ALT-J - The Dream

ALBUM: The Dream

El cuarto álbum de la banda inglesa "Alt-J", publicado el 11 de febrero de 2022 y producido por el productor de sonidos electrónicos Charlie Andrew (trabajó con "James", "London Grammar", "Bloc Party", "Crystal Fighters", "Wolf Alice"... etc.) La obra de arte de la portada del LP es un dibujo del artista Joel Wyllie.

Después de una brecha de cinco años entre lanzamientos, Alt-J regresó en 2022 con algo inesperado: un álbum enfocado con canciones casi aptas para la radio. De ninguna manera se han "vendido a lo comercial", "The Dream" es el ataque más directo que el grupo ha grabado hasta la fecha. Agregaría que es un LP ecléctico, bien elaborado y casi impecable desde el punto de vista sonoro con melodías soñadoras, cálidas y preciosas. El trío de Leeds (Joe Newman, Thom Sonny Green y Gus Unger-Hamilton) reúne varios matices del género indie con un impulso hacia nuevas alturas. Además, este disco tiene una gran cantidad de músicos invitados para contribuir con todo tipo de instrumentos e incluso palabras habladas.

La docena de canciones presenta algunas de las narraciones más evocadoras de la banda, por ejemplo, el líder Joe Newman encarnando a un traficante de drogas en apuros ("The Actor"), un asesino ("Happier When You're Gone"), o incluso un geek de la tecnología que gana a lo grande con criptomoneda ("Hard Drive Gold"). El sonido de "Alt-J" no se ha debilitado, soltando un ritmo de trance y cantando febrilmente en folk acústico pastoral ("Chicago"), reclutando a un cantante de ópera ("Philadelphia") o empleando un cuarteto de barbería de acompañamiento ("Walk a Mile").

Además del primer tema, "Bane" (que utiliza el sonido de una lata al abrirse), otros aspectos destacados incluyen el "U&ME", el single para radio y el mencionado "Hard Drive Gold", un corte pulsante. En el otro extremo del espectro, "Get Better" es un tierno rompecorazones que presenta las letras más emotivas del álbum, enfrentando la pérdida y la muerte.

La gran cantidad de instrumentos, sonidos e ideas es difícil de asimilar al principio. Pero cuanto más avanza el álbum (y con escuchas repetidas), más te das cuenta del estilo y la delicadeza que atraviesa este trabajo. Este LP te va ganando con cada escucha.

En general, el trío ofrece un paisaje de actualidad con letras que van de lo bizarro (obsesión con la muerte) al amor y a las estupefacientes, mezclando el los estilos de Chamber Pop, Folk, Electrónica y Indie Pop. Es un ejercicio interesante y lleno de creatividad, a la vez que abre puertas a otros géneros para convertir este disco en uno de los mejores del 2022 (al menos para mi).

Disco recomendado, y a pesar de sus elementos oscuros, una belleza y calidez recorren todo el álbum lo que lo hace estar lleno de vida y muy humano.

Video del tema "Chicago":

Tracklist:

1.         "Bane" 5:10
2.         "U&Me"         3:18
3.         "Hard Drive Gold"     2:38
4.         "Happier When You're Gone"           4:00
5.         "The Actor"    4:00
6.         "Get Better"    5:51
7.         "Chicago"       3:55
8.         "Philadelphia" 3:38
9.         "Walk a Mile" 6:29
10.       "Delta"            1:00
11.       "Losing My Mind"     4:42
12.       "Powders"       4:41

ETHEL CAIN - Preacher's Daughter - Album

Debo comenzar por admitir que sabía poco, si no nada, sobre esta cantautora. Escuché su disco debut y fue sorprendente. Hablo de...

Ethel Cain (Cantautora)

 
Se llama Hayden Silas Anhedönia, conocida profesionalmente como Ethel Cain, es una cantautora y artista estadounidense nacida en Tallahassee, Florida y que ahora vive en Enterprise, Alabama.

La música de Ethel Cain trata sobre temas nostálgicos y góticos del sur de los Estados Unidos, como la pobreza, el abuso de sustancias, la violencia doméstica, la muerte y el trauma transgeneracional. Su música está asociada a los géneros ambient, rock alternativo y dream pop.

A mediados de 2017, Cain comenzó a experimentar componiendo temas, grabando y produciendo su propia música inspirada en el canto gregoriano de estilo etéreo. Después de lanzar varios mixtapes y EP en plataformas digitales bajo el nombre de "White Silas", así como en sitios como SoundCloud y Tumblr, adoptó un sonido más alternativo y comenzó a usar el nombre de Ethel Cain a mediados de 2019. Su álbum debut se llama "Preacher’s Daughter".
 

ALBUM: Preacher's Daughter

 
El álbum debut publicado el 12 de mayo de 2022 combina influencias sureñas góticas, góspel y dream pop casi a la perfección, brindando 75 minutos de excelente música. La artista involucra a su alter ego para explorar el trauma religioso, el uso de drogas y una relación de abuso. Si, es fuerte, aunque la forma de expresar musicalmente esa "oscuridad" diluye el impacto.

La verdad es que llegué a este álbum con muy poco o ningún contexto sobre quién era Ethel Cain o que tenía para ofrecer. A lo largo de las 13 canciones, Ethel Cain ofrece una historia completa, crea personajes vívidos, casi tangibles y dirige su propia historia. Este disco es una gran introducción, exhibiendo el dominio de Ethel Cain para la síntesis, para traer elementos de ambient, slow core, rock clásico, sexualidad, violencia y religión al disco.

Todo el álbum contiene elementos muy hermosos de realidades deprimentes e inquietantes sobre ser infeliz. Es claramente un álbum conceptual, una historia contada por una niña que existe en el más allá y refleja su vida anterior después de que uno de sus amantes la asesinara violentamente y la canibalizara. Es una historia inusual sobre la mayoría de edad donde el trauma religioso inflige al personaje principal y resulta en su muerte final. La producción es excepcional, los repentinos y explosivos riffs de guitarra eléctrica y hipnótico piano llevan todo este álbum a un nivel completamente nuevo.

Mi única crítica es que el disco es un pelín largo, podría haber sido más corto y más compacto. Sin embargo, esto no le quita nada al álbum, ni al artista. Sigue siendo un gran álbum.

Disco recomendado

Es un álbum elaborado con talento y creatividad. Es tanto cautivo como traumático. Una experiencia casi cinematográfica totalmente única. Un viaje musical sorprendente y desgarrador. Nunca pensé que cantar sobre estar jodido podría ser tan edificante.

Video del tema "Sun Bleached Files":

Tracklist:

1. Family Tree (Intro) 03:41             
2. American Teenager 04:18 
3. A House in Nebraska 07:46          
4. Western Nights 06:05       
5. Family Tree 07:10 
6. Hard Times 05:03             
7. Thoroughfare 9:27 
8. Gibson Girl 05:42  
9. Ptolemaea   06:23
10.August Underground        03:40  
11.Televangelism 03:03                    
12.Sun Bleached Flies           07:36              
13.Strangers  05.44

FAQs:

Aquí hay algunas preguntas populares que hacen los fans:

¿Por qué Ethel Cain (Hayden Silas Anhedönia) la llama "Ethel Cain"?

Inspirado sobre un personaje en el gótico sureño, las películas de terror y el trauma religioso de la propia educación de Anhedönia

¿Cuál es la temática de este disco?

Es un álbum conceptual que se basa en la vida personal de la artista como hija de un diácono, pero crea una narrativa "centrada en el personaje "Ethel Cain", que huye de casa sólo para encontrar un final espantoso a manos de un psicópata caníbal. Se cuenta la historia las trece canciones.

TINDERSTICKS | Tindersticks II - Album

Tindersticks  (Banda)

Grupo inglés de rock alternativo formado en Nottingham en 1991. Posiblemente una de las más originales y distintivas bandas musicales británicos de los años 90, que se destacan tanto de la escena indie y de las bandas de guitarra Brit-pop que dominaron las listas de éxitos del Reino Unido.

Su oferta musical es obtusa y pausada, elaborando canciones densas y difíciles superpuestas con letras literarias, melodías entrelazadas, voces murmurantes y de suave orquestaciones. Una mezcla del estilo de artistas como Leonard Cohen, Ian Curtis y Scott Walker a través de la estética bizarra del indie rock.

Una breve historia:

Los orígenes de la banda se encuentran en "Asphalt Ribbons", una formación de rock independiente que contó con el vocalista Stuart Staples, el tecladista David Boulter y el violinista Dickon Hinchcliffe. Además de estos tres; los miembros restantes incluyeron al guitarrista Neil Fraser, el bajista Mark Colwill y el baterista Al Macaulay. En noviembre de 1992, la banda lanzó su primer sencillo, "Patchwork".

Sus álbumes homónimos, el primero (1993) y segundo (1995), establecieron su sonido característico y recibió elogios generalizados de la crítica. Sus presentaciones en directo, también son elogiadas, a menudo aumentada por grandes secciones de cuerdas y, en ocasiones, una orquesta completa.

Álbumes de interés (faltan BSO):

• 1993    Tindersticks   
• 1995    Tindersticks [II]                    
• 1997    Curtains                     
• 1999    Simple Pleasure                     
• 2001    Trouble Every Day    
• 2001    Can Our Love...                    
• 2003    Waiting for the Moon                       
• 2008    The Hungry Saw       
• 2010    Falling Down a Mountain     
• 2012    The Something Rain             
• 2013    Across Six Leap Years          
• 2014    Ypres             
• 2016    The Waiting Room    
• 2017    Minute Bodies: The Intimate World of F. Percy Smith
• 2019    No Treasure But Hope 
• 2021    Distractions               

El 17 de septiembre de 2006, la banda interpretó en directo su segundo álbum "II" en su totalidad en Londres. El concierto fue la última vez que tocaron los seis miembros originales de Tindersticks juntos.

 

ALBUM: Tindersticks II

El segundo álbum fue publicado en 1995. La portada muestra al guitarrista Neil Fraser. Esta obra es realmente consistente para un álbum de 70 minutos, aunque podrás leer en los "reviews" que para otros es un pelín largo.

Este álbum afina el enfoque de su debut; sin dejar de ser un poco ambicioso y aventurero. Sin embargo, logra un equilibrio musical aún mayor, agarrándose en largas estructuras compositivas y arreglos más intrincados. Mientras que las canciones de Stuart Staples permanecen obsesivos, ahuyenta a sus demonios con humor negro (un ej., "My Sister", que además podría ser uno de los casos más hermosos de palabra hablada sobre instrumental), mientras que su voz fúnebre sigue siendo el centro de atención, hay un par de dúos (uno ejemplo es, "Travelling Light" una colaboración con Carla Torgerson) para añadir variedad.

Si necesitas escuchar solo algunas canciones, para mi las más destacadas son "My Sister", "Tiny Tears","Travelling Light", "Seaweed", "A Night In" y "She 's Gone".

Un disco recomendado. Un triunfo del estado de ánimo y la atmósfera; sombrío con melodías rodantes. Una gran pieza de composición musical y lírica. Puede ser un poco demasiado al principio, pero te irá ganando con cada escucha. Y por supuesto, si eres fan de Nick Cave, Joy Division, Leonard Cohen etc., te va a gustar, seguro.

Video del tema "My Sister":

Tracklist:

1. "El Diablo en el Ojo" – 3:32
2. "A Night In" – 6:25
3. "My Sister" – 8:11
4. "Tiny Tears" – 5:45
5. "Snowy in F♯ Minor" – 2:28
6. "Seaweed" – 5:14
7. "Vertrauen II" – 3:19
8. "Talk to Me" – 5:00
9. "No More Affairs" – 3:49
10."Singing" – 0:57
11."Travelling Light" – 4:51
12."Cherry Blossoms" – 4:19
13."She's Gone" – 3:29
14."Mistakes" – 5:44
15."Vertrauen III" – 2:20
16."Sleepy Song" – 4:37

THE DEARS | Missiles - Album

The Dears (Banda)

Grupo canadiense de indie rock de la ciudad de Montreal. La banda está dirigida por el dúo formado por marido y mujer, el cantante, guitarrista y enigmático líder Murray Lightburn y la tecladista Natalia Yanchak.

Murray Lightburn comenzó a escribir y grabar material bajo el nombre de "The Dears" en 1995, originalmente acompañado por el guitarrista Richard McDonald, el bajista Andrew White y el baterista John Tod. En 1998 Natalia Yanchak se unió al grupo y su ahora reconocible estilo comenzó a tomar forma.

La banda publicó su primer álbum, "End of a Hollywood Bedtime Story" en 2000. Su sonido orquestal, pop oscuro y sus dramáticos shows en directo establecieron a "The Dears" como parte del entonces emergente renacimiento de la escena indie canadiense. Dado que su enfoque ha evolucionado de un pop de estilo orquestal a un sonido pop de "chamber" más íntimo y luego a un estilo indie pop más compacto pero melódicamente sofisticado, todo con voces de estilo cabaret y una mentalidad lírica que refleja la influencia de "Serge Gainsbourg", uno de los los favoritos declarados de Lightburn.

Dicho esto, parece que Murray Lightburn es un personaje difícil, o al menos tiene sus ideas super claras. La alineación ha sido una especie de puerta giratoria, con más de 20 músicos siendo parte de The Dears. Es más, para la grabación de su cuarto disco "Missiles", se fue prácticamente todo los componentes excepto, Murray y Natalia.

Discografía hasta ahora:

• 2000: End of a Hollywood Bedtime Story
• 2003: No Cities Left 
• 2006: Gang of Losers
• 2008: Missiles
• 2011: Degeneration Street 
• 2015: Times Infinity Volume One
• 2017: Times Infinity Volume Two
• 2020: Lovers Rock

Para la mayoría de críticos y fans, el álbum de 2006 "Gang of Losers" es considerado su mejor trabajo hasta la fecha. Si bien es un trabajo fuerte, personalmente me inclino más hacia el álbum de 2008 "Missiles".

ALBUM: Missiles

Es el cuarto álbum de estudio publicado el 20 de octubre de 2008.

El álbum estuvo marcado por tensiones creativas dentro de la banda. Cuando se completó el proceso de grabación, la mayoría de los músicos se habían ido, dejando solo a los miembros principales Murray Lightburn y Natalia Yanchak. Con todas las tensiones, este es un trabajo encantador y apasionado. Las canciones son épicas pero no demasiado exageradas. El álbum es melódico y dulce, pero no cansa. También hay (existen) amplias comparaciones con "Radiohead", que pueden ser algo bueno o malo dependiendo de cómo lo tomes como oyente. Personalmente lo considero algo positivo.

Grabado en un corto período de tiempo con numerosos músicos de sesión, "Missiles" es tan tosco e inconexo como solido y majestuoso, equilibrando el caos artístico con la franqueza emocional. Dicho esto, este álbum puede necesitar múltiples escuchas. Con canciones de promedio de entre cinco y seis minutos, se requiere algo de concentración para apreciar los matices.

Comenzando el disco con una introducción extendida - "Disclaimer" - dirigida por un saxofón al estilo "Dark Side ... de Pink Floyd" y terminando con una canción épica - "Saviour" - de 12 minutos a medio tiempo, "Missiles" tiene más en común con "Radiohead" y su álbum "OK Computer". El tema "Berlin Heart" es musicalmente similar a "No Surprises" (tema en "Ok Computer"), y aunque no se puede escapar de las comparaciones, también hay grandes momentos originales como; "Money Babies", "Lights Off" y "Crisis 1 & 2", tres canciones atractivas y con ganchos inundados con armonías corales, riffs clásicos, metales y cuerdas. Las melodías son arrolladoras e indulgentes con ritmos apretados que se extienden hasta el punto de romperse. No obstante, la fuerza de "Missiles" está en los detalles. Los teclados, la línea de bajo y las capas de rock clásico que cubren algunas canciones son algo completamente diferentes y llamativos. En resumen, un disco sólido y placentero para escuchar. Una obra de cincuenta y ocho minutos para ser escuchada de principio a fin sin interrupciones.

Un disco recomendado. Un álbum que trabaja y pone un énfasis sobre la elegancia que en pocos álbumes de actualidad se puede encontrar. Si no lo conoces, buscarlo, te puede dar una sorpresa grata.

Video del tema "Lights Off":

Tracklist:

1.         "Disclaimer"    6:44
2.         "Dream Job"   4:32
3.         "Money Babies"         4:16
4.         "Berlin Heart" 4:26
5.         "Lights Off"   8:02
6.         "Crisis 1 & 2"  3:44
7.         "Demons"       5:00
8.         "Missiles"        5:00
9.         "Meltdown in A Major"         5:10
10.       "Saviour"        11:20

SHEARWATER | Rook - Album

Shearwater (Banda)

Es un grupo americano de indie rock de Austin, Texas, dirigida por el multi-instrumentista y cantante principal Jonathan Meiburg. La música de la banda se destaca por su imaginería basada en la naturaleza, canciones melódicas cerebrales pero íntimas, así como la peculiar voz de Meiburg.

En 1999, los miembros de la banda de "Okkervil River", Jonathan Meiburg y Will Sheff, fundaron Shearwater como una salida para sus canciones más tranquilas. Originalmente concebida como una colaboración única, "Shearwater" continúa la tradición de composición detallada y reflexiva establecida por artistas clásicos como Nick Drake y Leonard Cohen y compositores contemporáneos de indie rock como, por ejemplo, Will Oldham. El nombre de la banda proviene de la pardela, una tribu de aves marinas relacionadas con los petreles y albatros.

Jonathan Meiburg, quien tiene una maestría en geografía con un enfoque en ornitología, eligió el nombre principalmente por el sonido de la palabra.

El debut de Shearwater, "The Dissolving Room", presentó a Kim Burke en contrabajo, y poco después, el baterista y vibrafonista Thor Harris se unió a la banda. La incorporación del multi-instrumentista Howard Draper, además de las giras les dio visibilidad. Shearwater continuó produciendo música bajo esta formación con los discos "Everybody Makes Mistakes" (2002) y "Winged Life" (2004), así como en Thieves EP (2005). La formación más tarde experimentaría cambios, por ejemplo, Will Sheff dejó la banda en 2006. Con nuevas incorporaciones "Shearwater" han seguido con el proyecto y grabando álbumes a un buen ritmo.

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• 2001: The Dissolving Room
• 2002: Everybody Makes Mistakes
• 2004: Winged Life
• 2006: Palo Santo
• 2008: Rook
• 2010: The Golden Archipelago
• 2012: Animal Joy
• 2013: Fellow Travelers
• 2016: Jet Plane and Oxbow

Hay algunos álbumes realmente buenos en la discografía de Shearwater, como "Everybody Makes Mistakes", "Winged Life", "Palo Santo" & "Jet Plane & Oxbow". Sin embargo, personalmente me gusta más su hermoso lanzamiento de 2008 "Rook".

ALBUM: Rook

Es el quinto álbum de estudio publicado el 3 de junio de 2008. El co-fundador Jonathan Meiburg dijo que eligió el título por el sonido de la palabra y el hecho de que tiene múltiples significados. El tema de las aves se repite con frecuencia con la banda, desde su nombre hasta los títulos de canciones, portada...etc.: Meiburg es ornitólogo, y esto ayudó explicarlo casi todo. El estilo musical de esta obra encaja en las categorías de Indie Rock, Folk Rock y Chamber Pop, aunque es un disco bastante emotivo, íntimo y cerebral. 

En 2007, la banda estaba comenzando a asentarse en un conjunto más ecléctico y orientado hacia el rock, subiendo el listón. Con poco más de 36 minutos, las canciones son todas buenas, y es un disco sin "relleno". Es un brillante debut por parte de la banda para "Matador Records".

Jonathan Meiburg tiene una voz fluida y poderosa, que se encuentra entre Jeff Buckley y Scott Walker, captando toda la atención del oyente. La producción de este álbum es la más concisa de la banda hasta la fecha, gracias en parte a la eliminación de al menos la mitad de la cantidad de reverberación utilizada en grabaciones anteriores, lo que permite que más instrumentos de percusión, vibráfono, arpa y el banjo tengan la oportunidad de sonar con más protagonismo. Cada canción está finamente elaborada, la instrumentación es poco común pero hay muchos detalles finos y positivos, como las firmas de tiempo integradas del piano y la guitarra, donde me recuerda el trabajo del músico Mark Hollis (Talk Talk).

¿Significado de las letras de Rooks?

La banda utiliza la vida silvestre, y especialmente las de aves, como metáforas en sus canciones. Se piensa que los cantos de los pájaros contienen algo místico y comunican los secretos de los alquimistas, códigos de magia y de los ángeles. Este folklore no es inusual en absoluto, ya que sigue una larga tradición utilizada por "los pueblos" para contar historias vía el cante y la poesía; algo que se sigue utilizando entre pueblos. Un ejemplo (la poesía),  dentro del disco el tema "Rook" hace referencia al poema "The Second Coming" de William Butler Yeats. Además, "los cuentos" en este disco hacen también referencias a la destrucción medioambiental, la desconexión espiritual y la soledad...,como vivimos en un "yin-yang", del constante cambio y sobre la esperanza. Es un álbum optimista, aunque tiene como fondo una atmósfera oscura.

El tema de apertura "On the Death of the Waters" se reproduce como el prólogo de un cuento de hadas marítimo, mientras el narrador se vuelve sublime desde los acordes de un delicado piano antes de explotar en una furia de metales, distorsión, y un drama. Esta estética de "calma antes de la tormenta" domina a el disco "Rook"; y en otro testimonio de su corto tiempo de ejecución, funciona a la perfección, iluminando las pocas piezas sencillas como "Century Eyes", "Leviathan, Bound" y la inquietante canción principal, "Rook". No obstante, es un disco que requiere atención a "los detalles" y una actitud (o mejor dicho, estado anímico) de relajación y contemplación. Al menos, así es como mejor lo escucho y aprecio más esta obra que es "Shearwater".

Un disco recomendado. Una obra conceptual, maravillosa y poética para los reflexivos (para divagar en nuestro "yo"); majestuosamente elaborada e interpretada. Complejo y hermoso.

La comparación más usada por fans y críticos es la obra de la banda Talk Talk, "Laughing Stock". Aunque para mí este último disco es muy diferente, en su planteamiento y en espíritu, te dará una idea de hacia dónde te diriges y qué esperar con este álbum, especialmente con los temas más tranquilos y de piano (ejemplo, el tema "Home Life"). Otros referentes podrían ser Bon Iver, Fleet Foxes …etc.

Buscarlo si no conoces el álbum, pienso que te va gustar.

Video de la canción "I Was a Cloud":

Tracklist:

1.         "On the Death of the Waters"           3:08
2.         "Rooks"          3:21
3.         "Leviathan, Bound"   2:52
4.         "Home Life"   7:15
5.         "Lost Boys"    2:24
6.         "Century Eyes"           2:18
7.         "I Was a Cloud"         5:12
8.         "South Col"    2:35
9.         "The Snow Leopard"  5:08
10.       "The Hunter's Star"    4:00

RA RA RIOT | The Rhumb Line

Ra Ra Riot (Banda)

Grupo americano de indie rock formada por el vocalista Wes Miles, el bajista Mathieu Santos, el guitarrista Milo Bonacci, la violinista Rebecca Zeller y el baterista Kenny Bernard. Músicos de rock que fusiona su sonido con sintetizadores, violines y violonchelo. La banda desarrolló un sonido ecléctico, inspirado por el pop barroco de los años sesenta y setenta, el new wave de los ochenta, el folk y la música clásica de cuerdas. Llamaron la atención por primera vez a mediados de la década de 2000 combinando rock indie con el "chamber-pop". Sus dos primeros álbumes, "Rhumb Line" de 2008 y "The Orchard" de 2010, mostraron este sonido de chamber rock-pop y les valieron la aclamación de la crítica.

Ra Ra Riot se formó en enero de 2006, tocando en casas y lugares alrededor del campus de la Universidad de Syracuse. Poco a poco fueron creándose una audiencia y reputación por sus energéticos directos ganándose apariciones en festivales y siendo teloneros invitados para bandas como "Art Brut", "Bow Wow, Wow", "The Editors", "Tokyo Police Club"... Aparte de también hacer sus propias giras por los EE.UU y Europa, fueron invitados a los festivales "South by Southwest" y "Seaport Music Festival" en 2007 y 2008.

En su mejor momento y en pleno crecimiento, la banda sufre una tragedia que casi frena en seco su progreso. El 2 de junio de 2007, el baterista original, John Ryan Pike, desapareció en circunstancias sospechosas en una fiesta en Fairhaven, Massachusetts después de un concierto en Providence, Rhode Island. Un grupo de búsqueda descubrió su móvil en la playa. Su cuerpo fue descubierto el 3 de junio de 2007 y se creía que Pike se había ahogado. Ra Ra Riot emitió un comunicado unas semanas después del funeral de Pike de que continuaría como banda.

El 19 de mayo de 2008, la banda anunció que habían firmado con "Barsuk Records". Publicaron su álbum debut, The Rhumb Line, el 19 de agosto de 2008. 

Desde entonces el grupo ha experimentado cambios en su formación lo que causó unos ajustes en la dirección musical. Por ejemplo, en 2012, Alejandra Lawn (miembro original y violista) anunció que había dejado la banda.

Ra Ra Riot ya llevan publicados cinco álbumes. La discografía hasta ahora:

• 2008 The Rhumb Line          
• 2010 The Orchard                 
• 2013 Beta Love                     
• 2016 Need Your Light           
• 2019 Superbloom                  

Me gusta mucho el primer álbum "The Rhumb Line", me parecía en su momento diferente y muy interesante. Aún tiro del disco con regularidad para disfrutar de ello. También es muy bueno el álbum de 2013 "Beta Love", un trabajo más completo y con la banda ya demostrando cierta madurez. Lo comento por si quieres explorarlo junto con el ya mencionado álbum debut.

ALBUM: The Rhumb Line 

Es el álbum debut publicado el 19 de agosto de 2008. El disco fue elegido por los especialistas como uno de los  mejores álbumes del 2008.

Lo más notable son las actuaciones de la violonchelista Alexandra Lawn y la violinista Rebecca Zeller. El rock indie no es un "sitio típico" para las secciones de cuerdas, pero Zeller y Lawn se integran perfectamente. Además, es un álbum alegre considerando que está mezclado con la tragedia. Durante el proceso de grabación de este álbum, su baterista John Ryan Pike, quien también ayudo escribir cinco de las canciones, se ahogó. Puedes escuchar la tristeza a lo largo del álbum, arropado por un hermoso indie rock atado con las cuerdas instrumentales, que hace que el álbum sea emotivo.

En general, el disco es una mezcla de melodías saturadas de hermosos arreglos de cuerdas, canciones de amor y elogios tranquilos, y el contenido lírico oscuro y brillante de Wes Miles con un suave vibrato y toque de acento inglés. En cierto modo, cada canción del álbum representa un sonido diferente, aunque todas son muy parecidas: piezas burbujeantes, bonitas, generalmente asombrosas que te dejan sintiendo alegre, teniendo en cuenta el fondo trágico. Un álbum homenaje a un amigo y la alegría de vivir.

Un disco recomendado. Un buen álbum debut de "chamber-pop" que gustará a los fans del underground de los años ochenta. Es un ejemplo que hay sitio en el indie-rock para las cuerdas instrumentales y cómo pueden dar ese toque extra de emoción y "feeling" a las canciones. No es el mejor disco de "Ra Ra Riot" (quizás "Beta Love" de 2013 es el más completo) pero sí me parece hermoso y placentero. Buscarlo y darlo una escucha si aún no lo conoces.

Video del tema “Too Too Too Fast”:

Tracklist:

1.         "Ghost Under Rocks" (John Pike, Ra Ra Riot) – 4:26
2.         "Each Year" (John Pike, Ra Ra Riot) – 3:16
3.         "St. Peter's Day Festival" (John Pike, Wes Miles) – 3:34
4.         "Winter '05" – 2:57
5.         "Dying Is Fine" (John Pike, Wes Miles, e. e. cummings) – 3:52
6.         "Can You Tell" – 2:42
7.         "Too Too Too Fast" (John Pike, Ra Ra Riot) – 3:46
8.         "Oh, La" – 4:42
9.         "Suspended in Gaffa" (versión de Kate Bush) – 3:48
10.        "Run My Mouth" – 3:58