TRICKY- Maxinquaye - el clásico del Trip Hop - Revisited

Volver al álbum "Maxinquaye" tiene algo de reencuentro con un viejo secreto. Recuerdo cuando escribí sobre este disco por primera vez en 2019, convencido de que ya lo tenía más o menos descifrado. Pero hay trabajos que no se dejan atrapar del todo, y el debut de Tricky es uno de ellos. Con el tiempo he vuelto a escucharlo muchas veces, en momentos tranquilos, en viajes largos, incluso en esos momentos en los que uno solo quiere perderse dentro de un sonido. Y cada vez ocurre lo mismo: lo que parecía familiar vuelve a resultar extraño, como si la música se reorganizara sola en cada escucha. Quizá por eso merece la pena revisitarlo, con distancia, para entender por qué "Maxinquaye" sigue siendo uno de los discos más inquietantes y magnéticos que dejó la década de los noventa (siglo xx).

ALBUM: Maxinquaye 

En febrero de 1995 apareció un disco que parecía llegar desde un lugar distinto al resto de la música de su tiempo. "Maxinquaye", el debut de Tricky, no solo fue uno de los álbumes más influyentes de la década, también fue uno de los más difíciles de explicar. Han pasado muchos años desde que lo escuché por primera vez, y todavía sigo encontrando detalles nuevos cada vez que vuelvo a él. Eso ya dice mucho.

Conocía al artista Tricky por su participación en Massive Attack, y pensaba que este disco sería una especie de extensión de aquello. Algo parecido a Blue Lines, quizá con un tono más personal. Pero "Maxinquaye" no era eso. Tampoco era un álbum al estilo de Dummy de Portishead, aunque compartiera cierta atmósfera. Era otra cosa. Un territorio propio.

Este post revisita ese disco décadas después de su publicación, 20 de febrero de 1995, para entender por qué sigue siendo uno de los trabajos más fascinantes que ha producido la música británica de los noventa.

Cómo nació: 

Para entender "Maxinquaye", hay que empezar en la ciudad de Bristol, donde se gestó uno de los sonidos más singulares de los años noventa.

Tricky, cuyo nombre real es Adrian Thaws, creció en un entorno complicado. Su madre, Maxine Quaye, poeta, murió cuando él tenía solo cuatro años. Su padre prácticamente no estaba presente. Adrian fue criado por su abuela en una ciudad donde la mezcla cultural, los sound systems y la música importada del Caribe formaban parte del paisaje cotidiano.

Su conexión con la música llegó a través de The Wild Bunch, un colectivo que acabaría transformándose en Massive Attack. Tricky participó en su debut Blue Lines (1991) y también estuvo vinculado a Protection (1994), aunque nunca llegó a sentirse completamente integrado en el núcleo del grupo. Siempre parecía orbitando alrededor.

Esa sensación de estar dentro y fuera al mismo tiempo fue decisiva. Tricky quería desarrollar una visión propia.

En 1993 firmó con 4th & B'way Records, subsidiaria de Island Records, y empezó a trabajar en su primer álbum. Lo grabó principalmente en un estudio casero en Londres, acompañado por el productor Mark Saunders y por una figura que sería fundamental en el resultado final: Martina Topley-Bird.

La historia de cómo se conocieron parece sacada de una novela urbana. Tricky la vio sentada en un muro en Bristol después de terminar sus exámenes. Hablaron, ella mencionó que cantaba jazz y él la invitó a probar suerte en el estudio. Martina tenía quince años. Ese encuentro fortuito cambió la historia del disco.

Un sonido de otro lugar:

Hablar del sonido de "Maxinquaye" implica moverse entre géneros que se cruzan constantemente.

En los noventa se empezó a usar el término trip hop para describir la música que surgía de Bristol, una mezcla de hip hop, soul, dub, electrónica ambiental y elementos de rock. Pero incluso dentro de ese contexto, el disco de Tricky resultaba extraño.

Mientras Massive Attack tendía a construir paisajes sonoros elegantes y Portishead se inclinaba hacia un dramatismo cinematográfico, "Maxinquaye" parecía un organismo vivo, irregular y lleno de grietas.

Los ritmos suenan como maquinaria oxidada. Los samples aparecen y desaparecen como recuerdos borrosos. Hay ruido, hay silencio, hay respiraciones, hay ecos. Todo está ligeramente desplazado.

En gran parte esto se debe a la forma en que Tricky utilizó el sampling. Tomó fragmentos de artistas muy distintos, desde Isaac Hayes hasta The Smashing Pumpkins, y los transformó hasta que casi resultaban irreconocibles. No se trataba de mostrar la referencia, sino de convertirla en parte del tejido del disco.

El resultado es un sonido que parece flotante y pesado al mismo tiempo. Un ritmo puede arrastrarse durante minutos mientras pequeños detalles aparecen alrededor, como si alguien estuviera manipulando la cinta en tiempo real. La sensación es hipnótica

Tricky y Martina Topley-Bird:

Si hay un elemento que define el carácter del álbum es el contraste entre las voces de Tricky y Martina Topley-Bird.

Tricky tiene una voz grave, casi susurrada, áspera, como si las palabras estuvieran saliendo a través del humo de un cigarro. Martina, en cambio, canta con una ligereza casi fantasmal.

Ese contraste crea una dinámica muy particular. No es un dúo convencional. Más bien parece una conversación interna.

En canciones como "Aftermath", Martina flota sobre la base rítmica con una calma inquietante, mientras Tricky aparece en los márgenes como una presencia espectral. En "Ponderosa", su voz adopta un tono más juguetón, casi cockney, que rompe con la oscuridad del fondo.

Hay momentos en los que la música parece sostenerse únicamente sobre esa tensión entre ambos.

Canciones que redefinen el Trip Hop:

Desde el primer tema, "Overcome", el disco establece su lenguaje. Unos golpes de percusión secos, un teclado distante y una respiración filtrada crean una atmósfera casi ritual antes de que Martina empiece a cantar. Ese inicio ya deja claro que el álbum no busca comodidad. Busca misterio.

Uno de los momentos más icónicos es "Hell Is Around the Corner", construida sobre un sample de "Ike’s Rap II" de Isaac Hayes, el mismo que luego usaría Portishead en "Glory Box". La canción avanza lentamente, casi como una confesión nocturna. La voz de Tricky suena íntima y amenazante al mismo tiempo.

Otro momento sorprendente es la versión de "Black Steel in the Hour of Chaos" de Public Enemy. En manos de Tricky, el tema pierde su agresividad frontal y se convierte en algo más perturbador. Martina repite un fragmento del texto mientras el fondo se llena de guitarras y distorsión.

Hay también piezas que funcionan como pequeños experimentos sonoros. "Pumpkin", por ejemplo, introduce la voz de Alison Goldfrapp, que se desliza entre los samples con una sensualidad fría. "Brand New You're Retro" mezcla fragmentos de Michael Jackson con soul clásico en una especie de collage surrealista.

Y luego está "Suffocated Love", una canción inquietante sobre relaciones tóxicas, donde la voz de Tricky parece moverse entre el sarcasmo y la amenaza.

Oscuridad sin depresión:

Algo que siempre me ha parecido fascinante de "Maxinquaye" es que, a pesar de su atmósfera sombría, el álbum nunca resulta verdaderamente deprimente. La oscuridad aquí no es tristeza. Es curiosidad.

Es el tipo de oscuridad que invita a explorar. Como entrar en una habitación poco iluminada donde cada objeto parece tener una historia. Hay sensualidad, hay paranoia, hay humor negro incluso.

Tricky parecía disfrutar jugando con sonidos extraños y combinaciones inesperadas. Más que transmitir un estado emocional cerrado, el disco abre espacios. Tal vez por eso sigue resultando tan intrigante hoy.

1995: cuando el britpop dominaba el mundo:

Es curioso pensar en el contexto cultural en el que apareció "Maxinquaye".

En 1995 el Reino Unido estaba dominado por el britpop. Oasis cantaba sobre vivir para siempre. Blur celebraba la vida suburbana en Parklife. La música británica parecía llena de guitarras luminosas y optimismo generacional.

Y entonces apareció este disco:

Mientras otros artistas hablaban de nostalgia pop, Tricky presentaba un paisaje urbano lleno de dudas, sexualidad ambigua y paranoia. Era como si estuviera transmitiendo desde una dimensión paralela.

Aun así, el álbum alcanzó el número tres en las listas británicas y fue considerado por muchos críticos como el mejor disco del año. NME lo situó entre los más importantes de 1995.

Su influencia fue enorme. Muchos artistas de electrónica, hip hop alternativo y música experimental encontrarían inspiración en ese sonido nebuloso.

Por qué Maxinquaye sigue relevante:

Décadas después, Maxinquaye sigue siendo difícil de clasificar.

No es una obra de hip hop. Tampoco es electrónica pura. Ni rock alternativo. Es una mezcla de todos esos lenguajes reorganizados de una forma muy personal.

Lo que realmente lo mantiene vivo es su atmósfera. Hay álbumes que pertenecen a un momento concreto de la historia. Este parece existir fuera del tiempo.

Cada escucha revela algo nuevo. Un sample escondido. Un ruido de fondo. Un cambio de ritmo casi imperceptible.

También hay algo profundamente humano en el disco. Tricky hablaba de relaciones complicadas, de identidad, de cultura urbana, de deseo y vulnerabilidad. Temas que siguen siendo actuales.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Maxinquaye", te envidio un poco. Descubrir este álbum por primera vez es una experiencia muy especial.

No es un disco inmediato. No busca agradar a todo el mundo. Pero si te dejas llevar por su ritmo lento y sus texturas extrañas, acaba atrapándote. Sigue siendo una de las obras más singulares de la música británica moderna.

Apaga las luces, ponte los auriculares y deja que Tricky y Martina Topley-Bird te lleven a ese extraño lugar donde nació "Maxinquaye". Probablemente no encuentres respuestas claras, pero sí una experiencia musical que sigue siendo única.

Video del tema "Black Steel":

Tracklist:

1. "Overcome" 4:30
2. "Ponderosa" 3:31
3. "Black Steel" 5:40
4. "Hell Is Round the Corner" 3:47
5. "Pumpkin" Tricky 4:31
6. "Aftermath" 7:39
7. "Abbaon Fat Tracks" 4:27
8. "Brand New You're Retro" 2:54
9. "Suffocated Love" 4:53
10. "You Don't" 4:39
11. "Strugglin'" 6:39
12. "Feed Me" 4:04

Créditos:

• Tricky – composición, producción, voz
• Martina Topley-Bird (erróneamente acreditada como "Martine") – voz
• Ali Staton – mezcla ("Suffocated Love")
• Alison Goldfrapp – voz ("Pumpkin")
• FTV – guitarra, batería ("Black Steel")
• Howie B – composición, producción
• James Stevenson – guitarra ("Brand New, You're Retro")
• Kevin Petrie – producción
• Mark Stewart – voz
• Mark Saunders – teclados ("Overcome"), guitarra, producción
• Pete Briquette – bajo ("Suffocated Love")
• Ragga – voz ("You Don't")
• Tony Wrafter – flauta ("Aftermath")

PORTISHEAD - Portishead - Album

No todos los álbumes buscan ser apreciados. Algunos están hechos para desafiar, inquietar y desarrollarse lentamente en la sombra. "Portishead", el lanzamiento homónimo de la banda de 1997, es una de esas obras excepcionales, melancólicas, inflexibles y a menudo olvidadas en el resplandor de su predecesor, "Dummy". Pero si desmontamos sus capas hoy, lo que emerge es un disco de una profundidad asombrosa. He aquí por qué sigue siendo importante y quiero recomendar a los lectores este blog de música.

ALBUM: Portishead 

Cuando escuché "Portishead" por primera vez, no buscaba consuelo. No buscaba nostalgia. Lo que buscaba era inquietud y perturbación, y este álbum me lo proporcionó. Publicado el 29 de septiembre de 1997, "Portishead" es el segundo álbum del trío de Bristol que, tan solo tres años antes, había definido sin querer todo un género con su álbum debut "Dummy". Mientras que aquel primer disco vistió su melancolía de terciopelo, Portishead la despojó de su esencia a alambre de púas y cristales tintados de negro.

Un cambio de sonido y sustancia:

Mientras que "Dummy" dio paso a samples externos y una suave calidez cinematográfica, "Portishead" se adentro en el interior. Literalmente. El grupo optó por componer, interpretar y samplear sus propias grabaciones originales, creando un mundo que se encierra en sí mismo como una sala de espejos embrujados. El resultado es más texturizado, más táctil y mucho más claustrofóbico.

"Take Only You", por ejemplo, es una de las dos únicas piezas del álbum que usan samples tradicionales (tomando elementos de la banda sonora de Inspector Clouseau de Ken Thorne y de She Said de The Pharcyde). ¿Todo lo demás? Una ilusión deliberada. "Western Eyes" incluso atribuye un sample a una banda inexistente. Ese crédito inventado por el sample ("Hookers & Gin" de Sean Atkins Experience) no es una broma. Es una declaración. Portishead está invocando fantasmas, no citando fuentes.

Beth Gibbons - cantante de una distopía:

No hay forma real de hablar de Portishead sin hablar de Beth Gibbons. Su voz, quebrada y trémula en un momento, colérica al siguiente, no está simplemente al frente de cada tema: es el tema. En “Cowboys”, sus voces filtradas electrónicamente crujen como una puerta abierta en medio de una tormenta. En “All Mine”, coquetea con el fantasma de una canción de James Bond antes de arrastrarla hacia la obsesión y la posesión.

Lo que la distingue no es su rango técnico, sino su alcance emocional. Gibbons no canta para impresionar; canta para exorcizar. Ya sea el grito desesperado en “Only You”, la amenaza velada en “Seven Months” o el duelo frágil de “Mourning Air”, arrastra al oyente por cada pliegue de su angustia. Escucharla resulta casi voyeurista, como leer en voz alta el diario íntimo de alguien en una habitación vacía.

Paisajes cambiantes:

Es importante entender que Portishead llegó en un momento cultural extraño. En 1997, el trip-hop estaba evolucionando. DJ Shadow ya había lanzado Endtroducing…, Beck había convertido el sampling en pop de teoría del caos, y la mezcla de géneros se había vuelto la nueva norma. En contraste, Portishead redobló su apuesta por la densidad, el minimalismo y el desasosiego.

Aquí no hay ningún “éxito crossover”. No hay estribillos cálidos ni ambientación de cafetería. Canciones como “Humming” y “Half Day Closing” se sumergen en una paranoia atmosférica, parte retrofuturista, parte pesadilla lyncheana. “Elysium” es una combustión lenta que alterna entre punzadas de guitarra distorsionada y líneas de piano sombrías. ¿“And Over”? Esa podría ser la pieza central, un estudio sobre la contención y la pena, que no te deja tomar aire en ningún momento.

Esto no es música de fondo. Exige atención. Se alimenta de ella.

Instrumentación que corta:

Mientras Beth Gibbons domina el terreno emocional, Adrian Utley y Geoff Barrow moldean su arquitectura. La batería de Barrow es cortante y a menudo minimalista, evocando más tensión que ritmo. La guitarra de Utley, sin embargo, es donde realmente gira el cuchillo. En “All Mine”, sus punteos quebradizos al estilo Morricone atraviesan la niebla, mientras que “Elysium” se convierte en un muro de estática y distorsión sutil, simultáneamente cinematográfico y brutal.

Y sin embargo, hay belleza en la decadencia. Los metales en “All Mine”, las cuerdas dolientes de “Western Eyes”, el teclado Rhodes fantasmal en “Only You”: cada detalle está colocado con esmero, pero nunca pulido. Esa imperfección es intencionada. Es lo que le da a Portishead su pulso humano bajo las máquinas.

Oblicuidad lírica y posibles lecturas políticas:

A diferencia de algunos de sus contemporáneos más abiertamente políticos (Massive Attack viene a la mente), Portishead opera con velos, no con manifiestos. Pero eso no significa que no haya mordida. El tema de apertura, “Cowboys”, suena como una fábula cínica, casi profética en sus alusiones al engaño y el poder: “La verdad se vende, el trato está cerrado”. Mientras tanto, “Half Day Closing” insinúa una América percibida con desafección alienada, y “Elysium” podría - o no - ser un comentario críptico sobre el juicio moral y la muerte.

No son consignas. Parecen acertijos. Y eso es lo que les da permanencia.

Fluidez, frustración y paciencia:

Si hay una crítica que hacer, y creo que es justa, es que Portishead exige mucho del oyente. El ritmo es lento, los beats rara vez evolucionan y el tono es uniformemente sombrío. Incluso para alguien que disfruta de estos espacios sonoros oscuros, ha habido momentos en los que el álbum se ha sentido más como una niebla por la que abrirse paso que como una historia a seguir.

Pero aquí está la clave: cuando encaja, encaja de verdad. Hay una coherencia psicológica en el flujo, una estructura deliberada que permite que cada pieza resuene y amplifique a la siguiente. “Cowboys” te atrae con amenaza, “All Mine” seduce, y cuando llegas a “Only You”, ya estás perdido en su mundo o abandonado fuera bajo la lluvia.

El legado de este álbum “olvidado”:

En el conjunto de los tres discos de estudio de Portishead, este suele ser tratado como el hijo del medio: menos abrazado que Dummy, menos revolucionario que Third. Pero para mí, eso es precisamente lo que lo hace tan bueno. Portishead no es una reacción. Es una decisión. Es la banda negándose a convertirse en un acto de salón, redoblando la incomodidad y caminando hacia las sombras en lugar de buscar el foco.

Este disco no se vendió. Ni lo intentó. Permanece. Acecha. Se fortalece cuanto más se le ignora. En muchos sentidos, es el álbum más “trip-hop” que hicieron, no porque siga los tropos del género, sino porque captura su esencia: desapego, decadencia, atmósfera sobre acción.

Disco recomendado

Sin duda. Portishead no es una escucha casual. No es para cualquier entorno ni para cualquier estado de ánimo. Pero para quien esté dispuesto a quedarse quieto y descender hacia algo más oscuro, más elegante y más humano que la mayoría de los discos se atreven a ser, este es un artefacto raro y deslumbrante.

Tanto si estás descubriendo el trip-hop por primera vez como si regresas al mundo de Portishead tras una larga ausencia, este álbum premia la paciencia y castiga la pasividad. Escúchalo. Deja que arda lento. Déjalo tomarse su tiempo.

Video del tema "Over":

Tracklist:

1. "Cowboys" 4:38
2. "All Mine" 3:59
3. "Undenied" 4:18
4. "Half Day Closing" 3:49
5. "Over" 4:00
6. "Humming" 6:02
7. "Mourning Air" 4:11
8. "Seven Months" 4:15
9. "Only You" 4:59
10. "Elysium" 5:54
11. "Western Eyes" 3:57

Portishead:

• Beth Gibbons – voz
• Adrian Utley – guitarra (pistas 1, 2, 4, 5, 7-10), bajo (pistas 2, 4, 5, 7, 9), sintetizador (pistas 4, 6), piano Rhodes (pista 9), piano (pista 11)
• Geoff Barrow – batería (pistas 4, 5, 9), tocadiscos, programación, sencillos

Músicos adicionales:

• Clive Deamer – batería (pistas 1, 6, 7, 11), batería adicional (pista 3)
• Shaun Atkins – voz adicional (pistas 1, 11)
• John Baggot – órgano (pista 9), piano (pista 10)
• Andy Hague – trompas (pista 2)
• Ben Waghorn – trompas (pista 2)
• John Cornick – trompas (pista 2), trombón (pista 7)
• S. Cooper – violín (pista 4)

KENDRICK LAMAR - GNX - Album

En el cambiante panorama del hip-hop, pocos artistas llaman la atención como Kendrick Lamar. Sin previo aviso, Lamar editó el 22 de noviembre de 2024, "GNX", su sexto álbum de estudio, y es nada menos que brillante. Este proyecto compacto pero poderoso es una celebración sonora de la determinación, la narración y la experimentación del estilo Costa Oeste (West Coast). Ya seas un fan experimentado o nuevo en su trabajo, "GNX" es un disco que debes escuchar. En este post, explico por qué este lanzamiento sorpresa es una recomendación y lo desgloso para los lectores de este blog de música.

ALBUM: GNX

 
Este es el sexto álbum de estudio del rapero estadounidense Kendrick Lamara y fue publicado el 22 de noviembre de 2024. Titulado como el modelo de automóvil "Buick Regal", y una continuación de "Mr. Morale & the Big Steppers" (2022), continúa su disputa con el rapero canadiense Drake, aunque no todo es exclusivo de esta trama.

Kendrick Lamar y Dave Free son productores ejecutivos, y este disco cuenta con apariciones de AzChike, Dody6, Hitta J3, Peysoh, Roddy Ricch, Siete7x, SZA, Wallie the Sensei y YoungThreat; Deyra Barrera, Sam Dew, Lefty Gunplay e Ink brindan contribuciones vocales adicionales a lo largo del álbum. La producción estuvo a cargo principalmente de Sounwave y Jack Antonoff, con trabajo adicional de Mustard, Sean Momberger y Kamasi Washington, entre otros.

Como ya se ha mencionado, se trata de un lanzamiento sorpresa sin preámbulos, sin noticias de la industria, solo un adelanto de un minuto antes de que el álbum llegue a las plataformas de streaming. Si el mundo del hip-hop parecía un poco estancado, el álbum de Lamar destrozó esa noción con una ferocidad que solo él podía reunir. "GNX" (abreviatura de Grand National Experimental) es un álbum que redefine lo que significa aprovechar el momento en un género ya dominado por gigantes.

Para aquellos lectores que siguen la trayectoria de Kendrick Lamar, 2024 fue un año de movimientos audaces. Después de dejar Top Dawg Entertainment y Aftermath Entertainment, se enfrentó a Drake que no solo produjo temas de disidencia que encabezaron las listas, sino que también reavivó el amor del público por la guerra lírica. Ahora, con "GNX", la refutación de Lamar a cualquier duda sobre su condición de titán del hip-hop es tan enfática como estimulante.

 

El sonido y el espíritu de GNX

 
A diferencia de la ambición desbordante de "To Pimp a Butterfly" o la turbulencia introspectiva de "Mr. Morale & the Big Steppers", GNX es un proyecto ágil y contundente que canaliza su energía. La producción vibra con los sonidos clásicos de la Costa Oeste: líneas de bajo resonantes, sintetizadores G-funk y toques de estilo del Área de la Bahía. Temas como "Squabble Up" y "Hey Now" prácticamente piden a gritos un estéreo de coche, con sus ritmos contagiosos y su energía.

La decisión de Lamar de incluir una lista de raperos menos conocidos de Los Ángeles: Dody6, Hitta J3 y YoungThreat, parece generosa y estratégica. Sus versos sin pulir, complementan la interpretación de Kendrick, pintando una imagen vibrante de su ciudad. Incluso las canciones más experimentales, como la canción de apertura con influencias de mariachi "Wacced Out Murals", parecen arraigadas en la cultura de la Costa Oeste.

 

Historias, sombras y autorreflexión

 
En esencia, "GNX" es un álbum sobre la identidad y el legado. Desde la confianza de "Man at the Garden", donde Kendrick proclama que "se lo merece todo", hasta el cierre personal "Gloria", el álbum oscila entre declaraciones triunfantes y reflexiones introspectivas. En "Reincarnated", Kendrick se imagina a sí mismo como el sucesor espiritual de figuras como Tupac y Billie Holiday, luchando con el peso de sus legados y su propio llamado divino.

"TV Off" y "Peekaboo" se inclinan hacia una crítica más oscura, casi nihilista, de la industria, con Kendrick burlándose de la cultura del flex superficial y destacando las contradicciones de la fama. Sin embargo, incluso en estos cortes cínicos, su narrativa sigue siendo aguda y evocadora.

Una carta de amor al oficio

La emoción del amor también impregna el álbum, ya sea el amor de Kendrick por su ciudad, su oficio o la gente que lo inspira. En “Luther”, un dueto con SZA, Lamar resalta un lado más suave y romántico, mezclando sus versos a la perfección con la voz etérea de SZA.

Pero es con el tema “Gloria” que ofrece el clímax emocional. Kendrick Lemar profundiza en su relación con la composición; una mezcla de dependencia, pasión y reverencia.

Una vuelta de la victoria

Si la disputa con Drake fue la declaración de dominio de Lamar, "GNX" es la vuelta de la victoria. Sin embargo, es más que una celebración de sus victorias; es un recordatorio de por qué está en la cima. Al combinar la energía pura de una canción de disidencia con la profundidad conceptual de sus trabajos anteriores, Kendrick crea un álbum que es tan inmediato como estimulante.

Si bien el disco carece de la experimentación extensa de "To Pimp a Butterfly", lo compensa con su intensidad enfocada. Las canciones fluyen unas tras otras, creando una narrativa cohesiva que es poco común en el mercado musical actual impulsado por los sencillos. Desde los máximos cinematográficos de "Wacced Out Murals" hasta las vibraciones nocturnas de "Dodger Blue", GNX demuestra que Kendrick Lamar sigue superando los límites sin perder su esencia.

 

Disco recomendado

 
GNX es Kendrick Lamar en su forma más pura y segura. Es un brillante regreso a la forma para un artista que nunca se fue realmente, pero continúa evolucionando. Compacto pero sustancial, el álbum muestra la maestría de Lamar para contar historias, su amor por sus raíces y su voluntad de asumir riesgos. Un disco recomendado, es elegante, poderoso y está hecho para durar.

Video del tema "Squabble Up":

Tracklist:

1.         "Wacced Out Murals"            5:17
2.         "Squabble Up"            2:37
3.         "Luther" (with SZA)  2:57
4.         "Man at the Garden"  3:53
5.         "Hey Now" (featuring Dody6)          3:37
6.         "Reincarnated"           4:35
7.         "TV Off" (featuring Lefty Gunplay) 3:40
8.         "Dodger Blue" (featuring Wallie the Sensei, Siete7x, and Roddy Ricch)   2:11
9.         "Peekaboo" (featuring AzChike)       2:35
10.       "Heart Pt. 6"   4:52
11.       "GNX" (featuring Hitta J3, YoungThreat, and Peysoh)       3:13
12.       "Gloria" (with SZA)   4:47

Samples (muestra) y créditos:

• "Squabble Up" contiene una muestra de "When I Hear Music", escrita e interpretada por Debbie Deb.
• "Luther" contiene una muestra de "If This World Were Mine", escrita por Marvin Gaye e interpretada por Luther Vandross y Cheryl Lynn.
• "Man at the Garden" contiene una interpolación de "One Mic", escrita por Nasir Jones y Chucky Thompson e interpretada por Nas.
• "Hey Now" contiene una interpolación de "Scotty", escrita por Carlos Walker y Lefabian Williams e interpretada por D4L.
• "Reincarnated" contiene una muestra de "Made Niggaz", escrita e interpretada por Tupac Shakur featuring Outlawz.
• "TV Off" contiene: muestras de "MacArthur Park", escrita por Jimmy Webb, interpretada por Monk Higgins, y "The Black Hole - Overture", compuesta por John Barry.una interpolación de "Kick in the Door", escrita por Christopher Wallace, Jalacy Hawkins y Christopher Martin, e interpretada por Notorious B.I.G..
• "Peekaboo" contiene una muestra de "Give a Helping Hand", escrita e interpretada por Willie Hale.
• "Heart Pt. 6" contiene una muestra de "Use Your Heart", escrita por Chad Hugo y Pharrell Williams e interpretada por SWV.

Músicos

• Kendrick Lamar – voz

Deyra Barrera – voz adicional (pistas 1, 6, 12)
Ink – coros (pistas 2, 10), voces adicionales (8)
Sam Dew – coros (pistas 2, 4–6, 8, 10, 12), voces adicionales (3)
Paul Cartwright – cuerdas (pista 3), violín (7)
Caleb Vaughn Smith – cuerdas (pista 3)
Drew Forde – cuerdas (pista 3)
Geoff Gallegos – cuerdas (pista 3)
Giovanna Moraga – cuerdas (pista 3)

DAFT PUNK - Discovery - Album

Introducción:

El segundo álbum "Discovery" del dúo francés Daft Punk publicado el 12 de marzo de 2001, es considerado uno de los hitos más importantes en la historia de la música electrónica. Con su fusión de ritmos pegadizos, melodías futuristas y samples ingeniosos, este disco se ha convertido en un clásico atemporal. En este post, explico brevemente la creación de "Discovery", las canciones, su influencia en la música electrónica y su legado.

¿Quién son Daft Punk?

 
Daft Punk fue un dúo francés de música electrónica formado en 1993 en París por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Alcanzaron popularidad a finales de la década de 1990 como parte del movimiento house francés, combinando elementos de la música house con funk, disco, techno, rock y synth-pop.

Daft Punk se formó después de que su banda de indie rock, "Darlin", se disolviera. Su álbum de estudio debut, "Homework" (1997), fue lanzado por Virgin Records en 1997 con críticas positivas, respaldado por los sencillos "Around the World" y "Da Funk". A partir de 1999, Daft Punk asumió personajes de robots para apariciones públicas, con cascos, atuendos y guantes para disfrazar sus identidades. 

La discografía de Daft Punk:

•  Homework (1997)
• Discovery (2001)
• Human After All (2005)
• Random Access Memories (2013)

Daft Punk anunció su separación en el 2021.

Daft Punk es considerado uno de las formaciones de baile más influyentes de la historia. En 2015, Rolling Stone los clasificó como el duodécimo dúo musical más grande de todos los tiempos.

La creación de álbum Discovery: Un viaje sonoro

 
La creación del álbum "Discovery" fue un proceso meticuloso y experimental para Daft Punk. El dúo francés, compuesto por Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, se inspiró en la música de los años 70 y 80 (Siglo XX), así como en la ciencia ficción y la cultura pop. Utilizando una amplia gama de sintetizadores y equipos vintage, Daft Punk logró crear un sonido que cautivo a audiencias de todo el mundo.

"Discovery" es un álbum conceptual. Se relaciona con los recuerdos de la infancia de Daft Punk, incorporando su amor por el cine y los personajes. Thomas Bangalter especificó que el álbum trata sobre las experiencias del dúo que creció en la década entre 1975 y 1985, en lugar de ser solo un tributo a la música de ese período.

La influencia e impacto de "Discovery":

 
Desde su lanzamiento, "Discovery" ha tenido un impacto duradero en la música electrónica. El álbum introdujo nuevos sonidos y técnicas de producción que han influido en muchos artistas. La combinación de elementos de música disco, funk y house en canciones como "One More Time" y "Digital Love" abrió nuevas posibilidades para el género.

Además, "Discovery" popularizó el uso de samples en la música electrónica. Daft Punk tomó fragmentos de canciones clásicas y los recontextualiza en su propio trabajo, creando una experiencia de escucha nostálgica pero fresca. Estos samples se convirtieron en una firma distintiva de Daft Punk y han sido imitados por muchos artistas desde entonces.

Las canciones del "Discovery": track por track

1. "One More Time": ya es un clásico de las pistas de baile. El uso de autotune agrega un toque futurista. No hay nadie (o casi nadie) que no conozca esta cancion.

Video del tema "One More Time":

2. "Aerodynamic": comienza con una línea de bajo maravillosa y se desarrolla gradualmente hasta llegar a un solo de guitarra épico. La mezcla de elementos electrónicos y de rock muestra la versatilidad y creatividad de Daft Punk.

3. "Digital Love": canción de amor dulce y soñadora con un ambiente disco. La melodía pegadiza, combinada con la voz robótica y el solo de guitarra, la convierten en un tema destacado del álbum.

4. "Harder, Better, Faster, Stronger": un himno de la pista de baile, con letras repetitivas parecidas a mantras y ritmos infecciosos. El uso de vocoder en las voces agrega un toque robótico, mejorando la sensación futurista. Quizás mi tema favorita del disco.

5. "Crescendolls": es una melodía funky y alegre con un gancho pegadizo. El uso de samples y bucles crea un sonido rico y en capas.

6. "Nightvision": es un interludio relajante, con sonidos ambientales y melodías suaves. Proporciona un buen contraste con las pistas de alta energía del álbum.

7. "Superheroes": una melodía alegre y llena de energía con un gancho pegadizo. Las letras repetitivas y los ritmos de conducción lo convierten en una canción para la pista de baile.

8. "High Life": agradable con una melodía pegadiza. El uso de samples y bucles crea un sonido hipnótico.

9. "Something About Us": una canción de amor lenta y sensual con una línea de bajo funky. Las voces robóticas agregan un toque futurista, mientras que las letras transmiten una sensación de anhelo y deseo.

10. "Voyager": esta pista es una melodía alegre y maravillosa con un gancho pegadizo. Tiene riffs de guitarra, sintetizadores estilo arpa de los 80 y una línea de bajo funky.

11. "Veridis Quo": una melodía lenta y atmosférica con una melodía inquietante. El uso de sintetizadores y bucles crea un sonido rico y en capas que evoca una sensación de misterio e intriga. Es una canción barroca de sintetizador "faux-orchestral";

12. "Short Circuit": llena de energía con un gancho pegadizo. Es una canción de electro-R & B con breakbeats y patrones de batería programados.

13. "Face to Face": esta canción es una melodía funky y alegre con un gancho pegadizo. La voz de Todd Edwards agrega un toque conmovedor.

14. "Too Long": La voz de Romanthony agrega un toque conmovedor, mientras que el uso de sintetizadores y bucles crea un sonido rico y en capas. La longitud de la pista permite una acumulación gradual de tensión y liberación, lo que la convierte en un buen cierre para el álbum.

Tracklist:

1.         "One More Time" (con Romanthony)   5:20
2.         "Aerodynamic"                      3:27
3.         "Digital Love" 4:58
4.         "Harder, Better, Faster, Stronger"     3:45
5.         "Crescendolls"            3:31
6.         "Nightvision"             1:44
7.         "Superheroes" 3:57
8.         "High Life"                3:22
9.         "Something About Us"                     3:51
10.       "Voyager"                  3:47
11.       "Veridis Quo"            5:44
12.       "Short Circuit"                       3:26
13.       "Face to Face" (con Todd Edwards)    3:58
14.       "Too Long" (con Romanthony) 10:00 

Samples en "Discovery":

Una de las características distintivas del álbum "Discovery" es el uso de samples de canciones antiguas. Daft Punk utilizó fragmentos de canciones de artistas como Barry Manilow, George Duke, The Imperials, Edwin Birdsong etc. para crear nuevas composiciones. Estos samples se entrelazan hábilmente en las canciones de Discovery, dándoles una sensación de familiaridad y añadiendo capas de significado. 

El uso de samples en Discovery también es una muestra del respeto y la admiración de Daft Punk por la música que los inspiró. Al re-contextualizar estas canciones clásicas, el dúo francés rinde homenaje a sus influencias mientras crea algo completamente nuevo y original.

Crítica del disco Discovery:

El álbum Discovery ha sido aclamado por críticos y fans de la música electrónica por igual. Su combinación de melodías, producción impecable y samples ha sido elogiada como una obra maestra del género. Las canciones como "Harder, Better, Faster, Stronger" y "Something About Us" han sido destacadas como ejemplos de la visión artística de Daft Punk y su habilidad para crear música innovadora.

La crítica también ha elogiado la narrativa sonora del álbum, que se desarrolla a lo largo de las canciones. Esta estructura cohesiva y la atención a los detalles demuestran el nivel de dedicación y habilidad de Daft Punk como compositores y productores.

La evolución del estilo musical de Daft Punk:

Discovery marcó un punto de inflexión en la carrera de Daft Punk y su estilo musical. Antes del álbum, el dúo había explorado principalmente el género del techno y la música de baile (House). Sin embargo, con "Discovery", Daft Punk expandió su sonido y se aventuró en territorios más melódicos y emotivos.

Este cambio en el estilo musical de Daft Punk fue recibido con entusiasmo por los fans y críticos por igual. Demostró la versatilidad y la capacidad de experimentación del dúo, y abrió nuevas puertas para la música electrónica en general.

Y añado, el fuerte uso de "autotune" inspiró a muchos artistas de la música electrónica a utilizar esta herramienta más y más, aunque pocos con la finura y inteligencia de Daft Punk-

El legado de Discovery en la industria de la música electrónica:

El álbum "Discovery" ha dejado un legado duradero en la industria de la música electrónica. Su impacto se puede sentir en la forma en que los artistas producen y crean música en la actualidad. La combinación de elementos retro y futuristas, la atención a los detalles y la narrativa sonora de Discovery han influido en la forma en que se conciben los álbumes y se presentan las canciones.

Además, el éxito comercial de "Discovery" demostró que la música electrónica podía llegar a un público masivo y tener un impacto cultural significativo. Abrió las puertas para que otros artistas del género alcanzaran un éxito similar y ayudó a impulsar la música electrónica al centro de la escena musical.

Disco Recomendado

El álbum "Discovery" de Daft Punk ha dejado una huella imborrable en la historia de la música electrónica. Desde su lanzamiento, "Discovery" ha sido aclamado por críticos y fans, y su legado perdura hasta el día de hoy.

Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar el álbum "Discovery", te animo a que lo hagas y te sumerjas en el viaje sonoro que Daft Punk ha creado. Descubre por ti mismo por qué este álbum es considerado uno de los más icónicos en la historia de la música electrónica.

Video del tema "Harder, Better, Faster, Stronger":

Ficha técnica:

• Daft Punk: voz (pistas 3, 4, 9), codificadores de voz, secuenciadores, muestreo, sintetizadores, piano eléctrico Wurlitzer, guitarras, bajo, talkbox, cajas de ritmos, producción, concepto, dirección de arte.
• Romanthony - voz (pistas 1, 14), coproducción (pista 14)
• Todd Edwards - voz y coproducción (pista 13)
• Nilesh Patel – masterización

Otros recomendaciones:

Si quieres explorar más música similar, aquí tienes algunas recomendaciones. 

Si disfrutas de los ritmos pegadizos, "Random Access Memories" (2013) de Daft Punk es una excelente elección. También puedes explorar el catálogo de artistas como "Justice", "LCD Soundsystem" y "Kavinsky", quienes han sido influenciados por el sonido de Daft Punk.

ERIC B & RAKIM - Follow The Leader

ALBUM: Follow the Leader

El segundo álbum de estudio fue publicado el 25 de julio de 1988. Producido y grabado en "Power Play Studios" en la ciudad de Nueva York, "Follow The Leader" contó con contribuciones musicales del hermano de Rakim, "Stevie Blass Griffin", quien tocó una variedad de instrumentos en el disco. Eric B. y Rakim trabajaron con los ingenieros de audio Carlton Batts y Patrick Adams en el álbum y, de manera similar a su primer álbum, "Paid in Full", se contrató a un "productor fantasma" (The 45 King) para dos canciones.

"Follow The Leader" comienza donde lo dejó su obra maestra y debut "Paid In Full", asegurando que "Eric B & Rakim" dominarán el hip-hop en los años 80. La habilidad de rapear de Rakim está muy por delante de cualquiera de su tiempo, y hay más de él aquí que en "Paid in Full". El álbum también contiene una producción cada vez más compleja por parte de Eric B., quien compone temas llenas de "samples" que soportan maravillosamente los ataques verbales de Rakim. Líricamente, la presencia de Rakim en "Follow The Leader" representa una evolución significativa. Perfeccionando su talento para crear una rima interna convincente dentro de cada línea, Rakim duplicó tanto la velocidad de su entrega como el contenido en sí. Solo una nota más por mi parte, para los fans del hip hop moderno, Rakim no usa "lenguaje obsceno" en su trabajo, ni usa directamente la violencia de los gánsteres o insinuaciones sobre el uso de drogas para poner su rap en contexto. El hombre es un poeta urbano.

Por esto, Rakim fue coronado por muchos como el mejor MC de todos los tiempos. La apertura del álbum es una de sus exhibiciones líricas más ágiles y animadas, lo que demuestra por qué sigue siendo una inspiración para tantos MC hoy. "Lyrics of Fury" se las arregla para superarlo en términos de pura fuerza, utilizando la pausa de "Funky Drummer" de James Brown antes de que saturara las ondas de radio. Y, por supuesto, hay varias obras más del tocadiscos de Eric B. a lo largo de todo el álbum. "Follow the Leader" no abre nuevos caminos, pero captura uno de los mejores conjuntos de puro hip-hop en la cima, y eso es suficiente para hacer de este álbum un clásico.

Un disco recomendado. Una obra que sería un pilar de géneros futuros y subyacentes como el hip hop alternativo, industrial y abstracto. Creo que este álbum no es tan bueno como su predecesor, pero su predecesor fue uno de los mejores álbumes de hip-hop de todos los tiempos. Dicho esto, este ya es un auténtico clásico del hip hop, quizás uno de los grandes referentes de la época de la "vieja escuela". Además, es una clase magistral de rap y flow de uno de los mejores MC, si no el mejor del hip hop.

Video del tema "Follow The Leader":

Tracklist:

1.         "Follow the Leader"   5:36
2.         "Microphone Fiend"   5:17
3.         "Lyrics of Fury"         4:15
4.         "Eric B. Never Scared"          5:21
5.         "Just a Beat"   2:07
6.         "Put Your Hands Together"   5:15
7.         "To the Listeners"       4:32
8.         "No Competition"      3:52
9.         "The R"           3:55
10.       "Musical Massacre"    4:29
11.       "Beats for the Listeners"  4:08

THE AVALANCHES | Since I Left You - Album

The Avalanches (Banda)

Grupo australiano de música electrónica formado en Melbourne en 1997. Actualmente, el grupo consiste de Robbie Chater y Tony Di Blasi.

Al principio, tres miembros formaron "Alarm 115" como un conjunto de noise punk inspirado en Drive Like Jehu & The Fall. La banda estaba formada por Robbie Chater en teclados, Tony Di Blasi en teclados, bajo y coros, y Darren Seltmann con voz. En 1995, Manabu Etoh se unió a la batería.

En 1997 se formó un nuevo grupo formado por Chater, Di Blasi, Seltmann, y Gordon McQuilten en los teclados para tocar en directo. Sus primeros cuatro shows se tocaron con diferentes nombres: "Swinging Monkey Cocks", "Quentin's Brittle Bones" y "Whoops Downs Syndrome". El grupo se convirtió en "The Avalanches" en su quinto concierto, tomando prestado el nuevo nombre de una banda americana de surf rock, que grabó solo un álbum, Ski Surfin 'with the Avalanches, en 1963. Después de tocar como teloneros para "Jon Spencer Blues Explosion" , saltaron a la fama rápidamente y DJ Dexter Fabay se unió al grupo con tocadiscos y teclados.

Han sufrido cambios en la alineación y han publicado hasta ahora tres álbumes:

• Since I Left You (2000)
• Wildflower (2016)
• We Will Always Love You (2020)

Sin alguna duda la obra maestra es el debut "Since I Left You", un disco simplemente extraordinario.

ALBUM: Since I Left You

Debut álbum de estudio publicado el 27 de noviembre de 2000 por un entonces grupo electrónico australiano formado por incondicionales discófilos (coleccionistas de discos) de los que nadie había oído hablar antes. Fue producido por los miembros del grupo Robbie Chater y Darren Seltmann (bajo el seudónimo de "Bobbydazzler"), y "samplea" extensivamente de varios géneros. Es una bestia de primer disco para cualquier banda. Impresionante.

"Since I Left You" fue (y sigue siendo) aclamado por la crítica. Alcanzó su punto máximo en el Top 30 en la lista de álbumes de Australia, el # 8 en las listas de álbumes del Reino Unido y, en los Estados Unidos, llegó al #10 en la lista de los mejores álbumes electrónicos, y en el top 40 en la lista "Top Heatseekers Chart" de Billboard.

Los chicos trabajaron principalmente con samplers "Yamaha Promix 01" y "Akai S2000". Darren Seltmann y Robbie Chater pasaron horas sampleando música de discos de vinilo para crear las canciones del álbum: Chater ha estimado que hay más de 3.500 samples que se utilizaron en general, aunque algunos estiman el número sería mucho más bajo, aproximadamente 900. Después de probar y arreglar, la pareja intercambiaba sus cintas, escuchaba las ideas del otro y ampliaba lo que había escuchado. Las fuentes y samples abarcan muchos estilos diferentes de música, desde artistas como Françoise Hardy, Blowfly, Sérgio Mendes, Dj Shadow, Raekwon, Wayne y Shuster, Madonna, etc. y etc.

Es simplemente una obra maestra. Un festival global de sonidos de principio a fin. Atemporal y construido para cualquier ocasión. Es un álbum salvaje, moderno y natural, vasto y diverso. Dicho de otra manera, una aventura. El álbum comenzó originalmente como un álbum conceptual de una expedición intercontinental por amor. Aunque la idea fue descartada por ser demasiado ambiciosa, aún puedes percibir estos temas de amor y exploración a lo largo del álbum. De hecho, "Since I Left You" es casi una carta de amor a la música en sí misma.

Es difícil poder seleccionar los temas más destacados de un conjunto tan cohesionado, pero tengo un gusto particular por el sonido de vinilo crepitante de "Stay Another Season", los ritmos y las flautas de "Close to You", el número festivo de "A Different Feeling ", la distorsión y el bajo de" Electricity ", el pop divertido de" Frontier Psychiatrist ", el ataque de big beat de" Etoh "y " Live at Dominoes ". En general, cada tema fluye sin problemas a la siguiente, llevándote de viaje. En resumen, este álbum es colorido, vibrante y lleno de vida. 

Un disco recomendado. Sin duda uno de los mejores álbumes electrónicos de los últimos 20 años. Un trabajo tan asombroso que les tomó dieciséis años para crear el siguiente disco capaz incluso de estar a la altura de la brillantez de "Since I Left You". 

Este álbum se sitúa al lado de otros gigantes como "It Takes a Nation of Millions to Hold Us" de Public Enemy", "Paul 's Boutique" de Beastie Boys y "Endtroducing" de DJ Shadow. Estamos hablando de la élite.

Video del tema "Stay Another Season":

Tracklist:

1.         "Since I Left You"     4:22
2.         "Stay Another Season"          2:18
3.         "Radio"           4:22
4.         "Two Hearts in 3/4 Time"      3:23
5.         "Avalanche Rock"      0:22
6.         "Flight Tonight"         3:53
7.         "Close to You"           3:54
8.         "Diners Only" 1:35
9.         "A Different Feeling" 4:22
10.       "Electricity"    3:29
11.       "Tonight"        2:20
12.       "Pablo's Cruise"          0:52
13.       "Frontier Psychiatrist"            4:4
14.       "Etoh" 5:02
15.       "Summer Crane"         4:39
16.       "Little Journey"          1:35
17.       "Live at Dominoes"    5:39
18.       "Extra Kings" 3:46

A TRIBE CALLED QUEST | We Got It from Here... Thank You 4 Your Service - Album

A Tribe Called Quest

Formación americana de Hip-Hop (Queens, New York: East Coast Rap) formado en 1985 y originalmente compuesto por el rapero y productor principal "Q-Tip", el rapero Phife Dawg, DJ y co-productor Ali Shaheed Muhammad y el rapero Jarobi White, quien dejó el conjunto en 1991. Junto con el trío "De La Soul", el grupo "A Tribe Called Quest (ATCQ)  fue una parte central del colectivo de artistas de HIP HOP los "Native Tongues", siendo mayor éxito comercial de todos los grupos que surgieron de ese colectivo. El grupo terminó con la muerte de Phife Dawg en 2016 y publicaron su ultimo disco "We Got It from Here… Thank You 4 Your Service".

A Tribe Called Quest (ATCQ) es considerado como un pionero de la música alternativa de Hip-Hip. El periodista John Bush del portal musical "AllMusic" los llamó "el grupo de rap artístico más inteligente durante la década de 1990". Han influenciado y motivado una larga lista de artistas urbanos como D'Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, André 3000, Kanye West, Talib Kweli, J Dilla, Mos Def, Consequence, Busta Rhymes...etc, músicos todos con tendencias de salirse de la "norma" y practicar su arte en los márgenes, o al menos proponer algo diferente, experimental y socialmente consciente.

La discografía de A Tribe Called Quest:

• People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990)
• The Low End Theory (1991)
• Midnight Marauders (1993)
• Beats, Rhymes and Life (1996)
• The Love Movement (1998)
• We Got It from Here... Thank You 4 Your Service (2016)

Su dos revolucionarios y grandes discos son de debut "People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm" de 1990 y el siguiente "The Low End Theory" de 1991, ambos esenciales en la historia del Hip Hop. No obstante, el ultimo disco de ATCQ "We Got It from Here... Thank You 4 Your Service" de 2016 es una joya y considerado uno de los grandes álbumes de la década de los años 2010.

ALBUM: We Got It from Here... Thank You 4 Your Service

Sexto y último álbum publicado el 11 de noviembre de 2016. Un álbum que grabaron antes de que Phife Dawg falleciera por complicaciones con diabetes y que terminaron el resto de los miembros. El disco cuenta con las colaboraciones de André 3000, Kendrick Lamar, Jack White, Elton John, Kanye West, Anderson Paak, Talib Kweli, Consequence y Busta Rhymes.

Fue el segundo álbum de A Tribe Called Quest en llegar al #1 del Billboard 200. También fue un éxito de la critica musical siendo nombrado como uno de los diez mejores álbumes de 2016. Al año siguiente superó los + 500,000 unidades vendidos y aun sigue gracias a las plataformas de "streaming" que hace el album (y ATCQ) sea más accesible al público joven.

Este disco sale a la luz casi dos décadas despues del ultimo, es despues de la primera ruptura y es el último de ATQC. Q-Tip sirve como motor principal para este álbum: es productor, co-guionista, rapero e instrumentista. Hace programación de batería y toca el bajo y los teclados. El álbum fue grabado en su estudio de casa.

Lo que hace este disco tan bueno es la producción visionaria de Q-Tip que se basa en el Hip-Hop de la "Edad de Oro", el Jazz "old school", samples desconocidos, Dub-reggae y electro, con las contribuciones perfectamente integradas de los invitados. El álbum es intenso y vivo. Como no podía ser de otra manera, también es un homenaje a Phife Dawg lleno de emoción y de la alegría de tener de nuevo ATCQ de vuelta juntos y grabando, aunque sea su última obra. El legado de ATCQ está asegurado, demuestran aqui que son uno de los mejores conjuntos del HIP-HOP de los ultimos tiempos. Disco melancólico, muy cool y con sonidos Jazz en igual medida, la "magia" de "ATQC" todavía sigue aquí despues de 18 años del ultimo álbum y la llama aún arde desde los impresionantes trabajos del debut y segundo disco.

Un disco recomendado, y un muy buen álbum para decir adios de cualquier formación musical. Una pieza que añade gran valor a la coleccion de musica Hip-Hop y música urbana,  y gran referente para jóvenes amantes de la música Rap. Buscarlo y te darás cuenta que el Hip-Hop es más bien un instrumento-herramiento para concienciar a gente sobre temas sociales y no exaltar lo trivial, vulgar y lo irrelevante como se hace ahora.

Video de "A Tribe Called Quest" - "The Space Program":



Tracklist:
1. "The Space Program" 5:40
2. "We the People...." 2:52
3. "Whateva Will Be" 2:52
4. "Solid Wall of Sound" 3:43
5. "Dis Generation" 3:33
6. "Kids..." 3:48
7. "Melatonin" 4:44
8. "Enough!!" 3:20
9. "Mobius" 2:51
10. "Black Spasmodic" 3:03
11. "The Killing Season" 2:43
12. "Lost Somebody" 4:18
13. "Movin Backwards" 4:41
14. "Conrad Tokyo" 3:31
15. "Ego" 3:17
16. "The Donald" 5:22

Samples usados:
"The Space Program"... samples de la película Willy Wonka and the Chocolate Factory
"We the People...."... sample de "Behind the Wall of Sleep" de Black Sabbath
"Whateva Will Be"... samples de "Promised Land" por Nairobi Sisters
"Solid Wall of Sound"... sample de "Bennie and the Jets" por Elton John.
"Dis Generation" ...samples de "Pass the Dutchie" por Musical Youth y "Ruido de magia" por Invisible
"Mobius" ... parte de "Prologue" por Gentle Giant
"Lost Somebody" ...sample de "Halleluwah" por Can
"Movin Backwards"...sample of "The Touch of Your Lips" por The Emotions

BEASTIE BOYS - PAUL´S BOUTIQUE

Una obra maestra de sampling

Un homenaje a la obra maestra del "sampling", el álbum "Paul´s Boutique" de the BEASTIE BOYS producido con los "Dust Brothers". Lanzado en 1989 es el segundo disco de BB y la obra más increíble de su género, un disco casi imposible de reproducir hoy por la "leyes" de copyright aplicadas.

La revista "Rolling Stone" lo sitúa en el número 156 de su "Top 500 List" histórico

Aquí a continuación un enlace para poder tener acceso a los temas del álbum y a su vez investigar de donde vienen todos los samples utilizados (Ver aquí -> Samples List) . Una tarea para este fin de semana mientras escuchas el disco... vas a flipar de donde encuentran y como utilizan los diferentes cortes de los originales.

Video de "B-Boy Bouillabaisse":

A. 59 Chrystie Street 0:00

B. Get on the Mic 0:56

C. Stop That Train 2:10

D. A Year and a Day 4:09

E. Hello Brooklyn 6:30

F. Dropping Names 8:02

G. Lay It on Me 9:04

H. Mike on the Mic 10:05

I.  A.W.O.L. 10:46

J. To All The Girls (Reprise) 11:58