THE CURE - Songs of a Lost World - Album

Después de casi cincuenta años redefiniendo la melancolía, "The Cure" ha regalado a sus fans "Songs of a Lost World", su nuevo álbum de estudio.

Un blog post para recomendarlo porque es una verdadera sorpresa y un maravilloso disco de melancolía oscura.

ALBUM: Songs of a Lost World

 
Este es el decimocuarto álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Cure, que se publicó el 1 de noviembre de 2024. Es el primer lanzamiento de material nuevo de la banda en 16 años desde de "4:13 Dream" en 2008. Todas las canciones del álbum están compuestas únicamente por el cantante y guitarrista Robert Smith, por primera vez desde el disco de 1985 "The Head on the Door".

No es solo un "nuevo disco", es un trabajo crudo y reflexivo que profundiza en temas de pérdida, mortalidad y aislamiento. De una manera que solo The Cure puede hacer, el disco revisita la grandeza sombría que definió el magnífico "Disintegration" en 1989, restableciendo a THE CURE como arquitectos de paisajes sonoros musicales oscuros e inmersivos.

Desde la primera canción "Alone", sabes que te espera un viaje musical. El corte se desenreda lentamente, con capas de sintetizadores y un ritmo similar al latido del corazón que te transporta a un lugar vasto y desolado. Justo cuando estás completamente inmerso, la voz de Robert Smith irrumpe a través de un susurro fantasmal que te lleva más profundamente. Con una duración de casi siete minutos, "Alone" prepara el escenario para el resto del viaje de 50 minutos hacia la oscuridad, la oscuridad de The Cure.

Esta vez, la banda se aleja de su estilo más ligero, con influencias pop, para crear algo sin filtros y orgánico. En esencia, "Songs of a Lost World" trata sobre el dolor. Tomemos como ejemplo el tema "I Can Never Say Goodbye", un desgarrador homenaje al difunto hermano de Smith. Su voz, tan inquietante como siempre, captura una vulnerabilidad que golpea fuerte. Es como si su voz no hubiera envejecido, solo se hubiera vuelto más profunda, cargando con el peso de décadas de vida, amor y pérdida.

Por primera vez desde el LP "The Head on the Door" en 1985, Smith ha tomado el control total de la composición y los arreglos. Cada canción se siente como una página arrancada de su alma, historias escritas por un hombre que ha enfrentado un verdadero dolor. Desde tragedias personales hasta problemas de salud que han afectado a la banda, "Songs of a Lost World" es un viaje íntimo y cohesivo. Las canciones fluyen una tras otra, cada una única pero intrincadamente conectada, creando un tapiz de la propia historia de Smith.

Sin embargo, el álbum no se detiene solo en la introspección. Canciones como "Warsong" y "Drone" aumentan la intensidad, con el bajo de Simon Gallup vibrando como un latido del corazón. Hay una corriente subyacente de tensión, una energía más pesada, casi primaria, que sumerge el álbum en la oscuridad. Y luego viene el cierre de diez minutos, "Endsong", con Smith cantando versos inquietantes.

Si bien canaliza la misma emoción melancólica que "Disintegration", "Songs of a Lost World" es todo menos una repetición. Es el sonido de The Cure mirando hacia atrás y avanzando, una meditación oscura y poética sobre el envejecimiento y la pérdida. La voz de Smith se fusiona con sintetizadores y guitarras densos, creando una especie de tiempo suspendido que se siente como un puente entre su apogeo de los años 80 y la actualidad.

Disco recomendado

 
"Songs of a Lost World" es más que solo música; es una declaración de resiliencia. The Cure no necesita vivir de glorias pasadas; este disco demuestra que todavía están aquí, siguen evolucionando, siguen atreviéndose a sumergirse en las partes más oscuras de la experiencia humana. Atemporal pero conmovedoramente consciente del paso del tiempo, es una obra que resuena con cada nota, cada línea, un recordatorio inquietante de que algunas cosas, como el verdadero arte, nunca se desvanecen.

Este es un disco imprescindible para los fans de "The Cure" y a la vez será un descubrimiento para los jóvenes que aún no conocen a esta legendaria banda de rock gótico y alternativo. Estarás tentado a llamarlo un disco de regreso, sin embargo es una verdadera joya, un firme candidato a lo Mejor de 2024.

Video de tema "A Fragile Thing":

Tracklist:

1.         "Alone"           6:48
2.         "And Nothing Is Forever" 6:53
3.         "A Fragile Thing"       4:43
4.         "Warsong"      4:17
5.         "Drone:Nodrone"       4:45
6.         "I Can Never Say Goodbye" 6:03
7.         "All I Ever Am"         5:21
8.         "Endsong"      10:23

(Banda):

• Robert Smith: voz, guitarra, bajo de seis cuerdas, teclados, composición, arreglos, producción, mezcla, asistencia en la grabación, concepto de portada, Pictures of Stone
• Simon Gallup: bajo
• Jason Cooper: batería, percusión
• Roger O'Donnell: teclados
• Reeves Gabrels: guitarra

Producción:

Paul Corkett: producción, grabación, mezcla

THE WHO - Quadrophenia

EL ALBUM: Quadrophenia

Este es el sexto álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Who, editado como álbum doble el 26 de octubre de 1973. Es la tercera ópera rock del grupo, las dos anteriores fueron la canción "mini-ópera" "A Quick One, While He 's Away" (1966) y el álbum Tommy (1969). Ambientada en Londres y Brighton en 1965, la historia sigue a un joven mod llamado Jimmy y su búsqueda de autoestima e importancia. "Quadrophenia" es el único álbum de The Who escrito y compuesto íntegramente por Pete Townshend.

The Who grabó este 2XLP en un intento de seguir "Tommy" y "Who 's Next" (1971), ambos de los cuales habían logrado un éxito comercial y de crítica sustancial. La grabación se retrasó mientras el bajista John Entwistle y el cantante Roger Daltrey grabaron álbumes en solitario y el baterista Keith Moon trabajaba en películas. Debido a que un nuevo estudio no estaba terminado a tiempo, el grupo tuvo que utilizar un estudio móvil. El álbum hace un uso significativo de los sintetizadores multipista y los efectos de sonido de Townshend, así como de las partes de viento en capas de Entwistle.

El álbum tuvo un impacto en el movimiento de resurgimiento del mod de finales de los años 70, y la adaptación cinematográfica resultante de 1979 fue un éxito. El álbum ha sido reeditado en CD varias veces y ha visto varias remezclas que corrigieron algunos defectos percibidos en el lanzamiento original.

Una clase magistral de rock, rebelión y búsqueda de uno mismo:

En 1973, "Quadrophenia" estableció un nuevo estándar para las óperas de rock y consolidó el legado de The Who como una de las bandas más innovadoras del género. Para cualquiera que esté familiarizado con "Tommy", este álbum profundiza aún más en las complejas corrientes subterráneas de la propia juventud de Pete Townshend en la cultura "Mod" de Gran Bretaña. Este no es un simple álbum de rock; es una exploración cruda y poderosa de la identidad, la rebelión y todo lo que puede hacerte sentir incomprendido. Si eres fan de The Who o simplemente tienes hambre de rock que impacte en todos los niveles (energía, emoción y narrativa), entonces "Quadrophenia" es una obra para experimentar de principio a fin.

 

Jimmy Cooper: el héroe de cada inadaptado

 
En esencia, "Quadrophenia" es una historia sobre Jimmy; un joven mod que se encuentra en desacuerdo con todo lo que lo rodea. Se cuestiona a sus amigos, la cultura y la vida de la que forma parte, y eso es lo que lo hace tan identificable. A través de Jimmy, Peter Townshend aborda las grandes cuestiones con las que todos luchamos: ¿Quién soy? ¿A dónde pertenezco? ¿Y puedo siquiera mantenerme unido? Townshend divide la personalidad de Jimmy en cuatro "lados" distintos, cada uno de los cuales refleja no solo aspectos de él mismo sino también de sus compañeros de banda, de modo que Jimmy se convierte en una especie de prisma a través del cual vemos a cada miembro de The Who.

Los lados conflictivos de Jimmy reflejan la rebeldía de Roger Daltrey, el humor negro de John Entwistle, la energía disparatada de Keith Moon y la sensibilidad introspectiva de Townshend. Esta interpretación centrada en los personajes no es solo un truco; está entretejida en la estructura del álbum de modo que cada canción principal te dice algo sobre Jimmy y, en cierto modo, sobre The Who. Canciones como “Helpless Dancer”, “Doctor Jimmy” y “Love Reign O’er Me” dan vida a estas personalidades divididas, agregando profundidad a Jimmy y capturando el espíritu inquieto de una banda que explora sus propias identidades.

 

Sonic Power:

 
Cuando suena el tema “The Real Me”, el álbum no pierde tiempo en sumergirse en el caos interior de Jimmy. Todo está ahí, la línea de bajo de Entwistle, una de las más intensas e intrincadas del rock, palpita con vida propia, como el latido del corazón. La batería de Keith Moon es fuego puro, a juego con el pulso frenético de la psique de Jimmy, mientras que los agudos riffs de guitarra de Townshend lo mantienen todo unido. La voz de Daltrey, intensa y precisa, canaliza la frustración y la desesperación de Jimmy. Juntos, es como si la banda hubiera echado gasolina sobre sus instrumentos y los hubiera dejado arder.

Uno de los secretos de Quadrophenia es el uso de sintetizadores, no solo por el factor sorpresa, sino para darle a la música una profundidad y riqueza que eleva todo el paisaje sonoro del álbum. El trabajo de sintetizador de Townshend en temas instrumentales como “Quadrophenia” y “The Rock” es cinematográfico, uniendo diferentes partes del viaje de Jimmy y guiándote a través de su mundo de confusión interna y presión externa. Estos instrumentales no son sólo relleno; crean espacios para respirar, generando anticipación para los temas vocales que siguen.

 

Una montaña rusa emocional:

 
Lo que también hace que “Quadrophenia” sea inolvidable es su rango emocional. Pasas de la vulnerabilidad tranquila de Townshend en “I’m One” al caos estridente de “5:15”, que se siente como una explosión musical de todo lo que es la cultura "Mod". Este cambio constante entre la introspección tranquila y la rebelión explosiva refleja las propias batallas de Jimmy, haciéndonos sentir su confusión, su ira y sus esperanzas.

La interpretación vocal de Roger Daltrey es una potencia en este álbum doble. Está enojado, está perdido, tiene el corazón roto, es como si hubiera canalizado cada parte de la tormenta emocional de Jimmy. La batería de Moon también es indómita e implacable, y aporta una intensidad que subraya el estado mental fragmentado de Jimmy. Incluso la voz juguetona de Moon en "Bell Boy" sirve como recordatorio de que incluso los ídolos de Jimmy están tan perdidos como él, lo que añade una capa agridulce a la historia.

Un disco difícil:

 
Por brillante que sea "Quadrophenia", no es fácil de escuchar. Con su duración de álbum doble, su historia en capas y su sonido extenso, exige tu atención de principio a fin. Y el concepto de "quadrophenia", esta idea de la personalidad dividida de Jimmy, puede resultar complejo, incluso un poco abrumador. No todo el mundo tiene paciencia para un álbum que quiere que te adentres en él, pero para aquellos que sí la tienen, las recompensas son inmensas.

Algunos críticos han señalado que la complejidad del álbum puede provocar ocasionales caídas en la claridad, especialmente en temas como "I Am the Sea", que sirve como una pieza de ambientación más que como una canción tradicional. Pero esos mismos momentos atmosféricos e instrumentales también mejoran la experiencia, dándole a la narrativa espacio para respirar. En lugar de hacer que el álbum sea más pesado, te permiten sumergirte en el mundo turbulento de Jimmy, que es lo que hace que escuchar "Quadrophenia" sea un viaje en lugar de una experiencia de solo escuchar canción por canción.

 

Por qué Quadrophenia sigue siendo importante:

 
Con todos sus defectos, "Quadrophenia" es uno de los grandes logros del rock. Es un álbum que atrapa al oyente y lo lleva a un mundo de emociones crudas y preguntas difíciles. Es introspectivo pero también universal, aborda la soledad y las luchas de identidad. Es un clásico porque va más allá de la música, es una parte cruda y poética de la subcultura británica, una obra que captura el corazón y el alma de lo que significa crecer y enfrentarse a uno mismo.

El disco cierra con "Love Reign O'er Me", un final apropiado para la historia de Jimmy y un momento poderoso para el oyente. La voz de Daltrey, los tambores estruendosos de Moon y la magistral composición de Townshend se unen para crear una sensación de catarsis, un recordatorio del poder de la música para ayudarnos a darle sentido a nuestro propio caos. Y cuando esa última nota se desvanece, te quedas con una sensación de liberación.

 

Disco recomendado

 
"Quadrophenia" es más que un álbum, es una obra de arte que desafía, reconforta y resuena. Es The Who en su apogeo, haciendo lo que mejor saben hacer: contar historias a través de la música. Encuéntralo y escúchalo.

Video del tema "The Real Me":

Tracklist:

1 x LP:

Cara A:

1.         "I Am the Sea"                       2:09
2.         "The Real Me"                        3:21
3.         "Quadrophenia"          (instrumental) 6:14
4.         "Cut My Hair"                        3:45
5.         "The Punk and the Godfather"          5:11

Cara B:

1.         "I'm One" (At least)               2:38
2.         "The Dirty Jobs"                     4:30
3.         "Helpless Dancer" (Roger's theme)               2:34
4.         "Is It in My Head?"               3:44
5.         "I've Had Enough"                 6:15

2 x LP

Cara A:

1.         "5:15"  (intro and coda)         5:01
2.         "Sea and Sand"                      5:02
3.         "Drowned"                 5:28
4.         "Bell Boy" (Keith's theme)    4:56 

Cara B:

1.         "Doctor Jimmy" (Including John's theme, "Is It Me?”) 8:37
2.         "The Rock"     (instrumental) 6:38
3.         "Love, Reign o'er Me" (Pete's theme) 5:49 

The Who (Banda):

•  John Entwistle – bajo, instrumentos de viento/metal, coros, co-voz principal en 'Is It in My Head?'
• Roger Daltrey – voz principal (todas excepto 'Quadrophenia' (instrumental), 'I'm One' (Townshend) y 'The Rock' (instrumental)), co-voz principal en 'Cut My Hair'
• Keith Moon – batería, percusión, co-voz principal en 'Bell Boy'
• Pete Townshend – guitarras, teclados, banjo en 'I've Had Enough', violonchelo, coros, voz principal en 'Cut My Hair' y 'I'm One', co-voz principal en 'The Punk and The Godfather', 'I've Had Enough', '5:15' y 'Sea and Sand'

Músicos adicionales:

John Curle – voz del locutor de noticias en "Cut My Hair"

Chris Stainton – piano en "The Dirty Jobs", "5:15" y "Drowned"

Producción

• The Who – producción
• Kit Lambert – Preproducción, producción ejecutiva
• Pete Townshend – preproducción, efectos de sonido
• Chris Stamp – producción ejecutiva
• Pete Kameron – producción ejecutiva

DR JOHN | Gris-Gris - Album

Es un disco diferente y a veces extraño de un músico muy peculiar y a la vez genio. Hablo de DR. JOHN y su primer LP "Gris-Gris".

ALBUM: Gris-Gris

 
Este es el álbum debut del músico estadounidense Dr. John (también conocido como Mac Rebennack). Producido por Harold Battiste, fue publicado en 1968. El disco presenta al personaje Dr. John de Rebennack, inspirado en un reputado médico vudú del siglo XIX. El estilo de "Gris-Gris" es un híbrido de elementos tradicionales del R & B de Nueva Orleans y psicodelia.

Este es uno de esos discos que te deja con la sensación de haber entrado en una fiesta mística "swamp". No es solo una pieza musical, es una experiencia psicodélica que mantiene vivo su misterio, sin importar cuántas veces lo escuches. Combinando los ricos sabores musicales de Nueva Orleans, ritmos afrocaribeños y la cantidad justa de psicodélica, "Gris-Gris" no es solo un álbum; es un inquietante viaje con infusión de vudú que desafía cualquier etiqueta elegante.

El misterio comienza:

 
"Gris-Gris" presentó al mundo la nueva personalidad de Mac Rebennack: Dr. John the Night Tripper. Inspirado por un sacerdote vudú del siglo XIX, la transformación de Rebennack no fue solo una renovación de imagen. Ya era un músico de estudio muy respetado en Nueva Orleans, totalmente inmerso en la escena local del rhythm and blues. Pero después de que algunos problemas legales lo obligaron a irse a Los Ángeles, se unió a un grupo de músicos exiliados de Nueva Orleans, incluido el increíblemente talentoso Harold Battiste, quien jugó un papel importante en la creación de "Gris-Gris". Gracias a un poco de tiempo de estudio que le quedó de una sesión de Sonny & Cher (sí, leyó bien), nació este álbum mágico, que mezcla el misticismo del vudú con la columna vertebral del groove de Nueva Orleans, lo que dio como resultado algo que nadie había escuchado antes ni después.

La canción de apertura, "Gris-Gris Gumbo Ya Ya", parece una introducción vaga no solo al álbum sino al personaje del propio Dr. John. La interpretación áspera y casi gruñona de Rebennack de frases como “Me llaman Dr. John, conocido como el Viajero Nocturno” te hace sentir como si acabaras de conocer a una figura sombría en una trastienda llena de humo que ofrece pociones secretas. Casi puedes oler el "swamp" mientras mandolinas, tambores y coros estilo gospel te envuelven, evocando las turbias vibraciones del pantano, a pesar del hecho de que todo se grabó en Los Ángeles.

 

Magia vudú sónica:

 
El verdadero corazón de "Gris-Gris" es su capacidad para transportarte. Escucharlo se siente como tropezar con una ceremonia vudú. Temas como “Danse Kalinda Boom” y “Danse Fambeaux” pulsan con capas de percusión primitiva combinadas con cánticos que parecen venir de otro reino. En “Danse Kalinda Boom”, un coro febril y sin palabras se fusiona con una exótica melodía de flauta, creando un ritmo que te hará entrar en trance.

Si bien la personalidad mística de Dr. John es el centro de atención, la producción inquietante del álbum es lo que realmente cierra el trato. Los arreglos de Dr.Battiste son tan sueltos y cargados de reverberación que sientes que estás perdido en un pantano brumoso a medianoche. Las coristas, casi como sacerdotisas del mambo, cantan y armonizan, realzando esa vibra ritualista que te hace preguntarte si realmente estás escuchando música o presenciando algo de otro mundo.

La joya de la corona: "I Walk on Gilded Splinters"

 
Si "Gris-Gris" tuviera que resumirse en una canción, sería "I Walk on Gilded Splinters". Esta obra maestra de ocho minutos es hipnótica en todos los sentidos, impulsada por el ritmo de las congas y las palmas, y con las letras crípticas del Dr. John sobre su destreza vudú. "J'suis le Grand Zombie", proclama, mientras un saxo barítono serpentea. Es el tipo de canción que se te queda grabada mucho después de que termina, enterrándote en tu mente con su estribillo inquietante de "Come get it, get it, come, come". Y aparentemente, muchos artistas tampoco pudieron quitársela de encima: ha sido versionada por todos, desde Cher hasta Paul Weller.

Los críticos a menudo han comparado "Gris-Gris" con las canciones más sombrías de "Exile on Main Street", pero mientras que los Rolling Stones pueden haber capturado la decadencia urbana, Dr. John se sumerge en lo desconocido místico, difuminando la línea entre la fantasía y la realidad.

 

Luz en medio de la oscuridad:

 
Pero no todo en "Gris-Gris" está envuelto en misterio. Temas como “Mama Roux” aportan una energía más ligera y lúdica al LP. Es una melodía funky impulsada por el órgano con un sentido de fantasía que contrasta marcadamente con los encantamientos más oscuros. Las líneas de órgano alegres y scat de Dr. John muestran sus raíces en el R & B de Nueva Orleans, recordándonos que debajo de todo el misticismo vudú había un músico versátil con grandes dotes.

De manera similar, “Jump Sturdy” parece la excepción del álbum: estructurada y casi pop, con un estilo pegadizo de estribillo y verso que no desentonaría en un éxito de radio. Si bien no tiene la misma magia espeluznante que algunos de los otros temas, nos da una idea del lado divertido y ligero de Dr. John.

 

Un clásico de culto:

 
Cuando "Gris-Gris" salió por primera vez, no fue precisamente un éxito de ventas. Hasta Ahmet Ertegun, de Atlantic Records, preguntó: “¿Cómo podemos comercializar esta basura de boogaloo?”. Pero el tiempo ha sido benévolo con "Gris-Gris", y lo que una vez confundió a los oyentes ahora se considera un clásico de culto. Su influencia ha llegado mucho más allá de su público inicial, inspirando a todos, desde rockeros de pantano como "Creedence Clearwater Revival" hasta músicos de jazz de vanguardia como "Sun Ra".

Al final, "Gris-Gris" no es solo un álbum; es un hechizo, un viaje a lo desconocido. Dr. John te invita a dejar atrás lo ordinario y adentrarte en un mundo donde la música, la magia y el mito colisionan. Ya sea que creas o no en el poder del vudú, una cosa es segura: "Gris-Gris" dejará su marca en ti, mucho después de que se desvanezca la última nota.

Disco recomendado

Obra maestra del funk psicodélico de pantano (swamp).

Video del tema "Jump Sturdy":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: 

1.         "Gris-Gris Gumbo Ya Ya"     Dr. John Creaux         5:36
2.         "Danse Kalinda Ba Doom"    Dr. John Creaux, Harold Battiste      3:39
3.         "Mama Roux" Dr. John Creaux, Jessie Hill   2:59
4.         "Danse Fambeaux"     Dr. John Creaux         4:56 

Cara B:

1.         "Croker Courtbullion"            Harold Battiste           6:00
2.         "Jump Sturdy"            Dr. John Creaux         2:20
3.         "I Walk on Guilded Splinters"           Dr. John Creaux         7:37 

Músicos:

• Dr. John – voz, teclados, percusión
• Dr. Battiste – bajo, clarinete, percusión, arreglista
  Richard "Dr. Ditmus" Washington – percusión
• "Senator" Bob West – bajo
• "Dr." John Boudreaux – batería
• "Governor" Plas Johnson – saxofón
• "Dr." Lonnie Boulden – flauta
• "Dr." Steve Mann – guitarra bottleneck, banjo
• "Dr." McLean – guitarra, mandolina
• Mo "Dido" Pedido – congas
• Dave Dixon, Jessie Hill, Ronnie Barron – coros, percusión
• Joni Jonz, Prince Ella Johnson, Shirley Goodman, Sonny Ray Durden, Tami Lynn – coros 

Harold Battiste – productor

MILES DAVIS - In A Silent Way - Album

Cuando pensamos en Miles Davis, inmediatamente nos vienen a la mente sus álbumes "Kind of Blue" (1959) y "Sketches of Spain" (1960). Sin embargo, el genio del jazz tiene tantos buenos álbumes en su discografía que la lista es larga y fascinante.

Quiero dar espacio aquí, en este blog de música, a uno de sus muchos discos que es tan grande e importante como los mencionados anteriormente, el álbum de 1969 "In A Silent Way". El verdadero comienzo del "Jazz Fusion" y un punto de inflexión en la carrera de Miles Davis.

ALBUM: In a Silent Way

 
LP de estudio del trompetista, compositor y director de orquesta estadounidense de jazz Miles Davis, publicado el 30 de julio de 1969. "In a Silent Way", que marca el comienzo de su período "eléctrico", se considera la primera grabación de fusión de Davis.

Tras su lanzamiento, el álbum fue recibido con polémica por los críticos, en particular los del jazz y el rock, que se mostraron divididos en su reacción a su estructura musical experimental y al enfoque eléctrico de Davis. Ahora es considerado por los fans y los críticos como una de las obras más grandes e influyentes de Miles Davis.

 

Un paso hacia la fusión del jazz:

 
En la historia del jazz, pocos álbumes destacan como "In a Silent Way". Este disco no solo redefinió la carrera de Davis, sino que cambió el panorama del jazz en sí. Marcó un salto revolucionario hacia lo que ahora llamamos "jazz fusión", mezclando ritmos hipnóticos, paisajes sonoros espaciosos y técnicas de producción de vanguardia. Lo que hace que este disco sea tan bueno es que trasciende el jazz tradicional, fusionando elementos del rock, el funk y la música ambiental de maneras que nadie había escuchado antes.

Un nuevo sonido: el arte del estudio

 
A finales de los años 60 (siglo xx), Miles Davis sintió que se avecinaba un cambio. El rock y el funk estaban en auge, amenazando con eclipsar al jazz, y artistas como Jimi Hendrix y Sly Stone dominaban la radio. En lugar de resistirse, Davis se inclinó hacia el cambio. Se lanzó de cabeza al paisaje sonoro eléctrico, y "In a Silent Way" fue el resultado de ese audaz experimento. Lo que realmente diferenció a este álbum no fue solo la música, sino cómo se construyó en el estudio. Davis y su productor Teo Macero adoptaron un enfoque radical, juntando varias grabaciones para crear una experiencia auditiva continua e inmersiva. Parecía una sesión de improvisación, pero detrás de escena, era una obra de arte meticulosamente elaborada.

El estudio se convirtió en algo más que un espacio de grabación, se convirtió en un instrumento en sí mismo. El productor Macero cortó y repitió diferentes secciones de la música para crear tensión y contrastes dinámicos. Tomemos como ejemplo el tema "Shhh/Peaceful". Sobre un ritmo constante, la trompeta de Davis entra y sale, entrelazándose con la guitarra de John McLaughlin y los pianos eléctricos de Herbie Hancock y Chick Corea. ¿El resultado? Una música que fluye naturalmente pero que parece diseñada de manera intrincada, un buen equilibrio entre el espíritu libre del jazz y la precisión de la producción moderna.

Jazz Fusion - un nuevo capítulo:

 
Este disco no solo dejó su marca en la discografía de Davis, sino que plantó las semillas del "jazz fusión". Si bien a fines de los años 60 el jazz ya había coqueteado con ideas de vanguardia, Miles Davis llevó el género más allá, incorporando instrumentos eléctricos y estructuras prestadas del rock y el funk. La segunda mitad del álbum, "In a Silent Way/It 's About That Time", muestra esto de manera hermosa, mezclando paisajes sonoros psicodélicos con secciones dinámicas y rítmicamente complejas.

La contribución de McLaughlin a este nuevo sonido es crucial. Conocido por su virtuosismo con la guitarra, despojó su estilo habitual, ofreciendo líneas minimalistas y limpias que se sumaron al estado de ánimo meditativo del LP.

Mientras tanto, los pianos eléctricos de Hancock y Corea, especialmente los tonos oníricos del Fender Rhodes, agregaron un toque de otro mundo a la música. El trabajo sutil de Joe Zawinul en el órgano profundiza la atmósfera etérea del álbum. Zawinul, quien más tarde ayudaría a definir la fusión de jazz con Weather Report, fue fundamental para dar forma al sonido espacioso y abstracto de "In a Silent Way".

El poder del silencio y el espacio:

 
Una de las grandes características del álbum es su uso del espacio, este no es un trabajo sobre solos llamativos o improvisaciones a alta velocidad. A menudo se siente más como una meditación. Tony Williams, cuya batería había sido ardiente y explosiva en el quinteto anterior de Davis, retoma las cosas aquí, brindando un pulso minimalista que mantiene todo unido. Su trabajo con el hi-hat en "Shhh/Peaceful" es una lección de moderación; ancla el ritmo mientras deja mucho espacio para que los demás instrumentos respiren.

La grandeza de este trabajo reside en su construcción lenta. Los álbumes de jazz anteriores tendían a llenar cada segundo con sonido, pero "In a Silent Way" abrazó el silencio, permitiendo que la música se desarrollara a su propio ritmo. Este enfoque fue innovador en su momento e influyó en muchos artistas, desde los experimentos ambientales de Brian Eno hasta bandas de post-rock como Tortoise y Radiohead.

Momento crucial en la carrera de Davis:

 
"In a Silent Way" se sitúa en una encrucijada en la carrera de Miles Davis. Marca la transición de su trabajo con su legendario quinteto a los sonidos más eléctricos y agresivos de Bitches Brew. Si bien "Bitches Brew" llevaría las ideas de "In a Silent Way" a un lugar aún más salvaje y caótico, este álbum sigue siendo más introspectivo y controlado. Es un tipo de revolución más tranquila, pero no por ello menos impactante.

La formación que ya se mencionó es, sencillamente, legendaria. Hancock, Corea, Williams, McLaughlin, Zawinul y Dave Holland en el bajo; todos ellos dieron forma al jazz fusión en los años 70. Su química en este álbum es telepática, ya que navegan por las composiciones de Davis con facilidad, equilibrando la brillantez individual con un espíritu colectivo de descubrimiento. Es esta interacción la que hace que el álbum se sienta fresco, incluso después de décadas de escucharlo.

Legado:

 
Mucho tiempo después de su lanzamiento, "In a Silent Way" sigue siendo una piedra de toque en la historia de la música jazz. Su influencia también se extiende más allá del jazz, filtrándose en el rock, la música electrónica y más allá. El uso de instrumentos eléctricos, técnicas de estudio poco convencional y arreglos minimalistas en el álbum cambiaron las reglas del juego, y los músicos y productores todavía lo buscan en busca de inspiración hoy en día.

Para Miles Davis, este disco fue el comienzo de un nuevo y emocionante capítulo en su carrera en constante evolución. Si bien seguiría ampliando los límites aún más, el poder silencioso de "In a Silent Way" sigue siendo singular. Cada escucha revela nuevas profundidades y sutilezas.

En general, "In a Silent Way" no es solo un hito en la fusión de jazz, es una obra de arte atemporal, un testimonio del genio de Miles Davis y un recordatorio de que, a veces, las declaraciones musicales más profundas se hacen en los espacios entre las notas.

 

Disco recomendado

 
Un tapiz perfecto de texturas, ritmo y estado de ánimo. Es un gran disco de jazz, un gran disco de ambientación, un gran disco de fusión. Imprescindible no solo para los amantes del jazz, sino para todos aquellos que se dejan llevar por la música en sí.

Video del tema "In A Silent Way":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Cara A:

1.         "Shhh"/"Peaceful"      Miles Davis     18:16

"Shhh"  – 6:14

"Peaceful"  – 5:42

"Shhh"  – 6:20

Cara B:

2.         "In a Silent Way"/"It's About That Time"    

Joe Zawinul ("In a Silent Way"), Davis ("It's About That Time")    19:52

"In a Silent Way" – 4:11

"It's About That Time" – 11:27

"In a Silent Way" – 4:14

Músicos:

• Miles Davis – trompeta
• Wayne Shorter – saxofón soprano
• John McLaughlin – guitarra eléctrica
• Chick Corea – piano eléctrico
• Herbie Hancock – piano eléctrico
• Joe Zawinul – piano eléctrico, órgano
• Dave Holland – contrabajo
• Tony Williams – batería

Producción:

Teo Macero – productor

CHAT PILE - Cool World - Album

Me alegra saber que la banda estadounidense CHAT PILE ha publicado nuevo material. Conocí a este grupo a través de su primer álbum, el brillante "God 's Country", un disco que está incluido en mi lista de lo mejor de 2022.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música su segundo álbum "Cool World", un gran trabajo con riffs de bajo agitados, redoblantes agresivos y los gritos vocales desesperados y desquiciados del cantante Busch. Es lo que se esperaría del segundo lanzamiento de larga duración de Chat Pile.

ALBUM: Cool World 

Este es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Chat Pile. Fue publicado el 11 de octubre de 2024. El álbum fue mezclado por Ben Greenberg de Uniform, lo que marca la primera vez que la banda trabajó con un asistente de mezcla externo al conjunto.

Este disco marca una evolución audaz de la energía cruda y áspera de su debut, God 's Country, ya que adopta una perspectiva más amplia, lidiando con las pesadas cargas colectivas que enfrentamos hoy. Este álbum no es solo personal: se trata del dolor compartido que todos sentimos, abordando temas profundos como el colapso social, la brutalidad sistémica y esa persistente sensación de pavor que se cierne sobre nosotros. Temas como "I Am Dog Now" y "Masc" dan voz a esos sentimientos de inadecuación, mientras que canciones como "No Way Out" y "Milk of Human Kindness" se mezclan en una arremolinada de ruido y emoción que profundiza en el corazón de la vulnerabilidad humana.

En lo que respecta al sonido, "Cool World" pega fuerte. No es solo un álbum de noise rock, sino que también incluye elementos de sludge y atmósfera gótica, lo que lo convierte en una escucha pesada, casi sofocante por momentos. La batería de Cap’n Ron es implacable, manteniendo el pulso intenso, mientras que las líneas de bajo de Stin parecen aplastar todo a su paso. Si a eso le sumamos la voz de Raygun Busch, que pasa de susurros apenas perceptibles a gritos espeluznantes, tenemos una experiencia que nos mantiene alerta de principio a fin. La forma en que el álbum cambia entre ruido caótico y momentos más tranquilos e introspectivos lo convierte en una montaña rusa para los oídos, agotadora, pero en el mejor sentido.

En cuanto a las letras, este álbum pasa del trauma personal del debut a un panorama mucho más amplio, abordando problemas globales como el cambio climático y la opresión. Los temas pesados pueden hacer que quieras mirar hacia otro lado, pero en cambio, "Cool World" te atrapa y te obliga a aceptar la verdad incómoda. Incluso con toda esa oscuridad, hay algo extrañamente catártico en él, una sensación de que al enfrentarnos a estas duras realidades, tal vez, podamos comenzar a lidiar con ellas. La intrépida mezcla de post-hardcore, sludge y punk de la banda te mantiene adivinando, lo que garantiza que este segundo álbum no se limite a aprovechar el éxito de su debut.

Disco recomendado

Al final y hay que decirlo, Cool World no es fácil de escuchar, pero eso es lo que lo hace tan especial. Su crudeza, tanto musical como emocional, recompensa a quienes están dispuestos a sumergirse y sentarse con ella. Si estás buscando un álbum que no tenga miedo de desafiar, tanto en sonido como en sustancia, este es el indicado. Es más que solo música; es un recordatorio desgarrador del mundo fracturado en el que vivimos. Cool World no solo refleja nuestro caos, te desafía a mirarlo a la cara y sentir algo.

Video del tema "Frownland":

Tracklist:

1. "I Am Dog Now" 3:53
2. "Shame" 3:45
3. "Frownland" 3:55
4. "Funny Man" 3:30
5. "Camcorder" 6:23
6. "Tape" 4:12
7. "The New World" 4:30
8. "Masc" 4:09
9. "Milk of Human Kindness" 4:49
10. "No Way Out" 3:35