AL GREEN - Let´s Stay Together - Album

Quiero recomendar a un maravilloso cantante de soul, AL GREEN y su disco de 1972 "Let´s Stay Together". Una magistral pieza que definió el lado más "dulce" de la música soul y ahora un clásico de la música negra americana de los años 70 (siglo xx).

 

¿Quién es el cantante Al Green?

 
Albert Leornes Greene, conocido profesionalmente como "Al Green", es un cantante, compositor, pastor y productor discográfico estadounidense mejor conocido por grabar una serie de sencillos súper exitosos de soul a principios de la década de 1970. Después de que su novia se suicidara, Green se ordenó pastor y se dedicó a la música gospel, aunque volvió a grabar música más secular.

Al Green fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1995. En el sitio del museo se hacía referencia a él como "uno de los cantantes de música soul más talentosos". También se le ha conocido como "El último de los grandes cantantes de soul".

Su discografía es muy, muy larga, pero es su LP de 1972 "Let´s Stay Together" el que le dio la fama mundial y es, para mí, su mejor disco.

 

ALBUM: Let's Stay Together

 

Este es el cuarto disco de estudio del cantante de soul Al Green publicado en 1972. Un éxito comercial, alcanzó el puesto número ocho en la lista de álbumes pop y se convirtió en el primero de seis álbumes consecutivos de Al Green en alcanzar el número uno en la lista de álbumes de soul.

Este LP es mejor conocido por su canción principal, "Let 's Stay Together", que se convirtió en la canción característica de Green y su único single pop número uno. Producido por Willie Mitchell, este álbum también marcó el comienzo del período clásico de álbumes aclamados por la crítica de Green.

Este álbum convirtió a Al Green en una estrella entre los cantantes de soul contemporáneos como Marvin Gaye e Isaac Hayes. Ofrece un sonido soul áspero y suave, inspirado en gran medida en el sonido "Stax/Atlantic Memphis" de los años 60 (en particular, Otis Redding), pero con una sensación más dulce y tenue tanto en la producción como en las letras, donde la voz de Al Green y su material íntimo, sensual y romántico es ideal.

Antes de este álbum, Al Green nunca tuvo un éxito número uno. La canción principal, el ahora clásico "Let 's Stay Together", logró ese estatus y lo mantuvo durante nueve semanas consecutivas. Los susurros, los gritos animados y los riffs del dinámico cantante de soul realzan su ya conmovedora interpretación. El LP se vendió gracias a esta canción principal mencionada. Sin embargo, el disco incluye la otra joya "How Can You Mend a Broken Heart" y bellezas menos conocidas como "Judy", "I Never Found a Girl" y el número de blues "It Ain't No Fun to Me". Al Green y su socio creativo Willie Mitchell grabaron estas selecciones con lúcidos arreglos rítmicos complementados con delicados rasgueos de guitarra y algunos instrumentos de viento implacables.

En general, este álbum elimina la instrumentación funk habitual y reemplaza muchos de los instrumentos con instrumentos jazz y de cuerda. Esto le permitió a Al Green brillar más notablemente con su voz poderosa y apasionada y su excelente composición.

 

Disco recomendado

 
"Let 's Stay Together" es donde Al Green consiguió su gran oportunidad para convertirle en una estrella. Este es uno de esos discos de soul clásicos que es de naturaleza trascendente por su sonido único y por cómo conecta a un nivel más profundo. Una obra mágica, justo en la cima de lo que fue una época gloriosa para la música afroamericana. Un disco imprescindible del género soul (soul sureño) que se ha convertido en una obra atemporal de la música negra; mejor dicho, música universal.

Si sólo experimentas un álbum de AL GREEN, entonces este es el indicado.

Video del tema "Let´s Stay Together":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1."Let's Stay Together" (Green, Al Jackson, Jr., Willie Mitchell) – 3:18
2."La-La for You" (Green, Mitchell) – 3:31
3."So You're Leaving" – 2:57
4."What Is This Feeling" – 3:42
5."Old Time Lovin'" – 3:19

Cara B:

11."I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)" (Eddie Floyd, Alvertis Isbell, Booker T. Jones) – 3:41
2."How Can You Mend a Broken Heart" (Barry Gibb, Robin Gibb) – 6:22
3."Judy" – 3:47
4."It Ain't No Fun to Me" – 3:23

Ficha:

Voz:

• Al Green - voz
• Charles Chalmers, Donna Rhodes, Sandra Rhodes - coros, arreglos

Sección de ritmo:

• Howard Grimes - batería
• Al Jackson Jr. - batería
• Leroy Hodges - bajo
• Charles Hodges - órgano, piano
• Teenie Hodges - guitarra

Sección de instrumentos de viento:

• Wayne Jackson - trompeta
• Andrew Love – trompa, saxofón tenor
• Ed Logan - trompa, saxofón tenor
• James Mitchell - bajo, saxofón barítono [ambiguo], arreglos
• Jack Hale, Sr. - trombón

Personal adicional:

• Willie Mitchell - productor, ingeniero de sonido.

JOHN LEE HOOKER - That´s My Story - Album

Aunque el bluesman John Lee Hooker es más recordado como uno de los gigantes del blues eléctrico, tiene algunos trabajos acústicos destacados que ofrecen un estilo de blues más crudo, orgánico y en la línea de folk.

Uno de esos discos es "That 's My Story", obra que quiero recomendar a los lectores melómanos. Sin embargo, antes de hacerlo, será útil un breve "repaso" del músico, especialmente para el lector más joven.

¿Quién era el bluesman John Lee Hooker?

 
Cantante, compositor y guitarrista de blues estadounidense. Hijo de un aparcero, saltó a la fama interpretando una adaptación al estilo de guitarra eléctrica del blues Delta que desarrolló en Detroit. Influenciado por Blind Lemon Jefferson, Charley Patton y Blind Blake, Hooker también incorporó otros elementos, incluido el blues parlante y el blues de las colinas del norte de Mississippi. Desarrolló su sonido único de estilo boogie con ritmo de conducción, lo que le llevó al lema "rey del boogie sin fin". Sus ritmos monótonos, hipnóticos y de un solo acorde eran impulsivos, primitivos y ahora son atemporales.

Algunas de sus canciones más conocidas incluyen "Boogie Chillen'" (1948), "Crawling King Snake" (1949), "Boom Boom" (1962) y "One Bourbon, One Scotch, One Beer" (1966). John Lee Hooker fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues" en 1980 y en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1991.

Según la lista de 2015 de los 100 mejores guitarristas de la revista de música estadounidense "Rolling Stone", Hooker ocupó el puesto 35.

John Lee Hooker murió el 21 de junio de 2001, y para entonces su estatura como icono cultural estadounidense estaba firmemente establecida.

 

ALBUM: That's My Story

 
Grabación del músico de blues estadounidense John Lee Hooker, publicada en 1960 por "Riverside Records". El álbum fue grabado en una sola sesión el 9 de febrero de 1960 y fue producido por Orrin Keepnews (conocido también por su trabajo en LPs de jazz) y con la sección rítmica del grupo del saxofonista "Cannonball Adderley", que incluía al bajista Sam Jones y al baterista Louis Hayes.

La presencia del productor Orruns Keepnews tiene un impacto directo sobre este LP. Tenía una visión de country blues acústico para Hooker, y que "That 's My Story" tendría un enfoque crudo y sencillo; sin guitarra eléctrica, sin distorsión y sin singles dirigidos a oyentes de rock n roll.

Desde temas aleccionadores como "Gonna Use My Rod" hasta el estilo gospel "One of These Days", las actuaciones de Hooker son de nivel. Como ya se menciona, la mayor parte del tiempo, lo acompañan dos destacados músicos de jazz, el bajista acústico Sam Jones y el baterista Louis Hayes, ambos parte del legendario grupo de músicos de jazz "Cannonball Adderley". Dicho esto, el bluesman no está acompañado por dichos músicos en algunas canciones, incluida la canción autobiográfica que da título al álbum y el tema político "Democrat Man".

La forma de tocar la guitarra y la voz de John Lee Hooker se caracterizan por la repetición y la intensidad, creando un sonido que está profundamente arraigado en el ritmo. Su estilo es una transposición del anterior estilo de piano boogie-woogie a la guitarra, creando un tipo de blues minimalista que a veces resulta hipnótico.

En resumen, "That 's My Story" es una oferta minimalista y sin grandes sorpresas, relacionada con el "credo de vida" de John Lee Hooker. Es una representación honesta y realista de las experiencias del músico de blues, centrándose en su narración personal más que en las exigencias comerciales.

Disco recomendado

Si bien "That 's My Story" no llega a ser un LP de esos "esenciales", es un álbum sólido y gratificante. Podría haber elegido media docena de otros títulos, más eléctricos y más orientados al rock n roll, pero elegí este para presentar otro aspecto del talento de John Lee Hooker.

Si eres fans del blues o simplemente un seguidor de la gran "narración" del blues acústico, esto es genial. Cualquiera que desee conocer al bluesman encontrará que este es un excelente punto de partida, antes de lanzarse al material más electrizante.

Video del tema "I Need Some Money":

Tracklist:

1."I Need Some Money" – 2:25
2."Come on and See About Me" – 3:06
3."I'm Wanderin'" – 5:12
4."Democrat Man" – 3:27
5."I Want to Talk About You" – 3:02
6."Gonna Use My Rod" – 4:20
7."Wednesday Evenin' Blues" – 3:34
8."No More Doggin' " – 2:42
9."One of These Days" – 4:05
10."I Believe I'll Go Back Home" – 3:42
11."You're Leavin' Me, Baby" – 3:51
12."That's My Story" – 4:34

Musicians:

• John Lee Hooker – guitar, vocals
• Sam Jones – bass
• Louis Hayes – drums
  

Tecnicos:

Orrin Keepnews - producer,
Jack Higgins – sound engineer.

RUN-D.M.C - Album (1984)

Así lo afirmó el crítico musical "Stephen Thomas Erlewine": "más que cualquier otro grupo de hip hop, "Run-D.M.C." son responsables del sonido y el estilo de la música hip hop". Aunque estoy de acuerdo en parte tendría que añadir otros nombres como "Grandmaster Flash" y "The Sugarhill Gang" para estar más cómodo con la afirmación.

La revista americana "Rolling Stone" añade a los elogios "...el trío ayudó a cambiar el rumbo de la música popular, allanando el camino para la segunda generación del rap" (2015 Rolling Stone).

Tantas alabanzas hay que dedicar un post en este blog de música y recomendar el disco que lo empezó todo. El nacimiento del hip hop incondicional. Posiblemente el primer LP clásico de hip hop, el disco homónimo de 1984 titulado "Run-D.M.C".

 

ALBUM: Run-D.M.C

 
El disco de estudio debut del grupo estadounidense de rap hip-hop "Run-D.M.C"., editado el 27 de marzo de 1984. El álbum fue producido principalmente por Russell Simmons y Larry Smith. El LP se convirtió en el primer álbum de rap certificado como "Oro" por la RIAA. El álbum incluye cinco hits de "Billboard": "It 's Like That", "Hard Times", "Rock Box", "30 Days" y "Hollis Crew". El primer sencillo de este álbum, "It 's Like That", lanzado el 10 de agosto de 1983, abrió una nueva página en la historia del hip-hop con un tono de protesta social (desempleo, inflación etc.). Muchos consideran que "It 's Like That" es la primera canción de rap hardcore y la primera grabación de hip-hop de la nueva escuela.

De ahí que este álbum sea considerado por especialistas y muchos fans como uno de los mayores logros del Hip-Hop. El impacto de "Run-D.M.C." en el Hip-Hop y la música en general se puede sentir hasta el día de hoy, y este álbum es una de las razones principales. La música atemporal sólo puede llamarse así si se mantiene décadas después, y este álbum no sólo se mantiene bien, sino que es tan poderoso ahora como cuando se editó por primera vez.

"Run-D.M.C." expandió su música haciéndola dura y simple, principalmente adaptando el sonido y la actitud del hard rock al hip-hop. Antes de esto, el rap sonaba con ritmos funky y elásticos, todo relacionado con el ritmo. "Run-D.M.C." golpea duro, la producción es mínima, construida sobre implacables cajas de ritmos y los furiosos scratching de Jam Master Jay, mezclando un riff de guitarra o un golpe de teclado en los momentos correctos. Es música callejera, y los atuendos, rimas contundentes y musculosas combinan con la música.

Canciones:

Aquí hay algunos cortes destacados para darte una idea rápida del contenido:

• "Rock Box": destaca por su fusión de hip-hop con el hard rock, presentando un riff de guitarra eléctrica de Eddie Martinez. Fue una de las primeras canciones de rap en incorporar elementos del rock,
  
  
• "Sucker M.C.'s": considerada como una de las primeras canciones "diss" del hip-hop, esta canción muestra el estilo de confrontación y la entrega segura de Run y DMC.
  
  
• "It 's Like That": la primera canción de rap hardcore y una representación del hip-hop de la nueva escuela, este corte establece un tono de protesta social,
  
  
• "Wake Up": ofrece un vistazo a un sueño utópico, que contrasta con las duras realidades representadas en otras canciones del álbum. Sirve como un llamado a la unidad y al cambio, añadiendo profundidad a la gama temática del disco,
  
  
• "Hard Times": profundiza en el comentario social, reflexionando sobre las circunstancias desafiantes y las dificultades que enfrentan muchos. Sus letras conmovedoras y su tono reflexivo contribuyen a la diversidad de temas del álbum.

Estas destacadas canciones del álbum "Run-DMC" no sólo destacan la versatilidad de la formación sino que también demuestran su impacto en la configuración del sonido y la dirección de la música hip-hop.

Este álbum también estableció en la comunidad del rap el concepto de hacer álbumes completos, algo que no muchos MC de primera generación hacían, ya que principalmente lanzaban solo sencillos. También es un elemento básico del rap rock y el hip hop en el que grupos como "Boogie Down Productions" y "Public Enemy" moldearán más tarde sus estilos.

En resumen, todo esto, la música, la actitud, las palabras, los temas, marcó un punto de inflexión para el rap, y es imposible calcular la influencia de Run-D.M.C. en todo lo que vino después. Años más tarde, parte de la producción puede sonar un poco de su época, pero la música en sí no lo es, porque una música tan poderosa y original siempre conserva su impacto y fuerza como música.

 

Disco recomendado

 
Este es un gran álbum. Suena un poco anticuado en algunas partes, pero mucho menos que básicamente cualquier otro álbum de rap que he escuchado de principios de los 80 (siglo xx). Los fans del hip-hop deberían conocer esta importante pieza de la historia tan icónica e innovadora. También son sólo unos 40 minutos, para el oyente más joven y más "impaciente".

Por último, mi disco favorito personal de todos los de Run DMC es "Raising Hell" (1986), mientras que su segundo LP "King of Rock" (1985) es muy bueno. Quizás quieras buscar estos dos álbumes mencionados después de escuchar "Run-D.M.C".

Video del tema "It's Like That":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Hard Times"              3:52
2.         "Rock Box"                           5:30
3.         "Jam-Master Jay"        (sample: "Scratchin'" by Magic Disco Machine)       3:11
4.         "Hollis Crew (Krush-Groove 2)"                              3:12
5.         "Sucker M.C.'s (Krush-Groove 1)" (sample: "Live at the Disco Fever" by Lovebug Starski)         3:09

Cara B:

1.         "It's Like That"           4:50
2.         "Wake Up"                 5:31
3.         "30 Days"                   5:47
4.         "Jay's Game"              4:25

Músicos:

• Jam Master Jay – percusión, teclados
• Darryl McDaniels "D.M.C." – voz
• Joseph Simmons "Run" o "Rev Run" - voz

Eddie Martínez - guitarra

Producción:

• Orange Krush - compositor
• Russell Simmons - productor
• Larry Smith - productor
• Rod Hui - productor/ingeniero de sonido

PROCOL HARUM - Procol Harum - Album

La historia de la música rock está llena de historias (eventos) en los que una canción es más popular que la banda que la compuso y la interpretó. Un caso así es el de la banda inglesa "Procol Harum" y su éxito mundial y canción más reconocida "A Whiter Shade of Pale".

Seguro que conoces el tema en cuestión. Quiero llamar tu atención sobre el grupo responsable de dicha canción y el álbum donde aparece. Un buen disco de finales de los 60 que merece más reconocimiento junto con la banda.

 

¿Quiénes eran el grupo Procol Harum?

 
Procol Harum fue una banda de rock inglesa formada en Essex en 1967. Su grabación más conocida es el single de 1967 "A Whiter Shade of Pale", uno de los pocos sencillos que ha vendido más de 10 millones de copias. Aunque Procol Harum destaca por su influencia barroca y clásica, la música del grupo se describe como rock psicodélico y proto-progresivo con toques de blues, R & B y soul.

En 2018, la banda fue honrada por el "Salón de la Fama del Rock and Roll" cuando "A Whiter Shade of Pale" fue incluido en la nueva categoría de Singles. Como ya mencionado este single es histórico.

 

ALBUM: Procol Harum

 
Este es el álbum debut de estudio de la banda de rock inglesa Procol Harum. Fue publicado en septiembre de 1967 en los EE. UU., tras su gran canción e inmensamente popular sencillo "A Whiter Shade of Pale". Esta canción no aparece en la versión británica del álbum. Todas las canciones fueron acreditadas originalmente a Gary Brooker (música) y Keith Reid (letra), excepto "Repent Walpurgis" escrita por Matthew Fisher, basada en obras del organista francés Charles-Marie Widor y el compositor alemán Johann Sebastian Bach.

Los críticos han descrito "Procol Harum" como un álbum de pop-rock inteligente, artístico y psicodélico con muy buenos músicos. Si bien no se considera el "primer álbum progresivo" de la historia, ha atraído la atención a lo largo de los años y ayudó a forjar muchos fans de Procol Harum. Con el tiempo, "Procol Harum" se considera uno de los mejores álbumes de rock progresivo de todos los tiempos, uno de los álbumes debut más impresionantes de todos los tiempos y uno de los mejores álbumes del año que dio forma al rock en 1967. Es un placer escuchar el teclado y órgano de Matthew Fisher y el piano de Gary Brooker. También lo es el suave y musculoso trabajo del guitarrista Robin Trower, y si eso no fuera suficiente, "Procol Harum" también cuenta con uno de los bateristas más ágiles, B.J. Wilson.

Este disco es recordado principalmente por su exitoso sencillo "A Whiter Shade of Pale", pero en general la música del LP es una atractiva combinación de rock psicodélico, blues e influencias clásicas, llena de letras fantasmales (oscuras). Canciones como "Conquistador", "Kaleidoscope", "A Christmas Camel" y "Repent Walpurgis", con influencia de Bach, son canciones geniales, y "Good Captain Clack" es rockera y divertida. Este disco dominó las ondas durante "The Summer of Love" de San Francisco junto con el álbum de The Beatles "Sgt. Pepper" y The Doors "Light My Fire".

Y como anécdota, todo el disco es en mono; algo bastante común en 1967, y su productor en ese momento, Denny Cordell, ¡no "creía" en estéreo! Nunca se ha encontrado ninguna mezcla en estéreo.

 

Disco recomendado

 
Conocerás su single "A Whiter Shade of Pale", pero seguro que pocos sabrán el nombre de la banda ni del álbum. Una obra maestra psicodélica que mezcla rock y blues tradicionales con sonidos clásicos y música de cámara. Este LP se mantiene mejor que la mayoría de los discos de rock psicodélico o progresivo de la época. Si eres fan del rock progresivo, esto lo disfrutarás.

Video del tema "A Whiter Shade of Pale":

Tracklist (formato LP vinilo US):

Cara A:

1.         "A Whiter Shade of Pale"                  4:04
2.         "She Wandered Through the Garden Fence"                       3:18
3.         "Something Following Me"              3:37
4.         "Mabel"                      1:50
5.         "Cerdes (Outside the Gates of)"                   5:04

Cara B:

1.         "A Christmas Camel"            4:48
2.         "Conquistador"                      2:38
3.         "Kaleidoscope/Salad Days (Are Here Again)"                    6:31
4.         "Repent Walpurgis"               5:05

Procol Harum:

•  Gary Brooker - voz, piano
• Robin Trower - guitarra (todos menos versión EE.UU 1)
• Matthew Fisher - órgano
• Dave Knights - bajo
• B. J. Wilson - batería (todos menos EE.UU 1)
• Ray Royer - guitarra (versión EE. UU. 1)
• Keith Reid - letra

Personal adicional:

• Bill Eyden - batería (versión EE. UU. 1)

EDDIE HAZEL - Game, Dames and Guitar Thangs - Album

La siguiente obra es una recomendación para aquellos melómanos a los que realmente les gusta la guitarra. Todos conocemos la retahíla de nombres populares: Hendrix, Clapton, Eddie Van Halen, Rory Gallagher, Stevie Ray Vaugh, Jeff Beck, Jimmy Page, Dave Gilmour etc y etc. Sin embargo, pocos conocen a Eddie Hazel, un grandísimo guitarrista que merece más atención y elogios, especialmente entre los músicos más jóvenes y seguidores del rock.

Su álbum debut en solitario "Game, Dames and Guitar Thangs" es el punto de partida para conocer este excepcional músico.

ALBUM: Game, Dames and Guitar Thangs

Es el álbum debut del guitarrista principal de Parliament-Funkadelic, Eddie Hazel. El LP fue publicado el 29 de julio de 1977. Fue el único álbum de Hazel hasta su muerte en 1992, cuando le siguieron varios lanzamientos póstumos. Este disco presenta una mezcla de soul psicodélico, funk y hard rock, con la guitarra de Hazel como punto culminante. Fue coproducida por George Clinton y cuenta con el equipo completo de "Mothership".

Tres canciones del álbum son versiones: "I Want You (She's So Heavy)" (grabada originalmente por The Beatles), "California Dreamin'" (grabada por primera vez por The Mamas & the Papas) y "Physical Love" (grabada originalmente por la banda de goma de Bootsy). "What About It?" es una nueva versión instrumental de "Wars of Armageddon", originalmente del LP "Maggot Brain".

Con poco más de 30 minutos de duración, carece de cuerpo con sus versiones y sesiones improvisadas, sin embargo, Hazel lo compensa con creces con su forma de tocar la guitarra. Esta es la razón por la que este disco es imprescindible: su virtuosidad con la guitarra.

¿Quién era Eddie Hazel?

 
Edward Earl Hazel fue un guitarrista y cantante estadounidense de música funk que tocaba la guitarra como solista con las bandas "Parliament-Funkadelic". Hazel fue miembro póstumo del "Salón de la Fama del Rock and Roll", incluido en 1997 con otros quince miembros del Parlamento-Funkadelic. Su solo de guitarra de diez minutos en la canción de Funkadelic "Maggot Brain" es aclamado como "uno de los mejores solos de todos los tiempos en cualquier instrumento", algo que recomiendo al lector que escuche.

Eddie Hazel tocó al estilo de Jimi Hendrix. Usaba mucha reverberación y era un gran guitarrista rítmico, además de un solista excepcional con "solistas llenos de fuzz". Tocó una variedad de guitarras, incluidas Gibson, pero es más conocido como guitarrista de Fender Stratocasters.

El 23 de diciembre de 1992, Hazel murió a causa de una hemorragia interna e insuficiencia hepática. En su funeral se tocó la canción "Maggot Brain".

Volviendo al disco...

El álbum comienza con la versión más conmovedora de "California Dreamin" que jamás hayas escuchado. Hazel hace suya totalmente la canción ralentizando y dándole alma; luego están los fabulosos solistas de guitarra. "Frantic Moment" y "So Goes the Story" son poco más que improvisaciones, pero la versión épica de "I Want You (She 's So Heavy)" de The Beatles es simplemente magistral. "Physical Love" y "What About It?" son instrumentales sólidos que le permiten a Hazel hacer lo suyo antes de que la repetición de "California Dreamin'" (reprise) que cierra el LP.

Cada nota en "Game, Dames and Guitar Thangs" es magistral y es una pena que este álbum no se destaque tanto como debería. Eddie Hazel rinde homenaje a su héroe, Hendrix, y lo hace de una forma espectacular. Este disco es excelente y Hazel merece estar entre los grandes de la guitarra.

En general, "Game, Dames and Guitar Thangs" se considera ahora un clásico de culto entre los entusiastas del funk y ha influido en muchos músicos del género. La innovadora forma de tocar la guitarra de Hazel y su capacidad para combinar diferentes estilos musicales han hecho de este álbum una pieza musical atemporal, ya sea rock o funk.

Disco recomendado

Eddie Hazel era un genio innegable de la guitarra. Afortunadamente, este clásico perdido está disponible nuevamente, lo que vuelve a poner la atención en un guitarrista pionero y relativamente poco reconocido. "Game, Dames & Guitar Thangs" es una auténtica joya para descubrir.

Video del tema "California Dreamin'":

Tracklist:

1. "California Dreamin'" (John Phillips, Michelle Phillips) - 6:20
2. "Frantic Moment" (George Clinton, Bootsy Collins, Bernie Worrell) - 3:43
3. "So Goes the Story" (Clinton, Collins, Eddie Hazel) - 3:57
4. "I Want You (She's So Heavy)" (John Lennon, Paul McCartney) - 9:26
5. "Physical Love" (Clinton, Collins, Gary Cooper, Garry Shider) - 5:33
6. "What About It?" (Clinton, Hazel) - 3:45
7. "California Dreamin' (Reprise)"(J. Phillips, M. Phillips) - 1:40

Bonus tracks

"Smedley Smorganoff" (Hazel) - 3:06
"Lampoc Boogie" (Hazel) - 11:46
"From the Bottom of My Soul" (Hazel) - 12:34
"Unkut Funk" (Hazel) - 2:02

Musicos:

• Eddie Hazel, Michael Hampton, Garry Shider, Glenn Goins - guitarra
• Bootsy Collins, Billy Bass Nelson, Cordell Mosson - bajo
• Jerome Brailey, Bootsy Collins, Tiki Fulwood - batería
• Bernie Worrell - teclados
• Doug Duffey - teclados en "I Want You"
• Lynn Mabry, Dawn Silva, Gary Cooper - voz

DAVID CROSBY - If I Could Only Remember My Name - Album

Introducción:

El álbum "If I Could Only Remember My Name" de David Crosby es - finalmente - considerado una obra maestra del folk psicodélico. Lanzado en 1971, este disco es una joya musical que ha dejado huella. En este post, miró brevemente la historia detrás del álbum, sus temas, su recepción y éxito crítico, su influencia en la música y cómo se compara con otras obras maestras del folk psicodélico. Además, descubriremos por qué "If I Could Only Remember My Name" es considerado el mejor trabajo en solitario de David Crosby.

Para mi es un álbum que no debe ser ignorado por melómanos o amantes de música que se confiesan ser serios.

David Crosby - El hombre detrás de la música:

David Van Cortlandt Crosby (Los Ángeles, California, 14 de agosto de 1941-19 de enero de 2023) fue un conocido guitarrista y cantautor. Fue miembro fundador del grupo "The Byrds" y de "Crosby, Stills, Nash & Young (CSNY)". Es miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su trabajo con The Byrds y con Crosby, Stills, Nash & Young. David Crosby es un músico legendario.

Como miembro de la banda "Crosby, Stills, Nash & Young, Crosby" ya había demostrado su talento y habilidad para componer canciones memorables. Sin embargo, fue con "If I Could Only Remember My Name" que Crosby se sumergió por completo en su propio viaje musical. Este álbum fue su primer trabajo en solitario y le permitió explorar su creatividad de una manera completamente nueva. Crosby se convirtió en un narrador de historias, capturando la esencia de la época y compartiendo sus pensamientos más profundos a través de la música.
 

ALBUM: If I Could Only Remember My Name

Es el álbum debut en solitario del cantautor estadounidense David Crosby, publicado en febrero de 1971. Fue uno de los cuatro álbumes de alto perfil lanzados por cada miembro de "Crosby, Stills, Nash & Young" a raíz de su álbum "Déjà Vu" de 1970, que encabezó las listas de éxitos. Inicialmente recibió críticas negativas de los críticos, pero luego logró el "estatus" de culto y los elogios de los críticos.

Todos, desde los miembros de "The Grateful Dead" y "Jefferson Airplane" hasta los compañeros de Crosby en CSNY; Neil Young y Graham Nash, además de Joni Mitchell ... Michael Shrieve; todos pasaron por el estudio para hacer contribuciones significativas a los procedimientos de grabación: Jerry García, Phil Lesh y Bill Kreutzman, principalmente, actúan como la banda de estudio ad hoc, con los otros notables agregando partes a las canciones. Este conjunto suelto de músicos recibió el apodo informal de "The Planet Earth Rock and Roll Orchestra" por el líder de la banda de Jefferson Airplane, socio de Crosby desde hace mucho tiempo y compañero fanático de la ciencia ficción, "Paul Kantner". Pero David Crosby es el líder de todo el disco. Con su voz resonante y aterciopelada y su composición inspirada, convierte "If I Could Only Remember My Name" en una maravilla del ambiente soñador pero "oscuro" de los últimos coletazos de toda una era (los 60).

La recepción y el éxito crítico del álbum:

Cuando "If I Could Only Remember My Name" fue lanzado, recibió críticas mixtas. Algunos elogiaron la audacia y la experimentación de Crosby, mientras que otros encontraron el álbum confuso y poco convencional. Sin embargo, con el paso del tiempo, el álbum ha sido reconocido como una de las obras maestras del género. La combinación fascinante de folk, rock y elementos psicodélicos ha sido alabada por su originalidad y visión artística. La música de Crosby ha resistido la prueba del tiempo y ha encontrado un lugar especial en los corazones de los amantes de la música: "melómanos".

 

Temas y letras de "If I Could Only Remember My Name":

El álbum es un viaje musical que aborda una amplia gama de temas. Las letras profundas y reflexivas de las canciones capturan la esencia de la época y reflejan los pensamientos y sentimientos de Crosby en ese momento. El amor, la pérdida, la espiritualidad y la búsqueda de significado son algunos de los temas recurrentes en el álbum. Las canciones como "Music Is Love" y "Laughing" transmiten un sentido de unidad y conexión con el mundo, mientras que otras como "Cowboy Movie" y "Tamalpais High (At About 3)" exploran la introspección y la búsqueda de la verdad personal. El álbum es una experiencia emocionalmente profunda que invita al oyente a reflexionar y sumergirse en la complejidad de la vida.

Tracklist (formato LP original): 

Cara A: 

1."Music Is Love" (Graham Nash, Neil Young, David Crosby) – 3:16
2."Cowboy Movie" – 8:02
3."Tamalpais High (At About 3)" – 3:29
4."Laughing" – 5:20

Cara B:

1."What Are Their Names" (Neil Young, Jerry Garcia, Phil Lesh, Michael Shrieve, David Crosby) – 4:09
2."Traction in the Rain" – 3:40
3."Song with No Words (Tree with No Leaves)" – 5:53
4."Orleans" (traditional, arranged by David Crosby) – 1:56
5."I'd Swear There Was Somebody Here" – 1:19

Track por Track:

1. "Music Is Love": una colaboración entre Crosby, Nash y Young. Es un testimonio del poder de la música como lenguaje universal y fuerza curativa. La letra simple y repetitiva de la canción y la melodía armoniosa crean una sensación de unidad y paz, lo que refleja el espíritu comunitario de la época.

2. "Cowboy Movie": una narrativa que cuenta una historia similar a una película de vaqueros, pero en realidad es una alegoría apenas velada de la disolución de CSNY. La duración extendida de la canción permite una calidad de improvisación en expansión, con un borde crudo y arenoso que refleja las tumultuosas relaciones dentro de la banda.

3."Tamalpais High (At About 3)": llamada así por una escuela secundaria en el condado de Marin, California; una pieza hermosa y atmosférica. La falta de letras permite que el oyente se concentre en las armonías exuberantes y en capas y el evocador trabajo de la guitarra, creando una sensación de añoranza y nostalgia.

4. "Laughing": conmovedora reflexión sobre la búsqueda espiritual y la sabiduría de los niños. Es una canción suave e introspectiva que muestra la capacidad de Crosby para transmitir emociones profundas a través de su música.

5. "What Are They Names": un poderoso comentario sobre los problemas políticos y sociales de la época. La música es un "jam", espontáneo y fluido, que refleja el espíritu colectivo de los músicos involucrados.

6. "Traction in the Rain": una de las composiciones más bellas de Crosby. El trabajo de guitarra delicado e intrincado de la canción y la letra conmovedora crean una sensación de melancolía e introspección.

Video del tema "Traction in the Rain":

7. "Song with No Words (Tree with No Leaves)": un testimonio del enfoque innovador de Crosby hacia la música. A pesar de la falta de letra, la canción transmite una fuerte resonancia emocional a través de sus armonías vocales superpuestas.

8. "Orleans": una canción tradicional que el mismo Crosby arregló. La pista muestra el rango vocal de Crosby y su habilidad para crear un sonido rico y texturizado solo con su voz.

9. "I'd Swear There Was Somebody Here": tema de cierre del álbum, una pieza inquietante a capella. Es una expresión cruda y emocional del dolor de Crosby y sirve como una conclusión poderosa para el álbum.

En general, canciones profundamente personales e introspectivas que muestran la visión musical de David Crosby.

Por qué "If I Could Only Remember My Name" se considera la obra maestra en solitario de David Crosby:

Entre los numerosos proyectos en solitario de David Crosby, "If I Could Only Remember My Name" se destaca como su obra maestra. Este álbum captura la esencia de Crosby como artista y lo lleva a nuevas alturas creativas. La experimentación musical, las letras profundas y la pasión desbordante se combinan para crear una experiencia auditiva única. "If I Could Only Remember My Name" es un testimonio del talento y la visión artística de David Crosby, y sigue siendo su logro más destacado hasta la fecha.

Fue una lastima que Crosby siguiera descendiendo durante el resto de la década y el comienzo de la siguiente en una adicción con las drogas sin rumbo, y que no sacara otro álbum en solitario hasta 18 años después de este. No obstante, sirve como un comentario, no quiero desviar el foco de la música.

Comparación de "If I Could Only Remember My Name" con otras obras maestras del folk psicodélico:

El folk psicodélico es un género musical que ha producido numerosas obras maestras a lo largo de los años. "If I Could Only Remember My Name" se destaca como una de las contribuciones más significativas a este género. Comparado con álbumes como "After the Gold Rush" de Neil Young y "Harvest" de Neil Young, "If I Could Only Remember My Name" presenta una estética musical y lírica única. La combinación de la voz distintiva de Crosby, las armonías celestiales y la instrumentación evocadora hacen de este álbum una experiencia auditiva hermosa e inolvidable.

Disco recomendado

Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar "If I Could Only Remember My Name" te recomiendo que lo hagas. Las armonías celestiales, las letras introspectivas y la instrumentación evocadora se combinan para crear una obra maestra del folk rock y psicodélico.

Un disco atemporal y casi olvidado: es una celebración de una era - los años 60 - con esperanzas perdurables que terminaron. Al igual que una hermosa puesta de sol, es un trabajo nostálgico, bello y especial.

Video del tema "What Are Their Names":

Ficha técnica.

Músicos:

• David Crosby - voz, guitarras
• Graham Nash - guitarra, voz (en "Music Is Love", "Tamalpais High", "Laughing", "What Are Their Names", "Traction in the Rain" y "Song with No Words")
• Jerry Garcia - guitarra eléctrica (en "Cowboy Movie", "Tamalpais High", "What Are Their Names" y "Song with No Words"); guitarra de pedal de acero (en "Laughing"); guitarras (en "Kids and Dogs"); vocal (en "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Neil Young - guitarras, voz (en "Music Is Love" y "What Are Their Names"); bajo, vibráfono, congas (en "Music Is Love")
• Jorma Kaukonen - guitarra eléctrica (en "Tamalpais High" y "Song with No Words")
• Laura Allan - autoharp, voz (en "Traction in the Rain")
• Gregg Rolie - piano (en "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Phil Lesh - bajo (en "Cowboy Movie", "Tamalpais High", "Laughing" y "What Are Their Names"); vocal (en "What Are Their Names")
• Jack Casady - bajo (en "What Are Their Names")
• Bill Kreutzmann - batería (en "Tamalpais High" y "Laughing"); pandereta (en "Cowboy Movie")
• Michael Shrieve - batería (en "What Are Their Names" y "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Mickey Hart - batería (en "Cowboy Movie")
• Joni Mitchell - voz (en "Laughing" y "What Are Their Names")
• David Freiberg, Paul Kantner, Grace Slick - voces (en "What Are Their Names")

Producción:

• David Crosby - productor
• Stephen Barncard - ingeniero de sonido. 

LITTLE RICHARD - Here´s Little Richard - Album

Little Richard, el más salvaje (con permiso de "Jerry Lee Lewis") y posiblemente el más grande e influyente de los cantantes de rock & roll de los años 50, notoriamente interpretado más tarde por muchos artistas.

Curiosamente no he dedicado un post en condiciones a este músico como dios manda, un pecado mío, y de los grandes, ya que es un personaje fundamental en la historia del rock.

¿Quién era Little Richard?

 
Uno de los grandes artistas de la primera era del rock & roll, pocos fueron tan poderosos y emocionantes. Little Richard tenía una voz poderosa y un estilo de piano enérgico. Combinó gospel, rhythm & blues y boogie woogie en un sonido electrizante. Sorprendió al público con ropa llamativa, una personalidad audaz y una imagen sexualmente ambigua adelantada a su tiempo en la cultura popular.

Ganó el título del "Arquitecto del Rock and Roll", Little Richard, cuyo nombre real era Richard Wayne Penniman, fue un influyente cantante, compositor y pianista estadounidense. Nació el 5 de diciembre de 1932 y falleció el 9 de mayo de 2020. Es ampliamente reconocido como uno de los pioneros del rock and roll y su influencia en el género es indiscutible.

Creció en un ambiente de soul y gospel. Sus influencias musicales iniciales fueron artistas de gospel como el hermano Joe May, Sister Rosetta Tharpe, Mahalia Jackson y Marion Williams. Con el tiempo aprendió a tocar el saxofón alto y se unió a la banda de música de su escuela cuando estaba en quinto grado. Mientras estaba en la escuela secundaria, consiguió un trabajo a tiempo parcial en el Macon City Auditorium para el promotor local de conciertos seculares y de gospel Clint Brantley. Vendió Coca-Cola a multitudes durante los conciertos de estrellas del momento como Cab Calloway, Lucky Millinder y su cantante favorita, Sister Rosetta Tharpe. 

En octubre de 1947, la ya mencionada y legendaria blueswomen "Sister Rosetta Tharpe" escuchó a Richard, de catorce años, cantar sus canciones antes de una actuación en el "Macon City Auditorium". Ella lo invitó a abrir su concierto. Después del espectáculo, Tharpe le pagó, lo que lo inspiró a convertirse en un artista profesional... El resto es historia.

Una anécdota … Richard declaró que su estilo de piano estuvo muy influenciado por la introducción de piano de Ike Turner en "Rocket 88".

En 1955 su canción, "Tutti Frutti", se convirtió en un gran éxito y fue un punto de inflexión en su carrera y en la historia del rock and roll. Su estilo vocal crudo y su entrega energética abrieron nuevas posibilidades para la música popular y allanaron el camino para otros artistas de rock.

Además de "Tutti Frutti", Little Richard grabó una serie de éxitos fundamentales como "Long Tall Sally", "Good Golly Miss Molly" y "Lucille". Estas canciones no solo fueron éxito en las listas, sino que también ayudaron a establecer los fundamentos del rock and roll, con su fusión de rhythm and blues, gospel y elementos de boogie-woogie.

Little Richard también dejó una marca en el escenario con su estilo de vestir llamativo y su maquillaje extravagante. Fue uno de los primeros artistas afroamericanos en ganar popularidad en la industria de la música en la década de 1950 y su presencia en el escenario desafió las normas raciales de la época.

El legado de "Little Richard":

 
El legado de Little Richard en el rock and roll es significativo. Su estilo musical influyó en una generación de músicos, incluidos The Beatles, The Rolling Stones y Jimi Hendrix, entre otros. Sus actuaciones y su actitud rebelde ayudaron a forjar la imagen del rock and roll como un género lleno de pasión y rebeldía.

Little Richard fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 y su influencia y legado continúan resonando en la música actual. Su contribución al rock and roll es incuestionable y su música sigue siendo apreciada y celebrada por amantes de la música de todo el mundo.

Para aquellos que buscan un solo disco que sirva de introducción y que tenga todo lo necesario para capturar a Little Richard de una sola escucha, propongo su debut "Here 's Little Richard" de 1957.

ALBUM: Here's Little Richard

 
El álbum debut fue publicado el 4 de marzo de 1957. El álbum recopila muchas de las caras A y B de los exitosos sencillos de Richard, incluidas las entradas principales de éxito en Billboard "Tutti Frutti", "Long Tall Sally", "Slippin 'y Slidin' ", "Rip It Up" y "Jenny, Jenny" y los 10 éxitos más vendidos de Rhythm and Blues "Ready Teddy", "She's Got It" y "Miss Ann". Producido por Robert "Bumps" Blackwell y grabado en Nueva Orleans y Los Ángeles en un proceso de gran colaboración. Varias de las canciones incluidas se han caracterizado por ser innovadoras e importantes en el desarrollo del rock and roll.

Este disco recopila las seis canciones exitosas de Richard de 1955 a 1956 junto con seis cortes inéditos con cada grabación que presenta su estilo vocal distintivo, indomable y anárquico. El álbum destaca la combinación única de ritmo y blues, gospel y boogie-woogie de Little Richard, que luego se convertiría en la base del rock 'n' roll. Un disco innovador jugó un papel importante en el desarrollo del rock 'n' roll y es considerado uno de los álbumes más influyentes de su tiempo.

Track por track:

1. "Tutti Frutti": el álbum comienza con esta canción icónica, que se caracteriza por su enérgico riff de piano y el distintivo estilo vocal de Little Richard. La melodía pegadiza y la energía contagiosa de la canción la convierten en la introducción perfecta al álbum y en un clásico himno del rock 'n' roll.

2."True, Fine Mama": tema optimista presenta un ritmo de conducción y muestra la poderosa voz de Little Richard. La letra de la canción celebra el amor y la admiración por una "verdadera y buena mamá", lo que la convierte en una melodía divertida y bailable.

3."Can't Believe You Wanna Leave": canción que ralentiza un poco las cosas con una balada de blues que resalta el rango vocal emocional de Little Richard. La letra sincera y la entrega conmovedora hacen que se destaque en el álbum.

4. "Ready Teddy": el ritmo vuelve a subir con este enérgico número de rock and roll. El estribillo pegadizo de la canción y el animado trabajo de piano la convierten en una tema memorable y bailable. Una de mis canciones favoritas de este disco.

5."Baby": medio tiempo presenta una melodía pegadiza. La letra de la canción cuenta la historia de un hombre que le ruega a su amante que no lo deje.

6."Slippin' and Slidin": un excelente ejemplo del sonido de piano característico de Little Richard. El ritmo infeccioso de la canción y la letra juguetona hacen que se destaque en el álbum.

7."Long Tall Sally": otra canción icónica de Little Richard, presenta un ritmo de conducción y un coro inolvidable. La interpretación enérgica de la canción y la letra memorable la han convertido en un clásico del rock 'n' roll.

8. "Miss Ann": un número pegadizo y optimista con un coro memorable.

9."Oh, Why?": esta balada vuelve a ralentizar las cosas, destacando el rango vocal emocional de Little Richard. La letra sincera y la entrega conmovedora de la canción hacen que se destaque en el álbum.

10. "Rip It Up": muy bueno con estribillo pegadizo.

11. "Jenny, Jenny": canción llena de energía presenta un ritmo de conducción y muestra la poderosa voz y la interpretación del piano de Little Richard. La melodía pegadiza y contagiosa de la canción hacen que se destaque en el álbum. La letra cuenta la historia de un hombre que está enamorado de una mujer llamada Jenny.

12. "She 's Got It": el álbum concluye con este tema alegre y animado. La letra de la canción celebra a una mujer que "lo tiene", refiriéndose a su encanto y encanto irresistibles.

En general, cada canción del álbum destaca su poderosa voz, su forma de tocar el piano y sus habilidades para escribir canciones, por lo que es imprescindible para los fans del rock 'n' roll temprano y los entusiastas de la historia de la música por igual.

El legado del álbum "Here's Little Richard":

Las canciones del disco impactaron en la voz y los estilos de interpretación de artistas como Otis Redding, James Brown, Richard Berry, Etta James, Big Al Downing y Thurston Harris, y señaló que las canciones más animadas del disco atraerían más tarde a intérpretes como John Lennon, Paul McCartney. , John Fogerty, los Rolling Stones, David Bowie y Bob Dylan.

Disco recomendado

 
El Rock todavía era una bestia engañosa 1957. Las discográficas no sabían cómo promocionarlo. El público "conservador" todavía estaba intimidado por el Rock. Little Richard no dejó que eso lo afectará. Dejó muy claro que no podía ser imitado y lo mostró al mundo lo que era el rock. El Rock era un animal maníaco que se negaba a ser enjaulado y este disco es su "encarnación".

Álbum perfecto para introducirte al rock n roll temprano y conocer a este excepcional y talentoso músico... o digamos personaje del entretenimiento. ¡Una auténtica bestia!

Video del tema "Tutti Fruti":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: 

1.         "Tutti Frutti"   2:25
2.         "True, Fine Mama"     Penniman        2:43
3.         "Can't Believe You Wanna Leave"      2:28
4.         "Ready Teddy"          2:09
5.         "Baby" Penniman      2:06
6.         "Slippin' and Slidin'"  2:42 

Cara B:

7.         "Long Tall Sally"        2:10
8.         "Miss Ann"     2:17
9.         "Oh Why?"     2:09
10.       "Rip It Up"     2:23
11.       "Jenny, Jenny"            2:04
12.       "She´s Got It" 2:26

DURAN DURAN - Duran Duran - Album

Duran Duran (Grupo musical)

Banda inglesa de new wave formada en Birmingham en 1978 por el cantante y bajista Stephen Duffy, el tecladista Nick Rhodes y el guitarrista y bajista John Taylor. Con la incorporación del baterista Roger Taylor al año siguiente, la formación pasó por numerosos cambios de personal antes de mayo de 1980, cuando establecieron su formación más famosa al agregar al guitarrista Andy Taylor y al vocalista principal Simon Le Bon.

Las influencias de "Duran Duran" incluyeron a David Bowie, Roxy Music, la música electrónica de Kraftwerk y Giorgio Moroder, el glam rock y el rock estadounidense como T. Rex, Iggy Pop, Lou Reed y Sparks, el punk británico y el post- punk como The Clash, Sex Pistols y Siouxsie and the Banshees, la banda de disco-funk Chic y bandas contemporáneas de synth-pop como Japón, así como la banda japonesa de electro-pop Yellow Magic Orchestra. Otros compañeros de sonidos electrónicos, como el Ultravox de John Foxx, Orchestral Maneuvers in the Dark (OMD) y Human League, motivaron a Nick Rhodes y fueron influyentes en el incipiente "Duran Duran".

Desde sus inicios "Duran Duran" han lanzado:

• Duran Duran (1981)
• Rio (1982)
• Seven and the Ragged Tiger (1983)
• Notorious (1986)
• Big Thing (1988)
• Liberty (1990)
• Duran Duran (1993)
• Thank You (1995)
• Medazzaland (1997)
• Pop Trash (2000)
• Astronaut (2004)
• Red Carpet Massacre (2007)
• All You Need Is Now (2010)
• Paper Gods (2015)
• Future Past (2021)

Según Billboard, "Duran Duran" ha vendido más de 100 millones de discos. La banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2022.

Duran Duran fue inicialmente parte del movimiento "New Romantic".

¿Qué fue el movimiento Nuevo Romántico?

Fue un movimiento underground de subcultura que se originó en el Reino Unido a finales de la década de 1970. El movimiento surgió de la escena de los clubes nocturnos de Londres y Birmingham. Se caracterizó por un estilo de moda extravagante y excéntrico, y aunque fue un movimiento de moda, varios grupos musicales británicos a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980 adoptaron el estilo y se hicieron conocidos por personificarlo; incluidos Steve Strange de Visage, Blancmange , ABC, OMD, Depeche Mode, Japan, Spandau Ballet, A Flock of Seagulls, The Human League y Boy George (Culture Club) … etc.

¿Mejor disco de "Duran Duran"? Para mi el primero ("Duran Duran"), por su impacto novel, sus temas pegadizos, la gran estrategia de marketing, "el look" e impacto visual de los videos.
 

ALBUM: Duran Duran

 
El álbum de estudio debut fue publicado el 15 de junio de 1981 y producido por Colin Thurston. Influenciado por David Bowie (sus años glam), Human League, Japan y Chic, "Duran Duran" cuenta con una mezcla de canciones synth - pop comerciales y otras experimentales más atmosféricas, con elementos de disco, punk y dance. Las letras de Simon Le Bon cubren temas que van desde el tormento juvenil y la confusión hasta las metas y ambiciones de la banda. 

Todavía recuerdo la aparición de este disco. Los tiempos estaban en constante cambio en todos los niveles: social, económico y político, con la música experimentando y creando continuamente diferentes estilos. La música punk avanzaba a otra cosa, el rock se adentraba en aguas más comerciales y la tecnología introducía más y más sonidos nuevos. Los adolescentes y jóvenes adultos estaban experimentando y buscando identidades con los medios de comunicación (especialmente los videos musicales) marcando la agenda de tendencias. En toda esta mezcla, "Duran Duran" aparece de la nada, todos vestidos con trajes medieval de "Mosqueteros", una formación de "chico" súper guapos (el público femenino fue seducido de inmediato), con videos increíbles, excelentes canciones de baile y, ¡esos cortes de pelo!

Este debut homónimo resaltó los elementos sonoros y estilísticos del floreciente movimiento "new romantic" en el momento en que ellos iban a encabezar: tiene sintetizadores de dance y una producción súper pulido. Aunque otras bandas estaban evolucionando y entrando directamente en la nueva escena "romantic", "Duran Duran" llevó las cosas a nuevas alturas comerciales. Criticado por ser mediocre en el lanzamiento, con el paso del tiempo, la mayoría de los críticos ahora saludan este álbum como un salto adelante en el sonido dance-pop sintetizado, incluso admitiendo su parte en el post-punk.

Singles pegadizos como "Planet Earth" y "Girls on Film" se convirtieron en grandes éxitos instantáneos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, y otras canciones como "Anyone Out There" y "Careless Memories" completaron la magnífica primera cara del álbum. La cara B es más experimental, con el compositor principal Nick Rhodes dirigiendo a la banda a través de piezas atmosféricas como "Night Boat", "Sound of Thunder" y el instrumental "Tel Aviv", todos los cuales recuerdan a "Roxy Music" (una gran influencia sobre "Duran Duran"). Además tampoco se puede negar la influencia de Japan (David Sylvian).

La buena apariencia (looks) de la banda y sus excelentes videos musicales durante el reinado de "MTV" hicieron el resto, asegurando su estatus como uno de los grupos de música pop más exitosos de la década. El siguiente disco, "Rio" (1982), se considera aún mejor y consolida el lugar de la banda en la historia de la música pop. Desde entonces y después de más discos, se separaron, se reunieron, cambiaron de integrantes (muerte incluida: Andy Taylor) y aún siguen grabando y haciendo giras. Sin embargo, para mí el primer disco es el mejor, resume todo lo que son (fueron); "Duran Duran" en esencia. 

Puede que esté LP este visto como anticuado, pero todavía veo que los oyentes más jóvenes se divierten al descubrir este disco y, luego la banda. Este LP todavía tiene magia, especialmente los grandes singles, y tengo que confesar como primer testigo, que todavía pone la casa patas arriba en algunas "fiestas", donde por cierto yo soy el senior.

Disco recomendado. Un álbum de referencia del synth pop y de la era de los "New Romantics". Si te gusta la música de sintetizadores electrónicos, busca este disco. "Duran Duran" no estuvo tan mal, ya que han vendido más de 100 millones de discos desde sus inicios y fueron incluidos en el "Salón de la Fama del Rock N Roll" en 2022. Algo bien (y musicalmente importante) deben haber hecho.

Video del tema "Girls on Film":

Tracklist (formato LP original):

- Cara A -

1. "Girls on Film" – 3:32
2. "Planet Earth" – 3:57
3. "Anyone Out There" – 4:03
4. "To the Shore" – 3:50
5. "Careless Memories" – 3:56

- Cara B -

1. "Night Boat" – 5:26
2. "Sound of Thunder" – 4:07
3. "Friends of Mine" – 5:46
4. "Tel-Aviv" - 5:22

EDDIE COCHRAN - Legendary Masters Series #4 - Album

Eddie Cochran (Músico)

Fue una de las primeras grandes estrellas del rock & roll y un artista cuya influencia superaría su breve carrera, que se vio truncada cuando murió en un accidente de coche en 1960.

Las canciones de Eddie Cochran, como "Twenty Flight Rock", "Summertime Blues", "C'mon Everybody" y "Somethin' Else", capturaron el espíritu rebelde adolescente a mediados de la década de 1950 y principios de la de 1960. Fue un artista adelantado a su tiempo, experimentando con grabaciones multipista, técnicas de distorsión y overdub en sus primeros sencillos. Tocaba la guitarra, el piano, el bajo y la batería.

El grandísimo Eddie Cochran es a menudo citado como uno de los pioneros del estilo rockabilly, pero su técnica era más sólida y se mezclaba con la influencia de la música country. Su imagen de guapo joven, elegantemente vestido y con actitud rebelde personificó la postura del rockero de los años 50, y en su muerte alcanzó un estatus icónico.

Una breve historia:

 
Nació el 3 de octubre de 1938 en Albert Lea, Minnesota. Las primeras influencias de Cochran fueron en la música country. Cochran era un niño cuando comenzó a tocar la batería, y pronto pasó a aprender guitarra y piano por su cuenta. Eddie formó su primera banda cuando estaba en la escuela secundaria, tocando canciones hillbilly con sus amigos. Después de un año, Cochran abandonó los estudios para convertirse en músico profesional y, en 1954, comenzó a trabajar con el también músico de country "Hank Cochran" (no están relacionados); tocaban como los "Cochran Brothers". Lanzaron su primer sencillo, "Mr. Fiddle"-"Two Blue Singin' Stars", en 1955, y el dúo tuvo un éxito modesto. Pero a medida que el rock & roll comenzó a entrar en la conciencia pública, Eddie cayó bajo la influencia de Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins y otros héroes del rock para reorientar su carrera y su música.

Con su "apariencia" y estilo rock and roll, Eddie obtuvo papeles menores en películas que tenían el tema del rock and roll: "The Girl Can't Help It" (1956), que también contó con Fats Domino, Gene Vincent, Little Richard, y Jayne Mansfield, "Untamed Youth" (1957) y "Go, Johnny, Go" (1959). Obviamente, esto ayudó a su carrera musical, ya que le dio aún más exposición. Se puede decir que era un "sueño de publicidad y marketing".

Video de la película "The Girl Can't Help It" (1956). Eddie Cochran interpretando - "Twenty Flight Rock":

Eddie Cochran consiguió su gran momento y obtuvo su mayor éxito en agosto de 1958 con la canción "Summertime Blues". Le dio a Cochran su primer Top 10 single, subiendo al #8 en las listas de ventas, y su single posterior "C'mon Everybody", lo siguió al Top 40 en enero de 1959. A medida que Cochran se fue acostumbrando al estudio de grabación, comenzó a experimentar la guitarra, y ayudaba a sus amigos en el estudio, tocando la guitarra en sesiones para el artista de honky tonk "Skeets McDonald" y agregando coros en el álbum "A Gene Vincent Record Date". De hecho la relación con "Gene Vicent" iba a ser importante, tanto en el aspecto musical como en el personal, como ahora vas a leer.

Convirtiéndose en una estrella en ascenso en el Reino Unido, donde obtuvo una serie de sencillos exitosos, reservó una gira por Gran Bretaña junto con Gene Vincent para principios de 1960. La gira fue un gran éxito. Sin embargo, las cosas terminaron en tragedia el 17 de abril de 1960. Después de su concierto en Bristol, Cochran y Vincent contrataron un taxi para llevarlos a Londres, donde volarían de regreso a los Estados Unidos. En el trayecto, al taxi se le reventó una llanta, lo que provocó que el vehículo se descontroló. Se estrelló contra un poste de hormigón y Eddie Cochran murió, mientras que Vincent y Sharon Sheeley (compositora y la novia de Cochran) sufrieron heridas moderadas. Este fue un final repentino para una prometedora carrera musical de un músico de solo 21 años que lo tenía todo para haber llegado aún más lejos al estatus de leyenda. El hecho es que Eddie Cochran podría haber sido el candidato (junto con Elvis) para convertirse en el "Rey del Rock n Roll". Nunca sabremos.

Sin embargo, incluso durante su "breve" período de estrellato, Eddie Cochran logró dejar una gran huella, especialmente en el Reino Unido, y con su éxito "Summertime Blues" demostrando tener una larga vida, rebotando en las listas de éxitos del Reino Unido en 1966, 1968 y 1975, y siendo versionada por Blue Cheer, The Who, The Flying Lizards y Alan Jackson, entre muchos otros. Brian Setzer de "The Stray Cats", a menudo lo ha citado como una gran influencia, al igual que con muchas otras bandas de rockabilly (por ejemplo, "The Cramps").

La verdad es que la influencia de Eddie Cochran va mucho más allá del rockabilly. Cochran fue uno de los primeros artistas de rock and roll en escribir sus propias canciones y usar la técnica de "overdub" en el estudio. Artistas como Joan Jett, The Rolling Stones, Bruce Springsteen, UFO (banda), Van Halen, Tom Petty, Rod Stewart, T. Rex, The Who, Beach Boys, The Beatles, Blue Cheer, Led Zeppelin, White Stripes, Sex Pistols, Rush, Simple Minds, Paul McCartney, David Bowie, Jimi Hendrix, U2... han versionado sus canciones. Incluso está escrito que debido a que Paul McCartney conocía los acordes y la letra del single "Twenty Flight Rock", se convirtió en miembro de The Beatles.

En 1987, Eddie Cochran fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

ALBUM: Eddie Cochran – Legendary Masters Series #4

Es el cuarto álbum (recopilatorio) publicado póstumamente en los EE. UU. en 1972 como un conjunto de dos álbumes en el sello "United Artists".

Una escucha de esta compilación te hará darte cuenta de que Eddie Cochran fue un compositor increíble. "Summertime Blues", por supuesto, es ahora un estándar de rock. También era un guitarrista absolutamente brillante, solo escucha "Eddie 's Blues" y entenderás de dónde saca "Brian Setzer" (Stray Cats) su técnica de guitarra. Otros temas destacados son la contagiosa canción pop "I'm Ready"; el memorial Richie Valens-Buddy Holly-Big Bopper "Three Stars"; su primer single, "Sittin' in the Balcony", "Twenty Flight Rock", "Skinny Jim"... y así sucesivamente.

Un disco recomendado. Esta es una magnífica oferta para tener todo en un solo lugar, ya que también es una pieza perfecta para presentar a Eddie Cochran a los seguidores y fans del rock n roll. Como la historia de la música nos ha demostrado muchas veces, devora el talento joven arrebatando a veces a la humanidad el talento absoluto. Nunca sabremos hasta dónde habría llegado Eddie Cochran, pero tenemos su música y su muy pequeña cantidad de producción musical es suficiente para ponerlo en el estatus de "leyenda".

Para aquellos que no están familiarizados con Eddie Cochran, busquen y escuchen su música. Comienza con este "Legendary Masters Series #4", disponible físicamente online y el audio en la mayoría de las plataformas de música digital más populares.

Video del tema "C'mon Everybody":

Tracklist (formato LP): 

Side one:

1.         "Skinny Jim"              2:09
2.         "Let's Get Together"  1:55
3.         "Eddie's Blues"          3:55
4.         "Little Lou"                1:40
5.         "Pink Pegged Slacks" 2:07
6.         "Jeanie Jeanie Jeanie" 2:20
7.         "Somethin' Else"         2:07

Side two:

1.         "Pretty Little Devil"               2:04
2.         "Who Can I Count On"          2:20
3.         "Thinkin' About You"            2:02
4.         "Opportunity"                        1:52
5.         "Latch On"                             1:36
6.         "I'm Ready"                           1:33
7.         "Three Stars"                          3:29
8.         "Cotton Picker"                     2:10

Side three:

1.         "Summertime Blues"              1:55
2.         "Cut Across Shorty"              1:51
3.         "Milk Cow Blues"                  2:40
4.         "My Way"                              2:13
5.         "Blue Suede Shoes"               1:50
6.         "Nervous Breakdown"           2:30
7.         "C'mon Everybody"               1:53

Side four:

1.         "Sittin' In The Balcony"         1:58
2.         "Twenty Flight Rock"            1:43
3.         "Teenage Cutie"                     1:50
4.         "Hallelujah I Love Her So"    2:15
5.         "Fourth Man Theme"             1:59
6.         "Weekend"                             1:50
7.         "Bo Weevil"                           1:57
8.         "Long Tall Sally"                   1:43