CHARLES MINGUS - Mingus Ah Um - Album

De todos los maestros del jazz americano, la figura del bajista y compositor Charles Mingus es quizás una de las más enigmáticas, incomprendidas y mal interpretados. Pocos entienden realmente su enfoque revolucionario de la música en general y del jazz en particular. Charles Mingus era un universo musical en sí mismo; aunque asociado con el jazz, su música abarcaba muchas formas de música, desde el blues, el gospel, la música africana... desde el Dixieland hasta el free y, más tarde, incluso el rock y la fusión. Simplemente asombroso.

Uno de sus álbumes, "Mingus Ah Um", captura bien toda esta diversidad y también es un gran punto de entrada para aquellos que quieran adentrarse en el universo de la música jazz.

ALBUM: Mingus Ah Um

 
Un LP de estudio del músico de jazz estadounidense Charles Mingus, publicado en octubre de 1959. La portada presenta una pintura de S. Neil Fujita. Es un resumen fantástico de los talentos del bajista y probablemente el mejor punto de referencia para principiantes. La banda incluye a colaboradores de Mingus de toda la vida que ya conocen bien su música, como los saxofonistas John Handy, Shafi Hadi y Booker Ervin; los trombonistas Jimmy Knepper y Willie Dennis; el pianista Horace Parlan; y el baterista Dannie Richmond. Sus interpretaciones agudas unen lo que es quizás el conjunto de composiciones más grande y más variado de Charles Mingus.

De hecho, este es el álbum que hizo estallar a Booker Ervin en la escena. Este disco también es asombroso por su capacidad de sonar tan ligero y accesible y, al mismo tiempo, ser tan intrincado en cuanto a composición. Hay tanto detrás de las melodías que nunca te cansas de volver a él y descubrir nuevas capas.

El tema que abre el disco "Better Git It in Your Soul" es una de las melodías más contagiosas del jazz. El insistente trabajo rítmico del pianista Horace Parlan proporciona una tensión subyacente a todos los solistas que hace de esta una gran pieza. "Goodbye Pork Pie Hat" es simplemente jazz suave. "Boogie Stop Shuffle" es un swing reinventado con estilo post-bop y una de las cosas más bailables que Mingus haya compuesto.

Los experimentos tonales de "Self-Portrait in Three Colors" se filtran directamente en la siguiente canción. Si bien el tempo aumenta aproximadamente a la mitad de "Open Letter to Duke", la interacción entre Mingus y el baterista Dannie Richmond es funky, pero solo se mantiene así durante un minuto antes de transformarse en una coda con sabor latino.

"Bird Calls" es una pieza free y juguetona, donde Ervin y Parlan se dejan llevar para conversar musicalmente. "Fables of Faubus" es una de las canciones más conocidas de Mingus, en la que el entonces gobernador de Arkansas, Orval Faubus, le burla como un bufón. La melodía juguetona socava el comentario mordaz que originalmente sirvió como letra antes de que la compañía discográfica "Columbia" la prohibiera.

"Pussy Cat Dues" es un buen número de blues, pero el trabajo de trombón de Jimmy Knepper le da un swing que evita que se sienta tedioso antes de que "Jelly Roll" y su memorable gancho agregan el toque final de ragtime.

En general, para mí, es el álbum de jazz de mayor rango, y es difícil imaginar a un fan del jazz al que no le guste, a menos que sea purista. Hay fragmentos de free jazz, hard bop, big band, jazz con tintes clásicos de Ellington y prácticamente todo lo demás.

Disco recomendado

 
Lo recomiendo como punto de partida para alguien que se inicia en el género musical del jazz. Muy pocos discos pueden capturar la esencia del estilo de forma tan completa y, al mismo tiempo, seguir siendo tan escuchable.

Video del tema "Better Git It in Your Soul":

Tracklist (formato LP original):

1.         "Better Git It in Your Soul"   7:22
2.         "Goodbye Pork Pie Hat" (original LP length: 4:48)  5:44
3.         "Boogie Stop Shuffle" (original LP length: 3:43)     5:02
4.         "Self-Portrait in Three Colors"           3:06
5.         "Open Letter to Duke" (original LP length: 4:56)     5:51
6.         "Bird Calls" (original LP length: 3:12)          6:17
7.         "Fables of Faubus"     8:14
8.         "Pussy Cat Dues" (original LP length: 6:30) 9:14
9.         "Jelly Roll" (original LP length: 4:02)           6:17

Ficha (músicos):

• Charles Mingus – bajo, piano (con Parlan en la pista 10)
• John Handy – saxo alto (1, 6, 7, 9, 10, 11, 12), clarinete (8), saxo tenor (2)
• Booker Ervin – saxo tenor
• Shafi Hadi – saxo tenor (2, 3, 4, 7, 8, 10), saxo alto (1, 5, 6, 9, 12)
• Willie Dennis – trombón (3, 4, 5, 12)
• Jimmy Knepper – trombón (1, 7, 8, 9, 10)
• Horace Parlan – piano
• Dannie Richmond – batería

ARCHIE SHEPP - Four for Trane - Album

Voy a recomendarte un brillante disco de jazz de los años 60 (siglo xx). Un álbum tributo de un estudiante y amigo a su mentor e ídolo.

Archie Shepp es un brillante intérprete de jazz en el estilo "avant garde" influenciado por John Coltrane. Shepp fue alumno de Coltrane y tocó con él y cuando Shepp siguió su "propio camino" grabó y editó "Four for Trane", un maravilloso LP que quiero atraer la atención de los melómanos y lectores de este blog de música.

¿Quién es el músico de jazz "Archie Shepp"?

 
Archie Shepp es un saxofonista, compositor, educador y dramaturgo de jazz estadounidense que desde la década de 1960 ha desempeñado un papel central en el desarrollo del jazz de vanguardia. Encarnó el lado radical y experimental del jazz de los años 60, pero luego se convirtió en uno de los mayores más venerados y respetados del género.

Nacido en Florida en 1937 pero criado en Filadelfia, Sheep estudió piano, clarinete y saxofón alto durante la escuela primaria y secundaria antes de centrarse en el saxofón tenor. Su carrera es larga, muy larga y con una discografía "interminable" estando todavía en activo en la actualidad.

De su larga y extensa lista de grabaciones, quiero recomendar el disco de 1965 "Four for Trane", un maravilloso LP de jazz y un homenaje a su mentor y amigo John Coltrane.

 

ALBUM: Four for Trane

 
Este es un disco de estudio del saxofonista tenor Archie Shepp publicado en 1965. Cuatro de las cinco canciones fueron compuestas y grabadas originalmente por John Coltrane (publicadas en sus álbumes "Giant Steps" y "Coltrane Plays the Blues") y reorganizadas por Shepp y el trombonista Roswell Rudd. Los otros músicos destacados son el trompetista Alan Shorter (hermano de Wayne), el saxofonista alto John Tchicai, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett (que trabajó con Ornette Coleman). El propio John Coltrane coprodujo el álbum junto a Bob Thiele.

Este álbum fue también el primer papel de Archie Shepp como líder. Lo sobresaliente de este LP es que se mantiene mejor que casi cualquiera de los discos de Shepp después de tantos años. Esto tiene mucho que ver con la banda que eligió para esta sesión y gracias a las habilidades de arreglo del trombonista Roswell Rudd. La banda de "Four for Trane" está formada por Shepp al tenor, John Tchicai al alto, Rudd al trombón, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett. Una verdadera banda de primer nivel.

Comienza el LP con una versión influenciada por el blues, "Syeeda's Song Flute", el hecho es que Shepp le da a todas las canciones una inclinación hacia el blues. La interpretación es ingeniosa, con la crudeza de todo el asunto siendo sencillo. El arreglo de Rudd del tema "Naima" es asombrosamente hermoso: re-armoniza la pieza para el tono del registro medio de Shepp, quien agrega una etiqueta microtonal en el frente y en el fondo, dislocando la melodía antes de que comience y después de que termine, mientras la mantiene fuera del rango de la consonante en todo momento. El único tema original de Archie Shepp es "Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)". Funciona bien en el contexto de esta banda debido a la destreza solista de todos los miembros, particularmente de Tchicai. Apenas hay melodía, los cambios de clave son acordes con los cambios de tempo y los armónicos son del tipo escala móvil. Y centrándonos en Shepp y en su genio, hace de las canciones suyas.

En resumen, cinco números de tempo rápido y ofreciendo un gran LP de "free style".

Disco recomendado

 
"Four for Trane" es un álbum excelente, original y duradero. Un maravilloso disco de Archie Shepp donde interpreta y rinde homenaje a su mentor con cuatro composiciones de Coltrane, dándoles forma a su propio estilo "avant-garde" y tocando un inspirado saxofón tenor acompañado de una fabulosa banda.

En lo que respecta a los álbumes tributo del jazz, este es un clásico y creo que se debe escuchar, especialmente los fans del jazz. Buscarlo.

Video del tema "Naima":

Tracklist (LP original):

Todas las composiciones son de John Coltrane, excepto donde se indique lo contrario (5):

1."Syeeda's Song Flute" – 8:30
2."Mr. Syms" – 7:41
3."Cousin Mary" – 7:14
4."Naima" – 7:09
5."Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)" (Shepp) – 6:24

Musicos:

• Archie Shepp – saxofón tenor
• Alan Shorter - fliscorno
• John Tchicai – saxofón alto
• Roswell Rudd - trombón, arreglista
• Reggie Workman - contrabajo
• Charles Moffett - batería

TORTOISE - TNT - Album

Mi álbum favorito de la banda estadounidense de post-rock "Tortoise" es su brillante lanzamiento de 1996 "Millions Now Living Will Never Die". Sin embargo, su siguiente disco "TNT" también es un gran LP que quiero llamar tu atención y recomendar.

 

ALBUM: TNT 

 
El tercer disco de estudio de la banda estadounidense de post-rock "Tortoise", publicado en 1998. Después de que Jeff Parker se uniera a la banda en 1996, "Tortoise" grabó "TNT" en el transcurso de un año con el baterista John McEntire como productor, editor y mezcla. Siguiendo trabajos anteriores, los miembros de la banda también compartieron roles instrumentales.

Dejando de lado los sonidos dub y electrónicos (a excepción de los temas más funky-ambient) de su trabajo anterior, "TNT" lleva a la banda hacia una dirección nueva y orgánica con una influencia más pesada tomada del groove, el jazz y la música minimalista.

El álbum ha sido aclamado por la crítica y amantes de la música por su sonido posmoderno. "Tortoise" nunca son demasiado ruidosos ni estridentes en "TNT", aunque la música si es dinámica. Este álbum también funciona como música de fondo suave o para escuchar atentamente con auriculares.

"TNT" fue escrito, grabado y autoproducido por Tortoise (John McEntire). Esto permitió a la banda experimentar libremente, creando piezas a partir de ideas breves y moldearlas en temas complejos y en capas. La incorporación del guitarrista Jeff Parker en 1996 introdujo nuevas texturas y amplió la paleta sonora de la banda. La grabación de "TNT" también aprovechó al máximo la tecnología digital emergente. Utilizando el software ProTools y "Soma Electronic Music Studios", Tortoise tuvo la libertad de explorar infinitas posibilidades de edición, lo que dio como resultado un sonido rico y expansivo. Este cambio tecnológico permitió a la banda crear músicas más ambiciosas con capas y texturas intrincadas.

Cada canción en "TNT" está cuidadosamente elaborada. Hay temas melódicos por todas partes, como con la memorable y relajante línea de guitarra en el corte inicial "TNT" y con "Swung from Gutters" que tiene sonidos aleatorios en la mezcla, mientras que "Ten-Day Interval" tiene una cualidad celestial que utiliza campanas como percusión y el bajo entra con el piano. "The Equator" hace un ruido extraño en el fondo de los ritmos electrónicos de percusión que suenan sobrenaturales e hipnóticos. Otros temas destacados incluyen el número de estilo rock progresivo "The Suspension Bridge at Iguazú Falls", los efectos de sonido del final fuera de control de "Almost Always is Nearly Enough", la naturaleza paciente pero en expansión de "A Simple Way To Go Faster". Escucha a "A Simple Way to Go Faster Than Light That Does Not Work”, los más de ocho minutos de “Jetty” que podría ser otra canción de otro planeta y el magnífico cierre “Everglade ”. En todas las canciones, "TNT" nos muestra destellos de la visión única de la música en general de "Tortoise".

Legado e Impacto:

 
"TNT" marcó un logro significativo para "Tortoise" tras el éxito de su álbum anterior, "Millions Now Living Will Never Die". La confianza de la banda en su dirección musical se vio reforzada por la recepción positiva de los discos anteriores, lo que los llevó a traspasar los límites con "TNT". La duración del álbum y la diversidad de estilos ayudaron a abrir la banda a un público más amplio, presentando a muchos oyentes las posibilidades de la música instrumental y experimental.

Disco recomendado

 
Es una brillante pieza de post-rock, celebrada por su innovadora combinación de géneros, producción y composiciones de alta calidad. El álbum es un testimonio de la creatividad de la banda y su voluntad de explorar nuevos territorios musicales. Sigue siendo un trabajo significativo e influyente, tanto dentro como fuera del género post-rock, que demuestra el poder duradero de la música instrumental para transmitir emoción y complejidad sin palabras.

Definitivamente busca y escucha este LP. Incluso si no eres un gran aficionado al post-rock, o a la música experimental en general, también al jazz, por supuesto, este álbum merece tu tiempo. Realmente es una experiencia, con nuevos sonidos continuos incorporados a la fórmula para mantener todo fresco y atractivo.

No quiero llegar a lo "filosófico", esto es música para la reflexión interior.

Video del tema "Everglade":

Tracklist (LP original):

1.         "TNT" 7:33
2.         "Swung from the Gutters"     5:52
3.         "Ten-Day Interval"     4:44
4.         "I Set My Face to the Hillside"         6:08
5.         "The Equator" 3:42
6.         "A Simple Way to Go Faster Than Light That Does Not Work"     3:33
7.         "The Suspension Bridge at Iguazú Falls"      5:38
8.         "Four-Day Interval"   4:45
9.         "In Sarah, Mencken, Christ, and Beethoven There Were Women and Men"          7:29
10.       "Almost Always Is Nearly Enough"  2:42
11.       "Jetty" 8:21
12.       "Everglade"    4:21

Tortoise (Banda):

• Dan Bitney - intérprete, programación
• David Pajo - intérprete
• Douglas McCombs - intérprete
• Jeff Parker - intérprete
• John Herndon - intérprete, programación
• John McEntire - intérprete, ingeniero de grabación, edición, mezcla

Personal adicional:

Caitlin Hormson
Popahna Brandes – violonchelo
Rob Mazurek - corneta
Sara P. Smith - trombón
Julie Liu - violín

McKINLEY DIXON - Beloved! Paradise! Jazz!? - Album

Aquí te propongo un disco que casi entra en mi lista de "Mejores álbumes de 2023" y que merece una mayor exposición. Un álbum de "música urbana", que fusiona elementos de Jazz Rap, Conscious Hip Hop y Neo-Soul con maravillosos instrumentales y letras. Tiene flow, y bastante.

El artista de rap - hip hop en cuestión es McKinley Dixion.

¿Quién es McKinley Dixon?

 
Un músico de hip hop estadounidense de Richmond, Virginia. El artista ha publicado hasta la fecha los siguientes discos: Who Taught You to Hate Yourself? (2016), The Importance of Self Belief (2018), For My Mama and Anyone Who Looks Like Her (2021) and Beloved! Paradise! Jazz!? (2023).

Deseo destacar en este blog de música el último álbum "Beloved! Paradise! Jazz!?".

 

ALBUM: Beloved! Paradise! Jazz!?

 
El cuarto álbum de estudio del artista hip hop McKinley Dixon, publicado el 2 de junio de 2023, que encuentra al rapero reflexionando sobre su mayoría de edad en la América moderna. Ha sido descrito como un disco de jazz rap, pero está más en línea con el "hip hop consciente". Demostrando que las grandes cosas pueden venir en tamaños pequeños, este es un álbum de duración relativamente corta (28:41) que cuenta con apariciones invitadas de Angelica García, Teller Bank$ & Alfred, Ghais Guevara, Anjimile, Seline Haze y Ms. Jaylin Brown. Al incluir más calidad en un marco de tiempo ajustado de lo que muchos discos logran hacer con el doble de tiempo, Dixon nos ofrece uno de los mejores discos urbanos de 2023.

El título del álbum hace referencia a tres de las novelas de Toni Morrison (una novelista estadounidense): Beloved, Paradise y Jazz. La portada, que presenta un dibujo "estilo cómico" de un niño negro, fue dibujada por el artista Ladon Alex e inspirada por el interés de Dixon en el campo de la animación.

El disco posee una riqueza y una vitalidad que se vuelve más adictiva con cada escucha. Algunas de las instrumentales son realmente geniales. El impresionante trabajo de saxofón en "Live! From The Kitchen Table", o con las cuerdas que se construyen a lo largo de "Sun, I Rise". Hay confianza en el desempeño de Dixon, pero también madurez, y es convincente. Su composición es poética, su entrega fascinante. Incluso con una duración de sólo 28 minutos, "Beloved! Paradise! Jazz!?" contiene una gran cantidad de letras y flows brillantes. McKinley Dixon también muestra su versatilidad en el corte "Mezzanine Tippin'". Que presenta un instrumental oscuro y retumbante que contiene lo que suena como vidrios rotos siendo pateados. El corte "Tyler, Forever" es otro gran ejemplo, que presenta excelentes versos. El tema "Run, Run, Run" es también muy bueno, minimalista, el coro es de lo más destacado, letra "conciencia" sobre el uso de armas en Estados Unidos, la instrumentación de la canción engancha. Sorprendentemente (o no), uno de los mejores momentos de "Beloved! Paradise! Jazz!?" está al terminar. La canción principal es excepcional. Las notas de guitarra, la percusión de jazz, las voces de los niños que aparecen en el último coro y, por supuesto, el increíble trabajo de la invitada Sra. Jaylin Brown.

En general, es un trabajo "directo a la cara" que destaca la excelente composición de Dixon y su estilo expresivo, lo que lo convierte en un viaje musical encantador a través de maravillosos paisajes sonoros.

Disco recomendado

"Beloved! Paradise! Jazz!?" es una obra fascinante de música urbana. McKinley Dixon se ha hecho un hueco destacado en el mundo del rap. Un álbum de esta calidad tiene que ser experimentado por más oyentes. Grandes instrumentales, percusión, lírica y mensaje. Gustará mucho al fan del rap, hip hop y de la música urbana.

Video del tema ""Beloved! Paradise! Jazz!?" (featuring Ms. Jaylin Brown)":

Tracklist:

1.         "Hanif Reads Toni" (con Hanif)        2:23
2.         "Sun, I Rise" (con Angélica García)  3:21
3.         "Mezzanine Tippin'" (con Teller Bank$ & Alfred.)   2:47
4.         "Run, Run, Run"        3:02
5.         "Live! from the Kitchen Table" (con Ghais Guevara) 3:23
6.         "Tyler, Forever"          3:02
7.         "Dedicated to Tar Feather" (con Anjimile)   2:36
8.         "The Story so Far – Interlude"           Dixon  1:06
9.         "The Story so Far" (con Seline Haze)            2:50
10.       "Beloved! Paradise! Jazz!?" (con Ms. Jaylin Brown) 4:07

NATURAL INFORMATION SOCIETY - Since Time is Gravity - Album

Doy cobertura en este blog de música a un interesante disco de jazz de los americanos "Natural Information Society" titulado "Since Time Is Gravity". Compuesto por músicos estrella del jazz, proponen el espíritu del free jazz tipo Coltrane y la influencia del world music tipo Don Cherry que culmina en una experiencia de trance. Creo que los melómanos encontrarán esta una excelente recomendación.

¿Quiénes son la formación "Natural Information Society" (NPR)?

 
Un conjunto de música estadounidense descrito por quienes "saben" como “minimalismo extático”. El grupo se formó en 2010 y está dirigido por el multi-instrumentista y compositor Joshua Abrams. "NPR" califica la formación como un "elemento básico" de la escena musical underground de Chicago.

Los críticos han escrito que las actuaciones de "Natural Information Society" ponen énfasis en lo humano y lo humano en la música en medio de una industria digitalizada galopante.

 

ALBUM: Since Time Is Gravity

 
Un disco del "Natural Information Society Community Ensemble", dirigido por el contrabajista y músico de guimbri, Joshua Abrams. Se grabó el 18 de mayo de 2021 en la Fundación Graham en Chicago, Illinois, y el 24 de agosto de 2021 en Electrical Audio en Chicago, y se publicó en 2023 como un LP doble. Es el séptimo álbum de Joshua Abrams y su "Natural Information Society".

Este es un disco de trance. Joshua Abrams aprovecha la tradición Gnawa y toca el guimbri al estilo de los maestros, apegándose a dos o tres notas punteadas y repetidas que sientan las bases de una música que induce al trance. Dicho de otro modo, un estado de perpetua evolución, en el que las actuaciones a menudo adquieren aires de invocación ritual.

En el álbum, a Abrams se unen los saxofonistas altos Nick Mazzarella y Mai Sugimoto, el clarinetista bajo Jason Stein, los cornetistas Josh Berman y Ben Lamar Gay, la armoniosa Lisa Alvarado, la arpista Kara Bershad, los percusionistas Mikel Patrick Avery y Hamid Drake, y un artista invitado, el saxofonista tenor Ari Brown. El sonido del álbum es inmediatamente acogedor y contagioso, con un fuerte ritmo central que es muy repetitivo, fascinante y edificante. La música avanza como una ola implacable, envuelta por las cálidas capas de la sección rítmica y los vientos.

Como se comentó, "Since Time Is Gravity" tiene sus raíces en el pulso del bajo norteafricano de tres cuerdas del guimbri de Abrams y el zumbido oscilante del armonio de Lisa Alvarado. La formación se expande para incluir una sección de trompetas de seis integrantes y un arpista, agregando una dimensión modal de "big band".

Destacado en este disco es el veterano el saxofonista tenor de Chicago Ari Brown, saliendo de la parrilla rítmica en el corte "Is". Pero es en "Stigmergy", que lleva el nombre de un concepto de acción colectiva, el que mejor resume el extático filosofía de la "Natural Information Society": un solista hipnótico tras otro, incluido Ben Lamar Gay, brillante en la corneta, entrando y saliendo elegantemente de la repetición de sistemas. Otro corte de mención es "Gravity", con un solo espectacular de Ari Brown, échale una escucha.

Resumiendo, la capacidad del conjunto para crear un estado de evolución perpetua en su música, combinada con el uso de prácticas de todo el mundo, da como resultado un disco innovador y profundamente arraigado en la tradición musical.

 

Disco recomendado

 
El conjunto de Joshua Abrams, que reúne a músicos de toda la comunidad de improvisación de Chicago, combina elementos del jazz y la música norteafricana en piezas fascinantes. En "Since Time Is Gravity" cada pieza se desarrolla según los parámetros marcados por los solistas. La música de Abrams se mueve a través del tiempo con gracia, ajustándose a las demandas de cuándo y dónde se interpreta, y quién está involucrado. El asombro que canaliza su música radica en su comprensión de la mutabilidad, rastreando cambios sutiles en patrones repetitivos.

Me parece un gran disco de jazz y una recomendación imprescindible para los seguidores y fans del jazz.

Video del tema "Stigmergy":

Tracklist:

Disc 1:

Cara A

"Moontide Chorus" – 6:41
"Is" – 11:39

Cara B

"Murmuration" – 17:36

Disc 2: 

Cara A

"Wane" – 4:30
"Stigmergy" – 13:05

Cara B

"Immemorial" – 8:11
"Wax" – 3:19
"Gravity" – 7:53

Personal (Músicos):

• Joshua Abrams – contrabajo, guimbri
• Nick Mazzarella – saxofón alto
• Mai Sugimoto – saxofón alto, flauta
• Ari Brown – saxofón tenor
• Jason Stein - clarinete bajo
• Josh Berman - corneta
• Ben Lamar Gay – corneta
• Lisa Alvarado – armonio
• Kara Bershad – arpa
• Mikel Patrick Avery – batería
• Hamid Drake – conga, tabla, tar.

RASHIED ALI & FRANK LOWE - Duo Exchange: Complete Sessions

Voy a resumir y recomendar un disco, "Duo Exchange: Complete Sessions", que es una obra maestra del free jazz. Difícil de digerir por completo para los que no son amantes del jazz, los intérpretes "Rashied Ali" (baterista de John Coltrane) y el saxofonista "Frank Lowe" llevan al oyente y la improvisación al límite. Un 2xLP que ofrece una visión maravillosa del proceso creativo y de cómo dos genios de diferentes estilos pueden crear una obra de arte.

¿Quiénes eran Rashied Ali y Frank Lowe?

Rashied Ali, nacido como Robert Patterson (1 de julio de 1933 - 12 de agosto de 2009) fue un baterista estadounidense de free jazz y de vanguardia, mejor conocido por actuar con John Coltrane en los últimos años de la vida de Coltrane.

Frank Lowe (24 de junio de 1943 - 19 de septiembre de 2003) fue un saxofonista y compositor de jazz de vanguardia estadounidense.

ALBUM : Duo Exchange: Complete Sessions

 
Publicado originalmente en 1972 en "Survival Records", el sello independiente fundado por Ali y el saxofonista Frank Lowe, "Duo Exchange" se encuentra entre las articulaciones más intensas y astutas del dúo de batería y saxofón que quizás jamás se hayan grabado. Ali y Lowe habían estado liderando y tocando con varios grupos después de la muerte de John Coltrane. Estos proyectos incluyeron a hombres que tocaron en el grupo en evolución de Alice Coltrane de 1969 a 1971 y en el cuarteto de Frank Wright en 1972.

Las sesiones de grabación originales de "Duo Exchange" se cortaron en el estudio de Marzette Watts en Nueva York; fue el comienzo de su asociación. Publicado originalmente sólo como un LP único, son menos de la mitad de la música de las sesiones originales.

Las reediciones posteriores (muchas de ellas ya pirateadas) se redujeron aún más. En 2020, Survival Records editó un álbum doble ampliando el titulado "Duo Exchange: Complete Sessions". Producida por Patricia Ali (viuda del baterista), George Schuller y Ben Young, esta versión doble LP es histórica y contiene toda la música grabada de la ya mencionada sesión.

El álbum original de 1972 está en el disco uno, mientras que el segundo disco contiene las pruebas de sonido agregadas en 2020; tomas alternativas, ensayos, charlas de estudio y tomas completas de varios movimientos.

En Disc 1, la toma de "Movement I" comienza con un tema furioso y repetitivo que rápidamente comienza a desarrollarse en espiral, mientras Ali aborda toda la profundidad y amplitud de la técnica polirrítmica entrecruzada que atrajo a Coltrane hacia él en primer lugar, mientras Lowe, un improvisador extremadamente capaz cuyo sentido de la melodía es mucho más atento e intuitivo que muchos de sus compañeros, lo sigue hasta la cornisa, pero mantiene la música firme al ofrecer temas, declaraciones y variaciones en la vorágine proyectiva y arremolinada. Los solos de Ali en "Movement I" y "Movement III", por intensamente físicos y dominantes que sean, nunca resultan excesivos; están llenos de un intenso enfoque y sentimiento. El tenor de Lowe 's, que juega con su tono grueso y granulado, prefiere breves declaraciones de percusión a largas especulaciones.

Las discusiones y calentamientos del Disc 2 completan el retrato del álbum original (Disc 1).

 

"Duo Exchange: Complete Sessions" es free jazz, pero también es el intercambio de opiniones que sugiere el título, un torbellino de intercambios rítmicos, Frank Lowe hace pausas frecuentes para respirar la energía frenética de la batería de Ali y luego un enorme vibrato a todo volumen vuelve hacia él. Ali domina la mayor parte del tiempo de ejecución, y Lowe reserva su energía para juegos e intercambios. Ambas piezas son más o menos similares en estructura y ambas constituyen una especie de asalto a los sentidos, como ocurre con la mayor parte del gran free jazz.

El guitarrista de "Sonic Youth", Thurston Moore, incluyó este álbum en su lista "Top Ten From The Free Jazz Underground", publicada por primera vez en 1995 en el segundo número de la desaparecida "Grand Royal Magazine", y escribió:

"Duo Exchange es Rashied y Frank van completamente y simplemente quemando notas y acordes dondequiera que puedan encontrarlos. Totalmente enfermo".

Esta recomendación de Moore contribuyó a abrir el 2xLP a una audiencia más amplia y a elevar la reputación del álbum como uno de los LP de free jazz más venerados.

 

Disco Recomendado

 
El sonido de "Duo Exchange: Complete Sessions" es impresionante gracias a la mezcla y masterización de Joe Lizzi. Es free jazz feroz, agresivo y espiritual. No hay un momento de descanso en este álbum. 

Para los fans es una visión del trabajo en progreso de la sesión, incluso las conversaciones son esclarecedoras. Para los oyentes de hoy es una visión reveladora, como un "making of" de una obra maestra (de jazz). Una verdadera joya para melómanos.

Video del tema "Movement I: Master Take":

Tracklist:

Música de Rashied Ali y Frank Lowe.

Disc 1:

1. Movement I: Master Take
2. Movement II: Rehearsal/Breakdown
3. Movement II: Master Take
4. Movement II: Complete Alternative Take
5. Rashied's Instructions
6. Movement III: Master Take
7.Movement III: Discussion With Watts
8. Movement IV: Master Take

Disc 2:

1. Movement III: Soundcheck Fragments
2. Movement III: Complete Alternative Take
3. Movement III: Discussion Among Ali, Lowe, Watts
4. Movement III: Complete Alternative Take
5. Movement III: Warmup Fragments and Incomplete Rehearsal Take
6. Movement III: Rehearsal/Soundcheck Take
7. Movement V: Two Soundcheck Fragments
8. Movement V: Complete Take
9. Movement I: Incomplete Take
10.Movement I: Alternative [Short] Take

CHARLES GAYLE - Repent - Album

Me gustaría acercar a los aficionados al jazz y a los melómanos a un músico que llevó el free jazz y la improvisación al límite. Una persona que tiene una historia humana interesante y que encontró la fama relativamente tarde en su vida profesional.

Charles Gayle es un héroe de culto del jazz underground por su inquebrantable lealtad a la improvisación totalmente libre y llena de energía que mejor se encuentra en el álbum de 1992 "Repent".

Un disco que no es para todos, incluso para muchos aficionados al jazz, que es un viaje espiritual y una exploración musical a través del arte del jazz libre e improvisado. Un asalto sonoro extravagante que vamos a descubrir juntos.

 

¿Quién era Charles Gayle?

 

Brevemente, Charles Gayle fue un músico de "free jazz" estadounidense. Inicialmente conocido como un saxofonista que saltó a la fama en la década de 1990 después de décadas de oscuridad. Hay historias de tener que tocar en la calle para sobrevivir. Charles Gayle también actuó como pianista, clarinetista bajo, bajista y percusionista. La música de Gayle es espiritual y está fuertemente inspirada en el Antiguo y el Nuevo Testamento.

Charles Gayle murió en Brooklyn, Nueva York, el 5 de septiembre de 2023, a la edad de 84 años.

 

ALBUM: Repent

 
Publicado en diciembre de 1992, este disco tiene sólo dos canciones grabadas en vivo, con la colaboración de F. Vattel Cherry/Hilliard Greene en el bajo y David Pleasant en la batería. Gayle lleva aquí el free jazz a sus extremos; su forma de tocar en este LP es explosiva y feroz. Incorpora técnicas extendidas como multifónica, respiración circular y vocalizaciones en sus líneas de saxofón, produciendo un sonido primario y desquiciado. A veces suena como si estuviera sacando demonios del instrumento. Sin embargo, también hay una cualidad espiritual en su forma de tocar, como si estuviera canalizando una fuerza superior. El título del álbum "Repent" (Repentir) adquiere una resonancia adicional en este contexto.

La historia cuenta que Charles Gayle era un saxofonista vagabundo que se ganaba la vida tocando en la calle de la ciudad de Nueva York. Su intento de triunfar en la escena del free jazz de finales de la década de 1960 no tuvo éxito y, aparentemente, incluso grabó un LP con el sello "ESP" justo cuando quebraron.

Su gran oportunidad llegó en 1988, cuando grabó tres álbumes para el sello "Silkheart" en una larga sesión de un día. Sin embargo, fue con "Repent" que se convirtió en una figura célebre y famosa del jazz, y con razón.

En un mercado del jazz inundado por el jazz fusión, el jazz neo clásico o neo-tradicional y el soft jazz comercial, el enfoque catártico de Gayle debe haber parecido extraordinario. Acercándose lo más posible a la definición literal de free jazz, los dos únicos temas de Repent, "Repent" y "Jesus Christ and Scripture", apenas ofrecen la estructura que la mayoría de las canciones y los músicos que las interpretan necesitan para ser interpretadas.

Abarcando toda la gama del saxofón tenor, desde graznidos de boquilla hasta bajos y retumbos, Gayle y su grupo se comprometen enérgicamente a que la música tome su propio camino. El baterista David Pleasant golpea con abandono, y el bajista Vattel Cherry, al que se une Hilliard Greene, logran seguir el ritmo.

Veinte minutos después de "Repent", hay un solo de bajo que es tan convincente que produce lo que quizás sea el mayor crescendo de todo el jazz. "esus Christ and Scripture" dura cincuenta minutos y de alguna manera estos músicos tienen la energía para tocar todo el tiempo.

Algunos han denominado esta música como "jazz energético". Además, hay una mezcla singular de espiritualidad y agresión en la música que normalmente parece incompatible en manos de artistas menos capaces. Las acrobacias y la resistencia del saxofón de Gayle son asombrosas.

Disco recomendado

 
Después de escuchar atentamente, la falta de repetición y trucos es algo notable. Sin embargo, "Repent" no es para todos. Algunos fans lo han encontrado algo doloroso debido a sus intensas e implacables improvisaciones. El estilo de Gayle, que combina elementos de "Ornette Coleman" y "John Zorn", puede ser abrumador, con notas ardientes que van desde chillidos hasta bocinazos pronunciados en rápida sucesión.

Dicho esto, "Repent" es ampliamente considerado como uno de los álbumes esenciales del estilo de free jazz. Capta al artista en un entorno trascendente en vivo, canalizando una energía primordial a través de su saxofón. Su crudeza, intensidad y espiritualidad siguen cautivando a los oyentes de hoy.

Y termino, en el género del free jazz este es un disco único, especial y sorprendente.

Video del tema "Repent":

Tracklist:

1. Repent 23:44
2. Jesus Christ and Scripture 50:36

ORNETTE COLEMAN - The Shape of Jazz to Come - Album

Uno de los más grandes músicos de la historia del jazz y uno de sus álbumes que revolucionó el género. Hablo de...

Ornette Coleman (Jazz)

Randolph Denard Ornette Coleman fue un saxofonista, violinista, trompetista y compositor de jazz estadounidense conocido como uno de los principales fundadores del género "Free Jazz", un término derivado de su álbum de 1960 "Free Jazz: A Collective Improvisation". Sus actuaciones abandonaron la estructura acorde y basada en la armonía que se encuentra en el bebop, y en su lugar enfatiza la improvisación.

Colemen fue simultáneamente una de las figuras más queridas y polarizadoras de la historia del jazz. Aunque ahora se lo celebra como un innovador y un genio, inicialmente sus compañeros y críticos lo consideraban rebelde, disruptivo e incluso un fraude. Después de ser asaltado y de que músicos de jazz hostiles le rompieran la bocina, cambió al saxo alto de plástico blanco que se convirtió en su sonido-marca personal. Las composiciones de Coleman desde "Lonely Woman" hasta "Snowflakes and Sunshine" liberaron al jazz de cambios de acordes y de ritmos fijos.

Una breve historia:

Ornette Coleman nació el 9 de marzo de 1930 en Fort Worth, Texas. Desde sus inicios siempre estuvo presente en su música su afán por cambiar e improvisar lo que acarrea problemas. En 1949 en Baton Rouge, Louisiana, fue asaltado y su saxofón fue destruido por "fans-músicos" de jazz enfadados con su propuesta musical. ¿Demasiado radical? Quién sabe realmente, el deseo de Coleman para "romper" las normas establecidas inflamó a otros. 

Después de varias incidencias cambió al saxofón alto (y a un "saxo de plástico"), que siguió siendo su instrumento principal. Se movió mucho entre formaciones de jazz y finalmente fue a Los Ángeles donde encontró músicos de ideas afines como Ed Blackwell, Bobby Bradford, Don Cherry, Charlie Haden, Billy Higgins y Charles Moffett. Grabó su álbum debut, "Something Else!!!!" (1958), con Cherry, Higgins, Walter Norris y Don Payne, al que siguió poco después con los LPs "Tomorrow Is the Question!" y "The Shape of Jazz to Come"; los tres sacudiendo el mundo del jazz con la música "extraña" (de otro mundo) de Coleman. Sin embargo, según el crítico musical Steve Huey, el álbum "The Shape of Jazz to Come"... "fue un hito en la génesis del jazz de vanguardia".

Las reacciones fueron mixtas. Miles Davis odiaba la música de Coleman (Miles cambió de opinión más tarde), pero a Leonard Bernstein, Sonny Rollins y John Coltrane les encantaba. Charles Mingus afirmó que no lo entendía, pero de todos modos se sintió conmovido. Roy Eldridge estuvo entre los críticos más duros; llamó a la música de Coleman "fraudulenta". La revolución en el Jazz había comenzado y el "Free Jazz" ahora era una corriente que otros tomarían y desarrollarían aún más, tanto que los trabajos iniciales de Coleman ahora suenan dóciles y es difícil de entender de qué se trataba todo el alboroto.

Siguiendo con su espíritu revolucionario, a principios de la década de 1970, Coleman formó el grupo "Prime Time" para explorar el funk y su concepto de "música armolídica". Ahora es considerado históricamente como uno de los más grandes de la música Jazz.

Coleman murió a la edad de 85 años el 11 de junio de 2015. A continuación una lista de su álbumes de estudio y premios:

Discografía (no incluye compilaciones y directos):

• Something Else!!!! (Contemporary, 1958)
• Tomorrow Is the Question! (Contemporary, 1959)
• The Shape of Jazz to Come (Atlantic, 1959)
• Change of the Century (Atlantic, 1960)
• This Is Our Music (Atlantic, 1961)
• Free Jazz (Atlantic, 1961)
• Ornette! (Atlantic, 1962)
• Ornette on Tenor (Atlantic, 1962)
• Chappaqua Suite (Columbia, 1966)
• The Empty Foxhole (Blue Note, 1966)
• New York Is Now! (Blue Note, 1968)
• Love Call (Blue Note, 1971 [1968])
• Science Fiction (Columbia, 1972)
• Skies of America (Columbia, 1972)
• Dancing in Your Head (A&M, 1977 [1973-75])
• Body Meta (Artists House, 1978)
• Soapsuds, Soapsuds (Artists House, 1978)
• Of Human Feelings (Antilles, 1982 [1979])
• Song X (Geffen, 1986)
• In All Languages (Caravan of Dreams, 1987)
• Virgin Beauty (Portrait, 1988)
• Naked Lunch (Milan, 1992)
• Tone Dialing (Harmolodic/Verve, 1995)
• Sound Museum: Hidden Man (Harmolodic/Verve, 1996)
• Sound Museum: Three Women (Harmolodic/Verve, 1996)

Premios y honores:

• Down Beat Jazz Hall of Fame, 1969
• MacArthur Fellowship, 1994
• Praemium Imperiale, 2001
• Dorothy and Lillian Gish Prize, 2004
• Honorary doctorate of music, Berklee College of Music, 2006
• Grammy Lifetime Achievement Award, 2007
• Pulitzer Prize for music, 2007
• Miles Davis Award, Festival International de Jazz de Montréal, 2009

Los siguientes álbumes son mencionados como los primeros en crear la rama "Free Jazz (Avantguard Jazz)": "Something Else!!!!" (1958), "Tomorrow Is the Question!" (1959), "The Shape of Jazz to Come" (1959), "Change of the Century" (1960), "This Is Our Music" (1961) y "Free Jazz" (1961). Como puedes ver todos están grabados en un espacio de tres años, lo cual es algo impresionante. Cualquiera de los álbumes mencionados gustara, sin embargo, si buscas los mejores discos, además de "Free Jazz" y "Change of the Century", "The Shape of Jazz to Come" se considera en gran medida un cambio de paradigma en jazz y el álbum principal para escuchar. 

 

ALBUM: The Shape of Jazz to Come

 
El tercer álbum publicado en 1959, y el primer LP con el cuarteto más estable incluido él mismo, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. En 2012, la "Biblioteca del Congreso" de los EE. UU. agregó el álbum al "Registro Nacional de Grabaciones". El álbum fue incluido en el "Salón de la Fama de los Grammy" en 2015.

Este álbum fue una revolución en el jazz. El disco hizo añicos los conceptos tradicionales de armonía al deshacerse no solo del pianista sino de toda la idea de los cambios de acordes concretamente definidos. Las piezas de este disco casi no siguen una estructura armónica predeterminada, lo que permite a Coleman y Don Cherry la libertad de llevar las melodías de sus líneas solistas a donde les apetezcan ir en ese momento, independientemente de cuál haya parecido ser el centro tonal de la pieza. En su momento, Coleman rompió varias de las reglas de oro del jazz y causó un auténtico alboroto entre los "puristas" que con el tiempo se fue diluyendo, ya que otros llegaron más tarde para evolucionar el "Free Jazz" más allá de lo que Coleman se aventuraba. Ahora es difícil ver qué fue lo que causó tanta controversia en el momento del lanzamiento de "The Shape of Jazz to Come". El oído moderno apreciará las composiciones de Coleman que se adhieren a patrones y estructuras relativamente formales, y muchas de ellas incluso tienen un "swing" subyacente que parece pegadizo y no muy vanguardista. Pero, en su momento, improvisar libremente sin tener en cuenta los acordes, fue revolucionario. Esta es una de las principales razones por las que este disco se erige como un hito en la historia del jazz.

Otra característica es el sonido de Coleman que tocaba un saxofón "Grafton" de plástico, lo que contribuía a la aspereza de su timbre. Acuñó el término "harmolodic", una combinación de armonía, movimiento y melodía. Un sonido único y asociado casi exclusivamente a Coleman.

La decisión de eliminar el piano de su cuarteto fue determinante ya que permite a Coleman y Cherry interpretar opuestos, mientras que en otros momentos fluyen hacia la sincronicidad. Una libre elección que no se disuelve en la abstracción y el caos. Hay estructura, y melodía. Tanto es así, que te encontrarás moviendo los pies con las canciones, lo que a veces no es común con otros álbumes de "Free Jazz". Además, Charlie Haden está magnífico al bajo en este disco, algo que hay que mencionar. El material es excelente, incluido el estándar "Lonely Woman", el caos organizado de "Eventually" y "Peace", que es simplemente genial.

El salto evolutivo en el jazz realizado con este álbum, ya sea por la falta de instrumentos de acordes o por el sonido único y el estilo de interpretación de Ornette, son buenos incluso en su estado más básico. Contiene una parte de la música más maravillosamente improvisada y escrita del jazz; el tono agudo y la improvisación creativa de Ornette, los cálidos sonidos de corneta y las habilidades de armonización de Don Cherry, la habilidad de Charlie Haden con las líneas de bajo y los acordes puntuados y la elección de notas, y por último, pero no menos importante, la percusión constante y la habilidad con el tempo de Billy Higgins; todos son excepcionales. Puede que todo se trate de improvisación, pero el hecho es que la química entre los miembros del cuarteto es lo que hace de "The Shape of Jazz to Come" una grabación clásica de jazz. 

Un disco recomendado. Cualquier comprensión del "Free Jazz" debería comenzar aquí. Este álbum ayudó a sentar las bases sobre las que se construiría gran parte del jazz de vanguardia posterior. Una obra esencial para los amantes del jazz sin lugar a dudas.

Video del tema "Lonely Women":

Tracklist: (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Lonely Woman"        4:59
2.         "Eventually"   4:20
3.         "Peace"           9:04

Cara B:

1.         "Focus on Sanity"       6:50
2.         "Congeniality"            6:41
3.         "Chronology"   6:05

Músicos:

• Ornette Coleman – saxófon alto
• Don Cherry – corneta
• Charlie Haden – bajo
• Billy Higgins – batería