CONVERGE - Jane Doe - Album: metalcore y belleza

Nos vamos a salir un poco del camino habitual del blog. "Jane Doe", de Converge, no es un disco amable ni fácil de fondo: es música fuerte, pesada, abrasiva, de esa que exige entrar sin prejuicios y aceptar cierta incomodidad. Pero también es un álbum fundamental para entender una parte muy intensa de la cultura rock y heavy de las últimas décadas. Aunque este tipo de sonido no sea el que más aparece por aquí, hay muchísimos lectores que encuentran en el metalcore, el hardcore y la música extrema una forma directa, honesta y visceral de conectar con emociones que otros estilos apenas rozan. Por eso merece la pena detenerse en él, escucharlo con atención y descubrir qué hay detrás de tanto ruido, tanta rabia y tanta belleza escondida.

ALBUM: Jane Doe 

Con "Jane Doe", publicado el 4 de septiembre de 2001, la banda Converge no solo firmó uno de los discos más importantes del metalcore, también dejó una especie de cicatriz en la historia de la música rock extrema. Es su cuarto álbum de estudio, producido por Matthew Ellard junto al guitarrista Kurt Ballou, con una portada diseñada por el propio Jacob Bannon que terminó convirtiéndose en un icono visual de la banda. Fue, además, el primer disco con Nate Newton al bajo y Ben Koller a la batería, una combinación que cambió para siempre la musculatura del grupo.

No se escucha cómodo:

Entrar en "Jane Doe" por primera vez puede ser una experiencia bastante poco amable. Y eso, curiosamente, es una de sus virtudes. El primer tema "Concubine" no te invita, te empuja. Dura poco más de un minuto, pero en ese tiempo parece que alguien haya abierto una puerta hacia una habitación llena de electricidad, óxido y rabia. La batería de Ben Koller entra como si estuviera desmontando el suelo, el bajo aprieta desde abajo y la voz de Jacob Bannon no canta en el sentido tradicional, sino que arde.

Lo interesante es que, aunque al principio parezca ruido puro, el disco empieza a revelar su arquitectura con las escuchas. "Fault and Fracture" continúa el golpe inicial, pero ya deja ver que Converge no está improvisando una tormenta. Hay cambios de ritmo, guitarras que se retuercen, baterías que parecen perseguirse a sí mismas y un sentido dramático muy calculado. La música parece desordenada, pero no está perdida. Tiene una dirección, aunque esa dirección sea atravesar una pared.

Cómo nació el disco Jane Doe:

La creación de Jane Doe tuvo algo de punto de inflexión. Venían de una trayectoria ya respetada dentro del hardcore metálico, pero aquí encontraron una identidad más amplia, más peligrosa y más expresiva. Parte del material nació relacionado con Supermachiner, el proyecto paralelo de Jacob Bannon, y eso explica la dimensión más experimental de canciones como "Phoenix in Flight" o la propia "Jane Doe". No todo aquí quiere correr, no todo quiere golpear. A veces el disco se queda quieto, respira mal, se hunde.

La llegada de Ben Koller fue decisiva. Kurt Ballou ha explicado que su forma de tocar revitalizó a la banda, y se nota. Su batería no funciona como simple acompañamiento, sino como un segundo lenguaje emocional. Koller empuja, rompe, acelera, contiene y vuelve a estallar. Nate Newton también aportó un peso nuevo al grupo, haciendo que el proceso de composición fuera más colaborativo. El resultado es un álbum que suena a banda en combustión, pero también a banda descubriendo que podía ser mucho más que una máquina de velocidad.

La grabación tuvo un presupuesto mayor que trabajos anteriores, unos 11.000 dólares, y se realizó en varios estudios, entre ellos Q Division, GodCity y Fort Apache. Hay una anécdota casi perfecta, mientras Converge grababa, James Taylor trabajaba al lado y su equipo pedía que bajaran el volumen. Me gusta esa imagen porque resume el choque cultural del disco, una tradición musical americana más pulida intentando convivir pared con pared con un grupo que estaba grabando algo casi volcánico.

El sonido de una ruptura:

Jacob Bannon escribió estas letras a partir de una relación que se deshacía, y aunque muchas frases sean prácticamente imposibles de entender en la grabación, el sentimiento llega antes que las palabras. Jane Doe habla de pérdida, de distancia, de resentimiento, de amor convertido en daño. No es un disco de despecho convencional, porque no busca narrar una historia de manera limpia. Más bien intenta reproducir el estado mental posterior a una ruptura devastadora, cuando las frases se mezclan, la memoria se deforma y uno no sabe si quiere olvidar o quedarse viviendo dentro de la herida.

Ese contraste entre letra escrita y voz ininteligible es fundamental. En Concubine, por ejemplo, el libreto contiene una imagen poética mucho más extensa, pero en la canción apenas queda una frase repetida como un resto entre los escombros. Ese gesto me parece brillante. Muchas veces imaginamos discursos perfectos para explicar el dolor, pero cuando llega el momento solo sale una frase corta, torpe, quemada por dentro.

Musicalmente, el álbum se mueve entre el hardcore, el metal, el punk más abrasivo, ciertos ecos de thrash y una sensibilidad casi post rock en los pasajes más lentos. Las guitarras de Kurt Ballou son cortantes, densas, a veces parecen una herramienta industrial y otras una sirena lejana. La producción no limpia demasiado el sonido, lo deja respirar con suciedad, pero cada instrumento tiene presencia. No es una bola informe, aunque pueda parecerlo al principio. Es un edificio en llamas donde todavía se distinguen las habitaciones.

Canciones que no piden permiso:

"Homewrecker" es uno de los momentos más directos y memorables. Tiene una violencia más compacta, más fácil de agarrar, con ese grito de "No love, no hope" convertido en una declaración brutal. "The Broken Vow" funciona casi como el centro emocional del álbum, con ese vaivén entre velocidad, peso y sensación de despedida definitiva. Aquí Converge suena menos como una banda queriendo demostrar potencia y más como alguien quemando puentes porque ya no sabe volver.

"Hell To Pay" baja el ritmo y gana densidad. El bajo abre una zona más pantanosa, casi cercana a cierta oscuridad de Alice In Chains, pero llevada a un terreno mucho más áspero. "Heaven in Her Arms" combina furia y sombra, con un tramo final que mira hacia el thrash clásico sin convertirse nunca en homenaje. Converge no cita influencias para quedar bien, las mastica hasta que dejan de ser reconocibles.

Luego están "Phoenix in Flight" y "Phoenix in Flames", dos piezas que amplían el lenguaje del disco. La primera es lenta, fúnebre, extraña, como una elegía deformada. La segunda parece una caída por una montaña de ruido. Y al final llega Jane Doe, casi doce minutos de cierre sombrío, repetitivo, pesado, incómodo. Entiendo que pueda desesperar a algunos oyentes. A mí me parece esencial precisamente porque no ofrece una salida heroica. No hay victoria, no hay redención clara, solo una forma lenta de desaparecer.

Por qué merece la pena:

Escuchado hoy, Jane Doe conserva una intensidad que no depende de la nostalgia. Muchos discos extremos envejecen mal porque estaban demasiado ligados a una escena o a una pose. Este no. Su fuerza viene de algo más profundo, de haber encontrado una forma musical para emociones difíciles de ordenar. En 2001, cuando buena parte del rock alternativo buscaba grandes estribillos o nuevas formas de encajar en la cultura popular, Converge grabó un álbum que parecía negarse a ser domesticado.

No es un disco fácil para lectores jóvenes que vengan del rock alternativo más melódico, del pop oscuro o incluso del punk moderno. Pero puede abrir una puerta fascinante. Si te gustan los discos que no se entregan a la primera, si te interesa la música que convierte la incomodidad en lenguaje, Jane Doe merece tiempo. No hace falta entender cada palabra ni clasificar cada riff. Basta con dejar que el álbum te atraviese.

Disco recomendado

Recomiendo escucharlo entero, con volumen, sin mirar demasiado el móvil y sin exigirle placer inmediato. Jane Doe de Converge es bueno porque no suaviza su verdad, porque suena a ruptura, a rabia, a duelo y a belleza encontrada en un lugar poco amable. Es uno de esos álbumes que no buscan gustar a todo el mundo, pero quien conecta con él difícilmente lo olvida.

Video del tema "Homewrecker":

Tracklist:

1. "Concubine" 1:19
2. "Fault and Fracture" 3:05
3. "Distance and Meaning" 4:18
4. "Hell to Pay" 4:32
5. "Homewrecker" 3:51
6. "The Broken Vow" 2:13
7. "Bitter and Then Some" 1:28
8. "Heaven in Her Arms" 4:01
9. "Phoenix in Flight" 3:49
10. "Phoenix in Flames" 0:42
11. "Thaw" 4:30

Converge:

• Jacob Bannon – voz
• Kurt Ballou – guitarra, voz, theremin
• Aaron Dalbec – guitarra
• Nate Newton – bajo, voz, theremin
• Ben Koller – batería

Músicos invitados:

• Kevin Baker (The Hope Conspiracy) – coros en "The Broken Vow"
• Tre McCarthy (Deathwish Inc.) – coros en "The Broken Vow"
• Caleb Scofield, acreditado como "Secret C", – coros en "The Broken Vow"

CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack - Box Set

Hay momentos en las que uno siente que la historia de la música se puede tocar, o mejor dicho, escuchar de una forma casi física. Me ha pasado esta semana al experimentar la caja de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", he tenido la sensación de que una corriente de aire viciado del Bajo Manhattan de mediados de los años setenta (siglo XX) entraba de golpe. He pasado estos días sumergido en sus cuatro discos, perdiéndome entre grabaciones crudas y melodías que parecen haber sido rescatadas de un incendio, y os aseguro que la experiencia va mucho más allá de la nostalgia convencional. Es una invitación a entender por qué un local con los baños más infames de la historia acabó siendo el útero de todo lo que hoy nos importa en el rock, y por eso necesito que me acompañéis en este viaje por las venas abiertas de la Gran Manzana.

Box Set: CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack 

Cierro los ojos e intento imaginar a qué sentía la libertad artística en 1975. Probablemente una mezcla de cerveza rancia, orina, sudor frío y la electricidad estática de amplificadores a punto de reventar. Esa es la atmósfera que inunda la habitación apenas comienzas a reproducir la nueva caja recopilatorio que acaba de aterrizar gracias al sello Cherry Red Records. Hablo de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", una colección monumental que no solo documenta música, sino que captura el espíritu de una era irrepetible. Con su lanzamiento este pasado 30 de enero de 2026, nos enfrentamos a cuatro discos que funcionan como una máquina del tiempo sónica, transportándonos directamente al Bowery del Bajo Manhattan, a ese antro legendario fundado por Hilly Kristal que, sin pretenderlo, se convirtió en la zona cero de la cultura pop moderna.

No estamos ante la típica compilación de éxitos que uno encuentra en las estanterías de las grandes superficies. Esto es una inmersión arqueológica profunda, una carta de amor sucia y honesta a una década que definió lo que hoy entendemos por música alternativa y actitud punk. Al escuchar estas canciones, uno entiende que el mito del CBGB no se construyó sobre el marketing, sino sobre la necesidad visceral de una generación de decir algo, aunque fuera a gritos y desafinando.

El nacimiento de una escena:

Resulta fascinante pensar en la ironía que esconde el nombre del local. Como bien nos recuerda la historia y se documenta en las notas de este box set, las siglas correspondían a "Country, Bluegrass, Blues and Other Music For Uplifting Gourmandizers". Su dueño Hilly Kristal abrió el local en diciembre de 1973 con la intención de convertirlo en un santuario para la música de roots. Sin embargo, la realidad de Nueva York tenía otros planes. Tras el colapso del Mercer Arts Center, las bandas de la ciudad se quedaron huérfanas de escenarios. Manhattan, en su decadencia de los setenta, no ofrecía refugio a quienes no tenían un contrato discográfico bajo el brazo.

Es aquí donde reside la magia de esta historia del rock. Hilly Kristal, un hombre que quizás no entendía del todo el ruido que hacían esos chavales ("Nadie va a quereros, pero podéis volver", le dijo a Joey Ramone), tuvo la visión, o quizás la indiferencia necesaria, para dejarlos tocar. Fue esa política de puertas abiertas la que permitió que floreciera algo único. Entre 1974 y 1976, bandas como Television, Ramones, Blondie, Patti Smith y Talking Heads no solo debutaron allí, sino que hicieron del club su cuartel general. Como relata Richard Hell, ellos mismos "soñaron la existencia del CBGB". Lo que esta caja recopilatorio logra de manera magistral es ilustrar cómo ese vacío cultural fue llenado no por un solo sonido, sino por una explosión de creatividad diversa que iba desde el art-rock hasta el hardcore más abrasivo.

Un análisis sonoro:

Al adentrarnos en los cuatro discos de "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack", lo primero que golpea al oyente es la textura del sonido. No todo es punk de tres acordes y chaquetas de cuero, aunque hay mucho de eso y es glorioso. La curaduría de Rob Tannenbaum es exquisita porque equilibra a los gigantes conocidos con una cantidad abrumadora de "caras B" y rarezas que definen el verdadero tejido de la escena.

El primer disco-CD nos sitúa en el epicentro de la explosión. Escuchar la versión en vivo de "A Clean Break" de Talking Heads es recibir una lección de nerviosismo funk y precisión rítmica que te eriza la piel. Pero donde realmente brilla esta colección es en los descubrimientos. Hay una corriente subterránea de power pop que a menudo se olvida en las crónicas oficiales del punk. Temas como "Forgive and Forget" de Marbles o "Christmas Weather" de Student Teachers aportan una frescura melódica, un contrapunto pop que equilibra la crudeza del resto del material. Esos momentos de claridad melódica nos recuerdan que, en el fondo, muchos de estos chicos solo querían escribir la canción perfecta, aunque lo hicieran con amplificadores rotos.

La producción de los temas varía salvajemente, lo cual es parte del encanto. Pasamos de la urgencia lo-fi de bandas como Tot Rocket and the Twins con su tema "Reduced", a la sofisticación inesperada de grupos como Mink DeVille. Hay una sensación táctil en estas grabaciones; puedes casi sentir la humedad de las paredes del club y la vibración del suelo pegajoso. Es una experiencia auditiva que privilegia la autenticidad sobre la perfección técnica, algo que en nuestra era de producción digital aséptica se siente como un abrazo humano.

A medida que avanzamos en los discos-Cds, el viaje se torna más oscuro y experimental. La colección documenta brillantemente la evolución hacia el No Wave y el post-punk. Encontramos joyas disonantes como el "falso jazz" de The Lounge Lizards en "Do the Wrong Thing" o el funk retorcido de China Shop. Es aquí donde el CBGB demuestra que era mucho más que la casa de los Ramones; era un laboratorio de vanguardia. La inclusión de James Chance & The Contortions interpretando "Jailhouse Rock" en directo es un momento cumbre: Chance regañando al público por vivir en el pasado mientras deconstruye un clásico del rock and roll es la definición misma de la actitud punk.

Diversidad y ruptura de barreras:

Uno de los aspectos más valiosos de mi recomendación del Box-set es destacar cómo la compilación desmonta el estereotipo del punk como un club exclusivo de hombres blancos enfadados. La escena del CBGB fue, en muchos sentidos, mucho más inclusiva que la industria musical que la rodeaba. Las mujeres no eran meras espectadoras o musas, sino arquitectas del sonido. Desde la omnipresencia de Patti Smith y Debbie Harry hasta figuras esenciales como Cherry Vanilla, Model Citizens y Helen Wheels, el box set deja claro que el género no era una barrera para subirse a ese escenario.

De igual forma, la presencia de artistas negros es fundamental para entender la riqueza sonora de la época. No se trata solo de la fusión ska-punk de Bad Brains, que llegaría más tarde para cimentar el hardcore, sino de pioneros como Pure Hell con su abrasivo "I Feel Bad" o la experimentación de James "Blood" Ulmer. También encontramos a Nona Hendryx aportando su visión única. Esta diversidad racial y de género no se siente forzada en la recopilación, sino que fluye orgánicamente, demostrando que el underground neoyorquino era un crisol donde lo único que importaba era la originalidad y la capacidad de conmocionar.

Las letras de estas canciones son otro mapa fascinante. Pasan del nihilismo urbano de The Testors ("You Don't Break My Heart") a la ironía intelectual de bandas como The Ordinairies. Hay una constante tensión entre el deseo de escapar de la realidad y la necesidad de documentarla con una crudeza brutal. Cuando The Cramps cantan "¿Quieres hablar de la verdadera basura?" en "Garbage Man", están lanzando un desafío estético que resuena hasta hoy. Es música hecha en una ciudad en bancarrota, donde el alquiler era barato y el peligro real, lo que fomentaba una libertad creativa sin las ataduras comerciales de hoy en día.

Conexiones culturales y legado:

Es inevitable comparar este documento sonoro con otras escenas musicales. Mientras que el punk británico de 1977 a menudo se centraba en la política y la clase social con una rabia muy específica, la escena del CBGB & OMFUG capturada aquí se siente más artística, más bohemia y, paradójicamente, más intelectual. Hay una línea directa que conecta la poesía callejera de Lou Reed y The Velvet Underground con lo que escuchamos en estos discos. Bandas como Suicide o Sonic Youth, presentes en la colección, tomaron ese legado y lo llevaron hacia el ruido y la textura, sembrando las semillas para todo el rock alternativo de los años 80 y 90.

Lo que esta caja nos dice sobre su tiempo es que fue una era de posibilidades infinitas. A pesar de la suciedad y la decadencia, o quizás debido a ellas, había un optimismo feroz en el acto de crear. Hilly Kristal, fallecido en 2007, y su club, cerrado en 2006, dejaron un legado que va más allá de los ladrillos. Crearon un espacio donde el "hazlo tú mismo" no era un eslogan, sino una estrategia de supervivencia. Al escuchar a grupos oscuros como The Miamis o The Raybeats junto a las leyendas, entendemos que la historia no la escriben solo los vencedores, sino todos aquellos que se atrevieron a subirse a la tarima.

Por qué mola este Box-set:

¿Por qué deberíamos invertir nuestro tiempo en 2026 escuchando grabaciones de hace cincuenta años? La respuesta es simple: porque esta música está viva. "CBGB & OMFUG: A New York City Soundtrack" no es una pieza de museo cubierta de polvo; es una fuente de energía renovable. En un momento cultural donde todo parece prefabricado y diseñado por algoritmos para el consumo rápido, la honestidad brutal de estas 101 canciones actúa como un limpiador de paladar.

La calidad del audio, remasterizado pero respetuoso con la suciedad original, permite apreciar matices que se perdían en viejos casetes piratas. El trabajo de Cherry Red Records y la curaduría de Rob Tannenbaum merecen un aplauso de pie. Han logrado equilibrar lo académico con lo emocional, entregándonos un producto que sirve tanto para el historiador musical como para el neófito que busca su próxima banda favorita. La relación entre éxitos y descubrimientos es asombrosamente alta; es casi imposible no encontrar una joya oculta que te haga correr a buscar más información sobre una banda que solo existió durante seis meses en 1979.

Este álbum es bueno hoy porque nos recuerda que la cultura no se pide permiso. Se toma. Nos recuerda que la música más influyente del último medio siglo nació en un bar de mala muerte donde el dueño solo quería escuchar Bluegrass. Es una lección de humildad y de poder. La influencia de estos sonidos resuena en cada banda de indie rock, en cada grupo de post-punk revival y en cada chaval que coge una guitarra en un garaje.

Box Set Recomendado

Si alguna vez te has sentido fuera de lugar, si alguna vez has pensado que tu arte no encaja en los moldes establecidos, o si simplemente amas el rock and roll en su forma más pura y visceral, necesitas escuchar esta caja recopilatorio. Hazte un favor: apaga las notificaciones de tu teléfono, sírvete una bebida barata, sube el volumen hasta que los vecinos se quejen y déjate llevar por el sonido de Nueva York cuando Nueva York era el centro del universo salvaje. Es un viaje que no olvidarás.

Video del tema “The Kid with the Replaceable Head”:

Tracklist (4 CD Box Set):

1. The Dictators – (I Live For) Cars and Girls
2. The Harlots of 42nd Street – S&M (I Can't Live Without You)
3. The Magic Tramps – S&M / Leather Queen
4. Patti Smith – Free Money
5. The Brats – Be a Man
6. City Lights – Travelin' Man
7. The Hounds – Call Me (Previously unreleased on CD)
8. Erasers – It Was So Funny (That Song That They Sung)
9. Ramones – Beat on the Brat
10. Stuart's Hammer – Everybody's Depraved (Live at CBGB)
11. The Planets – Come On Up (Previously unreleased)
12. Milk ’N’ Cookies – Not Enough Girls (In the World)
13. Just Water – They Live by Night
14. Television – See No Evil
15. Mumps – Crocodile Tears
16. The Heartbreakers – Born to Lose
17. Testors – You Don't Break My Heart
18. The Dead Boys – Ain't Nothing to Do
19. The Senders – You Really Piss Me Off
20. The Electric Chairs – Fuck Off
21. Marbles – Forgive and Forget
22. Cherry Vanilla – Hard as a Rock
23. Tuff Darts – Fun City
24. Talking Heads – A Clean Break (Let's Work) (Live)
25. Suicide – Ghost Rider
26. Pure Hell – I Feel Bad
27. Helen Wheels – Room to Rage
28. Blondie – Picture This
29. Mars – Helen Forsdale
30. Come On – Don't Walk on the Kitchen Floor
31. Mink DeVille – “A” Train Lady
32. The Heat – Instant Love (Previously unreleased on CD)
33. Genya Ravan – Aye Co'lorado
34. Theoretical Girls – Lovin' in the Red
35. Richard Hell & The Voidoids – The Kid with the Replaceable Head
36. The Stilettos – Pink Stilettos
37. The Paley Brothers – Baby, Let's Stick Together
38. Neon Leon – Rock ’n’ Roll Is Alive (Previously unreleased on CD)
39. Revelons – The Way (You Touch My Hand)
40. New York Ni**ers – Just Like Dresden ’45
41. L.O.K. – Fun House (Previously unreleased on CD)
42. Material – O.A.O.
43. The Laughing Dogs – I Need a Million
44. Shrapnel – Combat Love
45. Peroxide – Heart Disease
46. Student Teachers – Christmas Weather
47. Tom Verlaine – Breakin' in My Heart
48. Richard Lloyd – Number Nine
49. James Chance & The Contortions – Jailhouse Rock (Live at CBGB 1978)
50. The Cramps – Garbage Man
51. The Dots – I Don't Wanna Dance (With You) (Previously unreleased on CD)
52. The Miamis – We Deliver
53. Model Citizens – Shift the Blame
54. The dB's – Black and White
55. The Rattlers – On the Beach
56. Love of Life Orchestra – Revolution Is Personal
57. Urban Verbs – Next Question (Previously unreleased)
58. Sylvain Sylvain – Teenage News
59. Stimulators – Loud Fast Rules
60. Tot Rocket and the Twins – Reduced
61. The Bongos – Telephoto Lens
62. Outsets – I'm Searchin' for You
63. Sorrows – Teenage Heartbreak
64. The Lounge Lizards – Do the Wrong Thing
65. Nervus Rex – There She Goes
66. The Cosmopolitans – Wild Moose Party
67. Polyrock – You're Dragging Feet
68. Lenny Kaye with The Lone Wolves – Child Bride (Previously unreleased on CD)
69. R.L. Crutchfield's Dark Day – Arp's Carpet
70. The Colors – Jealousy
71. TV Toy – (Don't Blame It on the) Weekend
72. DNA – Blonde Red Head
73. The Rudies – Sherri Goodbye
74. The Raybeats – Tight Turn
75. Phosphenes – Asexual (Previously unreleased on CD)
76. Minor Threat – Straight Edge
77. Bush Tetras – Things That Go Boom in the Night
78. Human Switchboard – (Say No to) Saturday's Girl
79. Disturbed Furniture – Information
80. The Necessaries – Back to You
81. Chemicals Made from Dirt – Oriental Television
82. China Shop – If It's New
83. James Blood Ulmer – Open House
84. Nihilistics – You're to Blame
85. Beastie Boys – Egg Raid on Mojo
86. The Individuals – My Three Sons (Revolve Around the Earth)
87. Rhys Chatham – Drastic Classicism (Edit)
88. Unknown Gender – Boys-Girls (Radio)
89. Khmer Rouge – Hinterland
90. Bad Brains – Banned in D.C.
91. Heart Attack – English Cunts
92. Outpatients – Fight
93. Vatican Commandos – Housewives on Valium
94. Sonic Youth – The World Looks Red
95. Jeff & Jane Hudson – Operating Instruction
96. Glorious Strangers – Deception
97. Nona Hendryx – Transformation
98. Reagan Youth – No Class
99. Rat at Rat R – Assassin
100. Ritual Tension – Social Climber
101. The Ordinaires – Grace

CBGB's — A NYC STORY (Documentary):

TURNSTILE - Never Enough - Album

"Glow On" fue el álbum más potente, más inmediato, más cohesivo y más sorprendente en su momento. Pero "Never Enough" no intenta superarlo. En cambio, se expande en una dirección diferente, reflejando una banda menos preocupada por la urgencia y más comprometida con la evolución. Es un disco que intercambia avances por equilibrio, espectáculo por introspección y, al hacerlo, revela un Turnstile más tranquilo, más extraño y quizás más perdurable.

ALBUM: Never Enough 

Recuerdo la primera vez que escuche "Glow On" en 2021. Fue un cambio radical, no solo para Turnstile, sino para lo que una banda hardcore podía llegar a ser. Era audaz, melódica y extraña en el mejor sentido. Así que cuando anunciaron "Never Enough", me surgieron preguntas. ¿Redoblarán la experimentación? ¿Regresarán a la urgencia cruda de sus inicios? ¿O peor aún, irían a lo seguro? La respuesta es ninguna de las anteriores.

Publicado el 6 de junio de 2025, "Never Enough" no es una reinvención. No es un rechazo del pasado. Es Turnstile habitando plenamente el extraño y brillante espacio intermedio que han forjado durante los últimos 15 años. Con el guitarrista fundador Brady Ebert ya fuera y Meg Mills oficialmente a bordo, pero ausente de las grabaciones, "Never Enough" es el sonido de una banda que busca en su interior sin encontrar una respuesta definitiva. Del hardcore a las alturas agnósticas en cuanto a género:

La ascensión de Turnstile desde los conciertos improvisados ​​en sótanos de Baltimore hasta encabezar el cartel con Blink-182 y estrenar un álbum visual en el Festival de Tribeca ya está bien documentada. Pero "Never Enough" no se trata de documentar. Se trata de sentir. Y los sentimientos son confusos.

La canción de apertura, "Never Enough", lo dice en su primera línea: "Huyendo de ti mismo ahora / No puedo oír lo que te dicen". El líder Brendan Yates la interpreta con más dolor que agresividad y, de repente, el disco se desboca, adentrándose en un mundo donde el hardcore es solo un ingrediente de un guiso mucho más extraño y rico.

Este no es un álbum de hardcore. En realidad no. Y eso es lo que lo hace importante. En cambio, Turnstile combina sintetizadores exuberantes, pop onírico, funk de bajo perfil y electrónica ambiental, a veces todo en la misma canción. "I Care" suena como si Sting hubiera entrado en un almacén de Baltimore y hubiera cogido un micrófono. "Light Design" vibra con un delay de tono frío, sonando más como Zenyatta Mondatta de The Police.

Aún hay momentos de pura fuerza. "Birds" se construye a partir de un zumbido tembloroso y un ritmo con cencerros hasta convertirse en una explosión clásica de Turnstile. "Sunshower" es el himno del foso, frenético, sudoroso, imparable, pero termina con una meditación new age con flauta de Shabaka Hutchings. El hardcore nunca había sonado así. Y, sin embargo, sigue sonando, solo que doblado a través de un prisma.

Video de los temas "Seein´ Stars" y "Birds":

Soledad y la presión de seguir creciendo:

Hay una tristeza silenciosa que se entrelaza en este álbum. Yates no vocifera sobre política ni llama a una revolución. En cambio, susurra sobre el agotamiento emocional, el tiempo que se escapa, el fantasma de la alegría que la fama no puede alcanzar.

"Aquí es donde quiero estar / Pero no siento nada", admite en "Sunshower". Es una frase que cae como un puñetazo en el estómago. Estas no son canciones para conquistar el mundo. Son para lo que viene después de la conquista: la confusión, el aislamiento, la dolorosa necesidad de algo más humano que los aplausos.

Incluso el título "Never Enough" no habla de ambición. Habla de aceptación, de que ser imperfecto, inseguro, incluso abrumado, está bien. En una escena obsesionada con la autenticidad, el mayor acto de honestidad de Turnstile es reconocer que no lo tienen todo resuelto.

Más sonido, gente, ideas:

Este disco tiene un espíritu colaborativo, aunque las colaboraciones, Hayley Williams, A.G. Cook, Faye Webster, apenas se den a conocer. La idea no es presumir. Es construir un espacio más amplio.

En "Seein’ Stars", un tema pop radiante y fluido, Williams técnicamente está presente, pero la canción no pertenece a nadie en particular. Simplemente existe, como el recuerdo de un sueño que no estás seguro de si fue tuyo. Otros temas, como "Look Out for Me", se vuelven largos y extraños. Siete minutos de oleadas electrónicas, ecos de club de Jersey y rupturas introspectivas que desafían la estructura. Y, sin embargo, nunca se sienten recargados. Simplemente curiosos.

Esa curiosidad se extiende a las imágenes. La banda dirigió su propio álbum visual, que se estrenó en Tribeca. Es elegante, minimalista, con estilo, menos punk, más Criterion Collection. La estética lo dice todo: Turnstile no rompe las reglas. Simplemente se niegan a reconocerlas.

Siguen siendo hardcore de corazón:

Puede que Turnstile no suene como la mayoría de las bandas hardcore de 2025. Sus colegas, Knocked Loose, Scowl, Pain of Truth, se inclinan por un estilo más pesado, más oscuro, más agresivo. Pero Turnstile no intenta formar parte de esa conversación. Están escribiendo la suya propia.

Y si sabes de dónde vienen, si has asistido a un concierto sudoroso para todas las edades sin barreras, donde el escenario es solo una sugerencia, sabes que se han ganado ese derecho.

No están abandonando el hardcore. Nos muestran cómo es cuando el hardcore madura, se vuelve extraño, se suaviza y aún sabe cómo gritar cuando importa.

Un disco que te encuentra:

¿Uno de mis momentos favoritos del álbum? "Magic Man", el cierre. Es silencioso, apenas perceptible. Solo un destello. Pero se siente como una mano en el hombro. Un recordatorio de que todo esto, el ruido, la fama, el miedo, la gloria, es fugaz. Porque "Never Enough" no se trata de ganar. Se trata de continuar. De estar presente. De decir: "Esto es lo que somos ahora mismo". Y dejar que eso sea suficiente.

Para quienes han seguido a Turnstile desde el principio, este álbum puede parecer un giro. Para quienes acaban de llegar, podría ser su primer paso hacia un mundo extraño y maravilloso. De cualquier manera, recompensa la atención. Recompensa la paciencia. Y recompensa la vulnerabilidad.

Disco recomendado

"Never Enough" no es perfecto. Es mejor. Está vivo.

Si buscas un álbum que desafíe tu idea de lo que puede ser una banda hardcore, o de lo que puedes ser tú, este lo es. Es para chicos de la foso, para soñadores, para escépticos del género y para quienes simplemente quieren volver a sentir algo real. No está nada mal.

Lo recomiendo.

Video de tema "Magic Man":

Tracklist:

1. "Never Enough" 4:47

2. "Sole" 3:25

3. "I Care" 3:53

4. "Dreaming" 2:36

5. "Light Design" 2:10

6. "Dull" 2:19

7. "Sunshower" 3:40

8. "Look Out For Me" 6:44

9. "Ceiling" 1:13

10. "Seein’ Stars" 3:07

11. "Birds" 2:22

12. "Slowdive" 3:33

13. "Time Is Happening" 2:07

14. "Magic Man" 3:14

Turnstile:

• Brendan Yates – voz principal, teclados, sintetizador, percusión, producción
• Franz Lyons – bajo, coros, percusión
• Pat McCrory – guitarra, coros
• Daniel Fang – batería, percusión

Personal adicional:

Dev Hynes – coros en "Seein' Stars", violonchelo en "Never Enough" y "Look Out for Me"

Leland Whitty – saxofón en "Dreaming"

Kae Murphy – trompeta en "Dreaming"

Shabaka Hutchings – flauta en "Sunshower"

Maestro Harrell – letra hablada en "Look Out for Me"

Hayley Williams – coros en "Seein' Stars"

Faye Webster – coros en "Time Is Happening"

Liam Benzvi – coros en "Time Is Happening"

Will Yip – ingeniería de sonido, producción adicional

A.G. Cook – producción adicional en "Dull"

VIVA BELGRADO - Cancionero de los Cielos - Album

El producto nacional nunca me ha captado demasiado la atención. Si, lo sigo y hay bandas y músicos excepcionales, pero no es algo que me "explota la cabeza". Dicho esto, hay algunos que me "flipan", pocos pero los hay. Uno de ellos es la banda de Córdoba, Viva Belgrado, un grupo explosivo de hardcore rock que pienso son de altísimo nivel, aquí y en cualquier sitio.

Este año han editado "Cancionero de los Cielos" y me han vuelto a encandilar, esta vez por la parte más íntimo de su música. Quiero dar sitio a dicho trabajo en este blog de música y recomendarlo a los lectores.

ALBUM: Cancionero de los Cielos

 
La banda española "Viva Belgrado" vuelve a escena con su cuarto álbum, Cancionero de los Cielos", publicado el 19 de enero de 2024 y hay algo innegable: este disco marca un punto de inflexión en su trayectoria. Desde que comenzaron en 2011, han sabido moverse en el underground español, construyendo un sonido propio y una honestidad que los diferencia. Ahora, con este nuevo trabajo, demuestran que están en un momento único de madurez musical y creativa.

Te invita a explorar

 
El título, "Cancionero de los Cielos", ya es en sí una declaración de intenciones. Nos lleva hacia algo etéreo, cargado de metáforas y símbolos, donde cada canción parece guiarnos en un viaje introspectivo. Las letras de Cándido Gálvez, voz y guitarra de la banda, parecen salidas de un diario: una búsqueda de redención y de respuestas en un mundo caótico. Este álbum no es solo una lista de temas, sino un verdadero mapa emocional que Viva Belgrado despliega con cada uno de sus integrantes: Álvaro Mérida a la batería, Ángel Madueño al bajo, y la colaboración magnífica de Santi García en la producción.

Con "Vernissage", la primera canción, Viva Belgrado pone las cartas sobre la mesa. Aquí no hay rodeos; el grupo lanza una crítica directa a la industria musical y al mismo tiempo hace una autocrítica generacional. Con la frase “¿Quién quiere salvar el rock si puede estar de fiesta?”, reflejan una mirada desilusionada hacia la banalización del arte y nos hacen partícipes de su desencanto, pero sin perder la fuerza que siempre los ha caracterizado.

Este disco es, además y sin duda, una aventura musical donde la banda se atreve a romper sus propias barreras. Aquí encontrarás de todo: desde el shoegaze hasta el hip hop. La colaboración con el rapero Erik Urano en "Jupiter and Beyond the Infinite" es un ejemplo de esta expansión sonora. Con sintetizadores que evocan un paisaje espacial, esta canción muestra cómo Viva Belgrado ha aprendido a moverse entre géneros, manteniendo su esencia y explorando territorios nuevos.

Por otro lado, temas como "Elena Observando la Osa Mayor" ofrecen un respiro, una pausa introspectiva sin guitarras, donde el espacio y el simbolismo llenan el vacío con una suavidad poco habitual en el grupo. Aquí, el lado más melódico de la banda se abre paso, mostrándonos una faceta vulnerable y llena de detalles que invita a la reflexión.

 

La autenticidad como bandera

 
A lo largo de su carrera, Viva Belgrado ha mantenido su identidad intacta, resistiendo a las etiquetas y manteniéndose fiel a su propio lenguaje. En "Cancionero de los Cielos", la banda se adentra aún más en sus contradicciones y sombras. La canción "Gemini", por ejemplo, es una confesión desgarradora y, al mismo tiempo, una afirmación de identidad. En "Nana de la luna Pena", la voz de Sara Zozaya se suma para añadir un toque de ternura que contrasta con la crudeza de otros cortes. Este número tiene algo de canción de cuna, de refugio en la tormenta. Es un recordatorio de que siempre hay algo de belleza, incluso en los momentos más oscuros, y Viva Belgrado sabe plasmarlo de una manera honesta y sin artificios.

 

Letras con peso literario

 
Las letras de "Cancionero de los Cielos" son mucho más que palabras puestas al azar. Aquí encontramos referencias literarias y artísticas que enriquecen el disco y nos hablan de temas profundos como la soledad, el deseo o incluso la muerte. En temas como "Chéjov y las gaviotas" y "Saturno devorando a su Hijo", la banda utiliza figuras literarias y artísticas como una forma de explorar sus propias emociones, creando un diálogo entre su música y el legado cultural que les inspira.

Cada canción está construida con un cuidado minucioso, y eso se nota en la manera en que Viva Belgrado ha logrado unificar cada palabra y cada sonido. En "Ranchera de la Mina", por ejemplo, la banda juega con su propio proceso creativo, abordando temas como la presión y la fragilidad de hacer arte en un mundo que, muchas veces, parece no entender el esfuerzo y la pasión detrás de cada nota.

Otro elemento a destacar es la producción Es, sin duda, uno de los aspectos más llamativos del álbum. Grabado en La Mina, Sevilla, bajo la batuta de Raúl Pérez y Santi García, el disco logra un equilibrio entre todos sus elementos. Aquí, cada instrumento brilla en su momento, y la claridad de la producción permite apreciar cada detalle, cada matiz. Es como si cada canción estuviera diseñada para hacer sentir al oyente en medio de la experiencia, casi como si pudiera tocar los sonidos que surgen de cada tema.

Las ya mencionadas colaboraciones con Erik Urano y Sara Zozaya no son meros adornos; son elementos que añaden profundidad a la narrativa del álbum. Erik Urano aporta una intensidad lírica, mientras que la voz de Sara añade una delicadeza que contrasta maravillosamente con la intensidad de otros temas, logrando así una dinámica envolvente.

Una invitación a perderse y encontrarse

 
"Cancionero de los Cielos" no es solo un disco; es una invitación a embarcarse en un viaje interno. Es una obra que refleja la valentía y autenticidad de Viva Belgrado, un grupo que se atreve a moverse entre géneros y explorar nuevos territorios sin perder su identidad.

Para quienes buscan algo más que música para el fondo, este disco es una experiencia que vale la pena. Con "Cancionero de los Cielos", Viva Belgrado nos recuerda que la música sigue siendo un espacio donde conectar con uno mismo y con los demás. Es una invitación a mirar hacia arriba, hacia los cielos, y al mismo tiempo a mirar hacia adentro, hacia aquello que nos define.

Disco recomendado

 
Para los amantes de la música que buscan algo más que simple entretenimiento, este disco es una experiencia. Viva Belgrado ha creado una obra que, sin duda, resonará en aquellos que buscan autenticidad. A través de sus letras sinceras y su sonido expansivo, Viva Belgrado nos recuerda que, en un mundo cada vez más desconectado, la música sigue siendo un espacio de conexión y de exploración.

En mi caso, para ser producto nacional, es realmente excepcional.

Video del tema "Gemini":

Tracklist:

1. Vernissage (3:43)
2. Chéjov y las gaviotas (2:30)
3. Nana de la luna pena (3:42)
4. Ranchera de la mina (2:05)
5. El Cristo de los Faroles (3:52)
6. Gemini (2:24)
7. Elena observando la Osa Mayor (3:38)
8. Un tragaluz II (1:16)
9. Jupiter and Beyond the Infinite (3:55)
10. Saturno devorando a su hijo (3:25)
11. Perfect Blue (4:00)
12. Un tragaluz (3:19)

FUGAZI - Red Medicine - Album

Introducción: Fugazi y su álbum "Red Medicine"

Fugazi es una banda icónica de post-hardcore y noise rock que se formó en Washington D.C. en 1986. La banda se caracterizó por su enfoque ético y político, y su estilo musical único que fusiona elementos de punk, hardcore y rock experimental. Mi disco favorito es el debut "Repeater" (1990), aunque su discografía está lleno de grandes discos y uno de los más destacados es "Red Medicine", lanzado en 1995. En este post, exploró a este álbum y su importancia en el legado de Fugazi.

Entendiendo el género: Post-hardcore y noise rock:

Para comprender el sitio de "Red Medicine" en el contexto de la música de Fugazi, es interesante entender los géneros en los que se enmarca. El post-hardcore es un subgénero del punk y hardcore que se caracteriza por su enfoque más experimental y emocional. Por otro lado, el noise rock es un género que busca romper con las convenciones musicales tradicionales, explorando sonidos distorsionados y caóticos.

Influencias en la música de Fugazi:

La música de Fugazi se vio influenciada por una amplia gama de artistas y géneros. Desde el punk y el hardcore de los años 80 hasta el rock alternativo y el jazz experimental, la banda absorbió diversas influencias para crear su propio sonido distintivo. Además, la ética "Do It Yourself" (DIY = "hazlo tú mismo") y la actitud política de Fugazi también se reflejan en su música, convirtiéndolos en una banda única en su estilo.

Álbum: Red Medicine

 
Es el cuarto álbum de estudio publicado el 12 de junio de 1995 por Dischord Records. Es el álbum de mayor éxito comercial de la banda y considerado uno de los mejores álbumes de Fugazi. El álbum se destaca por su energía cruda y su enfoque experimental en la composición. Con canciones como "Do You Like Me" y "Bed for the Scraping", Fugazi logra crear un ambiente caótico pero emocionalmente cargado que define su sonido característico. Es más Fugazi comenzó a moverse hacia estilos de música más experimentales, incluido el noise punk, la psicodelia (tema "By You") y el dub (tema "Version").

Análisis de las canciones de "Red Medicine":

En "Red Medicine", cada canción ofrece una experiencia auditiva. Como ejemplos generales "Forensic Scene" es atmosférica mientras "Combination Lock" destaca por su ritmo frenético y letras políticamente cargadas. El tema "Version" es una canción instrumental que muestra la habilidad de la banda para crear paisajes sonoros cautivadores.

Tracklist:

1.         "Do You Like Me"                 3:16
2.         "Bed for the Scraping"           2:50
3.         "Latest Disgrace"                   3:34
4.         "Birthday Pony"                     3:08
5.         "Forensic Scene"                    3:05
6.         "Combination Lock"             3:06
7.         "Fell, Destroyed"                   3:46
8.         "By You"                                5:11
9.         "Version"                               3:20
10.       "Target"                                  3:32
11.       "Back to Base"                       1:45
12.       "Downed City"                      2:53
13.       "Long Distance Runner"       4:17

Track- por- Track:

1. "Do You Like Me": abre el álbum con una explosión. La voz de Picciotto es cruda e intensa, y el agresivo trabajo de guitarra de la canción establece el tono para el resto del álbum.

2. "Bed for the Scraping": El ritmo de conducción de la canción y los ganchos pegadizos hacen que se destaque. Mola mucho!

Video del tema "Bed for the Scraping":

3. "Latest Disgrace": esta canción muestra la capacidad de Fugazi para combinar melodía y disonancia.

4. "Birthday Pony": más lenta e introspectiva, con letras de Mackaye que exploran temas de desilusión y pérdida.

5. "Forensic Scene": un gran ejemplo del lado experimental de Fugazi, con su estructura de canción poco convencional y su trabajo de guitarra atmosférico.

6. "Combination Lock": tema instrumental que sirve como un respiro.

7. "Fell, Destroyed": vuelve al sonido post-hardcore agresivo por el que se conoce a Fugazi, con la voz apasionada de Picciotto.

8. "By You": esta pista, dirigida por Lally, es un poco diferente, con un tempo más lento y un enfoque más melódico.

9. "Version": un instrumental que muestra la maestría musical de la banda y su capacidad para crear música convincente sin voces.

10. "Target": la intensa voz de Picciotto y la musicalidad agresiva de la banda.

11. "Back to Base": un número breve y contundente. Su enfoque simplificado destaca la energía pura de la música de Fugazi.

12. "Down City": otro escaparate de la voz emotiva de Picciotto, con un telón de fondo de música intensa.

13. "Long Distance Runner": el álbum se cierra con esta canción más lenta e introspectiva. Es un final apropiado para un álbum que equilibra la intensidad y la introspección.

En general, cada canción en "Red Medicine" contribuye a la narrativa general del álbum y muestra la versatilidad musical de Fugazi.

Impacto y recepción de "Red Medicine":

"Red Medicine" tuvo un impacto significativo en el mundo de la música underground. Su enfoque y su experimentación sonora abrieron nuevas puertas para el género del post-hardcore y el noise rock. El álbum recibió críticas positivas en su lanzamiento, elogiando su originalidad y su mensaje político. A lo largo de los años, "Red Medicine" ha sido reconocido como un clásico del género y ha influido en numerosas bandas y artistas posteriores.

Fugazi y este disco han sido una influencia formativa para el bajista de Tool Justin Chancellor, el vocalista de Sepultura Derrick Green, Jack White, Daniel Johns de Silverchair, Carrie Brownstein de Sleater-Kinney, Sara Lund de Unwound,Iceage, Dylan Baldi de Cloud Nothings, el cantante principal de Arcade Fire, Win Butler, Efrim Menuck de Godspeed You! Black Emperor, Tad Kubler de Hold Steady, Patterson Hood de Drive-By Truckers,Kele Okereke de Bloc Party, Matty Healy de el 1975, Mary Timony, Hayley Williams de Paramore, Justin Vernon de Bon Iver, Chester Bennington de Linkin Park etc. y etc. Lista totalmente impresionante.

 

¿Por qué "Red Medicine"?

"Red Medicine" es un álbum que muestra la habilidad de Fugazi para desafiar las convenciones musicales y crear un sonido único. Su fusión de punk, hardcore y rock experimental crea una experiencia intensa y emocional. Además, las letras políticamente cargadas y la ética "DIY" de la banda agrega una capa de profundidad a su música.

 

Explorando la discografía de Fugazi más allá de "Red Medicine":

 
Si bien "Red Medicine" es un álbum destacado en la discografía de Fugazi, explorar otros álbumes de la banda es igualmente recomendable. Álbumes como mi favorito "Repeater" y "The Argument" muestran la evolución de la banda a lo largo de los años y ofrecen una visión más completa de su impacto en la música. Sumergirse en la discografía completa de Fugazi es una experiencia para cualquier amante de la música alternativa.

La discografía de álbumes de estudio:

• Repeater (1990)
• Steady Diet of Nothing (1991)
• In on the Kill Taker (1993)
• Red Medicine (1995)
• End Hits (1998)
• The Argument (2001)
  
  

Disco Recomendado

Fugazi dejó un legado duradero en la industria de la música con su enfoque ético y político, y por su música innovadora. "Red Medicine" es un testimonio de la creatividad y la originalidad de la banda, y su influencia se extiende mucho más allá del género del post-hardcore y el noise rock. Fugazi ha dejado una huella imborrable en la música y su legado perdurará en la historia de la música alternativa.

Si te gusta la música alternativa y el post-hardcore, escucha "Red Medicine" de Fugazi.

Video del tema "Do You Like Me":

Músicos de "Red Medicine" álbum: 

• Ian MacKaye - guitarra, compositor, voz
• Guy Picciotto - guitarra, clarinete, compositor, voz
• Joe Lally - bajo, compositor, voz
• Brendan Canty - batería, compositor

THE BAGS | All Bagged Up The Collected Works 1977-1980

Bags (Banda de Punk)

Bags (también conocidos como "The Bags" y "Alice Bag Band") fueron un grupo de punk rock formado en 1977, una de las primeras generaciones de bandas de punk rock que surgieron de Los Ángeles, California. Duraron y grabaron muy poco pero dejaron una profunda huella.

The Bags fueron formados por Alicia Armendariz y Patricia Morrison, quienes se habían conocido mientras esperaban en la fila para ver a Elton John como invitado en el programa de TV liderada por Cher. Las dos se hicieron amigas rápidamente y finalmente decidieron formar una banda llamada "Femme Fatale". Kim Fowley (productor de "The Runaways") se enteró de la banda y pidió a los miembros que hicieran una audición para "Venus and the Razorblades" - el próximo intento de Fowley de crear una banda después de "The Runaways". Femme Fatale eventualmente se transformó en Bags.

La formación era Alice Bag (Alicia Armendariz) como vocalista y Pat Bag (Patricia Morrison) con el bajo, y el resto de la banda estaba compuesta por los guitarristas Craig Lee y Rob Ritter, y Terry Graham en la batería.

The Bags tocaron su primer concierto en "The Masque" el 10 de septiembre de 1977. Sus conciertos a menudo iban acompañados de escenas desordenadas, incluidos altercados con celebridades, como uno entre el cantante Tom Waits y el baterista Nicky Beat en la sala "The Troubadour".

En 1978, lanzaron su único disco, un single llamado "Survive", respaldado por "Babylonian Gorgon" en la cara B. Después de esto, Pat Bag dejó la banda y Ritter cambió al bajo. Sin embargo, en 1981 la banda se había separado.

Como anécdotas, Patricia Morrison pasó a unirse a la banda "Sisters of Mercy" y después "The Damned" (se casó con el cantante principal Dave Vanian), mientras que Rob Ritte y Terry Graham se unieron a "The Gun Club". Más tarde, Rob Graves se enganchó con Ritter con la banda de rock gótica ".45 Grave" antes de morir de una sobredosis de heroína en 1991. Craig Lee trabajó en "Catholic Discipline" antes de cambiarse a escritor, publicando "Hardcore California: A History of Punk and New Wave" antes de su muerte por SIDA.

Una banda pionera dentro del punk americano. Hay poco material disponible aunque afortunadamente se ha recopilado sus temas en "All Bagged Up... The Collected Works 1977-1980".

ALBUM: All Bagged Up... The Collected Works 1977-1980

 
Una recopilación de la banda punk rock THE BAGS publicada en 2007 por Artifix Records. Este LP de 12" representa todo lo que se pudo desenterrar de "The Bags" de L.A.

Afortunadamente, las pocas grabaciones de estudio de la banda, junto con algunas presentaciones en directo, demos y otras rarezas se juntan en esta compilación:

•  Teams 1-4: canciones de estudio de "The Dangerhouse Recordings 1978":
  Survive/Babylonian Gorgon/We Don't Need the English/We Will Bury You
• Temas 5-8: canciones en directo "The Masque" 1978:
  TV Dinner/Violent Girl/Animal Call/Chainsaw
• Temas 9-13: Directos de Portland Oregon November 25, 1979:
  7 and 7 is (Love)/1,2,3/Gluttony/In Love With Romance/Survive
• Temas 14-20: varios; ensayos, directos, demos y tomas alternativos:
  Car Hell/Real Emotions/Bag Bondage/We Will Bury You
  Disco's Dead/Prowlers in the Night/Nothing's Going on in Here

En resumen, una colección de canciones con una carga y una energía impresionante. No se buscaba ninguna melodía pegadiza sino una actitud primordial con la esencia del punk al estilo L.A para canalizar toda la frustración de una parte de los jóvenes.

Un disco recomendado. Un álbum con lo disponible de la banda, y a un solo paso del hardcore. Será una gran adquisición para los fans del punk rock.

Video del tema "Gluttony" (en directo):

Tracklist:

01.Survive     
02.Babylonian Gorgon         
03.We Don't Need The English       
04.We Will Bury You           
05.TV Dinner
06.Violent Girl          
07.Animal Call          
08.Chainsaw  
09.7 And 7 Is
10.1,2,3          
11.Gluttony   
12. In Love With Romance  
13.Survive     
14.Car Hell    
15.Real Emotions      
16.Bag Bondage       
17.Disco's Dead        
18.Prowlers In The Night     
19.We Will Bury You           
20.Nothing's Going On In Here

X | Los Angeles - Album

X (Banda Punk) 

Grupo americano de punk rock formado en Los Ángeles, California, en 1977. Los miembros originales son el vocalista Exene Cervenka, el vocalista y bajista John Doe, el guitarrista Billy Zoom y el baterista D. J. Bonebrake. La banda publicó siete álbumes de estudio de 1980 a 1993. Después de un período de inactividad entre mediados y finales de la década de 1990, "X" se reunió a principios de la década de 2000 y actualmente realiza giras a partir de 2019. El elemento diferenciador del grupo fue que mientras otras bandas perseguían el lado agresivo-violento del punk con el hardcore, "X" fue en la dirección "americana" con una música surf acelerado, soul y riffs de rockabilly.

La banda "X" logró un éxito limitado pero influyó en varios géneros de música, incluido el punk rock y el folk rock, y es considerada una de las bandas más influyentes de su época. Ellos fueron los que pusieron la escena punk de la ciudad de Los Ángeles en el mapa."X" fue la primera banda de punk de Los Ángeles en ser tomada en serio por la prensa musical en ambas costas, y en un momento en el que muchos se preguntaban cómo el punk podía prosperar. "X" propuso una música rock tan crudo, apasionado y poderoso como cualquier otra banda que estaba en Nueva York o Londres en su momento. La fusión de "X" de la velocidad y la ferocidad del punk con los sonidos del rockabilly, el blues, el country y otros estilos de música de raíces demostraría ser tremendamente influyente en los años siguientes, al igual que las extravagantes armonías vocales de John Doe y Exene Cervenka.

Una breve historia:

El grupo "X" fue fundado por el bajista y cantante John Doe. Nacido como John Nommensen Duchac, John Doe se mudó a Los Ángeles en 1976. Nacido y criado en Baltimore, donde había tocado en varias bandas, Doe había descubierto el punk-rock después de escuchar "Horses" de Patti Smith y estaba ansioso por formar una banda en su nueva ciudad. A través de un anuncio en un periódico, Doe conoció a Billy Zoom (nacido Ty Kindell), un talentoso guitarrista originario de Savannah, Illinois, que había estado tocando rockabilly, blues y R&B en Los Ángeles durante años; había respaldado a "Gene Vincent" durante los últimos directos del ícono del rockabilly. Al igual que Doe, Zoom había descubierto a los "Ramones" y quería tocar música rápida, fuerte y honesta, y comenzaron a improvisar juntos. Poco antes de conocer a Zoom, Doe había conocido a Exene Cervenka (también conocida como Christine Cervenkova) quien, como Doe, había llegado recientemente a Los Ángeles y estaba interesada en la poesía. Doe y Cervenka asistían al mismo taller de poesía y se unían a sus gustos compartidos por la literatura. Doe y Cervenka comenzaron a salir, y cuando leyó una de sus piezas pensó que tenía los ingredientes de una buena canción, le pidió permiso para cantarla en la banda que estaba formando con Zoom. Cervenka dijo que preferiría cantarla ella misma y, en poco tiempo, estaba ensayando con Doe y Zoom, y su entusiasmo compensaba su falta de experiencia musical. Con el nombre de X, la nueva banda pasó por un puñado de bateristas antes de terminar con D. J. Bonebrake (ex-Germs y The Eyes). Cuando la banda se convirtió en la abanderada de la escena local, un sello independiente, Slash Records, firmó con la banda. El resultado fue su álbum debut, "Los Ángeles" (1980), producido por el teclista de The Doors, Ray Manzarek.

A pesar de la gran recepción crítica y elogios de sus primeros cuatro álbumes, la banda se sintió frustrada por su falta de éxito comercial. En 1985 cambiaron de productor para trabajar con Michael Wagener (Mötley Crüe, W.A.S.P., Overkill, Stryper, Poison, Alice Cooper, Megadeth, Janet Jackson, Ozzy Osbourne, Dokken, Metallica, White Lion,Skid Row...) y presentó un cambio drástico en el sonido, especialmente en la producción pulida y en capas, mientras que las raíces punk de la banda eran poco evidentes, reemplazadas por una versión "country" del hard rock. El cambio en la producción tenía la intención de traer a la banda más éxito en las listas, pero aunque recibió más radio convencional que sus lanzamientos anteriores, no representó un avance comercial. Billy Zoom dejó la banda y fue el fin de "X", aunque llegaría la banda a reunirse más adelante. Digamos que el periodo de "oro" del grupo son los cuatro primeros álbumes (1980-1983).

La discografía álbumes de estudio de "X" por ahora:

• 1980    Los Angeles   
• 1981    Wild Gift       
• 1982    Under the Big Black Sun      
• 1983    More Fun in the New World
• 1985    Ain't Love Grand!     
• 1987    See How We Are      
• 1993    Hey Zeus!      
• 2020    Alphabetland 

Los tres primeros discos son buenísimos. No obstante, el mejor de todos es el debut "Los Ángeles", uno de los grandes debuts del punk americano de todos los tiempos.
 

ALBUM: Los Angeles

Es el álbum de estudio debut publicado el 26 de abril de 1980 por "Slash Records". Fue producido por el ex tecladista de The Doors, Ray Manzarek, e incluye una versión de la canción de 1967 de The Doors "Soul Kitchen".

El debut "Los Ángeles", es considerado como una de las mejores grabaciones de punk de todos los tiempos, y con razón. La mayoría de las bandas de punk utilizaron su incapacidad musical para crear su propio estilo, pero "X" en realidad consistía en algunos músicos realmente talentosos, incluido el guitarrista de rockabilly Billy Zoom, el bajista John Doe y la vocalista Exene Cervenka, quien, con Doe, escribió letras poéticas y perfeccionó dulces armonías vocales. Si bien fueron etiquetados como una banda de punk rock desde el principio, "X" no se clasifica fácilmente. Aunque utilizan el estilo acelerado y la electricidad del punk, también agregan country, baladas y rockabilly a la mezcla en este álbum.

Las narrativas de las ocho canciones se alternan entre descripciones de la vida en Los Ángeles y descripciones más universales de intentos de aceptación en un mundo xenófobo, incluso cuando los personajes con los que hay que simpatizar son bastante cutres. Los ocho temas originales son los que hacen el disco muy sólido, con "Johnny Hit And Run Pauline", "Nausea", "Your Phone 's Off the Hook, But You're Not", "It 's In My Kiss" y la canción principal "Los Ángeles" destacando. Además, su versión de" Soul Kitchen "de The Doors es espectacular a su manera. Y lo que no se puede discutir es la química de la banda. Ya sea la armonización de Exene y John Doe, los riffs rockabilly de Billy Zoom o la potente batería de D.J. Bonebreak; todo encaja perfectamente. Total, una obra muy fuerte, con una sección rítmica sólida, un trabajo de guitarra impecable y algunas de las voces más atractivas y personales registradas hacen que sea un auténtico discazo.

Como ya he mencionado es un disco tremendo y los temas a destacar para mi son: "Johny Hit and Run Paulene", "Your Phone 's Off the Hook, But You're Not", "Los Ángeles", "Nausea", "Sex And Dying In High Society" etc.

Un disco recomendado. "Los Ángeles", tal como su nombre lo indica, es uno de los mejores y más fieles homenajes que se le hayan hecho a la ciudad. Capta perfectamente "The City of Lights" de finales de los años 70 y principios de los 80 con su burbujeante escena punk - rock. Solo hay otro disco que documenta perfectamente la ciudad en un periodo más adelante y bajo otro contexto, "Appetite for Destruction" de Guns N Roses.

En fin, uno de los mejores álbumes de debut jamás publicado en todo el rock, sino del punk americano. Un álbum imprescindible para fans del punk, punk rock y rockabilly - dicho de otra manera para fans de Chuck Berry, Ramones o The Cramps. Disponible en tiendas especializadas y en las plataformas digitales.

Video del tema "Johny Hit and Run Paulene":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Your Phone's Off the Hook, But You're Not"        2:25
2.         "Johny Hit and Run Paulene"                       2:50
3.         "Soul Kitchen"           (The Doors)    2:25
4.         "Nausea"                    3:40
5.         "Sugarlight"               2:28

Cara B:

6.         "Los Angeles" 2:25
7.         "Sex and Dying in High Society"      2:15
8.         "The Unheard Music" 4:49
9.         "The World's a Mess; It's in My Kiss"           4:43