterington – interpretación
• Kyle Flynn – interpretación

Producción:

• Josh Tillman – producción

Drew Erickson – producción, arreglos
Jonathan Wilson – productor ejecutivo
BJ Burton – producción adicional, mezcla (pistas 3, 5)
Michael Harris – ingeniería de sonido, producción adicional

LULUC - Diamonds - Album

Pensé en recomendar un disco muy hermoso para comenzar 2024 en este blog de música. Algo opuesto a las canciones de ritmo rápido, ruidosas y de estilo festivo que hemos estado escuchando durante toda la Navidad. Un disco que casi figura en mi lista de "Mejores álbumes de 2023", pero que igualmente merece mención y elogios.

El disco en cuestión es "Diamonds" del dúo "LULUC".

 

¿Quiénes son la banda "Luluc"?

 
Luluc (Lou-Luke) es una banda australiana formada por Zoë Randell y Steve Hassett. Tienen su sede en Brooklyn, Nueva York. Luluc ha lanzado cinco álbumes hasta la fecha; "Dear Hamlyn", "Passerby, Sculptor", "Mistletone Records", "Dreamboat" y "Diamonds".

El dúo australiano ha ocupado un curioso espacio musical desde su debut a finales de la década de 2000. Sus canciones son poéticas, a menudo melancólicas y llenas de tradiciones que recuerdan los resurgimientos folklóricos de los años 60 tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. La banda es admirada por su composición poética, su exquisita musicalidad y su sonido sobrio pero convincente.

Es con el último disco - "Diamonds" - que quiero destacar y recomendar.

ALBUM : Diamonds

 
Publicado el 15 de septiembre de 2023, este es el quinto "long play" del dúo. Un dúo formado por Zoë Randell y Steve Hassett que han desarrollado un marco que transmite una cierta sensación de exuberancia a pesar de contar con un grupo relativamente pequeño de intérpretes e instrumentos. Los suaves acordes de la guitarra se fusionan con la voz de Randell, creando un folk sencillo y sin afectaciones.

La música de este disco se caracteriza por ser indie folk, con influencias de cantantes y compositores alternativos y de rock alternativo/indie. Una colección concisa de canciones que probablemente busque generar impacto a través de la brevedad y el enfoque. Alternativamente, este álbum también encaja dentro del género "Dream-Folk", que se caracteriza por un enfoque musical desenfrenado con el uso de reverberación, voces discretas y atmósferas de baja fidelidad. "Diamonds" es un álbum que invita a los oyentes a dejarse llevar por sus melodías y estados de ánimo.

Dicho simplemente, "Diamonds" es elegante, y Luluc es un candidato poco probable para crear una canción de carretera clásica estadounidense. Autoproducido por Randell y Hassett en su ciudad natal, este álbum es uno de los más completos hasta la fecha. Con su distintiva voz baja y su ritmo pausado, Zoë Randell es excelente para describir los detalles de la vida que pasan desapercibidos, aportándoles riqueza y sensación de asombro. Algunos ejemplos son la dulce "Sleepyhead" o la silenciosa "Evermore", mientras que sus letras tienen economía. Nada se desperdicia, ninguna palabra está fuera de lugar y, sin embargo, las canciones se sienten tan naturales y eternas.

 

Disco recomendado

 
La profundidad emocional y las cualidades atmosféricas de este álbum lo convierten en una adición destacada al género folk indie, ofreciendo una experiencia auditiva que es a la vez personal y expansiva. Una colección de 10 canciones que se desliza con el tipo de gracia armónica que hace que cada canción parezca predeterminada, "Diamonds" es el trabajo más elegante y logrado de Luluc hasta la fecha.

Buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "Diamonds":

Tracklist:

1. Diamonds 3:52
2. Snow 4:51
3. Come on Spring 3:35
4. Moonbeam 2:14
5. The Shore 4:57
6. Hooked 2:39
7. Sleepyhead 2:45
8. Evermore 2:08
9. As Tears Go By 2:53
10. The Sky 2:53

Créditos:

•  Zoë Randell: voz, guitarra, productora, arreglos de cuerdas, compositora
• Steve Hassett: voz, guitarra, sintetizador, piano, bajo, batería, productor, arreglos de trompeta, arreglos de cuerdas, compositor.
  
  
• Stuart Bogie: trompetas, arreglos de trompetas.

ALT-J - The Dream

ALBUM: The Dream

El cuarto álbum de la banda inglesa "Alt-J", publicado el 11 de febrero de 2022 y producido por el productor de sonidos electrónicos Charlie Andrew (trabajó con "James", "London Grammar", "Bloc Party", "Crystal Fighters", "Wolf Alice"... etc.) La obra de arte de la portada del LP es un dibujo del artista Joel Wyllie.

Después de una brecha de cinco años entre lanzamientos, Alt-J regresó en 2022 con algo inesperado: un álbum enfocado con canciones casi aptas para la radio. De ninguna manera se han "vendido a lo comercial", "The Dream" es el ataque más directo que el grupo ha grabado hasta la fecha. Agregaría que es un LP ecléctico, bien elaborado y casi impecable desde el punto de vista sonoro con melodías soñadoras, cálidas y preciosas. El trío de Leeds (Joe Newman, Thom Sonny Green y Gus Unger-Hamilton) reúne varios matices del género indie con un impulso hacia nuevas alturas. Además, este disco tiene una gran cantidad de músicos invitados para contribuir con todo tipo de instrumentos e incluso palabras habladas.

La docena de canciones presenta algunas de las narraciones más evocadoras de la banda, por ejemplo, el líder Joe Newman encarnando a un traficante de drogas en apuros ("The Actor"), un asesino ("Happier When You're Gone"), o incluso un geek de la tecnología que gana a lo grande con criptomoneda ("Hard Drive Gold"). El sonido de "Alt-J" no se ha debilitado, soltando un ritmo de trance y cantando febrilmente en folk acústico pastoral ("Chicago"), reclutando a un cantante de ópera ("Philadelphia") o empleando un cuarteto de barbería de acompañamiento ("Walk a Mile").

Además del primer tema, "Bane" (que utiliza el sonido de una lata al abrirse), otros aspectos destacados incluyen el "U&ME", el single para radio y el mencionado "Hard Drive Gold", un corte pulsante. En el otro extremo del espectro, "Get Better" es un tierno rompecorazones que presenta las letras más emotivas del álbum, enfrentando la pérdida y la muerte.

La gran cantidad de instrumentos, sonidos e ideas es difícil de asimilar al principio. Pero cuanto más avanza el álbum (y con escuchas repetidas), más te das cuenta del estilo y la delicadeza que atraviesa este trabajo. Este LP te va ganando con cada escucha.

En general, el trío ofrece un paisaje de actualidad con letras que van de lo bizarro (obsesión con la muerte) al amor y a las estupefacientes, mezclando el los estilos de Chamber Pop, Folk, Electrónica y Indie Pop. Es un ejercicio interesante y lleno de creatividad, a la vez que abre puertas a otros géneros para convertir este disco en uno de los mejores del 2022 (al menos para mi).

Disco recomendado, y a pesar de sus elementos oscuros, una belleza y calidez recorren todo el álbum lo que lo hace estar lleno de vida y muy humano.

Video del tema "Chicago":

Tracklist:

1.         "Bane" 5:10
2.         "U&Me"         3:18
3.         "Hard Drive Gold"     2:38
4.         "Happier When You're Gone"           4:00
5.         "The Actor"    4:00
6.         "Get Better"    5:51
7.         "Chicago"       3:55
8.         "Philadelphia" 3:38
9.         "Walk a Mile" 6:29
10.       "Delta"            1:00
11.       "Losing My Mind"     4:42
12.       "Powders"       4:41

LONDON GRAMMAR - Californian Soil

ALBUM: Californian Soil

El tercer álbum de estudio del trío indie-electrónico inglés "London Grammar", publicado el 16 de abril de 2021. Mención destacable aquí, uno de los productores externos es George FitzGerald (prestigioso músico electrónico inglés). Este disco dio cuatro singles; "Baby It 's You", la canción principal, "Lose Your Head" y "How Does It Feel". Es el gran salto adelante de "London Grammar", lleno de hermosos paisajes sonoros.

El álbum muestra el sonido etéreo y atmosférico característico de la banda, con la voz emotiva de la cantante Hannah Reid. De hecho, Reid toma la iniciativa en este disco con la composición de canciones y la entrega de un trabajo seguro y dinámico que es el mejor del trío hasta la fecha. Según entrevistas de prensa, el álbum es la historia de la vocalista Hannah Reid con temas sobre la fama, problemas personales y el feminismo (la experiencia de Hannah como mujer). No es una gran desviación de la marca de pop de ensueño del grupo, pero contiene un enfoque sónico y temático con resultados que son optimistas y más épicos. Con el apoyo de sus compañeros de banda Dan Rothman y Dot Major, Reid suena liberada, exponiendo sus emociones y llevando su voz a extremos angelicales que a veces recuerdan a "Elizabeth Fraser".

La canción "Californian Soil" recuerda a "Teardrop" de Massive Attack (aquí mi comparación con Fraser). El espíritu folktrónico fluye a través de otras canciones como "Missing", "Baby It 's You" y el brillante "Lose Your Head", que conduce las voces en capas de Reid. En "Lord It's a Feeling", Reid es directa y procesa la angustia junto con otro número de ruptura "How Does It Feel", que amplía aún más ese sentimiento. Continuando con el viaje, "All My Love" presenta un piano delicado y las notas altas angelicales de Reid, un viaje que calma y nutre que recuerda a "Mazzy Star". La curva final hacia la línea de meta refuerza algunos de los mejores sonidos de producción que "London Grammar" jamás hayan entregado. El corte "I Need the Light" recuerda a "Florence and the Machine" con las voces superpuestas, mientras que el álbum se cierra con "America", una poderosa balada que muestra la capacidad de la banda para crear una sensación de atmósfera y emoción. La canción trata sobre la idea del sueño americano y los sacrificios que se hacen para lograrlo.

En general, este álbum es una delicia para escuchar, más en el campo de aquellos que buscan simplemente absorber y escuchar realmente las letras y sentir la música. Sí, es introspectivo y cada uno sacará de él su propio significado. Así, el propósito del trabajo del artista, tocar al oyente. Por cierto, los elementos de la música electrónica son geniales si eres fan. Aparte de la narrativa, su indie pop melancólico, dream pop e indie-trónica demuestra una producción exuberante.

Disco recomendado, un destaque y un paso más en la maduración artística del trío. Un álbum muy agradable con letras emotivas e introspectivas, que explora temas de amor, pérdida y búsqueda de la felicidad. El álbum será gratificante para los fans del indie-pop y cualquiera que aprecie la música hermosa.

Video del tema "Lord It's a Feeling":

Tracklist:

1.         "Intro"                                   2:25
2.         "Californian Soil"                  3:41
3.         "Missing"                               3:35
4.         "Lose Your Head"                 3:19
5.         "Lord It's a Feeling"              4:12
6.         "How Does It Feel"               3:31
7.         "Baby It's You"                      4:02
8.         "Call Your Friends"               3:11
9.         "All My Love"                      4:32
10.       "Talking"                               3:23
11.       "I Need the Night"                4:20
12.       "America"                             4:05  

THE DREAM ACADEMY | The Dream Academy - Album

The Dream Academy (Banda)

Fue un trío británico formado en Londres (1983) compuesto por el cantante y guitarrista Nick Laird-Clowes, la multi-instrumentista Kate St John y el tecladista Gilbert Gabriel. Son marcados y colocados dentro de la categoría de "one hit wonders" (de un solo tema) debido a su enorme éxito "Life in a Northern Town". Sin embargo, en mi opinión, esto es engañoso ya que tienen algunas excelentes canciones repartidas por sus tres álbumes.

Laird-Clowes y Gabriel se conocieron a fines de la década de 1970 mientras el primero estaba en una banda llamada "The Act". Su idea era crear una formación de paisajes musicales diferentes de los grupos de "power pop" populares en ese momento en el Reino Unido, mezclando instrumentos y sonidos que rara vez se habían hecho de manera prominente antes, como cuerdas, instrumentos de viento, percusión (timbales) y sintetizadores.

Laird-Clowes conoció a Kate St. John, entonces en la formación "The Ravishing Beauties", en una fiesta y le pidió que se uniera a su banda. El trío se decidió por el nombre "The Dream Academy" y circulo sus demos durante casi dos años. Su trabajo fue rechazado por todos los sellos discográficos antes de que finalmente consiguieron un contrato de grabación con Warner Records en 1985. En el camino, hicieron conexiones con Adam Peters y David Gilmour de Pink Floyd, un amigo de Laird-Clowes. Gilmour continuaría produciendo y / o tocando en dos de sus álbumes y coescribió una canción de The  Dream Academy, "Twelve-Eight Angel" (dentro del álbum "A Different Kind of Weather").

Después de lanzar tres álbumes, en 1991 los miembros de la banda decidieron seguir caminos por separado. Laird-Clowes contribuyó en el álbum de Pink Floyd (Dave Gilmour) "The Division Bell", mientras que Kate St John actuó con Van Morrison y en obras teatrales. Por último, Gabriel colaboró con "The Believers", "The Excellent Staircase", "Melt21" y "The Daze".

La discografía:

• 1985    The Dream Academy
• 1987    Remembrance Days
• 1990    A Different Kind of Weather

Escucho el álbum debut - "The Dream Academy" - con cierta regularidad. Tengo buenos recuerdos asociados con este disco.

ALBUM: The Dream Academy

El primer álbum de estudio fue publicado en noviembre de 1985. Fue producido por el guitarrista de Pink Floyd David Gilmour y Nick Laird-Clowes. Su gran éxito "Life in a Northern Town", fue escrito como un homenaje al músico Nick Drake. Es uno de los "tesoros enterrados" de la década de 1980, este es un álbum poético lleno de canciones melódicas, arreglos elegantes, una producción inventiva y una llamativa musicalidad.

The Dream Academy utilizó exuberantes arreglos de cuerdas y coros de coro para crear un suntuoso telón de fondo para su pop con tintes "Paisley". Funciona mejor con la ya mencionada single "Life in a Northern Town", una porción de nostalgia con su memorable gancho en forma de cántico "mantra". Otros aspectos destacados del disco incluyen "The Edge of Forever" con su saxofón, el dulce recuerdo onírico de "In Places on the Run" y "This World" con su descripción sombría y austera de los oprimidos. La voz de Laird-Clowes es fina, una deficiencia enmascarada por el enfoque suave del material. Y aunque  el álbum flaquea un poquito durante la segunda mitad; su mejor material te deja anhelando más.

Disco recomendado

Es uno de esos álbumes que mejora cada vez que lo escuchas. Si te gusta el Pop Rock o el Folk Pop de mediados de los años 80, este álbum te va a gustar.

Video del tema “The Love Parade”:

Esta es una pregunta muy frecuante ¿Dónde se filmó el video musical de Life in a Northern Town?

Se filmó en Newcastle upon Tyne y sus alrededores con algunas escenas filmadas en Manchester en el Reino Unido y curiosamente los Estados Unidos. Las escenas estadounidenses se filmaron cerca de Pittsburgh, Pensilvania, en las ciudades de Ambridge y Aliquippa, y se puede encontrar evidencia de este lugar en la apariencia de una señal de tráfico de la Ruta 51 de Pensilvania.

Tracklist de álbum:

1.         "Life in a Northern Town"                4:19
2.         "The Edge of Forever"                      4:23
3.         "(Johnny) New Light"                       4:23
4.         "In Places on the Run"                       4:27
5.         "This World"                                      5:07
6.         "Bound to Be"                                    3:08
7.         "Moving On"                                     5:14
8.         "The Love Parade"                             3:47
9.         "The Party"                                        5:07
10.       "One Dream"                                     2:32

Ficha:

The Dream Academy (músico):

• Gilbert Gabriel - teclados, voz
• Nick Laird-Clowes - guitarras, armónica, voz
• Kate St. John - piano, saxofón tenor, oboe, cor inglés, acordeón, piano-acordeón

Personal adicional:

• Gary Barnacle - saxofón tenor
• Dave DeFries - trompeta
• Peter Buck - guitarra en "The Party"
• David Gilmour - guitarras en "Bound to Be" y "The Party"
• Greg Dechert - Órgano Hammond
• Mickey Feat, Pino Palladino, Guy Pratt - bajo
• Chucho Merchán - contrabajo
• Tony Beard, Bosco DeOliveira, Luís Jardim, Ben Hoffnung, Jake LeMesurier, Dave Mattacks - batería, percusión variada

RY X | Dawn - Album

Ry X (Cantante y compositor)

Ry Cuming, más conocido por su nombre artístico "RY X", es un cantautor y músico australiano. Su estilo musical une muchos géneros, sin embargo, si hay una necesidad de categorizar, Ry X se sienta con el pop ambient comercial, folktronica, indietronica, indie folk... o incluso dentro del estilo downtempo.

RY X nació en "Woodford Island" en "Northern Rivers" de "New South Wales", donde se convirtió en surfista. RY X menciona a "Pearl Jam" y "Jeff Buckley" como sus mayores influencias. Comenzó a escribir música a los 16 años, después de escuchar el álbum "Grace" de Buckley. Su canción "Let Your Spirit Fly" apareció en la banda sonora de la película "Hoot" de 2006. Se mudó a Los Ángeles, donde firmó con "Jive Records" lanzando su álbum debut homónimo el 20 de julio de 2010. Re-emergiendo en 2013 bajo el sobrenombre de "RY X", y logró un gran salto en éxito y comercialmente con la canción "Berlin" (Berlín EP) en 2013, evocando comparaciones con "Fleet Foxes", "James Blake" y "José González".

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• Ry Cuming     2010
• Dawn              2016
• Unfurl             2019

Descubrí a este músico único por pura casualidad navegando por la web. Aterricé en una canción llamada "Only" y fui captado por la voz y la pura emoción que se estaba transmitiendo. Investigué y me llevó al álbum "Dawn". Un gran descubrimiento.

ALBUM: Dawn

El álbum de "debut" bajo el nuevo nombre artístico de "RY X" publicado en mayo de 2016. Un disco que adopta un enfoque diferente (con cambio de nombre artístico incluido) sobre el material anterior: más guitarra pop. El resultado es un folk hipnótico, despojado y desnudo que te llama, atrae y te atrapa maravillosamente con su música. Este álbum une géneros y tiene una calidad etérea inquietante. La voz única de Ry X tiene mucho que ver con todo. Un tenor nacarado, hace vibrar un recipiente hacia una melancolía líquida que difumina las palabras en los bordes. Estira las estructuras pop con una repetición que se vuelve devocional y obsesiva. Cuando canta sobre el amor y el deseo, se sitúa en una confluencia de lo íntimo y lo casi sagrado. 

El tema de apertura, "Dawn ", hace poco para establecer el tono con sus lavados orquestales, pero la siguiente "Shortline" ves a Ry X demostrar su habilidad única para atraerte antes de desentrañar una red devoradora de texturas exuberantes y sutiles oleajes. La bella "Howling" se destaca de forma imperecedera, y aunque ambas pistas, junto con "Berlin" se han lanzado en varios formatos en los proyectos de Ry en el pasado, encajan bien dentro de este disco. El artista incluso se adentra en la "electrónica" como con el tema "Deliverance", que da una pista de su pasado; Ry hizo álbumes con dos proyectos orientados a la electrónica, "The Acid" y "Howling".

Como se ha indicado anteriormente, habiendo aparentemente reconsiderado su perspectiva después de un primer intento fallido como músico, las visiones únicas y refinadas de Ry Cuming siempre han estado en su manga, y su deseo de realizarlas auténticamente ha sido clave. Sería fácil reducir las ideas sobre "Dawn" a solo un regreso a sus primeros trabajos y las producciones del EP de "Berlín", pero este disco ofrece mucho más.

En lugar de intentar forjar un nuevo nicho o despojar todo de nuevo a sus raíces, este álbum se basa en todo lo que Ry ha absorbido y proyecta con una nueva perspectiva. Así, en esencia, las doce pistas son similares pero con una mezcla de tempos que evitan que el álbum se vuelva demasiado repetitivo. RY X combina la guitarra, la experimentación techno y un uso eufórico de cuerdas que se combinan maravillosamente. Tanto es así, que mi canción favorita "Only" me capturó y me mantuvo con el dedo sobre el botón "repeat" durante casi una semana.

Un disco recomendado. Sonidos pacíficos y completos. Si alguna vez te encuentras moviéndote por la vida a cámara lenta, este álbum te servirá como la banda sonora perfecta. Un pequeño tesoro.

Video de "Only":

Tracklist:

1.Dawn 1:56
2.Shortline 3:54
3.Salt 5:24
4.Howling 5:09
5.Only 4:28
6.Berlin 2:54
7.Beacon 6:02
8.Deliverance 3:50
9.Haste 4:04
10.Hold Me Love 3:13
11.Sweat 3:59
12.Lean 7:29

THE ANGELS OF LIGHT | How I Loved You

Michael Gira es un compositor, vocalista y productor, ha sido un constante en la escena musical independiente durante más de dos décadas. Su música ha evolucionado sin descanso e implacablemente a lo largo de muchos proyectos, desde el más conocido "Swans" hasta "Skin, Body Lovers / Body Haters", grabaciones del estilo "spoken word" y...

The Angels of Light (Band)

Formación americano de folk-experimental (neo-folk) que se formó en 1998 por el cantautor y músico Michael Gira después de que se disolviera "Swans", el grupo que había fundado en 1982. El nuevo proyecto marcó un estilo musical claramente diferente, siendo más melódico e introspectivo.

Antes de que se formara la banda, Michael Gira tenía la intención de llamar a su proyecto "acústico", "The Pleasure Seekers". Este nombre fue descartado porque había habido un grupo con el mismo nombre en la década de 1960.

La formación rotativa "The Angels of Light" incluyó una amplia gama de músicos de la ciudad de Nueva York y otros lugares, incluidos Dana Schechter de "Bee and Flower", Kid Congo Powers de "The Cramps", Larry Mullins, Cassis Birgit Staudt de "b-blush", Bliss Blood de The Moonlighters, Thor Harris de "Shearwater", el guitarrista de "Swans" Christoph Hahn, Phil Puleo de "Cop Shoot Cop" y "Devendra Banhart".

La discografía:

• New Mother (1999)
• How I Loved You (2001)
• Everything Is Good Here/Please Come Home (2003)
• The Angels of Light Sing 'Other People' (2005)
• Akron/Family & Angels of Light (2005) – disco conjunto con Akron/Family.
• We Are Him (2007)

Michael Gira sigue lanzando muy buenos discos como "Swans".

No soy un devoto, conocí este proyecto casi por accidente escuchando con un colega el disco "The Seer" (2012) de "Swans". Se me surgió que investigara material "solo" de Gira bajo "The Angels of Light". De lo que está disponible me gusto el segundo álbum "How I Loved You", un trabajo sobre el amor nostálgico.

ALBUM: How I Loved You

Es el segundo álbum de estudio publicado el 27 de marzo de 2001. La portada del álbum muestra a la madre de Michael Gira, "Alice Schulte Gira", mientras que la contraportada presenta una imagen de su padre, "Robert Pierre Gira".

Así describe el propio Gira este álbum... "son todas canciones de amor, de una forma u otra". Sin embargo - mis palabras - el amor desde una óptica más oscura y melancólica. Hay canciones de larga duración inspiradas por iguales de country, gothic rock, neo folk, post-rock... de emoción triste, nostalgia, optimismo, oscuro …, puedes sentir todas las emociones en cada segundo de esta obra.

El estado de ánimo y las canciones de "How I Loved You" son en gran parte acústicos con una paleta de sonidos electrónicos borrosos aplicados para una atmósfera cavernosa y orquestal. Su elegancia es seductora, y esa seducción es necesaria porque la resplandeciente belleza que crea Michael Gira está adornada con cierta confusión, y una celebración melancólica de todo lo que es ambivalente en el corazón humano mientras está atrapado por puro deseo: el que desea poseer el objeto del afecto de uno a cualquier precio. Aquí está la parte "oscuro" del disco (o de la naturaleza humana).

La banda para este álbum está compuesta por Gira en voz, guitarras y efectos; Christoph Hahn en guitarras; Lawrence Mullins en percusión; Dana Shecter al bajo y piano; Birgit-Cassis Staudt en acordeón y piano; y Thor Harris en piano. A ellos se unen Bliss Blood en la voz y Kid Congo Powers en la guitarra eléctrica. Los colaboradores de Gira lo son en el verdadero sentido de la palabra, ayudando a dar forma a un sonido sin centro más que la visión de la propia canción de amor.

Desde la portada en blanco y negro hasta la música neo-folk, How I Loved You" es tan encantador como angustioso y doloroso. Por supuesto, algunas partes del disco son más "difíciles", pero sigue siendo una experiencia única y fascinante. No obstante, es un disco para escuchar con paciencia, mejor estar sincronizado anímicamente con el material y abierto para dejarte llevar.

Los temas más destacados son "Untitled Love Song", "Song for Nico", "My Suicide", "Public Embarrassment Blues" y "Two Women", aunque intenta escuchar del tirón.

Disco recomendado con una música más intimista, más sutil, más limpia y dejando intacta esa incomodidad que ha hecho famosa la música de Michael Gira. Este álbum te llevará en un viaje de recuerdos a través de todas tus relaciones románticas anteriores, los buenos y por supuestos, los malos.

Video del tema "Untitled Love Song":

 Tracklist:

1.         "Evangeline"     8:45
2.         "Untitled Love Song"    4:49
3.         "My True Body"          6:03
4.         "Jennifer's Sorry"          3:38
5.         "Song for Nico"           4:08
6.         "New City in the Future"        11:54
7.         "My Suicide"    5:35
8.         "New York Girls"        8:11
9.         "Public Embarrassment Blues"  4:47
10.       "Two Women" 11:48 

MY MORNING JACKET | Z - Album

My Morning Jacket (Banda)

Grupo americano de Alt-rock formado en Louisville, Kentucky en 1998. Actualmente, la banda está formada por el vocalista y guitarrista Jim James, el bajista Tom Blankenship,  el guitarrista Carl Broemel, el tecladista Bo Koster y el baterista Patrick Hallahan. El sonido de la banda, arraigado en el rock y el country, es a menudo experimental y psicodélico. El grupo acumuló muchos seguidores y fans a partir de la década de 2000, en parte debido a sus impactantes presentaciones en directo.

My Morning Jacket (MMJ) comenzó con el cantautor Jim James. James creó el grupo como una salida para las canciones acústicas que había desarrollado por su cuenta que su banda en ese momento, "Month of Sundays", no podía usar. La primera formación del grupo incluía a su primo, Johnny Quaid (guitarra), Tom Blankenship (bajo) y J. Glenn a la batería, todos anteriormente de la banda emo-punk "Winter Death Club". El nombre de la banda proviene de James, quien una vez encontró un abrigo descartado con las letras MMJ estampadas. El álbum debut de MMJ, "The Tennessee Fire", fue publicado en mayo de 1999.

Aclamados como los nuevos héroes de la escena del country alternativo cuando debutaron a fines de la década de 1990, "My Morning Jacket" maduró hasta convertirse en un conjunto ecléctico y diverso en cuanto a sonido, cuyo trabajo abarcaba indie-rock, psicodélica, folk, blues e incluso toques de funk y rock progresivo. La música de MMJ está fuertemente arraigada en la cultura americana. Sin embargo, James y sus compañeros de banda han mostrado un interés frecuente en superar sus límites, agregando nuevos estilos a lo largo de su carrera mientras se aferran a las fuertes melodías y las voces apasionadas.

La discografía de MMJ hasta el momento:

• The Tennessee Fire (1999)
• At Dawn (2001)
• It Still Moves (2003)
• Z (2005)
• Evil Urges (2008)
• Circuital (2011)
• The Waterfall (2015)
• The Waterfall II (2020)

El segundo disco de MMJ , "At Dawn",  es una auténtica maravilla de Alt-folk y muy recomendado. Sin embargo,  el álbum "Z" es un salto cualitativo y para mí el mejor trabajo de la banda hasta ahora. Hay un cambio en dirección músical que ya se venía escuchando antes de "Z" que explora la psicodélica de forma muy íntima.

ALBUM: Z

El cuarto álbum de estudio publicado el 5 de octubre de 2005. Esta obra presenta un sonido mucho más espacioso y pulido que los discos anteriores, haciendo un uso intensivo de sintetizadores e incorporando otras influencias. La fuerte reverberación que fue una característica de las grabaciones anteriores de la banda está en gran parte ausente. Las canciones del álbum están más enfocadas y son más cortas en comparación con los álbumes anteriores. Los miembros de la banda experimentan con arreglos únicos y con un mayor uso de paisajes sonoros musicales. El álbum "Z" fue el primer álbum de My Morning Jacket en tener un productor profesional, John Leckie (Radiohead, Stone Roses, Cast, Muse...).

Es algo inusual ser testigo de una banda que se vuelve experimental y más accesible al mismo tiempo. Tal es el caso de "Z" con canciones más cortas y ajustadas llenas de hermosas texturas electrónicas y psicodélicas. Lo que hace que esta producción sea más impresionante es que mejora el sonido de la guitarra reconocible de la banda en lugar de restarle valor. El trabajo de guitarra en canciones como "What a Wonderful Man" y "Lay Low" es nada menos que sublime. Quizás lo que une este disco es la incomparable voz de Jim James, que nunca ha sonado mejor o más poderosa.

El álbum ofrece una gama de riquezas, ya sea el brillo etéreo y la voz altísima del tema que abre el disco "Wordless Chorus", la perfecta inocencia Pop-rock de "Off the Record" o la delicada balada de "Knot Comes Loose". MMJ incluso tienen los "cojon*s" de experimentar con "dub-reggae" en el tema "Dondante", y no les sale nada mal. En fin, un disco que lleva a MMJ a explorar y emprender nuevos caminos musicales, esa valentía les sacar de "la zona de confort" y produce nuevos horizontes.

Los momentos estelares para mi gusto son; "Wordless Chorus", "It Beats 4 You" ,"Giddeon", "Off The Record", "Lay Low" y "Dondante" (por su valentía)… 

Un disco recomendado. Un álbum que merece la pena buscar y escuchar si aun no lo conoces. Se de muchos que han "flipado" después de pasar por este disco. Hacerme caso :)

Video del tema "Lay Low":

 Tracklist:

1."Wordless Chorus" – 4:12
2."It Beats 4 U" – 3:46
3."Gideon" – 3:39
4."What a Wonderful Man" – 2:25
5."Off the Record"  – 5:33
6."Into the Woods" – 5:21
7."Anytime" – 3:56
8."Lay Low" – 6:05
9."Knot Comes Loose" – 4:02
10. "Dondante" - 8:01

DAVID KAUFFMAN & ERIC CABOOR | Songs From Suicide Bridge

Existen aún piezas musicales que sorprenden. Grabaciones olvidadas que vuelven del pasado para asombrarnos. La siguiente historia es sobre dos cantautores americanos David Kauffman & Eric Caboor que si no fuera por un pequeño sello independiente no hubiésemos sabido de ellos, ni tampoco de su álbum colaboración "Songs From Suicide Bridge". Una pequeña joya de alt-folk que se nos presentó de nuevo y a llamado la atención 30 años después a una nueva generación.

David Kauffman & Eric Caboor (Músicos)

¿Quienes son David Kauffman & Eric Caboor?

A priori hay poco en internet sobre cada uno por separado. Lo que existe es cómo se conocieron y colaboraron para grabar unas canciones, y después grabar un álbum.

La narrativa va que en 1982, dos aspirantes a cantautores llamados David Kauffman (de Madison, Nueva Jersey) y Eric Caboor (de Burbank, California) se reunieron en un lugar llamado "Basement" (Echo Park) en Los Ángeles y tocaron sus canciones a una sala media llena. Se llevaron bien y en 1983 decidieron grabar en un cobertizo sus mejores temas al estilo "Do It Yourself" (DIY) con un "4 track".  Tomaron la decisión de planchar unos 500 vinilos para repartir entre amigos, radios universitarias y a "tastemakers". Sin ninguna reacción para notar ambos cantantes se fueron por caminos separados.

No sería hasta 30 años después que la música de David Kauffman y Eric Caboor llegaría a una audiencia más grande que la sala "Basement" y sus 500 copias del vinilo original. Gracias al pequeño sello independiente "Light in the Attic", la reedición de este álbum pronto llevaron su primer álbum a una audiencia completamente nueva. Y con ello, los oyentes hipnotizados comenzaron a difundir lentamente la leyenda del álbum, como un cuento popular clásico. Es como una historia de "piratas" que encuentran un tesoro en una isla desierta y dentro de un cofre enterrado está el disco ""Songs From Suicide Bridge".

ALBUM: Songs From Suicide Bridge

Grabado en Burbank en 1983, "Songs From Suicide Bridge" es el álbum debut de David Kauffman y Eric Caboor, dos compositores solitarios que se conocieron por casualidad dos años antes en el sótano de una iglesia metodista, aka "Basement".

El disco "Songs From Suicide Bridge" es tan oscuro y deprimente como el título te hace creer. Pero también es inquietante y hermoso, un documento de bricolaje atemporal de canciones acústicas melancólicas creadas por músicos reacios que habían renunciado a la idea de "triunfar" en la industria de la música. Kauffman y Caboor solo plancharon 500 copias en vinilo de "Songs from Suicide Bridge" con su propio sello "Donkey Soul Music" en junio de 1984 y enviaron casi la mitad de ellas a radios universitarias y públicas, con poca respuesta a cambio.

Pasaron más de 30 años, el 12 de mayo de 2015, el sello independiente "Light In The Attic" reedita "Songs From Suicide Bridge". Un álbum con una foto de portada fantasmal del puente "Suicide" de la Calle Colorado en Pasadena, donde más de 100 personas han terminado con sus vidas desde la construcción del puente en 1913. Vaya introducción visual ¿no? 

David Kauffman & Eric Caboor bajo el estilo "DIY" lograron crear algo distintivo; con un poco de reverberación en las voces y un sonido de guitarra acústica nítido, a veces percusivo que intensifica el aislamiento intenso de las canciones, el álbum es sorprendentemente emotivo y hermoso. Si, la línea del álbum es tristón, es un álbum construido sobre bases acústicas de folk-rock atravesado por un profundo sentido de alienación, aislamiento, desafección y una silenciosa y resignada desesperación. Quizás Kauffman y Caboor no estaban pasando por sus mejores momentos en 1983, aunque su música yuxtapone optimismo y una "luz al final del túnel". El resultado, para mi es un álbum absolutamente maravilloso, un conjunto de canciones fuertes y conmovedores. Viene a mente el álbum de Bruce Springsteen, "Nebraska" y álbumes más tristones de Neil Young cuando escuchas este disco. 

Momentos estelares para mi son: "Neighborhood Blues", "Life And Times On The Beach", "Midnight Willie", "Tinsel Town" y "One More Day(You'll Fly Again)", aunque todo el álbum es una preciosidad.

Un disco recomendado. Un auténtico descubrimiento que nos aparece de la nada, perdido (literalmente) en las estanterías de algún estudio o garaje para asombrar al que lo escuche. Hace tiempo que no me emocionaba tanto con un disco, especialmente con la historia detrás. Muy conmovedor y necesario en nuestros tiempos, como las sensaciones atemporales que describe.

Buscarlo por las plataformas digitales y canales habituales. Escucha este álbum, vas a flipar.

Video del tema "Kiss Another Day Goodbye":

Tracklist del álbum "Songs From Suicide Bridge":

1. Kiss Another Day Goodbye
2. Neighborhood Blues
3. Life Without Love
4. Angel of Mercy
5. Life and Times on the Beach
6. Backwoods
7. Midnight Willie
8. Where's the Understanding?
9. Tinsel Town
10.One More Day (You'll Fly Again)

16 HORSEPOWER | Secret South - Album

16 Horsepower (Banda)

Band americana de Country-Folk Alternativo. Su música invoca imágenes religiosas relacionadas con el conflicto, la redención, el castigo y la culpa a través de las letras de David Eugene Edwards acompañado del Bluegrass, Gospel y la instrumentación de los Apalaches (región este de EE.UU, una mezcla de musica europea y africana).

Durante la mayor parte de su carrera la banda estaba compuesta por líder David Eugene Edwards, Jean-Yves Tola y Pascal Humbert, los dos últimos antes de la banda francesa "Passion Fodder". En abril de 2005 la banda anunció su separación como resultado de las diferencias personales, políticas y espirituales, además de encontrar la gira constante incompatible con su vida cotidiana.

Las características de "16 Horsepower" son sus letras sinuosas y atmosféricas con una feroz inclinación espiritual en torno a elementos de la música Folk y Gospel, así como el Rock. El abuelo de David Eugene Edwards era un predicador nazareno y el joven Edwards solía acompañarlo mientras su abuelo predicaba el evangelio. No es de sorprender que la experiencia influenció el enfoque para la composición de canciones, así como la instrumentación empleada para desarrollar un sonido único. En muchas canciones, David Edwards evoca imágenes cristianas, particularmente la de la capacidad redentora de Jesucristo. Sin embargo, no dejes que este aspecto, muy importante, de la música de "16 Horsepower" desanime, hay profunda raíces de musica tradicional, aparte de las ya mencionadas, tambien hay "deep" Blues.

Notaras influencias muy reconocidas cuando escuchas a "16 Horsepower" como Joy Division, Gun Club, Nick Cave y Birthday Party. Esta mezcla de sonidos, junto con la interpretacion de David Eugene Edwards, Pascal Humbert y compania da lugar a un estilo de música titulado "Gothic Americana". Aquí uno de los legados de "16 Horsepower".

Los miembros de "16 Horsepower" ahora están en otros proyectos, David Eugene Edwards formó Woven Hand y Pascal Humbert formó Lilium.

La discografía de álbumes de estudio:

• Sackcloth 'n' Ashes (1996)
• Low Estate (1997)
• Secret South (2000)
• Folklore (2002)

Personalmente el disco que más me impresiona e impacta es "Secret South" de 2000 por su contenido espiritual, aunque si prefieres más "punch" el primer disco "Sackcloth 'n' Ashes" también puede gustar.

ALBUM: Secret South 

Tercer álbum publicado en 2000. El disco marca un cambio en la dirección musical en comparación con los trabajos anteriores ya que se centra más en la narración de historias sobre un paisaje sonoro más tranquilo. Como no podía ser de otra manera este disco tienen narrativas religiosas sobre el pecado, la salvación, la liberación, la redención, la intervención divina y la oración. Todo esto - que ya es mucho - envuelto en sonidos Folk, Gospel y Rock.

La voz de David Eugene Edwards me impacta, desentraña 11 "mini sermones" (canciones) con una intensidad y emoción que casi me asusta. Tiene una voz espeluznante, junto con una instrumentación escasa pero poderosa, que separa "16 Horsepower" del resto de las bandas de estilo "Alt-Americana". Este disco acentúa las diferencias con uso de banjos, violines, órgano y bandoneón (un acordeón antiguo), junto con la guitarra, el piano y el bajo tan intimidantes y melancólicos, característicos de "musica siniestra" (Gothic).

Las canciones son de narrativas diversas, pero la atmósfera es oscura y amenazadora, especialmente en el tema "Straw Foot" y la magnífica y penetrante canción que abre el disco, "Clogger", uno de mis favoritos. El álbum "Secret South" demuestra que es una obra de una banda sin miedo a explorar el lado oscuro del territorio espiritual con pasión, fervor y con la convicción de un predicador. Dicho esto, para mi también es un trabajo oscuro, extraño pero indudablemente brillante. Puede que "Secret South" sea además un tanto engañoso, que comienza con dos temas accesibles antes de ir en espiral hacia las profundidades menos accesibles del "Country" y "Folk" más misterioso, atmosférico y gótico. Todo esto lo convierte en uno de los álbumes más singulares. En resumen, un disco inquietante que penetra a un nivel emocional y que hace pensar - seas o no religioso - dentro de una panorámica mental (visual) del oeste americano...(si, soy algo freak).

Un disco recomendado, que pienso gustara a los seguidores de Nick Cave etc. Un álbum que fusiona excepcionalmente el Rock Alternativo con el Country y Gospel de forma única y distintivo que lo aparta de lo normal. Un trabajo espiritual visto de la parte "oscura" con un mensaje final positivo de la salvación. Un disco que requiere una atención especial donde lo bueno e interesante esta en los detalles y en las melodías.

Para mi el mejor disco de 16 Horsepower.

Video del la canción "Clogger":



Tracklist:
1. "Clogger" 3:28
2. "Wayfaring Stranger" 2:42
3. "Cinder Alley" 4:42
4. "Burning Bush" 4:00
5. "Poor Mouth" 4:39
6. "Silver Saddle" 3:12
7. "Praying Arm Lane" 3:18
8. "Splinters" 5:19
9. "Just Like Birds" 3:44
10. "Nobody 'Cept You" Bob Dylan 3:34
11. "Straw Foot" 3:30
Músicos:
David Eugene Edwards - voz, guitarra, piano y banjo
Steve Taylor - coros, guitarra y órgano
Jean-Yves Tola - batería, percusión y piano
Pascal Humbert - bajo, violín bajo y guitarra
Asher Edwards - cuerdas
Rebecca Vera - cuerdas
Elin Palmer - cuerdas