THE BEATLES - Rubber Soul - Album

Sí, soy un gran fan de The Beatles. Quiero elogiar y recomendar a los lectores, especialmente a los jóvenes melómanos, el álbum de 1965 "Rubber Soul". Aunque los LPs siguientes "Revolver" y "Sgt Peppers" alcanzarían el estatus de legendarios, "Rubber Soul" marcó un cambio de dirección musical y verdadera madurez. Es el génesis de lo que vendría después. Absoluta grandeza.

 

ALBUM: Rubber Soul

 
Publicado el 3 de diciembre de 1965 y producido por George Martin, este disco fue un punto de inflexión. Este es el LP en el que los Beatles dejaron de ser simplemente los adorables melenudos y comenzaron su evolución hacia algo mucho más profundo. Se puede decir que ya no grababan sencillos para llenar las listas de éxitos; había una verdadera profundidad y experimentación. Este fue su primer álbum grabado en un bloque de tiempo concentrado, sin las distracciones habituales de los sets de filmación o las giras mundiales. Y ese espacio les dio lugar para crecer, no solo como músicos sino como narradores de historias.

No es que de repente hayan dejado de hacer canciones de amor, que todavía están en este álbum, pero la forma en que compusieron sobre el amor dio un gran salto en madurez. Atrás quedaron los días del simple cántico de "She Loves me, yeah, yeah, yeah". Canciones como "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y "Girl" están llenas de capas de ambigüedad, profundidad emocional e incluso un poco de amargura. John Lennon claramente canalizaba la influencia de Bob Dylan con sus letras más introspectivas, mientras que George Harrison nos dio una primera muestra de las influencias hindu con la guitarra sitar en "Norwegian Wood". Vale la pena considerar que una banda de rock que incorpora un sitar en 1965 se consideraba revolucionario, pero así fue.

Y luego está la canción "In My Life", una de las obras más introspectivas de John Lennon. Es nostálgica, conmovedora y es fácilmente una de los temas más hermosos que la banda haya escrito. Escuchas el piano que suena como un clavicémbalo gracias a la magia de estudio de George Martin y te das cuenta de lo lejos que habían llegado en tan poco tiempo.

Pero esto no es todo acerca de John Lennon. Paul McCartney también brilla y de manera genial. Su talento para la melodía está presente en "You Won't See Me" y en "I'm Looking Through You", de estilo acústico, que muestran un lado más suave, pero no menos reflexivo, del álbum.

Pero lo que más destaca es cómo "Rubber Soul" se sitúa en la encrucijada entre el pasado y el futuro de los Beatles. Es un LP de transición, en el que siguen jugando con estructuras pop ("Drive My Car"), pero también están claramente ansiosos por ir más allá. "If I Needed Someone" de George Harrison está llena de melodías al estilo de los Byrds, no es difícil verlo avanzar hacia los temas más espirituales que definirían su trabajo posterior. Incluso Ringo Starr se suma con "What Goes On", que, aunque no es exactamente innovadora, añade un poco de estilo de Nashville con sus riffs inspirados en el country.

Video del tema "If I Need Someone":

Y ahí está el legado. "Rubber Soul" no fue solo un paso adelante para los Beatles, fue un cambio radical para la música en general. Demostró que la música pop podía ser sofisticada, introspectiva y artísticamente ambiciosa. No puedes escuchar este álbum sin sentir los impulsos de lo que luego se convertiría en "Revolver" y "Sgt. Pepper's".

Disco recomendado

En resumen, "Rubber Soul" es donde "The Beatles" se convirtieron en algo más que una banda, se convirtieron en artistas. Y aunque alcanzarían alturas aún mayores, hay algo especial en este disco de transición, donde puedes escucharlos a caballo entre lo que eran y lo que estaban a punto de convertirse. Muy recomendable para fans y no fans de los Beatles. Un disco imprescindible de la música pop universal.

Video del tema "In My Life":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Drive My Car"          McCartney with Lennon        2:25
2.         "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)"  Lennon           2:05
3.         "You Won't See Me"  McCartney      3:18
4.         "Nowhere Man"         Lennon           2:40
5.         "Think for Yourself" (George Harrison)        Harrison          2:16
6.         "The Word"    Lennon           2:41
7.         "Michelle"       McCartney      2:40 

Cara B:

1.         "What Goes On" (Lennon–McCartney–Richard Starkey)   Starr    2:47
2.         "Girl"   Lennon           2:30
3.         "I'm Looking Through You"  McCartney      2:23
4.         "In My Life"   Lennon           2:24
5.         "Wait" Lennon and McCartney         2:12
6.         "If I Needed Someone" (Harrison)    Harrison          2:20
7.         "Run for Your Life"   Lennon           2:18 

The Beatles (Banda):

• John Lennon – voz principal, armonías y coros; guitarras rítmicas, acústicas y principales; órgano en "Think for Yourself"; pandereta
• Paul McCartney – voz principal, armonías y coros; bajo, guitarras acústicas y principales; piano; maracas
• George Harrison – voz principal, armonías y coros; guitarras principal, rítmicas y acústicas; sitar en "Norwegian Wood"; maracas, pandereta
• Ringo Starr – batería, pandereta, maracas, cencerro, campanas, platillos; órgano Hammond en "I'm Looking Through You"; voz principal en "What Goes On"

Producción y personal adicional:

•  George Martin – producción, mezcla; piano en "In My Life", armonio en "The Word" y "If I Needed Someone"
• Mal Evans – órgano Hammond en "You Won't See Me"
• Robert Freeman – fotografía
• Charles Front – ilustración

ST VINCENT - Masseducation - Album

Annie Clark, conocida artísticamente como ST VINCENT combina rock, jazz, electrónica y toques clásicos de manera innovadora. Con una composición elocuente y una forma creativa de tocar la guitarra, Annie Clark destaca por subvertir las convenciones del rock y el pop.

Quiero recomendar uno de sus muchos álbumes a los lectores de este blog de música, "Masseducation".

ALBUM: Masseduction

 
Este es el quinto álbum de estudio de la cantante estadounidense Annie Clark, también conocida artísticamente como "St. Vincent", publicado el 13 de octubre de 2017. El álbum fue producido por Clark y Jack Antonoff y cuenta con contribuciones de Doveman al piano, Kamasi Washington al saxofón, Jenny Lewis como vocalista invitada y producción de ritmos de Sounwave, así como pedal steel de Greg Leisz y Rich Hinman, y guitarra y voces adicionales de su tío y tía Tuck y Patti, respectivamente.

St. Vincent canta de temas de corazón, deseo y éxito con una vulnerabilidad autocrítica. "Masseduction" es la culminación de años de composición, con canciones creadas a partir de notas de voz, mensajes de texto y fragmentos de melodías que se le ocurrieron a Clark mientras viajaba por el mundo. Annie Clark ha comentado que el álbum se centra en temas de poder, sexo, drogas, tristeza, relaciones en peligro y muerte. Clark incluso ha dicho... "si quieres saber sobre mi vida, escucha este disco". 

En cuanto a la música, esto es pop, pero no cualquier pop. Es lo que algunos llamarían "pop futurista", una mezcla de electropop, new wave, guitarras, sintetizadores y ritmos de batería que te atrapan. Aunque también hay cuerdas, piano... En fin, un buffet musical. Como sea, si lo escuchas desde cualquier ángulo, este álbum simplemente brilla.

Como he aludido, en este trabajo, St. Vincent ofrece un agudo viaje a lo personal, y para mi es su álbum más comercial y emocionalmente complejo hasta la fecha. Como artista que equilibra lo cerebral con lo sensual, el disco marca un punto culminante donde el pop artístico y la confesión personal se entrelazan con ingenio y vulnerabilidad. 

Colaborando con el prolífico Jack Antonoff (conocido por su trabajo con Lorde y Taylor Swift), Clark amplifica el sonido a proporciones del tamaño de un estadio. Sin embargo, "Masseduction" no se trata solo de estribillos más grandes o una producción más brillante; debajo de la superficie se esconde un trabajo cargado de tensión, ansiedad e introspección. Temas como la canción principal, Masseduction, vibran con sintetizadores elegantes y guitarras potentes, pero la letra es reveladora y sobre la pérdida de control. La producción del álbum es pop, pero los temas de adicción, soledad y las contradicciones desordenadas del amor lo elevan a un plano más profundo y cerebral.

Canciones como "Sugarboy" y "Pills" juegan con una energía superficial y pegadiza, pero se adentran en territorios emocionales más oscuros. "Pills", por ejemplo, comienza como una oda irónica a los productos farmacéuticos con un estribillo pegadizo que parece un jingle, solo para disolverse en un solo de saxofón desorientado y aturdido cortesía de Kamasi Washington. En este álbum, Annie Clark no solo utiliza la ironía para señalar las muletas de la sociedad, sino que la utiliza para explorar sus propias vulnerabilidades, a menudo en términos contundentes.

Además, su capacidad para combinar melodías pegadizas, con un profundo dolor emocional es especialmente poderosa en temas como "Los Ageless" y "Young Lover". "Los Ageless", con sus ritmos vibrantes y su producción elegante, es un comentario mordaz sobre la superficialidad de la vida moderna, donde el brillo de la perfección esconde un colapso emocional. Mientras tanto, "Young Lover" aborda la adicción y el desamor, superponiéndolos con algunas de las interpretaciones vocales más emotivas de St Vincent.

Profundizando algo más, la naturaleza personal de "Masseduction" contrasta marcadamente con dicho barniz pop. Clark aporta un tono confesional que desvela las capas de su propia vida. En "Happy Birthday, Johnny", vuelve a visitar a una vieja amiga de álbumes anteriores, acusándola ahora de venderse, mientras que en "New York", lamenta las relaciones perdidas y los paisajes cambiantes con cruda emoción. Ambas canciones, a pesar de sus escenarios contrastantes, tratan el tema de la pérdida, no solo de personas, sino de identidad, estabilidad y comodidad.

Muchos críticos han llamado a "Masseduction" el momento "Let 's Dance" de St. Vincent, comparándolo con el giro de David Bowie hacia un sonido más pop sin dejar atrás la profundidad. Es como si hubiera logrado colarse en el mainstream sin sacrificar su lado más experimental. Es lo que podríamos llamar metapop: una historia personal empaquetada como un disco pop, pero con mucha más sustancia que lo que normalmente escuchas en las listas de éxitos.

En resumen, "Masseduction" es un triunfo de contradicciones. Es brillante y crudo, personal y universal, juguetón y trágico. St. Vincent usa el pop como un caballo de Troya, escondiendo reflexiones profundas sobre la vida moderna. Y al final, este disco no es solo uno de sus más accesibles; también es uno de los más reveladores. Una verdadera obra excepcional de una artista que está, sin duda, en la cima de sus poderes creativos.

Disco recomendado

Desde mi punto de vista, es un excelente disco de pop complejo, inquietante y ruidoso. Recomendado!

Video del tema "Los Ageless":

Tracklist:

1.         "Hang on Me" 2:48
2.         "Pills" (Clark, Jack Antonoff, Mark Anthony Spears)          4:40
3.         "Masseduction" (Clark, Antonoff)    3:17
4.         "Sugarboy" (Clark, Antonoff)           4:01
5.         "Los Ageless" 4:41
6.         "Happy Birthday, Johnny" (Clark, Antonoff)          2:58
7.         "Savior"          3:26
8.         "New York" (Clark, Antonoff)         2:34
9.         "Fear the Future"        2:31
10.       "Young Lover"           3:33
11.       "Dancing with a Ghost"         0:46
12.       "Slow Disco" (Clark, Joy Williams)   2:44
13.       "Smoking Section"     3:37 

Ficha:

• Annie Clark – guitarra (pistas 1–5, 7, 9, 10, 13), voces (todas las pistas), sintetizadores (pista 4), bajo (pista 4)
• Tuck Andress – guitarra (pistas 5, 7, 9)
• Patti Andress – voces (pistas 5, 7, 13)
• Jenny Lewis – voces (pista 2)
• Kid Monkey – voces (pista 2)
• Toko Yasuda – voces (pista 3)
• Jack Antonoff – sintetizadores (pistas 2, 4–6, 8–13), programación (pistas 1–5, 7–9, 12, 13), bajo (pistas 1, 2), batería (pistas 2, 9), arreglos de cuerdas (pistas 11, 12), mellotron (pista 1), piano (pista 2)
• Daniel Mintseris – sintetizadores (pistas 2, 7, 9)
• Lars Stalfors – sintetizadores (pista 10), programación (pista 10)
• Sounwave – programación (pista 2)
• Adam Pickrell – programación (pista 2)
• Thomas Bartlett – piano (pistas 1, 3, 6–8, 13), sintetizadores (pista 9)
• Bobby Sparks – teclados (pista 7)
• Mike Elizondo – bajo (pistas 2, 9)
• Pino Palladino – bajo (pista 7)
• Greg Leisz – pedal steel (pistas 5–7, 13)
• Rich Hinman – pedal steel (pista 13)
• Evan Smith – saxofón (pistas 2, 5, 11, 12)
• Kamasi Washington – saxofón (pista 2)
• Margot – cuerdas (pistas 11, 12)
• Philip A. Peterson – violonchelo (pista 8)
• Timothy Garland – violín (pista 8)

Técnico:

• Jack Antonoff: producción, ingeniería de sonido adicional
• St. Vincent: producción, ingeniería de sonido adicional
• Lars Stalfors: coproducción (pistas 3, 10)

THE JESUS LIZARD - Rack - Album

Una de las bandas más intransigentes de la escena underground de los años 90 (siglo xx), THE JESUS LIZARD, ha vuelto tras una pausa de 26 años con un nuevo álbum titulado "Rack" que marca su esperado regreso al estudio.

Quiero recomendar con mucho gusto y entusiasmo a los lectores de este blog de música este impresionante lanzamiento.

 

Una mirada atrás: la evolución sónica de The Jesus Lizard

 
La carrera temprana de "The Jesus Lizard" estuvo definida por cuatro álbumes. Sus obras fundamentales - "Head" (1990), "Goat" (1991), "Liar" (1992) y "Down" (1994) - fueron producidas por el recientemente fallecido Steve Albini, una figura legendaria de la escena musical alternativa, cuya producción cruda y seca capturó a la perfección la característica mezcla de noise, precisión e intensidad de la banda. Sin embargo, su cambio a "Capitol Records" a mediados de los 90 marcó un cambio tanto en el sonido como en la dirección, ya que los discos "Shot" (1996) y "Blue" (1998) intentaron introducir nuevas texturas sonoras y técnicas de producción.

Aunque no carecían de mérito, a estos últimos discos les faltaban los matices que definían sus trabajos anteriores. Con la marcha de Albini, productores como GGGarth y Andy Gill (de "Gang of Four") intentaron pulirlos, pero los resultados se diluyeron, dejando a muchos fans añorando la inmediatez cruda de sus primeros lanzamientos. Tras la publicación del sexto álbum de estudio del grupo, "Blue", la banda se separó en junio de 1998. Se reunieron brevemente en 2009 para una gira, pero pronto se disolverían de nuevo. No sería hasta septiembre de 2017 que la banda se reuniría de forma permanente.

ALBUM: Rack

 
Este es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "The Jesus Lizard", que se publicó el 13 de septiembre de 2024. Es el primer lanzamiento de estudio de la banda en 26 años desde Blue (1998). Rack es uno de los álbumes más variados de The Jesus Lizard, que combina elementos del post-punk, el hardcore y el rock experimental.

Después de una escucha detenida y cuidadosa, para mí la banda ha vuelto a sus puntos fuertes, creando un disco que irradia la ferocidad y precisión de su mejor trabajo. Si bien el álbum está producido por Paul Allen (en lugar del fallecido Steve Albini), el enfoque de Allen honra el espíritu de Albini al mantener la producción discreta y dejando que los talentos de la banda brillen. El audio es limpio, rico y profundamente texturizado, capturando la energía salvaje de la voz desenfrenada de David Yow, el trabajo de guitarra afilado como una navaja de Duane Denison y la implacable sección rítmica del bajista David Wm. Sims y el baterista Mac McNeilly.

Canciones como “Armistice Day” muestran la capacidad de la banda para bajar el ritmo sin perder nada de su intensidad. La ubicación de la canción al principio del álbum es una sorpresa, pero su éxito demuestra que “The Jesus Lizard” todavía puede jugar con el tempo y el ritmo mientras mantiene la misma energía visceral. De manera similar, el corte “Grind” alterna entre furiosos riffs de guitarra y una sección lenta, casi meditativa, lo que resalta también que la dinámica de la banda se ha vuelto aún más matizada.

Otras canciones, como “Dunning Kruger” y la canción de apertura “Hide and Seek”, canalizan la energía punk agresiva que los admiradores de toda la vida reconocerán de su trabajo anterior. Mientras tanto, canciones como el número final “Swan the Dog” toman un giro más experimental, con la entrega vocal errática de David Yow, que combina una entrega vocal desquiciada con la estética de noise rock característica de la banda. El bajo impulsado por “Lord Godiva” es otro tema destacado, con un solo memorable que resalta las habilidades musicales del grupo y su capacidad para explorar nuevos terrenos.

En cuanto a la letra, "Rack" está lleno de la mezcla característica de The Jesus Lizard de humor negro y crítica social. “Alexis Feels Sick” toca las ansiedades modernas sobre la tecnología, haciendo referencia al auge de la inteligencia artificial. Ya sea una crítica de nuestro mundo impulsado por la tecnología o simplemente una narrativa sobre alguien llamado Alexis que tiene un mal día, la banda deja suficiente espacio para que los oyentes interpretan los temas a su manera.

En contraste con las críticas desenfadadas de algunas tendencias de la música pop moderna, "Rack" es un álbum lleno de pavor, que resalta la inquietud del grupo con la superficialidad del panorama cultural actual. Pero en lugar de señalar con el dedo con humor, la interpretación de The Jesus Lizard está plagada de angustia e incomodidad, un reflejo del mundo caótico y ruidoso.

En resumen, 26 años después de su último disco de estudio, "Rack" no es solo un álbum de reunión, es una recuperación de todo lo que hizo grande a The Jesus Lizard en un principio. Desde la energía brutal de la instrumentación hasta la voz de David Yow, este álbum se sitúa al lado de los mejores trabajos de la era "Touch & Go".

Disco recomendado

 
Para los fans más fieles, "Rack" es un bienvenido regreso a la forma, que demuestra que The Jesus Lizard todavía puede golpear tan fuerte como lo hizo en los años 90, ofreciendo muchos momentos destacados de noise rock, hardcore punk y post-punk. Y para aquellos que son nuevos, "Rack" sirve como una poderosa introducción a uno de los grupos más intransigentes de los últimos 30 años.

Finalmente, "Rack" es una prueba de que la música rock visceral y noise está viva y coleando en 2024.

Video del tema "Is That Your Hand":

Tracklist:

1.         "Hide & Seek"            3:04
2.         "Armistice Day"         4:26
3.         "Grind"           2:35
4.         "What If?"      3:45
5.         "Lord Godiva"           3:04
6.         "Alexis Feels Sick"     4:29
7.         "Falling Down"          3:25
8.         "Dunning Kruger"      2:33
9.         "Moto(R)"       2:50
10.       "Is That Your Hand?"            3:08
11.       "Swan the Dog"         3:25

The Jesus Lizard (Banda):

• Duane Denison – guitarra, producción
• Mac McNeilly – batería, producción
• David Wm. Sims – bajo, producción
• David Yow – voz, producción

Técnico:

Paul Allen – producción e ingeniería de sonido.

GREEN DAY - American Idiot - Album

Muchos jóvenes amantes de la música descubren la música rock a través de la banda estadounidense GREEN DAY. He visto muchos videos y clips generados en Instagram y Tik Tok con jóvenes generadores de contenido que presentan a otros de su generación la música punk rock a través de Green Day.

Personalmente, disfruto mucho de su disco debut "Dookie", su mejor trabajo en lo que a mí respecta. Pero muy cerca, está otro gran disco suyo, "American Idiot", editado en 2004, un álbum conceptual que también sirvió como una obra de regreso que puso a la banda nuevamente en lo más alto de la fama musical.

Quiero recomendar la obra "American Idiot" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: American Idiot

 
Es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, publicado el 21 de septiembre de 2004 y producido por Rob Cavallo (también trabajó con Linkin Park, My Chemical Romance, Eric Clapton, Goo Goo Dolls, Jawbreaker, Alanis Morissette, Black Sabbath, Phil Collins, Paramore, Sixpence None the Richer... por mencionar algunos) en colaboración con el grupo.

Este disco se puede considerar un álbum conceptual, en el sentido de "ópera rock (punk)". "American Idiot" sigue la historia de Jesus of Suburbia, un antihéroe adolescente estadounidense de clase media-baja. El álbum expresa la desilusión y la disidencia de una generación que llegó a la mayoría de edad en un período marcado por eventos tumultuosos como el 11 de septiembre y la guerra de Irak. Un disco más crítico con la sociedad y con una carga política que regresó al sonido punk rock de la banda después de los trabajos anteriores más inspirados en el folk y el power pop.

También marcó el regreso de la carrera de Green Day, que apareció en las listas de 27 países, alcanzó por primera vez el primer puesto en el Billboard 200 para el grupo y alcanzó el número uno en otros 18 países. Ha vendido más de 23 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el segundo álbum más vendido de la banda (detrás de su debut en 1994 con una importante discográfica, el gran "Dookie") y uno de los álbumes más vendidos de la década y de todos los tiempos.

Parte del atractivo de Green Day aquí es cómo personalizan los sonidos del pasado, haciendo que las tradiciones del rock de guitarra consagradas por el tiempo parezcan frescas. Aquí, la música no solo es más dura, es fluida y, mejor aún, alimenta la ira, la desilusión, el desamor, la frustración y el ingenio mordaz que están en el centro de "American Idiot". Es un gran álbum y escuchas lo mejor de todos los miembros de la banda y la historia se construye muy bien.

Un aspecto sorprendente de "American Idiot" es que la musicalidad cada vez más madura de la banda se combina con las letras incisivas y cortantes de Armstrong, que transmiten de manera eficaz la paranoia y el miedo de vivir en Estados Unidos después del 11 de septiembre, pero también viran hacia bocetos de personajes íntimos y conmovedores a pequeña escala. Hay mucho en este disco, y los cínicos podrían descartarlo después de una escucha como caótico, cuando en realidad es una obra rica y multifacética, que se fortalece desde la primera escucha y crece en estatura y se vuelve más adictiva con cada repetición. "American Idiot" funciona en varios niveles diferentes. Puede tomarse como una colección de grandes canciones, canciones que resuenan fuera de la historia y los cortes tienen un impacto diferente y más duradero cuando se toman en su conjunto.

Los sencillos que aparecen aquí son geniales: "Boulevard of Broken Dreams" y "Wake Me Up When September Ends" son grandes baladas pop-rock de medio tiempo, algunos de los puntos culminantes de la era del pop-punk, y "American Idiot" es un número contagioso ineludible. Pero son las canciones intermedias, como el ritmo nostálgico de los 90 "Whatsername" y "Letterbomb", las que se destacan, dando cuerpo al sonido del álbum aunque hacen poco por esclarecer la historia.

Disco recomendado

Muchos lo consideran una obra maestra y uno de los pocos discos de 2004 que transmiten cómo se sentía vivir en la extraña y rara América de principios de los años 2000. Hay punk, hay pop, hay rock ópera (que recuerda a "Tommy" de The Who), incluso hay algo de progresivo. Billy Joe Armstrong compuso aquí una auténtica obra de arte.

Video del tema "Homecoming":

Tracklist (formato original):

1.         "American Idiot"        2:54
2.         "Jesus of Suburbia"

I. "Jesus of Suburbia"

II. "City of the Damned"

III. "I Don't Care"

IV. "Dearly Beloved"

V. "Tales of Another Broken Home"

9:08

1:51

1:51

1:43

1:05

2:38

3.         "Holiday"        3:52
4.         "Boulevard of Broken Dreams"         4:22
5.         "Are We the Waiting"            2:42
6.         "St. Jimmy"     2:56
7.         "Give Me Novacaine"     3:25
8.         "She's a Rebel"           2:00
9.         "Extraordinary Girl"   3:33
10.       "Letterbomb"  4:05
11.       "Wake Me Up When September Ends"        4:45
12.       "Homecoming"

I. "The Death of St. Jimmy"

II. "East 12th St."

III. "Nobody Likes You" (Mike Dirnt)

IV. "Rock and Roll Girlfriend" (Tré Cool)

V. "We're Coming Home Again"

9:18

2:24

1:38

1:21

0:44

3:11

13.       "Whatsername"           4:14

Green Day (Banda)

• Billie Joe Armstrong – voz principal y coros, guitarras
• Mike Dirnt – bajo, coros; voz principal en "Nobody Likes You" (sección en "Homecoming")
• Tré Cool – batería, percusión; voz principal en "Rock and Roll Girlfriend" (sección en "Homecoming")

Músicos adicionales:

• Rob Cavallo – piano
• Jason Freese – saxofón
• Kathleen Hanna – voz invitada en "Letterbomb"

Producción:

Rob Cavallo – productor
Green Day – productores

SLIFT - Ummon - Album

Los directos de la banda francesa SLIFT son potentes, con una química eléctrica entre sus miembros. Jean Fossat domina su guitarra SG con maestría, haciéndola  gritar con intensa precisión. Su hermano, Remi Fossat, proporciona una base de bajo sólida, mientras que el batería Canek Flores impulsa a la banda con una sección rítmica dinámica y ajustada que se siente casi tan vital como la propia música.

SLIFT irrumpió en la escena con una actuación en directo en KEXP en Rennes, asombrando a los oyentes con su energía y su fusión de krautrock y psicodelia.

Su segundo disco, titulado "Ummon", es el trabajo que quiero recomendar a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Ummon

 
Este es el segundo disco de estudio de la banda francesa de rock progresivo Slift. El álbum se publicó el 28 de febrero de 2020. "Ummon" es una odisea espacial que combina elementos de krautrock con tintes acid, garage rock, jazz y psicodelia moderna.

La portada fue realizada por el dibujante de cómics francés Caza (Philippe Cazaumayou). 

Con una duración de más de una hora (72 minutos), este disco captura la esencia de la presencia en vivo de Slift; es una improvisación de heavy rock y stoner, grabada con una producción mínima para preservar la energía del trío. Influenciado por bandas como "Motorpsycho" y "Elder", este álbum amplía estas bases con un espírito fresco y rebelde.

Hay algunos momentos realmente destacados a lo largo del álbum: la voz de Jean en “Altitude Lake” combinada con un riff pesado, la improvisación salvaje en “It’s “Coming”, el gran ritmo de batería en “Sonar” y la canción de cierre con tintes punk “Lions, Tigers and Bears” que se transforma en un himno psicodélico stoner.

La sección rítmica de Rémi Fossat (bajo) y Canek Flores (batería) proporciona una base sólida a lo largo de este disco, lo que permite que el trabajo de guitarra de Jean Fossat se eleva a la estratosfera. Esto es particularmente evidente en el tema cierre de 13 minutos ya mencionado del álbum, "Lions, Tigers and Bears", que presenta sintetizadores, solos de guitarra abrasadores y un clímax atronador que gradualmente se desvanece en un zumbido cósmico.

"Ummon" representa un salto significativo hacia adelante para SLIFT, consolidando su lugar en el rock psicodélico moderno. Al inspirarse en gigantes del género como Pink Floyd y grupos contemporáneos como King Gizzard & The Lizard Wizard, al tiempo que forja su propia identidad sonora única, SLIFT ha creado un álbum verdaderamente extraordinario que exige escucharlo varias veces.

Para los fans de la psicodelia expansiva y alucinante y del space rock, "Ummon" es una adición esencial a cualquier colección. Es un testimonio de la vitalidad continua de la escena del rock francés y una mirada emocionante al futuro de la música psicodélica.

Disco recomendado

 
"Ummon" es un viaje vibrante y rompedor que no depende de los trucos del estudio, sino que se nutre de la increíble energía en vivo de Slift.

Video del tema "Citadel on a Satellite":

Tracklist:

1.         "Ummon"        5:45
2.         "It's Coming..."           8:29
3.         "Thousand Helmets of Gold" 4:52
4.         "Citadel on a Satellite"           10:07
5.         "Hyperion"      4:27
6.         "Altitude Lake"          6:04
7.         "Sonar"           5:05
8.         "Dark Was Space, Cold Were the Stars"       5:55
9.         "Aurore aux Confins" 2:48
10.       "Sơn Đông's Cavern" 5:15
11.       "Lions, Tigers and Bears"      13:18