AC/DC - Back in Black - Album (Revisted)

En 2007 hice un blog post sobre el disco "Back in Black". Un trabajo de AC/DC editado en 1980 que sigue hoy relevante y popular. No es solo un álbum más de AC/DC; es una declaración audaz, un regreso triunfante tras una tragedia y un testimonio del poder inquebrantable del rock. Este disco marcó un antes y un después en la historia de la banda, con un nuevo cantante, Brian Johnson, al frente. A pesar de la dolorosa pérdida de Bon Scott, AC/DC logró capturar su esencia rebelde y su energía arrolladora, llevando el rock a nuevas alturas. Este álbum se convirtió en un clásico instantáneo, resonando con la misma fuerza y vitalidad hoy en día, como una de las obras más emblemáticas del género.

Por esto quiero volver a dedicar espacio en este blog de música a este extraordinario disco.

ALBUM: Back in Black

 
En el mundo del rock and roll, los regresos son un tema de conversación frecuente, pero rara vez se materializan con el impacto sísmico de "Back in Black" de AC/DC. Publicado el 25 de julio de 1980, el álbum es a la vez un homenaje al fallecido Bon Scott y una declaración triunfal de la resiliencia de la banda. Con Brian Johnson en el lugar de Scott, AC/DC creó una obra maestra que trascendió la tragedia de su pérdida y consolidó su lugar como leyendas del rock. No es solo un álbum; es un himno a la supervivencia, la rebelión y el poder inquebrantable de la música rock.

Una campana para una nueva era

 
El sonido inicial de "Hells Bells" es más que una simple introducción; es una proclamación. El inquietante sonido de la campana (una bestia de hierro de una tonelada hecha a medida) anuncia una era de desafío y celebración. La voz gruñona de Brian Johnson atraviesa la mezcla con una ferocidad que parece menos un panegírico y más un grito de guerra: "Eres joven, pero vas a morir". Si el espíritu de Bon Scott se mantuvo en este álbum, fue menos triste y más travieso, incitando a la banda a festejar más, tocar más fuerte y vivir más salvajemente.

A partir de ahí, "Back in Black" estalla en una exhibición electrizante de riffs y energía contagiosa. Angus y Malcolm Young manejan sus guitarras como arietes gemelos, entregando riffs icónicos con la precisión de artesanos y la ferocidad de guerreros.

Una transición perfecta

 
Cuando Brian Johnson tomó el micrófono, el escepticismo estaba a flor de piel. ¿Podría alguien reemplazar a Bon Scott, el carismático escocés-australiano cuyo encanto travieso y actitud despreocupada habían definido a AC/DC? Brian Johnson no sólo reemplazó a Scott, sino que reinventó el papel. Su aullido áspero, a partes iguales salvaje y melódico, trajo una energía fresca pero familiar a la banda. Canciones como "Shoot to Thrill" y "You Shook Me All Night Long" muestran su habilidad para mezclar potencia bruta con un toque de encanto descarado. Johnson no intentó imitar a Scott; hizo suyo el papel al tiempo que honraba el espíritu de la banda.

En "You Shook Me All Night Long", Brian Johnson canaliza una exuberancia juguetona que hace de la canción una de las mejores canciones de rock para cantar a coro. Es una tormenta perfecta de metáforas, que compara una escapada romántica con un combate de boxeo, una comida y un paseo en coche, todo en menos de cuatro minutos. El hecho de que la canción se convirtiera en el primer éxito de AC/DC en el Top 40 en los EE. UU. habla de la integración perfecta de Johnson en el ADN de la banda.

Riffs que aún resuenan

Si AC/DC tiene un arma secreta, es su habilidad para crear riffs que se meten en tu cerebro y se niegan a irse. La canción principal, "Back in Black", lo ejemplifica. Su riff inicial es material de leyenda, un ritmo musculoso y traqueteante que se siente elemental, como si siempre hubiera existido, esperando a que AC/DC lo desentierre. La guitarra rítmica de Malcolm Young ancla la canción con una precisión implacable, mientras que los solos abrasadores de Angus Young se elevan como rayos a través del cielo tormentoso de la canción.

Temas como "Have a Drink on Me" y "Givin' the Dog a Bone" continúan el asalto, equilibrando el humor irreverente con el rock blusero y aplastante. Incluso cuando las letras viran hacia el territorio descarado ("Ella está usando su cabeza otra vez, yo solo le estoy dando un hueso al perro"), el compromiso de la banda con su arte evita que las canciones caigan en la parodia. En cambio, se presentan como celebraciones alegres de los placeres más simples y salvajes de la vida.

Un homenaje sin lágrimas

A pesar de su portada fúnebre y la sombra del fallecimiento de Bon Scott, "Back in Black" es todo menos sombrío. El álbum no es un canto fúnebre; es una celebración, un velorio en forma de 42 minutos de rock implacable. Canciones como "Let Me Put My Love Into You" reducen ligeramente el ritmo, ofreciendo un ritmo con infusión de blues que muestra la capacidad de la banda para agregar matices sin perder su filo. Aun así, el tema general es claro: mantener las bebidas fluyendo, las guitarras aullando y los buenos momentos continuando.

Quizás el momento más conmovedor llega en la última canción del álbum, "Rock and Roll Ain't Noise Pollution". Con su construcción lenta y deliberada, la canción se siente como un manifiesto, una declaración de que la música rock no es solo entretenimiento, es una forma de vida. Mientras Johnson grita: “El rock and roll no es contaminación acústica, el rock and roll nunca morirá”, es imposible no creerle.

Un legado forjado en negro

 
Más de varias décadas después de su lanzamiento, "Back in Black" sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias vendidas (y continuando). Pero los números por sí solos no pueden capturar su importancia. Este álbum no solo catapultó a AC/DC al estrellato mundial; redefinió lo que podía ser un álbum de rock. Demostró que incluso ante una pérdida devastadora, una banda puede emerger más fuerte, más audaz y más unida.

Disco recomendado

 
"Back in Black" es más que una simple colección de canciones. Es una cápsula del tiempo de rebelión, una clase magistral de resiliencia y un recordatorio de que la buena música rock no necesita reinvención, solo necesita pasión, precisión y mucho volumen. Para cualquiera que nunca haya experimentado la alegría atronadora de este álbum, ahora es el momento de sumergirse en él. Y para aquellos que ya lo saben de memoria, suban el volumen, porque esta obra maestra nunca pasa de moda.

Video del tema "Shoot to Thrill" (Live):

Tracklist (canciones):

Cara A:

1.         "Hells Bells"   5:10
3.         "What Do You Do for Money Honey"         3:33
4.         "Givin the Dog a Bone"         3:30
5.         "Let Me Put My Love into You"       4:16 

Side B:

6.         "Back in Black"          4:15
7.         "You Shook Me All Night Long"      3:30
8.         "Have a Drink on Me"           3:57
9.         "Shake a Leg" 4:06
10.       "Rock and Roll Ain't Noise Pollution"          4:15

AC/DC (Banda):

• Brian Johnson – voz principal
• Angus Young – guitarra principal
• Malcolm Young – guitarra rítmica, coros
• Cliff Williams – bajo, coros
• Phil Rudd – batería

Producción

• Robert John "Mutt" Lange – producción
• Tony Platt – ingeniería de sonido

THE ANIMALS - Animalism - Album

El año 1966 marcó el comienzo de un cambio radical en el rock y el blues. A medida que la llamada "invasión británica" llegaba a su apogeo, las bandas comenzaron a explorar profundidades más orgánicas y conmovedoras. Entre ellas se encontraba la banda The Animals, cuyo último canto como formación original, el disco "Animalism", surgió como un testimonio primitivo y sin adornos de su destreza musical. Publicado exclusivamente en los Estados Unidos en 1966, "Animalism" es un álbum que encapsula la esencia cruda del blues y el rhythm & blues, al tiempo que ofrece atisbos de las evoluciones sonoras que se vislumbraban en el horizonte de finales de los 60 (siglo xx).

Sin embargo, este álbum apenas causó revuelo en su lanzamiento, eclipsado por la disolución de la banda y la posterior reforma como "Eric Burdon and the Animals". A pesar de su discreto debut, "Animalism" perdura como un tesoro escondido, esperando ser redescubierto por aquellos dispuestos a profundizar en los archivos del blues-rock británico.

Por esto quiero recomendar este disco a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Animalism

 
Este LP salió en un momento en el que "The Animals" se estaba fragmentando. En 1966, Eric Burdon (voz), Hilton Valentine (guitarra), Chas Chandler (bajo), Dave Rowberry (teclados) y Barry Jenkins (batería) estaban al borde de la disolución. Esta formación había evolucionado significativamente desde sus primeros días como un grupo que creaba éxitos con temas como "House of the Rising Sun". "Animalism" se convirtió en su declaración de colaboración final antes de que Eric Burdon se aventuró en un terreno más psicodélico.

Lo que distingue a este disco es el evidente crecimiento de los integrantes de la banda. Hilton Valentine, por ejemplo, ofrece una nueva audacia en su trabajo con la guitarra. Sus solos en temas como “Rock Me Baby” demuestran una inmersión cada vez mayor en la tradición del blues, mezclando delicadeza con fuego. De manera similar, el trabajo de teclado de Dave Rowberry ocupa un lugar central, demostrando que es un digno sucesor de Alan Price, el organista original.

Un caleidoscopio de influencias

 
El tracklist de canciones de "Animalism" se lee como una lista de la realeza del blues y el R&B. Desde "Rock Me Baby" de B.B. King hasta "Smokestack Lightning" de Howlin' Wolf y "Shake" de Sam Cooke, el álbum está impregnado de reverencia por la tradición del blues estadounidense. Sin embargo, lo que eleva a "Animalism" más allá del mero homenaje es la capacidad de la banda para inyectarle a cada versión su sabor distintivo.

Tomemos como ejemplo la canción "All Night Long", el número de apertura arreglado por Frank Zappa. Es una obra melancólica que se encuentra a caballo entre la crudeza del blues y la experimentación de vanguardia, con las huellas de Zappa influyendo sutilmente en su tono ominoso. En el otro extremo del espectro está la juguetona "Hey Gyp", una melodía de Donovan transformada en un "lío" inspirado en Bo Diddley. Aquí, la voz de Burdon rebosa de energía traviesa, complementada por el trabajo de guitarra cargado de riffs de Valentine y el solo de órgano desenfrenado de Rowberry.

Pero la joya de la corona es "Going Down Slow". Con una duración de más de seis minutos, esta versión de Jimmy Oden de St. Louis muestra a la banda estirando sus músculos musicales. Las líneas principales contenidas pero evocadoras de Valentine, los oleajes atmosféricos del órgano de Rowberry y la sección rítmica sólida de Chandler y Jenkins culminan en un número que se siente tan expansivo como íntimo.

El Yin y el Yang

 
Lo que también es fascinante de "Animalism" es su equilibrio entre crudeza y refinamiento. La voz de Eric Burdon oscila entre poderosa e interpretativa. En "Shake", se acerca a exagerar la arrogancia inherente de la canción, pero su interpretación en "The Other Side of This Life" captura una introspección inquietante. Sus intentos de emotividad a veces parecen ensayados, pero los momentos de espontaneidad (como las tristes líneas de “Going Down Slow”) revelan su verdadera profundidad como intérprete.

Mientras tanto, la cohesión de la banda proporciona el contrapunto perfecto a la teatralidad de Burdon. La interacción entre Valentine y Rowberry en temas como “Rock Me Baby” es electrizante, mientras que Chandler y Jenkins forman una sección rítmica tan compacta que es casi telepática. El resultado es una formación que sabe cuándo soltarse y cuándo contenerse, una habilidad que le da al álbum su carácter dinámico.

Por qué "Animalism" es importante

 
A pesar de que no arrasó en las listas de éxitos, "Animalism" es más que una simple nota a pie de página en la discografía de The Animals. Es un puente entre el auge del blues británico de principios de los años 60 y el blues-rock más pesado y experimental del que fueron pioneros grupos como Cream y Fleetwood Mac en los años siguientes. Canciones como "Smokestack Lightning" y "Lucille" muestran una madurez en los arreglos de la banda, presagiando el espíritu de jam-heavy que pronto dominaría el rock.

Además, "Animalism" captura a The Animals en su forma más pura. A diferencia de sus éxitos anteriores con tendencia pop, este álbum se sumerge de lleno en las raíces del blues y el R & B, desenterrando una autenticidad que resuena incluso décadas después.
 

Necesidad de redescubrir

 
Para los lectores que se consideran conocedores del rock y el blues, "Animalism" es una escucha obligada. Es un álbum que recompensa las escuchas repetidas, con capas de complejidad que se revelan cada vez. Los solos meticulosos, las interpretaciones vocales sentidas y los ritmos ajustados se fusionan en un disco que se siente a la vez de su tiempo y atemporal.

Disco recomendado

Puede que no haya sido el lanzamiento más celebrado de 1966, pero es un poderoso recordatorio de por qué The Animals era importante en ese entonces y por qué sigue siendo importante hoy. Si estás listo para sumergirte en el mundo humeante y conmovedor del blues-rock de mediados de los 60, no hay mejor punto de entrada que esta obra maestra.

Video del tema "Going Down Slow":

Tracklist (LP original):

Cara A:

"All Night Long" (Frank Zappa) - 2:46
"Shake" (Sam Cooke) - 3:11
"The Other Side of This Life" (Fred Neil) - 3:30
"Rock Me Baby" (B.B. King, Joe Josea) - 5:23
"Lucille" (Albert Collins, Richard Penniman) - 2:19
"Smokestack Lightning" (Chester Burnett) - 5:19

Cara B:

"Hey Gyp" (Donovan Leitch) - 3:46
"Hit the Road, Jack" (Percy Mayfield) - 3:16
"Outcast" (Ernie Johnson, Edgar Campbell) (Album version) - 2:35
"Louisiana Blues" (McKinley Morganfield) - 2:37
"That's All I Am to You" (Otis Blackwell, Winfield Scott) - 2:08
"Going Down Slow" (Jimmy Oden) - 6:12

The Animals (Banda):

• Eric Burdon — voz principal en 1–12
• Chas Chandler — bajo, voz en 2 y 4–12
• Dave Rowberry — órgano, piano en 2 y 4–12
• Hilton Valentine — guitarra en 2 y 4–12
• Barry Jenkins — batería en 2 y 4–12
• John Steel — batería en 9 y 11

con:

• Frank Zappa — arreglos en 1 y 3, guitarra en 1 y bajo en 3
• William Roberts — armónica en 1 y guitarra en 3
• Larry Knechtel — órgano en 1 y 3
• Don Randi — piano en 1 y 3
• Carol Kaye — guitarra en 1 y 3
• John Guerin — batería en 1 y 3

THE BUG CLUB - On The Intricate Inner Workings Of The System

ALBUM: On The Intricate Inner Workings Of The System

Cuando te topas con una banda como The Bug Club, es difícil no sentir curiosidad. Su tercer álbum de estudio, “On The Intricate Inner Workings Of The System”, es una montaña rusa de humor, energía y narración. Originarios de la modesta ciudad de Caldicot, en el sur de Gales, The Bug Club demuestra que las grandes ideas pueden surgir de los lugares más pequeños. Este disco no es solo un álbum, es una invitación a abrazar el caos, reírse de las absurdeces de la vida y, lo más importante, bailar mientras lo haces.

Compuesto por Sam Willmett (voz/guitarra), Tilly Harris (voz/bajo) y Dan Matthew (batería), el trío se ha ganado un espacio único en el indie rock moderno. Desde su creación en 2016, han sido imparables, produciendo diez sencillos, dos EP y tres álbumes de larga duración mientras realizan más de 200 espectáculos al año. Su productividad creativa sería intimidante si no fuera tan alegre, y su último trabajo es un testimonio del encanto de su enfoque.

Humor y Power Chords

 
El álbum, que se publicó el 30 de agosto de 2024, cobra vida con “War Movies” y “Quality Pints”, canciones que muestran la habilidad de The Bug Club para convertir lo mundano en algo entretenido. "War Movies" es al mismo tiempo un comentario descarado sobre los clichés cinematográficos y una muestra del feroz trabajo de guitarra de Sam Willmett, mientras que "Quality Pints" se adentra en el ritual de encontrar consuelo en una cerveza bien servida. Es una salva inicial llena de energía que se siente irreverente y profundamente sincera, un tono que mantienen magistralmente a lo largo del disco.

El secreto de estos números, y gran parte del álbum, radica en las voces duales de Sam y Tilly. Sus voces rebotan entre sí con una química natural que solo surge de años de colaboración, agregando capas de profundidad y humor incluso a las líneas más simples.

Espíritu punk

En esencia, “On The Intricate Inner Workings Of The System” combina la energía del punk con las melodías contagiosas del garage rock. Es lo-fi, pero intencionalmente, lo que le da al álbum una sensación íntima, casi en vivo. Sus influencias son claras pero no abrumadoras: está la irreverencia juguetona de The Modern Lovers, el humor de The Moldy Peaches e incluso algo de la entrega contundente de Buzzcocks. Y, sin embargo, The Bug Club sigue siendo completamente ellos mismos, canalizando estas inspiraciones en algo innegablemente fresco.

Tomemos “Pop Single”, por ejemplo. Su comentario meta sobre la industria musical es a la vez agudo y divertido: pero debajo del humor se esconde una melodía genuinamente pegadiza a la que es imposible resistirse. De manera similar, “Lonsdale Slipons” convierte un homenaje irónico al infame calzado del Reino Unido en un himno desenfrenado, mientras que “We Don’t Care About That” logra burlarse de las conversaciones triviales con un encanto implacable.

El humor con sustancia

 
Si bien el humor está presente en todas las canciones, hay una sorprendente cantidad de profundidad en las letras. La canción “Actual Pain”, por ejemplo, revela un lado más oscuro de la personalidad generalmente alegre de la banda. Debajo de la superficie se encuentra una reflexión conmovedora sobre cómo el humor puede actuar como un mecanismo de defensa.

En otro lugar, “Better Than Good” adopta la simplicidad tanto en su arreglo como en su mensaje: “No puedes conseguir algo mejor que lo bueno”. Es una declaración de satisfacción envuelta en una línea de bajo al estilo de Violent Femmes y una producción lo-fi que se siente deliciosamente sin pulir.

Incluso la canción principal, que dura poco menos de dos minutos, logra ofrecer una crítica mordaz de los sistemas sociales con una urgencia que perdura mucho después del acorde final.

 

Banda para el pueblo

 
Lo que distingue a The Bug Club es su capacidad de hacer que cada canción parezca una broma interna de la que te invitan a reírte con ellos. Su mentalidad de espectáculo en vivo se filtra en el disco, y cada riff, letra y ritmo de batería parece estar destinado a ser compartido con una multitud. Este espíritu comunitario se ejemplifica mejor quizás en la duración del álbum, poco más de 30 minutos, pero lleno de tanta energía e ingenio que parece una aventura mucho más larga.
 

Disco recomendado

 
El encanto de The Bug Club reside en su negativa a tomarse demasiado en serio. Están aquí para divertirse y quieren que te unas a ellos. Ya sean las sarcásticas reflexiones de “A Bit Like James Bond” o la energía implacable de “War Movies”, este álbum ofrece una rara combinación de ingenio agudo y talento musical innegable.

Hay algo refrescante en una banda que puede criticar el mundo con tanta ligereza. En una época en la que la música a menudo parece demasiado seria o completamente distante, The Bug Club encuentra un equilibrio, recordándonos que el humor y el corazón no son mutuamente excluyentes.

Reflexiones finales

 
El álbum “On The Intricate Inner Workings Of The System” es un disco alegre, caótico y humano. Es música que te hace reír, pensar y bailar, todo en el lapso de unos pocos minutos. Ya seas un fan de toda la vida o nuevo en el mundo de The Bug Club, este álbum es una escucha obligada. Una encantadora sorpresa y descubrimiento.

Video del tema "Quality Pints":

Tracklist:

1. War Movies 02:24
2. Quality Pints 02:18
3. Pop Single 02:53
4. Best Looking Strangers in the Cemetery 01:55
5. A Bit Like James Bond 02:38
6. We Don't Care About That 04:26
7. Lonsdale Slipons 02:13
8. Better Than Good 02:40
9. Actual Pain 02:15
10. Cold. Hard. Love. 03:14
11. The Intricate Inner Workings of the System 01:39

TOP 30 ALBUMS: Los Mejores Discos del 2024

Para cerrar el capítulo de 2024, he elaborado una lista muy personal con mis 30 mejores álbumes del año. Es una selección de discos presentada sin un orden en particular, que, obviamente e inevitablemente, no satisfará todos los gustos. Quizá sorprenda a algunos lectores de este blog de música.

Como es inevitable, algunos álbumes quedan fuera. La disciplina de limitarme a 30 discos sirve para reflexionar a fondo sobre mis elecciones. Fue un ejercicio difícil, y desafortunadamente tuve que dejar fuera discos realmente geniales.

Aquí están mis 30 MEJORES ÁLBUMES DE 2024

• Mabe Fratti – Sentir Que No Sabes

Una clase magistral de intimidad. Con arreglos exuberantes y lirismo poético, Fratti crea un paisaje emocional que difumina la línea entre la realidad y el sueño.

• The Smile – Wall of Eyes

The Smile sigue desafiando los límites con Wall of Eyes, que combina la voz cautivadora de Thom Yorke y la intrincada instrumentación de Jonny Greenwood, ofreciendo una experiencia sonora innovadora.

• Chat Pile – Cool World

Cool World canaliza la energía caótica del post-hardcore, con paisajes sonoros abrasivos que capturan la tensión y el desorden de la era moderna.

• The Cure – Songs of a Lost World

La banda regresa con Songs of a Lost World, una odisea melancólica que se siente atemporal y actual, recordándonos por qué Robert Smith sigue siendo un ícono gótico.

• David Gilmour – Luck and Strange

Luck and Strange exhibe los tonos de guitarra característicos de Gilmour con una narrativa reflexiva y progresista, demostrando que sigue siendo una fuerza en la música contemporánea.

• English Teacher – This Could Be Texas

Un debut agudo y dinámico que combina indie rock y poesía hablada en una narrativa cautivadora.

• Ty Segall – Three Bells

Ty Segall ofrece otro triunfo del rock psicodélico con Three Bells, un álbum que oscila entre melodías explosivas y baladas introspectivas.

• Father John Misty – Mahashmashana

Father John Misty explora temas existenciales con ingenio sardónico, entregando un festín orquestal y lírico que se siente grandioso pero personal.

• Floating Points – Cascade

Un viaje electrónico hipnótico, en el que Floating Points crea intrincados paisajes sonoros que se sienten cósmicos y humanos.

• Mike Campbell & The Dirty Knobs – Vagabonds, Virgins & Misfits

Una odisea de rock 'n' roll impregnada de coraje y autenticidad, una carta de amor a las raíces del género.

• Godspeed You! Black Emperor - "NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD"

Inquebrantable y apocalíptico, este lanzamiento subraya la urgencia de su mensaje político a través de un post-rock cinematográfico y extenso.

• Osees – SORCS 80

Una explosión desenfrenada de energía ilimitada que fusiona punk, garage y psicodelia en un sonido singular que desafía la categorización.

• Boldy James & Conductor Williams – Across the Tracks

Esta colaboración redefine la narrativa del hip-hop con el lirismo vívido de Boldy James complementado por la producción atmosférica de Conductor Williams.

• Mannequin Pussy – I Got Heaven

Un disco punk feroz y cargado de emociones, que consolida a Mannequin Pussy como una de las voces más vitales de la escena.

• Hurray for the Riff Raff – The Past Is Still Alive

Alynda Segarra se sumerge en las raíces americanas, mezclando temas modernos con melodías atemporales.

• Grandaddy – Blu Wav

Un regreso triunfal para Grandaddy, con paisajes sonoros exuberantes que ofrecen nostalgia envuelta en innovación.

• Kendrick Lamar – GNX

Otra obra maestra lírica que aborda cuestiones sociales con una visión incomparable y un ritmo asombroso.

• SPRINTS – Letter to Self

Captura la energía punk y la vulnerabilidad, convirtiéndose en un lanzamiento destacado.

• Mach-Hommy – Richaxxhaitian

Una exploración sonora de herencia y resiliencia, con los intrincados compases de Mach-Hommy tejiendo un tapiz de identidad.

• Four Tet – Three

Una obra maestra minimalista que difumina las líneas entre sonidos orgánicos y sintéticos.

• Still House Plants – If I Don't Make It, I Love U

Experimental y cautivadora, esta joya vanguardista no deja indiferente.

• Waxahatchee – Tigers Blood

Con letras confesionales y un exuberante sonido indie-folk, ofrece profundidad emocional.

• The Chisel – What a Fucking Nightmare

Un ataque punk implacable, que ofrece comentarios tan descarados como brillantes.

• Viva Belgrado – Cancionero de los cielos

Esta banda española fusiona poéticamente post-rock y emo, pintando paisajes de añoranza.

• Friko – Where We've Been, Where We Go From Here

Un viaje reflexivo de indie-rock que oscila entre la esperanza y la desesperación.

• Nick Cave and The Bad Seeds – Wild God

Un testimonio de la brillantez duradera de Nick Cave, con un álbum desgarrador y casi divino.

• Bill Ryder-Jones – Iechyd Da

Un viaje introspectivo a las raíces galesas, mezclando melancolía con melodías intrincadas.

• Mercury Rev – Born Horses

Un paisaje onírico cinematográfico, con Mercury Rev ofreciendo una experiencia auditiva única.

• Been Steller – Scream from New York, NY

Encapsula el caos y la belleza de la vida urbana con un fervor himnario

Jon Hopkins – Ritual

Una obra maestra meditativa que fusiona precisión electrónica con profundidad espiritual.

En resumen: desde melodías cautivadoras hasta pura energía, estos álbumes han definido, para mi gusto, el panorama musical de 2024. Aunque algunos álbumes se han quedado fuera (un ejemplo, CINDY LEE "Diamond Jubilee", gran disco) creo que esta selección engloba lo que más me ha impresionado este año.

Video de los Top 30 Álbumes de 2024:

JACK WHITE - No Name - Album

En este panorama musical actual que a menudo parece esterilizado por la precisión y la previsibilidad, el disco "No Name" de Jack White surge sacudiendo las vigas del rock moderno. Una mezcla áspera y electrizante de garage rock, blues y punk que se niega a andar de puntillas por encima de las convenciones. Con riffs implacables, producción lo-fi y letras que oscilan entre la crítica y el ingenio juguetón, "No Name" es más que una colección de canciones, es una experiencia visceral.

Quiero recomendar el regreso de Jack White a sus raíces con el álbum "No Name". Un trabajo que estoy seguro que interesará a los lectores de este blog de música.

ALBUM: No Name

 
Este es el sexto álbum de estudio del músico de rock estadounidense Jack White. Inicialmente se lanzó por sorpresa en formatos físicos el 19 de julio de 2024, como un regalo para los clientes de "Third Man Records", antes de una edición digital más amplia el 2 de agosto de 2024. Con "No Name", White no solo revisita el espíritu del garage-punk que definió sus días en "White Stripes", sino que lo revitaliza con ferocidad. Canciones como "Old Scratch Blues" irrumpen en los altavoces con enormes riffs que recuerdan los momentos más fuertes de Led Zeppelin, mientras que "Bless Yourself" ofrece un ritmo cargado de distorsión tan intenso que podría rivalizar con el poder del punk rock de artistas con la mitad de la edad de White.

La producción es intencionalmente tosca, lo que le da a todo el álbum un sonido visceral y sin filtros. Grabado en "Third Man Studio" en Nashville, Tennessee, el álbum se siente vivo, como si White desafiara a su equipo para que siguiera el ritmo de su energía maníaca. Su voz, gruñona en un momento y tierna en el siguiente, se mezcla con la instrumentación, creando una mezcla caótica pero magistral de blues, garage rock y punk.

Una narrativa musical

 
En cuanto a la letra, "No Name" revela ingenio y comentario social. En "Archbishop Harold Holmes", Jack White ofrece una crítica mordaz de la religión institucionalizada, utilizando la cadencia de un predicador para burlarse de la hipocresía con líneas como: "Si Dios está demasiado ocupado, ¡me bendeciré!" La canción rebosa de una convicción ardiente que es a la vez justa e irreverente, canalizando la energía del héroe "Jerry Lee Lewis". Mientras tanto, "It's Rough on Rats" adopta una postura empática, utilizando la difícil situación de las alimañas como metáfora de las desigualdades sociales.

Sin embargo, no todo son sermones. El humor del corte "What 's the Rumpus?" ofrece ligereza en medio del caos. Este himno lúdico critica la obsesión de la cultura moderna con la superficialidad mientras deja caer estribillos pegadizos. Es el tipo de canción que nos recuerda que la mayor fortaleza de Jack White no son solo sus habilidades técnicas, sino su capacidad para hacer que las declaraciones profundas parezcan divertidas.

Caos y artesanía

 
Lo que hace que "No Name" sea un muy buen disco no es solo su crudeza, sino la precisión que la sustenta. canciones como "That 's How I’m Feeling" logran un equilibrio entre la energía gutural del garage-punk y el resurgimiento del rock listo para la radio, lo que demuestra que White no ha perdido su habilidad para crear melodías. “Bombing Out”, un sórdido hardcore de dos minutos y medio, podría ser uno de los temas más cargados de adrenalina de la carrera solista de White, lo que demuestra su capacidad para hacer que la simplicidad parezca monumental.

Incluso los momentos más experimentales del álbum, como "Underground", que parece una improvisación, o el extenso corte final "Terminal Archenemy Endling", parecen decididos en lugar de indulgentes. Este último, con sus melodías de guitarras desérticas y su repercusión vibrante, cierra el álbum con una nota cinematográfica, dejandote exhausto y eufórico.

Sencillez

Quizás el aspecto más llamativo de "No Name" es su negativa a complicar demasiado las cosas. Atrás quedaron los experimentos barrocos de "Boarding House Reach" o los excesos pulidos de "Fear of the Dawn". En cambio, White reduce su música a lo esencial: riffs abrasadores, ritmos contundentes y una voz que corta el ruido. Este enfoque de regreso a lo básico no solo se siente refrescante; se siente necesario, una recuperación de la esencia primaria del rock en una era de mediocridad sobreproducida.

Disco recomendado

 

En una era en la que el rock a menudo se declara "muerto", No Name es un rugido desafiante que demuestra lo contrario. No es solo un álbum; es una declaración, un recordatorio de que la energía, la autenticidad y la voluntad de asumir riesgos aún pueden cautivar. Para los fans de Jack White, este álbum es un regreso triunfal a la forma, que se hace eco de la brillantez de los "White Stripes" mientras abre nuevos caminos. Para los recién llegados, es una introducción electrizante a un artista que se niega a encasillarse.

Si alguna vez te has sentido desilusionado con el estado actual del rock, "No Name" es el antídoto. Búscalo, estoy seguro de que lo disfrutarás.

Video del tema "Terminal Archenemy Endling":

Tracklist:

1.         "Old Scratch Blues"               3:30
2.         "Bless Yourself"                     2:34
3.         "That's How I'm Feeling"                  3:11
4.         "It's Rough on Rats (If You're Asking)"                   4:09
5.         "Archbishop Harold Holmes"                        2:51
6.         "Bombing Out"                      2:32
7.         "What's the Rumpus?"                       3:23
8.         "Tonight (Was a Long Time Ago)"               4:11
9.         "Underground"                      3:45
10.       "Number One With a Bullet"             3:19
11.       "Morning at Midnight"                      3:05
12.       "Missionary"               2:29
13.       "Terminal Archenemy Endling"                    4:04

Músicos:

• Jack White – guitarra (todas las pistas), voz (todas las pistas), teclados (pista 3), batería (pista 3)
• Scarlett White – bajo (pistas 5, 9)
• Carla Azar – batería (pista 5), percusión (pista 5)
• Dominic Davis – bajo (pistas 3, 4, 6, 7, 10, 12)
• Olivia Jean – bajo (pista 1), batería (pista 3)
• Daru Jones – batería (pistas 3, 7, 11), percusión (pistas 3, 7)
• Patrick Keeler – batería (pistas 1, 2, 3, 4, 6, 8, 9, 10, 12, 13), percusión (pistas 1, 2, 3, 6, 9, 13)
• Dan Mancini – bajo adicional (pista 3)
• Quincy McCrary – teclados (pistas 3, 7, 10)
• David Swanson – bajo (pista 2), teclados (pista 13)