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ROBERT FRIPP/ANDY SUMMERS - I Advanced Masked - Album

En 1982, dos de los guitarristas más innovadores de su generación, Andy Summers de The Police y Robert Fripp de King Crimson, se unieron para crear "I Advance Masked". Este álbum instrumental, nacido de su historia compartida y respeto mutuo, es un tapiz de texturas, estados de ánimo y atmósferas que desafía las normas convencionales del rock. Lejos de los éxitos mainstream de sus respectivas bandas, esta colaboración invita a los oyentes a un mundo de paisajes sonoros experimentales, tan introspectivos como rompedores.

Quiero recomendar este disco a los lectores de este blog de música.

ALBUM: I Advance Masked


A principios de los años 80, mientras los tonos de guitarra de Andy Summers cimentaban el ascenso de The Police a la fama mundial y el arte cerebral de Robert Fripp llevaba a King Crimson a nuevos terrenos experimentales, los dos músicos se reunieron en un estudio de Dorset (Reino Unido) para crear algo completamente inesperado: "I Advance Masked". Publicado en 1982, este álbum colaborativo se apartó del refinamiento comercial de sus respectivas bandas, sumergiéndose profundamente en un paisaje sonoro instrumental tan introspectivo como audaz.

ROBERT FRIPP/ANDY SUMMERS - I Advance Music - Album

En esencia, este trabajo refleja las historias musicales compartidas de Summers y Fripp, quienes se cruzaron por primera vez en Bournemouth durante los años 60. Summers, entonces miembro de la Zoot Money Big Roll Band, y Fripp, estudiante de economía mientras tocaba en conciertos locales, forjaron una conexión que resurgiría décadas después. Ambos artistas llevaron consigo sus influencias: jazz, minimalismo, rock y sonidos globales, todos los cuales encontraron expresión en este álbum.

Un diálogo diferente


Quienes esperen un duelo de guitarras se sorprenderán. Este álbum no trata de exhibiciones técnicas ni de virtuosismo. En cambio, Summers y Fripp tejen capas complejas de texturas, creando un diálogo que fluye y refluye entre la tensión y la armonía. La canción principal, "I Advance Masked", inicia el álbum con un ritmo palpitante y una intrincada interacción de guitarras. Los acordes flexibles de Summers sientan las bases para los arpegios rápidos y característicos de Fripp, evocando una especie de elegancia mecánica. Es un tema que se siente vivo, con ritmos que avanzan como un motor finamente afinado.

En otros lugares, el estado de ánimo cambia. Under Bridges of Silence reduce todo a gestos minimalistas, percusión acústica y sintetizadores de guitarra que flotan como susurros distantes. Esta canción encarna el lado más tranquilo y meditativo del álbum, en contraste con la energía electrificada de piezas como Hardy Country. Este último, un homenaje a sus raíces compartidas en Dorset, rebosa de intensidad rítmica y su interacción arremolinada recuerda a Discipline de King Crimson.

Atmósferas


El encanto del álbum reside en su capacidad para dar forma a estados de ánimo y atmósferas. In the Cloud Forest brilla con calidez, evocando imágenes de luz filtrándose a través de espesos doseles, mientras que Girl on a Swing toma un giro más pastoral, con una acústica suave y el trabajo solista de Fripp que le otorga un aire melancólico. Estas piezas más tranquilas proporcionan el equilibrio necesario, permitiendo que el álbum respire.

Algunas composiciones se inclinan hacia lo experimental, desafiando a los oyentes con sus peculiaridades. Stultified y The Truth of Skies exploran territorios ambientales más oscuros, con tonos disonantes y efectos de guitarra en capas que generan una tensión casi cinematográfica. No son fáciles de escuchar, pero recompensan la paciencia con momentos de belleza sorprendente.

ROBERT FRIPP/ANDY SUMMERS


Una obra de su tiempo


Se necesita contexto para entender "I Advance Masked". Grabado durante un período fértil para ambos músicos, Fripp estaba reimaginando King Crimson, mientras que Summers disfrutaba del éxito de Ghost in the Machine. El álbum captura su deseo de ir más allá de las expectativas de sus bandas. Su espíritu DIY es evidente: el dúo manejó toda la instrumentación, superponiendo guitarras, sintetizadores y percusión. Si bien este enfoque produce un sonido crudo e íntimo, ocasionalmente expone sus limitaciones como multiinstrumentistas.

La producción del álbum, minimalista por diseño, permite que el trabajo de guitarra brille, aunque ciertos elementos, como la programación de batería y las líneas de bajo, a veces se sienten poco desarrollados. Sin embargo, esta estética despojada también contribuye al encanto del álbum: se percibe personal, como una mirada sin filtros a su proceso creativo.

Para oídos aventureros

"I Advance Masked" no es un disco para escuchar pasivamente. Exige atención, invitando a explorar sus capas y a apreciar la química entre dos guitarristas en la cima de su creatividad. Para los fanáticos del trabajo de principios de los 80 de King Crimson o los desvíos atmosféricos de The Police, este álbum ofrece un punto intermedio.

Al volver a escuchar esta joya olvidada, encontrarás un álbum que se siente atemporal y arraigado en su época. Es un recordatorio de una era en la que las grandes discográficas estaban dispuestas a respaldar la música instrumental audaz, confiando en que el público abrazara lo poco convencional. Si buscas algo fuera de la corriente principal, algo que desafíe e inspire, "I Advance Masked" merece una escucha.

Disco recomendado


Summers y Fripp se reunirían dos años después para Bewitched, un trabajo más pulido y estructurado. Pero hay una autenticidad cruda en "I Advance Masked" que lo hace excepcionalmente atractivo. Es un álbum que captura a dos músicos legendarios saliendo de su zona de confort para crear algo completamente propio: una declaración audaz en un mundo a menudo impulsado por expectativas comerciales.

Ya seas fan de estos íconos de la guitarra o simplemente tengas curiosidad por las intersecciones entre el rock, el ambient y la vanguardia, este disco vale la pena. Escúchalo y deja que sus texturas te transporten a nuevos paisajes sonoros.

Video del tema "In The Cloud Forest":

Tracklist:

Cara A:

1. "I Advance Masked" 5:14
2. "Under Bridges of Silence" 1:41
3. "China – Yellow Leader" 7:09
4. "In the Cloud Forest" 2:30
5. "New Marimba" 3:38
6. "Girl on a Swing" 2:03

Cara B:

7. "Hardy Country" 3:00
8. "The Truth of Skies" 2:07
9. "Painting and Dance" 3:24
10. "Still Point" 3:08
11. "Lakeland/Aquarelle" 1:43
12. "Seven on Seven" 1:38
13. "Stultified" 1:25

Músicos:

  • Robert Fripp – guitarras eléctricas, sintetizadores Moog y Roland, sintetizador de guitarra Roland, bajo Fender, percusión
  • Andy Summers – guitarras eléctricas, sintetizadores Moog y Roland, piano, sintetizador de guitarra Roland, bajo Fender, percusión

ETHEL CAIN - Perverts - Album

Bienvenido a una inmersión profunda en "Perverts", el nuevo y ambicioso lanzamiento de una artista que me conquistó con su primer álbum (Preacher's Daughter 2022), Ethel Cain. En este blog post, exploraremos cómo Cain ha vuelto a superar los límites de su arte, creando un paisaje sonoro que es tan inquietante como cautivador. Desde su exploración de la vergüenza y el deseo hasta sus composiciones envolventes cargadas de sonidos drone, "Perverts" es un viaje emocional y sonoro. Ya seas fan desde hace mucho tiempo o sientas curiosidad por esta artista innovadora, espero animarte para descubrir un disco que desafía las convenciones y perdura mucho después de la nota final.

ALBUM: Perverts 


Ethel Cain ha editado una pequeña obra de arte inquietante y desafiante que consolida su estatus como una de las voces más convincentes de la música contemporánea. Publicado el 8 de enero de 2025 a través de su sello propio "Daughters of Cain", esta obra de 89 minutos se aleja del camino trazado por su debut de 2022 "Preacher's Daughter". Mientras que su debut mezclaba la narración gótica sureña con melodías accesibles, "Perverts" cambia la calidez por la oscuridad absoluta, sumergiéndose de cabeza en las inquietantes profundidades del drone, el slowcore y la electrónica.

ETHEL CAIN - Perverts - Album

Una apertura audaz hacia la inquietud


La canción que da título al álbum marca el tono: "Perverts" comienza con un paisaje sonoro de 12 minutos que se siente a la vez escalofriantemente íntimo y cósmicamente distante. El álbum comienza con una interpretación distorsionada del himno "Nearer, My God, to Thee" de Cain y rápidamente se convierte en un abismo de sintetizadores monótonos y voces distorsionadas. En un momento, la voz apagada de Cain emerge y declara: "El cielo ha abandonado al masturbador". Esta declaración inquietante encapsula gran parte del peso temático del álbum: lidiar con la vergüenza, la culpa y las contradicciones inherentes del cuerpo.

El tema se niega a consolar o a ceder, y en cambio arrastra al oyente a un espacio de ansiedad e introspección. Es un comienzo audaz, que señala la negativa de Cain a satisfacer expectativas fáciles o experiencias de escucha convencionales.


Un viaje a través del terreno experimental


"Perverts" continúa superando los límites, tanto en lo sonoro como en lo emocional. A diferencia de los paisajes expansivos de "Preacher's Daughter", este disco se adentra en espacios confinados y sofocantes. Canciones como "Houseofpsychoticwomn" y "Punish" alternan entre collages de ruidos inquietantes y momentos de delicada intimidad. La primera superpone un estribillo repetitivo de "te amo" sobre texturas ambient estridentes, transformando la frase de un consuelo en un mantra siniestro. Mientras tanto, "Punish", uno de los pocos temas cantados tradicionalmente del álbum, resalta las habilidades vocales evocadoras de Cain al atravesar capas de distorsión y piano minimalista.

Las letras de Cain agregan otra capa de complejidad, ahondando en temas de autodesprecio, deseo y duda existencial. En "Onanist", una pieza hablada infundida con imágenes inspiradas en la Divina Comedia de Dante, reflexiona: "Quiero conocer el amor / Quiero saber cómo se siente", mezclando alegorías clásicas con exploraciones modernas de la autogratificación. Su capacidad para fusionar lo cerebral con lo visceral hace que "Perverts" sea tan estimulante como emocionalmente cautivante.


El peso del sonido y el silencio


Un sello distintivo de "Perverts" es su magistral uso del ritmo y la atmósfera. Ethel Cain emplea el silencio y la repetición no como espacio vacío, sino como componentes cruciales de la arquitectura emocional del álbum. Canciones como "Pulldrone", que dura 15 minutos, ponen a prueba la paciencia y la resistencia del oyente, superponiendo zumbidos industriales y frases habladas inquietantes sobre un zumbido implacable. El efecto es hipnótico y desorientador, y atrae a los oyentes a lo más profundo del paisaje sonoro cuidadosamente construido por Cain.

El álbum no está completamente desprovisto de respiro. Números como "Vacillator" ofrecen breves momentos de claridad, con melodías más limpias e instrumentación más sutil que recuerdan los elementos dream-pop del trabajo anterior de Cain. Sin embargo, incluso estos momentos están teñidos de inquietud, como si recordaran al oyente que la paz es fugaz en el mundo de "Perverts".

ETHEL CAIN

Un reflejo de oscuridad


Gran parte del peso emocional del álbum proviene de su cruda reflexión sobre la decadencia personal y social. Ethel Cain recurre a su educación en el sur de Estados Unidos, mezclando referencias culturales con reflexiones profundamente personales. Los temas de represión y perversión se entrelazan a lo largo del álbum, arrojando una luz dura sobre las contradicciones del deseo, la moralidad y la identidad. Sus paisajes sonoros, densos y a menudo abrasivos, reflejan esta tensión temática.

Colaboradores como Angel Diaz y Madeline Johnston contribuyen al sonido estratificado del álbum, agregando texturas que van desde la guitarra saturada hasta las voces espectrales. Estas contribuciones amplifican la calidad cinematográfica del disco, transformándolo en una experiencia inmersiva, casi visual.


Una escucha intensa


Escuchar "Perverts" no es una tarea fácil. Su duración, densidad e intensidad emocional exigen una atención total, y su negativa a adherirse a las estructuras o resoluciones tradicionales de las canciones puede resultar alienante. Pero para aquellos dispuestos a participar, las recompensas son inmensas. El arte de Cain brilla a través de su habilidad para crear un álbum que se siente a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

Los temas finales, "Thatorchia" y "Amber Waves", encapsulan las dualidades del álbum de belleza y desesperación. El primero construye una cacofonía de guitarras distorsionadas y cantos en bucle, mientras que el segundo ofrece una conclusión sombría, casi frágil. Juntos, dejan al oyente en un estado de agotamiento catártico, un final apropiado para un álbum que desafía tanto como cautiva.


Disco Recomendado


Ethel Cain ha creado un álbum que desafía la categorización fácil. Es una exploración audaz del sonido y la emoción, un testimonio de su voluntad de superar los límites y aceptar la incomodidad. Si bien puede que no atraiga a todos, aquellos que se adentren en sus profundidades encontrarán una obra de honestidad y poder poco comunes.

Para cualquiera que busque música que no solo entretenga sino que provoque, inquiete y conmueva, "Perverts" es una escucha obligada. No es solo un álbum; es una experiencia que perdura mucho después de que se desvanece la última nota. Si estás listo para enfrentarte a las sombras, Ethel Cain te está esperando para guiarte a través de ellas.

Video del tema "Amber Waves":

Tracklist:

1. "Perverts" 12:04
2. "Punish" 6:40
3. "Housofpsychoticwomn" 13:35
4. "Vacillator" 7:44
5. "Onanist" 6:24
6. "Pulldrone" 15:14
7. "Etienne" 8:43
8. "Thatorchia" 7:24
9. "Amber Waves" 11:32 

Músicos:

  • Ethel Cain – voz principal, producción, mezcla
  • Matthew Tomasi – batería en "Vacillator", baqueta en "Amber Waves"
  • Angel Diaz – guitarra lap steel en "Punish" y "Amber Waves", contrabajo en "Onanist", piano eléctrico en "Amber Waves"
  • Bryan De Leon – guitarra acústica en "Etienne"
  • Madeline Johnston – guitarra en "Amber Waves"

BAD BUNNY - DeBÍ TiRAR MáS FOToS - Album

De entrada, no sigo ni disfruto de la mayoría de la música latina, reggaetón, trap o estilos similares, por eso la siguiente entrada del blog te sorprenderá. Lo que sí disfruto es la música, sea del estilo que sea, bien hecha, innovadora y fresca. Por eso te recomiendo en este blog de música el último lanzamiento de BAD BUNNY "DeBÍ TiRAR MáS FOToS".

Este último álbum de Bad Bunny, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", es más que una colección de canciones: es un sentido homenaje a Puerto Rico y una reflexión sobre el tiempo, la identidad y el orgullo cultural. Publicado el 5 de enero de 2025, este proyecto personal combina ritmos tradicionales caribeños con reggaetón moderno, mostrando la evolución de Bad Bunny como artista y narrador. Desde baladas nostálgicas hasta himnos con carga política, el álbum invita a los oyentes a celebrar la vitalidad de la cultura puertorriqueña mientras lidia con temas de pérdida, amor y el paso del tiempo.

 

ALBUM: DeBÍ TiRAR MáS FOToS

 
Cuando Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny, habla, el mundo de la música latina parece escuchar. Su música ha trascendido barreras lingüísticas, divisiones culturales y convenciones de género. Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", editado el 5 de enero de 2025, Bad Bunny no solo ofrece un álbum sino un viaje emocional.

BAD BUNNY - DeBÍ TiRAR MáS FOToS - Album

Un embajador cultural

Bad Bunny, apodado a menudo el "Rey del trap latino", ha crecido mucho más allá de sus inicios y de sus tempranas obras. A lo largo de los años, ha redefinido lo que significa ser un artista latino global, defendiendo el reggaetón y el trap, a la vez que combina a la perfección el comentario social. Sus discos, entre ellos "Un verano sin ti", nominado al Grammy, y el rebelde "Nadie sabe lo que va a pasar mañana", consolidaron su lugar como fuerza creativa. Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", dirige su mirada hacia el interior, equilibrando su humor característico con la introspección.

Este es un disco para puertorriqueños escrito por un puertorriqueño, como ha señalado el propio Benito. Su corazón late con los ritmos de la plena, la salsa, el jíbaro y el reggaetón, géneros que definen la rica herencia musical de la isla. Cada canción se siente como una instantánea, un momento congelado en el tiempo, que honra no solo a Puerto Rico, sino a la gente que vive, ama y lucha allí.

Raíces musicales con un estilo contemporáneo

En esencia, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" es una carta de amor a los sonidos puertorriqueños. Al abrir el álbum con "Nuevayol", un vibrante homenaje a la experiencia nuyorican, Bad Bunny inmediatamente marca el tono. La canción, llena de ritmos dembow y guiños culturales, cierra la brecha entre la diáspora y la isla. De manera similar, "La Mudanza", el tema que cierra el álbum, cierra el círculo. Respaldado por trompetas triunfantes y percusión inspirada en la bomba, Bad Bunny rinde homenaje a sus padres y declara: "Esta es mi casa, donde nació mi abuelo. Soy de P f*ckin' R".

Canciones como "Café Con Ron" con invitados Pleneros de la Cresta llevan la plena al primer plano, mezclando ritmos tradicionales con producción moderna. Mientras tanto, "El Club" fusiona ritmos house con guitarras estilo plena, mostrando la habilidad de Bad Bunny para la experimentación. En "Lo que le pasó a Hawaii", el artista aborda la gentrificación y el desplazamiento a través de una inquietante fusión de jíbaro y synth-pop, sus letras abogan por la preservación de la identidad puertorriqueña.

Nostalgia, arrepentimiento y reflexión


El título del álbum resume su tema general de reflexión. Canciones como "Baile Inolvidable" cuentan los recuerdos agridulces de un amor perdido, mientras que "Turista" compara las relaciones fugaces con la naturaleza transitoria de los turistas en la isla. En "Kloufrens", Bad Bunny lamenta con humor pero desgarradoramente la dificultad de seguir adelante cuando un ex todavía publica en amigos cercanos de Instagram.

Pero lo más destacado es la canción principal, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS". Aquí, Bad Bunny lucha con el arrepentimiento, no solo por los amores perdidos, sino por los momentos que se escaparon. Su letra sirve como un recordatorio universal para apreciar el presente: "Debería haber tomado más fotografías de las calles antes de que la gentrificación las cambiara para siempre". El sentimiento toca una fibra sensible, resonando profundamente en cualquiera que haya visto su hogar evolucionar hasta convertirse en algo irreconocible.

Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny

Un trasfondo político

 
Si bien la nostalgia ocupa el centro del escenario, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" no rehúye de lo político. Bad Bunny ha utilizado durante mucho tiempo su plataforma para amplificar los problemas que enfrenta Puerto Rico, desde la corrupción hasta el colonialismo. En "Lo que le pasó a Hawaii", traza paralelismos entre Puerto Rico y Hawaii, advirtiendo contra el borrado de la identidad cultural. "Quieren que mi barrio y mi abuela se vayan", canta, con una voz desafiante y triste a la vez.

Los temas sociopolíticos son sutiles pero poderosos, entretejidos en la estructura de la música en lugar de ser predicados. Es un testimonio de la habilidad de Bad Bunny el poder abordar estos temas importantes sin alienar a su audiencia.

Colaboración y comunidad


La elección de colaboradores de Bad Bunny subraya la autenticidad del álbum. Estrellas en ascenso como RaiNao y Chuwi brillan junto a leyendas como Los Pleneros de la Cresta. Sus contribuciones enriquecen el paisaje sonoro del álbum, agregando capas de profundidad y textura. En Perfume Nuevo, la voz etérea de RaiNao eleva la canción a algo casi de otro mundo, mientras que Chuwi aporta una energía lúdica a Weltita.

Estas asociaciones se sienten intencionales, una forma de que Benito destaque el talento puertorriqueño y comparta su plataforma. Es un recordatorio de que, si bien puede ser el rostro del proyecto, el álbum es un esfuerzo comunitario, una celebración del arte puertorriqueño en su conjunto.

No todo es genial, solo un detalle menor


Es un disco un poco largo y no todos los temas de "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" son un éxito. Canciones como "Bokete" y "Veldá" no alcanzan la resonancia emocional o la innovación de los temas más destacados del álbum. Sin embargo, incluso estos momentos creo que tienen un propósito, ya que ofrecen interludios más ligeros entre los cortes más pesados.

No obstante, lo que hace que el álbum sea realmente especial es su cohesión. A pesar de su variedad de géneros y tonos, "DeBÍ TiRAR MáS FOToS" se siente como una declaración unificada. Es el retrato de un hombre en una encrucijada, que mira hacia atrás con cariño y hacia adelante con determinación.

Disco recomendado


Con "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", Bad Bunny te deja saber por qué es una de las voces más populares de la música actual. Es un álbum que invita a los oyentes a reflexionar sobre sus propias vidas mientras los sumerge en la vibrante cultura de Puerto Rico. Ya sea que te atraigan sus ritmos contagiosos, sus letras sentidas o sus comentarios políticos audaces, aquí hay algo para todos.

Para alguien como yo que se aleja de la mayoría de la música latina y el trap, esto ha sido una gran sorpresa y bienvenida. Cuando algo está realmente bien hecho, está realmente bien hecho.

Video del tema "El Club":

Tracklist (canciones):

1.         "Nuevayol"     3:03
2.         "Voy a Llevarte Pa' PR"        2:36
3.         "Baile Inolvidable"                6:07
4.         "Perfumito Nuevo" (con RaiNao)    3:20
5.         "Weltita" (con Chuwi)          3:07
6.         "Veldá" (con Omar Courtz and Dei V)       3:55
7.         "El Clúb"        3:42
8.         "Ketu Tecré"              4:10
9.         "Bokete"                    3:35
10.       "Kloufrens"                3:19
11.       "Turista"                     3:10
12.       "Café con Ron" (con Los Pleneros de la Cresta)                3:48
13.       "Pitorro de Coco"                  3:26
14.       "Lo Que Le Pasó a Hawaii"              3:49
15.       "Eoo"             3:24
16.       "DTMF"                     3:57
17.       "La Mudanza"            3:33

HARRY NILSSON - Nilsson Schmilsson - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música, "Nilsson Schmilsson", el álbum de 1971 que catapultó a Harry Nilsson a la categoría de icono. Este disco ecléctico combina humor, sentimiento y melodías, lo que lo convierte en una escucha obligada para cualquier amante de la música. Ya sea que te atraigan las baladas tiernas o el rock, el encanto diverso y la profundidad emocional de este álbum prometen cautivar y sorprender.

ALBUM: Nilsson Schmilsson

 
En el vasto tapiz de la música de los años 70 (siglo XX), pocos álbumes encapsulan el espíritu de experimentación, emoción y talento musical de manera tan vívida como "Nilsson Schmilsson". Publicado el 11 de noviembre de 1971, este fue el séptimo álbum de estudio de Harry Nilsson y, sin duda, el de mayor éxito comercial. Pero más allá de los éxitos que encabezaron las listas y los elogios, es un disco que cuenta una historia, un mosaico de experiencias humanas entrelazadas con humor, melancolía y un encanto poco ortodoxo.

HARRY NILSSON - Nilsson Schmilsson - Album

Una nueva dirección

 
En 1971, Harry Nilsson ya no era ajeno a los elogios. Conocido como "El Beatle americano" por nada menos que los propios Beatles, su música ya había capturado la admiración de John Lennon y Paul McCartney. Sin embargo, a pesar de todo su éxito de crítica, a Nilsson le faltaba un éxito general que definiera su lugar en la historia del pop. Entra el LP "Nilsson Schmilsson", un audaz salto al pop/rock, dirigido por el productor Richard Perry. Grabado en los icónicos "Trident Studios" de Londres con un conjunto estelar de músicos, el álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de Nilsson.

"Nilsson Schmilsson" es una mezcla ecléctica de estilos y emociones. Es parte pop, parte rock, parte blues; aventurero sin complejos y, sin embargo, sorprendentemente cohesivo.

Una canción para cada estado de ánimo

 
El álbum comienza con "Gotta Get Up", una animada oda al piano a la temeridad juvenil. Con una duración de poco menos de dos minutos y medio, prepara el escenario con su energía alegre y su rica instrumentación, un preludio teatral para el viaje emocional que se avecina. A continuación, llega "Driving Along", una joya del soft rock que combina melodías acústicas con acentos de mellotron.

Y luego viene "Early in the Morning", un tema blusero minimalista. Aquí, Nilsson lo despoja todo de su alma y lo deja con su voz conmovedora y un órgano empapado de reverberación, evocando el cansancio de la introspección nocturna. Esta energía tenue contrasta maravillosamente con "The Moonbeam Song", una joya poética. Su imaginería caprichosa (rayos de luna en veletas y cristales de ventanas) flota sobre un arreglo de ensueño, lo que la convierte en uno de los momentos más tiernos del álbum.

Para cerrar la primera cara, "Down", una pieza con sabor a R & B funky con trompetas enérgicas y una línea de bajo que se siente como un latido de corazón. La canción une lo personal con lo universal, insinuando temas de lucha y esperanza.

El corazón del disco

 
La segunda cara del LP comienza con el gran éxito: "Without You". Originalmente escrita por la banda "Badfinger", Nilsson transforma esta dramática balada en una fuente de emociones. Su voz imponente, junto con la exuberante orquestación de Paul Buckmaster, elevan la canción a algo operístico. Como era de esperar, se convirtió en un éxito mundial, lo que le valió a Nilsson un Grammy a la "Mejor interpretación vocal pop masculina".

Después del peso emocional de "Without You", Nilsson aligera el ambiente con "Coconut", una canción peculiar de inspiración caribeña construida sobre un solo acorde. Es absurda, es divertida y es difícil no cantarla. El humor continúa con "Let the Good Times Roll", una versión impregnada de encanto sureño, riffs de armónica y travesuras.

Luego viene "Jump Into the Fire", el momento más "crudo" del álbum. Impulsado por la desafinada línea de bajo de Herbie Flowers y el solo de batería de Jim Gordon, es un himno de rock contundente que muestra la versatilidad vocal de Nilsson. La energía implacable de la canción contrasta con su vulnerabilidad subyacente, un recordatorio de que incluso en momentos de libertad, las sombras de la duda persisten.

Finalmente, el álbum concluye con "I'll Never Leave You", una balada lenta y sombría. Su piano escaso y sus armonías inquietantes dejan una impresión duradera, como si Nilsson se estuviera despidiendo no solo del oyente, sino del estilo barroco ornamental que definió su trabajo anterior.

El hombre detrás de la música

 
El genio de Harry Nilsson no solo reside en su composición, sino en su capacidad para desempeñar múltiples papeles. Puede ser un baladista melancólico, un narrador descarado o un rockero a toda velocidad, todo en el lapso de un solo álbum. Su voz, en su apogeo en 1971, transmite cada canción con una emoción natural, desde el tierno falsete de "Without You" hasta los juguetones gruñidos de "Jump Into the Fire".

HARRY NILSSON - cantante

Pero lo que hace que "Nilsson Schmilsson" sea verdaderamente notable es su profundidad emocional. Debajo de su variada paleta musical se esconde una sensación de soledad, un tema que recorre gran parte de la obra de Nilsson. Ya sea cantando sobre un viaje matutino al trabajo en "Driving Along" o las reflexiones existenciales de "The Moonbeam Song", hay una introspección tranquila que hace que el álbum sea profundamente identificable.

Disco Recomendado

 
"Nilsson Schmilsson" es una experiencia. Captura los altibajos de la vida con humor, corazón y un toque de lo absurdo. Es un disco que te invita a reír, llorar y tal vez incluso a bailar un poco. Y aunque está firmemente arraigado en el sonido pop/rock de la década de 1970, sus temas y melodías siguen siendo atemporales. 

Para quienes no conocen a Harry Nilsson, este es el punto de entrada perfecto. Es un testimonio de su versatilidad como artista y su capacidad para traspasar los límites de la música pop. Y para los fans de toda la vida, es un recordatorio de por qué Nilsson sigue siendo una de las figuras más queridas -y subestimadas- de la historia de la música.

Así que, si tu colección parece incompleta, o estás buscando un disco que te sorprenda y deleite, escucha "Nilsson Schmilsson". Es un viaje inolvidable a través de la mente de uno de los genios más enigmáticos del pop.

Video del tema "Without You":


Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Gotta Get Up"                     2:24
2.         "Driving Along"                    2:02
3.         "Early in the Morning"                       2:48
4.         "The Moonbeam Song"                     3:18
5.         "Down"                      3:24

Cara B:

1.         "Without You"                       3:17
2.         "Coconut"                  3:48
3.         "Let the Good Times Roll"    2:42
4.         "Jump into the Fire"              6:54
5.         "I'll Never Leave You"                     4:11

Músicos:

  •  Harry Nilsson – voz; piano en 1, 5, 8, 10; mellotron en 2, 4; órgano en 3; armónica en 8; piano eléctrico en 9
  • Jim Gordon – batería en 1, 2, 5, 7, 9; percusión en 7, 9
  • Klaus Voormann – bajo en 1, 5, 6, 8; guitarra rítmica en 2, 9; guitarra acústica en 4
  • Chris Spedding – guitarra en 1, 5, 8, 9
  • Herbie Flowers – bajo en 2, 4, 7, 9
  • John Uribe – guitarra acústica en 2, 4, 6; guitarra principal en 2, 9

Adicional:

  • Henry Krein – acordeón en 1
  • Richard Perry – percusión en 1, mellotron en 2
  • Jim Price – trompeta en 1, 5; trombón en 1, 5; arreglos de trompa en 1, 5
  • Jim Keltner – batería en 5, 6, 8
  • Roger Coulam – órgano en 5
  • Bobby Keys – saxofón en 5
  • Gary Wright – piano en 6, órgano en 8
  • Paul Buckmaster – arreglos de cuerdas y trompa en 6
  • Roger Pope – batería en 7
  • Caleb Quaye – guitarra en 7
  • Ian Duck – guitarra acústica en 7
  • Jim Webb – piano en 9
  • George Tipton – arreglos de cuerdas y trompa en 10

AC/DC - Back in Black - Album (Revisted)

En 2007 hice un blog post sobre el disco "Back in Black". Un trabajo de AC/DC editado en 1980 que sigue hoy relevante y popular. No es solo un álbum más de AC/DC; es una declaración audaz, un regreso triunfante tras una tragedia y un testimonio del poder inquebrantable del rock. Este disco marcó un antes y un después en la historia de la banda, con un nuevo cantante, Brian Johnson, al frente. A pesar de la dolorosa pérdida de Bon Scott, AC/DC logró capturar su esencia rebelde y su energía arrolladora, llevando el rock a nuevas alturas. Este álbum se convirtió en un clásico instantáneo, resonando con la misma fuerza y vitalidad hoy en día, como una de las obras más emblemáticas del género.

Por esto quiero volver a dedicar espacio en este blog de música a este extraordinario disco.

ALBUM: Back in Black

 
En el mundo del rock and roll, los regresos son un tema de conversación frecuente, pero rara vez se materializan con el impacto sísmico de "Back in Black" de AC/DC. Publicado el 25 de julio de 1980, el álbum es a la vez un homenaje al fallecido Bon Scott y una declaración triunfal de la resiliencia de la banda. Con Brian Johnson en el lugar de Scott, AC/DC creó una obra maestra que trascendió la tragedia de su pérdida y consolidó su lugar como leyendas del rock. No es solo un álbum; es un himno a la supervivencia, la rebelión y el poder inquebrantable de la música rock.

ALBUM: Back in Black - 1980 (AC/DC)

Una campana para una nueva era

 
El sonido inicial de "Hells Bells" es más que una simple introducción; es una proclamación. El inquietante sonido de la campana (una bestia de hierro de una tonelada hecha a medida) anuncia una era de desafío y celebración. La voz gruñona de Brian Johnson atraviesa la mezcla con una ferocidad que parece menos un panegírico y más un grito de guerra: "Eres joven, pero vas a morir". Si el espíritu de Bon Scott se mantuvo en este álbum, fue menos triste y más travieso, incitando a la banda a festejar más, tocar más fuerte y vivir más salvajemente.

A partir de ahí, "Back in Black" estalla en una exhibición electrizante de riffs y energía contagiosa. Angus y Malcolm Young manejan sus guitarras como arietes gemelos, entregando riffs icónicos con la precisión de artesanos y la ferocidad de guerreros.

Una transición perfecta

 
Cuando Brian Johnson tomó el micrófono, el escepticismo estaba a flor de piel. ¿Podría alguien reemplazar a Bon Scott, el carismático escocés-australiano cuyo encanto travieso y actitud despreocupada habían definido a AC/DC? Brian Johnson no sólo reemplazó a Scott, sino que reinventó el papel. Su aullido áspero, a partes iguales salvaje y melódico, trajo una energía fresca pero familiar a la banda. Canciones como "Shoot to Thrill" y "You Shook Me All Night Long" muestran su habilidad para mezclar potencia bruta con un toque de encanto descarado. Johnson no intentó imitar a Scott; hizo suyo el papel al tiempo que honraba el espíritu de la banda.

Brian Johnson - cantante de AC/DC

En "You Shook Me All Night Long", Brian Johnson canaliza una exuberancia juguetona que hace de la canción una de las mejores canciones de rock para cantar a coro. Es una tormenta perfecta de metáforas, que compara una escapada romántica con un combate de boxeo, una comida y un paseo en coche, todo en menos de cuatro minutos. El hecho de que la canción se convirtiera en el primer éxito de AC/DC en el Top 40 en los EE. UU. habla de la integración perfecta de Johnson en el ADN de la banda.

Riffs que aún resuenan


Si AC/DC tiene un arma secreta, es su habilidad para crear riffs que se meten en tu cerebro y se niegan a irse. La canción principal, "Back in Black", lo ejemplifica. Su riff inicial es material de leyenda, un ritmo musculoso y traqueteante que se siente elemental, como si siempre hubiera existido, esperando a que AC/DC lo desentierre. La guitarra rítmica de Malcolm Young ancla la canción con una precisión implacable, mientras que los solos abrasadores de Angus Young se elevan como rayos a través del cielo tormentoso de la canción.

Temas como "Have a Drink on Me" y "Givin' the Dog a Bone" continúan el asalto, equilibrando el humor irreverente con el rock blusero y aplastante. Incluso cuando las letras viran hacia el territorio descarado ("Ella está usando su cabeza otra vez, yo solo le estoy dando un hueso al perro"), el compromiso de la banda con su arte evita que las canciones caigan en la parodia. En cambio, se presentan como celebraciones alegres de los placeres más simples y salvajes de la vida.

Un homenaje sin lágrimas


A pesar de su portada fúnebre y la sombra del fallecimiento de Bon Scott, "Back in Black" es todo menos sombrío. El álbum no es un canto fúnebre; es una celebración, un velorio en forma de 42 minutos de rock implacable. Canciones como "Let Me Put My Love Into You" reducen ligeramente el ritmo, ofreciendo un ritmo con infusión de blues que muestra la capacidad de la banda para agregar matices sin perder su filo. Aun así, el tema general es claro: mantener las bebidas fluyendo, las guitarras aullando y los buenos momentos continuando.

Quizás el momento más conmovedor llega en la última canción del álbum, "Rock and Roll Ain't Noise Pollution". Con su construcción lenta y deliberada, la canción se siente como un manifiesto, una declaración de que la música rock no es solo entretenimiento, es una forma de vida. Mientras Johnson grita: “El rock and roll no es contaminación acústica, el rock and roll nunca morirá”, es imposible no creerle.


Un legado forjado en negro

 
Más de varias décadas después de su lanzamiento, "Back in Black" sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos, con más de 50 millones de copias vendidas (y continuando). Pero los números por sí solos no pueden capturar su importancia. Este álbum no solo catapultó a AC/DC al estrellato mundial; redefinió lo que podía ser un álbum de rock. Demostró que incluso ante una pérdida devastadora, una banda puede emerger más fuerte, más audaz y más unida.

AC/DC - 1980

Disco recomendado

 
"Back in Black" es más que una simple colección de canciones. Es una cápsula del tiempo de rebelión, una clase magistral de resiliencia y un recordatorio de que la buena música rock no necesita reinvención, solo necesita pasión, precisión y mucho volumen. Para cualquiera que nunca haya experimentado la alegría atronadora de este álbum, ahora es el momento de sumergirse en él. Y para aquellos que ya lo saben de memoria, suban el volumen, porque esta obra maestra nunca pasa de moda.

Video del tema "Shoot to Thrill" (Live):

Tracklist (canciones):

Cara A:

1.         "Hells Bells"   5:10
3.         "What Do You Do for Money Honey"         3:33
4.         "Givin the Dog a Bone"         3:30
5.         "Let Me Put My Love into You"       4:16 

Side B:

6.         "Back in Black"          4:15
7.         "You Shook Me All Night Long"      3:30
8.         "Have a Drink on Me"           3:57
9.         "Shake a Leg" 4:06
10.       "Rock and Roll Ain't Noise Pollution"          4:15

AC/DC (Banda):

  • Brian Johnson – voz principal
  • Angus Young – guitarra principal
  • Malcolm Young – guitarra rítmica, coros
  • Cliff Williams – bajo, coros
  • Phil Rudd – batería

Producción

  • Robert John "Mutt" Lange – producción
  • Tony Platt – ingeniería de sonido