The Dark Side of the Moon: el latido eterno de Pink Floyd

Escribir algo nuevo sobre "The Dark Side of the Moon" parece, de entrada, una pequeña temeridad. El álbum de "Pink Floyd" ha sido diseccionado, canonizado, vendido, mitificado y hasta convertido en objeto de conspiraciones audiovisuales con películas clásicas. A estas alturas, uno podría pensar que no queda nada que añadir. Y quizá sea verdad, al menos para quienes llevan décadas escuchándolo con auriculares, vinilo, reediciones de lujo y una devoción casi litúrgica.

Pero yo no quiero escribir para convencer al creyente. Prefiero acercarme a quien todavía no ha entrado en este disco, a quien conoce la portada del prisma pero no sabe muy bien qué hay dentro, a quien tal vez escucha rock alternativo, electrónica, pop oscuro, Radiohead, Tame Impala, Gorillaz o incluso bandas sonoras ambientales, y aún no ha entendido por qué este álbum de 1973 sigue apareciendo como una sombra elegante cada vez que se habla de música importante. "The Dark Side of the Moon" no necesita más monumentos. Necesita nuevas puertas de entrada.

ALBUM: The Dark Side of the Moon

Pink Floyd publicó "The Dark Side of the Moon" el 1 de marzo de 1973 en Estados Unidos, y el 16 de marzo de ese mismo año en Reino Unido. Era su octavo álbum de estudio, pero no apareció de golpe como una iluminación de estudio. Antes de ser disco, fue experiencia en directo, una obra que el grupo fue probando, rompiendo y afinando sobre escenarios de Reino Unido, Europa, Japón y Estados Unidos.

Roger Waters propuso la idea después de "Meddle", en 1971. Quería hablar de las cosas que nos desgastan por dentro, la presión, el dinero, el paso del tiempo, la muerte, la locura, la violencia, la vida convertida en una máquina que no pregunta si estás preparado para seguir girando. También estaba ahí la sombra de Syd Barrett, fundador de Pink Floyd, figura brillante y frágil, apartado del grupo en 1968 tras un deterioro mental que quedó unido para siempre a la mitología de la banda.

Lo fascinante es que Pink Floyd no empezó este álbum como una colección de canciones, sino como una suite. El material se estrenó en directo el 20 de enero de 1972 en The Dome, Brighton, bajo títulos provisionales como "Eclipse, A Piece for Assorted Lunatics". En uno de esos primeros conciertos, la maquinaria técnica de la banda no soportó el peso de sus propias ambiciones. Cuando llegó "Money", con sus monedas y cajas registradoras sincronizadas en cinta, el sistema se vino abajo. La escena parece casi simbólica, una banda intentando capturar el ruido del capitalismo y siendo vencida por sus propios cables.

Después llegarían las sesiones en EMI Studios, hoy Abbey Road, con Alan Parsons como ingeniero. Allí el disco encontró su forma definitiva gracias a la grabación multipista, los bucles de cinta, los sintetizadores analógicos como el EMS VCS 3 y el Synthi A, las entrevistas grabadas al personal del estudio y a gente cercana, y una obsesión por el detalle que todavía se nota como si el álbum respirara al lado del oyente.

El sonido de una mente bajo presión:

Lo primero que conviene olvidar es la idea de que "The Dark Side of the Moon" es difícil. No lo es. Es ambicioso, sí, pero no inaccesible. De hecho, una de sus grandes virtudes es que convierte ideas enormes en canciones claras, envolventes y memorables. Pink Floyd venía de viajes psicodélicos más extensos, de piezas largas y exploraciones que podían parecer interminables para un oyente joven acostumbrado a otra velocidad. Aquí, en cambio, todo está concentrado. La experimentación no desaparece, se vuelve útil.

"Speak to Me" funciona como una puerta entreabierta. Latidos, relojes, voces, risas, fragmentos de lo que vendrá. No empieza como una canción, sino como una conciencia despertando en mitad de la noche. De ahí nace "Breathe", una pieza suave, casi suspendida, con la voz de David Gilmour flotando sobre guitarras eléctricas y pedal steel. No hay prisa. El bajo, la batería de Nick Mason y los teclados de Richard Wright se mueven con una calma extraña, como si la belleza ya viniera contaminada por una amenaza.

La sacudida llega con "On the Run", que hoy puede escucharse como un antepasado de mucha electrónica obsesiva. Ese patrón acelerado de sintetizador, los ruidos de aeropuerto, las respiraciones, la sensación de persecución, todo compone una miniatura de ansiedad moderna. No hace falta saber que Wright tenía miedo a volar para sentir que esa pieza habla de la vida convertida en tránsito permanente.

"Time" es el primer gran golpe emocional del álbum. Los relojes del inicio no son un adorno ingenioso, son una agresión. Después entra la batería con rototoms, el bajo marca un pulso seco, y David Gilmour lanza uno de esos solos que no parecen demostrar habilidad, sino abrir una grieta. La letra es devastadora porque no se esconde tras metáforas raras. Habla de levantarte un día y descubrir que diez años han pasado sin pedir permiso. Para un oyente joven, puede sonar como una advertencia prematura. Para alguien más mayor, como una factura.

Clare Torry, Money y la belleza incómoda:

"The Great Gig in the Sky" sigue siendo una de las piezas más imposibles de explicar sin empobrecerla. Richard Wright había compuesto una base de piano melancólica, y Alan Parsons sugirió llamar a Clare Torry. Le dijeron que la canción trataba sobre la muerte. Ella no escribió una letra, no narró nada, no interpretó un personaje. Cantó como si el cuerpo entendiera antes que la razón. Su voz se eleva, se rompe, se repliega. Puede sonar espiritual, sensual, aterradora o liberadora según el día en que la escuches. Esa ambigüedad es parte de su grandeza.

Luego aparece "Money", y el álbum cambia de piel. Las cajas registradoras, las monedas y el bajo de Roger Waters construyen una entrada reconocible al instante. La canción se burla de la codicia con una ironía seca, casi cruel, mientras juega con un compás poco habitual y se permite un solo de saxofón de Dick Parry que añade un aire urbano, sucio, nocturno. Después Gilmour entra con una guitarra más blues, más física, como si el disco necesitara tocar tierra después de tanto viaje mental. Que una canción tan extraña se convirtiera en éxito dice mucho del momento, pero también de la capacidad de Pink Floyd para hacer que lo raro pareciera inevitable.

"Us and Them" (una de mis favoritas) es, para mí, una de las cimas silenciosas del álbum. Viene de una composición de Wright pensada originalmente para "Zabriskie Point", y conserva algo cinematográfico, una tristeza amplia. El saxofón vuelve, los coros se abren, la canción crece y se contrae con una elegancia casi jazzística. Roger Waters escribe sobre guerra, jerarquía, distancia moral. No necesita gritar. Le basta con mostrar cómo unos mandan desde atrás y otros mueren delante.

Un disco que sigue hablando de nosotros:

La segunda mitad se desliza hacia "Any Colour You Like", un instrumental breve donde todavía asoma el antiguo Pink Floyd, el de la psicodelia, pero reducido a una forma más limpia. En otros años quizá habría durado veinte minutos. Aquí dura lo justo. Esa contención es clave para entender el álbum. "The Dark Side of the Moon" no abandona el viaje, lo disciplina.

"Brain Damage" devuelve a Syd Barrett al centro emocional del disco sin nombrarlo de forma explícita. Roger Waters canta sobre la locura, la fama, las mentes que se desajustan, las bandas que empiezan a tocar melodías distintas. Es una canción dulce y perturbadora a la vez. No trata la salud mental como una rareza decorativa, sino como una posibilidad humana, como una habitación a la que cualquiera podría acercarse demasiado.

"Eclipse" cierra el círculo con una enumeración casi ceremonial. Todo lo que tocas, todo lo que ves, todo lo que amas, todo lo que odias. La vida entera comprimida en una progresión ascendente, hasta que vuelve el latido inicial y una voz recuerda que no hay realmente un lado oscuro de la luna, que en realidad todo está oscuro, salvo por la luz del sol. Es una frase sencilla, pero deja una resonancia enorme. El álbum termina donde empezó, pero el oyente ya no está en el mismo sitio.

Publicado en una década marcada por la expansión del rock de estadios, la radio FM, el desencanto posterior a los sesenta y la fascinación tecnológica, "The Dark Side of the Moon" capturó algo muy concreto de su tiempo. La contracultura había perdido inocencia, la industria musical se hacía gigantesca, la ciencia había llegado a la luna y aun así la gente seguía sintiéndose sola, explotada, asustada, confundida. Pink Floyd convirtió esa contradicción en música.

Por qué escucharlo hoy:

Su legado impresiona, desde las decenas de millones de copias vendidas hasta su permanencia interminable en listas, su entrada en la cultura popular y su influencia sobre generaciones de músicos. Pero reducirlo a cifras sería una forma bastante pobre de entenderlo. El verdadero motivo por el que "The Dark Side of the Moon" sigue vivo es más íntimo. Suena perfecto sin sonar frío. Es cerebral, pero también profundamente físico. Tiene ideas, pero no se olvida de las canciones. Habla de asuntos enormes sin perder el pulso humano.

Para quien llegue desde el rock alternativo, puede ser un puente hacia otro modo de escuchar. Para quien venga del pop, puede revelar cómo una melodía sencilla puede sostener una arquitectura emocional inmensa. Para quien escuche electrónica, "On the Run" todavía conserva una electricidad primitiva. Para quien busque letras directas, "Time", "Money" o "Brain Damage" siguen golpeando con una claridad incómoda.

Disco recomendado

Mi recomendación es sencilla, pero exigente. Escúchalo entero, sin saltar canciones, con auriculares si puedes y sin tratarlo como una pieza de museo. No hace falta venerarlo. Basta con entrar en su ritmo, dejar que el latido inicial marque el paso y permitir que Pink Floyd haga lo que mejor sabe hacer, convertir el miedo, la belleza y el desconcierto de estar vivo en una experiencia sonora que todavía parece venir del futuro.

Jóvenes lectores y de uso Spotify, hacerme caso, buscar esto y escucharlo.

Video del tema "Us and Them":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1. «Speak to Me»1:07
2. «Breathe» 2:49
3. «On the Run» 3:45
4. «Time» 6:53
5. «The Great Gig in the Sky» 4:44

Cara B:

6. «Money» 6:23
7. «Us and Them» 7:49
8. «Any Colour You Like» 3:26
9. «Brain Damage» 3:46
10. «Eclipse» 2:12

Pink Floyd:

• David Gilmour – voz, guitarras, VCS3
• Nick Mason – batería, percusión, efectos de cinta
• Roger Waters – bajo, voz, VCS3, efectos de cinta
• Richard Wright – teclados, voz, VCS3

Músicos adicionales:

• Dick Parry – saxofón en «Money» y «Us and Them»
• Clare Torry – voz en «The Great Gig in the Sky»
• Doris Troy – coros
• Lesley Duncan – coros
• Liza Strike – coros
• Barry St. John – coros

Producción:

Pink Floyd – productores
Alan Parsons – ingeniero de sonido

PINK FLOYD at Pompeii - MCMLXXII (2025 Remastered)

Antes de que The Dark Side of the Moon los convirtiera en un fenómeno global, Pink Floyd era una banda a la deriva en paisajes sonoros cósmicos, impulsada más por la experimentación que por la ambición. "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII", la versión remasterizada en 2025 de su legendario concierto de 1972, captura este momento de transición con una claridad impactante. Presentada sin público en las ruinas de un antiguo anfiteatro romano, esta reedición invita a los oyentes a sumergirse en el corazón de los años de formación de la banda, donde los ecos rebotan en la piedra, la música respira libremente y el futuro aún está por escribir.

ALBUM: Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII (2025 Remastered)

Hay algo inherentemente cinematográfico en Pink Floyd. Desde las texturas melancólicas de "Meddle" hasta la narrativa extensa de "The Wall", esta banda siempre pintó con ambición cinematográfica. Pero mucho antes de que la maquinaria comercial de giras por estadios y mega-álbumes conceptuales tomara el control, existía "Pompeii". Filmada a la sombra del Vesubio, interpretada sin público y ahora renacida en 2025 como "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII", esta icónica grabación finalmente ha recibido la restauración que merece, una que posiblemente no necesitaba.

Sí, los motivos de Sony pueden ser claros. Tras gastar cientos de millones en los derechos del catálogo de Pink Floyd, una reedición pulida de una película de concierto ya reeditada es más una jugada comercial que una resurrección artística. Pero a veces, incluso las ganancias económicas pueden tener una extraña belleza.

El álbum como máquina del tiempo:

Aclaremos esto: si ya tienes la caja de The Early Years o Obfusc/ation de 1972, puede que no necesites esta nueva versión. La remezcla Dolby Atmos de Steven Wilson es elegante y espaciosa, tan sutil que solo los oídos más dedicados notarán la diferencia. Sin embargo, "Pompeii – MCMLXXII" es más que una actualización sonora. Es una invitación a un momento específico: octubre de 1971, cuando cuatro jóvenes entraron en las ruinas de un anfiteatro romano e hicieron eco del sonido a través del tiempo.

Este no es solo un álbum en vivo. Es Pink Floyd antes del maremoto de The Dark Side of the Moon, aún inmerso en exploraciones libres e improvisaciones sobrenaturales. Sin público de estadio, sin teatralidad conceptual, solo instrumentos, aire, luz y piedra.

Ecos entre las cenizas:

El álbum abre con Echoes Part 1, y pocos comienzos musicales se sienten tan inmersivos. El minimalista "ping" del piano de Richard Wright florece en una de las subidas de guitarra más evocadoras de David Gilmour. Hay una contención inquietante, como si invocaran algo de las profundidades de la tierra. La decisión de dividir Echoes en dos partes en este lanzamiento puede frustrar a los puristas, pero la interpretación en sí sigue siendo impresionante.

Video del tema "Echoes" Part 1:

La verdadera joya, sin embargo, es "Careful With That Axe, Eugene". En teoría, es una maravilla de un solo riff. En la práctica, es aterradora. Los susurros de Roger Waters y el grito final explotan como el mismísimo Vesubio, acentuados por los salvajes gruñidos de guitarra de Gilmour y los paisajes sonoros disonantes de Wright. Es uno de esos cortes donde la banda no toca para el público, toca para los fantasmas.

De la aleatoriedad al ritual:

Mucho se ha dicho de "A Saucerful of Secrets" por ser "aleatoria", y quizás todavía lo sea, pero en el mejor sentido. Es el sonido de una banda que intenta articular algo incognoscible. La batería de Nick Mason aquí se siente a la vez tribal y mecánica, mientras que los lamentos sin palabras de Gilmour durante la sección Voces Celestiales se encuentran entre sus interpretaciones más emotivas. En esta versión de 2025, la mezcla le brinda una paleta sonora más amplia para explorar, con su larga melena ondeando al viento como un chamán surrealista del rock.

Luego está "One of These Days". La versión de estudio de Meddle es una tormenta; esta versión es una tempestad filmada en gran angular. La famosa amenaza hablada ("Un día de estos te voy a cortar en pedacitos") impacta con más fuerza cuando no hay público que la aclame. La mezcla de Steve Wilson no intenta reinventar la rueda, pero sí permite que la batería de Mason golpee como olas, implacable y exigente.

Luz solar ancestral y fuego sónico:

"Set the Controls for the Heart of the Sun" merece una mención especial. Es quizás el tema más logrado de este lanzamiento. Los motivos orientales, el pulso hipnótico, la sensación de navegación celestial... es psicodélico, sí, pero no sin rumbo. Hay control y gracia. Los teclados de Wright brillan como olas de calor que surgen de piedras antiguas, y la paciencia de la banda al dejar que la pieza se desarrolle dice mucho de su confianza en esta etapa.

Menos lograda es "Mademoiselle Nobs", un tema de blues novedoso con Dave Gilmour en la armónica y un perro aullando. Es corto e inofensivo, pero su presencia se siente más como una nota al pie que como un final. Quizás sea un momento de ligereza después de la intensidad, pero no está a la altura de la carga espiritual de lo que lo rodea.

La película, el formato y la sensación:

Rodada originalmente en 16 mm y ahora restaurada en 4K, Pompeya – MCMLXXII no es impecable. Algunos podrían encontrar granulado el escalado IMAX. Pero esa es la cuestión. No se trata de un producto pulido, sino de un documento histórico. El contraste visual entre el equipo minimalista de la banda y las enormes ruinas que la rodean sólo refuerza el mito. Sin pirotecnia en el escenario. Sin fans gritando. Solo rock al desnudo.

La idea original del director Adrian Maben, capturar una actuación en directo sin distracciones, funciona incluso mejor ahora que en 1972. Sin el ruido del público, se oye todo. El zumbido de un amplificador. La respiración entre versos. El viento que susurra en el coliseo. Hay espacio para que la música respire y para que el oyente respire con ella.

Y luego está la grabación de la banda de vuelta en Londres, experimentando en Abbey Road con lo que más tarde se convertiría en "The Dark Side of the Moon". Están en el comedor pidiendo el desayuno, riendo, construyendo algo monumental sin darse cuenta aún de lo enorme que llegaría a ser.

Entonces, ¿por qué volver a Pompeya? ¿Por qué ahora?

Porque en 2025, la música rock puede parecer demasiado manipulada, demasiado explicada. Y, sin embargo, aquí tenemos a una banda de hace medio siglo, tocando sin pretensiones, que aún logra sonar como si buscara algo inalcanzable. No se trata solo de nostalgia, se trata de redescubrimiento.

No, no necesitas MCMLXXII si ya tienes una edición anterior. Pero si nunca has experimentado a Pink Floyd antes de The Dark Side of the Moon, o si solo los conocías como leyendas de la radio, este es el disco ideal. Muestra a la banda en transición, experimental, incierta e infinitamente fascinante.

Disco recomendado

Si estás listo para adentrarte más en lo que era Pink Floyd antes de convertirse en un nombre conocido, "Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII" es un capítulo vital. Captura no solo el sonido de una banda en evolución, sino también la sensación de una época en la que hacer música era exploración, no ejecución.

Ya sea que seas nuevo en Pink Floyd o estés buscando reconectarte con la versión de la banda que llevó su incertidumbre con orgullo, este es un álbum y una película que recompensa la escucha atenta y los oídos abiertos.

Video de Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII - Official Trailer:

Tracklist:

Pink Floyd at Pompeii – MCMLXXII – 2025 Remastered

1."Pompeii Intro"
2."Echoes, Part 1"
3."On The Run" (studio footage)
4."Careful With That Axe, Eugene"
5."A Saucerful Of Secrets"
6."Us and Them" (studio footage)
7."One of These Days
8."Set the Controls for the Heart of the Sun"
9."Brain Damage" (studio footage)
10"Mademoiselle Nobs"
11."Echoes, Part 2"

Pink Floyd:

• Roger Waters: bajo, guitarra rítmica en "Mademoiselle Nobs", gong, platillos, gritos y palabras habladas en "Careful with That Axe, Eugene", voz principal en "Set the Controls for the Heart of the Sun", piano adicional en "Echoes".
  
  
• David Gilmour: guitarra principal, guitarra slide, armónica en "Mademoiselle Nobs", voz principal en "Echoes", voz en "Careful with That Axe, Eugene" y "A Saucerful of Secrets", voz adicional en "Set the Controls for the Heart of the Sun".
  
  
• Richard Wright: órgano Hammond, órgano Farfisa, piano de cola, voz principal en "Echoes", VCS 3 en "Pompeii" (introducción).
  
  
• Nick Mason: batería, percusión, fraseo vocal en "One of These Days".

DAVID GILMOUR - Luck and Strange - Album

Los fans de Pink Floyd y, en concreto, del guitarrista David Gilmour están entusiasmados con el lanzamiento este mes de un nuevo álbum titulado "Luck and Strange". La aparición de nuevo material después de 9 años de espera es un acontecimiento y me hizo buscar este disco y escucharlo. 

Es un muy buen disco, con los riffs de guitarra habituales de Gilmour con su sonido muy único, reunidos por algunos músicos excepcionales y una producción de calidad prístina, como cabría esperar. La novedad es que es bastante introspectivo y esto es comprensible ya que Gilmour está envejeciendo y tiene algunos cuestionamientos existenciales. La otra agradable sorpresa es la colaboración de su hija Romany y su hijo Gabriel, que aportan mucha frescura.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música este excelente disco de Dave Gilmour.

 

ALBUM: Luck and Strange

 

Este es el quinto disco en solitario del ex guitarrista y cantante de Pink Floyd, David Gilmour, y el tercero del siglo XXI. Se publicó el 6 de septiembre de 2024. Es una emocionante combinación de canciones bien escritas, de paisajes sonoros ricos y un trabajo de guitarra conmovedor que recuerda a su trabajo en solitario anterior, pero con temas más terrenales e introspectivos. El álbum es rico en capas atmosféricas, que combinan voces etéreas con los tonos de guitarra característicos de Gilmour. Fue grabado durante cinco meses en Brighton y Londres con la contribución de varios músicos, incluido material del fallecido tecladista de Pink Floyd, Richard Wright.

Apareciendo nueve años después del álbum "Rattle That Lock" de 2015, "Luck and Strange" reúne a un elenco de apoyo fresco y familiar. Para producir, Gilmour trae a Charlie Andrew (Alt-J) para guiar a músicos veteranos como Guy Pratt (bajo) y Steve Gadd (batería). Además, su hija, la cantante y arpista Romany Gilmour, juega un papel importante aquí y toma la iniciativa en la hermosa canción "Between Two Points", una versión de la canción dream pop de "The Montgolfier Brothers" de 1999. Como en discos anteriores, la esposa de Dave Gilmour, Polly Samson, actúa como letrista y colaboradora directa.

El tono de "Luck and Strange" es reflexivo, pero no demasiado melancólico, con canciones ricamente imaginativas que exploran futuros inciertos ("A Single Spark"), nostalgia ("Sings"), matrimonio ("Dark and Velvet Nights") y los días felices de una generación (el corte del título, que se basa en una improvisación preexistente de 2007 con el fallecido tecladista de Floyd, Richard Wright). Los arreglos, que incluyen elementos orquestales y corales, son más frescos que en sus trabajos anteriores, equilibrando parte de la introspección del álbum. La agradable sorpresa de la inclusión de la presencia de la hija Romany (así como la de su hijo Gabriel en "The Piper 's Call" y "A Single Spark") es un acierto, ya que contribuye a la sensación de colaboración.

Al escuchar este álbum, los fans de Pink Floyd encontrarán ecos familiares del trabajo anterior de Gilmour, pero "Luck and Strange" es más personal y ofrece momentos de tranquila introspección junto con grandes momentos musicales. En general, este álbum muestra la continua relevancia musical de David Gilmour al combinar su arte atemporal con sonidos contemporáneos.

Disco recomendado

 
David Gilmour ha dicho que es lo mejor que ha hecho desde "Darkside of the Moon". Personalmente creo que es una exageración, pero estoy de acuerdo en que es un muy buen disco en solitario, tal vez el mejor desde que Pink Floyd dejó de existir. "Luck and Strange" sin duda será del agrado de los fans de Pink Floyd y de Dave Gilmour, ya que todos los sonidos característicos están presentes, además de algunas grandes incorporaciones de familiares y colaboradores.

No dejes de buscarlo y después escúchalo.

Video del tema "Between Two Points":

Tracklist - canciones: 

1.         "Black Cat"     Instrumental              1:16
2.         "Luck and Strange"                           6:54
3.         "The Piper's Call"                              5:15
4.         "A Single Spark"                               6:02
5.         "Vita Brevis"  Instrumental              0:46
6.         "Between Two Points" (with Romany Gilmour)      5:46
7.         "Dark and Velvet Nights"                             4:41
8.         "Sings"                                   5:15
9.         "Scattered"     7:26

Ficha:

• David Gilmour – guitarra (todas), piano (1), voz principal (2–4, 7–9), ukulele (3), bajo Höfner (3, 8), órgano Farfisa (3), coros (2-4, 6–8), teclados (6, 9), órgano Hammond (7), bajo (9), piano Leslie (9)
• Richard Wright – piano eléctrico, órgano Hammond (2)
• Romany Gilmour – voz principal (6), coros (2–4, 6–8), arpa (5-6)
• Gabriel Gilmour – coros (3, 4)
• Rob Gentry – sintetizador (1–4, 6, 9), teclados (3, 6, 8-9), piano (4, 6, 8-9), órgano (7)
• Roger Eno – piano (1, 9)
• Guy Pratt – bajo (2, 3, 7–9)
• Adam Betts – percusión (2, 4, 6–9), djembé (3), batería (4)
• Steve DiStanislao – batería (2)
• Steve Gadd – batería, percusión (3, 6–9)
• Tom Herbert – bajo (4)
• Edmund Aldhous – organista y director musical de la catedral de Ely
• Coro de la catedral de Ely – voces
• Coro de Angel Studios – voces
• Orquesta de Angel Studios

Technical:

•  David Gilmour – producción, mezcla, ingeniería de sonido
• Charlie Andrew – producción, mezcla, ingeniería de sonido.

Las 10 Bandas más Influyentes de la Historia y su Legado

¿Cuáles son las 10 bandas más influyentes de la historia de la música?

Un verdadero campo minado que tal vez ni siquiera debería plantearme atravesar, o mejor dicho, intentar definir. Se corre el riesgo de parecer pretencioso, demasiado confiado y, en el peor de los casos, ignorante. Sin embargo, es necesario darle vida a este blog de música y generar algo de reflexión y, sin duda, controversia en el sentido más sano entre melómanos.

Aquí la atención se centra en las bandas más que en los individuos, y la influencia que luego tuvieron en otras bandas y sobre la evolución de la música. Repito, se centra sobre las bandas.

Por supuesto, y esto no hace falta decir, es un planteamiento totalmente subjetivo, y conociéndome a mí mismo, si volviera a repetir este ejercicio dentro de 5 años mi lista podría perfectamente cambiar. Dicho esto, este ejercicio es también una excusa para sacar a relucir algunas bandas brillantes que deberían animar (sacudir) al lector más joven, y no tanto al veterano.

Sé por experiencia y conversaciones que los amantes de la música más joven, los menores de 25 años, tal vez nunca hayan oído hablar de las siguientes bandas. Si ese es el caso y este post anima para investigar y escuchar, entonces mi objetivo se ha cumplido.

Y para meterme en el barro y arriesgarme aún más, voy hacer un ranking de 10 a 1. Sé que me voy arrepentir, pero confío que el lector sabe de antemano que nada está escrito en piedra, y que lo realmente importante es la música, no el ranking en sí mismo.

En definitiva, en la historia de la música rock las siguientes bandas son imprescindibles, aquí no tenemos debate, con lo cual comenzamos.

Las 10 bandas más influyentes de la historia

En mi humilde opinión, de 10 al 1:

Número 10 - The Kinks

El heavy metal siempre tendrá una enorme deuda con Dave Davies (The Kinks). Sus explosivos inicios en el movimiento beat británico, sus incursiones en álbumes conceptuales y baladas acústicas. "The Kinks" han dejado un legado intachable al mundo del rock y los pilares de la música popular tal como la conocemos hoy. A menudo citado como una influencia en algunas de las bandas de art rock y de glam de los años 70.

Ejemplos que me vienen a la mente de grupos que han influenciado; The Doors, Jefferson Starship, The Who, Ramones, The Clash, Blondie, The Jam, Queen, Van Halen, Oasis, Blur ... por mencionar solo algunos.

Video del tema "You Really Got Me":

Un álbum para escuchar "The Kinks Are the Village Green Preservation Society"

Número 9 - The Stooges

No he incluido a los Ramones ni a los Sex Pistols en esta lista porque siento, con razón o sin ella, que ambos (y muchas bandas) se sientan sobre los hombros de "The Stooges".

Mientras que en los años 60 Pete Townshend (The Who) estaba muy influenciado por la autodestrucción, "The Stooges" estaban muy interesados en destruirse a sí mismos. Además de la imagen de lo que es ser una estrella del pop, eran mucho más punk antes que el punk. Se les considera una banda fundamental de proto-punk, que influye en el punk rock y el rock alternativo. Bandas como los Ramones, Joy Division, Blondie, Radio Birdman, Television, Sonic Youth, Nirvana, Soundgarden, Guns N Roses, R.E.M...etc, todas influenciadas por "The Stooges".

Video del tema "I Wanna Be Your Dog":

Un álbum para escuchar "Fun House"

Número 8 - The Who

Un grupo de músicos que realmente no van juntos, que hacen música que estructuralmente no debería funcionar, pero de alguna manera funciona. Y eso es incluso antes de que tengamos el holocausto de sonido que tuvimos con el brillante álbum "Live at Leeds". Con "The Who", es el establecimiento de todo ese concepto de rock opera ("Tommy"). Sí, podría decirse que "The Who" no fueron los primeros, hubo otros que se metieron con todo eso antes, pero "The Who", como ha dicho Pete Townshend en entrevistas, fueron los primeros en lograrlo.

Dicho esto su influencia sobre otras bandas es inmenso, especialmente los grupos power-pop. Ejemplos del abanico de grupos que citan a "The Who": Punk Floyd, Ramones, The Sex Pistols, The Clash, The Jam, Queen, Guns N Roses, Blur, Oasis, Green Day, Pearl Jam...etc y etc.

Video del tema "Who Are You":

Un álbum para escuchar "Live at Leeds"

Número 7 - Cream

Un trío increíblemente poderoso en aquella época que era un engranaje vital en la máquina que era la floreciente escena del proto-metal. Cream, aplaudió con una notable guitarra de Clapton, el bajo esculpido de jazz de Jack Bruce, así como la virtuosa batería de Ginger Baker. Ciertamente, con el peso y el volumen, mucha gente ve a esta banda como un presagio de bandas como "Led Zeppelin", "Black Sabbath" y "The Jeff Beck Group". Es decir, toda esa segunda ola de la invasión británica de Estados Unidos a finales de los 60; además de influir en el rock progresivo, el jazz y la fusión.

Enormemente influyentes, aunque creo que su estrella ha decaído un poco en los últimos años.

Video del tema "Sunshine of Your Love":

Un álbum para escuchar "Disraeli Gears"

Número 6 - The Velvet Underground

La famosa cita, por supuesto, que se atribuye a "Brian Eno", de que todos los que salieron y compraron un álbum de los Velvet, y no eran muchos, en realidad formaron una banda. La primacía de esta música eran las letras del género urbano negro: voyeurista y  sucio (lleno de vicio). Influenciado por el arte y la literatura de vanguardia pasó a influir en el movimiento punk y en los movimientos de rock alternativo de los años 70 y 80.

Me sorprendería que todas las bandas que tocaron en la famosa sala "CBGB" de Nueva York (cuna del punk rock) no tuvieran una copia de un disco de los Velvet Underground.

Video del tema "Sweet Jane":

Un álbum para escuchar "The Velvet Underground and Nico"

Número 5 - Kraftwerk

De los años 80, posiblemente una de las bandas más influyentes del siglo XX. Y, por supuesto, el rock clásico habla de uno de los cambios de paradigma cultural más interesantes de la historia. El movimiento tectónico de "Kraftwerk" fue captado por niños afroamericanos modernos en el Bronx que entendieron el sutil funky de "Daz Robot" y lo usaron como plantilla para crear techno y, por extensión, hip hop. La influencia no termina ahí, hubo una gran influencia en "Brian Eno" y "David Bowie", especialmente en la trilogía de Berlín (los discos "Low" (1977), "Heroes" (1977) y "Lodger" (1979)). Toda la música basada en sintetizadores de los años 80, además de un pie en sentar las bases de cosas como el techno y el Acid House originan de los alemanes.

Las pistas de baile le deben mucho a "Kraftwerk".

Video del tema "Das Model":

Un álbum para escuchar "The Man-Machine" 

Número 4 - Black Sabbath

Ciertamente fueron increíblemente influyentes. Estaban construyendo sobre las bases establecidas por bandas como "Jimi Hendrix Experience" y "Cream". Toda una nueva industria se forjó con esta banda, forjando el sombrío tamborileo de la guitarra de Tony Iommi en las atmósferas cargadas de fatalidad. Aunque es justo decir que las bandas se hacían más ruidosas y pesadas a finales de los 60.

Creo que muchas (sino todas) de las bandas de metal ciertamente tienen algo del ADN de "Black Sabbath".

Video del tema "War Pigs":

Un álbum para escuchar "Black Sabbath"

Número 3  - Led Zeppelin

Posiblemente una de las primeras bandas que grabaron álbumes (tal cual), y ciertamente citada como progenitora tanto del hard rock como del heavy metal. ¿Qué banda de heavy metal de los años 70 y 80, y de la nueva ola de heavy metal británico, no conoce una enorme deuda con Led Zeppelin? La banda sentó la plantilla para cientos de guitarristas y cantantes líderes, aunque Roger Daltrey sostiene que Robert Plant le robó la mirada. Y Steve Marriott también podría tener algo que decir sobre la voz de Robert Plant. Sin embargo, influyeron absolutamente en todos, desde Queen, Aerosmith, Black Crows...etc.

Sería difícil pensar en una banda de hard rock que de alguna manera no estuviera influenciada por ellos.

Video del tema "Communication Breakdown":

Un álbum para escuchar "Led Zeppelin 1"

Número 2 - Pink Floyd

 
Pueden considerarse los arquitectos del space rock psicodélico, aunque el space rock es una etiqueta que Roger Waters odiaría. Quizás se sentiría más cómodo con el rock progresivo basado en el blues. Los años sin Sid Barret los vieron experimentar con sonidos más sonoros y tonos ambient. Es un hecho que "Dark Side of The Moon" y "The Wall" fueron discos increíblemente ambiciosos y únicos (singulares) que lograron un éxito estratosférico. Discos que continuaron informando e influyendo en bandas como Radiohead, Muse, Smashing Pumpkins, etc., y toda la nueva ola de rock progresivo. Y eso es antes de que lleguemos a los años de Sid Barrett.

Dejó una huella imborrable a finales de los años 60. "Piper at the Gates of Dawn" es un momento histórico en la psicodelia británica que hizo que las bandas a menudo abandonaran sus raíces de R & B. Sid Barrett pasó con el paso del tiempo a influir en Blur, Kevin Ayres, Gong, Mark Bolan, Tangerine Dream, Julian Cope y David Bowie. Las canciones de Pink Floyd han sido versionadas por todos, desde R.E.M., Flaming Lips, Placebo, Smashing Pumpkins...y me quedo corto.

Video del tema "Have A Cigar":

Un álbum para escuchar "Wish You Were Here"

Número 1 - The Beatles

A medida que pasaron de la sensación más pop, viva y de la sala "caverna" y lo que obtuvimos con esos primeros discos se convirtieron en compositores serios en 1965, sin duda influenciados por Bob Dylan (Brian Wilson). En lugar de simplemente escribir canciones sobre ese tipo de romance entre chico y chica, estaban empezando a mirar hacia adentro en busca de inspiración. Y en 1966, algo sísmico ocurrió con el álbum "Revolver", un año en el que todo el panorama del rock estaba cambiando y esto ciertamente tuvo un impacto en la composición del álbum "Sergeant Pepper". "Sergeant Pepper" fue increíblemente importante ya que permitió a las bandas alejarse de esa rutina de solo tocar en directo, pasar un poco de tiempo de estudio para grabar, básicamente rellenando con algunos sencillos, para producir álbumes que en sí mismos estaban en funcionamiento de arte.

Sin duda, "The Beatles" fueron fundamentales para mostrar al mundo lo que podría y debería ser un disco de pop. 

Video del tema "Revolution":

Un álbum para escuchar "Revolver"

Ahí están, mis 10 bandas más importantes. Si pudiera tener un número 11, probablemente incluiría a Talk Talk, pocos conocidos en general (quizás no meritorios) aunque virtualmente creó el género post rock, junto quizás con los estadounidenses "Slint". Y si, lo reconozco "Talk Talk" es mi banda fetiche.

Por último omitió a propósito la banda "Jimi Hendrix Experience". Consideré que la personalidad de Jim Hendrix eclipsaba a la banda, por lo que lo veía más como un artista. Pero sí, muy importante, muy influyente. Y para cubrirme de la ola de críticas, lo se, ¿Y donde están "The Doors"?

En fin, una lista para animar conversación y quizás debate, y mucho más importante, animar a buscar las músicas de dichas bandas y escucharlas. Y lo digo con esperanza al lector más joven que quizás aún no conozcan las bandas ni su música.

PINK FLOYD - Animals - Album

Quiero reseñar y recomendar en este blog de música uno de los discos más oscuros del catálogo de Pink Floyd. El disco "Animals" para muchos es el mejor LP de Pink Floyd, con su aura oscura, lúgubre y pesimista envuelta en un álbum conceptual que critica el sistema económico capitalista (especialmente el de Reino Unido de los años 70) y sus efectos alineadores sobre las personas (en particular la clase trabajadores).

Aunque, para mí, no es el mejor trabajo, ciertamente se destaca entre sus otras obras maestras y merece su lugar como un "game changer" y un gran trabajo dentro del género del "rock progresivo".

Un LP muy especial que habla más de lo que suena.

ALBUM: Animals

 
El décimo disco de estudio de la banda de rock inglesa Pink Floyd, publicado el 21 de enero de 1977. Este álbum continúa con las composiciones de larga duración que componían sus trabajos anteriores, como "Meddle" (1971) y "Wish You Were Here" (1975). La portada del LP, concebida por el bajista y compositor principal de la banda, Roger Waters, y diseñada por su colaborador Storm Thorgerson, muestra un cerdo inflable flotando entre dos chimeneas de la "Battersea Power Station".

Considerado una desviación lírica de los álbumes anteriores de Pink Floyd, "Animals" es un trabajo conceptual que se centra en las condiciones sociopolíticas de la Gran Bretaña de mediados de los años 1970. No se lanzaron sencillos de "Animals", pero la banda lo promocionó a través de la controvertida gira "In the Flesh". Digo controvertido porque Roger Waters se volvió cada vez menos tolerable con el público (incluida la infame escena del escupitajo) y sentó las bases para la siguiente obra maestra, "The Wall".

Con este telón de fondo, y aparte de los profundos conflictos internos de la banda que ocurrían en ese momento, "Animals" encuentra al grupo creando un sonido turbio y ligeramente sombrío lejos de la atmósfera limpia y estéril de "Wish You Were Here". Las composiciones de Waters y Gilmour y la interpretación general de la banda en "Animals" hablan de un poderoso deseo de regresar al sonido underground. La producción es maravillosa; pesado, espeso, metálico, todo ello manteniendo el sonido espacial característico de la banda.

Este LP está basado en la fábula política de George Orwell "Animal Farm", la letra del álbum describe varias clases de la sociedad como diferentes tipos de animales: los perros depredadores, los despóticos cerdos despiadados y el rebaño de ovejas "sin sentido e incuestionable". La novela de Orwell se centra en el estalinismo, el álbum es una crítica del capitalismo y se diferencia nuevamente en que las ovejas eventualmente se levantan para dominar a los perros. Este álbum también es en parte una respuesta al movimiento punk rock, que creció en popularidad como una declaración nihilista contra las condiciones sociales y políticas prevalecientes, y también una reacción a la complacencia y nostalgia general que parecía rodear a la música rock.

"Animals" está estampada por todas partes con Roger Waters, sin embargo, la guitarra de David Gilmour domina, y los teclados de Richard Wright rara vez se elevan por encima de un fondo que crea el ambiente. Esto le da inmediatez a la música y, de hecho, aumenta el ambiente oscuro dándole poder. También hace que "Animals" sea lo más accesible posible, ya que surge con audaces líneas de guitarra de blues-rock y texturas hipnóticas de rock espacial. Sin embargo, a pesar de todo, la oscuridad del espíritu de Waters sigue siendo cierta, y dado que no hay ganchos vocales ni melodías, todo depende del estado de ánimo, las letras casi nihilistas y la gran guitarra de Gilmour.

La escala del trabajo es pura audacia. Se trata de todo el contexto de su época, de toda la cultura que prevalece, de la interminable carrera de ratas. Así, "Animales" tiene una cualidad sostenida de rabia, de rebelión, de rechazo. El primer paso en una rebelión es el reconocimiento; conciencia; identificar la causa de la miseria. Esto es lo que hace Pink Floyd aquí. Inquietud política cerebral y convincente con composiciones sonoras de hard rock e inquietantes. Hay magníficas texturas sonoras y una virtuosa musicalidad. El resultado final es un álbum de art rock casi perfecto.

Yo coloco "Dark Side of The Moon", "Wish You Where Here" y "The Wall" como mis tres mejores discos de Pink Floyd. Sin embargo, "Animals" ocupa el cuarto lugar y fácilmente podría haber estado en el Top 3 si no hubiera sido tan sombrío y político. Para muchos, críticos incluidos, "Animales" es para ellos el mejor.

Volvamos a mi opinión personal. "Animales" reconozco, es un poco difícil de abordar. Las letras son sombrías, las canciones son largas y la estética es bastante vaga (encaja perfectamente en la portada del álbum). Sin embargo, si puedes profundizar en él, probablemente encontrarás que es uno de los álbumes más gratificantes de Pink Floyd en su discografía. Generalmente se olvida "Animals", pero sigue siendo uno de los mayores logros de Pink Floyd.

 

Disco recomendado

 
De todos los álbumes de la era clásica de Pink Floyd, "Animals" es quizás el más extraño y oscuro, un disco que es difícil de aceptar inicialmente pero que termina dando muchas recompensas. "Animals" es más que un simple signo de los tiempos, es también otra obra maestra de una banda que en el momento de su lanzamiento no podía equivocarse.

Una cosa que no se puede negar es que es una obra maestra del rock progresivo.

Video del tema "Sheep":

Tracklist (original LP). Canciones de Pink Floyd "Animals":

Cara A:

1.         "Pigs on the Wing (Part One)"           1:24
2.         "Dogs" 17:04

Cara B:

1.         "Pigs (Three Different Ones)"           11:28
2.         "Sheep"           10:20
3.         "Pigs on the Wing (Part Two)"          1:24

Ficha técnica:

• David Gilmour: voz principal (2), guitarra principal (2–4), bajo (3, 4), guitarra acústica (2), talk box (3)
• Roger Waters: voz principal, voz armónica (2, 3), guitarra acústica (1, 5), guitarra rítmica (3, 4), bajo (2), efectos de cinta (3, 4), vocoder (2–4), concepto de manga
• Richard Wright: órgano Hammond (2–4), sintetizador de cuerdas ARP (2–4), Fender Rhodes (2, 4), Minimoog (2, 4), órgano Farfisa (2), piano (3), clavinet (3) , EMS VCS 3 (4), voces de armonía (2)
• Nick Mason: batería, percusión (2–4), efectos de cinta (4), gráficos

Músicos adicionales:

• Snowy White - solo de guitarra (en la versión de 8 pistas de "Pigs on the Wing")

Producción:

• Pink Floyd - productores musicales
• Brian Humphries - ingeniero de sonido

PINK FLOYD - Wish You Were Here

PINK FLOYD (Banda)

Pink Floyd es una de las bandas más emblemáticas e influyentes de la historia de la música. Su legado musical sigue vigente hasta el día de hoy, y uno de sus álbumes más icónicos es "Wish You Were Here". Un clásico atemporal que sigue inspirando a generaciones de músicos y amantes de la música. En este blog post, te invito a explorar en detalle el álbum "Wish You Were Here" de Pink Floyd, desde su contexto histórico hasta su impacto en la música contemporánea.

Una introducción al álbum "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here" es el noveno álbum de estudio de Pink Floyd, y se publicó en septiembre de 1975. Fue el sucesor del aclamado álbum "The Dark Side of the Moon" y es considerado uno de los mejores trabajos de la banda. En este álbum, Pink Floyd explora temas como la fama, la vida en la carretera, la locura y la ausencia. "Wish You Were Here" es un viaje musical épico que cuenta con algunas de las canciones más icónicas de la banda.

El contexto histórico y cultural de su lanzamiento 

 
En 1975, el mundo estaba en plena Guerra Fría y la música estaba experimentando una revolución cultural. El rock progresivo estaba en su apogeo y Pink Floyd se encontraba en el pináculo de su éxito comercial y creativo. "Wish You Were Here" es una reflexión sobre la condición humana en la sociedad moderna y su lanzamiento coincidió con una época de cambio y transformación en todo el mundo.

Los miembros de Pink Floyd en la época del álbum

 
La banda estaba compuesta por Roger Waters en el bajo y la voz, David Gilmour en la guitarra y la voz, Richard Wright en los teclados y Nick Mason en la batería. Durante la grabación del álbum, la tensión entre los miembros de la banda era alta debido a las diferencias creativas y personales.

A pesar de las tensiones, los miembros de Pink Floyd lograron trabajar juntos para crear un álbum que se ha convertido en un clásico de la música. La colaboración entre Roger Waters y Dave Gilmour en las letras y la música fue especialmente destacada en este álbum, y la habilidad de Wright en los teclados se puede escuchar claramente.

En resumen, es un disco que refleja la época en que fue creado y sigue siendo relevante hoy en día. La combinación de la música, las letras y el contexto histórico y cultural lo convierten en una obra maestra de Pink Floyd y del rock en general.

Examen de las canciones del álbum

 
El álbum "Wish You Were Here" cuenta con cinco canciones épicas, cada una con su propio sonido y significado. A continuación, analizaremos cada una de ellas:

• "Shine On You Crazy Diamond"

Está canción de apertura es una oda al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, quien había desaparecido en la oscuridad de la fama y la locura. La canción se divide en dos partes y es una de las míticas de la banda. "Shine On You Crazy Diamond" es un testimonio del inmenso talento y genio de Syd Barrett. 

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia que siente la banda por la pérdida de su amigo y compañero de banda. La música es una mezcla de rock progresivo y jazz, con solos de saxofón y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Además, la canción es un homenaje a la creatividad y originalidad de "Syd Barrett", quien fue una gran influencia en la música de Pink Floyd. Su legado sigue vivo en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

• "Welcome to the Machine"

Esta canción es una crítica a la industria musical y a la forma en que las estrellas son forjadas y manipuladas por el sistema. La canción presenta una atmósfera oscura y experimental.

La letra del tema habla sobre la pérdida de la individualidad y la creatividad en la música, y cómo el sistema trata a los artistas como productos en vez de seres humanos. La música es una mezcla de rock progresivo y electrónica, con efectos de sonido que crean una atmósfera inquietante y desconcertante.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de la autenticidad y la originalidad en la música, y de la necesidad de mantenerse fiel a uno mismo en un mundo cada vez más comercial y homogéneo.

• "Have a Cigar"

Esta canción es una sátira sobre la industria musical y los ejecutivos que manejan la carrera de los artistas. La canción presenta un sonido de rock duro y una letra sarcástica y divertida. "Have a Cigar" es una de las canciones más populares de la banda.

La letra de la canción habla sobre las falsas promesas y la hipocresía de los ejecutivos de la industria musical, que tratan de explotar a los artistas para su propio beneficio. La música es una mezcla de rock y blues, con un solo de guitarra que es uno de los más icónicos de la banda.

Esta canción es un recordatorio de la importancia de mantenerse fiel a uno mismo y de no dejarse manipular por los intereses de los demás. Es una crítica divertida y satírica a la industria musical y a la forma en que funciona.

• "Wish You Were Here"

Esta canción es una balada emotiva y conmovedora sobre la ausencia y la nostalgia. La canción presenta un sonido acústico y una letra que habla directamente al corazón. "Wish You Were Here" es uno de los mayores éxitos de Pink Floyd y se ha convertido en un himno para muchas personas.

La letra de la canción habla sobre la pérdida y la nostalgia por alguien que ha desaparecido, ya sea por la muerte o por la distancia. La música es una mezcla de rock acústico y folk, con un solo de guitarra que es uno de los más emotivos de la banda.

Esta canción es un homenaje a todas las personas que han perdido a alguien importante en sus vidas, y un recordatorio de la importancia de valorar y apreciar a las personas que tenemos a nuestro alrededor.

• "Shine On You Crazy Diamond (Parts VI-IX)"

Esta canción final es una continuación de la primera canción del álbum y es una oda final a "Syd Barrett". La canción presenta una atmósfera cósmica y experimental y es una de las favoritas de los fans de Pink Floyd.

La letra de la canción habla sobre la tristeza y la nostalgia por la pérdida de Syd Barrett, y sobre la importancia de su legado en la música de Pink Floyd. La música es una mezcla de rock progresivo y psicodélico, con solos de guitarra y teclado que crean una atmósfera única y emocionante.

Esta canción es un homenaje final a "Syd Barrett" y a su legado en la música de Pink Floyd. Su influencia sigue siendo evidente en la música de la banda y en la memoria de sus fans.

El proceso creativo detrás de "Wish You Were Here"

 
Es uno de los grandes álbumes de Pink Floyd, pero su creación no fue fácil. La banda enfrentó tensiones internas y desafíos creativos para dar vida a este trabajo maestro. El concepto original del álbum se centraba en la muerte y la ausencia, pero la banda decidió incluir temas más generales en las canciones para llegar a un público más amplio.

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour fue esencial para la creación del álbum, pero también hubo momentos de tensión y conflictos creativos. Ambos músicos tenían diferentes enfoques en cuanto a la dirección musical que debía tomar el álbum, pero finalmente lograron trabajar juntos.

La inspiración de Syd Barrett

Syd Barrett, el fundador de Pink Floyd, fue una gran inspiración para el sonido y la atmósfera de "Wish You Were Here". Barrett había dejado la banda antes debido a su salud mental, pero su legado creativo nunca desapareció de la mente de sus antiguos compañeros de banda. Su estilo musical experimental y su enfoque en la improvisación y la creatividad inspiraron a Pink Floyd a explorar nuevos sonidos y a crear un álbum que rompiera con las convenciones musicales.

La colaboración entre Roger Waters y David Gilmour

 
Roger Waters y David Gilmour eran los principales compositores, y su colaboración fue esencial para la creación del disco. A pesar de las tensiones entre ellos, su creatividad conjunta resulta en algunos de los momentos más emotivos e impactantes del álbum. La canción "Shine On You Crazy Diamond" es un ejemplo perfecto de la colaboración entre Waters y Gilmour, con su emotiva letra y su impresionante solo de guitarra.

La producción y grabación del álbum

 
"Wish You Were Here' se grabó en los estudios Abbey Road en Londres, y la producción estuvo a cargo de Pink Floyd y de Brian Humphries. El LP presenta una gran cantidad de efectos de sonido y grabaciones de campo, lo que le da un sonido experimental e innovador. La canción "Welcome to the Machine" es un ejemplo perfecto de esto, con sus efectos de sonido mecánicos.

El impacto y legado de "Wish You Were Here"

 
"Wish You Were Here' es uno de los álbumes más icónicos en la historia de la música. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Pero, ¿qué hace que este álbum sea tan especial?

La recepción crítica y comercial

El éxito comercial de "Wish You Were Here" fue impresionante. El disco vendió millones de copias en todo el mundo y se convirtió en uno de los LPs más vendidos de Pink Floyd. Además, fue aclamado por la crítica. Los críticos de música elogiaron la música, las letras y la producción del álbum. El álbum se convirtió en un parte-aguas para la banda y se considera uno de los mejores trabajos de Pink Floyd.

La música es una mezcla de rock progresivo, psicodélico y música experimental. Las letras profundas y emotivas tratan temas como la alienación, la fama y la muerte. La canción principal del álbum, "Wish You Were Here", es una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y ha sido versionada por muchos artistas.

 

El lugar de "Wish You Were Here" en la discografía de Pink Floyd

 
Es un álbum esencial en la discografía de Pink Floyd. Se encuentra entre los trabajos más emblemáticos y respetados de la banda, y representa una evolución en su sonido y en su forma de hacer música. Además, el álbum marca la transición de Pink Floyd de una banda de rock progresivo a una banda de rock más experimental.

El disco fue creado después del éxito de "The Dark Side of the Moon", otro gran álbum de Pink Floyd (mi favorito de todos). La portada de este álbum, del fotógrafo y artista Storm Thorgerson, muestra a dos hombres estrechándose la mano en llamas, y es una metáfora de la industria musical y de cómo puede destruir a las personas que están involucradas en ella.

La influencia del álbum en la música contemporánea

 
"Wish You Were Here" ha sido una gran influencia en la música contemporánea. Artistas de todo el mundo han citado a Pink Floyd como una influencia importante en su música, y este álbum en particular ha inspirado a muchas personas a crear música honesta y emotiva.

La música de Pink Floyd ha sido una inspiración para muchos artistas de rock, metal, electrónica y música experimental. La música de este disco ha sido sampleada y versionada por muchos artistas de hip hop y electrónica. La canción "Shine On You Crazy Diamond" ha sido utilizada en películas y programas de televisión, y ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo a David Gilmour, el guitarrista de Pink Floyd.

En resumen, es un grandísimo álbum que ha tenido un impacto significativo en la cultura popular y en la música contemporánea. La música y las letras de Pink Floyd han sido una inspiración para muchas generaciones de músicos y fans de la música. Este álbum seguirá siendo una influencia en la música durante muchos años más.

Disco recomendado

"Wish You Were Here" es un álbum que sigue inspirando a generaciones de fans de la música. Desde su contexto histórico y cultural hasta el proceso creativo detrás de su creación, este disco representa una de las cumbres de la música en el siglo XX. Si no has escuchado "Wish You Were Here" antes, te animo que lo hagas. Es una obra maestra que sigue resonando en muchos corazones y mentes hasta el día de hoy.

Video del tema "Have a Cigar":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Shine On You Crazy Diamond" (Parts I to V)                   13:32
2.         "Welcome to the Machine"                7:28 

Cara B: 

1.         "Have a Cigar"                       5:08
2.         "Wish You Were Here"                     5:35
3.         "Shine on You Crazy Diamond" (Parts VI to IX)    12:28
 

Ficha técnica:

Músicos:

• David Gilmour: voz, guitarras, pedal steel guitar, EMS Synthi AKS, bajo adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
• Roger Waters: voz, bajo, EMS VCS 3, guitarra adicional, armónica de cristal, efectos de cinta
• Richard Wright: órgano Hammond, conjunto de cuerdas ARP, Minimoog, piano Steinway, EMS VCS 3, Hohner Clavinet D6, piano eléctrico Wurlitzer EP-200, piano Rhodes, armónica de cristal, coros
• Nick Mason: batería, percusión, timbales, platillos, efectos de cinta 

Músicos adicionales:

•  Dick Parry - saxofono tenor y baritono en "Shine on You Crazy Diamond"
• Roy Harper - voz en "Have a Cigar"
• Venetta Fields - coros
• Carlena Williams - coros

Producción:

• Brian Humphries - ingeniero de sonido

La canción: Wish You Were Here

Quizás la más popular del álbum "Wish You Were Here".  David Gilmour y Roger Waters colaboraron en la escritura de la música, con Gilmour como vocalista principal.

Significado

La letra está inspirada en un sentimiento de nostalgia por la ausencia de un ser querido, y dedicada al antiguo miembro de la banda, Syd Barrett, que dejó la misma en 1968 por problemas mentales. Sin embargo, en el documental "The Story of Wish You Were Here", Gilmour y Waters describen por separado el concepto original que difiere de esta interpretación. Roger Waters, describe la letra como dirigida a sí mismo. Estar presente en la propia vida y liberarse para experimentar verdaderamente la vida es un tema principal en esta canción. Gilmour, por su parte, reconoce que nunca interpreta la canción sin recordar a Syd Barrett.

La disputa en curso entre Gilmour y Rogers parece haberse derramado en la interpretación de esta canción. Por lo tanto, todavía lo deja abierto a la interpretación.

La canción ha sido un gran éxito comercial, tanto en su lanzamiento original como en reediciones y versiones posteriores. Se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de Pink Floyd y una de las favoritas de los fans en todo el mundo. "Wish You Were Here" ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, y su mensaje simple sobre la pérdida y el anhelo de conexión emocional tiene una resonancia profunda.

Letras de Pink Floyd "Wish You Were Here":

Canción - Original Inglés:

So, so you think you can tell
Heaven from hell
Blue skies from pain
Can you tell a green field
From a cold steel rail
A smile from a veil
Do you think you can tell

Did they get you to trade
Your heroes for ghosts
Hot ashes for trees
Hot air for a cool breeze
Cold comfort for change
Did you exchange
A walk on part in the war
For a lead role in a cage

How I wish
How I wish you were here
We're just two lost souls
Swimming in a fish bowl year after year
Running over the same old ground
What have we found
The same old fears
Wish you were here

Traducido al Español:

Así que crees que puedes distinguir
el Paraíso del Infierno,
el cielo azul del dolor.
Puedes distinguir un campo verde
de un frío raíl de acero
Una sonrisa de un velo
Crees que puedes distinguirlo

Te hicieron cambiar
tus héroes por fantasmas
cenizas ardiendo por árboles
aire cálido por una brisa fresca
el frío confort por el cambio
Cambiaste un rol secundario en la guerra
por un papel protagonista en una jaula

Cómo desearía que estuvieras aquí
Sólo somos dos almas perdidas
nadando en una pecera,
año tras año,
corriendo sobre el mismo viejo suelo.
Y, qué hemos encontrado
Los mismos viejos miedos…
Ojalá estuvieras aquí