MILES DAVIS - Cookin’ with the Miles Davis Quintet - Album

Pones la aguja sobre el vinilo y de pronto el aire parece más espeso, como si alguien hubiera encendido una llama que no se ve, pero que lo transforma todo. "Cookin’ with the Miles Davis Quintet" pertenece a esa categoría de discos que no necesitan presentaciones ni excusas: se defienden solos, con la seguridad y el pulso de quienes estaban, literalmente, "cocinando" una revolución.

ALBUM: Cookin’ with the Miles Davis Quintet

Escuchar este álbum hoy, décadas después de su grabación, sigue teniendo algo de milagro. Porque fue concebido con urgencia, casi con necesidad, pero suena como si el tiempo se hubiera detenido dentro del estudio. Cada nota conserva el calor del momento, el sudor de una banda que sabía que estaba tocando para la historia sin darse cuenta de ello.

Estudio pequeño, un contrato y una chispa irrepetible:

A mediados de los años cincuenta (siglo xx), Miles Davis ya era mucho más que una promesa. Tras su renacimiento en el Newport Jazz Festival de 1955, Columbia Records le ofreció un contrato que cambiaría su destino. Pero antes de poder dar el salto a la gran discográfica, debía cumplir un compromiso con Prestige Records: entregarles cinco discos más. La solución fue tan brillante como práctica: grabar en dos maratónicas sesiones una serie de temas que resumieran el repertorio en vivo de su quinteto.

Así, el 26 de octubre de 1956, en el pequeño estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, Nueva Jersey, nacieron los cuatro álbumes legendarios que hoy conocemos como Cookin’, Relaxin’, Workin’ y Steamin’ with the Miles Davis Quintet. El primero en publicarse fue Cookin’, en julio de 1957. Lo que Miles Davis y su grupo hicieron allí fue más que grabar canciones: fue capturar la electricidad de un directo con la precisión del estudio, un equilibrio rarísimo que muy pocos han logrado igualar.

El quinteto; Miles Davis en trompeta, John Coltrane en saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers en contrabajo y Philly Joe Jones en batería,  había alcanzado un nivel de entendimiento que rozaba lo telepático. No necesitaban hablar, bastaba una mirada, una respiración compartida, un gesto. La música fluía como una conversación íntima, llena de silencios que decían tanto como las notas.

Una banda que respiraba al mismo tiempo:

Cookin’ abre con "My Funny Valentine", una balada que Miles había convertido ya en su santuario personal. Aquí suena con un temple casi monástico: cada nota es medida, cada silencio, una confesión. El sonido amortiguado de su trompeta, con la sordina Harmon, se convierte en una voz humana, melancólica y precisa, que no busca deslumbrar sino emocionar.

El contraste llega con "Blues by Five", una pieza extensa y deliberadamente repetitiva, que permite a la banda estirarse y explorar texturas. Algunos la han acusado de ser demasiado larga, pero hay algo casi hipnótico en su desarrollo: la batería de Jones se retuerce con una energía contenida, mientras el bajo de Chambers sostiene el pulso con autoridad. Coltrane, aún en la etapa de búsqueda que precede a su explosión espiritual, intercambia frases con Miles como si completaran los pensamientos del otro.

Luego aparece "Airegin", composición de Sonny Rollins, donde el grupo se lanza a un vuelo vertiginoso. Garland y Jones se persiguen con una precisión casi matemática, mientras Coltrane rompe el aire con una intensidad que prefigura el volcán que estaba a punto de ser. Davis, en cambio, mantiene su estilo económico, como si supiera que cada nota ganaba valor en el silencio que la rodea.

El cierre con el medley "Tune Up / When Lights Are Low" es, sencillamente, sublime. En "Tune Up", Miles despliega una claridad melódica casi teatral, utilizando pequeñas frases de dos notas con acentos inesperados. Cuando llega "When Lights Are Low", todo se ilumina: Garland ofrece un solo dorado, lleno de acordes en cascada, mientras Jones juega con el tiempo como si doblara el pulso del corazón de la canción. Es aquí donde se siente que la banda está literalmente “cocinando”: cada músico aporta su ingrediente exacto, y el resultado es una mezcla perfecta de espontaneidad y estructura.

El sonido de la alquimia:

Parte del hechizo de Cookin’ reside en su sonido. No es un álbum de estudio pulido al detalle, sino un registro casi crudo de un grupo en combustión. Rudy Van Gelder capturó esa inmediatez con una cercanía que te hace sentir dentro del cuarto. Puedes escuchar el roce del arco de Chambers sobre las cuerdas, el golpeteo de las baquetas de Philly Joe sobre el aro, la respiración de Coltrane antes de una frase.

La producción no busca esconder las imperfecciones; al contrario, las celebra. En "When Lights Are Low", hay incluso un pequeño corte de cinta en el solo de John Coltrane, una imperfección técnica que hoy se siente casi entrañable. Aquello no era una sesión de laboratorio, sino un momento real, una conversación viva entre músicos que improvisaban con la misma naturalidad con la que otros hablan.

Entre la intuición y la precisión:

Lo más fascinante del disco es su equilibrio entre control y libertad. A diferencia de la ebullición emocional del bebop o la exploración modal que Miles Davis abordaría más tarde en "Kind of Blue", aquí todo se mueve en una frontera sutil: cada solo parece improvisado con cálculo milimétrico, cada intercambio de ideas suena natural pero perfectamente encajado.

Escuchando "Airegin", uno siente que la banda entera se mueve como un solo organismo. Jones y Garland construyen una arquitectura rítmica tan intrincada que por momentos parece un diálogo paralelo al tema principal. Chambers, por su parte, ancla todo con una elegancia que no necesita protagonismo. Y en medio de ellos, Miles mantiene la calma, dirigiendo con el sonido más limpio y contenido del jazz de su época.

Coltrane, todavía bajo la influencia de Miles, muestra destellos de su futura grandeza. En "Blues by Five", su fraseo tiene ya esa tensión casi espiritual que años después incendiaría A Love Supreme. Pero aquí aún conversa con el grupo, responde a los silencios de Davis, se deja empujar por Jones. Es un Coltrane que se está formando, y eso hace que cada frase tenga algo de descubrimiento.

Una fotografía del jazz en movimiento:

Cookin’ es, en esencia, una instantánea del jazz a mediados del siglo XX, cuando el bebop comenzaba a mutar en hard bop y el género se preparaba para la modernidad. Davis, sin saberlo, estaba poniendo los cimientos de lo que vendría: el fraseo modal, el uso del espacio, la búsqueda del tono como vehículo emocional más que técnico.

Cada tema es una conversación entre tradición y futuro. En "My Funny Valentine", Miles Davis parece mirar hacia atrás, hacia la pureza melódica de los standards; en "Tune Up", mira hacia adelante, hacia la simplicidad estructural que más tarde definiría su obra más famosa. Y en medio de todo eso, Cookin’ revela la clave de su genio: la capacidad de hacer que lo complejo suene fácil, y lo técnico, natural.

Por qué sigue siendo bueno hoy:

Escuchar "Cookin’ with the Miles Davis Quintet" hoy no es un ejercicio de nostalgia, sino un recordatorio de cómo suena la verdad cuando se toca sin pretensión. No hay trucos, no hay efectos, solo cinco músicos comunicándose con una honestidad que todavía conmueve.

El álbum es también una lección de confianza: en el instinto, en la escucha, en el tiempo. En una era donde la música puede editarse infinitamente, donde la perfección digital borra las huellas humanas, este disco recuerda que el error, la respiración o la pausa también son parte del arte.

Disco recomendado

Si alguien me preguntara por dónde empezar con Miles Davis, probablemente no elegiría "Kind of Blue", al menos no todavía. Le daría Cookin’. Porque aquí está el origen del fuego. Es un álbum que no necesita contexto para sentirse vivo, un testimonio de cuando el jazz todavía olía a sudor, a humo de club y a noches infinitas.

Recomiendo escucharlo entero, sin interrupciones, con las luces bajas y los oídos abiertos. No solo porque es una pieza esencial del jazz moderno, sino porque, cada vez que suena, recuerda algo que nunca deberíamos olvidar: que la buena música, cuando se toca desde el alma, no envejece. Solo sigue a fuego lento.

Video del tema "My Funny Valentine":

Tracklist (LP):

Cara A:

1. "My Funny Valentine" Richard Rodgers 6:04
2. "Blues by Five" Miles Davis 10:23

Cara B:

1. "Airegin" Sonny Rollins 4:26
2. "Tune Up / When Lights Are Low" Miles Davis / Benny Carter, Spencer Williams 13:09

Banda:

• Miles Davis – trompeta, director de orquesta
• Paul Chambers – contrabajo
• John Coltrane – saxofón tenor (excepto en 1)
• Red Garland – piano
• Philly Joe Jones – batería

JOHN COLTRANE - A Love Supreme - Album

Antes de explorar la suite de cuatro partes, permítanme una breve incursión. Escuché "A Love Supreme" por primera vez en una tienda de discos, donde el gong inicial resonó por los altavoces como un trueno lejano. En ese momento, percibí una obra que exige más que una escucha casual; exige presencia. Lo que sigue es mi humilde intento de explicar por qué una sesión grabada en una sola noche de diciembre aún evoca esa presencia décadas después, y por qué cualquier persona interesada en las corrientes más profundas del jazz debería dedicar tiempo al viaje que John Coltrane trazó esa noche. Permítanme recomendar en este blog de música uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos.

ALBUM: A Love Supreme

A las siete de la tarde del 9 de diciembre de 1964, cuatro músicos entraron en la sofisticada sala de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey (Nueva York). A medianoche, John Coltrane, el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones habían dado forma a una suite de treinta y tres minutos que Coltrane más tarde denominó su "humilde ofrenda a Dios". Ninguna música escrita los guió, ninguna instrucción oral les fue dada; el cuarteto simplemente respiró al unísono y dejó que la cinta funcionara. El disco de larga duración llegó a las tiendas en enero de 1965, y en pocas semanas, oyentes que nunca habían pisado una iglesia lo describieron como una experiencia espiritual.

Cuatro canciones, un viaje ininterrumpido:

John Coltrane estructuró "A Love Supreme" como una narrativa continua en cuatro movimientos, pero cada canción posee su propia personalidad. Siempre empiezo por fijarme en el primer sonido: un gong bajo, como un tam-tam, que sumerge la sala en la penumbra. Sobre remolinos de platillos, Jones crea una neblina y Garrison introduce el motivo de cuatro notas, una célula simple que Coltrane repetirá treinta y seis veces antes de cantarla diecinueve veces con su propia voz sobregrabada. La pieza inicial, "Acknowledgement", se siente como una invocación; el canto fundamenta la música en algo comunitario más que privado.

"Resolution" sigue sin pausa. La mano izquierda de Tyner bloquea un pedal profundo, mientras que su mano derecha golpea grupos brillantes que recuerdan más a campanas de iglesia que al brillo de una discoteca. Cuando Coltrane vuelve a entrar a los tres minutos y cincuenta y seis segundos, parece completar una declaración que comenzó en el número anterior, como si cada nota doblada apuntara hacia este lanzamiento.

"Pursuance" comienza con un solo continuo de Jones, un trueno polirrítmico que se vierte directamente en la excursión más feroz de Coltrane de la noche. A mitad de la canción, estalla la tormenta; Garrison se queda solo tocando el bajo durante casi dos minutos, con una resonancia tan amplia que el estudio suena como una caverna.

"Psalm" cierra la suite bajo una luz diferente. Aquí, John Coltrane interpreta un poema impreso en la carátula del álbum, pero lo recita con saxofón tenor en lugar de hablar. Mantengo el texto a mi lado mientras escucho, siguiendo las sílabas con su fraseo. El efecto se acerca más a un sermón que a un solo en el sentido habitual del jazz. 

Escuchar la música, no la leyenda:

Dado que la suite apareció en pleno apogeo de la década de los derechos civiles, los críticos suelen atribuirle motivos políticos. John Coltrane, sin duda, había reaccionado al mundo que lo rodeaba; su obra anterior, Alabama, lamentó el atentado con bomba en una iglesia de Birmingham, pero yo interpreto "A Love Supreme" menos como un comentario y más como un testimonio personal. Coltrane había superado la heroína y el alcohol en 1957 y hablaba abiertamente de un "despertar espiritual". Los cuatro movimientos reflejan ese arco: reconocimiento, compromiso, esfuerzo y, finalmente, paz.

Técnicamente, el material es sorprendentemente directo. Los números primero y cuarto se asientan sobre un único centro tonal, mientras que las dos canciones centrales son formas de blues de doce compases, alargadas por la improvisación modal. Muchos jóvenes músicos descubren, para su sorpresa, que la suite es más difícil de tocar que de analizar. El desafío no es la complejidad armónica, sino la temperatura emocional sostenida que mantiene el cuarteto.

Del silencio en el estudio al fuego del club:

Solo se conservan dos versiones completas de Coltrane en concierto, grabadas en julio y octubre de 1965. La interpretación en Seattle, publicada recientemente a partir de una cinta privada, amplía el cuarteto a un septeto que incluye a Pharoah Sanders y Carlos Ward. Las trompas añadidas convierten la suite en setenta y cinco minutos de cruda exploración colectiva, prueba de que Coltrane la trató como un ritual vivo más que como una composición fija.

Las lecturas en vivo de artistas posteriores subrayan este punto. El guitarrista John McLaughlin, quien escuchó el álbum por primera vez a los 23 años, calificó el canto de cuatro notas como "un mantra hindú" e inauguró su colaboración de 1973 con Carlos Santana con "Acknowledgement". El saxofonista Branford Marsalis ha interpretado la suite completa en dos grabaciones, argumentando que "la intensidad es más importante que la información". Incluso el hijo de Coltrane, Ravi, nacido siete meses después del lanzamiento del disco, solo aborda la música en contextos que resultan suficientemente serios.

Por qué los nuevos oyentes deberían empezar aquí:

Si llevas tiempo explorando el jazz, este es un punto de partida ideal. La suite es concisa, los temas son memorables y cada improvisación surge lógicamente del material. Las líneas de piano de Tyner revelan raíces blues, el bajo de Garrison cimienta la armonía y Jones equilibra la libertad con el pulso. Sobre todo, la voz de tenor de Coltrane posee una claridad narrativa que nunca deslumbra al no iniciado.

Muchas grabaciones clásicas de jazz se basan únicamente en el virtuosismo, pero "A Love Supreme" combina ese virtuosismo con un propósito. Se puede percibir a John Coltrane lidiando con la pregunta de cómo agradecer a la fuente de su talento; la suite es su respuesta. Esa intención le otorga al disco un enfoque que a menudo falta en experimentos vanguardistas más extensos.

Disco recomendado

Después de muchas décadas, "A Love Supreme" sigue vivo, no como una pieza de museo, sino como un documento de posibilidades. Cada vez que vuelvo, la música me invita a escuchar con la misma apertura que Coltrane buscó en diciembre de 1964. Ya sea que elijas una edición original, la escuches en streaming o pongas un vinilo de nueva edición en tu tocadiscos, presta toda tu atención a la suite desde el primer gong hasta la última oración. La recompensa es una inusual unión de disciplina y devoción, intelecto y espíritu, un recordatorio de que la música aún puede ser un camino hacia el significado. Recomiendo añadir este disco a cualquier colección que valore la profundidad por encima de la decoración, porque "A Love Supreme" sigue siendo, sencillamente, esencial.

Video del tema "Acknowledgement":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1. December 9, 1964 90243 Part 1: "Acknowledgement" 7:47
2. December 9, 1964 90244‒7 Part 2: "Resolution" 7:22

Cara B:

1. December 9, 1964 90245‒1 Part 3: "Pursuance"/ Part 4: "Psalm" 17:53

The John Coltrane Quartet:

• John Coltrane – director de orquesta, notas del álbum, voz, saxofón tenor
• McCoy Tyner – piano
• Jimmy Garrison – contrabajo
• Elvin Jones – batería, gong, timbales

Personal adicional:

• Archie Shepp – saxofón tenor en tomas alternativas de «Acknowledgement»
• Art Davis – contrabajo en tomas alternativas de «Acknowledgement»

Bob Thiele – producción

ALICE COLTRANE - Universal Consciousness - Album

Si nunca has oído hablar de Alice Coltrane, o si el jazz siempre te ha parecido un género un poco inaccesible, lo entiendo. Llegué a este álbum con más curiosidad que experiencia, atraído por un nombre que conocía principalmente a través de su legendario esposo, John Coltrane. Pero lo que encontré en "Universal Consciousness" fue algo mucho más allá del género, una música profundamente personal, espiritual y emotiva que no requiere conocimientos previos para sentirla. No es solo para amantes del jazz o buscadores espirituales; es para cualquiera que alguna vez haya necesitado el sonido para comprender el silencio. Este es el tipo de álbum que puede abrir algo en ti, lenta, silenciosa y repentinamente. Permíteme explicarte por qué vale la pena escuchar este disco.

ALBUM: Universal Consciousness 

Cuando escuché por primera vez "Universal Consciousness", no sabía muy bien qué iba a experimentar. Esperaba una mezcla de jazz y espiritualidad; claro, esa es la reputación de Alice Coltrane. Pero lo que se desplegó fue algo completamente distinto, extraño pero distinto. Se sentía menos como escuchar un álbum y más como adentrarse en un mundo. Una atmósfera cargada, electrizada por el misterio y el anhelo, la paz y el poder.

Publicado en 1971, "Universal Consciousness" fue el quinto disco en solitario de Coltrane y el primero en el que hizo del órgano Wurlitzer su pieza central. Para entonces, ya había sufrido la muerte de su esposo John Coltrane, sus padres y su medio hermano. Había pasado meses en un aislamiento casi total, meditando hasta 20 horas al día, atormentada por visiones y colapso físico. El viaje hacia la recuperación la llevó a las aguas sagradas del Ganges (India) y a las enseñanzas espirituales de Swami Satchidananda.

Esta no fue una etapa artística; Fue supervivencia, y luego, renacimiento. Y todo está aquí, en poco más de 36 minutos de música.

El sonido de la liberación:

La pieza inicial, "Universal Consciousness", no te introduce fácilmente. Te sumerge en un torbellino cinético. Las cuerdas se lanzan y se sumergen como relámpagos en una tormenta, mientras el arpa de Coltrane se abre paso con una claridad resplandeciente. La batería de Jack DeJohnette se mueve como un espíritu desatado, urgente pero preciso. Y entonces, sin previo aviso, aparece el Wurlitzer. No entra, aparece, como una revelación. Ese momento, justo después del minuto de duración, se me ha quedado grabado cada vez que lo escucho. Es una llegada que se siente como una puerta que se abre dentro de tu propio pecho.

El jazzista Ornette Coleman, el gran saxofonista vanguardista, transcribió los arreglos para violín, que son todo menos ornamentales. Se sienten crudos, incluso irregulares por momentos, más cercanos a Ligeti que a la exuberante balada de jazz. Leroy Jenkins y Joan Kalisch no suavizan las aristas, sino que profundizan el drama. Las cuerdas de este álbum no están ahí para embellecer las cosas; están ahí para ayudar a contar una historia de transformación.

Conflicto interno, quietud externa:

Cada pieza del disco "Universal Consciousness" se siente como un capítulo distinto en un viaje interior. "Battle at Armageddon", un dueto con Rashied Ali, puede sonar como si describiera una guerra cósmica, pero Alice fue muy clara: esta batalla está en el interior. El caos rítmico, la forma en que sus riffs de órgano chocan con la batería cinética de Ali, es el sonido de una mente que busca claridad a través de la lucha espiritual.

"Oh Allah" cierra la primera cara con algo más sereno, aunque no menos intenso. Las líneas de teclado de Coltrane se mueven en escalas de tonos enteros, meciéndose como banderas de oración al viento. El bajo de Jimmy Garrison ofrece base, pero nunca raíces. Es una pieza que parece exhalar, reverente, brillante, irresuelta en el mejor sentido.

Cara B (Versión LP): Devoción en movimiento:

Lo que más me impacta del lado dos es su vitalidad. Hare Krishna comienza con una silenciosa invocación, con las cuerdas pulsando como el aliento, el órgano de Coltrane brillando en lentos bucles. No se desarrolla hasta un clímax, sino hasta una especie de quietud radiante. Es la pieza más accesible del álbum, y quizás la más hermosa. Incluso sin palabras, se percibe lo que dice: que la fe puede ser suave, incluso juguetona.

"Sita Ram", extraída de un bhajan que Alice escuchó durante un viaje por la India, reemplaza el cuarteto de cuerdas con la zumbante tamboura, interpretada por su colaboradora Tulsi. Hay calidez en esta canción, una paciencia devocional. El órgano y el arpa se funden, formando una corriente más que una melodía. La sutil percusión de Clifford Jarvis eleva el disco lo justo para que parezca un movimiento sin rumbo, el tipo de pieza que no se escucha, sino que se respira.

Y luego, "The Ankh of Amen-Ra". Otro dueto Coltrane-Ali, cierra el disco con un arpa celestial y campanillas de viento que poco a poco dan paso a algo más realista, aunque nunca mundano. Esta es música en la frontera entre la forma, el lenguaje y el sonido, que se dan la mano, pero nunca se fusionan del todo.

Más que jazz:

Lo que hace a "Universal Consciousness" tan perdurable, incluso revolucionaria, es su negativa a quedarse en un solo lugar, ya sea en cuanto a género o espiritualidad. Sí, a menudo se le etiqueta como "jazz espiritual", pero ese término parece una reducción. No se trata del jazz como estilo, sino del jazz como proceso, una disciplina que busca la libertad y se revela a sí misma. No hay instrumentos de viento en este disco, pero nunca se siente vacío. Alice ya no los necesitaba. Con el arpa y el órgano, encontró la manera de decirlo todo ella misma.

Su órgano Wurlitzer, elegido no por marketing, sino, según ella, por revelación divina, se convierte en su voz. Fusiona el gospel de Detroit con el raga indio, la formación clásica con el abandono extático. Llena el espacio dejado por el saxofón de John, no como un eco, sino como una nueva lengua. Ella no continuaba su legado; lo trascendía.

Una nota personal:

Cuando recomiendo "Universal Consciousness", no lo hago a la ligera. No es música de fondo. No es jazz para desconectar ni algo que se escucha a medias mientras se dobla la ropa. Es un disco que exige mucho, y recompensa tu paciencia con una presencia plena. No te dice qué pensar o sentir, pero sí te abre un espacio para preguntar.

Escuchar este álbum hoy, décadas después de grabarlo en un estudio de Nueva York y en el sótano de Alice en Long Island, es como viajar en el tiempo. No hacia atrás, sino hacia dentro. Es un recordatorio de que el duelo y el crecimiento son parte del mismo arco. Ese sonido, como el espíritu, puede ser ilimitado y arraigado.

Disco recomendado

"Universal Consciousness" de Alice Coltrane es algo excepcional, una visión artística completa, sin límites de tiempo, género ni ego. Es el sonido de una persona que lucha con lo divino y nos permite escucharlo generosamente.

Tanto si eres un veterano explorador del jazz como si simplemente te has planteado preguntas más profundas sobre la vida, este disco ofrece algo a lo que vale la pena volver. Es música que te conecta donde estás y te invita a ir más allá. Al misterio. A la devoción. A ti mismo.

Lo recomiendo a todos los lectores de este blog de música que buscan algo totalmente diferente.

Video del tema "The Ankh of Amen-Ra":

Tracklist:

1."Universal Consciousness" – 5:06
2."Battle at Armageddon" – 7:20
3."O Allah" – 5:00
4."Hare Krishna" – 8:14
5."Sita Ram" – 4:47
6. "The Ankh of Amen-Ra" – 6:09

Créditos:

• Alice Coltrane – arpa, órgano
• Jimmy Garrison – bajo (1, 3, 4, 5)
• Jack DeJohnette – batería (1, 3, 4)
• Clifford Jarvis – batería (4, 5), percusión (4)
• Rashied Ali – batería (2, 6), campanas de viento (6)
• Tulsi – tanpura (4, 5)
• John Blair, Julius Brand, Leroy Jenkins, Joan Kalisch – violín (1, 3, 4)

Arreglos de cuerda en las pistas 1, 3 y 4 de Coltrane. Pistas 4 y 5 arregladas por Coltrane. Transcripciones de las pistas 1, 3 y 4 de Ornette Coleman.

Producción de Alice Coltrane, Ed Michel y Brian Konairz.

JOHN COLTRANE - Blue Train - Album

Examinando todos los posts sobre música jazz en este blog de música, descubro que aún tengo que hacer una "recomendación" para el álbum "Blue Train" de John Coltrane. ¡Mi culpa melómanos! 

Aquí está la recomendación de uno de los mejores discos de la historia de la música jazz.

 

ALBUM: Blue Train

 
Disco de estudio del saxofonista y compositor de jazz "John Coltrane". Fue publicado en enero de 1958. Coltrane escribió cuatro de las cinco canciones. Su forma de tocar destaca los primeros elementos del estilo característico por el que más tarde se hizo famoso. El enfoque único de Coltrane hacia la improvisación es sobresaliente en este LP. "Blue Train" también es el primer gran álbum del saxofonista después de que dejó su adicción a la heroína para siempre.

El personal de este disco incluye a los compañeros de banda cuando con Miles Davis; Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería, quienes habían trabajado antes con el pianista Kenny Drew. Tanto el trompetista Lee Morgan como el trombonista Curtis Fuller eran músicos de jazz prometedores, y ambos fueron miembros de Art Blakey 's Jazz Messengers a su debido tiempo.

El estilo de interpretación musical del LP avisa el comienzo del estilo Coltrane. Sus solos son más armónicos y las líneas arpegiadas. Su sincronización está separada o por encima del ritmo, en lugar de tocar sobre él o detrás de él. Dicho esto, también notarás a Coltrane al escuchar por primera vez el gran volumen y la velocidad con la que toca. Se puede decir que fue quizás el mayor improvisador de la historia de la música jazz.

Este LP también muestra muy claramente la sólida evidencia sonora de las habilidades innatas de liderazgo de Coltrane. No sólo aborda las melodías, sino que al mismo tiempo se reinventa como un intérprete polifacético tanto del hard bop como de la balada sensible.

Los sorprendentes arreglos de triple trompeta incorporan una densidad sonora adicional que sigue siendo una marca registrada única tanto de esta banda como de este álbum. De particular mención para los fans del jazz es el trombón de tono uniforme de Curtis Fuller, que salta a lo largo de la canción principal, así como en el frenético "Moments Notice". Otros aspectos destacados que se pueden encontrar incluyen los sutiles riffs de Paul Chambers en "Blue Train", así como la gran energía e impacto de las contribuciones de Lee Morgan y Kenny Drew durante "Locomotion". La canción también presenta algunas contribuciones breves pero notables de Philly Joe Jones, cuyo trabajo a lo largo del disco se encuentra entre sus mejores.

En general, "Blue Train" muestra a Coltrane exhibiendo todo su paladar artístico y creativo, combinando todos los niveles de habilidad técnica, visión artística y exploración intelectual, maravillosamente mezclados para que el oyente los disfrute. Abarca muchos tipos de melodías de jazz expresivas, emotivas y reveladoras. Es una música vibrante y sofisticada. En pocas palabras, un paquete de músicos de primer nivel, arreglos de primer nivel y simplemente un gran álbum.

Por último, pero no menos importante, John Coltrane era una estrella en ascenso antes de que saliera "Blue Train", y continuaría desarrollándose como una fuerza creativa en el jazz a medida que pasaba el tiempo, pero este fue el álbum en el que por primera vez se defendió como uno de los mejores saxofonistas que la música jazz haya visto jamás.

 

Disco recomendado

 
"Blue Train" es donde John Coltrane lo reunió todo y puso todas las ideas que había estado gestando en el paquete más completo. Recomiendo ampliamente este álbum como un buen punto de partida para una colección de John Coltrane. Sin duda, "Blue Train" puede considerarse una de las obras más importantes e influyentes no sólo de la carrera de Coltrane, sino de todo el género de la música jazz.

Y por último, una vez que descubras este LP, también te recomiendo otro de mis favoritos de Coltrane, "Giant Steps" (1960). De nuevo, simplemente mágico.

Video del tema "Blue Train":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1."Blue Train" – 10:43
2."Moment's Notice" – 9:10

Cara B:

1."Locomotion" – 7:14
2."I'm Old Fashioned" (Johnny Mercer, Jerome Kern) – 7:58
3."Lazy Bird" – 7:00

Músicos:

• John Coltrane – saxofón tenor
• Lee Morgan - trompeta
• Curtis Fuller – trombón
• Kenny Drew - piano
• Paul Chambers - bajo
• Philly Joe Jones - batería

Técnico:

Alfred Lion - productor

MILES DAVIS - Round About Midnight - Album

Este post ha sido motivado por una mágica experiencia musical. Decidí sacar un LP de Miles Davis titulado "Round About Midnight" para acompañarme durante un "tiempo para mí". No sé si el estado de ánimo relajado, o el estado de ánimo contemplativo, sacaron a relucir sonidos que no percibí en otras escuchas. El hecho es que fue una media hora maravillosa de jazz brillante a cargo de músicos increíbles.

Quiero recomendar a los melómanos y lectores de este blog de música, esta hermosa e importante grabación de Jazz.

 

ALBUM: Round About Midnight

 

El disco de estudio del trompetista y compositor de jazz Miles Davis con su quinteto. Fue publicado en marzo de 1957 y grabado en el estudio de Columbia en Nueva York en tres sesiones entre octubre de 1955 y septiembre de 1956. El álbum toma su nombre de la composición de Thelonious Monk "Round Midnight", que Davis había interpretado con el propio Monk en el 1955 "Festival de Jazz de Newport". Este disco es un trabajo importante en el desarrollo del jazz post-bop. Puede verse como "una crítica continua del bebop" y un precursor del cool jazz, el hard bop, el jazz modal y el jazz fusión del que Miles Davis sería pionero en los años siguientes.

Este es también uno de los mejores discos de jazz hard bop que puedas escuchar. Como muchos de los discos de Miles Davis de los años 50 y 60 (siglo xx), es una obra de belleza atemporal. Las cosas comienzan muy bien con la lectura de Miles del estándar de jazz de Thelonious Monk "Round Midnight" que crea una sensación y una visión nocturna y cinematográfica. Las cosas toman un giro hacia "bebop" con la interpretación del primer quinteto de Davis de "Ah-Leu-Cha" tema de Charlie Parker, que también es de vibra nocturna y urbana; el solo de Coltrane aquí se destaca por su marcado contraste con el propio Davis: Coltrane elige una dirección angular donde encuentra el corazón del modo y toca una melodía en contrapunto armónico a los cambios pero nunca suena fuera. La interpretación de Miles Davis del estándar de Cole Porter "All of You", que finaliza la primera cara del LP, se ubica como uno de sus mejores momentos de Miles (que son muchos). La segunda cara abre con una hermosa balada en la interpretación del quinteto de "Bye Bye Blackbird" antes de terminar el álbum con dos números de medio tiempo en "Tadd's Delight" y "Dear Old Stockholm", que continúan con la sensación fresca, urbana y nocturna de todo el álbum.

Gran parte de la magia de este LP es tener músicos sobrenaturales llenos de talento como la banda de "apoyo". La formación tiene entre sus filas a Philly Joe Jones, Paul Chambers, el pianista Red Garland y un tenor casi desconocido en ese momento llamado John Coltrane. Con tales talentos, musicalmente el sonido es hermoso y debo añadir inusual. Miles Davis ya había liderado la carga a través de dos cambios en el jazz, tanto cool jazz como hard bop, y estaba comenzando a moverse en otra dirección que no se definiría hasta dentro de dos años.

Las palabras que me vienen a la mente cuando escucho "Round About Midnight" son "elegante", "cool", "puro", "unificado" y "belleza". Pero no penséis que este álbum es sencillo. Tiene la rica complejidad que es el genio de Miles Davis y de su banda. El fluido de las canciones, los suaves cambios de los solos a las melodías, todo es tan sofisticado y magistral que estos músicos hacen que parezca fácil. Es maravilloso.

Y como reflexión, este LP contiene los sonidos de los años 50 de los Estados Unidos, un sonido que definió la forma de vestir y el estilo de la gente. La música ayudó a establecer el tono y abrió las puertas a los cambios dinámicos que estaban a la vuelta de la esquina en los años 60. Este disco también marca una línea en la historia del jazz, inaugurando un nuevo entendimiento del estilo. Sí, esto es lo mejor de Miles Davis en ese momento de su carrera, aunque eventualmente se superaría a sí mismo y llegaría aún más alto en el jazz.

 

Disco recomendado

 
¿Por qué? Es Miles Davis en el apogeo de sus poderes en ese momento; un quinteto del más alto calibre; la futura superestrella John Coltrane; todo iguala a definirlo como una obra maestra del jazz. Hay poco más que decir excepto que "Round About Midnight" se encuentra entre una de las grabaciones importantes de Miles Davis. Escúchalo. Es un clásico del jazz.

Video del tema "Round Midnight":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "'Round Midnight" Thelonious Monk 5:58
2.         "Ah-Leu-Cha" Charlie Parker 5:53
3.         "All of You"   Cole Porter     7:03

Cara B:

1.         "Bye Bye Blackbird"  Mort Dixon, Ray Henderson 7:57
2.         "Tadd's Delight"         Tadd Dameron           4:29
3.         "Dear Old Stockholm"           Traditional, Stan Getz (Arr.) 7:52

The Miles Davis Quintet:

• Miles Davis - trompeta
• John Coltrane – saxofón tenor
• Red Garland - piano
• Paul Chambers – contrabajo
• Philly Joe Jones - batería

ARCHIE SHEPP - Four for Trane - Album

Voy a recomendarte un brillante disco de jazz de los años 60 (siglo xx). Un álbum tributo de un estudiante y amigo a su mentor e ídolo.

Archie Shepp es un brillante intérprete de jazz en el estilo "avant garde" influenciado por John Coltrane. Shepp fue alumno de Coltrane y tocó con él y cuando Shepp siguió su "propio camino" grabó y editó "Four for Trane", un maravilloso LP que quiero atraer la atención de los melómanos y lectores de este blog de música.

¿Quién es el músico de jazz "Archie Shepp"?

 
Archie Shepp es un saxofonista, compositor, educador y dramaturgo de jazz estadounidense que desde la década de 1960 ha desempeñado un papel central en el desarrollo del jazz de vanguardia. Encarnó el lado radical y experimental del jazz de los años 60, pero luego se convirtió en uno de los mayores más venerados y respetados del género.

Nacido en Florida en 1937 pero criado en Filadelfia, Sheep estudió piano, clarinete y saxofón alto durante la escuela primaria y secundaria antes de centrarse en el saxofón tenor. Su carrera es larga, muy larga y con una discografía "interminable" estando todavía en activo en la actualidad.

De su larga y extensa lista de grabaciones, quiero recomendar el disco de 1965 "Four for Trane", un maravilloso LP de jazz y un homenaje a su mentor y amigo John Coltrane.

 

ALBUM: Four for Trane

 
Este es un disco de estudio del saxofonista tenor Archie Shepp publicado en 1965. Cuatro de las cinco canciones fueron compuestas y grabadas originalmente por John Coltrane (publicadas en sus álbumes "Giant Steps" y "Coltrane Plays the Blues") y reorganizadas por Shepp y el trombonista Roswell Rudd. Los otros músicos destacados son el trompetista Alan Shorter (hermano de Wayne), el saxofonista alto John Tchicai, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett (que trabajó con Ornette Coleman). El propio John Coltrane coprodujo el álbum junto a Bob Thiele.

Este álbum fue también el primer papel de Archie Shepp como líder. Lo sobresaliente de este LP es que se mantiene mejor que casi cualquiera de los discos de Shepp después de tantos años. Esto tiene mucho que ver con la banda que eligió para esta sesión y gracias a las habilidades de arreglo del trombonista Roswell Rudd. La banda de "Four for Trane" está formada por Shepp al tenor, John Tchicai al alto, Rudd al trombón, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett. Una verdadera banda de primer nivel.

Comienza el LP con una versión influenciada por el blues, "Syeeda's Song Flute", el hecho es que Shepp le da a todas las canciones una inclinación hacia el blues. La interpretación es ingeniosa, con la crudeza de todo el asunto siendo sencillo. El arreglo de Rudd del tema "Naima" es asombrosamente hermoso: re-armoniza la pieza para el tono del registro medio de Shepp, quien agrega una etiqueta microtonal en el frente y en el fondo, dislocando la melodía antes de que comience y después de que termine, mientras la mantiene fuera del rango de la consonante en todo momento. El único tema original de Archie Shepp es "Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)". Funciona bien en el contexto de esta banda debido a la destreza solista de todos los miembros, particularmente de Tchicai. Apenas hay melodía, los cambios de clave son acordes con los cambios de tempo y los armónicos son del tipo escala móvil. Y centrándonos en Shepp y en su genio, hace de las canciones suyas.

En resumen, cinco números de tempo rápido y ofreciendo un gran LP de "free style".

Disco recomendado

 
"Four for Trane" es un álbum excelente, original y duradero. Un maravilloso disco de Archie Shepp donde interpreta y rinde homenaje a su mentor con cuatro composiciones de Coltrane, dándoles forma a su propio estilo "avant-garde" y tocando un inspirado saxofón tenor acompañado de una fabulosa banda.

En lo que respecta a los álbumes tributo del jazz, este es un clásico y creo que se debe escuchar, especialmente los fans del jazz. Buscarlo.

Video del tema "Naima":

Tracklist (LP original):

Todas las composiciones son de John Coltrane, excepto donde se indique lo contrario (5):

1."Syeeda's Song Flute" – 8:30
2."Mr. Syms" – 7:41
3."Cousin Mary" – 7:14
4."Naima" – 7:09
5."Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)" (Shepp) – 6:24

Musicos:

• Archie Shepp – saxofón tenor
• Alan Shorter - fliscorno
• John Tchicai – saxofón alto
• Roswell Rudd - trombón, arreglista
• Reggie Workman - contrabajo
• Charles Moffett - batería

THELONIOUS MONK - Thelonious Monk with John Coltrane - Album

Thelonious Monk es una leyenda del jazz y una excelente fuente de inspiración para comenzar si quieres iniciarte en el jazz. Su discografía es enorme, no hay espacio para poner todos los discos aquí, pero voy a resaltar y recomendar uno en particular. El lanzamiento de 1961 titulado "Thelonious Monk with John Coltrane", un disco maravilloso donde obtienes la oferta de dos por uno; es decir, dos de los más grandes músicos de jazz juntos en un solo álbum. El LP ha sido elogiado por sus interpretaciones innovadoras y virtuosas, así como por su importancia histórica al documentar el encuentro de dos gigantes del jazz.

 

¿Quién era Thelonious Monk?

 
Thelonious Sphere Monk fue un pianista y compositor de jazz estadounidense. Tenía un estilo de improvisación único e hizo numerosas contribuciones al repertorio de jazz estándar, incluyendo temas como "'Round Midnight", "Blue Monk", "Straight, No Chaser", "Ruby, My Dear", "In Walked Bud" y "Well, You Needn't". Thelonious Monk es el segundo compositor de jazz con más grabaciones después del legendario Duke Ellington.

Las composiciones e improvisaciones de Monk presentan disonancias y giros melódicos angulares y son consistentes con su enfoque poco ortodoxo del piano, que combinaba un ataque percusivo con un uso abrupto y dramático de cambios de teclas, silencios y vacilaciones.

Monk tenía una apariencia distinta que incluía trajes, sombreros y gafas de sol; un "cool motherf*cker" realmente genial. También tenía una manía idiosincrásico durante sus actuaciones: mientras otros músicos seguían tocando, Monk se detenía, se levantaba y bailaba unos momentos antes de volver al piano.

Thelonious Monk murió el 17 de febrero de 1982. Fue uno de los más grandes intérpretes de jazz en la historia del género.

 

ALBUM: Thelonious Monk with John Coltrane

 
Disco publicado en 1961 que consta de material grabado cuatro años antes (1957), cuando Monk trabajó extensamente con John Coltrane, publicado después de que Coltrane se convirtiera en un líder y estrella del jazz por derecho propio.

El LP original fue armado con material de tres sesiones diferentes. El impulso para el álbum fue el descubrimiento de tres pistas de estudio utilizables grabadas por el Monk Quartet con Coltrane en julio de 1957 al comienzo de la residencia de seis meses de la banda en el legendario club "Five Spot" de Nueva York. El productor Keepnews incluyó dos tomas descartadas del álbum "Monk 's Music" grabadas el mes anterior y una toma adicional de "Thelonious Himself" grabada en abril. El LP original contiene seis canciones con lanzamientos posteriores en 2010 con un extra, "Monk 's Mood".

Considerada universalmente como una de las mayores colaboraciones entre los dos músicos más influyentes del jazz moderno (con permiso de Miles Davis). Si bien el dominio de los dos está fuera de toda duda, también hay que darle crédito al bajista Wilbur Ware, está absolutamente sólido. Dicho esto, los músicos invitados en este LP (Art Blakey, Coleman Hawkins, Gigi Gryce (ver lista completa abajo))... es increíble.

Los números "Off Minor" y "Epistrophy" de tres minutos con los legendarios saxofonistas Coleman Hawkins, Gigi Gryce y el brillante trompetista Ray Copeland son canciones distintivas que todo fan del jazz debería escuchar. De las cuatro sesiones del cuarteto, el corte "Trinkle Tinkle" pone a prueba el temple de Coltrane, ya que combina perfectamente con Monk, pero por el contrario no fue forzado durante "Nutty" antes de romper. El piano solo de Monk, en este LP, es "Functional", y tiene un sabor a blues y boogie-woogie. No obstante, todas las composiciones del disco se encuentran entre las mejores de Monk y algunas de estas versiones pueden considerarse definitivas (en particular la canción de apertura "Ruby My Dear").

 

Disco recomendado

 
Un álbum venerado que presenta a dos de los mejores músicos de todos los tiempos del siglo XX, tocando realmente muy bien juntos. Tan maravilloso como históricamente importante, este es un álbum absolutamente esencial para tu colección de jazz y también es un excelente punto de partida para cualquiera que busca familiarizarse con las personalidades musicales de dos de los nombres más conocidos de todo el género.

Video del tema "Trinkle, Tinkle":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Cara A:

“Ruby, My Dear” – 6:17
“Trinkle, Tinkle” – 6:37
“Off Minor [take 4]” – 5:10

Cara B:

“Nutty” – 6:35
“Epistrophy”  – 3:07
“Functional [take 1]” – 9:46

Personnel - músicos:

• Thelonious Monk – piano
• John Coltrane - saxofón tenor, pistas 1 a 5, 7
• Ray Copeland - trompeta en "Off Minor" y "Epistrophy"
• Gigi Gryce - saxofón alto en "Off Minor" y "Epistrophy"
• Coleman Hawkins - saxofón tenor en "Off Minor" y "Epistrophy"
• Wilbur Ware: bajo en todos excepto en "Functional"
• Shadow Wilson - batería en "Ruby, My Dear", "Trinkle, Tinkle" y "Nutty"
• Art Blakey - batería en "Off Minor" y "Epistrophy" 

MILES DAVIS - Kind of Blue - Album

¿El mejor álbum de jazz de la historia?

Me da algo de pena pensar que la mayoría de personas menos de 30 años no conoce el álbum "Kind of Blue" y menos a Miles Davis, y ya no te digo nada sobre el género de música Jazz. Claro esta, somos libres cada un@ elegir o escuchar lo que le apetece, pero quizás un pequeño "empuje" o indicación para cruzarte con esta citada obra puede añadir valor a tus conocimientos musicales.

Como la filosofía de este blog de música es dar a descubrir estilos, músicos y álbumes para interesados doy espacio al álbum "Kind of Blue" de Miles Davis. Y siendo humilde, si un oyente no puede obtener ningún placer de este álbum, entonces el jazz probablemente no sea para el/ella. Dicho esto, es una de las pocas obras de jazz que realmente gusta a los que no les gusta el jazz.

Sobre el disco en cuestión, el elemento clave para describir este trabajo es el "modal". Descartando cambios estrictos de acordes, Miles Davis compuso las canciones en torno a modos. Esto le dio a él y a los músicos mucha más libertad en sus solos; uno podría tocar una serie interminable de variaciones sobre la melodía simple, como por ejemplo, los temas abre "So What" o "All Blues".

La banda que colabora con Miles Davis en este disco contiene un equipo soñado de luminarias del jazz que incluye a John Coltrane, Cannonball Adderley, Wynton Kelly, Bill Evans, Jimmy Cobb y Paul Chambers. Cada uno de ellos continuaría grabando música brillante bajo su propio nombre.

En este post, exploramos juntos la creación y el impacto del disco "Kind of Blue", desde su significado histórico hasta su influencia en otros músicos y en la cultura popular. Y al final, espero poder dar una chispa de curiosidad o convencer al lector de ir a descubrirlo y escuchar el disco.

Miles Davis - Kind of Blue - Album

En la historia de la música, hay ciertos álbumes que han cambiado el rumbo de un género en particular. Uno de ellos es "Kind of Blue", del legendario músico Miles Davis. Este álbum de jazz revolucionó la industria musical y dejó un legado importante en la música estadounidense y mundial.

La creación del álbum "Kind of Blue":

La creación del álbum "Kind of Blue" fue un acontecimiento revolucionario en la historia del jazz. Miles Davis, lideró una grabación que se alejó del enfoque tradicional de improvisación y experimentación en el jazz modal.

El álbum "Kind of Blue" fue grabado en dos sesiones de marzo de 1959 en Nueva York por un grupo de músicos excepcionales, incluyendo a John Coltrane (saxofón tenor), Julian "Cannonball" Adderley (saxofón alto), Bill Evans y Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Jimmy Cobb (batería). El álbum se publicó el 17 de agosto de 1959.

Miles Davis pidió a los músicos que grabaran el álbum sin ningún ensayo previo, lo que permitió una mayor espontaneidad y frescura en el sonido.

 

El Jazz Modal: 

Una de las contribuciones más importantes de "Kind of Blue" al jazz fue su uso del "Modal". Esta técnica musical se basa en la utilización de escalas modales en lugar de acordes tradicionales, lo que permite una mayor improvisación y libertad creativa para el músico. Davis lideró el movimiento del jazz modal y lo llevó a nuevos niveles de creatividad y sofisticación.

"Kind of Blue" fue el primer álbum que abordó la idea de que el jazz podría escribirse en términos modales. Una nueva forma de armonía que cambiaba la forma en que pensábamos sobre el jazz." - Bill Evans

El resultado de estas sesiones de grabación sin ensayo previo fue una obra maestra que ha resistido la prueba del tiempo. "Kind of Blue" es considerado por muchos críticos como la obra maestra de Miles Davis, el mejor disco de jazz jamás grabado y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Su impacto en la música, incluidos el jazz, el rock y los géneros clásicos, ha llevado a los escritores a considerarlo también uno de los álbumes más influyentes jamás realizados.

Canciones del Álbum:

"Kind of Blue" es un álbum de jazz icónico con solo cinco canciones. Cada tema es una expresión musical única de los talentosos músicos que participaron en el proyecto:

• "So What"
  Esta canción en tiempo 4/4 abre el álbum y se considera una de las piezas más influyentes en la historia del jazz. Su bajo pegadizo y su uso de acordes modales establecen el tono para el resto del álbum.

• "Freddie Freeloader"
  En tiempo 4/4, se caracteriza por acordes de blues. El solo de trompeta de Davis en el medio es particularmente destacable.

• "Blue in Green"
  Un ritmo lento y melancólico establece el tono para esta canción, en tiempo 4/4, que cuenta con un solo de piano evocador de Bill Evans. El estilo de la canción es más introspectivo y reflexivo que las otras canciones del álbum.

• "All Blues"
  Con su ritmo de 6/8 y sus acordes modales, se considera una de las canciones más accesibles del álbum. Coltrane y Adderley toman el mando en esta canción con sus saxofones, mientras que Evans proporciona un solo de piano brillante.

• "Flamenco Sketches"
  Esta canción es única porque se basa en una progresión de acordes modal, en lugar de la progresión de acordes estándar en la mayoría del jazz. Los solos de saxofón son de particular importancia en esta pieza, y el ambiente general es más relajado y tranquilo en comparación con las otras canciones del álbum.

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "So What"       Miles Davis     9:22
2.         "Freddie Freeloader"  Davis   9:46
3.         "Blue in Green"          Davis, Bill Evans        5:27 

Cara B:

1.         "All Blues"      Davis   11:33
2.         "Flamenco Sketches"  Davis, Evans   9:26

Video del tema "Freddie Freeloader":

 

Análisis musical del disco "Kind of Blue": 

El trabajo es una obra maestra del jazz modal y representa un cambio innovador en el sonido tradicional del jazz.

El álbum es un ejemplo excepcional de la brillantez musical de Miles Davis y su capacidad única para llevar a cabo ideas creativas con éxito. La habilidad de Davis para liderar a su grupo de músicos y crear un sonido interiorizado y colectivo sin ensayos previos es impresionante.

El uso de la improvisación en "Kind of Blue" es un aspecto clave de su éxito. Davis adoptó una aproximación más libre a la música, alejándose de la estructura más rígida del jazz de la época y permitiendo que los músicos se sintieran verdaderamente libres de expresarse. Los solos de cada músico son impresionantes en su propio derecho, pero juntos forman un todo cohesivo y armonioso.

La forma en que Miles Davis usa el espacio y el silencio es otro aspecto importante de la composición. Al restringir el número de acordes y melodías, Davis permitió que el ritmo y la armonía fueran guiados por los solos y la improvisación de los músicos. Este enfoque es evidente en el uso de escalas modales, que proporcionan una mayor libertad para explorar e improvisar dentro de la música.

 

El sonido del álbum "Kind of Blue":

Es suave, relajado y melancólico. La influencia del blues y la música clásica es evidente en la composición, lo que le da al álbum una sensación única. La interacción entre los músicos es perfecta y cada uno de ellos toca en armonía con los demás.

La inclusión de un piano y un saxofón alto juntos en el mismo grupo de músicos es un elemento destacado de la producción. Los solos de piano de Bill Evans y los solos de saxofón alto de Cannonball Adderley son brillantes y se complementan perfectamente. La notable línea de bajo de Paul Chambers sostiene la música con fuerza y propósito.

La excepcional producción de "Kind of Blue" es una hazaña impresionante. Las grabaciones fueron realizadas en dos días, lo que refleja la fuerza colectiva del grupo y la determinación de Davis de cumplir con su visión creativa.

 

Influencia del Álbum: 

 
"Kind of Blue" es uno de los álbumes más influyentes de todos los tiempos y su impacto en el jazz y la música popular ha sido indudable.

Desde su lanzamiento en 1959, el álbum ha influenciado a generaciones de músicos en todo el mundo. El jazz modal que Davis empleó en "Kind of Blue" abrió nuevas posibilidades sonoras a los músicos de jazz y allanó el camino para la evolución del género en la década de 1960.

"Kind of Blue" fue un momento decisivo en la evolución del jazz y la música popular en general. Su influencia se puede escuchar en la música de artistas que van desde los Beatles hasta John Coltrane". - Revista de música "Rolling Stone".

"Kind of Blue" también ha sido citado como una influencia en la música de artistas como Jimi Hendrix, Steely Dan, Prince y Radiohead. La capacidad de Davis para combinar elementos de diferentes estilos musicales y crear algo nuevo y original ha sido una fuente de inspiración para muchos músicos y continúa siendo relevante hoy en día.

Resumiendo, el disco "Kind of Blue" ha dejado una marca indeleble en la música y la cultura pop. Su influencia ha sido significativa y su legado continúa inspirando a músicos y oyentes por igual.

Recomendaciones para escuchar "Kind of Blue":

Para apreciar plenamente la belleza y singularidad del "Kind of Blue" de Miles Davis, recomiendo una escucha atenta y profunda que permite sumergirte en sus distintas capas y matices. Aquí presento algunas sugerencias para ayudarte disfrutar al máximo de este icónico álbum de jazz:

1.  Escucha el álbum completo de principio a fin, sin interrupciones ni distracciones.
   
   
2. Concéntrate en los detalles y las sutilezas de cada canción, prestando atención a las melodías, los solos y las interacciones entre los músicos.
   
   
3. Apaga las luces y sumérgete en la atmósfera del álbum, dejando que la música te transporte y te lleve a lugares lejanos.
   
   
4. Escucha el álbum en diferentes momentos y situaciones, explorando cómo cambia tu percepción y tu experiencia de la música en distintos contextos.

El legado de Miles Davis: 

Miles Davis fue mucho más que un músico. Su legado trascendió las fronteras de la música y se extendió a la política, la cultura y la sociedad en general. Davis fue un líder y un pionero, un hombre que transformó la música y la cultura de su tiempo y dejó una huella indeleble en la historia de la música.

Como uno de los artistas más influyentes de la historia del jazz, Davis tuvo una enorme influencia en una amplia variedad de músicos, desde sus contemporáneos hasta las generaciones posteriores. Su innovación y su creatividad fueron una inspiración para muchos, y su legado continúa siendo celebrado por músicos y aficionados por igual en todo el mundo.

 

"Miles Davis fue el Picasso del jazz" - Herbie Hancock

 
Davis también fue un activista y un defensor de los derechos civiles. Su compromiso con la justicia social y la igualdad lo convirtió en una figura emblemática de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos, y su música se convirtió en una fuerza para la unidad y la reconciliación en un país que estaba profundamente dividido.

El legado de Miles Davis es uno que trasciende la música y se extiende a los aspectos más amplios de la cultura y la sociedad. Su música continúa siendo una fuente de inspiración y un modelo a seguir para los músicos y los amantes de la música en todo el mundo, y su legado como líder y pionero sigue siendo relevante y significativo en el mundo actual.

Premios y Reconocimientos: 

"Kind of Blue" ha recibido numerosos premios y reconocimientos a lo largo de los años, consolidándose como uno de los álbumes más importantes e influyentes de la historia del jazz:

1. En 2002, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó "Kind of Blue" para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones, considerándolo "cultural, histórica o estéticamente significativo".

2. En 2003, la revista Rolling Stone clasificó "Kind of Blue" en el puesto número 12 de su lista de los "500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos".

3. En 2009, la Recording Academy otorgó a "Kind of Blue" el Grammy "Lifetime Achievement Award", en reconocimiento a su contribución duradera a la música.

4. En 2015, el álbum fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, en reconocimiento a su importancia cultural y artística.

5. "Kind of Blue" también ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de jazz de todos los tiempos, y ha sido aclamado por músicos y críticos como un hito en la historia del género.

"Kind of Blue" es un antes y un después en la historia del jazz y la música en general. Es un ejemplo de cómo la improvisación puede dar lugar a la obra maestra más perfecta". - Wynton Marsalis, músico de jazz.

Versiones:

La influencia de "Kind of Blue" se ha extendido más allá del género del jazz, y ha sido interpretado y versionado por músicos de diversos ámbitos. Estos son algunos de los covers más destacados:

1. "So What" fue versionada por artistas como Pat Metheny, Carlos Santana y Sting.

2. "Freddie Freeloader" ha sido interpretada por el saxofonista Joshua Redman y el guitarrista John McLaughlin.

3. "Blue in Green" ha sido versionada por músicos de géneros que van desde el folk y el rock, hasta la música electrónica. Algunas versiones notables incluyen la de Bill Evans, Joe Henderson y Chick Corea.

4. "All Blues" ha sido recreada por artistas como Herbie Hancock, Wes Montgomery y la banda de rock The Doors.

5. "Flamenco Sketches" ha sido versionada por artistas de jazz como Wynton Marsalis, y la violinista Regina Carter.

"Kind of Blue" es uno de los discos más importantes de todos los tiempos. Es una obra maestra que será eternamente recordada y que ha inspirado a innumerables músicos a lo largo de las décadas." - Sting

La popularidad y la influencia de "Kind of Blue" continúan hasta el día de hoy, y es un testamento del legado duradero de Miles Davis y su banda.

El Contexto Social de la Época: 

Para comprender la importancia del álbum "Kind of Blue", es enriquecedor entender un poco el contexto social en el que fue creado. La década de 1950 y principios de 1960 estuvieron marcados por la Guerra Fría y la segregación racial en Estados Unidos. La música, y especialmente el jazz, se convirtió en una forma de resistencia y expresión para muchos músicos afroamericanos.

En "Kind of Blue", Davis y sus colaboradores exploraron nuevos caminos en la composición y la improvisación, rechazando las convenciones del jazz tradicional. Este enfoque experimental reflejaba la necesidad de los músicos de encontrar nuevas formas de expresión en un mundo cambiante.

Además, el álbum fue lanzado en un momento en que el público estaba empezando a alejarse de la música jazz en favor del rock y otros géneros. Sin embargo, "Kind of Blue" logró capturar la atención de la audiencia y mantenerse relevante a lo largo de los años, lo que lo convierte en un testimonio duradero de la época en la que fue creado.

Curiosidades del Álbum:

A continuación, algunas curiosidades interesantes sobre el álbum:

1. "So What": el primer tema del álbum, fue grabado completamente de manera improvisada. Davis solo dio a los músicos un bosquejo básico de la estructura de la canción, y los solos fueron creados sobre la marcha durante la grabación.

2. A pesar de que "Kind of Blue" es considerado un álbum icónico de jazz, no fue sino hasta los años 80 que ganó la atención crítica masiva y el reconocimiento que merece. En su debut, recibió reseñas positivas, pero no fue un éxito comercial inmediato.

3. "Freddie Freeloader", el segundo tema del álbum, fue nombrado en honor a un amigo de Davis que siempre se colaba en sus conciertos sin pagar entrada.

4. El saxofonista John Coltrane, quien tocó en el álbum, era conocido por su capacidad de tocar solos largos e intensos. Sin embargo, en "Kind of Blue", Davis les pidió a los músicos que tocaran solos más cortos y simples para crear un sonido más accesible y fácil de escuchar.

5. "Blue in Green", otra canción del álbum, es la única que Davis no escribió completamente. Fue co-escrita con el pianista Bill Evans, quien tocó en el álbum.

6. "Kind of Blue" fue grabado en apenas dos sesiones de tres horas cada una. La primera sesión tuvo lugar el 2 de marzo de 1959 y la segunda el 22 de abril del mismo año.

"Kind of Blue" no solo cambió la dirección del jazz, sino que también afectó a todos los géneros de música. Nunca pasará de moda. Nunca sonará anticuado. Nunca será nada más que puro y completo". - Quincy Jones. 

Estas curiosidades arrojan luz sobre la creatividad, la espontaneidad y el espíritu innovador que se encuentran detrás del álbum. "Kind of Blue" es un testimonio del genio musical de Miles Davis y su capacidad para inspirar a otros músicos y oyentes a través de su arte.

El impacto en la carrera de Miles Davis: 

Miles Davis, con su álbum "Kind of Blue", se consolidó como uno de los músicos más innovadores e influyentes de su época. Su experimentación con el jazz modal impulsó una nueva dirección en el género, y el éxito sin precedentes del álbum llevó a la creación de un nuevo canon en la música jazz.

"Kind of Blue" permitió a Miles Davis trascender su rol como músico y convertirse en un icono cultural, inspirando a una generación de artistas y abriendo nuevas puertas en la expresión musical. Su afán por explorar nuevos territorios sonoros y su habilidad para involucrar a otros músicos en sus proyectos lo convierten en uno de los más visionarios e influyentes músicos de la historia.

Después de "Kind of Blue", Davis continuó desarrollando nuevos enfoques y técnicas innovadoras en su música, y su trabajo posterior seguiría siendo influyente y desafiante para sus contemporáneos y seguidores. No obstante, "Kind of Blue" permanece como una de sus mayores contribuciones al mundo de la música y sigue siendo una referencia incuestionable para músicos y amantes del jazz en todo el mundo.

Disco recomendado

"Kind of Blue" es un álbum icónico que revolucionó la música y que sigue siendo una obra maestra atemporal del jazz. Miles Davis y su equipo de músicos crearon un sonido único que rompió con las convenciones del jazz tradicional y estableció una nueva dirección para el género. La música de "Kind of Blue" sigue siendo una influencia importante en la música y la cultura hoy en día, y su impacto en la carrera de Miles Davis y en la historia de la música en general es innegable.

Si quieres introducirte al Jazz o a Miles Davis esta es "la Biblia" donde puedes empezar. También sirve de introducción para sus otros músicos - Coltrane, Evans, Chambers, Cobb y Adderley - que posteriormente triunfaron con sus propios trabajos.

Obviamente "Kind Of Blue" es esencial para cualquier estudioso del jazz. Sin embargo, también es una obra valiosa para un amante de la música que simplemente quiere escuchar algo que sea hermoso y exploratorio al mismo tiempo.

Y termino, un amigo que descubrió este disco me dijo después de escucharlo atentamente - "Deberían reemplazar las pirámides con esto".

Un 5/5 ★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "So What":

Los créditos se toman de las notas del álbum *

• Miles Davis - trompeta
• Julian "Cannonball" Adderley - saxofón alto excepto en "Blue in Green" y pista extra del disco "So What"
• John Coltrane - saxofón tenor
• Bill Evans: piano, excepto en "Freddie Freeloader" y la pista extra del disco "So What"
• Wynton Kelly: piano en "Freddie Freeloader" y pista extra del disco "So What"
• Paul Chambers – contrabajo
• Jimmy Cobb - batería

* "Kind of Blue" fue producido por el productor del personal de Columbia, Irving Townsend. Sin embargo, a lo largo de los años ha habido confusión, y el posterior productor de Davis, Teo Macero, obtuvo crédito parcial o total. Digamos que hay dos productores para zanjar el debate.


PD. Otro gran álbum de Miles Davis es "Sketches of Spain", muy recomendado.