HUM - You’d Prefer an Astronaut - Album

Antes de escuchar una sola nota del disco "You’d Prefer an Astronaut", solo conocía a HUM de oídas, un nombre que solía pronunciarse junto a bandas más reconocibles como Deftones o Smashing Pumpkins. Pero no fue hasta que me senté a escuchar el álbum sin interrupciones cuando comprendí lo erróneo que es pensar en HUM como una sombra de alguien. Esto no es simplemente otro vestigio de la oleada alternativa de los 90 (siglo xx); es una pequeña revelación. Una que no exige atención, sino que se la gana con el tiempo. Voy a profundizar en por qué "You’d Prefer an Astronaut" sigue siendo una piedra angular esencial, aunque a menudo pasada por alto, del canon más silencioso del rock estadounidense.

ALBUM: You’d Prefer an Astronaut

A mediados de los 90 (siglo xx), mientras el grunge aún resonaba entre habitaciones forradas de franela y el rock alternativo recorría las venas del mainstream, una revolución más silenciosa empezaba a vibrar bajo la superficie. Venía de Champaign, Illinois, y llevaba el nombre de HUM, una banda cuya música no gritaba para llamar tu atención, sino que te arrastraba a su órbita como lo haría la gravedad. Publicado el 11 de abril de 1995, "You’d Prefer an Astronaut", su tercer álbum de estudio y el primero con una gran discográfica (RCA), es un disco que resuena hoy más que quizás nunca lo hizo en su propio tiempo.

El sonido del caos controlado:

Desde la primera canción, "Little Dipper", HUM marca el tono. No con solos llamativos ni alardes vocales, sino con guitarras pesadas que parecen tectónicas y una sección rítmica que se agita como mareas en movimiento. La voz de Matt Talbott no vuela, flota. Parece casi reticente, envuelta en desapego, dejando que las letras lleven el peso: densas en imágenes espaciales, estática emocional y una vulnerabilidad velada. Su interpretación, sutil y casi hablada, contribuye a la melancolía cósmica que da a este álbum su textura distintiva.

Talbott no era el vocalista más potente, y lo sabía. Pero esa limitación se convirtió en la firma de HUM. En lugar de forzar la emoción, la ofrecía como alguien que observa el dolor desde órbita. Detrás de él, las guitarras de Talbott y Tim Lash no se limitan a tocar, construyen. Capa tras capa de melodía distorsionada se apila, se refina y se duplica con una precisión casi obsesiva. El productor Keith Cleversley describió una vez su proceso como la búsqueda de “los sonidos de guitarra más gordos” que jamás había grabado, y el resultado es un muro de ruido que se siente menos como una explosión sónica y más como una formación planetaria.

Bryan St. Pere:

Cualquier conversación sobre "You’d Prefer an Astronaut" debe mencionar al fallecido Bryan St. Pere, cuya batería definió no solo la dinámica de la banda, sino su núcleo emocional. No hay exhibiciones, ni excesos. Solo el ritmo exacto, el pulso preciso, cada vez. Ya sea conteniéndose con sutileza en "I Hate It Too" o avanzando con urgencia en "The Pod", las decisiones de St. Pere marcan la diferencia entre una buena canción y una excelente.

Escucha "I’d Like Your Hair Long", el exorcismo sonoro de amor perdido y frustración de la banda, y lo notarás: una interpretación a la batería tan estrechamente entrelazada en la estructura que prácticamente redefine la composición. Los redobles en cascada, los sutiles cambios de tempo, la explosión final de percusión, es una clase magistral de gusto y sincronía. Matt Talbott puede estar susurrando un desamor cósmico, pero es St. Pere quien le da gravedad.

Un repertorio que oscila:

Las nueve canciones del álbum no están simplemente ordenadas, están trazadas. Tras el impulso crudo de "Little Dipper" y la inmediatez contundente de "The Pod", "Stars" llega como una tormenta de meteoritos a cámara lenta. Un éxito inesperado que alcanzó el número 11 en la lista Hot Modern Rock de Billboard, "Stars" es tan engañosamente simple como estructuralmente brillante. Ese riff limpio del comienzo te arrulla con calma, y luego cae el acorde de poder como una trampilla que se abre. Es el tipo de momento que recuerdas con vísceras.

Le sigue "Suicide Machine", un lamento que arde lentamente y se despliega como un réquiem en el espacio. El estribillo repite “I need you” una y otra vez, y no es solo Talbott quien lo dice, es cada alma flotante y desanclada que alguna vez amó algo inalcanzable. Luego está "Why I Like the Robins", mi favorita personal. Es sutil, extraña y fascinante. De algún modo, HUM envuelve la melodía en ruido y aún así consigue que suene transparente.

No todo es perfecto. "The Very Old Man" es más una pieza de ambiente, y el corte final, "Songs of Farewell and Departure", se aleja quizá demasiado de la órbita gravitacional. Pero incluso en sus momentos más flojos, HUM evita el relleno. Cada pieza se siente como parte de un solo cuerpo, menos una colección de canciones y más un sistema completo, como lunas orbitando un planeta.

Un sonido adelantado a su tiempo:

Cuando HUM publicó "You’d Prefer an Astronaut", el mainstream estadounidense no estaba del todo preparado. El shoegaze, aunque floreciente en el Reino Unido con bandas como My Bloody Valentine y Ride, aún no había aterrizado del todo en Estados Unidos. Pero HUM plantó la bandera. Sus guitarras eran densas, sí, pero melódicas. Sus voces contenidas, sus letras cósmicas e introspectivas.

Años después, bandas como Deftones citarían este disco como influencia fundamental. Se nota claramente en Change (In the House of Flies), ese crescendo lento, ese peso atmosférico, esa implosión controlada del sonido. En cierto modo, Astronaut no solo influyó en un género, ayudó a inventarlo.

La vida cultural posterior del disco habla por sí sola. Una década después de su lanzamiento, "Stars" tuvo una segunda vida inesperada en un anuncio. Y a diferencia del típico acuerdo de licencias, Talbott ni siquiera supo que se había cerrado hasta que lo vio en la tele. Eso es HUM en esencia: potentes, discretos, siempre bajo el radar hasta que, de repente, vuelven a sonar.

Una historia de amor en el espacio:

A pesar de su tono cerebral y sus referencias astronómicas, este es un disco profundamente emocional. Talbott ha dicho que, en el fondo, estas son canciones de amor, y al escuchar con atención, se vuelve evidente. No son canciones de amor para bailar o cantar a pleno pulmón, sino de las que existen en el silencio, el arrepentimiento, la distancia. “You’d prefer an astronaut”, canta Talbott, no con admiración, sino con resignación. Tú quieres a alguien inalcanzable. Yo sigo aquí.

Hay una tensión constante en el álbum, entre rendirse y resistirse, entre el peso y el despegue, entre la tristeza y la esperanza. Y es esa tensión lo que hace que "You’d Prefer an Astronaut" siga siendo tan fascinante casi tres décadas después.

Disco recomendado

Puede que HUM desentonara entre la angustia estilizada de la élite del rock alternativo de los años 90. Sin poses, sin consignas, solo cuatro tipos tranquilos que tocaban como gigantes. Pero con "You’d Prefer an Astronaut", hicieron un disco que sobrevivió a las modas y a las etiquetas. No va de nostalgia, va de descubrimiento.

Si nunca lo has escuchado, empieza ahora. Déjalo desplegarse poco a poco. Deja que resuene. Ya sea que te guste el shoegaze, el post-hardcore, el slowcore o simplemente el rock reflexivo que permanece en la atmósfera mucho después de acabar, "You’d Prefer an Astronaut" es un disco digno de orbitar.

Video del tema "I'd Like Your Hair Long":

Tracklist:

"Little Dipper" – 4:44
"The Pod" – 4:38
"Stars" – 5:09
"Suicide Machine" – 5:58
"The Very Old Man" – 2:45
"Why I Like the Robins" – 4:58
"I'd Like Your Hair Long" – 5:26
"I Hate It Too" – 5:59
"Songs of Farewell and Departure" – 6:16

Hum:

• Matt Talbott – guitarra y voz
• Jeff Dimpsey – bajo
• Tim Lash – guitarra
• Bryan St. Pere – batería

Técnica:

• Keith Cleversley – producción

UNWOUND - Repetition - Album

Antes de sumergirnos en la esencia del disco "Repetition", vale la pena detenerse un momento para comprender por qué este trabajo sigue siendo importante décadas después. Unwound nunca fue un nombre conocido, pero para quienes lo descubrieron, a menudo por casualidad o por el boca a oreja, la conexión es profunda. Esta no es música hecha para una escucha pasiva; plantea preguntas, inquieta y se niega a resolverse con claridad. "Repetition" no es solo un álbum: es un estado de ánimo, un lugar, un estado mental. Y si estás dispuesto a explorarlo, lo que encontrarás es diferente a todo lo anterior.

ALBUM: Repetition

Algunos álbumes no buscan tu atención. La exigen. "Repetition", el lanzamiento de la banda Unwound en 1996, no se preocupa por tu estado de ánimo, tus preferencias de género ni a qué estás acostumbrado. Avanza con una amarga claridad, desprovista de optimismo, pero extrañamente electrizante. Unwound nunca buscó el atractivo mainstream, y en este disco, parecen rechazarlo activamente. El resultado es un sonido a la vez confrontativo y meditativo, una inusual dualidad que convierte a "Repetition" en una recomendación irresistible para cualquiera que busque algo auténtico.

Origen de Olympia, Washington (EE.UU.), una ciudad conocida por sus vínculos con el movimiento riot grrrl y la sombra de Nirvana, Unwound siempre fue más que una simple banda de post-hardcore. Fueron artífices del caos controlado, combinando disonancia, melancolía y fuerza en canciones que parecían documentos desde el límite. Con "Repetition", no solo refinaron su sonido, sino que lo convirtieron en un arma.

Sonido espiral hacia adentro:

Unwound ya se había forjado una reputación de rechazar la ortodoxia punk. Discos anteriores como "Fake Train" y "The Future of What" estaban llenos de ruido y catarsis. Pero "Repetition" es diferente. Se trata menos de erupción, más de corrosión. Desde los primeros segundos de "Message Received", la banda establece su inquietante presencia con un loop irregular que da paso a riffs irregulares y una interpretación vocal desgarradora de Justin Trosper. No es solo una canción, es una declaración: no estás aquí para pasar un buen rato. Estás aquí para sentir algo.

La guitarra de Trosper es un elemento fascinante a lo largo del disco. A veces es penetrante y angular, como vidrio roto raspando metal; en otros momentos, se desliza hacia la abstracción, con toques psicodélicos que evocan la influencia de Sonic Youth, aunque el particular estilo de ruido de Unwound siempre se siente más frío, más emocionalmente cerrado. En "Lowest Common Denominator", uno de los temas más destacados del álbum, la guitarra se despliega en espiral a través de un riff surrealista antes de fragmentarse en el caos durante los interludios, una metáfora sonora del desenlace mental.

No heroes, only ghosts:

"Corpse Pose", quizás la canción más conocida de la banda, posee una cualidad inquietante. Escrita en torno a un riff de bajo que Vern Rumsey descubrió por casualidad mientras esperaba a que Sara Lund afinará su batería, la canción se convirtió en una favorita de los fans casi por accidente. Hay una atracción hipnótica en la forma en que las líneas de Rumsey serpentean entre la batería y la guitarra. Y aunque la letra — "El inconveniente de vivir es encontrarte a ti mismo" — habla de la desesperación existencial, la interpretación nunca cae en el melodrama. Es distante, pero profundamente conmovedora.

Esa desafección alcanza su punto máximo en "Lady Elect", una canción escrita tras el suicidio de una amiga. Es despojado y vacío, el equivalente emocional de mirar por la ventana sin pestañear. La voz contenida de Trosper es casi un susurro, como si algo más fuerte pudiera fracturar el momento por completo.

Instrumentales como "Sensible, Go to Dallas" y "Take a Left" sirven como desvíos extraños y dispersos: momentos para reflexionar o desconectar antes de que llegue el siguiente golpe. Este último muestra especialmente el retorcido sentido del humor de la banda, comenzando con la sinceridad etérea que esperarías de un anuncio de alergias, solo para desmoronarse en ruido, punzadas de órgano y caos. Es absurdo y desconcertante, pero extrañamente apropiado.

Repetición como tema y forma:

Líricamente, el álbum gira en torno a la monotonía, no solo como idea, sino como experiencia vivida. En "Unauthorized Autobiography", Trosper canta: "Bored of my life, repetition", resumiendo todo el peso emocional de la adultez temprana en seis palabras. No se trata solo de estar perdido o enojado. Se trata de estar estancado, viendo cómo la vida se desenrolla en una escala de grises, incapaz de reunir la energía para resistir.

Incluso las estructuras de las canciones imitan esta repetición. Bucles de ruido, riffs que se repliegan, versos que se disuelven en el caos en lugar de in crescendo. Esto no es accidental: es el sonido de una vida vivida en piloto automático, donde cada día se fusiona con el siguiente.

Y luego está "Fingernails on a Chalkboard", cuyo título por sí solo te dice qué esperar. Es un canto fúnebre lento y amenazante que avanza con una inevitabilidad mecánica. Trosper repite el título como un mantra, su voz apenas se mueve de tono. Es la escucha más difícil del álbum, y probablemente a propósito.

Sin eslabones débiles:

Si hay un secreto del impacto de "Repetition", es la sinergia de la banda. La batería de Sara Lund no es ostentosa, pero sí precisa. Su habilidad para cambiar de tempo, especialmente en "Go to Dallas" y "Take a Left", añade una especie de arco narrativo incluso a las piezas más abstractas. Mientras tanto, el bajo de Rumsey a menudo se convierte en la pieza central; no solo una columna vertebral, sino una fuerza melódica que impulsa las canciones hacia adelante mientras las ancla en el terror.

Juntos, el trío construye canciones como laberintos: cada corte lleno de rincones ocultos, giros bruscos y callejones sin salida de distorsión. La voz de Trosper, a veces gritada, a veces murmurada, a veces incluso coreada, no es tradicionalmente "buena", pero es auténtica. Y en un récord como éste, la verdad es la única moneda que importa.

Una despedida brutal:

El tema de cierre, "For Your Entertainment", es uno de los momentos más directos y furiosos de la banda. Es una condena a la industria musical, la mercantilización de la creatividad y el agotamiento de la vida de gira. Pero no es solo una crítica, es una liberación. A medida que la guitarra y la voz se elevan al unísono, se siente como si el álbum se estuviera desprendiendo de sí mismo, negándose a desaparecer.

Para cuando la nota final se desvanece, no te quedan respuestas. Te quedas con el dolor de la tensión no resuelta, la sensación de haber presenciado algo íntimo y fracturado.

Disco recomendado

"Repetición" de Unwound no es un álbum fácil. No sonará bien de fondo mientras limpias la casa. Pero si le prestas atención, si lo escuchas con atención, te recompensará con algo que muy pocos discos ofrecen: un vistazo a una mente que se desmorona a cámara lenta, y a una banda que convirtió esa espiral en algo feroz y extrañamente hermoso.

Tanto si exploras el post-hardcore por primera vez como si buscas descubrir un capítulo olvidado de la historia del punk de los 90 (siglo xx), "Repetition" es una escucha imprescindible. Es crudo, lleno de matices y atemporal, a su manera irregular.

Recomendado para quienes buscan un álbum que no busque significado a gritos, sino que lo desangre discretamente.

Video del tema "Lowest Common Denominator":

Tracklist:

1. "Message Received" 3:05
2. "Corpse Pose" 3:05
3. "Unauthorized Autobiography" 2:47
4. "Lowest Common Denominator" 4:31
5. "Sensible" 3:00
6. "Lady Elect" 5:37
7. "Fingernails on a Chalkboard" 4:56
8. "Murder Movies" 1:48
9. "Next Exit" 4:30
10. "Devoid" 3:13
11. "Go to Dallas and Take a Left" 4:13
12. "For Your Entertainment" 5:39

Unwound:

• Justin Trosper – Guitarra, voz
• Sara Lund – Batería
• Vernon Rumsey – Bajo

Técnica:

Steve Fisk – Productor, teclados adicionales

AINA - Bipartite - Album

Quiero darle al término "una banda subestimada" una extra dimensión. La banda española de post-hardcore AINA ha sido una de las más importantes bandas independientes de los últimos años de los 1990 y principios de los 2000, y pocos los conocen fuera del circuito alternativo. Con más seguidores fuera de España, especialmente en Suecia, Alemania y EE.UU., editaron solo tres discos de estudio antes de separarse en 2002.

Un gran conjunto que necesita la atención de melómanos, una amplia exposición y ser redescubierto por seguidores del rock alternativo que tal vez se les hayan escapado de su existencia.

Este es un post para dar renovada exposición a esta extraordinaria banda y animarte a que revises su material (disponible en internet), especialmente su último disco "Bipartite" (cantado en inglés).

 

¿Quién era la banda AINA?

 
Aina era una banda post-hardcore y una de las más talentosas de España (Barcelona). La formación estaba formada por Artur Estrada (voz, guitarra), Xavier Sola (guitarra), Álvaro Sola (bajo) y Pau Santesmasses (batería).

Estuvieron muy activos desde 1995 hasta 2002. Una carrera corta pero intensa, con muchas giras y conciertos en vivo. Los chicos no paraban de trabajar.

Su discografía de álbumes de estudio es el siguiente:

• Siete 1996
• Aina 1999
• Bipartite 2001

aparte de singles y EPs. 

A continuación algunas anécdotas interesantes sobre esta banda española (catalana):

1.  Primer y todavía único álbum - "Bipartite" - de una banda española grabado en los "Inner Ear studios" de Washington DC, donde Fugazi grabó todos sus discos, producido por Jay Robbins, posiblemente el productor más importante de la escena underground norteamericana, líder de "Jawbox", "Burning Airlines", "Channels", "Office of Future Plans...".
   
   
2. Múltiples giras europeas y americanas, los tíos no paraban: siento teloneros de Metallica, Duster, At The Drive-In o Queens of the Stone Age, por ejemplo. Obvia señal de demanda, seguimiento y calidad.
   
   
3. El tercer álbum "Bipartite" contiene uno de los mayores éxitos de su carrera, 'Luton Can Wait', editado por Dischord Records, convirtiendo a Aina en la única banda española editada en el sello Ian MacKaye de Fugazi.

 

ALBUM: Bipartite

Es el tercer y último disco publicado en noviembre de 2001. 

“Bipartite” es de su discografía su mejor disco, el más maduro, el que tiene un sonido más personal. Sin dejar atrás la herencia del sonido DC que les caracterizan en sus principios, en "Bipartite" meten en la coctelera influencias del rock (estilo AC/DC, Rocket From The Crypt …) y les sale algo realmente único y excepcional.

Producido por J. Robbins, el líder de "Jawbox" hace un trabajo de producción impecable para sacar un sonido con musculoso al cuarteto barcelonés. Riffs impulsores, rupturas fuera de lugar y cantos ligeramente agudos, casi etéreos, son marcas registradas de Aina y el primer corte de este álbum, "Presbyopia", es un lugar tan bueno como cualquier otro para escuchar de qué se trata esta banda. Otros aspectos destacados incluyen los riffs entrecortados de "Charm Green, Cynical Red", el sonido AC/DC de "Helicopters y la grandilocuencia épica "Luton Can Wait", el tema más conocido y de más éxito para AINA.

Video del tema "Helicopters":

Disco recomendado

AINA ha sido uno de los grupos con más talento y calidad de la escena española del rock alternativo y se les ha "escapado" a muchos de su existencia. Una banda que está dentro de la categoría "subestimada" injustamente y que debe estar fuera dentro de la lista de los grandes del hardcore y rock.

Su último álbum "Bipartite" es el mejor de AINA y resume todo sobre esta banda. Las canciones son tensas, pegadizas y con alma de pop. Es realmente una joya escondida del post-hardcore español e internacional de principios de la década de 2000.

Insto a que busques este disco y lo escuches junto con sus otros dos álbumes.

Video del tema "Lutan Can Wait":

Tracklist: 

1. Presbyopia
2. Two Questions
3. Vertigo
4. Charm Green, Cynical Red
5. Helicopters
6. Bipartite
7. Luton Can Wait
8. Suite 58
9. We Gotta Talk
10.Slow Luton

LUNGFISH - The Unanimous Hour - Album

Lungfish (Banda)

Grupo de rock estadounidense formado en 1987 en Baltimore, Maryland. En 2005, la formación de Lungfish estaba formada por Daniel Higgs (voz, guitarra), Asa Osborne (guitarra), Sean Meadows (bajo) y Mitchell Feldstein (batería). Los dos bajistas anteriores fueron John Chriest y Nathan Bell. La música de la banda abarca el emocore, rock alternativo y post-hardcore. Los críticos también han añadido que la música es muy intensa, minimalista pero compleja donde "Lungfish" abarca desde el taoísmo hasta el estoico.

 

ALBUM: The Unanimous Hour

 
El octavo álbum de estudio fue publicado en junio de 1999. En mi opinión, el más sólido. La edición original se agotó, pero apareció en 2011 en formato CD remasterizado, lo que le dio una increíble experiencia de sonido "nueva".

Antes de avanzar haré una breve advertencia al lector, "Lungfish" te aburrirá o lo pondrá en un trance trascendental; dicho de otra manera, "o lo entiendes o no lo entiendes". Depende de cómo enfoques la música. Básicamente, utilizan dos o tres "riffs" simples y monótonos por canción, agregan un bajo contundente, una batería pesada y eso es todo. Sin "solos", sin salidas. Agregue a eso las letras "esotéricas" de Daniel Higgs que bordean la línea entre la biología y la filosofía oriental, y lo tendrás..... esto es "Lungfish". Yo personalmente lo pillo..

Después de editar trabajos anteriores estilo post-rock, "Lungfish" re-introdujo en "The Unanimous Hour" elementos de disonancia y poder vocal, reviviendo la energía punk del grupo. Algunas de las canciones más dinámicas de la banda se encuentran aquí en este disco muy bien desarrollado. Dos temas destacados de su carrera: "Space Orgy", mientras que el zumbido más familiar de "God 's Will" establece los mantras más descifrables del cantante Daniel Higgs. "The Unanimous Hour" termina con unos sólidos temas tipo instrumental al estilo Mogwai ("Sands of Time", "Return to the Caves") y un experimento vocal extraño y de mano dura ("Metatron"). Es una obra de viaje cósmico musical.

Disco recomendado

 
"The Unanimous Hour", quizás es el esfuerzo más impresionante de "Lungfish". Este octavo disco es un buen punto de entrada al catálogo singular de la banda. "The Unanimous Hour" también es un punto de inflexión entre los primeros años de la banda y el riff minimalista guiado que predominará en sus tres últimos discos. Es un trabajo post-hardcore cósmico para la "persona pensante" (y flipao).

Atrévete y buscarlo.

Video del tema "Searchlight":

Tracklist:

1.Space Orgy
2.Web of Mirrors
3.Searchlight
4.Vulgar Theories
5.God's Will
6.Mated
7.Metatron
8.Sands of Time
9.Return to the Caves
10.Hallucinatorium

ONE LAST WISH - 1986 - Album

¿Eres un fan del punk y hardcore? ¿Quizás eres seguidor de grupos como "Rites of Spring" y "Fugazi"? Si es así, es posible que no conozcas la banda "One Last Wish" y su único disco "1986". Sigue leyendo ...

¿Quiénes eran la banda One Last Wish?

 
Fueron una formación americana post-hardcore de corta duración pero no menos influyente de Washington, D.C. Fue formada en mayo de 1986 por miembros de "Rites of Spring" y se separó en enero de 1987.

En medio de la disolución de "Rites of Spring" en 1986, tres de sus cuatro miembros, Guy Picciotto, Janney y Branden Canty, formaron "One Last Wish" después de contratar a Michael Hampton, ex guitarrista de Faith and Embrace. La única grabación en LP de la banda se realizó en noviembre de 1986, producido por Ian MacKaye.

Tras la disolución de la banda, tanto Canty como Picciotto se unirían a MacKaye en la banda Fugazi. "One Last Wish" se separó poco después de que se completara la mezcla de "1986" y, como resultado, el álbum no fue lanzado hasta 13 años después, en noviembre de 1999, en el sello "Dischord Records" de Ian MacKaye.

 

ALBUM: 1986

 
Grabado en noviembre de 1986 pero publicado en 1999, 13 años después. El único álbum de estudio grabado por "One Last Wish". Proporciona una idea del alcance cada vez mayor que asumieron los miembros de la banda como músicos. En contraste con sus formaciones anteriores, especialmente "Rites of Spring", One Last Wish inyectó melodía y optimismo en su crudo tinte punk. Tales incursiones proporcionarán planos fundamentales para la eventual carrera de Guy Picciotto y Brendan Canty con Fugazi el año siguiente. El álbum es considerado un clásico de los géneros post-hardcore y emo.

Como se describe, era un fenómeno musical de corta duración, el disco "1986" fue la única grabación del grupo, realizada en unos pocos meses. El sonido es como un híbrido de todos los elementos de sus otros proyectos musicales; por ejemplo, el material de "Rites of Spring" que se quedó colgado. La voz conmovedora de Guy Picciotto es tan feroz (y delicada) como siempre, y la música es agitada, bien compuesta y compasiva a la vez. 

Algunos fans y críticos musicales describen "1986" como Rites of Spring tocando new wave; mucho más pop, con melodías tintineantes tocadas a una velocidad vertiginosa. Hermosas armonías, coros eufóricos y musicalidad catártica. En mi opinión, esta es una gran y brillante joya del punk y hardcore americano.

Algunas canciones destacadas del álbum "1986" de One Last Wish incluyen: "Hide", "Burning in the Undertow", "Break to Broken", "Friendship Is Far", "My Better Half" y "Loss Like a Seed", aunque todo el disco es muy sólido. La lista de canciones muestra el estilo post-hardcore crudo y emotivo y la sensación melódica de la banda. De hecho, algunos lo describen como un album prototipo del estilo "emo".

 

Disco Recomendado

 
Una joya escondida del punk y del post-hardcore. Una evolución de "Rites of Spring" y el salto antes de "Fugazi". Si eres fan de "Rites of Spring" y "Fugazi" y aún no estás familiarizado con este disco, entonces este es el "eslabón perdido". Es increíblemente edificante y una pieza "imprescindible" (hay que escuchar) en el género post-hardcore y emo.

Video del tema "Hide":

Tracklist:

1.Hide 2:12
2.Burning in the Undertow 2:09
3.Break to Broken 2:02
4.Friendship Is Far 2:37
5.My Better Half 1:57
6.Loss Like a Seed 2:01
7.Three Unkind Silences 1:39
8.Shadow 1:51
9.Sleep of the Stage 1:35
10.One Last Wish 2:19
11.This Time 1:59
12.Home Is the Place 1:38

Músicos:

• Michael Hampton - guitarra, coros
• Brendan Canty - batería
• Guy Picciotto - guitarra, voz principal,
• Edward Janney - bajo, coros, voz principal

MCLUSKY - Mclusky Do Dallas (2002)

ALBUM: Mclusky Do Dallas

El segundo álbum de estudio fue publicado el 1 de abril de 2002 . El título del álbum sale - un símil - de la película pornográfica de 1978 "Debbie Does Dallas". "Mclusky Do Dallas" generó cuatro sencillos: "Lightsabre Cocksucking Blues", "Whoknowyou", "To Hell with Good Intentions" y "Alan Is a Cowboy Killer".

Es considerado el disco que les permitió dar "el salto hacia el éxito" de la banda.

¿Quiénes son Mclusky?

 
Un trío galés de post-hardcore formado en Cardiff (1996). El grupo originalmente estaba formado por el inglés Andrew Falkous (voz, guitarra), Geraint Bevan (bajo) y Matthew Harding (batería); los dos últimos fueron reemplazados por Jonathan Chapple y Jack Egglestone en 1997 y finales de 2003 respectivamente. La banda lanzó tres álbumes de estudio antes de separarse en 2004:

Discografía:

• My Pain and Sadness is More Sad and Painful Than Yours (2000)
• Mclusky Do Dallas (2002)
• La diferencia entre tú y yo es que no estoy en llamas (2004)

Desde 2014 se han vuelto a juntar sin Jonathan Chapple para cosas puntuales, aunque no es importante para este post.

Para mi gusto el mejor disco de Mclusky es el segundo "Mclusky Do Dallas (2002)".

Mclusky Do Dallas (2002)

Las comparaciones con los "Pixies" son inevitables, pero McLusky busca su propia identidad con un ruido extremo en este disco. Dinámico, estruendoso y logrado, el álbum está lleno de continuos, alegres y crujientes ganchos.

Son maestros del golpe sónico. La producción del álbum, a cargo de Steve Albini, encaja perfectamente con el sonido de Mclusky. El enfoque de no intervención de Albini permite que brille la energía bruta de la banda, lo que da como resultado un sonido que es a la vez abrasivo y cautivador. Las guitarras son gruesas y pesadas, la batería es contundente y poderosa, y el bajo proporciona una base sólida que ancla toda la mezcla. Cada una de las 14 canciones del álbum se destaca, y con solo tres de las canciones superando la marca de los tres minutos, la banda triunfa.

Canciones:

Track por Track:

1. "Lightsabre Cocksucking Blues": esta canción de apertura establece el tono del álbum con su energía agresiva y caótica. Las voces crudas y las guitarras distorsionadas crean una atmósfera frenética que llama la atención desde el principio.

2. "No New Wave No Fun": con un ritmo pegadizo y estimulante, esta canción ofrece un poderoso golpe. La letra transmite una sensación de rebelión e insatisfacción, mientras que la instrumentación ajustada de la banda mantiene la energía alta en todo momento.

3. "Collagen Rock": combina elementos de punk rock con riffs de guitarra llenos de ruido. Es de ritmo rápido e implacable, con un sentido de urgencia que coincide con la intensidad del sonido de la banda.

4. "What We've Learned": esta canción no pierde tiempo en transmitir su mensaje. Es una breve explosión de energía estridente.

5. "Day of the Deadringers": la combinación característica de post-hardcore y noise rock de la banda se exhibe aquí. La pista alterna entre momentos de caos controlado y ganchos infecciosos, creando una experiencia auditiva dinámica.

6. "Dethink to Survive": adopta un lado más melódico mientras conserva la intensidad característica de la banda.

7. "F*ck This Band": ejemplifica la actitud de la banda y su desprecio por las convenciones. Es un dedo medio himno para el mundo, entregado con una buena dosis de espíritu punk rock.

8. "To Hell with Good Intentions": una de las canciones más destacadas del álbum, esta canción combina memorables riffs de guitarra con la característica voz gruñona de la banda.

9.  "Clique Application Form": esta breve explosión de energía tiene un gran impacto. El ritmo implacable y la instrumentación abrasiva crean una experiencia auditiva intensa.

10. "The World Loves Us and Is Our Bitch": es un asalto implacable de guitarras distorsionadas y voces agresivas.

11. "Alan Is a Cowboy Killer": esta es una de las pistas más largas del álbum. Muestra la capacidad de la banda para generar tensión y crear una atmósfera oscura, con una mezcla de instrumentación pesada y voces inquietantes.

12. "Gareth Brown Says": es una explosión de energía pura.

13. "Chases": es un estallido de ruido caótico y frenético que captura el enfoque sin límites de la banda en su música.

14. "Whoyouknow / Reviewing the Reviewers": esta pista de cierre combina dos piezas separadas en un todo cohesivo. Es un final abrasador con guitarras distorsionadas, tambores resonantes y letras conflictivas.

En general, es una escucha estimulante en cada uno de sus 34 minutos. La voz loca de Andy Falkous se abre paso en un territorio lírico extraño, gritando o susurrando. Falkous actúa como un "loco", dirigiendo la vorágine de guitarras difusas que constantemente pululan alrededor de su voz aguda y sarcástica.

El sentido de la sincronización de la banda es genial, y no hay una nota falsa, ya que cada cambio de tempo resalta un gancho o una emoción.

Disco Recomendado

Un híbrido de sonidos que te recuerdan a bandas como los Pixies, Sex Pistols, Nirvana, Jesus Lizard y Joy Division. Sin embargo, "McLusky Do Dallas" también es un álbum fascinante y adictivo que nunca envejece y nunca se toma a sí mismo demasiado en serio.

"Mclusky Do Dallas" es un álbum destacado en el género post-hardcore. Es un testimonio de la combinación de Mclusky de cruda energía, composición inteligente y humor sardónico. A pesar de haber sido lanzado hace ya mucho tiempo, el álbum todavía suena fresco y relevante hoy, un testimonio del atractivo perdurable de la banda.

Los fans de post-hardcore y noise rock estarán encantados.

Video del tema "Dethink to Survive":

Tracklist: 

1.         "Lightsabre Cocksucking Blues"                  1:51
2.         "No New Wave No Fun"                  2:19
3.         "Collagen Rock"                    2:52
4.         "What We've Learned"                     1:54
5.         "Day of the Deadringers"                 3:01
6.         "Dethink to Survive"             1:58
7.         "Fuck This Band"                  3:38
8.         "To Hell with Good Intentions"                   2:25
9.         "Clique Application Form"               1:53
10.       "The World Loves Us and Is Our Bitch"                 2:23
11.       "Alan Is a Cowboy Killer"                4:09
12.       "Gareth Brown Says"            1:50
13.       "Chases"         1:47
14.       "Whoyouknow / Reviewing the Reviewers"            3:53

FUGAZI - Red Medicine - Album

Introducción: Fugazi y su álbum "Red Medicine"

Fugazi es una banda icónica de post-hardcore y noise rock que se formó en Washington D.C. en 1986. La banda se caracterizó por su enfoque ético y político, y su estilo musical único que fusiona elementos de punk, hardcore y rock experimental. Mi disco favorito es el debut "Repeater" (1990), aunque su discografía está lleno de grandes discos y uno de los más destacados es "Red Medicine", lanzado en 1995. En este post, exploró a este álbum y su importancia en el legado de Fugazi.

Entendiendo el género: Post-hardcore y noise rock:

Para comprender el sitio de "Red Medicine" en el contexto de la música de Fugazi, es interesante entender los géneros en los que se enmarca. El post-hardcore es un subgénero del punk y hardcore que se caracteriza por su enfoque más experimental y emocional. Por otro lado, el noise rock es un género que busca romper con las convenciones musicales tradicionales, explorando sonidos distorsionados y caóticos.

Influencias en la música de Fugazi:

La música de Fugazi se vio influenciada por una amplia gama de artistas y géneros. Desde el punk y el hardcore de los años 80 hasta el rock alternativo y el jazz experimental, la banda absorbió diversas influencias para crear su propio sonido distintivo. Además, la ética "Do It Yourself" (DIY = "hazlo tú mismo") y la actitud política de Fugazi también se reflejan en su música, convirtiéndolos en una banda única en su estilo.

Álbum: Red Medicine

 
Es el cuarto álbum de estudio publicado el 12 de junio de 1995 por Dischord Records. Es el álbum de mayor éxito comercial de la banda y considerado uno de los mejores álbumes de Fugazi. El álbum se destaca por su energía cruda y su enfoque experimental en la composición. Con canciones como "Do You Like Me" y "Bed for the Scraping", Fugazi logra crear un ambiente caótico pero emocionalmente cargado que define su sonido característico. Es más Fugazi comenzó a moverse hacia estilos de música más experimentales, incluido el noise punk, la psicodelia (tema "By You") y el dub (tema "Version").

Análisis de las canciones de "Red Medicine":

En "Red Medicine", cada canción ofrece una experiencia auditiva. Como ejemplos generales "Forensic Scene" es atmosférica mientras "Combination Lock" destaca por su ritmo frenético y letras políticamente cargadas. El tema "Version" es una canción instrumental que muestra la habilidad de la banda para crear paisajes sonoros cautivadores.

Tracklist:

1.         "Do You Like Me"                 3:16
2.         "Bed for the Scraping"           2:50
3.         "Latest Disgrace"                   3:34
4.         "Birthday Pony"                     3:08
5.         "Forensic Scene"                    3:05
6.         "Combination Lock"             3:06
7.         "Fell, Destroyed"                   3:46
8.         "By You"                                5:11
9.         "Version"                               3:20
10.       "Target"                                  3:32
11.       "Back to Base"                       1:45
12.       "Downed City"                      2:53
13.       "Long Distance Runner"       4:17

Track- por- Track:

1. "Do You Like Me": abre el álbum con una explosión. La voz de Picciotto es cruda e intensa, y el agresivo trabajo de guitarra de la canción establece el tono para el resto del álbum.

2. "Bed for the Scraping": El ritmo de conducción de la canción y los ganchos pegadizos hacen que se destaque. Mola mucho!

Video del tema "Bed for the Scraping":

3. "Latest Disgrace": esta canción muestra la capacidad de Fugazi para combinar melodía y disonancia.

4. "Birthday Pony": más lenta e introspectiva, con letras de Mackaye que exploran temas de desilusión y pérdida.

5. "Forensic Scene": un gran ejemplo del lado experimental de Fugazi, con su estructura de canción poco convencional y su trabajo de guitarra atmosférico.

6. "Combination Lock": tema instrumental que sirve como un respiro.

7. "Fell, Destroyed": vuelve al sonido post-hardcore agresivo por el que se conoce a Fugazi, con la voz apasionada de Picciotto.

8. "By You": esta pista, dirigida por Lally, es un poco diferente, con un tempo más lento y un enfoque más melódico.

9. "Version": un instrumental que muestra la maestría musical de la banda y su capacidad para crear música convincente sin voces.

10. "Target": la intensa voz de Picciotto y la musicalidad agresiva de la banda.

11. "Back to Base": un número breve y contundente. Su enfoque simplificado destaca la energía pura de la música de Fugazi.

12. "Down City": otro escaparate de la voz emotiva de Picciotto, con un telón de fondo de música intensa.

13. "Long Distance Runner": el álbum se cierra con esta canción más lenta e introspectiva. Es un final apropiado para un álbum que equilibra la intensidad y la introspección.

En general, cada canción en "Red Medicine" contribuye a la narrativa general del álbum y muestra la versatilidad musical de Fugazi.

Impacto y recepción de "Red Medicine":

"Red Medicine" tuvo un impacto significativo en el mundo de la música underground. Su enfoque y su experimentación sonora abrieron nuevas puertas para el género del post-hardcore y el noise rock. El álbum recibió críticas positivas en su lanzamiento, elogiando su originalidad y su mensaje político. A lo largo de los años, "Red Medicine" ha sido reconocido como un clásico del género y ha influido en numerosas bandas y artistas posteriores.

Fugazi y este disco han sido una influencia formativa para el bajista de Tool Justin Chancellor, el vocalista de Sepultura Derrick Green, Jack White, Daniel Johns de Silverchair, Carrie Brownstein de Sleater-Kinney, Sara Lund de Unwound,Iceage, Dylan Baldi de Cloud Nothings, el cantante principal de Arcade Fire, Win Butler, Efrim Menuck de Godspeed You! Black Emperor, Tad Kubler de Hold Steady, Patterson Hood de Drive-By Truckers,Kele Okereke de Bloc Party, Matty Healy de el 1975, Mary Timony, Hayley Williams de Paramore, Justin Vernon de Bon Iver, Chester Bennington de Linkin Park etc. y etc. Lista totalmente impresionante.

 

¿Por qué "Red Medicine"?

"Red Medicine" es un álbum que muestra la habilidad de Fugazi para desafiar las convenciones musicales y crear un sonido único. Su fusión de punk, hardcore y rock experimental crea una experiencia intensa y emocional. Además, las letras políticamente cargadas y la ética "DIY" de la banda agrega una capa de profundidad a su música.

 

Explorando la discografía de Fugazi más allá de "Red Medicine":

 
Si bien "Red Medicine" es un álbum destacado en la discografía de Fugazi, explorar otros álbumes de la banda es igualmente recomendable. Álbumes como mi favorito "Repeater" y "The Argument" muestran la evolución de la banda a lo largo de los años y ofrecen una visión más completa de su impacto en la música. Sumergirse en la discografía completa de Fugazi es una experiencia para cualquier amante de la música alternativa.

La discografía de álbumes de estudio:

• Repeater (1990)
• Steady Diet of Nothing (1991)
• In on the Kill Taker (1993)
• Red Medicine (1995)
• End Hits (1998)
• The Argument (2001)
  
  

Disco Recomendado

Fugazi dejó un legado duradero en la industria de la música con su enfoque ético y político, y por su música innovadora. "Red Medicine" es un testimonio de la creatividad y la originalidad de la banda, y su influencia se extiende mucho más allá del género del post-hardcore y el noise rock. Fugazi ha dejado una huella imborrable en la música y su legado perdurará en la historia de la música alternativa.

Si te gusta la música alternativa y el post-hardcore, escucha "Red Medicine" de Fugazi.

Video del tema "Do You Like Me":

Músicos de "Red Medicine" álbum: 

• Ian MacKaye - guitarra, compositor, voz
• Guy Picciotto - guitarra, clarinete, compositor, voz
• Joe Lally - bajo, compositor, voz
• Brendan Canty - batería, compositor

DRIVE LIKE JEHU - Drive Like Jehu

ALBUM: Drive Like Jehu 

El álbum debut de la banda estadounidense de post-hardcore "Drive Like Jehu", publicado en 1991. Este disco llamó la atención de los movimientos emergentes de noise rock y math rock, que más tarde llevarían a muchos fans a considerar "Drive Like Jehu" como un vínculo entre estos géneros. La mayoría de los seguidores estarán de acuerdo en que su segundo álbum "Yank Crime" es más fuerte, estoy de acuerdo, pero también creo que este está en el mismo nivel siendo más orgánico, agresivamente irregular e intensamente emocional.

Volvamos a este primer LP, muestra una combinación única de post-punk, punk rock y math rock de la banda. Presenta un trabajo de guitarra "primitivo" y enérgico, percusión compleja e intrincada y voces apasionadas y gritadas.

Comenzando con la engañosamente tranquila "Caress", "Drive Like Jehu" se dispara a partir de ese momento a 100 por hora. El equipo de guitarras de Rick Froberg-John Reis salta, gritando con riffs locos apilados uno encima del otro, mientras que el propio grito salvaje de Froberg encaja perfectamente. La sección rítmica de Mike Kennedy-Mark Trombino sabe cuándo cortar y cuándo ir al máximo, lanzando un montón de cambios de tempo y cambios por canción, todo sonando apretado y enérgico. Todo se hace al servicio de la intensidad y la emoción, enrollando todo para explotar y luego explotar de nuevo. Incluso los momentos más tranquilos de la banda amenazan; a veces solo necesitan el bajo de Kennedy o un suave zumbido de retroalimentación para comenzar los motores de nuevo.

Disco recomendado. "Drive Like Jehu" es un álbum innovador que ayudó a establecer a "Drive Like Jehu" como unos referentes en las escenas del post-punk y el math rock . Su energía, intrincada maestría musical e intensa entrega vocal lo han convertido en un clásico del género y una escucha obligada para los fans del punk, el post-punk y el math rock. En definitiva, es uno de los grandes álbumes post-hardcore.

Dicho esto, no olvides escuchar el otro álbum "Yank Crime" y así obtener la experiencia completa.

Video del tema "Caress":

Tracklist:

1. "Caress" – 3:55
2. "Spikes to You" – 2:18
3. "Step on Chameleon" – 5:12
4. "O Pencil Sharp" – 9:42
5. "Atom Jack" – 2:23
6. "If it Kills You" – 7:12
7. "Good Luck in Jail" – 4:05
8. "Turn it Off" – 6:12
9. "Future Home of Stucco Monstrosity" – 3:58

Más detalles (Músicos):

• Rick Froberg - guitarra y voz,
• John Reis - guitarra y voz,
• Mike Kennedy - bajo,
• Mark Trombino - batería,
• Drive Like Jehu - producción y composición.

SOUL GLO - Diaspora Problems - Album

SOUL GLO (Banda)

SOUL GLO es una formación estadounidense de hardcore punk de Filadelfia. La formación está compuesta por Pierce Jordan (voz), GG Guerra (bajo, programador) y TJ Stevenson (batería). Sus canciones confrontan lo personal y lo político, mientras el vocalista Pierce Jordan grita sobre las desigualdades que lo rodean mientras ofrece una mirada al conflicto dentro de su cabeza y corazón. Su música refleja el punk rock mientras abraza el hard metal. Sus canciones encuentran espacio para las influencias del funk y el hip-hop junto con guitarras ásperas y percusión poderosa. Curiosamente, el nombre del grupo se inspiró en el producto ficticio para el cuidado del cabello anunciado en el éxito de Eddie Murphy de 1988 "Coming to America".

Este año la banda ha lanzado un álbum que me ha llamado mucho la atención. Es un grito, con sonidos muy fuertes y duros. Quizás no apto para los oídos más finos pero contiene una potencial que desquicia.

ALBUM: Diaspora Problems

 
El cuarto álbum de estudio publicado el 25 de marzo, 2022.

No ha habido un disco de punk rock tan significativo culturalmente en esta nueva década como este nuevo álbum de "Soul Glo", y podría contar con los dedos la cantidad de proyectos que logran ir tan duro pero que tienen tanto que decir como este.

Escuchando las canciones, cada una es tensa, enérgica y enojada, y todas transmiten un mensaje diferente en un estilo distinto. Realmente es difícil describir la intensidad de canciones como "Gold Chain Punk (whogonbeatmyass?)" o "Jump!! (Or Get Jumped!!!)((by the future))", excepto como convulsiones hardcore. Sin embargo, el tracklist de canciones del LP también tiene temas de rap ruidoso como "Driponomics" (que cuenta con la rapera de Filadelfia Mother Mayrose). Pierce Jordan se presenta como un líder único y como un letrista hardcore intransigente y poético. La banda produce una fusión inusualmente dura e intensa de influencias punk y metal cargadas de rabia guiada por lo personal y lo político. La música que castiga físicamente encuentra espacio para elementos de funk, hip-hop e incluso jazz, con una sección de metales en varios temas.

La técnica de la banda es sólida, pero es la pasión y la inversión emocional en el material lo que marca la mayor diferencia. Hay una inteligencia feroz en la música, pero la voluntad de Jordan de permitirnos entrar en su cabeza y ser testigos de sus inseguridades y diálogo interno junto con su rabia le da este LP profundidad. 

Un disco recomendado. Un álbum vicioso y frenético que para mí es uno de los lanzamientos más importantes del punk rock de los últimos años. "Diaspora Problems" es un recordatorio para todos de que el hardcore nunca ha desaparecido y, de hecho, sigue evolucionando. Este álbum es pura anarquía, mezclada con comentarios sociales, bien escrito y ejecutado.

Video del tema "Gold Chain Punk (whogonbeatmyass?)":

Tracklist:

1.         "Gold Chain Punk (whogonbeatmyass?)"     3:47
2.         "Coming Correct Is Cheaper"            3:05
3.         "Thumbsucker"           2:02
4.         "F*cked Up If True"  3:12
5.         "Jump!! (Or Get Jumped!!!)((by the future))"           3:27
6.         "Driponomics"            2:50
7.         "(Five Years And) My Family"         2:51
8.         "The Things I Carry" (Featuring BEARCAT)          3:17
9.         "We Wants Revenge" 2:24
10.       "John J" (Featuring Kathryn Edwards and Zula Wildheart) 4:31
11.       "GODBLESSYALLREALGOOD" 3:01
12.       "Spiritual Level of Gang Shit" (Featuring McKinley Dixon, Lojii) 4:54

KARATE - In Place of Real Insight - Album

Karate es una banda estadounidense formada en Boston en 1993 por Geoff Farina, Eamonn Vitt y Gavin McCarthy, a la que se unió Jeff Goddard en 1995. El grupo se separó en 2005. Geoff Farina desarrolló problemas auditivos debido a doce años de directos y se vio obligado a disolver el grupo. Al disolverse se fue a lo grande, el grupo había grabado seis álbumes de estudio y tenía casi setecientas actuaciones en veinte países. Su último concierto se realizó en Roma, Italia, el 10 de julio de 2005. La buena noticia para los fans es que se han reunido este año (2022).

La banda se caracteriza por la fusión de indie rock, emo, post-hardcore, post-rock y jazz, y la influencia del jazz que se vuelve más dominante a medida que pasa el tiempo. 

ALBUM: In Place of Real Insight

El segundo LP del grupo fue publicado en 1997. Un disco con un sonido menos post-hardcore en comparación con su debut homónimo, este es más melódico en sonido y con énfasis en la sutileza. También escucharás estilo "emo" sombrío con voces apasionadas y dinámicas suaves y fuertes.

Lo que disfruto de este disco son las estructuras creativas y poderosas de las canciones y las excelentes voces. Con algunas canciones de indie rock que contienen chispa, "Karate" explora nuevos territorios. Desde temas oscuros y enérgicos como "It 's 98, Stop" hasta "New New", este disco muestra más madurez que su primer LP. La banda además no se esconde y propone todo tipo de emociones sonoras.

Dicho esto, los momentos tranquilos y envalentonados de la banda se mezclan con los mismos cortes punk contundentes, permitiendo efectivamente que un "suave" como "Today Or Tomorrow" coexista junto con su material duro. Esto hace que "Karate" haga simple la fusión de estilos polarizados, lo que hace que sea posiblemente el mejor álbum porque permite que partes tan dispares se mezclen. En una tribu musical subversiva que oscila entre lo radical y la ortodoxia musical, "Karate" es un interrogante porque suenan como pocos de su género (si es que caben en uno).

Un disco recomendado. Realmente disfruto escuchando este disco regularmente. Si te gusta el post hardcore o el emo-rock melódico, o incluso bandas como "Fugazi", disfrutarás de esta banda y, en particular, de este disco.

Video del tema "The New Hangout Condition":

Tracklist:

1. This, Plus Slow Song 2:24
2. New Martini 3:36
3. Wake Up, Decide 3:05
4. It's 98, Stop 4:30
5. New New 2:46
6. The New Hangout Condition 5:04
7. On Cutting 4:24
8. Die Die 2:40
9. Today or Tomorrow 1:59

FLESHWATER - We’re Not Here to Be Loved - Album

Dos miembros de la banda de hardcore "Vein", el cantante Anthony DiDio y el baterista Matt Wood, se unieron para formar una banda con un sonido muy diferente.

Su proyecto "Fleshwater" abrazó los sonidos de las bandas "heavy" y melódicos de los 90 y produjo un sonido post-hardcore más expansivo.

ALBUM: "We’re Not Here to Be Loved"

El primer álbum publicado el 4 de noviembre de 2022. La banda grabó los instrumentos con el guitarrista de "Converge" Kurt Ballou en su estudio, mientras que los cantantes Anthony DiDio y Marisa Shirar grabaron sus voces en casa. El resultado final es un bienvenido inyección en el brazo a una escena que parecía, al menos para mí, estancada en los últimos tiempos.

Este LP es denso, la mezcla de guitarras es directa y agresiva, pero a veces también se adentra en territorio melódico. "We’re Not Here to Be Loved" es como una historia de dos caras. También es compacto, cada canción es una parte crucial del mensaje y la sensación del álbum. Nada es solo un instrumental o un interludio, ya que cada segundo que pasa en sus cortos 27 minutos se usa y se usa bien.

A lo largo del disco, te empapas de progresiones melódicas y algunas voces de ensueño contrastadas con riffs inquietantemente disonantes y gritos abrasivos. Canciones como "Baldpate Driver" y "Closet" son melodías más oscuras de combustión lenta llenas de progresiones de guitarra nebulosas complementadas con los limpios altísimos de Mirsy y las melodías y gritos de acompañamiento de Anthony. "Enjoy", una versión de "Bjork" es inquietante, con los distorsionados de Anthony DiDio. Por otro lado, “Kiss the Ladder” y “Woohoo” muestran mucha energía con ritmos de batería fuertes y guitarras arenosas. Sin embargo, el sonido de la banda se ejemplifica mejor a través de la última canción del disco, "Foreign", donde muestra todas las capacidades del grupo, transmitiendo un equilibrio entre la melodía y la agresividad musical.

Disco recomendado. Necesita varias escuchas antes de que realmente lo absorbas. Los fans del sonido alternative metal/post-hardcore de los 90 disfrutaran de este trabajo. Personalmente me recuerda a "The Deftones" y "The Perfect Circle", lo cual es genial. En fin, este no es un álbum que te dejará sin aliento, pero es sólido. Tiene una buena producción, voces e instrumentación interesantes. Digno de una búsqueda y escucha.

Video del tema "Foreign":

Tracklist:

1. Baldpate Driver 4:14
2. Closet 2:02
3. The Razor's Apple 3:11
4. Woohoo 3:44
5. Linda Claire 2:37
6. Kiss the Ladder 1:17
7. Enjoy 3:23
8. Backstairs Breathing 1:57
9. Foreign 5:06