THE KILLERS - Hot Fuss - Album

Antes de adentrarnos en las canciones y su historia, vale la pena detenerse a considerar qué hizo del álbum "Hot Fuss" un debut tan inusual. A principios de la década de 2000, abundaban las bandas que buscaban influencias retro, pero muy pocas lograron dejar una huella duradera. Algunas se desvanecieron tras uno o dos éxitos en la radio, mientras que otras se forjaron un nicho demasiado estrecho como para trascenderlo. Sin embargo, la banda de Las Vegas, "The Killers", logró un equilibrio excepcional: rememoraron el glamour de los 80, lo filtraron a través de la urgencia del resurgimiento del post-punk y lo envolvieron con un pulido que tuvo sentido tanto en la radio alternativa como en las listas de éxitos. Esta combinación es lo que le da a su primer álbum su intriga, y también la razón por la que, incluso si has escuchado sus canciones más famosas innumerables veces, el disco en su conjunto aún merece una recomendación en este blog de música.

ALBUM: Hot Fuss

Nunca me he considerado un seguidor fiel del cuarteto de Las Vegas, pero su edición de 2004 me llamó la atención. Al escucharlo muchos años después, no solo me atrae la nostalgia, sino también el reconocimiento de que este disco sigue siendo una introducción impactante al nuevo milenio.

Llegó en el momento justo:

Publicado en junio de 2004, primero en el Reino Unido y luego en Estados Unidos, "Hot Fuss" aterrizó en una época en la que la música con influencias guitarrísticas volvía a estar de moda. Bandas con inclinaciones post-punk como Franz Ferdinand, Interpol y The Futureheads se apoderaban de las listas de reproducción y los escenarios, y The Killers se integraron con naturalidad en esa corriente. Si bien compartían influencias, no se limitaban a imitarlas. Su combinación de texturas new wave, sintetizadores brillantes y ganchos con un toque pop pulido forjó un espacio que resultaba familiar y vanguardista.

El momento fue casi perfecto. Los primeros sencillos "Mr. Brightside" y "Somebody Told Me" ya habían causado sensación antes del lanzamiento del álbum. Para cuando el disco llegó a los oyentes, The Killers estaban listos para dar el salto de los clubes a los estadios, y lo hicieron con una velocidad asombrosa. En un año, "Hot Fuss" se convirtió en disco de platino en varios países, vendiendo más de siete millones de copias en todo el mundo.

Orígenes e inspiraciones:

La gestación del disco no fue tan fluida como su pulida apariencia sugiere. La mayoría de las canciones se grabaron en 2003 con el productor Jeff Saltzman en California. Una excepción, "Everything Will Be Alright", se grabó de forma más informal en el apartamento del guitarrista Dave Keuning. La banda incluso debatió si su material se mantenía en pie después de escuchar Is This It de The Strokes. Brandon Flowers admitió haber descartado casi todo en lo que habían estado trabajando, excepto "Mr. Brightside". Fue un reinicio audaz que finalmente les benefició, ya que esa canción se convertiría en su himno definitivo.

Al escuchar "Hot Fuss", las influencias son evidentes. Hay un pulso que recuerda a New Order, un brillo teatral que recuerda a Duran Duran e incluso el drama gótico de The Cure, entretejido en su esencia. Pero en lugar de sonar como un disfraz del pasado, el álbum proyectaba cierta confianza, como si The Killers estuvieran reconstruyendo sonidos antiguos en algo brillante y fresco para una nueva década.

Canción por canción:

El tema inicial, "Jenny Was a Friend of Mine", no pierde tiempo en establecer un tono dramático. Construido sobre una línea de bajo vibrante y con un matiz de narrativa noir, introduce el álbum con una mezcla de energía e inquietud. Para mí, sigue siendo uno de los temas iniciales más efectivos de principios de los 2000.

Le sigue "Mr. Brightside", y aunque su omnipresencia en las últimas décadas a veces la hace fácil de pasar por alto, es innegable su poder. Escrita tras el desamor de Flowers, la canción es cruda pero pulida, con un ritmo ansioso que captura los celos en tiempo real. Su permanencia en las plataformas de streaming confirma su inusual capacidad de permanencia, algo inusual para una canción tan sobreexpuesta.

"Smile Like You Mean It" ralentiza ligeramente el ritmo, ofreciendo melancolía envuelta en sintetizadores brillantes. Se siente como un puente entre la sensibilidad pop del grupo y sus influencias más oscuras. "Somebody Told Me", en cambio, rebosa de una bravuconería juguetona. Con sus letras andróginas y sus riffs de guitarra angulares, se convirtió en una de las canciones definitorias de ese verano, una pieza hecha tanto para las pistas de baile indie como para la radio comercial.

El quinto corte, "All These Things That I've Done", revela la disposición de la banda a asumir riesgos. El estribillo con tintes gospel, "I got soul, but I'm not a soldiers", podría parecer absurdo en teoría, pero se convirtió en uno de los cánticos más memorables de la época. La ambición es notable, aunque el cambio de estilo se distinga ligeramente del resto del disco.

A partir de ahí, el álbum alterna entre joyas infravaloradas y florituras arrolladoras. "Andy, You're a Star" tiene un tono amenazante; "On Top" es alegre y festiva; "Change Your Mind" introduce texturas más suaves que aún resuenan; Mientras que "Believe Me Natalie" se convierte en una pieza multifacética que muestra el alcance del grupo. "Midnight Show" es un punto culminante, parte de una trilogía en el catálogo de la banda, que late con urgencia cinematográfica.

La secuencia final también merece mención. "Everything Will Be Alright" se adentra en la electrónica al estilo de Radiohead, un marcado contraste con lo anterior. Luego, con "Glamorous Indie Rock & Roll" (un bonus track en algunas ediciones), la banda cierra el círculo con una declaración irónica pero contundente de su lugar en el panorama del indie-rock.

Impacto crítico y comercial:

En el momento del lanzamiento, la crítica no tardó en destacar la habilidad de la banda para los estribillos. Rolling Stone lo describió como "todo un éxito, nada de relleno". La prensa británica se mostró igualmente entusiasta, lo que contribuyó a impulsar el álbum al número uno en el Reino Unido. En Estados Unidos, alcanzó el número siete en el Billboard 200. Le siguieron cinco nominaciones al Grammy, lo que confirmó que The Killers habían tenido un impacto mucho más allá de la escena indie.

En retrospectiva, lo que impresiona es la gran capacidad de estas canciones para el concierto. La banda realizó giras incansables en 2004 y 2005, teloneando a íconos como Morrissey antes de agotar las entradas de sus propios conciertos como cabezas de cartel. Canciones como "Somebody Told Me" y "All These Things That I've Done" se convirtieron rápidamente en clásicos en vivo, consolidándose como estándares modernos.

Por qué es una recomendación:

Lo que le da a "Hot Fuss" su permanencia no son solo sus éxitos, aunque estos son innegables. Es la forma en que el disco logra equilibrar la exuberancia juvenil con una genuina carga emocional. Las canciones son lo suficientemente pegadizas como para atraer a oyentes ocasionales, pero lo suficientemente detalladas como para animar a los que repiten.

Incluso después de años, sigo encontrando algo nuevo en "Jenny Was a Friend of Mine" o "Believe Me Natalie". Eso, para mí, es señal de que vale la pena volver a escuchar un disco. No importa si escuchaste estas canciones por primera vez en la adolescencia o si las descubres ahora por primera vez: hay una inmediatez que aún resuena.

Disco recomendado

Puede que The Killers hayan ampliado su sonido en álbumes como Sam's Town y Day & Age, pero su debut sigue siendo una referencia. "Hot Fuss" capturó un momento específico de 2004, a la vez que lo trascendió. Fusionó el revivalismo post-punk con la ambición pop, creando algo a la vez elegante y sustancial.

Si nunca has escuchado el álbum completo, te recomiendo que te tomes un tiempo. Ve más allá de "Mr. Brightside" y "Somebody Told Me" y déjate llevar por la variedad que llena el disco. Décadas después, "Hot Fuss" no es sólo un debut congelado en el tiempo: es un recordatorio de cómo una joven banda de Las Vegas logró iluminar el escenario mundial con confianza y estilo.

Video del tema "Mr. Brightside":

Tracklist:

1. "Jenny Was a Friend of Mine" 4:04
2. "Mr. Brightside" 3:43
3. "Smile Like You Mean It" 3:54
4. "Somebody Told Me" 3:17
5. "All These Things That I've Done" 5:01
6. "Andy, You're a Star" 3:14
7. "On Top" 4:18
8. "Change Your Mind" 3:11
9. "Believe Me Natalie" 5:05
10. "Midnight Show" 4:02
11. "Everything Will Be Alright" 5:45

The Killers:

• Brandon Flowers – voz, sintetizador
• Dave Keuning – guitarra
• Mark Stoermer – bajo
• Ronnie Vannucci Jr. – batería

Músicos adicionales:

• Sweet Inspirations – coro gospel (pistas 5 y 6)

Técnica:

• Jeff Saltzman – producción, grabación (pistas 1-10)
• The Killers – producción (pistas 1-10)
• Brandon Flowers – producción (pista 11)

THE KNACK - Get The Knack - Album (Revisited)

 Antes de profundizar en las canciones, permítanme explicar por qué vale la pena revisitar este álbum a continuación. "Get the Knack" llegó en junio de 1979 como una descarga eléctrica: guitarras limpias, energía nerviosa y una racha de éxitos en las listas que aún lucen escandalosos, semanas en el número uno, un sencillo que dominó el verano y una reputación en vivo labrada en clubes abarrotados de Los Ángeles. También trajo consigo su bagaje, bravuconería publicitaria, fricción con la prensa y letras que provocaron discusiones entonces y aún lo hacen. No estoy aquí para revivir viejas disputas. Estoy aquí para revisitar, con los oídos atentos a la música y los ojos abiertos al contexto, y explicar por qué este álbum debut sigue cautivando desde el principio. Es una recomendación para los lectores de este blog musical.

ALBUM: Get the Knack

Un debut que llegó como un coche rápido en un verano. He vivido con "Get the Knack" lo suficiente como para conocer las discusiones en torno a él. Pero cada vez que lo escucho, primero con curiosidad, luego con oídos maduros, escucho a una banda que entendió cómo la inmediatez, la melodía y la batería inquieta pueden convertir una canción de tres minutos en una pequeña detonación.

Esto es lo que no se discute. "Get the Knack", publico en junio de 1979, fue un fenómeno: más de un millón de copias en menos de dos meses, cinco semanas en el número uno del Billboard 200 y un sencillo principal, "My Sharona", que dominó el Billboard Hot 100 durante seis semanas y se convirtió en el sencillo pop más popular de Billboard en 1979. "Good Girls Don't" ascendió al número 11 del Hot 100 y alcanzó el número uno en Canadá. El álbum llegó al número 16 en la lista de fin de año de Billboard en 1979 y al número 72 en 1980. Esas cifras no son exageraciones; Son historia.

Del club al estudio:

La velocidad de su ascenso aún sorprende. The Knack se formó en Los Ángeles en mayo de 1978 e inmediatamente arrasó en el circuito local, con más de 50 conciertos en seis meses, hasta que el revuelo se volvió innegable. Tom Petty, Ray Manzarek y Bruce Springsteen se subieron al escenario en los clubes; para diciembre, trece sellos discográficos los cortejaban. Capitol ganó en enero de 1979. El productor Mike Chapman grabó el álbum con la banda en un sprint de dos semanas que mantuvo los arreglos concisos y el ataque urgente. Suena a lo que era: cuatro músicos tocando como si su set estuviera a punto de terminar y necesitaran ganarse la sala ya.

Parte de esa urgencia proviene de los músicos. La batería de Bruce Gary es intensa en el mejor sentido de la palabra, propulsiva e inventiva, claramente influenciada por su amor por Keith Moon, pero nunca descuidada. Prescott Niles hilvana contramelodías en el bajo que se niegan a ser mero lastre. Berton Averre canta armonías y lanza líneas de guitarra pegadizas y ágiles. Y Doug Fieger, con sonrisas pícaras y un deseo indomable, dirige las canciones con una voz que se adapta al ritmo y una pluma que rara vez parpadea.

El sonido: guitarras limpias, corazones nerviosos.

Si quieres ubicar el álbum sonoramente, piensa en lo melódico de mediados de los sesenta, tensado por el nerviosismo de finales de los setenta. Guitarras limpias, estribillos agudos, coros con coros que encajan a la perfección. El primer tema marca el tono. "Let Me Out" es una explosión de aceleración que no cesa; el estribillo se siente como una puerta que se abre de una patada. "Your Number" o "Your Name" se mueve sobre el ritmo elástico de Gary, mientras que Averre envuelve la melodía de Fieger con brillantes filigranas. "Oh Tara" se eleva con el bajo animado de Niles, dándole a la canción una vitalidad que socava su frustración romántica. "Maybe Tonight", la única balada auténtica aquí, revela una banda capaz de calidez y espacio: brillo acústico, armonías pacientes y un cambio de tonalidad que aterriza como un aliento esperanzador.

My Sharona: el arte del riff irresistible

Fue escrita sobre una persona real, Sharona Alperin, de quien Fieger se enamoró con una fuerza vertiginosa, y suena como un enamoramiento expresado en ritmo. "My Sharona" es pura reverberación: la figura de guitarra que salta octavas, el chasquido de la caja, el fraseo entrecortado que le debe algo a My Generation de The Who sin parecer una imitación. Cuando el pulso se endereza para el largo solo, Averre Arde con la misma intensidad que los grandes guitarristas cuando la canción les abre las puertas y les dice que no miren atrás. La radio pop la convirtió en un clásico porque es imposible no emocionarse con ella; la radio rock la conservó porque la banda la interpreta como un desafío.

Video del tema "My Sharona":

La otra cara:

El punto álgido del disco siempre han sido sus letras. La composición de Fieger es un estudio de la bravuconería adolescente y la franqueza incómoda: obscena, a veces cruda, a menudo divertida y en ocasiones irreflexiva. "Good Girls Don't" es el mejor ejemplo de cómo la banda equilibró todo eso. El toque de armónica da paso a un estribillo que no te abandonará la cabeza, las armonías son brillantes como un día de verano y el arreglo es pura economía pop. También es una canción que nació en 1972 con versos demasiado crudos para la radio; el sencillo suavizó sus frases más provocativas para la radio. Se puede percibir tanto el atractivo como la incomodidad en los mismos tres minutos, lo que en parte explica por qué sigue dando que hablar.

La misma tensión se percibe en "(She's So) Selfish" y "That's What the Little Girls Do", temas cuyo sarcasmo y comentarios lascivos irritaron a muchos oyentes en 1979 y aún hoy. No disculpo las líneas débiles o mezquinas, y algunas aquí no han envejecido bien. Lo que escucho, sin embargo, es una instantánea de la cultura juvenil de finales de los setenta filtrada a través de una banda que se inclinó hacia la provocación y el doble sentido. Si vas a revisitar el álbum, fíjate en la imagen completa: alegría en el sonido, impaciencia en la postura y una libido sin adornos que a veces socava la técnica.

Canciones que valen la pena:

Parte del éxito de "Get the Knack" reside en la cantidad de momentos que no son sencillos que invitan a la repetición. "Heartbeat" es una versión inteligente y ligeramente más dura de Buddy Holly que permite que la sección rítmica se pavonee sin presumir. "Lucinda" es discreta y encantadora, prueba de que la banda podía matizar su paleta sin desdibujar su identidad. "Siamese Twins (The Monkey and Me)" es más extraña y abrupta que los éxitos de la radio, un vistazo a los caminos que podrían haber explorado si las circunstancias lo hubieran permitido. Y "Frustrated" cierra el set con fuerza R&B y un estribillo que hace honor al título, guitarra rítmica staccato, cero arrastre, una salida llena de adrenalina.

La reacción negativa:

Es imposible hablar de este álbum sin mencionar la tormenta que le siguió. Capitol Records se inclinó mucho por las comparaciones con los primeros Beatles; el diseño del sello, la fotografía, la narrativa de un debut fulgurante y una contranarrativa surgieron con la misma rapidez. Las camisetas de "Knuke the Knack" estaban por todas partes. La reticencia de la banda a participar en el juego de la prensa endureció las opiniones. Cuando el apresurado lanzamiento posterior fracasó, algunos críticos interpretaron el éxito inicial como un espejismo. La realidad es más matizada. The Knack eran una banda en vivo sólida que grabó su primer disco rápidamente y causó sensación. La combinación de bombo y alegría contradictoria eclipsó lo que la música ya había demostrado.

Escuchando ahora:

Lo que se mantiene en 2025 es la interpretación, la arquitectura de los coros y la forma en que los mejores números explotan sin ser recargados. El sonido de la batería de Bruce Gary se siente tan fresco como cualquier otro en el rock estadounidense de finales de los setenta, y las líneas de Prescott Niles merecen atención. El solo de Berton Averre en "My Sharona" sigue siendo una pequeña clase magistral de tensión y liberación. La voz de Doug Fieger, mitad fanfarronería, mitad súplica, le da al álbum su sello humano. Y sí, algunas letras resuenan. Se puede reconocer eso, decirlo claramente, y aun así reconocer la maestría y la vitalidad que hicieron del disco un éxito rotundo.

Si descubres The Knack por primera vez, ven por el famoso single, pero quédate por la secuencia y los pequeños detalles: la forma en que "Let Me Out" prepara el escenario; la subida en "Oh Tara" cuando el bajo se impone bajo el estribillo; la paciencia radiante de "Maybe Tonight"; el ritmo y el swing de "Heartbeat". Si no lo has escuchado en años, escucha más allá de los viejos argumentos. Deja de lado el discurso y encontrarás un debut que sabe exactamente lo que quiere hacer y lo hace con una confianza firme.

Disco recomendado

"Get the Knack" fue uno de los debuts más exitosos de su época con razón. Combina un pop de guitarra limpio e impactante con una batería que nunca deja de inventar, incorpora armonías que perduran y ofrece canciones que la gente todavía canta sin que nadie se lo pida. Recomiendo este disco a cualquiera que ame el power rock melódico y quiera entender por qué un lanzamiento del verano de 1979 tuvo tanto éxito y por qué sigue sonando en los altavoces hoy en día. Pónganlo, escúchenlo a todo volumen y dejen que el estribillo suene con fuerza.

Video del tema "Let Me Out":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1. "Let Me Out" Doug Fieger, Berton Averre 2:20
2. "Your Number or Your Name" Fieger, Averre 2:57
3. "Oh Tara" Fieger 3:04
4. "(She's So) Selfish" Fieger, Averre 4:30
5. "Maybe Tonight" Fieger 4:00
6. "Good Girls Don't" Fieger 3:07

Cara B:

7. "My Sharona" Fieger, Averre 4:52
8. "Heartbeat" Bob Montgomery, Norman Petty 2:11
9. "Siamese Twins (The Monkey and Me)" Fieger, Averre 3:25
10. "Lucinda" Fieger, Averre 4:00
11. "That's What the Little Girls Do" Fieger 2:41
12. "Frustrated" Fieger, Averre 3:51

The Knack

• Doug Fieger – voz principal y coros, guitarra rítmica, armónica en "Good Girls Don't"
• Berton Averre – guitarra principal, coros
• Prescott Niles – bajo, coros en "My Sharona"
• Bruce Gary – batería, coros en "My Sharona"

Personal adicional

• Mike Chapman – producción
• David Tickle – grabación, coros en "My Sharona"

THE CARS - The Cars - Album

Si disfrutas descubriendo álbumes que se sienten atemporales y curiosamente adelantados a su tiempo, "The Cars" es uno de esos raros discos que lo cumple todo. Editado en 1978, este debut no causó gran revuelo, simplemente redefinió discretamente la música rock estadounidense. No necesitas ser un fan de la nostalgia de los 70 (siglo XX) ni un purista de la new wave para apreciar lo que aquí se esconde. Lo que "The Cars" ofrece son 35 minutos de composición aguda, ironía fresca y algunas de las canciones con una estructura más adictiva jamás grabada en vinilo. Si nunca has escuchado este álbum de principio a fin, o si hace tiempo que no lo escuchas, esta es tu invitación. Veamos juntos en este blog de música por qué sigue vigente.

ALBUM: The Cars

Publicado en junio de 1978, "The Cars" no solo marcó la llegada de una banda de Boston con gusto por los sintetizadores, sino que silenciosamente redefinió los límites del rock estadounidense. En un año ya cargado de los últimos estertores de la música disco y la cruda burla del punk, este sencillo disco de nueve canciones demostró que había otro camino a seguir. No buscaba llamar la atención a gritos. Simplemente se desenvolvía, limpio y fresco, y dejaba que las canciones hicieran su trabajo.

Décadas después, todavía me sorprende lo completo que se siente este álbum. Es como si Ric Ocasek y el resto de la banda, Benjamin Orr, Elliot Easton, David Robinson y Greg Hawkes, supieran exactamente lo que querían decir desde el momento en que lo grabaron. Su debut no es solo una colección de canciones pop pegadizas. Es un mundo autocontenido donde el sarcasmo y la sinceridad conviven, y donde las guitarras y los teclados tienen el mismo protagonismo.

Buenos tiempos, tiempos irónicos:

El álbum abre con el tema "Good Times Roll", y es un comienzo curioso. Con su estructura de acordes descendente y un tempo casi glacial, la canción se siente más como una exhalación lenta que como una celebración. La inexpresiva entrega vocal de Ocasek socava la supuesta alegría de la letra: "Let the good times roll / Let they knock you around" (Deja que los buenos tiempos rueden / Deja que te golpeen). No es exactamente cínica, pero sí que hay algo que levanta una ceja. Las armonías surgen de un guión inspirado en Queen, lo cual no sorprende dado el historial del productor Roy Thomas Baker, y sin embargo nunca resultan indulgentes. El equilibrio entre drama y desapego se maneja con una precisión casi quirúrgica.

Amor, lujuria y perdedores:

Una de las cualidades más destacadas de "The Cars" es cómo disfraza la incomodidad emocional con brillantes ganchos pop. "Take My Best Friend's Girl" (Toma a la chica de mi mejor amigo). Es juguetona, construida alrededor de riffs de guitarra rockabilly y palmas, pero en su centro se encuentra una letra sobre la humillación silenciosa. “Es la chica de mi mejor amigo / Pero solía ser mía”. Dicho sin amargura, el verso se impone. Ese es el truco de Ocasek: se repliega, nunca busca compasión, y de alguna manera eso hace que las canciones sean aún más cercanas.

Luego llega "Just What I Needed". Benjamin Orr interviene en la voz y, de repente, el registro emocional de la banda se profundiza. Su voz, firme, un poco distante, nos guía a través de lo que podría ser el punto álgido emocional del álbum. La letra parece una carta de amor pasivo-agresiva, llena de negación: “No es el perfume que usas / No son las cintas en tu pelo”. Pero, por supuesto, lo es. La tensión entre lo que se dice y lo que se quiere decir es lo que le da a esta canción su fuerza. El solo de guitarra de Easton corta como un bisturí, mientras que las líneas descendentes de sintetizador de Greg Hawkes lo envuelven todo en cromo.

Poniendo en escena “World” y “Stereo”:

Todo gran álbum tiene sus peculiaridades, y "The Cars" las tiene. "I’m In Touch With Your World" es un desvío extraño y espacial. Si el álbum fuera una ciudad, esta canción sería la comunidad de artistas en un almacén reconvertido. Campanas, pitidos, vibraslaps y jerga de ciencia ficción se arremolinan en una especie de collage sonoro surrealista. No tiene la misma fuerza que los éxitos pop, pero añade textura y, sinceramente, una grata rareza.

Luego está "Moving In Stereo". Este tema es pura atmósfera: un ritmo vibrante e hipnótico construido sobre trémolo, neblina de sintetizador y líneas de guitarra perfectamente sincronizadas. Orr vuelve a centrar la canción con una voz fresca y distante. Es uno de los pocos momentos del álbum donde sientes que el tiempo se ralentiza por completo.

Agudos y nervios de acero:

Aunque a menudo elogiada por su refinamiento, "The Cars" no rehúye la agresividad. "Don't Cha Stop" coquetea con el punk, con un ritmo impetuoso y una batería vibrante. No es furiosa, es demasiado juguetona para serlo, pero da la sensación de que la banda abandonó brevemente sus inclinaciones artísticas para disfrutar de tres minutos de una fiesta de garage-rock. Hay un caos controlado que impide que la energía del álbum se asiente en un ritmo cómodo.

Lo mismo ocurre con "You're All I've Got Tonight". Es una canción sobre un anhelo desesperado, y todo en el arreglo lo refleja: el riff de guitarra irregular, la batería rítmica, los ritmos intermitentes que construyen un estribillo desquiciado. Ocasek suena como si estuviera suplicando, pero todo está enterrado bajo capas de bravuconería. Esa es la belleza de este álbum: incluso cuando las emociones se desbordan, nadie pierde la calma.

Cortes infravalorados y una despedida perfecta:

"Bye Bye Love" es otra canción que nunca se convirtió en sencillo, pero que sigue cobrando vida en las listas de reproducción de rock clásico. La estrofa se siente más compacta y melódica que el estribillo, y la interpretación de Orr mantiene la esencia, incluso cuando las líneas de sintetizador de Hawkes empiezan a bailar alrededor de la melodía. Easton y Robinson brillan aquí, los solos de guitarra son sobrios y la batería lo domina todo con firmeza.

"All Mixed Up" cierra el álbum con una ternura sorprendente. Hay una sensación de desenredo emocional y el saxofón que se une cerca del final es una de las únicas sorpresas del álbum. Es un cierre que no busca una explosión, sino un suave desvanecimiento hacia la reflexión.

Este disco sigue siendo importante:

Al escuchar "The Cars" en 2025, es difícil no notar su sonido atemporal. La producción es limpia pero no estéril. La composición es nítida sin ser ostentosa. Y, sobre todo, la banda suena como si se estuviera divirtiendo, sin intentar convencerte de ello.

Sin duda, este debut ayudó a definir lo que sería la New Wave. Pero a diferencia de algunas de las bandas que se subieron a esa ola en los 80 (siglo XX), "The Cars" nunca perdió el contacto con las raíces del rock que los cimentaron. No les interesaba ser vanguardistas solo por serlo. Su uso de sintetizadores se sentía intencional, incluso cauteloso, y sus instintos pop nunca se vieron absorbidos por la maquinaria.

Para quienes buscan una forma de adentrarse en el rock de finales de los 70 sin depender de solos recargados ni de una furia nihilista, "The Cars" ofrece una alternativa ingeniosa, extraña e implacablemente escuchable. No necesitas nostalgia para disfrutarlo. Ni siquiera necesitas contexto. Solo necesitas oídos y 35 minutos.

Disco recomendado

Tanto si te inicias en el rock estadounidense como si buscas un disco que se mantenga vigente a pesar de su antigüedad, "The Cars" merece un lugar privilegiado en tu colección. Es uno de esos raros debuts que impacta con fuerza sin alargarse demasiado. He vuelto a este álbum una y otra vez a lo largo de los años, y cada vez encuentro algo nuevo en sus ángulos, sus sombras o sus pícaras sonrisas.

Es más que una gran primera impresión. Es un recordatorio de que, a veces, la mejor manera de innovar es cortar el ruido y dejar que las canciones suenen.

Video del tema "Good Times Roll":

Tracklist (formato original LP):

Cara A:

1. "Good Times Roll" Ocasek 3:44
2. "My Best Friend's Girl" Ocasek 3:43
3. "Just What I Needed" Benjamin Orr 3:44
4. "I'm in Touch with Your World" Ocasek 3:31
5. "Don't Cha Stop" Ocasek 3:01

Cara B:

6. "You're All I've Got Tonight" Ocasek 4:13
7. "Bye Bye Love" Orr 4:14
8. "Moving in Stereo" Orr 4:46
9. "All Mixed Up" Orr 4:14

The Cars:

• Ric Ocasek – voz, guitarra rítmica
• Elliot Easton – guitarra principal, coros
• Benjamin Orr – voz, bajo
• David Robinson – batería, percusión, Syndrums, coros
• Greg Hawkes – teclados, percusión, saxofón, coros

Técnica:

• Roy Thomas Baker – producción
  

Otro álbum de The Cars para recomendar: "Heartbeat City"

CHEAP TRICK - At The Budokan - Album (Live)

Es una de las muchas grandes historias del rock tipo "cenicienta". La banda estadounidense CHEAP TRICK no pudo romper el mercado estadounidense, sin embargo, triunfaban en Japón. El sello discográfico japonés quería grabar y lanzar un álbum "EN VIVO". Lo hicieron y sólo iba a ser editado en Japón, pero vendió tantas unidades que fue lanzado al mundo, vendiendo más de 3 millones de copias. El LP "At The Budokan" rompió "Cheap Trick" en los Estados Unidos y a nivel mundial al convertir el mencionado disco en uno de los grandes álbumes en directo de la historia del rock, un LP emblemático especialmente para el género power-pop.

 

ALBUM: Cheap Trick at Budokan (o simplemente "At the Budokan")

 
Es el primer álbum en vivo de la banda estadounidense de rock "Cheap Trick" y su disco más vendido. Grabado en el "Nippon Budokan" de Tokio (Japón), el álbum fue publicado por primera vez en Japón el 8 de octubre de 1978 y posteriormente en Estados Unidos en febrero de 1979.

El LP "At The Budokan" impulsó la popularidad de la banda y se convirtió en uno de los mejores álbumes de rock en vivo de todos los tiempos y un clásico del género power pop. En 2019, el álbum fue seleccionado por la "Biblioteca del Congreso" para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos" por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".

Tal vez fue el ingeniero de grabación con el toque mágico, tal vez fue una banda que disfrutaba de triunfar después de luchar durante tanto tiempo, tal vez sonaban más heavy en el escenario o tal vez fueron los miembros de la banda tratando de impresionar a miles de fans femeninas que gritaban. Cualquiera sea el motivo, la grabación final es excepcional. Batería con mucha energía, guitarra ruidosa y apasionada, voces a todo gas, melodías encantadoras, armonías sorprendentes y la energía de la banda para sacar lo mejor de sí. Y todo se junta en esta obra maestra.

El éxito comercial de "At Budokan" confirmó a "Cheap Trick" como una de las mejores bandas en directo de los años 70 (siglo xx). La enorme base de fans de Japón llevó a la banda a la cima en América del Norte con una poderosa y animada interpretación de muchas de sus exitosas canciones de sus dos primeros álbumes: Cheap Trick (1977) e In Color (1977).

El concierto contó con siete canciones escritas por el guitarrista Rick Nielson, incluido “Hello There” y algo de material nuevo. Uno de ellos fue el futuro éxito "Need Your Love" (coescrito por Nielson y el bajista Tom Petersson) y una versión del viejo clásico de Nueva Orleans de Fats Domino, "Ain't That A Shame".

El rendimiento general es excelente. La batería agresiva de Bun E.Carlos y el increíble trabajo de guitarra de Rick Nielsen arrasaron en todo el espectáculo. Esto es puro rock n' roll, pop y pegadizo, con un toque de dulzura. Un álbum en directo ahora clásico que está a la altura de "Made in Japan" de Deep Purple y el resto de álbumes en vivo clásicos de la era de los 70.

Si nunca antes has escuchado una sola canción de "Cheap Trick", deberías comenzar aquí. Este es un álbum icónico que merece absolutamente su estatus y realmente representa el poder de la música en vivo. Esto es algo que todo aficionado a la música debe escuchar.

 

Disco recomendado

 
"Cheap Trick", sin saberlo, allanó el camino para gran parte del rock pop de la década siguiente, así como para una sorprendente cantidad de rock alternativo de los años 1990 (ejemplos Foo Fighters, Weezer, Smashing Pumpkins, The Raconteurs) y fue "At Budokan" que capturó la banda en todo su poder. No es fácil encontrar álbumes en vivo tan enérgicos y puramente divertidos como este.

Un potente álbum de rock pop en directo muy recomendado que debe escucharse y disfrutarse. "Cheap Trick" una banda excelente, no hay duda.

Video del tema "I Want You to Want Me" (Live):

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Hello There"             2:27
2.         "Come On, Come On"           3:03
3.         "Lookout"                  3:15
4.         "Big Eyes"                 3:47
5.         "Need Your Love"     9:07 

Cara B:

6.         "Ain't That a Shame"             5:10
7.         "I Want You to Want Me"                3:38
8.         "Surrender"                            4:40
9.         "Goodnight Now"                             2:42
10.       "Clock Strikes Ten"               4:11

Cheap Trick: (Músicos):

• Robin Zander - voz principal, guitarra rítmica
• Rick Nielsen - guitarra principal, coros
• Tom Petersson – bajo, coros
• Bun E. Carlos – batería

Técnico:

Cheap Trick – productores

SUPERTRAMP - Breakfast in America - Album

Hay álbumes que existen en los que todo se junta, la flor de la composición, la flor de los arreglos, la flor de la interpretación, la esencia de lo que es un artista o una banda, todo emerge en uno. Uno de esos álbumes es "Breakfast in America" de la banda británica "Supertramp".

Dicho esto, dedicaré un post en este blog de música al LP "Breakfast in America" y lo voy a recomendar a aquellos que aún no conocen esta obra. Para aquellos lectores veteranos como yo, este álbum es bien conocido, sin embargo, el lector más joven puede que no conozca y podría ser una gran adición a su librería musical o a sus playlists.

 

ALBUM: Breakfast in America

 
El sexto disco de estudio de la banda de rock inglesa "Supertramp", fue publicado el 16 de marzo de 1979. Ofreció tres sencillos exitosos (hits en los EE.UU): "The Logical Song", "Goodbye Stranger" y "Take the Long Long Way Home". Tiene una certificación RIAA de cuádruple platino y se convirtió en el álbum más vendido de "Supertramp"; en la década de 1990, el álbum había ya vendido más de 20 millones de unidades en todo el mundo (todavía se sigue vendiendo hoy). Ocupó el puesto número 1 en la lista de álbumes pop de Billboard durante seis semanas. El álbum también alcanzó el puesto número 1 en Noruega, Austria, Alemania Occidental, Países Bajos, España, Canadá, Australia y Francia. Se puede afirmar cómodamente qué "Breakfast in America" es para muchos el mejor disco de "Supertramp" y uno de mis favoritos (junto con el maravilloso "Crime of the Century").

Este LP también marca un cambio desde los orígenes del rock progresivo de "Supertramp" hacia una orientación más rock pop, una transición que comenzó con su álbum anterior, "Even in the Quietest Moments". Sea así como es, lo que no se puede negar es que los elementos pop y de rock progresivo que la banda presenta en "Breakfast in America" son impecables.

Para los curiosos, en la portada del álbum aparece la isla de Manhattan (Nueva York) a través de la ventana de un avión. Fue diseñado por Mike Doud y Mick Haggerty. La imagen muestra a Kate Murtagh (conocida actriz estadounidense), vestida de camarera.

Rick Davies y Roger Hodgson escribieron la mayoría de sus canciones por separado, pero concibieron el tema del álbum juntos. Todos los miembros de "Supertramp" han insistido en que las repetidas referencias a la cultura estadounidense son pura coincidencia. Roger Hodgson proporcionó los éxitos, mientras que Rick Davies no era un artesano del pop tan talentoso, pero sus contribuciones dieron un toque más valiente al álbum que sirvió para complementar magistralmente a su compañero de banda. Davies se centró en ideas sobre los peligros y la posible desesperación de las personas que se esfuerzan y luchan por perseguir el gran "sueño americano", como en el tema "Gone Hollywood", o el sencillo "Goodbye Stranger" y el cut tipo arena "Just Another Nervous Wreck". Algunos fans (y críticos) han expresado que la gran división que era evidente entre Hodgson y Davies se refleja en las canciones "Lord Is It Mine" y "Casual Conversations" escritas por cada cantante-compositor respectivamente para el otro cantante-compositor.

Los miembros de "Supertramp" nunca imaginaron las ventas masivas de "Breakfast in America". Por otra parte, los discos anteriores de Supertramp no estaban tan orientados al pop como en este LP. Ejemplos más directos como las canciones pop bien escritas, pegadizas y bien construidas; el gran éxito "The Logical Song", la pegadiza "Take the Long Way Home" y "Goodbye Stranger".

En resumen, "Breakfast in America" de "Supertramp" es una clase magistral de pop rock, marcada por su profundidad lírica, su riqueza melódica y su sofisticación musical. Representa un punto culminante en la carrera de la banda y sigue siendo un trabajo importante en el género del rock. La popularidad duradera del LP y los elogios de la crítica dan fe de su calidad y el atractivo atemporal.

Disco recomendado

Es sin duda la obra maestra de "Supertramp", su último gran disco, si dejamos de lado "Crime of the Century" y "Paris" (Live Album). Uno de los mejores álbumes de los años 70.

Si no has experimentado "Supertramp" en su apogeo, hazte un favor y busca esto.

Y termino, si te gusta "Breakfast in America", buscar y escuchar "Crime of The Century" y "Paris (LIVE)", son para mi, sus otros grandes trabajos.

Video del tema "Gone Hollywood": 

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Gone Hollywood"                5:19
2.         "The Logical Song"                4:07
3.         "Goodbye Stranger"               5:46
4.         "Breakfast in America"                      2:37
5.         "Oh Darling"                          3:43 

Cara B:

6.         "Take the Long Way Home"  5:08
7.         "Lord Is It Mine"                   4:08
8.         "Just Another Nervous Wreck"         4:22
9.         "Casual Conversations"                     2:56
10.       "Child of Vision"                   7:24

Ficha:

Supertramp (Banda):

• Rick Davies: voz y teclados, incluido clavinet en la pista 2, armónica en la pista 6
  Roger Hodgson: voz, teclados y guitarras, incluida una guitarra acústica de 12 cuerdas en la pista 2, vibraciones en la pista 9
• John Helliwell - saxofones, voz, instrumentos de viento
• Bob Siebenberg (acreditado como Bob C. Benberg) - batería
• Dougie Thomson – bajo

Personal adicional:

• Slyde Hyde – tuba y trombón
• Gary Mielke - programación de Oberheim

Producción:

• Peter Henderson - productor
• Supertramp - productor

RYAN ADAMS - Ryan Adams - Album

Uno de mis músicos favoritos es el estadounidense Ryan Adams. Salvo todas las controversias personales y los supuestos malos comportamientos, en dimensiones artísticas, el hombre es uno de los más brillantes de su generación. Es una auténtica "fábrica" de producción de discos (29 hasta la fecha) y Ryan Adams tiene algunos álbumes excepcionales que ofrecer, como su debut "Heartbreaker", "Gold", "Rock N Roll", "Ashes and Fire", "Cold Roses". (con "The Cardinals") y mi favorito de toda su discografía el disco "Love is Hell".

Quiero resaltar en esta publicación uno de sus álbumes que tiene un toque de rock y que también se incluye en la lista anterior de excelentes discos de Ryan Adams, su lanzamiento homónimo de 2014.

ALBUM: Ryan Adams

 
Este es el decimocuarto álbum de estudio del cantautor estadounidense Ryan Adams, lanzado el 9 de septiembre de 2014. El LP presenta una estética atmosférica basada en el rock. Este también es un disco de producción propia de Adams y su compañero de grabación Mike Viola. Solo una nota anecdótica, el actor Johnny Depp aparece con la guitarra en "Kim" y la guitarra y la voz en "Feels Like Fire".

Los críticos elogiaron el álbum por ofrecer algo diferente y por el escrutinio de Adams sobre cada canción, a pesar del tema algo pesimista que es característico de su estilo. El álbum también fue reconocido por hacer un guiño a los estilos de artistas como Springsteen, Byran Adams y Fleetwood Mac, es decir, su "Adult Rock Orientation".

Según Ryan Adams, comenzó a trabajar en composiciones que sentía que reflejaban su verdadera personalidad, afirmando:

"Soy demasiado mayor para fingir que me importa una mierda hacer algo que no es lo que soy".

Adams se inspiró en los músicos de rock y punk que admiraba mientras crecía; por ejemplo The Wipers, Hüsker Dü y The Replacements, lo que explica también el "toque rock-punk" que se le da a este LP.

Sorprendentemente, para mí, al menos, este álbum está lleno de canciones que tienen una cualidad familiar. Después de muchas escuchas, es difícil encontrar fallos reales en este disco. Cada canción está bien elaborada y ninguna nota parece estar fuera de lugar. Cada número, como se mencionó, resulta inmediatamente familiar casi al escucharlo por primera vez, lo cual es notable. También es una evolución en la composición de Ryan y un impulso más fuerte hacía más "Heartland Rock". Destaca un fuerte desarrollo en la destreza de la guitarra de Ryan Adams, con algunas de las mejores interpretaciones y melodías más intrincadas que jamás haya grabado. Para mí, posiblemente el trabajo más impresionante que jamás haya realizado con una guitarra. Dicho esto, no te dejará boquiabierto (estilo Van Halen), pero muestra un gran crecimiento y agrega una agradable capa de clase a todo el álbum.

La colección de canciones es muy sólida, pero aquí hay algunas pistas destacadas: "Gimme Something Good", "Kim", "Trouble", "Stay With Me", "Tired of Giving Up"...etc.

Disco recomendado

 
Ryan Adams logra ofrecer un buen álbum de rock maduro. Podría decirse que Ryan Adams está en su apogeo como solista, salvo por su trabajo" con The Cardinals en "Cold Roses". En este LP Adams también demuestra ser un maestro de melodías memorables con algunas letras hermosas, lo que hace que este disco sea una verdadera joya.

Si no estás familiarizado con el artista o este disco, búscalo. Es una buena incorporación a la discografía de Adams que muestra sus habilidades musicales y su estilo único.

Video del tema "Trouble":

Tracklist: 

1.         "Gimme Something Good"    3:55
2.         "Kim"  3:26
3.         "Trouble"        3:47
4.         "Am I Safe"    4:32
5.         "My Wrecking Ball"   3:08
6.         "Stay with Me"           3:06
7.         "Shadows"      5:22
8.         "Feels Like Fire"         4:25
9.         "I Just Might" 3:29
10.       "Tired of Giving Up" 3:40
11.       "Let Go"         3:4

Músicos:

• Ryan Adams - todas las voces, guitarras
• Jeremy Stacey - batería
• Benmont Tench – órgano y piano
• Mike Viola – todo tipo de "sonidos"
• Tal Wilkenfeld – bajo
• Marshall Vore - batería, percusión (8)

Músicos adicionales:

• Johnny Depp - guitarra en "Kim", guitarra y voz en "Feels Like Fire"(2, 8)
• Mandy Moore - voz en "Trouble" y "Am I Safe" (3, 4)

Personal de grabación:

•  Ryan Adams - productor
• Mike Viola - coproductor (1, 3, 4, 6, 8, 10)

THE PLIMSOULS - Album (1981)

Expongo una banda que es mejor conocida por la canción "A Million Miles Away" (1983), un típico "one hit wonder act" que en mi opinión es mucho más. "The Plimsouls" grabaron dos álbumes de estudio y un EP y con toda su actividad "discreta" han dejado su huella como pioneros del género "power pop".

A continuación, voy a destacar el disco debut de la banda, el homónimo "The Plimsouls" de 1981. Un disco que creo que será disfrutado por los melómanos que no están familiarizados con este grupo (especialmente los más jóvenes fans del pop rock) y los seguidores del power pop.

 

¿Quiénes eran el grupo "The Plimsouls"?

 

La banda se formó en Paramount, California en 1978. Grabaron dos álbumes de larga duración y un EP y luego se separaron en 1984. Continúan en diferentes versiones pero para mi gusto son irrelevantes.

Formada por el cantante, compositor y guitarrista Peter Case (quien anteriormente había liderado la banda de power pop "The Nerves"), la formación comenzó como un trío en 1978, inicialmente llamado "Tone Dogs", que incluía a Case, el bajista Dave Pahoa y el baterista Lou Ramírez. En una época en la que la música rock estaba cambiando, los sonidos soul de los 60, la invasión británica y el garage rock de The Plimsouls encajaban con el movimiento de las bandas de guitarras estadounidenses post-punk de los 80.

Desde el principio, el grupo rápidamente se convirtió en un favorito en la escena de clubes de la ciudad de Los Ángeles. El período activo de la banda fue muy corto pero dejaron un impacto duradero.

 

ALBUM: The Plimsouls

 
El álbum debut de estudio de la banda estadounidense de power pop "The Plimsouls", publicado en febrero de 1981. Tuvo poco éxito comercial en su momento, creciendo en importancia con el tiempo gracias a los fans del power pop.

La producción, si bien no es de alto presupuesto, es efectiva. El sonido del LP se describe a menudo como imprudente, rítmico y lleno de riffs de guitarra nítidos con guitarras resonantes (jangle pop) y voces desafiantes. Es un pequeño gran disco que muestra cortes vibrantes y tararearlas que indican el afecto de The Plimsouls por el soul de los años 60, poderosos riffs de guitarra y los sonidos de garage rock.

 

Las canciones:

 
La canción de apertura, "Lost Time", marca el tono del álbum con sus melodías vibrantes  y armonías cortantes. El afecto de la banda por el soul de los 60 es evidente en la décima pista con el uso de una sección de metales y una versión candente de “Mini-Skirt Minnie” de Wilson Pickett.

El segundo corte, "Now", destaca por su espíritu fresco y moderno que va más allá de la nostalgia. Muestra la capacidad de la banda para crear melodías pegadizas. 

Con "In This Town" y "Zero Hour" continúan con el ritmo enérgico.

"Women" y "Hush, Hush" muestran la capacidad de la banda para crear melodías ajustadas con concisos ganchos de guitarra y voces roncas. Ambiente power pop en todo momento

"I Want What You Got" y "Nickels and Dimes" son otros temas destacados del álbum, que muestran las vibrantes melodías y las cortantes armonías de la banda.

"I Want You Back" es un testimonio de la resistencia y capacidad de la banda para crear melodías pegadizas.

La última canción, "Everyday Things", es un tema rockero que concluye perfectamente el álbum.

En general, "The Plimsouls" es un sólido álbum debut que muestra la combinación única de power pop y rock alternativo de la banda. A pesar de su poco éxito comercial en su momento, el álbum es un testimonio del talento y la resistencia de la banda. Presenta melodías vibrantes, armonías cortantes y riffs de guitarra, lo que lo convierte en un clásico del género power pop.

 

Disco Recomendado

 
Ahora un clásico del power pop que muestra la habilidad de la banda para crear canciones pop pegadizas y memorables. La producción del álbum con la tecnología existente cuando se grabó es limpia y pulida, con un enfoque en las estrechas armonías y los ritmos impulsores de la banda. El álbum ha recibido elogios generalizados de la crítica y se ha convertido en un clásico querido del género power pop.

Si eres un seguidor del jangle, power pop o rock melódico, busca este disco y darlo una afectuosa escucha.

Video del tema "In This Town":

Tracklist (original):

1."Lost Time" (3:41)
2."Now" (2:57)
3."In This Town" (2:36)
4."Zero Hour" (2:30)
5."Women" (2:50)
6."Hush, Hush" (2:34)
7."I Want What You Got" (3:25)
8."Nickels and Dimes" (3:05)
9."I Want You Back" (2:33)
10."Mini-Skirt Minnie" (2:42)
11."Everyday Things" (2:29)

TEARS FOR FEARS - The Tipping Point - Album

Introducción:

Tears for Fears, la icónica banda inglesa de synth - rock pop que conquistó al mundo en la década de 1980, regresó el año pasado elegantemente con su álbum "The Tipping Point". En este blog post pongo una pequeña reseña del álbum, profundizo un poco en la última creación de la banda, explorando el estilo musical, las letras que invitan a la reflexión y la brillantez general que hacen de este disco una verdadera sorpresa y una opción (y recomendación para melómanos) "para escuchar".

 

ALBUM: The Tipping Point

 
Es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa de pop rock Tears for Fears, publicado el 25 de febrero de 2022. Un maravilloso regreso desde su último disco "Everybody Loves a Happy Ending", lanzado casi 18 años antes. La muerte de la esposa de Orzabal (2017), influyó en muchas de las canciones del disco lo que explicará en parte la carga emocional. Moldeada por traumas personales y políticos, la música de este disco es audaz, hermosa, poderosa, íntima, cinematográfica, ambiciosa y multicapa.

El disco explora temas de dolor, compañerismo, perseverancia y el misterio de la psique humana. El álbum es una mirada audaz a los ojos de nuestro mundo turbulento. La obra es una colección oportuna y atemporal de nuevas canciones que son tan ricas como la mejor música de su mejor momento. Sin embargo, este disco no es "The Hurting" ni "Songs from a Big Chair", a Orzabal y Smith les han pasado muchas cosas a lo largo de los años. "The Tipping Point" es una evolución, una nueva dirección que deja claro que cuando se trata de música pop rock estos chicos son maestros, sin mencionar la brillante musicalidad y el trabajo de producción.

El álbum incluye 10 temas, incluidos los sencillos "The Tipping Point", "No Small Thing", "Break the Man", "My Demons", "Long, Long, Long Time" y "Rivers of Mercy".

Canciones y temas que han influido personal y profesionalmente (momentos "Tipping Points") en los miembros de la banda. No obstante es un disco positivo basado al final en un sentido de aceptación, la comprensión de que la vida continúa y que vale la pena vivirla. En ninguna parte esto es más claro que en la canción “Rivers of Mercy”, una pieza central de un álbum que se siente como uno de los trabajos más realizado que Tears for Fears haya hecho jamás, una culminación de los temas musicales y emocionales que han apreciado desde sus inicios.

Temas destacables: "Rivers of Mercy" / "The Tipping Point" / "No Small Thing" / "Break The Man" / "Long Long Long Time".

 

Disco recomendado

 
Este álbum resume la capacidad de la banda para evolucionar su sonido manteniendo la esencia de lo que los hizo tan icónicos en primer lugar. Si eres fan desde sus primeros discos o simplemente estás descubriendo TEARS FOR FEARS, "The Tipping Point" es un álbum que exige tu atención. Variada, poética y conmovedora, este set es un disco de Tears for Fears que suena clásico, uno que hace que el oyente haga un inventario emocional, espiritual y mental de su mundo interior, incluso cuando el exterior se agita con problemas, violencia y locura. Tears for Fears continúa demostrando que no importa cuánto tiempo les lleve, aún pueden ofrecer un álbum que sea emocionalmente resonante y musicalmente satisfactorio.

Por último, "The Tipping Point" es un disco que cumple en todos los aspectos, merece un lugar en tu colección de música y establece firmemente la relevancia continua de la banda en la industria musical en constante cambio.

Video del tema "Rivers of Mercy":

Tracklist:

1. No Small Thing 4:43
2. The Tipping Point 4:13
3. Long, Long, Long Time 4:31
4. Break the Man 3:55
5. My  Demons 3:08
6. Rivers of Mercy 6:08
7. Please Be Happy 3:05
8. Master Plan 4:37
9. End of Night 3:23
10.Stay 4:36

Personal:

Tears for Fears:

• Roland Orzabal – voz (principal en 1, 2, 5, 6, 8, 9, 11 y 12), teclados, programación, guitarras, mezcla (5, 9)
• Curt Smith – voz (principal en 2, 3, 4, 7, 10 y 13; acompañamiento en 1, 5 y 11), teclados, bajos, mezcla (5, 9)

Músicos adicionales

• Charlton Pettus: teclados, programación, guitarras, mezclas (1, 3, 4, 6–8, 10, 11)
• Sacha Skarbek – piano acústico (7), producción vocal (3)
• Florian Reutter – programación, producción vocal (3)
• Doug Petty – acordeón, órgano Hammond (1), piano acústico (6), arreglos de cuerdas (7)
• Max von Ameln – guitarras (5)
• Aaron Sterling - batería (1, 4, 6)
• Jamie Wollam - batería (1)
• Carina Round - coros (1, 3, 5, 6)
• Jason Joseph – arreglos vocales, coro (6)
• Charles Jones - coro (6)
• Jessi Collins - coro (6)
• Lauren Evans - coro (6)

THE RASPBERRIES - Raspberries - Album

En el vasto y ecléctico ámbito de la música rock, ciertas bandas y álbumes a menudo pasan desapercibidos, sólo para ser descubiertos y venerados pasado un tiempo. Un ejemplo de este fenómeno es el álbum homónimo de 1972 de la formación "The Raspberries", una emocionante variedad de power pop que merece un lugar en los anales de la historia del rock.

 

¿Quiénes eran The Raspberries?

 
Eran un grupo de pop rock estadounidense formado en 1970 en Cleveland, Ohio. Tuvieron una racha de éxito en la escena musical de principios de la década de 1970 con su sonido pop rock. La formación "clásica" del grupo era Eric Carmen (vocalista/guitarrista/bajista/pianista), Wally Bryson (guitarrista), Dave Smalley (guitarrista/bajista) y Jim Bonfanti (baterista).

El grupo se inspiró en la era de la invasión británica, especialmente The Beatles, The Who, The Hollies y The Small Faces. Tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, The Raspberries ayudaron a ser pioneros en el estilo de música power pop que despegó después de que el grupo se disolviera. La canción más emblemática de la banda es "Go All the Way".

La formación se disolvió en 1975 después de una carrera de cinco años, y Eric Carmen comenzó una exitosa carrera como solista.

Entre sus fans se encontraban los músicos Jack Bruce, Ringo Starr y Courtney Love. Lanzaron cuatro álbumes, siendo el mejor, en mi opinión, el LP debut homónimo "Raspberries". Su segundo "Fresh" es considerado por muchos como más fuerte, sin embargo prefiero el debut que tiene matices de "power pop" y su tema más importante "Go All The Way".

 

ALBUM: Raspberries

 

Es el álbum debut de "Raspberries", publicado en abril de 1972 y producido por Jimmy Ienner. Contiene dos sencillos que entraron en las listas de éxitos, "Don't Want to Say Goodbye", y su mayor éxito, "Go All the Way", que alcanzó el #5.

Si bien las influencias de The Beatles, The Who y The Hollies son obvias en este disco, Eric Carmen y Wally Bryson podrían escribir canciones lo suficientemente fuertes como para estar orgullosas de sus influencias.

The Raspberries llenaron este LP con oro power pop, como lo demuestra la lujuriosa canción y el éxito "Go All the Way", además "I Saw the Light" y "Don't Want to Say Goodbye" son grandes baladas, mientras que "Get It Moving" es un corte de blues estándar pero infinitamente reproducible, y ultimo "I Can Remember" es una excelente opción para terminar el álbum. En general, encuentras un disco muy sólido que pone los cimientos de lo que posteriormente se conocería como power-pop, a base de combinar a The Beatles-The Beach Boys y la potencia de The Who.

 

Legado:

 

El álbum "Raspberries" ahora se considera un álbum clásico del género power pop. El exitoso sencillo del álbum, "Go All The Way", ha sido versionado por numerosos artistas a lo largo de los años, incluidos "The Killers" y "R.E.M". La portada del álbum, que presenta una pegatina para rascar y oler con aroma a frambuesa, también se ha vuelto icónica. En general, "Raspberries" es un álbum debut sólido que muestra el talento de la banda para crear canciones pop melódicas y pegadizas. Si bien puede que no sea su mejor álbum, sigue siendo una parte importante del legado de la banda y una escucha obligada para los fans de la música power pop.

 

Disco recomendado

 

El álbum homónimo de The Raspberries sigue siendo una pequeña obra maestra subestimada dentro del ámbito del power pop. Sus melodías atemporales, armonías vibrantes y ganchos pegadizos continúan cautivando a los oyentes, incluso después de su lanzamiento hace ya tanto tiempo. Con su legado perdurable y la recomendación de innumerables melómanos, este álbum merece redescubrimiento y más elogios.

Y terminó, este LP jugó un papel importante en el establecimiento del género power pop. El sonido único de la banda ayudó a preparar el escenario para otras bandas de power pop que seguirán sus pasos, como Cheap Trick, The Cars e incluso entusiastas icónicos del power pop como Paul McCartney.

Video del tema "Go All The Way":

Tracklist:

1.         "Go All the Way"       3:19
2.         "Come Around and See Me"             3:00
3.         "I Saw the Light"       2:40
4.         "Rock & Roll Mama"             4:35
5.         "Waiting"        2:43
6.         "Don't Want to Say Goodbye"          5:00
7.         "With You in My Life"          2:45
8.         "Get It Moving"         2:25
9.         "I Can Remember"     8:00