THE BUGGLES - The Age of Plastic - Album

Esta es una pregunta muy común: ¿quién fue la primera banda que salió en MTV? "The Buggles" aseguraron su lugar en la historia de la música pop siendo los primeros. El vocalista y bajista Trevor Horn y el teclista Geoff Downes formaron el dúo de electro-pop después de conocerse como músicos de sesión. El disco que les dio un lugar en la "historia del pop" es su debut "The Age of Plastic".

Muy divertido escuchar este LP y, aparte de los cuidadosos temas líricos, hay mucho que elogiar en la ejecución del disco, tanto desde el punto de vista de la interpretación como de la producción.

Quiero recomendar este álbum a los lectores de este blog de música.

¿Quiénes eran la banda "The Buggles"?

 
Banda inglesa de new wave formada en Londres en 1977 por el cantante y bajista Trevor Horn y el teclista Geoff Downes. Son mejor conocidos por su sencillo de 1979, "Video Killed the Radio Star", que encabezó la lista de singles del Reino Unido y alcanzó el número uno en otros 15 países y fue elegida como la canción para lanzar MTV en 1981.

Poco después del lanzamiento del álbum, Horn y Downes se unieron a la banda de rock progresivo "Yes", grabando y realizando la gira para promocionar el álbum "Drama". Después de la gira, "Yes" se disolvió en 1981. En 1982, "The Buggles" lanzaron un segundo álbum, "Adventures in Modern Recording". Su falta de éxito comercial provocó la disolución del grupo.

Geoff Downes se unió a su ex compañero de banda "Yes" Steve Howe para formar el supergrupo "Asia", junto con John Wetton (antes de King Crimson) y Carl Palmer (antes de Emerson, Lake & Palmer), que se hizo famoso con el éxito de 1982 el sencillo "Heat of the Moment".

Trevor Horn continuó como productor discográfico trabajando con ABC, Frankie Goes to Hollywood, Malcolm McLaren, Grace Jones, Pet Shop Boys, Art of Noise, Seal, Lisa Stansfield, Spandau Ballet, LeAnn Rimes, Simple Minds, Tina Turner, Paul McCartney, Tom Jones, Cher, Belle and Sebastian, Robbie Williams, etc. De hecho, es uno de los grandes productores discográficos de los años 80 y 90, una auténtica eminencia.

 

ALBUM: The Age of Plastic

 
El LP debut del dúo inglés new wave "The Buggles", publicado el 28 de noviembre de 1979. Un álbum conceptual sobre las posibles repercusiones de la tecnología moderna. El título nació de la intención del grupo de ser un "grupo plástico" y el álbum fue producido a raíz del éxito de su primer single, "Video Killed the Radio Star" (1979). La mayoría de las otras canciones del álbum fueron escritas durante la promoción del sencillo.

Trevor Horn estuvo influenciado principalmente por el álbum de Kraftwerk de 1978 "The Man-Machine" y buscó métodos de grabación poco convencionales para "The Age of Plastic". Varios números cuentan con contribuciones del vocalista Bruce Woolley, quien dejó el grupo a mitad de producción.

Se incluyen ocho canciones en "The Age of Plastic": "Living in the Plastic Age", "Video Killed the Radio Star", "Kid Dynamo", "I Love You (Miss Robot)", "Clean, Clean", "Elstree", "Astroboy (And the Proles on Parade)" y "Johnny on the Monorail". Todos tienen un hilo conductor y un tema narrativo lírico relacionado con la intensa nostalgia y ansiedad sobre los posibles efectos de la tecnología moderna.

No obstante, la característica más destacada de este disco es la alta calidad del sonido y la producción para su tiempo. Si bien la mayoría de los instrumentos son electrónicos, el sonido aún tiene tonos cálidos y expresivos. Las voces son muy buenas, y ya anticiparon el "autotune".

Su enorme y divertido single "Video Killed the Radio Star" atrajo la atención y el estrellato internacional de "The Buggles", pero era sólo una canción de las fascinantes y futuristas visiones de "The Age of Plastic". El LP presenta un mundo donde la tecnología se ve tal como es, llena de promesas y de implicaciones aterradoras. Por ejemplo, en "I Love You Miss Robot", una historia de amor metafórica con un robot que explora la relación del hombre moderno con la tecnología y su dependencia de ella. Como en "Kid Dynamo", una canción que cuestiona la pérdida de imaginación que azota la era de los medios de comunicación.

Sin embargo, alejándote de los "conceptos", "The Age of Plastic" es un disco divertido que no necesita tomarse demasiado en serio. La variedad es la constante y las pistas varían desde el pop hasta los números más oscuros y vibrantes. Con "The Age of Plastic", Horn y Downes imprimieron una imagen imborrable en la psique pop colectiva.

En resumen, es fascinante, melodramático e innovador para 1979. Llámelo cosmic-rock, funk, electrónica, disco, lounge, drama operístico, etc., ahora se considera pop visionario. "The Age of Plastic" influyó en muchos artistas y bandas. Formaciones francesas populares como Justice, Daft Punk y Phoenix han declarado que han sido influenciados por este disco. Algunos críticos han afirmado que se destaca como uno de los mejores LPs de synthpop de todos los tiempos.

 

Disco recomendado

 
Una obra maestra del electropop de principios de los 80. También es un disco para ser estudiado por músicos, ya que es una clase magistral en la creación de ganchos melódicos, sin mencionar las técnicas de producción. Un disco que quizás no sea del gusto de todos, especialmente para el oído más joven, es una escucha genial y divertida de muy buen synth pop.

Video del tema "Video Killed The Radio Star":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Living in the Plastic Age"    5:13
2.         "Video Killed the Radio Star"           4:13
3.         "Kid Dynamo"           3:29
4.         "I Love You (Miss Robot)"   4:58 

Cara B:

1.         "Clean, Clean"            3:53
2.         "Elstree"          4:29
3.         "Astroboy (And the Proles on Parade)"        4:41
4.         "Johnny on the Monorail"      5:28

AC/DC - If You Want Blood (LIVE) - Album

Estaba revisando mi colección de discos y encontré el LP de AC/DC en directo de 1978 titulado "If You Want Blood". Qué sonido, qué energía, cuánto se echa de menos a Bon Scott y qué banda. Puro hard rock and roll como debe ser y sonar, un LP imprescindible para seguir escuchándolo y para transmitir a tus hijos para su educación musical.

Quiero recomendar esto a los lectores, lectores más jóvenes, que tal vez no estén familiarizados con el álbum en vivo "If You Want Blood".

ALBUM: If You Want Blood

 
El primer disco en directo de la banda australiana AC/DC y su único álbum en vivo con Bon Scott como vocalista principal. Esta grabación a menudo se considera uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos. Se publicó originalmente en el Reino Unido y Europa el 13 de octubre de 1978, en los EE. UU. el 21 de noviembre de 1978 y en Australia el 27 de noviembre de 1978. La grabación se realizó en el "Teatro Apollo" de Glasgow, Escocia, el 30 de abril de 1978.

Me encanta la portada del álbum. Una foto del fotógrafo Jim Houghton. Además, los productores Harry Vanda y Georg Young hacen un gran trabajo y pudieron captar la interpretación de alto voltaje del grupo. La banda es impecable y enérgica, Bon Scott está "on fire" y también los hermanos Young. La lista de canciones que tocaron esa noche también es deliciosa para cualquier fanático de AC/DC o del hard rock.

AC/DC cimenta su reputación y deja una huella histórica en las electrizantes presentaciones en vivo de la banda: la energía y las travesuras incesantes de Angus Young, la increíble voz de Bon Scott y la inclinación del resto de la banda por lograr riffs y ritmos simples, pero extremadamente efectivos y memorables. AC/DC simplemente se especializó en el hard rock crudo y blues, como se evidencia en este "If You Want Blood You've Got It".

Grabado durante su gira mundial en promoción de su álbum de estudio "Powerage", "If You Want Blood You´ve Got It" contiene muchas de las mejores composiciones de AC/DC hasta ese momento: "Bad Boy Boogie", "The Jack", "Problem Child ", "Whole Lotta Rosie", "Alto voltaje", "Let There Be Rock" y "Rocker". Se podría decir que la mayoría de las versiones de estudio de estas canciones son superiores y que la selección de canciones podría haber sido mejor seleccionada (agregando tal vez gigantes como "Jailbreak", "It's A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)", "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" o "Down Payment Blues" hubieran sido maravillosos), pero este álbum muestra a AC/DC como una gran banda en vivo y en gran forma.

Video del tema "Let There Be Rock":

Hecha esta observación, no seamos demasiado duros. Re-examinamos la lista de canciones: encontrarás las mejores canciones de cada álbum de estudio anterior. "Riff Raff" y "Rock 'n' Roll Damnation" (de Powerage); "Hell Ain't A Bad Place To Be", "Whole Lotta Rosie", "Let There Be Rock" y Bad Boy Boogie" (de Let There Be Rock); "Problem Child" (de Dirty Deeds Done Dirt Cheap); "The Jack", "Alto Voltaje" y "Rocker" (de T.N.T.)... ¡guau!

Es simplemente, sin discusión, una de las mejores grabaciones en directo de una banda a punto de caramelo para conquistar el mundo, triste pero brevemente interrumpida por la trágica muerte de Bon Scott. La crudeza junto con su sublime artesanía queda magníficamente captada en esta grabación. Sumado a esto el ingenio diabólico y las habilidades vocales difíciles de repetir de Bon Scott para crear una oferta en vivo perfecto y entretenido. Puedes entender por qué muchos consideran a Scott uno de los mejores cantantes del rock n roll de todos los tiempos.

En pocas palabras, Bon Scott ruge, los solos y el trabajo principal de Angus Young arden y arden, y la triple sección rítmica de Malcolm Young, Cliff Williams y Phil Rudd avanza sin descarrilarse. Es acojonante.

Disco recomendado

Rock "old school" tocado por una banda en la cima de su arte. Este álbum, ahora un clásico del hard rock en todos los sentidos, es icónico. Uno de los grandes "álbumes en vivo" jamás editados y una experiencia auditiva esencial para cualquier joven seguidor, amante o fan del rock n roll. No puedo recomendar más esta pieza de magia.

Un disco 5/5 ★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Whole Lotta Rosie":

Tracklist - canciones (Original):

1.         "Riff Raff"    
2.         "Problem Child"        
3.         "Hell Ain't A Bad Place To Be"       
4.         "Rock n Roll Damnation"     
5.         "Bad Boy Boogie"    
6.         "Dog Eat Dog"          
7.         "The Jack"      
8.         "High Voltage"          
9.         "Whole Lotta Rosie" 
10.       "Let There Be Rock" 
11.       "Fling Thing" 
12.       "Rocker"

Personal:

• Bon Scott - voz principal
• Angus Young - guitarra solista
• Malcolm Young - guitarra rítmica, coros
• Cliff Williams - bajo, coros
• Phil Rudd - batería

Producción:

• Harry Vanda y George Young.

Video del tema "Riff Riff":

ARCHIE SHEPP - Four for Trane - Album

Voy a recomendarte un brillante disco de jazz de los años 60 (siglo xx). Un álbum tributo de un estudiante y amigo a su mentor e ídolo.

Archie Shepp es un brillante intérprete de jazz en el estilo "avant garde" influenciado por John Coltrane. Shepp fue alumno de Coltrane y tocó con él y cuando Shepp siguió su "propio camino" grabó y editó "Four for Trane", un maravilloso LP que quiero atraer la atención de los melómanos y lectores de este blog de música.

¿Quién es el músico de jazz "Archie Shepp"?

 
Archie Shepp es un saxofonista, compositor, educador y dramaturgo de jazz estadounidense que desde la década de 1960 ha desempeñado un papel central en el desarrollo del jazz de vanguardia. Encarnó el lado radical y experimental del jazz de los años 60, pero luego se convirtió en uno de los mayores más venerados y respetados del género.

Nacido en Florida en 1937 pero criado en Filadelfia, Sheep estudió piano, clarinete y saxofón alto durante la escuela primaria y secundaria antes de centrarse en el saxofón tenor. Su carrera es larga, muy larga y con una discografía "interminable" estando todavía en activo en la actualidad.

De su larga y extensa lista de grabaciones, quiero recomendar el disco de 1965 "Four for Trane", un maravilloso LP de jazz y un homenaje a su mentor y amigo John Coltrane.

 

ALBUM: Four for Trane

 
Este es un disco de estudio del saxofonista tenor Archie Shepp publicado en 1965. Cuatro de las cinco canciones fueron compuestas y grabadas originalmente por John Coltrane (publicadas en sus álbumes "Giant Steps" y "Coltrane Plays the Blues") y reorganizadas por Shepp y el trombonista Roswell Rudd. Los otros músicos destacados son el trompetista Alan Shorter (hermano de Wayne), el saxofonista alto John Tchicai, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett (que trabajó con Ornette Coleman). El propio John Coltrane coprodujo el álbum junto a Bob Thiele.

Este álbum fue también el primer papel de Archie Shepp como líder. Lo sobresaliente de este LP es que se mantiene mejor que casi cualquiera de los discos de Shepp después de tantos años. Esto tiene mucho que ver con la banda que eligió para esta sesión y gracias a las habilidades de arreglo del trombonista Roswell Rudd. La banda de "Four for Trane" está formada por Shepp al tenor, John Tchicai al alto, Rudd al trombón, el bajista Reggie Workman y el baterista Charles Moffett. Una verdadera banda de primer nivel.

Comienza el LP con una versión influenciada por el blues, "Syeeda's Song Flute", el hecho es que Shepp le da a todas las canciones una inclinación hacia el blues. La interpretación es ingeniosa, con la crudeza de todo el asunto siendo sencillo. El arreglo de Rudd del tema "Naima" es asombrosamente hermoso: re-armoniza la pieza para el tono del registro medio de Shepp, quien agrega una etiqueta microtonal en el frente y en el fondo, dislocando la melodía antes de que comience y después de que termine, mientras la mantiene fuera del rango de la consonante en todo momento. El único tema original de Archie Shepp es "Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)". Funciona bien en el contexto de esta banda debido a la destreza solista de todos los miembros, particularmente de Tchicai. Apenas hay melodía, los cambios de clave son acordes con los cambios de tempo y los armónicos son del tipo escala móvil. Y centrándonos en Shepp y en su genio, hace de las canciones suyas.

En resumen, cinco números de tempo rápido y ofreciendo un gran LP de "free style".

Disco recomendado

 
"Four for Trane" es un álbum excelente, original y duradero. Un maravilloso disco de Archie Shepp donde interpreta y rinde homenaje a su mentor con cuatro composiciones de Coltrane, dándoles forma a su propio estilo "avant-garde" y tocando un inspirado saxofón tenor acompañado de una fabulosa banda.

En lo que respecta a los álbumes tributo del jazz, este es un clásico y creo que se debe escuchar, especialmente los fans del jazz. Buscarlo.

Video del tema "Naima":

Tracklist (LP original):

Todas las composiciones son de John Coltrane, excepto donde se indique lo contrario (5):

1."Syeeda's Song Flute" – 8:30
2."Mr. Syms" – 7:41
3."Cousin Mary" – 7:14
4."Naima" – 7:09
5."Rufus (Swung His Face At Last To The Wind, Then His Neck Snapped)" (Shepp) – 6:24

Musicos:

• Archie Shepp – saxofón tenor
• Alan Shorter - fliscorno
• John Tchicai – saxofón alto
• Roswell Rudd - trombón, arreglista
• Reggie Workman - contrabajo
• Charles Moffett - batería

ROBERTA FLACK - First Time - Album

Cuando surge la discusión sobre los grandes álbumes de jazz de todos los tiempos, siempre aparecen Miles, Coltrane, Mingus, Coleman, Rollins, Brubeck, etc. Sin embargo, hay un disco (y artista) que debería aparecer con más frecuencia y por alguna razón no aparece, el LP de 1969 "First Take" de Roberta Flack.

Este primer disco de Flack ha sido categorizado como soul, lo que puede explicar la razón anterior de su ausencia en las discusiones sobre "grandes discos de jazz". Sin embargo, si se escucha con atención, es jazz, con piano, bajo y batería sublimes apoyando una hermosa voz.

Quiero destacar y recomendar el LP “First Take” y afirmar que es uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos.

 

¿Quién es la cantante "Roberta Flack"?

 
Roberta Cleopatra Flack es una cantante estadounidense retirada que encabezó las listas de Billboard con los sencillos número uno "The First Time Ever I Saw Your Face", "Killing Me Softly with His Song" y "Feel Like Makin' Love".

Flack fue el primer artista en ganar el premio Grammy a la Grabación del Año en dos años consecutivos: "The First Time Ever I Saw Your Face" ganó en 1973 y "Killing Me Softly with His Song" ganó en 1974.

Aunque la mayoría de la gente categorizaría su sonido como soul y R&B, lo que realmente destaca es su formación y voz en Jazz. Es con su primer disco "First Take" que resalta la brillantez de las habilidades del jazz y hace de este LP sea uno de los mejores discos de Jazz de todos los tiempos.

 

ALBUM: First Take

 
El disco debut de la cantante de soul estadounidense Roberta Flack. Un álbum brillante que aborda cuestiones sociales de una manera filosófica, sencilla y reivindicativa.

Fue publicado el 20 de junio de 1969. La canción en este álbum, "The First Time Ever I Saw Your Face", fue incluida por Clint Eastwood en su película de 1971 "Play Misty for Me", y la canción se convirtió en un número uno en los Estados Unidos, lo que hizo que el álbum alcanzara el número uno en la lista de álbumes de Billboard. Una historia de éxito inesperada, además de ser una maravillosa mezcla de jazz y R & B con influencias clásicas.

Sin embargo, también presentó a una cantante que ha asimilado los modales interpretativos de Sarah Vaughan, el poder de Aretha Franklin y la resonancia emocional de cantantes folk como Judy Collins. Este disco para mí tiene que ver más con el jazz que con el soul. Basta mirar los créditos: un cuarteto principal con Roberta Flack al piano, John Pizzarelli a la guitarra, Ron Carter al bajo y Ray Lucas a la batería. Hay una excepción en el jazz, el tema de apertura "Compared to What", durante el cual Flack demuestra su talento soul.

La experiencia de Roberta Flack como pianista y cantante de formación clásica es evidente a lo largo de este álbum. Su dicción es perfecta y su emoción es sentida y conmovedora. El sencillo acompañamiento de jazz acústico de guitarra, batería y bajo proporciona el apoyo perfecto para el exquisito trabajo de piano con voz de Flack. El álbum tiene siete baladas, incluida la conmovedora interpretación de Flack de "Hey, That 's No Way to Say Goodbye" de Leonard Cohen y su conmovedora interpretación del evangelio tradicional "I Told Jesus".

También encontrarás un par de versiones folk, el exitoso sencillo (dos años después) "The First Time Ever I Saw Your Face" y "Hey, That 's No Way to Say Goodbye". Su arreglo del tradicional "I Told Jesus" tiene un poder hirviente, mientras que "Ballad of the Sad Young Men" evoca una sensación de melancolía. Flack también incluye dos canciones de su amigo de la universidad y futuro compañero de dueto, Donny Hathaway; un tierno examen del clásico "Our Ages or Our Hearts".

Ningún artista de jazz había grabado jamás un álbum como este, lo que convierte a "First Take" en uno de los debuts "soul" más fascinantes de la época. Sí, soul, porque la gente insiste en que este es un álbum de soul, mientras que Flack inicialmente propone su interpretación de jazz. Hermoso y dulce jazz melódico que tiene "soul".

Simplemente escucha "Tryin Times, es sublime (escucha el bajo de Carter):

Luego está la musicalidad, vaya banda. Flack lidera un cuarteto magistral cantando y con piano, junto con Ron Carter (del segundo quinteto de Miles Davis) en particular, profundizando mucho en el bajo, dialogando entre la voz de Flack y sus ritmos profundos. Y esos pinceles de batería de Ray Lucas, tan delicados, acompañados por Bucky Pizzarelli a la guitarra. Es literalmente del más alto nivel.

En resumen, es un álbum que merece ser reconocido como uno de los álbumes de jazz más influyentes de todos los tiempos, una escucha obligada para cualquier persona interesada en el jazz y la música soul. A pesar de haber sido lanzado hace tantos años, "First Take" sigue siendo un trabajo fresco, conmovedor e inspirado que continúa influyendo en muchos músicos de hoy.

 

Disco recomendado

 
Considerándolo todo, "First Take" es uno de los verdaderos grandes del jazz. Una obra maestra que resalta el talento atemporal y la versatilidad como músico de Roberta Flack. Este álbum es un testimonio de la capacidad de Flack para combinar diferentes géneros, incluidos el jazz, el soul y el folk, creando un sonido que ha resistido la prueba del tiempo.

Dicho esto, el público siempre menciona los álbumes de jazz de Miles, Coltrane, etc. en cada conversación sobre los grandes álbumes de jazz. "First Take" siempre debe incluirse al lado y en dicha lista.

Video del tema "I Told Jesus":

Tracklist (formato LP original): 

1.         "Compared to What"             5:16
2.         "Angelitos Negros"                6:56
3.         "Our Ages or Our Hearts"                 6:09
4.         "I Told Jesus"             6:09
5.         "Hey, That's No Way to Say Goodbye"        4:08
6.         "The First Time Ever I Saw Your Face"                   5:22
7.         "Tryin' Times"            5:08
8.         "Ballad of the Sad Young Men"                   7:00

Musicos:

• Roberta Flack - piano, voz
• Bucky Pizzarelli – guitarras
• Ron Carter - bajo
• Ray Lucas - batería, percusión
• Seldon Powell, Frank Wess – saxofón
• Charles McCracken, George Ricci - violonchelo
• Benny Powell – trombón
• Jimmy Nottingham, Joe Newman - trompeta
• Emanuel Green, Gene Orloff – violín
• Alfred Brown, Selwart Clarke, Theodore Israel - viola
• William S. Fischer – arreglos de trompa y cuerdas, dirección de cuerdas

SPONTANEOUS COMBUSTION - Album (1972)

Quiero llamarte la atención sobre un disco perdido, pasado por alto y subestimado. El primer LP de una banda muy, muy joven que se hacían llamar "Spontaneous Combustion" y su álbum debut del mismo nombre.

Sus discos originales ahora son muy valorados por los coleccionistas y su música contribuyó a impulsar aún más el rock progresivo como género musical. Sin embargo, tal vez debido a su juventud e inexperiencia, su oferta y sonido LSD psicodélico clásico de los años 60 desapareció en 1970, y los fans buscaban música más aventurera. Además, la competencia era alta, grupos como Genesis, Yes, Kings Crimson y Jethro Tull estaban dominando la escena.

Dicho esto, su debut es sorprendentemente muy bueno y vale la pena redescubrir.

 

¿Quiénes eran la banda " Spontaneous Combustion"?

 
Una banda inglesa de rock progresivo formada en 1968 con los hermanos Gary Margetts (guitarra, Mellotron, voz principal) y Tris Margetts (bajo, VCS3, voz) y Tony Brock (batería, piano, voz). La banda editó sólo tres álbumes y cuatro sencillos.

Para aquellos a quienes les gusta coleccionar, sus discos originales ahora son preciadas piezas de colección.

Su discografía es la siguiente:

• Spontaneous Combustion (1972)
• Triad (1972)
• Time (1975)

Te recomiendo uno de los discos, un desconocido del rock progresivo, una pequeña joya de 1972 titulado "Spontaneous Combustion".

 

ALBUM: Spontaneous Combustion

 

El primer LP de estudio de la formación de rock psicodélico - progresivo, "Spontaneous Combustion", fue publicado en 1972.

Un notable debut de una banda desafortunadamente de corta duración. Este disco de alta velocidad encontró a Greg Lake (de "King Crimson" y "Emerson, Lake & Palmer") ofreciendo su talento de producción al joven y talentoso trío (unos miembros de entre 16 y 18 años) que contó los hermanos Gary Margetts (guitarra) y Tristian Margetts (bajo), junto con el poderoso baterista Tony Brock.

Un sorprendente producto final, con intrincadas estructuras de guitarra solista y batería con sonido envolvente, fue empaquetado en una portada de álbum diseñada para parecerse a un cómic de gran tamaño.

Su sonido anticipa a "Rush", con muchas melodías en capas y guitarras afiladas, mientras que las voces tienen un estilo muy "Beatles". La estructura del álbum es diversa, desde el enérgico y motivador canción "Leaving" (un favorito) hasta los temas más tenues y atmosféricos. Esta variedad mantiene el LP comprometido e interesado en todo momento.

Pero es la musicalidad de la banda la que para mí es uno de los aspectos más destacados de "Spontaneous Combustion". Sorprende las edades de los chicos de entre 16 y 18 años y cada miembro aporta sus habilidades y estilos únicos a la grabación, lo que da como resultado un sonido cohesivo y potente. El trabajo de guitarra de Gary Margetts es particularmente digno de mención, ya que muestra su versatilidad y capacidad para realizar fácilmente la transición entre diferentes estilos. La batería de Tony Brock es igualmente impresionante y proporciona una base sólida para los complejos ritmos de la banda. Las partes de bajo y sintetizador de Tristian Margetts añaden una capa adicional de profundidad y textura al álbum. Músicos tan jóvenes, pero muy buenos.

 

Disco recomendado

 
En resumen, un gran debut perdido y pasado por alto que merece más atención. Destaca una musicalidad excepcional, habilidades de composición y un enfoque innovador del rock progresivo. La diversa gama de estilos y estados de ánimo del álbum, combinados con su calidad de producción y sonido, lo convierten en una pequeña joya para los fans del rock progresivo. Un trabajo para redescubrir.

Video del tema "Leaving":

Tracklist (formato LP original):

1. Speed Of Light - 5:27
2. Listen To The Wind - 7:47
3. Leaving - 5:13
4. 200 Lives - 2:57
5. Down With The Moon - 7:06
6. Reminder - 10:27 

Músicos:

• Gary Margetts - guitarra, voz principal
• Tristian Margetts - bajo, voz
• Tony Brock - batería, percusión, voz

Greg Lake - productor

Video del tema "Speed of Light":

ALEJANDRO MEOLA - Vivo - Album

He recibido un email de uno de los lectores (espero que sea así) de este blog de música informándome que acaba de editar un nuevo disco y que estará en España en junio presentándolo en Barcelona y Madrid.

Este músico lleva ya una larga trayectoria y se llama Alejandro Meola, me solicita si puedo darle a él, su disco y sus conciertos un poco de bola (promoción). ¿Claro que sí? Entra dentro de la filosofía de este blog, compartir y ayudarnos mutuamente ya que nos une la música.

¿Quién es ALEJANDRO MEOLA (Músico)?

Alejandro Meola es un cantautor y guitarrista argentino-americano radicado en el área de Nueva York (EE.UU) desde 2013. Un músico con raíces en el Folk-Blues, que presenta su nuevo disco “VIVO” el 13 de junio en Barcelona y el 14 de junio en Madrid, dos únicos conciertos programados en España, parte de una gira con presentaciones en las principales ciudades de Estados Unidos, Canadá y México.

Alex Meola celebra más de una década de carrera con dicho disco grabado en vivo en Nueva York, revisitando canciones de su catálogo como “Corazón Aceituna” y “Astrolabio”, pasando por su etapa en Inglés con “Purple” hasta canciones más recientes como “La Madrugada” o los singles “LUX” y “Tiempos Difíciles”.

Si eres de Barcelona o Madrid, o coincide que estarás en España en estas fechas quizás te puede interesar pasar un buen rato y ver a Alejandro en directo. Quizás puedas introducirte y decir hola.

Aquí hay más detalles de la gira española:

• Barcelona: Jueves 13 de junio a las 21hs en Sinestesia. C. Santa Caterina 52, Sants. Taquilla inversa, €15 aporte sugerido para artista independiente en viaje.
  
  
• Madrid: Viernes 14 de junio a las 22hs en Rincón del Arte Nuevo, Calle de Segovia, 17, Centro. €10 anticipadas, €12 en la puerta el día del show.

Para más info y poder ver y escuchar su material aquí está un enlace a su página de YouTube.

Video del tema "La Inmigración" (del disco "VIVO"):

¡Suerte Alex con el álbum y la gira!

TUBEWAY ARMY (Gary Numan) - Replicas - Album

Te propongo un disco brillante y muy innovador lanzado a finales de los 70 (siglo xx) por el grupo principal del británico Gary Numan, "Tubeway Army". Su segundo y último LP (Numan continuaría con su carrera en solitario) "Replicas" es un valiente trabajo conceptual y visionario que abrió la ciencia ficción, la música sintetizada y la tecnología al gran público. Además, brinda una plataforma para toda una línea de bandas de sintetizadores new wave, junto con bandas de rock gótico y música industrial.

 

ALBUM: Replicas

Este es el segundo y último álbum de estudio de la banda inglesa de new wave "Tubeway Army", publicado el 4 de abril de 1979. 

Después de esto, el líder de "Tubeway Army", Gary Numan, continuaría editando discos bajo su propio nombre, aunque los músicos de "Tubeway Army" continuarían trabajando con él durante algún tiempo.

"Replicas" es el primer álbum de lo que Gary Numan más tarde denominó la fase "máquina" de su carrera. Un tema o narrativa que explora la deshumanización por el surgimiento de nuevas tecnologías a través de la robótica. Una visión distópica de ciencia ficción sobre el futuro y la transmutación del hombre-máquina, sumada a un "alter-ego" andrógino y un sonido de rock synth.

El disco es un trabajo conceptual desconectado. No hay una historia cronológica, sino una colección de canciones basadas en un mundo apocalíptico dirigido por "la máquina", que decide que los problemas del mundo son causados por los humanos y por lo tanto se propone exterminarlos. Si bien la ambientación y la letra del álbum se inspiraron directamente en la ciencia ficción de Philip K. Dick, en particular en su libro "Do Androids Dream of Electric Sheep?)?", el título del LP no. El término utilizado es más cercano a Blade Runner (basado en el libro de Dick), sin embargo, la película salió tres años después de este álbum de "Tubeway Army" y Dick nunca usó la palabra "Replicant" en su novela original de 1968.

La portada del álbum es una maravilla. Muestra a Numan como un Machman (robot) mirando desde su habitación. Tomado en perspectiva y en su período de tiempo, la carátula del álbum, el contenido musical y la narrativa son muy innovadores, verdaderamente pionera. Este LP influenciará a muchas bandas y artistas, expandirá el rock gótico y le dará a la música industrial una plataforma y una audiencia más amplia.

El disco fue impulsado por el sencillo #1, "Are 'Friends' Electric?"; el álbum también alcanzó el #1 en las listas del Reino Unido en julio de 1979. En el momento del lanzamiento, Gary Numan era el punto focal indiscutible y líder del "Tubeway Army". La banda había hecho un esfuerzo consciente por simplificar el sonido escuchado en su debut homónimo de 1978; los riffs de guitarra distorsionados se tocaron en sintetizadores Moog, y Numan había perfeccionado su personalidad (alter-ego) futurista. Lo más destacado son muchos de "Replicas"; los temas "Me! I Disconnect from You", "The Machman", "You Are in My Vision" y la brillante composición impulsada por un sintetizador de ondas, la balada "Down in the Park".

Video del tema "Down in the Park":

Con el álbum "Replicas", se presentó el plan para la próxima década o más de música pop impulsada por sintetizadores. Las guitarras toman una posición de apoyo y Gary Numan se centra en capas de sintetizadores atmosféricos, letras paranoicas y claustrofóbicas y en su personalidad de android. Agregue una composición fuerte y nació un prototipo de obra maestra de New Wave.

 

Disco recomendado

 
La magnífica química de la guitarra y el sintetizador creó esta obra de arte. "Replicas" es un álbum brillante cuya influencia durante las próximas décadas no puede subestimarse. Un trabajo innovador y único: sus temas de aislamiento y deshumanización fueron cooptados por completo por la multitud goth, mientras que el sonido sintetizado despegó hacia niveles más brillantes en la cima de las listas. Con el tiempo, Numan también se unió al redil gótico con la llegada del movimiento industrial que había inspirado en gran medida, pero nunca más su trabajo fue tan tremendamente individual e inspirado como en "Replicas". Incluso hoy en día, existen vestigios de "Tubeway Army" en varios géneros.

Definitivamente es un álbum icónico y pionero que es altamente recomendado para los seguidores de la música electrónica industrial, sintetizadora y new wave.

Video del tema ""Are 'Friends' Electric?":

Tracklist - canciones (formato LP original):

1."Me! I Disconnect from You" – 3:23
2."Are 'Friends' Electric?" – 5:25
3."The Machman" – 3:08
4."Praying to the Aliens" – 4:00
5."Down in the Park" – 4:24
6."You Are in My Vision" – 3:15
7."Replicas" – 5:01
8."It Must Have Been Years" – 4:02
9."When the Machines Rock" – 3:15
10."I Nearly Married a Human" – 6:31

Tubeway Army (Músicos):

• Gary Numan – teclados, guitarras, voces, productor, mezcla
• Paul Gardiner - bajo
• Jess Lidyard - batería

BATTLES - Mirrored - Album

Quiero recomendar una banda de rock experimental que se hace llamar "BATTLES" y que traspasan los límites de su oficio con experimentación y musicalidad. Han ganado un lugar en la categoría de post math rock como maestros, pero creo que esto se queda corto, ya que son algo más. Excelentes músicos, se deleitan con la interpretación y las composiciones y en ningún lugar es más evidente que en su primer disco "Mirrored".

¿Quiénes son la banda "Battles"?

 
Un grupo estadounidense de rock experimental, fundado en 2002 en la ciudad de Nueva York por Ian Williams (antes de "Don Caballero" y "Storm & Stress"). La formación actual es un dúo, compuesto por el guitarrista y teclista Williams y el baterista John Stanier (anteriormente de "Helmet", "Tomahawk" y "The Mark of Cain"). Los ex miembros incluyen al compositor y vocalista Tyondai Braxton y al guitarrista y bajista Dave Konopka. La banda ha editado hasta la fecha cuatro álbumes de estudio y el más reciente, "Juice B Crypts", se lanzó en 2019.

La banda es considerada como una de las formaciones de math rock más innovadoras de las décadas de 2000 y 2010, y los críticos elogian el sonido único.

ALBUM: Mirrored

 
El primer disco de estudio de la banda estadounidense de rock experimental "Battles". Fue publicado el 14 de mayo de 2007 en el Reino Unido y el 22 de mayo de 2007 en Estados Unidos. "Mirrored" marcó el primer LP en el que la banda incorporó voces y letras destacadas en sus canciones, ya que los EP anteriores habían sido casi completamente instrumentales.

Este es el rock progresivo que se hace un hueco en la escena indie. Los ritmos angulares y calculados te golpean desde todas las direcciones mientras las guitarras producen riffs en abundancia y voces severamente retocadas que cantan letras distorsionadas. El álbum incluye 11 canciones (12 para la edición japonesa), cada una de las cuales muestra la excepcional maestría musical y habilidades compositivas de la banda. Los números están cuidadosamente elaborados para combinar intrincados pasajes instrumentales con melodías y ritmos pegadizos. Como he aludido la musicalidad de la banda es sin duda uno de los aspectos más destacados de "Mirrored". Cada miembro aporta sus habilidades y estilos únicos, lo que da como resultado un sonido cohesivo y potente.

John Stanier de Helmet y Tomahawk, el guitarrista y teclista Ian Williams de Don Caballero y Storm & Stress, el guitarrista David Konopka de Lynx y el músico solista de vanguardia Tyondai Braxton construyen un álbum que combina krautrock y math rock, al mismo tiempo que crean algo está en una liga propia.

Esta música se crea mediante software y se combina con patrones de guitarra y teclado de una o dos notas. El primer tema "Race: In", es una serie de golpes de aro y líneas de guitarra repetitivas. Los patrones abstractos introducidos por los teclados y la línea de bajo sirven para subrayar la melodía, por compleja que sea, con sonidos de sampling. En "Atlas" (una de mis favoritas), el sonido futurista introduce un solo riff de guitarra, deformado por sonidos y voces gruñidas. La intoxicación del ritmo es ineludible, creando una progresión desde la cual despega la melodía. Es tribal y elegante, ambas cosas al mismo tiempo.

De esta manera, te sumerges en un paisaje insistente, lúdico y planificado de loops de bajo y guitarras y teclados pulsantes que se superponen en formaciones de una o dos notas. Una amalgama de "melodías" que atrapa al oyente, incluso hasta el punto de olvidar cuántos conjuntos diferentes de percusión e instrumentos eléctricos de cuerda y teclado se tocan en todas y cada una de las melodías. 

El sprint que es "Ddiamondd" tiene algunos de los bajos de teclado más inusuales que se escuchan. Se pueden escuchar armonías vocales cuidadosamente superpuestas para proporcionar un contrapunto a los riffs nudosos que se ejecutan. "Tonto" es algo diferente, la melodía folk y la interacción contrapuntística crean un largo viaje hacia un inframundo instrumental donde el ritmo y el sonido no llegan a una conclusión sino a una colisión. "Rainbow" es la canción más larga y caótica del disco, pero es contagioso escucharlo mientras las guitarras rugen y zumban en la parte superior de la mezcla. La invención rítmica los socava y dirige los cambios de tempo e incluso de tono. Por el contrario, "Bad Trails", con su bucle de sintetizador proporciona una incursión hipnótica en el canto de Braxton y las líneas cambiantes de guitarra, bajo y sintetizador. "Race: Out", el número final del álbum, es un ejercicio manipulado electrónicamente de cintas hacia atrás; pero esto es todo digital, hasta que entran los tambores anunciando con breves redobles de timbales que algo más está por suceder.

"Mirrored" no se parece a ninguna grabación, es independiente. Es ruidoso, sorprendentemente sofisticado y no parece pretencioso. Nunca el muro del futurismo electrónico había sonado tan orgánico o melódico. Las numerosas influencias del álbum son sólo una guía, ya que "Battles" tiene su propia imagen única de un universo sonoro.

La diversa gama de estilos y estados de ánimo del álbum, combinados con su excepcional calidad de producción y diseño de sonido, lo convierten en una escucha obligada para los fans del rock experimental y math-rock.

Disco recomendado

 
Este álbum es un gusto adquirido y puede que no se adapte a los dominantes gustos musicales de la música pop moderna. Dicho esto, desde un punto de vista puramente musical y técnico todo el álbum es grandioso. Constante evolución y magnífica construcción en estructura y sonidos. Se puede decir que es un disco de músicos de rock para músicos de rock y, por lo tanto, recomiendo "Mirrored" a cualquiera interesado en explorar los límites de la música rock y descubrir sonidos nuevos y emocionantes.

Video del tema "Atlas":

Tracklist:

1.         "Race : In"      4:50
2.         "Atlas" 7:07
3.         "Ddiamondd" 2:33
4.         "Tonto"           7:43
5.         "Leyendecker"            2:48
6.         "Rainbow"      8:11
7.         "Bad Trails"    5:18
8.         "Prismism"      0:52
9.         "Snare Hangar"           1:58
10.       "Tij"     7:03
11.       "Race : Out"   3:29 

Músicos:

• Dave Konopka – guitarra, bajo, efectos
• Tyondai Braxton – guitarra, teclados, voz
• Ian Williams - guitarra, teclados
• John Stanier - batería

STONE TEMPLE PILOTS - Purple - Album

Quiero recomendarte una pequeña joya del rock alternativo de los años 90 (siglo xx). Un álbum titulado "Purple" grabado y editado por el grupo estadounidense "Stone Temple Pilots". Un trabajo que con el tiempo ha madurado y suena mejor cada vez que lo pongo.

 

¿Quiénes son la banda "Stone Temple Pilots" (STP)?

 
Un grupo de rock estadounidense formado en San Diego, California, en 1989. Originalmente compuesto por Scott Weiland (voz principal), los hermanos Dean (guitarra) y Robert DeLeo (bajo, coros) y Eric Kretz (batería), la formación de la banda se mantuvo sin cambios desde su formación hasta el despido de Scott Weiland (abuso de sustancias) en febrero de 2013. El 3 de diciembre de 2015, Scott Weiland fue encontrado muerto por una sobredosis accidental.

Originalmente bajo el nombre "Mighty Joe Young", la banda firmó con Atlantic Records y cambió su nombre a Stone Temple Pilots. STP se convirtió en una de las bandas más exitosas de la década de 1990, vendiendo más de 18 millones de álbumes en Estados Unidos y 40 millones en todo el mundo. STP lanzó cinco álbumes de estudio: Core (1992), Purple (1994), Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop (1996), No. 4 (1999) y Shangri-La Dee Da (2001), antes de separarse en 2003, después de lo cual los miembros de la banda participaron en varios proyectos.

STP finalmente se volvió a reunir en 2008 para una gira de reunión, lanzó su sexto álbum homónimo en 2010 y realizó una gira activa. STP ha lanzado dos álbumes con el nuevo vocalista Jeff Gutt en la voz.

Si bien inicialmente formaron parte del movimiento grunge de principios de la década de 1990, los lanzamientos posteriores de la banda expresaron una variedad de influencias, incluido el rock psicodélico y el rock clásico.

Quiero destacar su segundo LP "Purple" a los lectores. Para mí su mejor trabajo y una pequeña joya del rock de los 90.

 

ALBUM: Purple

 
El segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "Stone Temple Pilots", fue publicado el 7 de junio de 1994. El disco que continúa con el trabajo establecido por el álbum debut de la banda, Core (1992), fue un gran éxito comercial, debutando en el No. 1 en el Billboard 200. Dio los sencillos exitosos; "Vasoline", "Interstate Love Song" y "Big Vacuum". El álbum funciona en algún lugar entre el rock grunge con tendencia al heavy metal de su debut, los remolinos psicodélicos alternativos de bandas como Jane 's Addiction y Smashing Pumpkins, y algo de glam.

"Stone Temple Pilot"s había sido duramente criticado por ser otra banda más del "grunge" y algunas lecturas en medios sobre sus primeros días indican que lo sentían emocionalmente. "Purple" es un gran paso adelante con respecto a su debut, mostrando a una banda avanzando a buen ritmo. Este LP tiene su propio carácter, muy melódico y psicodélico con bonitas canciones y arte de estudio.

El éxito de "Purple" es que las bandas no temen moderar su grunge con grandes ganchos de arena y melodías arremolinadas. Funciona bien en el éxito de radio "Vasoline" y en "Pretty Penny", de base acústica, pero realmente brilla en las dos obras maestras del disco, "Big Vacuum" e "Interstate Love Song".

Con la banda encontrando su propio sonido, este disco bien puede ser la obra maestra de STP, si un álbum que ha sido certificado 6x Platino puede justificar la calificación como una joya escondida, entonces es este.

Además, descubrirás algunas letras muy reflexivas y conscientes de Scott Weiland. Canciones como "Meatplow" y "Still Remains" en realidad encuentran a Weiland reflexionando sobre la relación entre el amor, el sexo, el matrimonio y la muerte con una calidad poética. Y los hermanos DeLeo son capaces de combinar muy bien las letras con su propia música única para crear un ambiente apropiado que lleva al límite la etiqueta "Alt. Rock" de principios de los 90, evitando al mismo tiempo las trampas autoindulgentes que aparecerían más tarde con el grupo. De hecho es la guitarra de DeLeo lo que para mí es lo más destacado de "Purple", hard rock melódico con suficiente accesibilidad pop para llegar a una mayor audiencia.

 

Disco recomendado

 
Un álbum muy sólido de Stone Temple Pilots. "Purple" se erige como el álbum más completo de STP, todo un éxito desde el punto de vista comercial, es uno de los grandes lanzamientos de rock de los años 90.

Video del tema "Lounge Fly":

Tracklist - canciones (formato LP original):

1.         "Meatplow"                3:37
2.         "Vasoline"                  2:56
3.         "Lounge Fly"              5:18
4.         "Interstate Love Song"          3:14
5.         "Still Remains"                       3:33
6.         "Pretty Penny"                       3:42
7.         "Silvergun Superman"            5:16
8.         "Big Empty"               4:54
9.         "Unglued"                   2:34
10.       "Army Ants"   3:46
11.       "Kitchenware & Candybars" (hidden track) 8:06

Stone Temple Pilots (Musicos):

• Scott Weiland - voz principal, guitarra en "Silvergun Superman", percusión en "Pretty Penny"
• Dean DeLeo - guitarras eléctricas y acústicas, percusión en "Pretty Penny", final de batería en "Silvergun Superman"
• Robert DeLeo: bajo, guitarra en "Vasoline", "Lounge Fly", "Pretty Penny", "Silvergun Superman" y "Kitchenware and Candybars", percusión en "Pretty Penny"
• Eric Kretz - batería, percusión en "Vasoline", "Lounge Fly", "Pretty Penny" y "Big Vacuum"

Personal adicional:

• Brendan O'Brien - productor, grabación, mezcla, percusión en "Meatplow", "Interstate Love Song", "Silvergun Superman", "Army Ants" y "Kitchenware & Candybars", guitarra en "Kitchenware & Candybars", mellotron en "Army Ants".

TAJ MAHAL - Taj Mahal - Album

El músico estadounidense "Taj Mahal", uno de los bluesmen más subestimados, también editó uno de los discos de blues más subestimados. Su álbum debut homónimo es increíblemente apasionado, y el trabajo vocal y de armónica de Mahal es para admirar.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música este primer LP.

¿Quién fue el bluesman "Taj Mahal"?

 
Su verdadero nombre es Henry St. Claire Fredericks Jr., más conocido como "Taj Mahal", un músico de blues estadounidense. Toca la guitarra, el piano, el banjo, la armónica y muchos otros instrumentos, incorporando a menudo elementos de "world music". Taj Mahal ha hecho mucho para remodelar la definición y el alcance de la música blues a lo largo de sus más de 50 años de carrera fusionándola con otras formas no tradicionales.

El estilo de guitarra de Taj Mahal es con el pulgar y el dedo medio al tocar, en lugar de con el dedo índice como lo hacen la mayoría de los guitarristas. Al principio de su carrera musical, Mahal estudió los distintos estilos de sus cantantes de blues favoritos, como Jimmy Reed, Son House, Sleepy John Estes, Big Mama Thornton, Howlin' Wolf y Mississippi John Hurt.

Considerado un estudioso de la música blues, sus estudios de etnomusicología en la Universidad de Massachusetts Amherst le acercarían más a la música folclórica del Caribe y África Occidental. Con el tiempo, incorporó cada vez más música de raíces africanas a su música, adoptando elementos de reggae, calipso, jazz, zydeco, R & B, música gospel y country blues.

Su discografía es extensa, demasiado larga para añadirla aquí, a la que te animo a buscarla online. Es asombroso.

Es con su primer LP "Taj Mahal" que quiero llamar tu atención.

 

ALBUM:Taj Mahal

 
El LP debut del guitarrista y vocalista estadounidense "Taj Mahal". Grabado en 1967 y publicado en agosto de 1968, el álbum contiene canciones de blues de Sleepy John Estes, Robert Johnson y Sonny Boy Williamson II re elaboradas en estilos de blues contemporáneo y folk-rock. También se encuentra la adaptación de Taj Mahal de "Statesboro Blues" de Blind Willie McTell, que inspiró la popular grabación de "Allman Brothers Band". Taj Mahal proporciona la voz y la armónica de blues y está respaldado por los guitarristas Jesse Ed Davis y Ry Cooder.

La portada del disco es una fotografía de Guy Webster de una casa de estilo victoriano, conocida como "Salt Box", que estuvo ubicada en Bunker Hill Avenue en el vecindario Bunker Hill de Los Ángeles.

Este es un gran disco de blues que se ha mantenido notablemente bien con el paso del tiempo. El virtuosismo de la guitarra, encarnado en el trabajo de Taj Mahal, es minimalista y Taj aborda la música con una sorprendente mezcla de autenticidad y juventud.

Todo el álbum es una maravillosa mezcla de logros estilísticos y técnicos llenos de influencias del blues de los años 1930 y 1940, pero también haciendo uso de la separación de sonido estéreo y la mejor tecnología de grabación en su momento.

El resultado son temas como "Diving Duck Blues" de Sleepy John Estes, el simpático "The Celebrated Walkin' Blues" y que tiene el sonido de un lanzamiento de finales de los años 40. Blind Willie McTell ("Statesboro Blues") y Robert Johnson ("Dust My Broom") también están representados, en lo que es uno de los discos más silenciosos y desafiantes iconoclastas de 1968. Además, el primer tema "Leaving Truck" es un destacado, un favorito personal, con una gran interpretación de Majal del número de "Sleepy John Estes".

Musicalmente es necesario hacer una mención. Hay un excelente elenco de músicos de apoyo, Bill Boatman guitarra rítmica, Ry Cooder guitarra rítmica y mandolina, Jessie Edwin Davis guitarra solista y piano, que realmente brilla en este álbum. La guitarra ocupa un lugar destacado, por supuesto, y Taj Mahal toca una excelente guitarra slide y, además, Taj tiene una gran voz.

 

Disco recomendado

 
Este álbum celebra la profunda riqueza del blues estadounidense, estableciendo inmediatamente a Taj Mahal como uno de los más grandes intérpretes del género de su generación. Un disco de blues realmente excelente que es "imprescindible" para los fans y seguidores del blues.

Ir a buscarlo, lo disfrutarás.

Video del tema "Leaving Truck":

Tracklist:

Cara A:

1."Leaving Trunk" (Sleepy John Estes) – 4:51
2."Statesboro Blues" (Blind Willie McTell, arr. Taj Mahal) – 2:59
3."Checkin' Up on My Baby" (Sonny Boy Williamson II) – 4:55
4."Everybody's Got to Change Sometime" (Estes) – 2:57

Cara B:

1."EZ Rider" (arr. Taj Mahal) – 3:04
2."Dust My Broom" (Robert Johnson) – 2:39
3."Diving Duck Blues" (Estes) – 2:42
4."The Celebrated Walkin' Blues" (arr. Taj Mahal) – 8:52

Músicos:

• Taj Mahal - voz, armónica, guitarra slide
  
  
•  Jesse Ed Davis - guitarra solista, guitarra slide
• Ry Cooder – guitarra rítmica, mandolina
• Bill Boatman - guitarra rítmica
• James Thomas - bajo
• Gary Gilmore – bajo
• Sanford Konikoff - batería
• Chuck "Brother" Blackwell - batería

Producción:

Raphael Valentin, Roy Halee - ingenieros de sonido.

NEW MODEL ARMY - Vengeance - Album

Quiero llamar la atención a los melómanos sobre una notable banda de post punk llamada NEW MODEL ARMY. Un grupo que no escatimó en su letras, especialmente al principio de su carrera, exponiendo una imagen musical de Gran Bretaña bajo la ultraconservadora primera ministra Margret Tatcher. con espíritu de izquierdas, su disco debut "Vengeance" es un comentario poderoso, con buena música que respalda las palabras.

El disco "Vengeance" ha envejecido bien, y con el auge reciente de las ideas ultraconservadoras de derecha, este trabajo vuelve a encontrar relevancia y atraerá a ciertos públicos. Dicho esto personalmente quiero resaltar sus aspectos musicales, sabiendo que su contexto es parte intrínseca del paquete.

 

¿Quiénes son la banda "New Model Army"?

 
Grupo de rock inglés formado en 1980 por el vocalista, guitarrista y compositor principal Justin Sullivan, el bajista Stuart Morrow y el baterista Phil Tompkins. El grupo tomó su nombre del ejército permanente formado en 1645 por los parlamentarios durante la Primera Guerra Civil Inglesa, lo que indica claramente sus intenciones musicales desde el principio.

Justin Sullivan ha sido el único miembro continuo de la banda, que ha visto numerosos cambios de formación en sus cuatro décadas de historia. Su música se basa en influencias de todo el espectro musical, desde el punk y el folk hasta el soul, el metal y la música clásica. Las letras de Sullivan, que van desde lo directamente político hasta lo espiritual y personal, siempre han sido consideradas una parte clave del atractivo de la banda.

Justin Sullivan ha comentado en entrevistas que parte de la inspiración lírica de la banda (y la suya propia) proviene de Tom Waits, Bruce Springsteen, Gillian Welch, Joni Mitchell y Bob Dylan.

 

ALBUM: Vengeance 

 
Es el primer LP de estudio de la banda de rock inglesa "New Model Army", publicado originalmente el 4 de abril de 1984. Con una duración de menos de media hora, las ocho canciones de "Vengeance" tuvieron un impacto definitivo en las escenas musicales underground de todo el Reino Unido y más allá. 

Posteriormente, el álbum fue relanzado en CD como "Vengeance - The Independent Story en 1987" ampliado con los primeros sencillos de la banda, así como "Vengeance - The Whole Story 1980-84" ampliado en 2012, incluidas sus sesiones de radio y las primeras demostraciones en un segundo. CD. Me centraré en el original.

"Vengeance" es una obra de punk sin remordimientos y sin reconstruir, una imagen salvaje de la entonces Gran Bretaña de Thatcher que rugía de rabia entre su juventud. Las letras, la voz, el bajo, la batería, la guitarra, las canciones, todo son excelentes. Para mí una pequeña obra maestra del post punk.

Líricamente, "Vengeance" es un álbum muy poderoso y estimulante que aborda diversos temas sociales y políticos de la época. "Smalltown England" es una descripción mordaz de la vida en los pueblos cada vez más conservadores de Inglaterra. "A Liberal Education" denuncia la pérdida del paraíso y la inocencia y alude al colapso de la izquierda. La canción de apertura, "Christian Militia", se burla del ascenso de los renacidos cristianos en los EE. UU., mientras que "Notice Me" es una burla hacia aquellos desesperados por llamar la atención; el número final, "Spirit of the Falklands", fue una condena tardía de la fiebre bélica que arrasó Gran Bretaña un par de años antes.

Curiosamente, acontecimientos de nuestros días hacen este álbum, y de su contenido, relevante y de interés para un nuevo público.

 

Disco recomendado

 
Este álbum marcó un hito importante en la carrera de la banda, mostrando su combinación de influencias punk y folk. El poderoso sonido del álbum y sus letras con conciencia social lo han convertido en un clásico de la era post-punk. El impacto del álbum en la escena post-punk fue significativo y su influencia todavía se puede sentir hoy. Para los fans del post-punk y el punk rock, "Vengeance" gustara. Su energía cruda, sus letras con conciencia social y su producción minimalista lo hacen destacar.

Video del tema "Smalltown England": 

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

"Christian Militia"  – 3:25
"Notice Me"  – 2:36
"Small Town England"  – 3:19
"A Liberal Education"  – 5:27

Cara B:

"Vengeance"  – 4:06
"Sex (The Black Angel)"  – 3:25
"Running in the Rain"  – 3:52
"Spirit of the Falklands" - 3:42

Créditos:

• Voz, guitarra - Slade The Leveller (Justin Sullivan)
• Bajo, voz: Stuart Morrow
• Batería - Robb Heaton

Productor – Mond Cowie