YUSEF LATEEF - Eastern Sounds - Album

Antes de sumergirte en el blog post, conviene ajustar el oído y el ánimo. El disco que voy a recomendar no entra por la vía rápida ni busca deslumbrar a la primera escucha. Exige una atención distinta, más cercana a la curiosidad que al consumo inmediato. Este texto nace precisamente de ese tiempo compartido con la música, de escuchar sin prisa y de dejar que el universo de Yusef Lateef vaya revelándose poco a poco, desde la emoción y la experiencia personal, más que desde la teoría.

ALBUM: Eastern Sounds

Entro en "Eastern Sounds" como quien entra en una habitación en penumbra después de un día ruidoso. No hay golpes de efecto ni virtuosismo gratuito esperando en la puerta. Lo que hay es una sensación inmediata de recogimiento, de pausa, casi de suspensión del tiempo. Y eso, escuchado hoy desde una sensibilidad formada entre el rock, el pop y la música alternativa, resulta profundamente subversivo. Porque este disco no quiere convencerte de nada. Quiere que escuches. Que te quedes. Que aceptes que la música también puede ser un espacio para pensar, para respirar y para dejar que otras culturas, otros sonidos y otros silencios entren en tu vida sin pedir permiso.

Publicado en abril de 1962 en el sello Moodsville de Prestige Records, Eastern Sounds es una de esas obras que parecen vivir fuera de su tiempo. Grabado en septiembre de 1961, el álbum captura a Yusef Lateef en un momento de transición personal, espiritual y musical, justo cuando su banda con el pianista Barry Harris estaba a punto de disolverse tras el traslado de Detroit a Nueva York. La escena del jazz en Detroit se apagaba lentamente, y Yusef Lateef, lejos de aferrarse a una tradición que se cerraba sobre sí misma, miraba hacia fuera. Hacia Oriente. Hacia otras escalas, otros modos, otras formas de entender la improvisación.

Cómo nació el disco:

Para entender "Eastern Sounds" hay que situarse en ese cruce de caminos. Yusef Lateef llevaba años interesado en la música del Próximo Oriente y de Asia mucho antes de que ese interés se convirtiera en una moda dentro del jazz. Ya en Prayer to the East, de 1957, había incorporado instrumentos como la shahnai y explorado modos no occidentales. Pero aquí el gesto es más contenido, más integrado, más consciente de la escucha del otro. No se trata de exotismo de postal ni de color local añadido por encima, sino de una búsqueda sincera, casi íntima.

El contexto del sello Moodsville es importante. Aquellas sesiones estaban pensadas para discos relajados, de tempo medio o lento, con un aire nocturno, accesible. Lateef supo jugar con esa expectativa y, sin traicionarla, introducir en ella algo profundamente distinto. El resultado es un álbum que suena hermoso y extraño al mismo tiempo, como si una balada conocida empezara de pronto a hablar otro idioma sin dejar de ser comprensible.

La formación es clave para que eso funcione. Junto a Barry Harris, el disco cuenta con el bajista y multiinstrumentista Ernie Farrow, que alterna el contrabajo con el rabat indio, y con el batería Lex Humphries, cuyo trabajo con escobillas es de una delicadeza extrema. Nada sobresale de forma innecesaria. Todo respira.

Sonido, texturas y la belleza:

Desde el primer corte, "The Plum Blossom", Lateef deja claro que este no va a ser un disco convencional. Comienza tocando el xun, una flauta globular china de arcilla, capaz de producir solo cinco notas. En lugar de limitarlo, ese margen estrecho parece liberarlo. El sonido es áspero, casi borroso, pero profundamente expresivo. Me recuerda a la sensación que produce escuchar por primera vez un tema minimalista de Brian Eno o una melodía repetitiva de Terry Riley: no pasa gran cosa, pero todo está pasando.

La pieza se mueve en un modo menor constante, con un pulso casi ritual. Farrow abandona la línea de bajo tradicional y aporta una textura rítmica que descoloca al oído acostumbrado al jazz estándar. Y sin embargo, todo suena natural. Bluesy. Cercano.

Ese equilibrio entre lo conocido y lo ajeno atraviesa todo el disco. "Blues for the Orient" utiliza una estructura de blues clásica, pero Yusef Lateef decide tocar el oboe, uno de los instrumentos menos asociados al jazz. El resultado es fascinante y, por momentos, incómodo. Hay quien ha señalado cierto aire forzado en este tema, y lo entiendo. Pero también hay una honestidad brutal en esa incomodidad. Es el sonido de alguien buscando, no posando.

En "Ching Miau", construido sobre una escala china y un compás de 5/4, Lateef se pasa al saxo tenor y se instala sobre un vamp insistente. Aquí es imposible no pensar en John Coltrane y sus meditaciones modales de la misma época. Pero lo interesante es que Lateef no parece seguir a Coltrane, sino caminar en paralelo. Hay una sequedad en el fraseo, una economía de notas, que conecta más con ciertas sensibilidades del rock experimental posterior que con el jazz virtuoso.

Cine, baladas y el poder de la emoción:

Uno de los grandes aciertos de Eastern Sounds es la inclusión de temas procedentes del cine, concretamente de Spartacus y The Robe. Podría parecer un gesto oportunista, pero sucede justo lo contrario. Lateef utiliza esas melodías familiares como puntos de entrada, como puertas abiertas para oyentes menos acostumbrados a su universo sonoro. Escuchar el tema de Spartacus aquí es descubrir cómo una melodía conocida puede transformarse por completo a través del timbre y el contexto. El oboe de Lateef no dramatiza, no subraya. Canta.

Desde una perspectiva pop o rock, esto conecta directamente con la idea de reinterpretar material ajeno para hacerlo propio, algo que artistas como David Bowie o Radiohead han hecho constantemente, apropiándose de referencias externas para construir un lenguaje personal.

Las baladas son, para mí, el corazón emocional del disco. "Don’t Blame Me" es jazz sin adjetivos, directo al centro. Lateef al saxo tenor suena cálido, humano, vulnerable. Barry Harris firma aquí uno de sus solos más hermosos, contenido y profundamente expresivo. No hay ornamento. Solo conversación. "Purple Flower", por su parte, se mueve en una escala vagamente árabe y crea una atmósfera introspectiva, casi suspendida. Pienso en ella como una canción nocturna, de esas que no buscan consuelo inmediato, sino compañía.

"Snafu" rompe ese clima con un pulso más agresivo, casi físico. El bajo de Farrow empuja con insistencia, y Yusef Lateef se permite uno de sus solos más intensos del disco. Aquí hay algo que conecta con la energía del rock, con esa necesidad de avanzar incluso cuando el terreno es irregular.

Qué dice hoy Eastern Sounds sobre nosotros:

Escuchar Eastern Sounds en 2026 es una experiencia reveladora. No solo por su valor histórico, sino porque plantea preguntas que siguen abiertas. ¿Cómo nos relacionamos con otras culturas? ¿Desde la curiosidad o desde la apropiación superficial? Yusef Lateef no ofrece respuestas cerradas, pero su música propone un camino basado en el respeto, la escucha y la emoción compartida.

El texto original de las notas del disco hablaba de una relación inevitable entre la improvisación americana y la música del Próximo Oriente. Era una intuición profética. Décadas después, esa conexión es evidente, no solo en el jazz, sino en el pop, el rock, la electrónica y la música alternativa. Desde la fascinación de George Harrison por Ravi Shankar hasta las exploraciones contemporáneas de artistas que mezclan tradición y experimentación, el camino que Lateef ayudó a abrir sigue vivo.

Disco recomendado

Eastern Sounds no es un disco fácil, pero tampoco es hermético. Es un álbum que te pide tiempo, atención y cierta humildad como oyente. A cambio, ofrece una experiencia profunda, rica en matices y sorprendentemente actual. No importa si vienes del jazz, del rock o del pop alternativo. Si te interesa la música como espacio de encuentro, este disco tiene algo que decirte.

Lo recomiendo porque no envejece, porque no se agota y porque sigue sonando honesto. Porque demuestra que la verdadera innovación no siempre grita, a veces susurra. Y porque escuchar a Yusef Lateef aquí es recordar que la música, cuando es de verdad, no entiende de fronteras ni de etiquetas. Solo de personas buscando algo que todavía no saben nombrar, pero que reconocen cuando suena.

Video del tema "Blues for the Orient":

Tracklist:

1."The Plum Blossom" (Yusef Lateef) – 5:03
2."Blues for the Orient" (Lateef) – 5:40
3."Ching Miau" (Lateef) – 3:20
4."Don't Blame Me" (Jimmy McHugh) – 4:57
5."Love Theme from Spartacus" (Alex North) – 4:15
6."Snafu" (Lateef) – 5:42
7."Purple Flower" (Lateef) – 4:32
8."Love Theme from The Robe" (Alfred Newman) – 4:02
9."The Three Faces of Balal" (Lateef) – 2:23

Musicos:

• Yusef Lateef – flauta, oboe, saxofón tenor, xun (llamada "flauta globular china" en las notas del álbum)
• Barry Harris – piano
• Ernie Farrow – contrabajo, Rabaab (llamado "rabat" en las notas del álbum)
• Lex Humphries – batería

Música Indie para estudiar: Playlist ideas

Con el nuevo curso escolar, muchos estudiantes están preparando no solo sus listas de lectura y horarios, sino también el ambiente en el que estudiarán. El silencio a veces puede resultar agobiante, y el ruido cotidiano no mejora. La música puede proporcionar ese equilibrio, un sonido que favorece la concentración sin acaparar la atención. Con esto en mente, pensé que los estudiantes lectores de este blog de música podrían agradecer una pequeña selección de canciones indie para enriquecer sus playlists o incluso inspirarlos a crear una nueva para los próximos meses.

Cigarettes After Sex – Apocalypse

Cigarettes After Sex domina el arte de las atmósferas oníricas. En "Apocalypse", las voces susurrantes parecen flotar en el aire, mientras las guitarras brillan como la luz a través del cristal esmerilado. Crea una burbuja que te protege de las distracciones externas. Suelo poner esta canción cuando necesito desconectar del bullicio del mundo y sumergirme en una larga sesión de lectura.

Explosions in the Sky – Your Hand in Mine

Si las palabras pesan demasiado en ese momento, Explosions in the Sky ofrece la alternativa perfecta. Your Hand in Mine dura más de ocho minutos, sin llegar a alargarse.

El grupo tejano construye crescendos con paciencia, liberando energía en oleadas que se sienten a la vez emocionales y purificadoras. Es el tipo de pieza que ayuda durante la concentración profunda, donde los pensamientos necesitan un impulso constante en lugar de interrupciones.

The xx – Intro

The xx publico Intro en 2009 y rápidamente se convirtió en un clásico moderno. Con solo una línea de guitarra repetitiva y ritmos minimalistas, la canción tiene un aire casi meditativo. A menudo pienso en ella como un mantra disfrazado de música. Su repetición hipnótica me mantiene anclado en el presente, perfecto para empezar a estudiar sin una descarga de adrenalina.

Bon Iver – Holocene

Holocene es una de esas canciones que se siente expansiva e íntima a la vez. La voz de Justin Vernon se superpone delicadamente a guitarras acústicas y una suave percusión, creando un paisaje sonoro que evoca una mañana brumosa. Cuando necesito perspectiva, cuando el estrés de una fecha límite me abruma, escucho esto. Me recuerda que la calma y la reflexión pueden existir incluso en momentos de mucha actividad.

Beach House – Space Song

Beach House se especializa en música que te transporta a otro mundo. Space Song, de su disco de 2015, Depression Cherry, combina teclados envolventes con melodías que parecen extenderse hasta el infinito. Es nostálgico y a la vez extrañamente futurista, y me transporta sin esfuerzo a un estado de fluidez.

José González – El Invento

Este tema "El Invento" marcó la primera composición en español de José González y transmite la sencillez y la gracia que han definido su obra durante décadas. Con solo una voz y una guitarra acústica, crea un momento íntimo. Los arpegios son constantes y reconfortantes, lo que lo convierte en uno de mis temas predilectos cuando necesito absorber material denso sin distracciones.

Sigur Rós – Hoppípolla

Pocas canciones de Sigur Rós son tan inspiradoras como Hoppípolla. Aunque la letra está parcialmente cantada en un idioma inventado, la emoción es universalmente comprensible. El arreglo orquestal sube y baja con una alegría infantil que es contagiosa sin ser agobiante. Esta canción me ha acompañado en más de una sesión nocturna, dándome ánimos cuando la energía me falta.

Khruangbin – White Gloves

Khruangbin son conocidos por mezclar influencias world music con un funk relajado. "White Gloves" es uno de sus temas más suaves, con un ritmo pausado pero cautivador. Las guitarras psicodélicas crean una atmósfera nebulosa, perfecta para mantener la energía constante durante largos periodos de tiempo tomando notas o escribiendo.

Kramies – Days Of

A Kramies se le suele describir como un trovador del dream pop, y Days Of explica por qué. Es suave, sobrenatural y ligeramente melancólico. Cuando lo escucho mientras estudio, me siento impulsado a la creatividad. Es el tipo de música que permite que las ideas afloren silenciosamente, sin forzarlas.

Ólafur Arnalds – saman

Desde Islandia llega Ólafur Arnalds, quien fusiona ideas neoclásicas con texturas electrónicas modernas. Saman se construye alrededor del piano y las cuerdas, tocado con tanta delicadeza que casi se siente como el silencio cobrando forma. Si hay una pieza que me despeja la mente y me permite concentrarme, es esta.

Moon Panda – Slow Drive

Moon Panda crea dream pop con calidez, y Slow Drive es una de sus canciones más atractivas. La suavidad de las voces y las capas de sintetizadores te hacen sentir como si estuvieras mirando por la ventana en una tarde lluviosa, seguro y absorto en tu trabajo. Es atmosférico sin llegar a ser sombrío, lo que lo convierte en una excelente opción para largos ratos de lectura.

Tame Impala – Yes I’m Changing

Kevin Parker de Tame Impala ha escrito muchos himnos psicodélicos, pero Yes I'm Changing muestra su lado más introspectivo. Las oleadas de sintetizador son lentas y envolventes, casi como una suave marea. Para mí, es ideal para escribir, cuando los pensamientos necesitan profundizar y conectar con la reflexión personal.

Recomendaciones

Estudiar es una actividad exigente, y la música adecuada puede hacer que las horas no solo sean más llevaderas, sino también más gratificantes. Esta colección no se trata de distracciones ruidosas ni de energía repentina, sino de crear un ambiente donde la concentración y la calma puedan coexistir. Cada una de estas canciones ofrece una textura diferente: algunas minimalistas, otras expansivas, pero todas comparten la cualidad de dejar espacio para que la mente divague productivamente.

Si buscas música que fomente la concentración sin abrumar tus pensamientos, te recomiendo empezar con esta lista de reproducción. Quizás descubras, como yo, que estas voces indie crean el ambiente ideal para el aprendizaje, la reflexión y la creatividad.

BUENA VISTA SOCIAL CLUB - Album (1997)

Si hay un obra de música que captura el espíritu de una época pasada sin perder la frescura y la cautivación de siempre, ese es "Buena Vista Social Club". Más que una simple colección de canciones, este disco es una cápsula del tiempo, un vibrante testimonio del rico patrimonio musical cubano, revivido por un grupo de músicos legendarios. Ya sea que lo descubras por primera vez o revivas sus melodías atemporales, este álbum te invita a sumergirte en la calidez de la época dorada de La Habana. Recomiendo "Buena Vista Social Club" que sigue cautivando a oyentes de todas las generaciones.

ALBUM: Buena Vista Social Club

Si hay un disco que captura el alma de una época pasada es "Buena Vista Social Club". Esta notable colección de música cubana, grabada en 1996 y publicada al año siguiente, no solo revivió ritmos y melodías olvidados, sino que también desveló al mundo a un grupo de músicos cuyo talento se había visto eclipsado por el tiempo y los cambios políticos.

Un viaje al pasado de La Habana

"Buena Vista Social Club" toma su nombre de un antiguo y próspero local exclusivo para miembros en La Habana, un lugar donde músicos, sin importar su raza u origen, se reunían para actuar y socializar antes de la Revolución Cubana. Sin embargo, el proyecto en sí surgió casi por casualidad. El guitarrista y productor estadounidense Ry Cooder planeó originalmente grabar una fusión de música maliense y cubana, pero cuando los músicos africanos no pudieron obtener visas, el enfoque cambió. En cambio, el director de orquesta cubano Juan de Marcos González reunió a un grupo de músicos veteranos, algunos de los cuales llevaban décadas retirados, para revivir los sonidos tradicionales del son, el bolero y el danzón.

Lo que surgió de esos seis días de grabación en los "Estudios EGREM" de La Habana fue más que un simple álbum: fue un artefacto cultural, un puente entre el pasado y el presente que resonó profundamente en oyentes de todo el mundo. Se convirtió en el disco más vendido en la historia de su género, introduciendo a una generación completamente nueva a la calidez y complejidad de la música cubana.

El Sonido de la Experiencia

Al escuchar "Buena Vista Social Club", uno se siente inmediatamente impresionado por la autenticidad de su sonido. La instrumentación se siente vivida, las voces curtidas pero llenas de vida. Esta es música interpretada por personas que han pasado toda su vida inmersas en ella. Compay Segundo, el mayor del grupo a sus 89 años, interpreta la canción inicial, "Chan Chan", con la facilidad de un narrador que ha contado su historia mil veces, pero nunca se cansa de su belleza. “Dos Gardenias” de Ibrahim Ferrer es una obra maestra de pasión discreta; su voz transmite el peso del anhelo y la nostalgia en cada nota.

Una de las mayores fortalezas del álbum reside en su simplicidad. Grabado en directo con tomas mínimas y sin sobregrabaciones, las interpretaciones capturan la espontaneidad y el espíritu de una jam session nocturna en La Habana Vieja. La interacción entre los músicos es fluida: el piano de Rubén González danza suavemente sobre las líneas de bajo de Orlando “Cachaito” López, mientras que los acentos percusivos de las congas y los timbales mantienen el ritmo firme y contagioso. Incluso las imperfecciones, el cencerro ligeramente desfasado, el temblor ocasional en la voz, realzan el encanto de estas grabaciones, haciéndolas sentir íntimas y auténticas.

Una Cápsula del Tiempo 

Más que una simple colección de canciones, "Buena Vista Social Club" es una lección de historia viviente, una instantánea de una tradición musical que podría haber caído en el olvido sin este resurgimiento. El álbum recorre diversos estilos cubanos, desde la energía vibrante de “El Cuarto de Tula” hasta la suave melancolía de “Veinte Años”. Canciones como “Candela” aportan un dinamismo electrizante, mientras que “Pueblo Nuevo” muestra la elegante fusión de influencias del jazz y el mambo de González.

Más allá de la música en sí, el proyecto también dio a sus músicos una segunda vida ante el público. Para algunos, fue un regreso a la fama tras décadas de ausencia, mientras que para otros, una primera oportunidad de ser reconocidos fuera de Cuba. Ferrer, quien trabajaba como lustrabotas antes de la grabación del álbum, publicó álbumes en solitario que le valieron un Grammy. El éxito del álbum se consolidó aún más gracias al documental homónimo de Wim Wenders, que siguió a los músicos mientras llevaban su música de La Habana a Ámsterdam y, finalmente, al Carnegie Hall de Nueva York.

Décadas después de su lanzamiento, "Buena Vista Social Club" sigue siendo un referente en el genero World Music, no solo por su éxito comercial, sino por su capacidad de conectar a los oyentes con algo genuino y atemporal. La influencia de este disco sigue sintiéndose en la música latina contemporánea, ya que los artistas se inspiran en su poder puro y emotivo y en su natural combinación de tradición e innovación.

Disco recomendado

Para quienes aún no han disfrutado de esta obra, no hay mejor momento para sumergirse en sus cálidos y acogedores paisajes sonoros. Y para quienes lo conocen bien, es un álbum que se enriquece con cada escucha. Ya sea que se sientan atraídos por los ritmos hipnóticos, las melodías conmovedoras o simplemente la alegría pura que irradian sus interpretaciones, "Buena Vista Social Club" se erige como un testimonio perdurable del poder de la música para trascender el tiempo y el espacio. Si buscas un álbum que encarne el alma de la música cubana, este es el indicado. Escúchalo, siente su ritmo y déjate transportar a una Habana que, aunque transformada, siempre vivirá en estas canciones.

Video del tema "De camino a la vereda":

Tracklist:

1. "Chan Chan" Compay Segundo 4:16
2. "De camino a la vereda" Ibrahim Ferrer 5:03
3. "El cuarto de Tula" Sergio González Siaba 7:27
4. "Pueblo Nuevo" Israel "Cachao" López 6:05
5. "Dos gardenias" Isolina Carrillo 3:02
6. "¿Y tú qué has hecho?" Eusebio Delfín 3:13
7. "Veinte años" María Teresa Vera 3:29
8. "El carretero" Guillermo Portabales 3:28
9. "Candela" Faustino Oramas 5:27
10. "Amor de loca juventud" Rafael Ortiz 3:21
11. "Orgullecida" Eliseo Silveira 3:18
12. "Murmullo" Electo "Chepín" Rosell 3:50
13. "Buena Vista Social Club" Israel "Cachao" López 4:50
14. "La bayamesa" Sindo Garay 2:54

Ficha:

• Eliades Ochoa – vocals (1, 3, 8, 9), guitar (1, 3, 8, 9, 11)
• Compay Segundo – backing vocals (1), congas (1), guitar (2, 6, 7, 10, 11, 14), vocals (6, 7, 10, 11, 14)
• Ibrahim Ferrer – backing vocals (1, 8), vocals (2, 3, 5, 9, 12, 14), conga (4), clave (6, 13), bongos (10)
• Ry Cooder – guitars (1–7, 11–13), mbira (2, 8), oud (8), bolon (8), floor slide (8), percussion (8), acoustic slide guitar (9), electric slide guitar (9), slide guitar (10)
• Manuel "Guajiro" Mirabal – trumpet (1–5, 9, 11)
• Orlando "Cachaito" López – bass (1–9, 11–14)
• Carlos Gonzáles – bongos (1, 3, 9), cowbell (3, 9)
• Alberto Valdés – maracas (1–9, 12, 13), backing vocals (2), chorus vocals (3, 9)
• Joachim Cooder – udu drum (1, 4, 5, 8, 12, 13), dumbek (2, 3, 6, 7, 9–11), conga (3), drums (11)
• Barbarito Torres – laoud (2, 3, 11)
• Manuel Licea – backing vocals (2), vocals (3, 14), chorus vocals (9), congas (13)
• Juan de Marcos González – backing vocals (2, 8), conductor (3, 9), güiro (8), chorus vocals (9)
• Luis Barzaga – backing vocals (2), chorus vocals (3, 9)
• Julienne Oviedo Sánchez – timbales (3)
• Rubén González (pianist) – piano (4, 5, 6, 11–14)
• Lázaro Villa – güiro (4, 13), congas (5, 12)
• Omara Portuondo – vocals (7)
• Julio Alberto Fernández – vocals (10), maracas (10)
• Benito Suárez Magana – guitar (10)
• Salvador Repilado Labrada – bass (10)

SIMON & GARFUNKEL - Bridge Over Troubled Water - Album

Pocos álbumes logran capturar el espíritu de transición como "Bridge Over Troubled Water". Editado al inicio de una nueva década, marcó tanto la culminación del arte de Simon & Garfunkel como el inicio de sus trayectorias individuales. La música refleja esa dualidad: profundamente arraigada en el folk, pero con una expansión hacia el gospel, el rock y las influencias internacionales. Más que un simple LP, es un paisaje emocional atemporal, lleno de armonías vibrantes y melodías inolvidables. Ya sea que lo descubras por primera vez o revivas su magia, este es un disco que tengo que recomendar.

ALBUM: Bridge Over Troubled Water

Publicado el 26 de enero de 1970, "Bridge Over Troubled Water" de Simon & Garfunkel marcó la culminación de la colaboración creativa del dúo y, al mismo tiempo, una despedida inesperada de su célebre colaboración. Este álbum, su quinto y último trabajo, nació en una época marcada por la agitación cultural y política, y resuena profundamente con una serena pero innegable sensación de esperanza, consuelo y una agridulce despedida. Si exploras sonidos clásicos con un oído moderno o buscas música atemporal para enriquecer tus listas de reproducción, "Bridge Over Troubled Water" sigue siendo una escucha imprescindible.

Grabado durante un intenso proceso de casi un año, "Bridge Over Troubled Water" marcó la culminación de las ambiciones artísticas de Simon & Garfunkel, pero también presagió su inevitable separación. La composición de Paul Simon evolucionó significativamente aquí, expandiéndose mucho más allá del folk tradicional hacia géneros tan diversos como el gospel, el R&B, el jazz, la música clásica e incluso el folk internacional. Es fascinante observar cómo la tensión creativa de la pareja, en parte debido a los compromisos cinematográficos de Art Garfunkel durante la grabación, dio como resultado un álbum caracterizado tanto por la intimidad como por la grandeza.

El LP abre majestuosamente con su tema principal, una balada impulsada por el piano que se va construyendo silenciosamente hasta un crescendo inspirador, impulsado por la delicada pero potente voz de Garfunkel. Originalmente inspirado en la música gospel, Simon creó esta canción tras escuchar la pieza espiritual de Swan Silvertones, "Mary Don't You Weep". Con cada verso creciente, se intensifica hasta convertirse en un exuberante himno gospel de consuelo y solidaridad, convirtiéndose fácilmente en uno de los himnos definitorios de su generación. No es de extrañar que esta conmovedora canción haya sido interpretada por una gran variedad de artistas, como Aretha Franklin, Johnny Cash y Willie Nelson.

Tras este emotivo inicio, el dúo se adentra en un variado territorio musical con canciones lúdicas, introspectivas o ligeramente experimentales. "Cecilia", por ejemplo, destaca por su ritmo contagioso, que combina palmadas y nalgadas en una historia irresistiblemente pegadiza sobre las complejidades del amor y las frustraciones personales. Combina con maestría la sensibilidad pop con influencias globales, elementos que Simon desarrollaría más a fondo en su carrera solista posterior.

Una de las joyas del álbum es "The Boxer", una narrativa reflexiva y emotiva que crece constantemente desde una simple melodía folk hasta una poderosa pieza orquestada, enriquecida con tambores resonantes y armonías conmovedoras. Muestra la perspicaz narrativa de Simon y la increíble sinergia del dúo, capturando con naturalidad la perseverancia y el cansancio característicos de la época. Incluso décadas después, se siente fresco y resuena profundamente en oyentes de todas las edades.

Profundizando en el álbum, Simon & Garfunkel experimenta de forma sutil pero efectiva. Su versión de "El Cóndor Pasa" demuestra su interés por la World Music, fusionando instrumentos y ritmos andinos tradicionales con conmovedoras letras en inglés. Originalmente interpretada por el grupo peruano Los Incas, Simon reinventó la melodía, añadiéndole una lírica personal sobre la vida urbana y rural. Esta canción no solo introdujo los sonidos andinos a un público más amplio, sino que también insinuó las futuras exploraciones musicales globales de Simon.

"Cecilia" destaca como uno de los temas más ligeros del álbum, lleno de una percusión contagiosa y un ritmo alegre que contradice las letras sobre la frustración romántica y los desafíos creativos que Simon enfrentó bajo los reflectores. Su percusión de sonido casero, que incluye palmas y baquetas, le da al tema una sensación natural y espontánea, haciéndola irresistiblemente cercana y alegremente memorable.

Sin embargo, Bridge Over Troubled Water también brilla en sus momentos más tranquilos. "The Only Living Boy in New York" emerge como una pieza hermosamente melancólica, un mensaje directo de Simon a Garfunkel durante un período de separación e incertidumbre. La base acústica de Simon, combinada con las armonías etéreas de Garfunkel, crea una atmósfera de suave soledad e introspección, capturando una sensación universal de serena soledad que permanece conmovedora incluso después de innumerables escuchas.

Por otra parte, "Keep the Customer Satisfied" y "Baby Driver" demuestran la habilidad del dúo para adoptar géneros musicales clásicos estadounidenses como el rockabilly y el rock 'n' roll con una autenticidad natural. Estos temas aportan un pulso enérgico y desenfadado al álbum, perfectamente equilibrado por canciones más introspectivas como "So Long, Frank Lloyd Wright", una despedida lírica de Simon a Garfunkel, velada por referencias al famoso arquitecto.

Para cerrar el álbum, el dúo retoma sus raíces con una grabación en vivo de "Bye Bye Love", popularizada originalmente por los Everly Brothers, que resalta su conexión con el público a través de su herencia musical compartida. El álbum concluye con la tierna y concisa "Song for the Asking", el momento solista de Simon que es casi una invitación susurrada: una despedida humilde y sentida que refuerza el compromiso constante de la pareja de llevar alegría a los oyentes.

Desde su lanzamiento, Bridge Over Troubled Water ha recibido constantes elogios, siendo reconocido con seis Premios Grammy en 1971. Comercialmente, su recepción fue espectacular, dominando las listas de éxitos mundiales y alcanzando ventas que superaron los 25 millones de copias. Su duradera popularidad se evidencia en numerosas reediciones, incluyendo ediciones especiales de aniversario que ofrecen una mayor comprensión de su creación y contexto histórico.

Disco recomendado

En definitiva, "Bridge Over Troubled Water" captura la esencia del legado de Simon & Garfunkel. Encarna la visión artística, la sinceridad emocional y la relevancia cultural que definen la verdadera gran música. Tanto si eres fan de toda la vida como si eres nuevo en su catálogo, este álbum merece una escucha atenta, no solo como un disco histórico, sino como una colección profundamente conmovedora de canciones cuya profundidad emocional y ambición artística trascienden generaciones. Recomiendo sumergirse en este clásico, cuya resonancia y belleza no han hecho más que profundizarse con el tiempo.

Video del tema "The Boxer":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1. "Bridge over Troubled Water" 4:52
2. "El Condor Pasa (If I Could)" 3:06
3. "Cecilia" 2:55
4. "Keep the Customer Satisfied" 2:33
5. "So Long, Frank Lloyd Wright" 3:41

Cara B:

1. "The Boxer" 5:08
2. "Baby Driver" 3:14
3. "The Only Living Boy in New York" 3:58
4. "Why Don't You Write Me" 2:45
5. "Bye Bye Love" 2:55
6. "Song for the Asking" 1:49

Ficha:

• Paul Simon – voz principal, guitarra acústica, percusión
• Art Garfunkel – voz principal, percusión

Los Incas – instrumentos peruanos
Joe Osborn – bajo
Larry Knechtel – piano
Fred Carter Jr. – guitarra
Pete Drake – dobro, pedal steel guitar
Hal Blaine – batería
Jimmie Haskell y Ernie Freeman – cuerdas
Jon Faddis, Randy Brecker, Lew Soloff y Alan Rubin – metales

MANU CHAO - Clandestino - Album

Para aquellos que siempre están en busca de algo nuevo pero atemporal, "Clandestino" de Manu Chao es un álbum que desafía las fronteras, tanto musicales como literales. Una banda sonora para vagabundos, rebeldes y cualquiera que alguna vez se haya sentido atrapado entre dos mundos, este disco combina narración con una mezcla ecléctica de sonidos globales. Ya sea que lo descubras por primera vez o revisitas sus ritmos hipnóticos, "Clandestino" sigue siendo tan urgente y resonante hoy como lo fue cuando se editó.

ALBUM: Clandestino

Cuando Manu Chao publicó el disco "Clandestino" el 6 de octubre de 1998, no se limitó a editar un álbum: destiló años de vagabundeo, frustración política y profunda agitación personal en uno de los discos más poco convencionales y atractivos de su época. Grabado en movimiento, en estudios improvisados ​​y con nada más que una pequeña computadora portátil que llamó Estudio Clandestino, el álbum fue un producto del exilio, tanto físico como emocional.

Para Manu Chao, este álbum no era solo música; era terapia. Después de la separación de su banda "Mano Negra" en 1994, cayó en un período de depresión y casi autodestrucción, rebotando entre continentes en busca de significado. Sus viajes lo llevaron por América Latina, África y Europa, donde tocó en bares, experimentó con peyote en México e incluso vivió entre los zapatistas. En uno de sus momentos más bajos, bebiendo solo en una favela de Río, afirma que un simple encuentro con una vaca, cuya mirada describió como llena de ternura, le salvó la vida. Ese momento de claridad inesperada lo puso de nuevo en el buen camino, y las canciones que había ido recopilando a lo largo de su viaje comenzaron a tomar forma en un álbum.

El sonido de las calles:

La magia de "Clandestino" reside en su capacidad de sonar a la vez profundamente personal y universalmente relevante. La música de Manu Chao habla por los indocumentados, los perdidos y los desplazados, pero sigue siendo lúdica, llena de energía y desafío. Cantando en español, francés, portugués e inglés, construye puentes entre culturas en lugar de erigir barreras. Su voz entra y sale de la mezcla como un viajero de paso, mezclándose a la perfección con muestras de transmisiones de radio, sonidos de la calle y fragmentos de la vida cotidiana grabados en sus viajes.

En esencia, "Clandestino" es más que una obra de "World Music", es un disco de movimiento. Las canciones se mezclan entre sí, creando un flujo hipnótico donde los ritmos de reggae, la guitarra folk y los ritmos latinos se entrelazan sin esfuerzo. La canción principal pinta una imagen inquietante de la lucha de un inmigrante, marcando el tono de un álbum que nunca rehúye la realidad social. Desaparecido sigue el mismo camino, encarnando el sentimiento de no pertenecer nunca, de estar atrapado entre lugares. El propio Chao una vez describió la canción como la banda sonora de su propia existencia, un nómada en constante movimiento.

Un sonido atemporal:

Aunque los temas del álbum sobre el exilio y la resistencia tienen sus raíces en finales de los años 90 (siglo xx), se sienten igual de relevantes hoy. Canciones como "Mentira" y "Lágrimas de Oro" resaltan las mentiras de los sistemas políticos y las luchas de los que se quedaron atrás. Mientras tanto, "Welcome to Tijuana" es a la vez una celebración y una crítica, retratando a la ciudad fronteriza como un lugar de vicio, supervivencia y sueños interrumpidos. El estribillo “tequila, sexo, marihuana” puede sonar como una invitación a la fiesta, pero debajo de él se esconde una narrativa más compleja de escapismo y desesperación económica.

A pesar de sus temas de peso, el álbum nunca se vuelve demasiado pesado. "Bongo Bong", una reelaboración de una canción de Mano Negra, inyecta humor y absurdo en la mezcla, ofreciendo un descanso lúdico del estado de ánimo introspectivo. De manera similar, "Por el Suelo" y "La Despedida" muestran la habilidad de Chao para la repetición y las melodías en bucle, creando un efecto de trance que lleva al oyente más profundamente a su mundo.

Una obra accidental:

Uno de los aspectos más fascinantes del álbum "Clandestino" es que era casi un álbum completamente diferente. Inicialmente, Chao imaginó un sonido más electrónico, impulsado por el ritmo. Pero el destino, o más bien, una falla informática, tenía otros planes. Cuando un error técnico eliminó gran parte de la batería programada y la electrónica, lo que quedó fue una colección de canciones crudas, impulsadas por la acústica, que se sentían orgánicas e inmediatas. En lugar de intentar recuperar los elementos perdidos, Chao aceptó el accidente y acuñó la frase le hazard est mon ami (el azar es mi amigo). El resultado fue una obra maestra despojada de todo, donde cada rasgueo de la guitarra y cada eco del ruido de fondo parecían intencionales, aunque no lo fueran.

Obra que perdura:

Al principio, "Clandestino" fue un disco que se fue gestando lentamente. No hubo grandes campañas promocionales ni sencillos que se escucharan en la radio. Pero el boca a boca lo llevó lejos. Se convirtió en la banda sonora de mochileros, activistas políticos y cualquiera que sintiera que no encajaba del todo en las rígidas estructuras de la sociedad. El disco acabó vendiendo más de cinco millones de copias en todo el mundo y Manu Chao fue comparado con Bob Marley por su capacidad para fusionar la música con la conciencia social.

Incluso hoy, "Clandestino" suena tan fresco y relevante como siempre. En una era de nacionalismo creciente y fronteras rígidas, el mensaje de unidad y desafío del álbum todavía resuena. Ya sea que entiendas todos los idiomas en los que canta Chao o no, las emociones se traducen sin esfuerzo. El disco no solo cuenta una historia, sino que te invita a vivirla.

Disco recomendado

Para aquellos que nunca han escuchado "Clandestino", ahora es el momento para descubrirlo. Es un recordatorio de que la música puede ser tanto un refugio como un arma, una celebración y una protesta. Si buscas algo que se sienta vivo, urgente y profundamente humano, este álbum es más que una simple recomendación: es algo que debes escuchar.

Video del tema "Desaparecido":

Tracklist:

1.     "Clandestino" 2:30
2. "Desaparecido" 3:47
3. "Bongo Bong" 2:38
4. "Je ne t'aime plus" 2:02
5. "Mentira..." 4:37
6. "Lágrimas de Oro" 2:57
7. "Mama Call" 2:21
8. "Luna y Sol" 3:07
9. "Por el Suelo" 2:21
10. "Welcome to Tijuana" 4:04
11. "Día Luna... Día Pena" 1:30
12. "Malegría" 2:55
13. "La vie à 2" 3:00
14. "Minha Galera" 2:21
15. "La Despedida" 3:09
16. "El Viento" 2:26

Música:

• Manu Chao – artista principal, compositor, batería, productor

• Chico César
• Angelo Mancini – trompeta
• Antoine Chao – trompeta
• Jef Cahours – trombón
• Anouk – voz
• Awa Touty Wade – voz

Producción:

Laurent Lupidi – productor
Renaud Letang – productor

MABE FRATTI - Sentir Que No Sabes - Album

De vez en cuando sucede. Cuando crees que la música pop moderna se está yendo por el retrete, descubres un artista y un álbum que te hace repensar. No soy un verdadero seguidor de la música cantado en español, pero cuando es buena, muy buena, uno tiene que doblegarse ante la realidad.

He descubierto y estado escuchando a la guatemalteca MABE FRATTI, una artista de formación en música clásica especializada en el chello que fusiona y experimenta con diferentes estilos apuntando hacia el área pop, ante también se puede considerar "World Music". Su cuarto disco "Sentir Que No Sabes" es maravilloso y una de las mejores cosas que he escuchado en lo que va de 2024.

¿Quién es el músico "Mabe Fratti"?

 
Violonchelista y vocalista guatemalteco de vanguardia radicado en la Ciudad de México. Fratti recibió una formación clásica en violonchelo y trabaja en una amplia variedad de géneros. Su trabajo incluye colaboraciones y forma parte del colectivo de música de vanguardia "Amor Muere".

Ya tiene cuatro álbumes, y es con "Sentir Que No Sabes" que la descubro y quiero recomendar a los lectores y melómanos.

ALBUM: Sentir Que No Sabes

 
Este es el cuarto disco de estudio de la violonchelista guatemalteca Mabe Fratti, publicado el 28 de junio de 2024 y producido por Héctor Tosta. Hector Tosta (I. La Catolica), es la otra mitad del dúo Titanic de Fratti y colaborador desde 2022, y toca el bajo en este disco con un estilo serpenteante distintivo que le da soltura, mientras que las ocasionales interjecciones de trompeta de Jacob Wick son tan vertiginosas como espléndidas.

Mabe Fratti manipula trompetas, tambores y violonchelos en formas angulares, cambiando entre las estructuras y texturas de la música experimental, el post-rock, el jazz y la clásica. "Sentir Que No Sabes", parece una declaración de autodefinición. Es abundantemente melódico, constantemente sorprendente e inequívocamente maravilloso.

Este álbum desde mi punto de vista es una sorprendente obra de pop-art que combina electro, jazz y ambient para crear un sonido felizmente inquietante. Tiene una atmósfera abrumadora en temas como "Angel Nuevo", pero también en "Márgen de Índice" que parecen versiones simplificadas de pegadizas de canciones pop. El contraste entre la voz melódica de Fratti y el violonchelo atonal ayuda al disco a oscilar entre lo accesible y lo experimental, lo que me recuerda a veces Kate Bush.

La instrumentación es muy inspirada. Tan pronto como crees que lo has resuelto, el álbum hace algo diferente. "Pantalla Azul" es una de las canciones más sencillas del disco, que se inclina mucho hacia el sonido folk, pero luego te arroja estas partes de sintetizador. Fratti suena segura en estas canciones, se nota tanto en su voz como en la instrumentación. Sabe cuándo relajarse y dejar que la música hable por sí sola. Como en las canciones de “Elastica” – en las que “Elastica II” viene antes de “Elastica I” – dos piezas instrumentales que son muy diferentes. Uno con cables de violonchelo caóticos y disonantes que te hacen sentir al límite, y el otro es simplemente una pieza ambient serena. Ambos son algunos de los mejores momentos del disco, con otro muy buen "Enfrente" con su pieza drum & bass.

Su lirismo también aborda algunos conceptos extraños. Como en “Kravitz” donde canta de “orejas en el techo” o “Enfrente” donde canta de gente tumbada para dormir tranquilamente. Hay ansiedad en el disco y coincide tanto en la letra como en la música, es algo fascinante. Hay tanto por descubrir en este disco que todavía estoy reconstruyendo las cosas después de varias escuchas.

"Sentir Que No Sabes" es un disco que requiere entregarse a él, escucharlo con atención y sin expectativas. Fratti te convencerá para que entres en su mundo y lo hagas tuyo.

Disco recomendado

 
Música sorprendentemente rica, gratificante y fascinante. Un maravilloso viaje a través del "nuevo" pop y los ensueños orquestales. "Sentir Que No Sabes" es una maravillosa sorpresa y un firme candidato a uno de los mejores álbumes de 2024.

Video del tema "Enfrente":

Tracklist:

1.         "Kravitz"         4:33
2.         "Pantalla Azul"           2:57
3.         "Elastica II"    2:20
4.         "Oídos"           3:26
5.         "Quieras o No"           2:52
6.         "Enfrente"       4:03
7.         "Elastica I"      1:59
8.         "Márgen de Índice"    2:41
9.         "Alarmas Olvidadas"  3:51
10.       "Descubrimos un Suspiro"     3:37
11.       "Intento Fallido"        2:52
12.       "Kitana"          1:18
13.       "Angel Nuevo"           5:20

JAMES HOLDEN (& The Animal Spirits) - The Animal Spirits - Album

Un post dirigido más bien al melómano de la música electrónica que busca algo diferente, cerebral, tribal y único. Quiero llamar tu atención sobre un disco de James Holden (y su colectivo "The Animal Spirits") titulado "The Animal Spirits". 

Una aventura musical que no sólo demuestra la madurez del artista sino un valiente intento de traspasar los límites del género musical elegido: la música electrónica.

 

¿Quién es el artista musical James Holden?

James Alexander Goodale Holden es un artista y DJ de música electrónica británico.

ALBUM:The Animal Spirits

 
James Holden tiene talento para hacer música electrónica con un toque místico, y "The Animal Spirits" es quizás su mejor trabajo hasta el momento. Un álbum de estudio publicado en 2017 presenta al músico interpretando influencias de jazz con una banda en vivo, en un descanso de su trabajo habitual de estudio. El "shaman" de la música electrónica James Holden te envía a un viaje exuberante a través de bosques y estrellas. Holden toma el espíritu inmersivo que induce al trance de la música dance programada y lo fusiona con la sensación de conexión que la música de improvisación en directo puede brindar. Es un placer escuchar la forma en que combina Free Jazz, Electrónica Progresiva, Folk, Ambient Techno y House, Afrobeat, Minimalismo, Krautrock, Psicodelia y Post Rock para crear algo cohesivo, fresco y cautivador.

En este tercer álbum de larga duración, James Holden se libera de las restricciones de la "música por PC" y abraza el espíritu de la interpretación humana. El resultado es el sonido caleidoscópico de Holden evolucionando como músico, que se ha ganado a fondo a través de años de traspasar los límites. Los ritmos de este LP son circulares y ceremoniales, no están arraigados en ninguna tradición musical específica, sino que toman prestado de muchas, y están inspirados en la colaboración de Holden con el legendario músico Gnawa Maleem Mahmoud Ghania. La batería y la percusión sustentan el proceso mientras el secuenciador muscular y los arpegios del saxofón se entrelazan hipnóticamente. Los sonidos de la grabadora y del sintetizador modular se arremolinan en el aire.

La canción de apertura "Incantation for Inanimate Object" comienza de manera ritual, lentamente antes de conducir a la cascada de tambores que se encuentra en "Spinning Dance", que marca el ritmo para el resto del disco. De vez en cuando, el álbum sigue una estructura más rígida, como en "Each Moment Like the First".

Las semillas que Holden planta para cada pista contienen suficiente vitalidad creativa para crecer en formas únicas. Por ejemplo, canciones destacadas como "Thunder Moon Gathering" y "The Neverending", donde las ideas centrales actúan como fuerza impulsora, mientras que los elementos improvisados bailan y se entretejen, controlando a su vez la dinámica con reflujos y flujos según sea necesario.

En resumen, "The Animal Spirits" suena orgánico, provocado por la espontaneidad de las actuaciones. Una maravillosa colección de temas etiquetados como "folk-trance" grabados con un talentoso conjunto de improvisación, "The Animal Spirits".

 

Disco recomendado

Quizás no es para todos, definitivamente es un disco para melómanos que desean algo más; creatividad, innovación, valentía y emoción humana. Recomendado para fans de la música electrónica y bandas como "The Comet is Coming", Natural Information Society etc.

Buscarlo, te puede sorprender.

Video del tema "Each Moment Like the First":

Tracklist:

1."Incantation for Inanimate Object" – 1:42
2."Spinning Dance" (Liza Bec and Holden) – 5:30
3."Pass Through the Fire" – 6:26
4."Each Moment Like the First" – 4:57
5."5 The Beginning & End of the World" – 6:40
6."Thunder Moon Gathering" (Marcus Hamblett and Holden) – 7:28
7."The Animal Spirits" – 5:38
8."The Neverending" – 4:30
9."Go Gladly into the Earth" (Etienne Jaumet) – 5:52

NATURAL INFORMATION SOCIETY - Since Time is Gravity - Album

Doy cobertura en este blog de música a un interesante disco de jazz de los americanos "Natural Information Society" titulado "Since Time Is Gravity". Compuesto por músicos estrella del jazz, proponen el espíritu del free jazz tipo Coltrane y la influencia del world music tipo Don Cherry que culmina en una experiencia de trance. Creo que los melómanos encontrarán esta una excelente recomendación.

¿Quiénes son la formación "Natural Information Society" (NPR)?

 
Un conjunto de música estadounidense descrito por quienes "saben" como “minimalismo extático”. El grupo se formó en 2010 y está dirigido por el multi-instrumentista y compositor Joshua Abrams. "NPR" califica la formación como un "elemento básico" de la escena musical underground de Chicago.

Los críticos han escrito que las actuaciones de "Natural Information Society" ponen énfasis en lo humano y lo humano en la música en medio de una industria digitalizada galopante.

 

ALBUM: Since Time Is Gravity

 
Un disco del "Natural Information Society Community Ensemble", dirigido por el contrabajista y músico de guimbri, Joshua Abrams. Se grabó el 18 de mayo de 2021 en la Fundación Graham en Chicago, Illinois, y el 24 de agosto de 2021 en Electrical Audio en Chicago, y se publicó en 2023 como un LP doble. Es el séptimo álbum de Joshua Abrams y su "Natural Information Society".

Este es un disco de trance. Joshua Abrams aprovecha la tradición Gnawa y toca el guimbri al estilo de los maestros, apegándose a dos o tres notas punteadas y repetidas que sientan las bases de una música que induce al trance. Dicho de otro modo, un estado de perpetua evolución, en el que las actuaciones a menudo adquieren aires de invocación ritual.

En el álbum, a Abrams se unen los saxofonistas altos Nick Mazzarella y Mai Sugimoto, el clarinetista bajo Jason Stein, los cornetistas Josh Berman y Ben Lamar Gay, la armoniosa Lisa Alvarado, la arpista Kara Bershad, los percusionistas Mikel Patrick Avery y Hamid Drake, y un artista invitado, el saxofonista tenor Ari Brown. El sonido del álbum es inmediatamente acogedor y contagioso, con un fuerte ritmo central que es muy repetitivo, fascinante y edificante. La música avanza como una ola implacable, envuelta por las cálidas capas de la sección rítmica y los vientos.

Como se comentó, "Since Time Is Gravity" tiene sus raíces en el pulso del bajo norteafricano de tres cuerdas del guimbri de Abrams y el zumbido oscilante del armonio de Lisa Alvarado. La formación se expande para incluir una sección de trompetas de seis integrantes y un arpista, agregando una dimensión modal de "big band".

Destacado en este disco es el veterano el saxofonista tenor de Chicago Ari Brown, saliendo de la parrilla rítmica en el corte "Is". Pero es en "Stigmergy", que lleva el nombre de un concepto de acción colectiva, el que mejor resume el extático filosofía de la "Natural Information Society": un solista hipnótico tras otro, incluido Ben Lamar Gay, brillante en la corneta, entrando y saliendo elegantemente de la repetición de sistemas. Otro corte de mención es "Gravity", con un solo espectacular de Ari Brown, échale una escucha.

Resumiendo, la capacidad del conjunto para crear un estado de evolución perpetua en su música, combinada con el uso de prácticas de todo el mundo, da como resultado un disco innovador y profundamente arraigado en la tradición musical.

 

Disco recomendado

 
El conjunto de Joshua Abrams, que reúne a músicos de toda la comunidad de improvisación de Chicago, combina elementos del jazz y la música norteafricana en piezas fascinantes. En "Since Time Is Gravity" cada pieza se desarrolla según los parámetros marcados por los solistas. La música de Abrams se mueve a través del tiempo con gracia, ajustándose a las demandas de cuándo y dónde se interpreta, y quién está involucrado. El asombro que canaliza su música radica en su comprensión de la mutabilidad, rastreando cambios sutiles en patrones repetitivos.

Me parece un gran disco de jazz y una recomendación imprescindible para los seguidores y fans del jazz.

Video del tema "Stigmergy":

Tracklist:

Disc 1:

Cara A

"Moontide Chorus" – 6:41
"Is" – 11:39

Cara B

"Murmuration" – 17:36

Disc 2: 

Cara A

"Wane" – 4:30
"Stigmergy" – 13:05

Cara B

"Immemorial" – 8:11
"Wax" – 3:19
"Gravity" – 7:53

Personal (Músicos):

• Joshua Abrams – contrabajo, guimbri
• Nick Mazzarella – saxofón alto
• Mai Sugimoto – saxofón alto, flauta
• Ari Brown – saxofón tenor
• Jason Stein - clarinete bajo
• Josh Berman - corneta
• Ben Lamar Gay – corneta
• Lisa Alvarado – armonio
• Kara Bershad – arpa
• Mikel Patrick Avery – batería
• Hamid Drake – conga, tabla, tar.

PETER GABRIEL - Peter Gabriel III - MELT - Album

Peter Gabriel es un emblema del rock progresivo y un nombre resonante en el estilo art-rock, su música presenta un sonido único afirmado con una sensibilidad interpretativa y composiciones memorables. Su tercer álbum en solitario ("Melt") es donde las cosas finalmente se solidificaron para Peter Gabriel. Gabriel encuentra su sonido y su verdadera voz con este disco. Líricamente, el músico toca todo, desde eventos perturbadores hasta lazos personales y familiares, guerra y prisioneros políticos. Equilibra su sentido del humor y el cinismo con algunos temas bastante sombríos en formas completamente nuevas. Por lo tanto, es ampliamente considerado como el mejor disco de Peter Gabriel en solitario.

En este post, miraremos juntos el músico, la creación de "Melt" y sus canciones. Con suerte despertará tu curiosidad lo suficiente para motivarte a buscar esta obra y escucharla.

 

¿Quién es Peter Gabriel?

 
Peter Brian Gabriel, cantante, compositor, productor discográfico y activista inglés. Saltó a la fama como el cantante principal original de la banda "Genesis". Después de dejar Genesis en 1975, lanzó una exitosa carrera en solitario.

Gabriel ha sido un campeón del "World Music" durante gran parte de su carrera. Co-fundó el festival WOMAD en 1982. Continuó enfocándose en producir y promover el género "World Music" a través de su sello "Real World Records". Gabriel también ha estado involucrado en numerosos esfuerzos humanitarios. En reconocimiento a sus muchos años de activismo por los derechos humanos, recibió el premio Hombre de Paz de los ganadores del Premio Nobel de la Paz en 2006, y la revista Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes del mundo en 2008.

Musicalmente Peter Gabriel es uno de los músicos más ambiciosos e innovadores del rock. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Genesis en 2010, y como solista en 2014.

 

ALBUM: Peter Gabriel III: Melt

 
Es el tercer álbum de estudio en solitario del músico de rock inglés Peter Gabriel, publicado el 30 de mayo de 1980. El disco, producido por Steve Lillywhite (también ha colaborado con una variedad de músicos, incluidos los actos new wave XTC, Siouxsie and the Banshees, Simple Minds, the Psychedelic Furs, David Byrne, Talking Heads, U2, The Rolling Stones, The Pogues, The La's, Morrissey, The Killers, Counting Crows, etc., solo por mencionar algunos) ha sido aclamado por la mayoría de los críticos musicales como el avance artístico de Gabriel como un artista solista.

Sobre la base del sonido experimental de sus anteriores álbumes de estudio homónimo ("Car" y "Scratch"), Peter Gabriel adopta el post-punk y el new wave con una sensibilidad art rock. Gabriel también exploró material más abiertamente político con la canción contra la guerra "Games Without Frontiers" y la canción de protesta contra el apartheid "Biko", que recordó al activista asesinado Steve Biko.

En cuanto a la escritura, este álbum fue el primero en el que Gabriel usó un enfoque de "primero el ritmo" al escribir y hacer demos de canciones para el álbum en un sistema de 8 pistas. Peter Gabriel contrató a su ex compañero de banda en Genesis, el baterista Phil Collins, para las sesiones de grabación junto con otro baterista, Jerry Marotta. De hecho, hay increíbles colaboradores que se suman a la calidad musical de este álbum; David Rhodes, Paul Weller, Kate Bush, Tony Levin, David Gregory, etc. (ver los créditos a continuación).

Artwork de la portada:

La foto fue tomada con una cámara instantánea Polaroid SX-70. El diseñador es Storm Thorgerson.

 

Canciones:

El tono del álbum es bastante paranoico y frenético en algunos puntos, y luego en otros puntos inquietantemente tranquilo. "Melt" es, para todos los efectos, un "tratado psicológico" sobre la condición humana: compulsión, obsesión, aislamiento, esquizofrenia, amnesia, prejuicio, intolerancia, ira, institucionalización y asesinato. Aquí yacen las dimensiones más oscuras del pensamiento y la acción, entregado por Peter Gabriel. El propio músico ha comentado en tono de broma al resumir los temas del álbum como "La historia de una mente en descomposición".

También desde un punto de vista técnico, notarás que no hay platillos (cymbals) … a lo largo de todo el álbum. Hay otros instrumentos de percusión, pero la falta de platillos genera tensión; un repiqueteo totémico y animista que impregna el álbum con un nerviosismo constante. La manía decidida inculcada por Gabriel se amplifica aún más con el sonido de "tambor cerrado", un efecto de reverberación dramático que produce un golpe retumbante pero muy comprimido en la batería creada específicamente para este álbum.

Track por Track:

1. "Intruder": el álbum abre con un tema inquietante y atmosférico que establece el tono para el resto del disco. Presenta la voz intensa y emotiva de Gabriel, superpuesta a un ritmo palpitante y sintetizadores espeluznantes. Las letras exploran temas de invasión y paranoia, creando una sensación de inquietud y tensión.

2. "No Self Control": destaca la capacidad de Gabriel para combinar melodías pegadizas con arreglos complejos. Presenta una sección rítmica de conducción, un poderoso trabajo de guitarra de Robert Fripp y la dinámica interpretación vocal de Gabriel. La letra profundiza en temas de confusión interna y la lucha por mantener el control.

3. "Inicio": Sirve como un breve interludio, que hace que el oyente pase a la siguiente pista. Cuenta con sintetizadores atmosféricos y establece un estado de ánimo contemplativo antes de sumergirse en la siguiente canción.

4. "I Don't Remember": combina elementos de new wave y art-rock, con su ritmo y memorables riffs de guitarra. La canción explora temas de pérdida de memoria y la lucha por aferrarse a la propia identidad.

5. "Family Snapshot": una de las canciones más destacadas del álbum, una canción conmovedora e introspectiva que se adentra en la mente de un asesino. La voz de Gabriel está llena de emoción y vulnerabilidad, mientras que la música se desarrolla desde una suave guitarra acústica hasta un poderoso clímax. La letra explora las motivaciones psicológicas detrás de los actos de violencia.

Video del tema "Family Snapshot":

6. "And Through the Wire": tiene un ritmo de conducción que explora temas de ruptura de la comunicación y la lucha por conectarse con los demás. El arreglo dinámico de la canción y su poderoso coro la convierten en otra pieza destacada del álbum.

7. "Games Without Frontiers": one of the most well-known songs from "Melt". Combines catchy melodies with thought-provoking lyrics. The song features a memorable chorus and a playful arrangement that incorporates elements of world music. The lyrics touch on themes of international politics and the destructive nature of power struggles

8. "Not One of Us": la letra explora temas de identidad y el miedo a ser un extraño

9. "Lead a Normal Life": la canción explora las presiones de ajustarse a las normas sociales y el deseo de individualidad.

10. "Biko": El número de cierre de "Melt" es un tributo poderoso y conmovedor al activista contra el apartheid sudafricano Steve Biko. Presenta un cautivador canto de luto africano, armonías vocales superpuestas y la voz apasionada de Gabriel. La canción aumenta en intensidad, creando una sensación de catarsis y liberación emocional. La letra honra el legado de Biko y pide justicia e igualdad.

En general, "Melt" es un trabajo cohesivo y cerebralmente estimulante. Cada tema contribuye a la narrativa general del álbum, explorando temas de identidad, aislamiento y presiones sociales. Con su producción innovadora, diversos arreglos musicales y letras poderosas, "Melt" sigue siendo un disco atemporal e influyente en la discografía de Gabriel. Su combinación de paisajes sonoros atmosféricos y estructuras de canciones no convencionales ha influido en artistas de varios géneros, incluido el rock alternativo, world music y la música electrónica.

 

Disco Recomendado

Peter Gabriel tuvo álbumes que vendieron más o generaron mayores éxitos, pero este tercer álbum sigue siendo su obra maestra. En "Melt", Gabriel está completamente realizado y es conceptualmente brillante, una mirada cruda a la inhumanidad del hombre y la locura que se agita en la mente de muchos.

Musicalmente excepcional con una ejecución brillante de todos los involucrados, siendo innovador y provocador, ganando un espacio privilegiado en el rock progresivo y art rock.

Buscarlo si no lo conoces, y escucharlo tranquilamente.

Video del tema "Games without Frontiers":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Intruder"       4:54
2.         "No Self Control"       3:55
3.         "Start" 1:21
4.         "I Don't Remember"   4:42
5.         "Family Snapshot"      4:28
6.         "And Through the Wire"        5:00

Cara B:

1.         "Games Without Frontiers"    4:06
2.         "Not One of Us"        5:22
3.         "Lead a Normal Life" 4:14
4.         "Biko" 7:32

Ficha técnica:

• Peter Gabriel – voz, piano; sintetizador en "Start", "I Don't Remember", "Games Without Frontiers" y "Not One of Us"; patrón de batería en "Biko"; coros en "Intruder", "Family Snapshot" y "Not One of Us"; silbato en "Games Without Frontiers"
• Larry Fast: sintetizador en "Intruder", "No Self Control", "Start", "Games Without Frontiers" y "Biko"; procesamiento de "Sin autocontrol", "I Don't Remember" y "Ni uno de nosotros"; gaitas en "Biko"
• David Rhodes - guitarra en todas las pistas excepto "Start"; coros en "Intruder", "I Don't Remember" y "Not One of Us"
• Robert Fripp - guitarra eléctrica en "No Self Control", "I Don't Remember" y "Not One of Us"
• Dave Gregory - guitarra eléctrica en "I Don't Remember" y "Family Snapshot"
• Paul Weller - guitarra eléctrica en "And Through the Wire"
• John Giblin: bajo en "No Self Control", "Family Snapshot", "And Through the Wire", "Games Without Frontiers" y "Not One of Us"
• Tony Levin - Chapman Stick en "Not One of Us"
• Jerry Marotta: batería en "I Don't Remember", "Family Snapshot", "Games Without Frontiers", "Not One of Us", "Lead a Normal Life" y "Biko"; percusión en "Games Without Frontiers" y "Not One of Us"
• Phil Collins: batería en "Intruder", "No Self Control" y "And Through the Wire"; patrón de batería en "Intruder"; trampa en "Family Snapshot"; surdo en "Biko"
• Morris Pert - percusión en "Intruder", "No Self Control" y "Lead a Normal Life"
• Dick Morrissey - saxofón en "Start", "Family Snapshot" y "Lead a Normal Life"
• Kate Bush: coros en "No Self Control" y "Games Without Frontiers"
• Steve Lillywhite, Hugh Padgham - silba en  "Games Without Frontiers"
• Dave Ferguson - chillidos en "Biko"

Personal de producción

• Steve Lillywhite - productor
• Hugh Padgham - ingeniero de sonido