RYAN ADAMS & THE CARDINALS - Cold Roses - Album

"Cold Roses" es un álbum doble de 2005 de Ryan Adams y The Cardinals, que supuso un regreso a la composición de canciones sinceras de inspiración americana tras años de deambular estilístico. Con temas emocionalmente crudos, una instrumentación exuberante e influencias de "The Grateful Dead" y "Neil Young", el disco destaca como el esfuerzo más cohesionado y gratificante de Adams desde "Heartbreaker". Si buscas descubrir la auténtica canción de autor americana del siglo XXI, "Cold Roses" es un clásico moderno que merece tu tiempo. Razón por la que quiero llamar tu atención aquí, en este blog de descubrimientos musicales.

ALBUM: Cold Roses

Recuerdo cuando salió "Cold Roses" en 2005. Parecía un giro tranquilo más que un regreso ruidoso. Tras los desvíos de género de "Rock N Roll" y "Love Is Hell", Ryan Adams pareció dejar por fin de luchar con su propio catálogo el tiempo suficiente para respirar, y en ese respiro, hizo algo duradero.

"Cold Roses", el primero de los tres álbumes de larga duración publicados ese año, supuso el debut de Adams con The Cardinals. Juntos, esculpieron un sonido cálido y polvoriento que recuerda al espíritu de "Heartbreaker", pero con una dinámica de banda más suelta y vivida. Fue, en todos los sentidos, una recalibración.

Este doble LP parece un largo viaje por carretera:

Técnicamente, las 18 canciones de "Cold Roses" caben en un solo disco. Pero Ryan Adams, siempre un romántico del vinilo, insistió en dividirlas en dos y empaquetar el disco como un LP clásico. Algunos lo llamarán indulgencia; yo lo veo como parte de la experiencia. La separación en dos discs da al oyente una pausa, un momento para darle la vuelta al disco y recalibrarlo antes de sumergirse más a fondo.

El primer disc abre con "Magnolia Mountain", un tema arrollador de seis minutos que nunca se hace pesado. Hay una melancolía que recuerda a los Grateful Dead de la época de "Box of Rain", y Adams lleva la influencia abiertamente. Las guitarras eléctricas entran y salen suavemente, como cables de teléfono en un largo viaje, mientras él canta:

"Quiero ser el pájaro azul cantando / Cantando a las rosas en el patio".

Uno tiene la sensación de que no está interpretando esta música, sino que se está deslizando dentro de ella.

El sonido de dejarse llevar:

Lo que hace que "Cold Roses" sea convincente no es sólo su sonido, es el contexto. Ryan Adams acababa de volver de una grave lesión de muñeca que le dejó incapacitado para tocar la guitarra. Se retiró a su ciudad natal de Carolina del Norte y volvió a aprender los acordes entre lágrimas y frustración. En las entrevistas, atribuye a Jerry García el mérito de haberle enseñado que la imperfección podía ser bella. Esa humildad se percibe en todo el disco.

Por ejemplo, "When Will You Come Back Home", un lamento despojado en el que Adams no canta como una estrella del rock, sino como alguien que intenta recordar cómo se siente. Los versos que hablan de abandonar Carolina cada noche en sus sueños no parecen metafóricos; dan la sensación de que el hogar ya no es un lugar, sino una esperanza que sigue persiguiendo.

The Cardenales: Más que una banda de acompañamiento:

La presencia de The Cardinals lo cambia todo. No se trata de Adams en solitario con algunos músicos de sesión, sino de una banda. Puedes sentirlo en "Easy Plateau", un tema relajado y desértico que se alarga como una larga exhalación. El guitarrista J.P. Bowersock, la intérprete de steel Cindy Cashdollar y el batería Brad Pemberton ofrecen más que apoyo, proporcionan un lienzo con el que Ryan Adams puede trabajar.

Incluso en una letra tan sencilla como "Cherry Lane", la interacción entre los instrumentos crea un ambiente que supera a las palabras. Los cristales se rompen en medio del verso. Las guitarras se balancean. La voz de Adams se quiebra y bosteza en los lugares adecuados. Es destartalado, pero sincero.

Oscuridad, luego amanecer:

El primer disco de "Cold Roses" se inclina hacia la introspección. Canciones como "Meadowlake Street" y "How Do You Keep Love Alive" son suaves, con piano y pedal steel enmarcando la voz cansada de Adams. No trata de impresionar, simplemente cuenta lo que se siente al perder y persistir.

Pero entonces llega el segundo disc, y con él, un cambio. Comienza con "Easy Plateau", y el ambiente se anima. "Let It Ride" se balancea como una vieja camioneta en una carretera de grava, Adams se vuelca en el romance sureño, los transbordadores y la libertad. "Dance All Night" se inclina hacia la dulzura, mientras que "If I Am a Stranger" podría ser el momento más tranquilo y poderoso de todo el disco. Se convierte, pacientemente y sin dramatismo, en una plegaria de pertenencia.

No es perfecta, pero por tanto mejor:

Sí, "Cold Roses" es demasiado largo. Podrían haberse omitido algunos temas. Y de acuerdo, hay momentos en los que las letras de Adams parecen recicladas, o en los que su amor por la herencia del rock se desvía hacia el mimetismo. "Beautiful Sorta", por ejemplo, comienza con una línea tan deudora de David Johansen que casi se parodia a sí misma.

Pero nada de eso socava la honestidad general del álbum. A diferencia de Rock N Roll, aquí no hay poses. A diferencia de Love Is Hell, no hay regodeo. Esta vez, Ryan Adams no intenta ser otra persona. Sólo intenta ser el mismo.

Reflexiones finales:

Mirando atrás, "Cold Roses" sigue siendo un punto de inflexión, no sólo en el catálogo de Ryan Adams, sino en la conversación sobre lo que podría ser el estilo americana en el nuevo siglo. No se trataba de reivindicar el alt-country ni de imitar a Neil Young o canalizar a Jerry García. Se trataba de ralentizar el ritmo lo suficiente como para dejar que las buenas canciones salieran a la superficie.

Incluso en su exceso, "Cold Roses" se gana tu tiempo. No pide fe; la construye gradualmente, canción a canción. Es música para los que conocen el peso de la memoria, para los que sienten el tirón de la nostalgia y siguen creyendo que es posible empezar de nuevo.

Disco recomendado

Si acabas de descubrir a Ryan Adams, o de encontrar el camino de vuelta después del ruido, empieza por aquí. Ponte a escuchar "Cold Roses", date un largo paseo y deja que suene hasta el final. Es verdaderamente un buen disco.

Video del tema "Magnolia Mountain":

Tracklist (formato LP vinilo):

Disc 1:

1. "Magnolia Mountain" 5:53
2. "Sweet Illusions" 5:02
3. "Meadowlake Street" 4:29
4. "When Will You Come Back Home" 4:52
5. "Beautiful Sorta" 3:01
6. "Now That You're Gone" 3:52
7. "Cherry Lane" 4:32
8. "Mockingbird" 4:47
9. "How Do You Keep Love Alive" 3:12

Disc 2:

1. "Easy Plateau" 5:12
2. "Let It Ride" 3:24
3. "Rosebud" 2:56
4. "Cold Roses" 4:36
5. "If I Am a Stranger" 4:39
6. "Dance All Night" 3:15
7. "Blossom" 3:15
8. "Life Is Beautiful" 4:29
9. "Friends" 4:45

Banda:

• Ryan Adams - Voz, guitarra acústica y eléctrica, armónica, piano, bajo en "Blossom", todos los instrumentos en "Life Is Beautiful"
• J. P. Bowersock - Guitarra
• Brad Pemberton - Batería, voz
• Catherine Popper - Bajo, voz, piano
• Rachael Yamagata - Voz y piano en "Let It Ride", "Cold Roses" y "Friends"
• Cindy Cashdollar - Steel Guitar, Dobro

UNCLE TUPELO - No Depression - Album

Antes de que Wilco se convirtiera en un nombre reconocido en el mundo indie, y mucho antes de que el "country alternativo" tuviera nombre, existía la banda "Uncle Tupelo", una formación de tres jóvenes músicos de Belleville, Illinois, que, sin saberlo, transformaron la música estadounidense con un álbum debut grabado con un presupuesto limitado. "No Depression" no llegó con bombos y platillos ni en las listas de éxitos, pero tocó la fibra sensible de quienes buscaban algo más honesto, más sólido y más crudo que lo que el country o el rock convencional ofrecían en aquel momento. Para entender por qué este lanzamiento de 1990 sigue siendo importante, quizás más que nunca, hay que remontarse a donde todo empezó: en la intersección entre la crudeza rural y la rebeldía punk, en un momento en el que el pasado y el futuro de la música roots colisionaron en un disco feroz e inolvidable.

ALBUM: No Depression 

Cuando Uncle Tupelo publicó "No Depression" en junio de 1990, pocos podrían haber predicho el cambio radical que este modesto disco traería. Con un presupuesto de solo $3,500, un trío de músicos de un pequeño pueblo de Belleville, Illinois, y un pedal steel prestado por un amigo de los productores, crearon algo crudo y resonante: un álbum que aún perdura como humo en las vigas de la música estadounidense. No solo ayudó a dar nombre a una revista o a un género. Redefinió como la música antigua podía sonar nueva de nuevo.

Comienzo de un nuevo movimiento:

Lo más sorprendente de "No Depression" no es solo su fusión de acento country y pegada punk, sino la sinceridad con la que se compromete con ambos. Nacido de la garra del Medio Oeste americano y la desilusión juvenil, el disco se mueve en una línea torcida entre la angustia y la empatía, utilizando el lenguaje del folk y la urgencia del punk para contar historias de personas que simplemente intentan salir adelante. Este no fue un trabajo creado por compositores de Nashville ni por productores de grandes sellos discográficos; fue un trabajo a martillazos, como una silla de porche hecha con madera recuperada y algunos vinilos usados.

Jeff Tweedy, Jay Farrar y Mike Heidorn, amigos de la infancia que perfeccionaron su talento tocando para pequeños públicos en bares locales, nunca buscaron un éxito. Intentaron decir algo honesto. Y en "No Depression", lograron precisamente eso. En canciones como "Graveyard Shift" y "Factory Belt", dieron voz a las frustraciones no mencionadas de la clase trabajadora, no como protesta, sino como una experiencia compartida.

Expresando su tradición y tensión:

Escucha el riff inicial de "Graveyard Shift" y oirás más que distorsión: es una declaración. Te espera algo que no se inmuta ante la incomodidad. Y luego vienen las palabras: "Todo el día, ante mis ojos llegan pequeñas visiones de los tiempos". Estas no son solo canciones. Son meditaciones sobre la monotonía y la evasión, la desesperación y la resiliencia. "Life Worth Livin'" cambia una estrofa por una visión de esperanza que se desvanece ante el estribillo. "Whiskey Bottle" hierve con pedal steel y tristeza, trazando la soledad como una hoja de ruta a través de pueblos olvidados.

Si bien las asperezas provienen de Hüsker Dü y The Replacements, el alma del disco reside en lo más profundo: en el fantasma de Woody Guthrie, en los himnos de la familia Carter, en las pequeñas narraciones que definen al folk estadounidense. No es que Uncle Tupelo haya inventado algo completamente nuevo. Es que combinaron elementos de una manera que resultaba desconocida pero inevitable.

Raíces punk en tierra rural:

Llamar a "No Depression" un álbum "country" le hace un flaco favor. Pero llamarlo punk también resulta incompleto. Es un álbum que suena como si hubiera sido construido con manos callosas: duro, contundente, pero con una ternura sorprendente. La banda no usó el género como destino. Lo usaron como vehículo. Y aunque la voz ronca de Farrar domina la mayor parte del álbum, es la posterior evolución de Tweedy como compositor lo que pone de manifiesto lo fértil que fue esta base.

Los productores Sean Slade y Paul Kolderie, conocidos entonces por trabajar con figuras clave del indie rock como Dinosaur Jr., captaron esta tensión a la perfección. Hay una energía vibrante que recorre el álbum, como si la banda pudiera estallar en cualquier momento. Pero también hay moderación. Escucha "Screen Door" o la versión acústica de "No Depression in Heaven" de Carter Family y casi puedes sentir la humedad de Missouri presionando.

Incluso la elección del título fue deliberada. Tomado de una vieja canción folk, "No Depression" trataba menos de escapismo y más de afrontar la realidad. Y esa honestidad se popularizó. Primero como frase usada en salas de chat online. Luego como título de una revista de música roots. Y finalmente, como descripción de todo un movimiento.

Se niega a desvanecerse:

En retrospectiva, lo que hace perdurar a "No Depression" no es su refinamiento, sino sus imperfecciones. Este es un debut, y suena como tal. No todas las ideas están completamente formadas. Las influencias de la banda se perciben a veces con demasiada claridad: hay ecos de Rank and File, Meat Puppets e incluso de los primeros Little Feat. Pero la cohesión reside en la sinceridad. Estas son canciones compuestas por personas que no solo escuchaban música: la vivieron, la heredaron y la transmitieron.

No hay ningún "gran éxito" aquí, ningún sencillo revolucionario diseñado para la radio. Pero casi todos los cortes tienen algo que decir. "Outdone" avanza con una sensación de colapso inminente, mientras que "Train" ralentiza el ritmo hacia algo más triste. Y eso es parte de la brillantez del disco: no se limita a una sola nota. Oscila entre la rabia y la ensoñación, el estruendo y la claridad, haciéndolo más humano, más vivido.

Ecos de lo que vino después:

Las consecuencias de "No Depression" son bien conocidas. Uncle Tupelo se separaría en 1994, con Farrar formando Son Volt y Tweedy lanzando Wilco; ambos forjando con el tiempo importantes legados propios. Pero el ADN de este disco es más profundo. Está presente en el alt-country de finales de los 90 y principios de los 2000. En bandas que no querían elegir entre cuerdas de acero y acordes potentes. En artistas que querían cantar sobre la lucha de la clase trabajadora sin ironía.

A pesar de su alcance inicial relativamente modesto (15.000 copias en el primer año), el álbum se convirtió en un referente. Como dijo Tweedy en una ocasión: «Solo queríamos compartir algo que habíamos descubierto. El hecho de que otros conectaran con él, eso era lo que realmente importaba».

Y esa es la clave: "No Depression" no fue diseñado para ser un hito. Simplemente se convirtió en uno. No a través del marketing ni la mística, sino por su capacidad de hacer que algo desgastado vuelva a sentirse urgente.

Un disco para redescubrir:

Puede que "No Depression" no sea el debut más pulido ni de mayor alcance de su época, pero sí uno de los más conmovedores. Captura a una banda en plena búsqueda, encontrando su voz, forjando un espacio donde la energía punk pudiera encontrarse con el country soul. Si alguna vez te has encontrado en una encrucijada entre géneros, si alguna vez has sentido el dolor silencioso del estancamiento de un pueblo pequeño o la emoción de crear algo de la nada, este disco habla tu idioma.

Disco recomendado

Así que aquí está la recomendación: escucha "No Depression" no como un artefacto que define un género ni como el favorito de un historiador, sino como un documento vivo. Uno que todavía suena inquieto, todavía se siente real y todavía importa. Para los fans de Wilco o Son Volt, esta es la raíz del árbol. Pero incluso para los recién llegados, es un disco que no requiere nostalgia, solo la voluntad de escuchar la verdad en acordes y los acordes en llamas.

Video del tema "Graveyard Shift":

Tracklist (Original):

1. "Graveyard Shift" 4:43
2. "That Year"          2:59
3. "Before I Break" 2:48
4. "No Depression" 2:20
5. "Factory Belt"         3:13
6. "Whiskey Bottle" 4:46
7. "Outdone"                 2:48
8. "Train"                  3:19
9. "Life Worth Livin'" 3:32
10. "Flatness"          2:58
11. "So Called                  3:12
12. "Screen Door"         2:42
13. "John Hardy" (CD only bonus track) traditional, arr. Lead Belly 2:21

Uncle Tupelo:

• Jay Farrar – voz, guitarra, banjo, mandolina, violín, armónica
• Mike Heidorn – batería, platillos
• Jeff Tweedy – voz, guitarra acústica, bajo

Personal adicional:

Rich Gilbert – pedal steel guitar
Sean Slade – producción, piano, ingeniería, coros
Paul Q Kolderie – producción, ingeniería de audio, efectos de sonido

SONGS: OHIA - Magnolia Electric Co. - Album

Si alguna vez has buscado un álbum que no solo se escuche, sino que se sienta, The "Magnolia Electric Co." es ese tipo de disco. Jason Molina dejó en sus canciones un viaje emocional sincero, una mezcla de nostalgia, redención y melancolía que trasciende géneros. Aquí exploramos juntos por qué este álbum sigue resonando décadas después de su lanzamiento, un disco para recomendar a los lectores de este blog de música.

ALBUM: Magnolia Electric Co.

Jason Molina nunca hizo música para las masas. No componía pensando en listas de éxitos ni en llenar estadios. Su arte estaba arraigado en algo mucho más íntimo y profundo: la necesidad de transmitir emociones, de abrirse camino en la oscuridad con palabras que resuenan como confesiones. "The Magnolia Electric Co." es el álbum que marcó el final de la banda "Songs: Ohia", pero también el inicio de algo más grande: un sonido que, si bien exploraba el country y el rock de raíces, siempre mantuvo el espíritu melancólico y solitario que caracterizó la obra de Molina.

Publicado el 4 de marzo de 2003 y grabado por Steve Albini en Electrical Audio, este disco ha sido fuente de debates entre los seguidores de Molina. ¿Es el último trabajo de "Songs: Ohia" o el primero de Magnolia Electric Co.? La ausencia del nombre de la banda en la portada solo alimenta la incertidumbre. Lo que sí es innegable es que este trabajo representa un punto de inflexión. Donde antes había un folk introspectivo y minimalista, ahora hay un sonido más amplio, una estructura de banda que da mayor fuerza a las canciones sin perder la crudeza emocional.

Desde su primer corte, "Farewell Transmission", el álbum deja claro su tono. La pieza, de más de siete minutos, suena como un himno de despedida, un acto de resistencia contra la resignación. Lo que hace esta canción aún más fascinante es su historia: grabada en una sola toma, con una banda de doce músicos tocando en directo sin ensayo previo. Lo que se escucha es lo que fue, sin artificios, sin segundas oportunidades.

"I’ve Been Riding with the Ghost" y "Just Be Simple" son cortes más directos pero igual de impactantes. Jason Molina siempre tuvo una capacidad especial para convertir lo cotidiano en poesía y aquí lo demuestra con líneas que hablan de errores, redención y la necesidad de cambio. 

En "Almost Was Good Enough", el álbum toca uno de sus puntos más vulnerables. Aquí, Molina no oculta el dolor ni la duda: "Wasn’t I good enough?" canta. La instrumentación es sobria, dejando espacio para que su voz, siempre al borde de la ruptura, lleve el peso emocional de la canción. Este es un disco que no teme mostrar las cicatrices.

Un detalle que distingue esta obra de sus predecesores es la presencia de otros vocalistas. "The Old Black Hen", interpretada por Lawrence Peters, trae una vibra más cercana al country clásico, mientras que "Peoria Lunch Box Blues", en voz de Scout Niblett, es una pieza minimalista que, con su entrega casi susurrada, refuerza el sentimiento de pérdida y resignación. La elección de Molina de ceder el micrófono en estos temas no fue casual; forma parte de la evolución del sonido de la banda y de su intención de construir algo más colectivo.

En la recta final del álbum, "John Henry Split My Heart" y "Hold On Magnolia" ofrecen un cierre cargado de simbolismo. La primera es una descarga de rock con influencias del southern rock de los 70, un desahogo antes del último acto. Y luego está Hold On Magnolia, una despedida envuelta en esperanza. "Hold on Magnolia to that great highway moon", canta Molina, como si le hablara a una presencia lejana, a alguien o algo que puede sostenerlo en medio del caos. Si "Farewell Transmission" es la despedida, Hold On Magnolia es el susurro de alguien que, a pesar de todo, sigue creyendo en la posibilidad de encontrar luz al final del camino.

Décadas después de su lanzamiento, "The Magnolia Electric Co." sigue siendo un álbum esencial. No es solo un gran disco de alt-country o indie rock; es un testamento de la habilidad de Molina para plasmar emociones complejas en melodías inolvidables. Su capacidad para capturar la soledad, el anhelo y la belleza en lo cotidiano lo convierten en una obra que, aunque anclada en un contexto específico, trasciende el tiempo y el género.

Disco recomendado

Si buscas un álbum que vaya más allá de lo convencional, que te acompañe en los momentos de introspección y que resuene en lo más profundo, este es un disco que merece ser descubierto. "The Magnolia Electric Co." no es solo música; es una experiencia, una carta abierta escrita por un artista que nunca dejó de intentar encontrar sentido en el ruido del mundo. Y aunque Jason Molina ya no esté, su legado sigue brillando en cada acorde.

Video del tema "Almost Was Good Enough":

Tracklist:

1."Farewell Transmission" – 7:22
2."I've Been Riding with the Ghost" – 3:20
3."Just Be Simple" – 4:20
4."Almost Was Good Enough" – 4:28
5."The Old Black Hen" – 5:48
6."Peoria Lunch Box Blues" – 5:48
7."John Henry Split My Heart" – 6:09
8."Hold on Magnolia" – 7:51

Personal:

• Jason Molina – voz, guitarra
• Jennie Benford – voz, mandolina
• Mike Brenner – guitarra lap steel
• "Three Nickel" Jim Grabowski – piano, órgano, wurlitzer
• Dan Macadam – guitarra, voz, violín
• Dan Sullivan – guitarra
• Rob Sullivan – bajo
• Jeff Panall – batería
• Lawrence Peters – voz (en "The Old Black Hen")
• Scout Niblett – voz (en "Peoria Lunchbox Blues")
• Steve Albini – ingeniero de grabación

THIN WHITE ROPE - Moonhead - Album

Con este blog post quiero llamar la atención de los lectores sobre una banda americana muy interesante llamada "THIN WHITE ROPE". No son muy conocidos fuera de los círculos de la música alternativa, pero han sido importantes en la evolución de la escena del rock underground americano.

Por ello quiero recomendar uno de sus discos. "Moonhead", una mezcla cautivadora de intensidad post-punk, exploración psicodélica y rock desértico con tintes de alt-americana que encaja perfectamente con la filosofía de este blog. Recomendar joyas musicales menos conocidas y pérdidas para aquellos melómanos que buscan algo diferente.

¿Quién es la banda "Thin White Rope"?

 
Son una formación de rock alternativo de la Costa Oeste de Estados Unidos cuyo sonido de "desert rock" presenta guitarra doble y un toque de psicodelia. "Thin White Rope" también está asociada con la escena underground de Paisley.

La banda se formó en California, durante un período que abarca desde 1981 hasta 1982. Los miembros fundadores Guy Kyser y Jozef Becker formaban parte de una banda llamada "Les Z Boys" en 1981. Becker y Kyser se separaron durante el período 1981-1982 y publicaron un anuncio en el que buscaban un bajista y otro guitarrista. Roger Kunkel respondió y contrató al bajista Kevin Staydohar.

El grupo ha publicado cinco álbumes hasta la fecha. Uno de ellos es el que quiero recomendar a los lectores de este blog de música, "Moonhead", publicado en 1987.

 

ALBUM: Moonhead

 
Este es el segundo disco de "Thin White Rope", publicado en febrero de 1987. Es una mezcla de caos organizado que te hace perderte en algunas atmósferas originales, a veces oscuras, a veces furiosas y oníricas. Creo que se puede describir como Paisley Underground oscuro, Post-Punk y Neo-Psicodélico.

El sonido de la banda es primitivo y épico al mismo tiempo. Las letras son crípticas y oscuras pero llenas de belleza. "Moonhead" es una experiencia convincente pero también es un asunto delicado. Encontrarás una sincronización poco común que le da a cada nota un sentido de dirección particularmente fuerte. Todos los álbumes de "Thin White Rope" comparten estas cualidades de musicalidad y calidad inquietante.

Es un disco que suena como una mezcla de "Neil Young & Crazy Horse" y "Joy Division". Las 14 canciones, incluso la versión del clásico de blues de Jimmy Reed "Ain't That Lovin' You Baby", son tensas y agitadas; los largos ejercicios de guitarra como "Crawl Piss Freeze" y el épico cierre "Take It Home" le dan al álbum una tensión casi insoportable.

Las canciones comienzan de la misma manera, solos de guitarra doble sobre los pulsos constantes casi al estilo Krautrock de Jozef Becker y las líneas de bajo palpitantes y minimalistas de Stephen Tesluk con las letras y la voz de Guy Kyser que van desde lamentos torturados hasta un humor inexpresivo, lo que le da al álbum la variación justa. A lo largo del álbum, las canciones exploran consideraciones sombrías sobre la vida, el sexo y la muerte con la curiosidad desapegada de un científico. Este enfoque agrega una profundidad intelectual a la música que recompensa las escuchas repetidas.

Habiendo escrito lo anterior, tengo que agregar que "Thin White Rope" no es la banda más accesible, y "Moonhead" no es un álbum fácil de entender. Pero el esfuerzo vale la pena. Una vez que has interiorizado los sonidos, las formas y texturas de la música cambian de rompecabezas impenetrables de sonidos agudos a un marco complejo que se transforma con el tiempo para contar historias.

"Moonhead" solidifica el lugar de "Thin White Rope" en el panorama del rock alternativo de finales de los 80. Su mezcla de desert rock, psicodelia y elementos post-punk prefigura la explosión del rock alternativo de principios de los 90, lo que lo convirtió en un lanzamiento profético e influyente. Para los fans del rock alternativo, la psicodelia o cualquier persona interesada en la evolución de la música underground estadounidense en los 80, "Moonhead" es una escucha imprescindible.

 

Disco recomendado

 
"Moonhead" es un álbum intenso y el trabajo más importante y poderoso de "Thin White Rope". Una incorporación recomendada a cualquier colección de música underground de estilo paisley americano alternativo.

Video del tema "If Those Tears":

Tracklist - canciones:

1.         "Not Your Fault" (Becker/Kyser)      3:45
2.         "Wire Animals"          4:00
3.         "Take It Home"          4:36
4.         "Thing"           2:54
5.         "Moonhead" (Kyser/Becker/Kunkel/Tesluk) 4:45
6.         "Wet Heart"    4:34
7.         "Mother" (Kunkel/Kyser)       4:27
8.         "Come Around"         2:19
9.         "If Those Tears"         3:16
10.       "Crawl Piss Freeze" (Kyser/Kunkel/Tesluk)  5:34
11.       "Waking Up"  2:43
12.       "Valley Of The Bones"          2:54
13.       "Atomic Imagery" (Kyser/Tesluk)     3:36
14.       "Ain't That Lovin' You Baby" (Jimmy Reed)           3:54
15.       "Take It Home (Long Version)"        6:17

Ficha:

• Guy Kyser – guitarra, voz
• Roger Kunkel – guitarra, voz
• Stephen Tesluk – bajo, voz
• John Von Feldt – bajo
• Jozef Becker – batería

con

Paul McKenna – ingeniero de sonido y productor

BEACHWOOD SPARKS - Beachwood Sparks - Album

La banda BEACHWOOD SPARKS le da un giro psicodélico al country americano alternativo para lograr una agradable mezcla de los Byrds y los Flying Burrito Brothers. Los que disfrutamos del sonido jangle rock y el pop de finales de los años 60 (siglo xx) agradecemos a "Beachwood Sparks" por seguir llevando la antorcha.

Aunque tienen cuatro buenos discos hasta la fecha en su discografía, quiero destacar y recomendar su debut del año 2000 del mismo nombre. Neal Casal de la banda "Ryan Adams & the Cardinals" nombró el álbum "Beachwood Sparks" como uno de sus álbumes favoritos de todos los tiempos.

¿Quién es la banda "Beachwood Sparks"?

 
Son una formación de country alternativo estadounidense de Los Ángeles. Beachwood Sparks se formó en 1997 cuando el bajista y vocalista Brent Rademaker y el guitarrista y vocalista Josh Schwartz (ambos ex integrantes de la banda de noise pop "Further") se unieron al guitarrista y vocalista Chris Gunst de "Strictly Ballroom", al teclista y guitarrista de pedal steel Farmer Dave Scher y al baterista Jimi Hey.

El cofundador de la banda, Josh Schwartz, murió en septiembre de 2017.

 

ALBUM: Beachwood Sparks

 
Este es el debut de la banda estadounidense "Beachwood Sparks" publicado en 2000. The Byrds, Gram Parsons y The Grateful Dead son buenos puntos de referencia para los no iniciados y los miembros de "Beachwood" han logrado producir un álbum de canciones que claramente se inspiran en el sonido del sur de California de finales de los años 60. La guitarra acústica y el pedal steel se fusionan con el órgano B3 y la armónica para crear una mezcla de pop jangle, psicodelia y sonidos country alternativos.

La banda se encarga de adornar cada melodía con arreglos perfectos que llenan cada rincón de este disco. Cubren las canciones melancólicas con la voz frágil (puede ser molesta, lo admito) de Chris Gunst con rasgueos simpáticos y armonías vocales. "Canyon Ride" es una delicia, "New County" es un vals relajado que suena sacado de un disco de los Byrds, y "The Reminder" tiene un piano excelente y suena tan bajo y roto como la canción más triste de Gram Parsons. La mayor parte del álbum gira en torno a baladas tiernas en las que la banda muestra sus considerables habilidades musicales. Equilibran los momentos "tiernos" con un puñado de cortes rockeros como "Sister Rose", "The Calming Seas" y "This Is What It Sounds Like", mientras que también puedes encontrar elementos con mucha más guitarra en números como "Something I Don't Recognize" y "Silver Morning After" de influencia hippie.

La mayoría de los miembros del grupo ya habían estado haciendo música en la misma época cuando grabaron "Beachwood Sparks", especialmente en la banda lo-fi "Further", y su artesanía se puede escuchar. El grupo toca con total confianza una mezcla magistral de country rock, psicodelia y folk, profundamente arraigada en los sonidos de finales de los 60 y principios de los 70. La banda se inspira claramente en The Byrds, Gram Parsons y Buffalo Springfield, pero infunde a la música una sensibilidad moderna. A mi gusto, este disco está lleno de guitarras vibrantes, armonías exuberantes y el inconfundible sonido metálico del pedal steel, creando un paisaje sonoro que es a la vez expansivo e íntimo.

Y terminando, este LP debut no fue un gran éxito comercial en el momento de su lanzamiento, pero con el tiempo ganó un grupo de seguidores fieles entre los aficionados a la música indie. En los años posteriores, se lo ha reconocido como un pequeño clásico moderno, que influyó en otras bandas con su sonido atemporal y su composición sentida.

Disco recomendado

 
"Beachwood Sparks" no es la primera banda que le ha dado una oportunidad al country "cósmico", pero su álbum debut demuestra de inmediato que son uno de los mejores. Es un disco que captura la magia y la melancolía del sonido "California dreaming". Si eres fan del folk-rock clásico de "Laurel Canyon" o simplemente aprecias las canciones bien elaboradas con corazón y alma, entonces este álbum es una gran adición a tu colección.

Video del tema "Sister Rose":

Tracklist - canciones:

1 Desert Skies
2 Ballad Of Never Rider
3 Silver Morning After
4 Singing Butterfly
5 Sister Rose
6 This Is What I Feel Like
7 Canyon Ride
8 The Reminder
9 The Calming Seas
10 New County
11 Something I Don't Recognise
12 Old Sea Miner
13 See, Oh Three
14 Sleeping Butterfly

THE GUN CLUB - Fire of Love - Album

Presento una banda y un disco que fusiona el blues temprano con el punk. La banda de Los Ángeles THE GUN CLUB y su LP debut "Fire of Love" es una escucha obligada para quienes no están familiarizados, especialmente para el lector más joven de este blog de música. Un disco que nunca volverá a ser, ni será como ningún otro que haga lo que hace, llámalo "tribal blues", "vudú blues", "psychobilly" o "cowpunk".

 

¿Quiénes eran la banda "The Gun Club"?

 
Una formación estadounidense de post-punk de Los Ángeles activa de 1979 a 1996. Creada y dirigida por el cantautor y guitarrista Jeffrey Lee Pierce, se destacaron como una de las primeras bandas del punk rock en incorporar influencias del blues, rockabilly y la música country. Llamada una banda de "tribal psychobilly blues", así como los iniciadores del sonido punk blues "cowpunk", "The Gun Club" tomó los primeros blues acústicos del Delta y los "punkificó". Hasta entonces, las bandas utilizaban la inspiración de "Iggy & The Stooges" y los "New York Dolls", pero nunca retrocedieron tanto.

Aquí está su discografía:

• Fire of Love (1981)
• Miami (1982)
• The Las Vegas Story (1984)
• Mother Juno (1987)
• Pastoral Hide and Seek (1990)
• Divinity (1991)
• Lucky Jim (1993)

Quiero recomendar su gran debut, "Fire of Love".

 

ALBUM: Fire of Love

 
El disco debut de la banda de rock estadounidense "The Gun Club", publicado en 1981. Este LP se considera innovador por ser el primero de su tipo en combinar el sonido duro y sencillo del punk rock con la música de "roots" estadounidenses. Esta innovación ayudó a crear el estilo punk blues que inspiró a innumerables músicos de garage rock. Por tanto, es un LP con marca de agua para toda la música de raíces post-punk.

Era (y estaba etiquetado) "Voodoo blues" como nunca antes se había oído hablar. Todo el asunto del psycho-billy estaba ganando popularidad en el Reino Unido en esta época, especialmente gracias a "The Cramps", pero "The Gun Club" era mucho más oscuro. Por ejemplo, menos años 50-60 (siglo xx) y más Robert Johnson en la encrucijada hablando con el diablo.

Aquí encontrarás el estilo inundado de rock, blues infernal y country gótico de Jeffrey Lee Pierce. Con la guitarra de slide de Pierce combinada con los riffs de Ward Dotson y la sólida sección rítmica del bajista Rob Ritter y el baterista Terry Graham, "The Gun Club" explotó en Los Ángeles a principios de los años 80 con una actitud de mala leche. Con una excelente producción de Chris D. de "The Flesh Eaters", "Fire of Love" superó todas las expectativas.

Nadie había escuchado música como esta antes, ni después. Las canciones de Pierce tienen sus raíces en su estado natal de Texas. La canción "Sex Beat" es una historia de vudú, sexo, droga y muerte. Aquí convergen bandas y músicos como Black Flag, Sex Pistols, el bluesman Son House y Hank Williams en una mezcla de energía hirviente. "The Gun Club" siguen con una versión de "Preachin the Blues" de Robert Johnson con un slide ardiente a toda velocidad. Pero no es hasta "She 's Like Heroin to Me" y el punk-blues de "Ghost on the Highway" que el oyente comprende por fin de qué se trata realmente "The Gun Club" y este LP.

En resumen, un disco explosivo y demoledor, que mezcla la furia del punk, post punk y hardcore con el blues, el folk y el country, pasando por el rockabilly y el psychobilly. Este álbum sentó el precedente para una nueva ola de sonido que seguirán bandas posteriores. Bandas como "Pixies", "Sonic Youth" y "Nirvana" tomarían este sonido forjado y lo llevarían en direcciones completamente diferentes. "Fire of Love" definitivamente llevó la música alternativa y underground a nuevas alturas de logros, fue (es) adelantado a su tiempo. Es implacable, despiadado y desinhibido.

Disco recomendado

 
Una obra única de punk blues tan maravillosa con una calidad que lo devuelve todo a las raíces del rock. Una banda a la que todo amante de la música llega eventualmente y luego se castiga a sí mismo por no haber aprendido sobre ellos antes. Esta es la obra maestra de "The Gun Club" y el lugar perfecto para empezar. Blues con actitud punk.

Video del tema "Preaching Blues":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1."Sex Beat" - 2:45
2."Preaching the Blues" (Robert Johnson; arranged by Jeffrey Lee Pierce) - 3:58
3."Promise Me" - 2:35
4."She's Like Heroin to Me" - 2:33
5."For the Love of Ivy"  - 5:31
6."Fire Spirit" - 2:52

Cara B:

1."Ghost on the Highway" - 2:43
2."Jack on Fire" - 4:40
3."Black Train" - 2:11
4."Cool Drink of Water" - 6:10
5."Goodbye Johnny" - 3:41 

The Gun Club (Músicos):

• Jeffrey Lee Pierce - voz, guitarra slide, coros en "Jack on Fire"
• Ward Dotson: guitarra, guitarra slide y coros en "Jack on Fire"
• Rob Ritter - bajo
• Terry Graham - batería

Músicos adicionales:

• Tito Larriva - productor, violín en "Promise Me"
• Chris D. - productor, coros en "Jack on Fire"
• Lois Graham - coros en "Jack on Fire"

RYAN ADAMS - Ryan Adams - Album

Uno de mis músicos favoritos es el estadounidense Ryan Adams. Salvo todas las controversias personales y los supuestos malos comportamientos, en dimensiones artísticas, el hombre es uno de los más brillantes de su generación. Es una auténtica "fábrica" de producción de discos (29 hasta la fecha) y Ryan Adams tiene algunos álbumes excepcionales que ofrecer, como su debut "Heartbreaker", "Gold", "Rock N Roll", "Ashes and Fire", "Cold Roses". (con "The Cardinals") y mi favorito de toda su discografía el disco "Love is Hell".

Quiero resaltar en esta publicación uno de sus álbumes que tiene un toque de rock y que también se incluye en la lista anterior de excelentes discos de Ryan Adams, su lanzamiento homónimo de 2014.

ALBUM: Ryan Adams

 
Este es el decimocuarto álbum de estudio del cantautor estadounidense Ryan Adams, lanzado el 9 de septiembre de 2014. El LP presenta una estética atmosférica basada en el rock. Este también es un disco de producción propia de Adams y su compañero de grabación Mike Viola. Solo una nota anecdótica, el actor Johnny Depp aparece con la guitarra en "Kim" y la guitarra y la voz en "Feels Like Fire".

Los críticos elogiaron el álbum por ofrecer algo diferente y por el escrutinio de Adams sobre cada canción, a pesar del tema algo pesimista que es característico de su estilo. El álbum también fue reconocido por hacer un guiño a los estilos de artistas como Springsteen, Byran Adams y Fleetwood Mac, es decir, su "Adult Rock Orientation".

Según Ryan Adams, comenzó a trabajar en composiciones que sentía que reflejaban su verdadera personalidad, afirmando:

"Soy demasiado mayor para fingir que me importa una mierda hacer algo que no es lo que soy".

Adams se inspiró en los músicos de rock y punk que admiraba mientras crecía; por ejemplo The Wipers, Hüsker Dü y The Replacements, lo que explica también el "toque rock-punk" que se le da a este LP.

Sorprendentemente, para mí, al menos, este álbum está lleno de canciones que tienen una cualidad familiar. Después de muchas escuchas, es difícil encontrar fallos reales en este disco. Cada canción está bien elaborada y ninguna nota parece estar fuera de lugar. Cada número, como se mencionó, resulta inmediatamente familiar casi al escucharlo por primera vez, lo cual es notable. También es una evolución en la composición de Ryan y un impulso más fuerte hacía más "Heartland Rock". Destaca un fuerte desarrollo en la destreza de la guitarra de Ryan Adams, con algunas de las mejores interpretaciones y melodías más intrincadas que jamás haya grabado. Para mí, posiblemente el trabajo más impresionante que jamás haya realizado con una guitarra. Dicho esto, no te dejará boquiabierto (estilo Van Halen), pero muestra un gran crecimiento y agrega una agradable capa de clase a todo el álbum.

La colección de canciones es muy sólida, pero aquí hay algunas pistas destacadas: "Gimme Something Good", "Kim", "Trouble", "Stay With Me", "Tired of Giving Up"...etc.

Disco recomendado

 
Ryan Adams logra ofrecer un buen álbum de rock maduro. Podría decirse que Ryan Adams está en su apogeo como solista, salvo por su trabajo" con The Cardinals en "Cold Roses". En este LP Adams también demuestra ser un maestro de melodías memorables con algunas letras hermosas, lo que hace que este disco sea una verdadera joya.

Si no estás familiarizado con el artista o este disco, búscalo. Es una buena incorporación a la discografía de Adams que muestra sus habilidades musicales y su estilo único.

Video del tema "Trouble":

Tracklist: 

1.         "Gimme Something Good"    3:55
2.         "Kim"  3:26
3.         "Trouble"        3:47
4.         "Am I Safe"    4:32
5.         "My Wrecking Ball"   3:08
6.         "Stay with Me"           3:06
7.         "Shadows"      5:22
8.         "Feels Like Fire"         4:25
9.         "I Just Might" 3:29
10.       "Tired of Giving Up" 3:40
11.       "Let Go"         3:4

Músicos:

• Ryan Adams - todas las voces, guitarras
• Jeremy Stacey - batería
• Benmont Tench – órgano y piano
• Mike Viola – todo tipo de "sonidos"
• Tal Wilkenfeld – bajo
• Marshall Vore - batería, percusión (8)

Músicos adicionales:

• Johnny Depp - guitarra en "Kim", guitarra y voz en "Feels Like Fire"(2, 8)
• Mandy Moore - voz en "Trouble" y "Am I Safe" (3, 4)

Personal de grabación:

•  Ryan Adams - productor
• Mike Viola - coproductor (1, 3, 4, 6, 8, 10)

GRANT LEE BUFFALO - Fuzzy - Album

Quiero llamar la atención sobre un gran "álbum perdido". La banda es "Grant Lee Buffalo" y el disco en cuestión es su debut titulado "Fuzzy". Un hermoso debut que pinta paisajes con melodías de folk rock americano.

 

¿Quiénes eran la banda "Grant Lee Buffalo"?

 
Formación de rock estadounidense con sede en Los Ángeles, California, formada por Grant-Lee Phillips (voz y guitarra), Paul Kimble (bajo) y Joey Peters (batería). Los tres fueron anteriormente miembros de otra banda de Los Ángeles, "Shiva Burlesque".

La banda estuvo activa principalmente durante los años 1991-1999.

 

ALBUM: Fuzzy

 
El álbum de estudio debut de la banda de rock estadounidense "Grant Lee Buffalo", publicado el 23 de febrero de 1993. Un disco que encaja dentro de los géneros Alt-Country, Americana y Folk Rock.

Como anécdota, Michael Stipe de R.E.M. elogió a Fuzzy como "el mejor álbum del año". Noel Gallagher, de la banda de rock inglesa "Oasis", reveló en 2022 que la canción principal fue una influencia en el éxito de 1995 de la banda, "Some Might Say".

Cuando "Grant Lee Buffalo" grabó este disco, tenían ventaja sobre la mayoría de las bandas que hacían su primera incursión al estudio; el vocalista y guitarrista Grant Lee Phillips, el bajista Paul Kimble y el baterista Joey Peters ya habían grabado dos LP juntos como miembros de la entonces recientemente desaparecida formación "Shiva Burlesque" (SB), y la mayoría de las 11 canciones de "Fuzzy" se remontaban a los últimos días de SB.

Esto explica por qué transmite tanta confianza este LP; además de que Phillips tiene una voz maravillosa, escribe algunas canciones finas y evocadoras y trabajaba con excelentes acompañantes que tenían una buena idea de cómo aprovechar las misteriosas estructuras melódicas de su música.

En retrospectiva, "Fuzzy" bien puede ser el álbum más satisfactorio de "Grant Lee Buffalo"; si bien el grupo ampliaría su fórmula musical en sus siguientes tres álbumes, la relativa simplicidad y la sorprendente dinámica de este álbum, en última instancia, sirven mejor a estas canciones que las grabaciones más elaboradas que seguirían, y canciones como "Soft Wolf Tread", "Dixie Drug Store" y el corte del título, "Fuzzy", fusiona la imaginería estadounidense con el entonces floreciente movimiento alt country.

Las primeras cinco canciones son excepcionales y vale la pena conseguir el disco sólo por ellas. Es un trabajo crudo y al mismo tiempo tiene algunas canciones realmente hermosas. La voz de Phillips es algo digno de contemplar. Canciones que destaco para escuchar son los ya mencionados "Fuzzy", "Dixie Drug Store" y "Jupiter & Teardrops" y "The Hook".

En general, "Fuzzy" es profunda y misteriosa, pero también hermosa y está elaborada con imaginación y cuidado, y no es de extrañar que "Grant Lee Buffalo" se ganara a los críticos poco después de su lanzamiento. Es un clásico de principios de los noventa que a menudo se pasa por alto. Dicho de otra manera, creo que este es un gran álbum "perdido".

 

Disco recomendado

 
Como disco "subestimado", "Fuzzy" merece nuestra (su) atención. Búscalo en los canales digitales habituales y escúchalo paciente y atentamente. Estoy seguro de que quedarás cautivado y será una escucha habitual.

Video del tema "Fuzzy":

Tracklist:

1.         "The Shining Hour"    3:53
2.         "Jupiter and Teardrop"           5:57
3.         "Fuzzy"           4:59
4.         "Wish You Well"        3:30
5.         "The Hook"     4:13
6.         "Soft Wolf Tread"      2:52
7.         "Stars 'n' Stripes"        4:43
8.         "Dixie Drug Store"     5:07
9.         "America Snoring"     3:39
10.       "Grace"           6:15
11.       "You Just Have to Be Crazy"            3:35

Musicos:

• Grant Lee Phillips – guitarras eléctricas y acústicas, voz
• Paul Kimble – bajo, voz, piano, teclados
• Joe Peters - batería, percusión

WEDNESDAY - Rat Saw God - Album

Aunque llevan un tiempo publicando discos, es ahora cuando realmente captan la atención más allá de su zona más local. Acaban de publicar su disco "Rat Saw God" y han abierto los ojos (y los oídos) a un público buscando algo fresco, diferente, novedoso y con corrientes indie que ha sorprendido gratamente. Hablo de...
 

Wednesday (Banda)

 
Formación americana de indie rock de Asheville, Carolina del Norte y formado en 2017. La banda está compuesta por la vocalista Karly Hartzman, el guitarrista Jake Lenderman, el músico de "lap steel" Xandy Chelmis y el baterista Alan Miller.

Mezclando guitarras de estilo shoegaze con un toque "southern country" y letras con los traumas de la vida en un pueblo pequeño, las canciones del grupo logran ser personales mientras tocan dudas y ansiedades que son universalmente reconocibles. Pueden ser suaves y melódicos o fuertes y agresivos. Podrían inspirarse en el rock sureño o en el "wall of sound" de sonido del shoegaze. A menudo, harán ambas cosas dentro de la misma canción.

El disco "Rat Saw God" (2023) es una agradable sorpresa que ve a la banda pasar al siguiente nivel.

 

ALBUM: Rat Saw God

 
El quinto álbum de estudio publicado el 7 de abril de 2023. Quizás su esfuerzo más concienciado y dinámico hasta la fecha. Lo pesado se vuelve más pesado y lo blando se vuelve más suave. Han subido un nivel sonoro al poder capturar sus emociones de una manera más concisa, mientras crean una experiencia sonora como una montaña rusa. Es una hazaña escuchar a una banda capturar la soledad, el malestar y el anhelo que está enterrado justo debajo de la superficie de la vida de un pueblo pequeño (americano) y "Wednesday" lo logra. Las descripciones son vívidas, nostálgicas y empáticas sin caer nunca en la complacencia o la idealización.

Este álbum ofrece indie rock ruidoso de alta calidad con un toque de country. La fuerza de este álbum, en mi opinión, proviene de la convincente composición y voz de Karly Hartzman. Su lirismo y su voz realmente brillan sobre la instrumentación de "noise rock" y pesado. Aunque no es "el" álbum perfecto, hay momentos de verdadera grandeza como en la canción de más de 8 minutos, "Bull Believer", o el himno "Chosen to Deserve". El enfoque de "Wednesday" en la composición de canciones se encuentra en algún lugar entre la narración poética angustiosamente incómoda y algo significativamente más transparente. Otros cortes como "Formula One" tienen peso emocional, mientras que "Got Shocked" fusiona la honestidad con un tejido de historias más tradicional.

"Rat Saw God" no será para todos los gustos. Dicho esto, es difícil no apreciar el contenido de composición del álbum. El noise rock y el country alternativo no son necesariamente géneros que combinen. Sin embargo, esta fusión de los dos subgéneros antes mencionados con toques de shoegaze hace que la escucha sea sorprendentemente muy interesante. 

Disco recomendado. Este álbum es una verdadera sorpresa del 2023. "Rat Saw God" es el tipo de álbum caleidoscópico que ofrece algo nuevo para apreciar con cada escucha. Si te gustan bandas como Nirvana, Drive-by Truckers, Pixies, PJ Harvey...etc., lo disfrutarás. Es un disco que vale invertir tu tiempo para escuchar y,  un competidor para la lista de "Mejores álbumes" de fin de año.

Video del tema "Bull Believer":

Tracklist:

1.         "Hot Rotten Grass Smell"      1:35
2.         "Bull Believer"           8:30
3.         "Got Shocked"           2:18
4.         "Formula One"           2:52
5.         "Chosen to Deserve"  5:32
6.         "Bath County"            3:10
7.         "Quarry"                     4:07
8.         "Turkey Vultures"      4:05
9.         "What's So Funny"     2:32
10.       "TV in the Gas Pump"           2:22

PETE YORN - Musicforthemorningafter - Album

Peter Joseph Yorn (Músico)

Conocido artísticamente como Pete Yorn, es cantante, compositor y músico estadounidense. Obtuvo reconocimiento internacional por primera vez después de que su disco debut, "Musicforthemorningafter", fuera lanzado con gran éxito comercial y de la crítica en 2001. Es conocido por tocar la mayor parte de los instrumentos en sus discos. Muchos críticos consideran a Yorn como uno de los mejores compositores de su generación.

Pete Yorn ha estado muy ocupado desde entonces. Aparte de numerosas colaboraciones, tiene, hasta el momento, 10 álbumes completos, el último lanzado en 2022.

Si no conoces a este excelente músico, busca su debut "Musicforthemorningafter", un gran punto de entrada a la música de Yorn.

ALBUM: Musicforthemorningafter

 
El álbum debut de Pete Yorn, publicado el 27 de marzo de 2001.

Este es un comienzo impresionante de lo que se convertiría en una carrera larga y variada; además es una forma majestuosa de debutar. Es una selección orgánica de rock americano, con el amor de Yorn por el jangle-pop también presente, con varias canciones de base acústica ("Sense", "Simonize") que se asemejan a "The Smiths". La voz de Yorn le da un sonido polvoriento a todo el álbum, que está orquestado con una mezcla de guitarra, armónica y una sección rítmica estándar.

El sencillo "Life on a Chain" comienza con un acento que contribuyó a ganarse un importante lugar en la radio de formato rock moderno, mientras que canciones como "Just Another" muestran que Yorn también puede trabajar las baladas. Canciones como "Murray" presentan una vibe americana, y él usa su influencia de los Smiths con la canción "For Nancy". Muchas canciones también cuentan con una producción bastante elaborada y limpia, como "Sleep Better". Mi canción favorita del álbum es "Strange Condition", me encanta y me atrapa siempre.

El talento de Pete Yorn va más allá de la simple composición de canciones, el hombre es un hombre orquesta. Toma el siguiente ejemplo de lo que Yorn contribuyó a cada canción:

Voces (en todas las pistas*), guitarra acústica (pistas 1-8, 10-13), guitarra eléctrica (pistas 1-4, 6-7, 10, 12), guitarra barítono (11), batería (pistas 1-4 , 6-13), bajo (pista 1, 3-4, 6-7, 10), piano (pista 5, 8), sintetizador analógico (pista 5), cuerdas de sintetizador (pista 1, 9), teclado casio (pista 7), percusión (pista 2, 10), pandereta (pista 6-7), platillos de dedo (pista 11), e-bow (pista 11), todos los instrumentos (pista 14)... ¡Guau! No se que te parece pero esto es impresionante, las pocas personas que se me ocurren con este talento es "Prince".

* a continuación abajo encontrará la lista de canciones (numeradas)

Sus seguidores y fans dirán: "Yorn tiene otros discos". El segundo álbum ("Day I Forgot"), mucho más empapado de country alternativo melódico, su tercer disco ("Nightcrawler"), mucho más emotivo, y el LP "Pete Yorn" (2010), que es más centrado en el rock, producido por Frank Black. Mi inclinación por "Musicforthemorningafter" se debe a que es el disco que descubrí por primera vez al músico, además siento que es impresionante, además de seguir siendo su álbum de mayor éxito comercial (700.000 vendidos) hasta la fecha.

En general, este trabajo tiene algo que llama tu atención y no sabes muy bien cómo definirlo. Tiene una mezcla de elementos que te recuerdan a Ryan Adams, Tom Petty... y suena un jangle de guitarra pop similar a R.E.M y las bandas británicas. Sea lo que sea, me gusta.

Disco recomendado. Con un núcleo pop, "Musicforthemorningafter" tiene calidad, vitalidad y un poco de todo. Esto es el encanto del álbum, es una experiencia auditiva. Busca este LP si no estás familiarizado con este músico, pienso que te puede sorprender y darte alegrías musicales.

Video del tema "Strange Condition":

Tracklist: 

1.         "Life on a Chain"       3:45
2.         "Strange Condition"   3:57
3.         "Just Another"            3:14
4.         "Black"                       4:11
5.         "Lose You"                 4:35
6.         "For Nancy ('Cos It Already Is)"       3:30
7.         "Murray"                     3:45
8.         "June"                          2:34
9.         "Sense"                       3:53
10.       "Closet"                      3:03
11.       "On Your Side"          5:02
12.       "Sleep Better"             4:28
13.       "EZ"                            4:41
14.       "Simonize"                 2:54

MARK LANEGAN - Whiskey for the Holy Ghost - Album

Para tener una imagen completa del cantante, compositor y poeta estadounidense Mark Lanegan (ex cantante principal de "Screaming Trees", entre otros) como solista, el disco "Whiskey for the Holy Ghost" y su trabajo anterior, "The Winding Sheet", encapsula a un vocalista verdaderamente dotado en su mejor momento expresando la oscuridad en su alma.

 

ALBUM "Whiskey for the Holy Ghost"

 
El segundo LP en solitario fue publicado el 18 de enero de 1994. El disco se basa en la música de "roots" que Mark Lanegan había previamente establecido con su debut "The Winding Sheet". "Whiskey for the Holy Ghost" está más realizada que la primera, las melodías son más memorables y la emoción más controlada. El álbum consta de doce temas, con una duración total de alrededor de 50 minutos. Es un escaparate de la voz única de Lanegan, que es profunda, grave y cargada de emociones. Las canciones son una mezcla de blues, folk y rock, con letras oscuras e introspectivas con el artista invitando a compartir íntimamente su batalla contra sus demonios internos. Básicamente todo está construido sobre un montón de guitarras acústicas, con violines, violonchelos, saxofones y su profunda voz irritado por fumar.

Aquí encuentras a Mark Lanegan y al productor e instrumentista Mike Johnson construyendo fondos instrumentales resonantes pero de bajo perfil para las historias de angustia, alcohol y esperanzas frustradas del cantante. "Whiskey for the Holy Ghost" también habla con una confianza tranquila pero férrea de un artista que emerge con su propia visión distinta. Las canciones son literarias, los arreglos son sutiles y de apoyo (a menudo evitando las guitarras eléctricas por teclados e instrumentos acústicos) la voz de Lanegan transforma el profundo dolor del country blues en algo nuevo, convincente y completamente propio.

El álbum abre con "The River Rise", una canción lenta y melancólica que marca la pauta para el resto del álbum. La letra es poética y evocadora. La segunda pista, "Borracho", es un número de blues que presenta la voz de Lanegan en su forma más cruda y poderosa. Es una canción sobre beber y el precio que le cuesta a una persona. Dan Peters de la banda "Mudhoney" toca la batería en esta canción (también lo hace en "House A Home").

Otros temas destacados del LP incluyen "House a Home", una balada inquietante con una melodía melancólica, y "Kingdoms of Rain", una canción lenta y lúgubre con un hermoso solo de guitarra. "El Sol", con su estribillo pegadizo y su riff de guitarra de inspiración española, es una de las canciones más animadas del álbum.

Otra de las cosas destacables de "Whiskey for the Holy Ghost" es la forma en que Mark Lanegan consigue transmitir tanta emoción con tan pocas palabras. Sus letras suelen ser escasas y abiertas a la interpretación, pero las imágenes que crea son vívidas y poderosas. El álbum también se destaca por sus músicos invitados (ver la lista debajo de la lista de canciones).

Disco recomendado, una pieza brillante de música oscura e introspectiva y de rock folk-country. Es un álbum que recompensa las escuchas repetidas, ya que cada tema revela nuevas profundidades de emoción y significado. La voz de Lanegan es el corazón y el alma del álbum, y es un testimonio de su talento como cantante y compositor que es capaz de crear un LP tan poderoso y conmovedor. "Whiskey for the Holy Ghost" deja claro que Mark Lanegan realmente había llegado como solista, y se ubica junto al álbum "Everclear" de American Music Club como uno de los mejores álbumes del "lado oscuro del alma".

Video del tema "Beggar's Blues":

Tracklist: 

1.         "The River Rise"         4:29
2.         "Borracho"      5:40
3.         "House a Home"         3:07
4.         "Kingdoms of Rain"   3:24
5.         "Carnival"       3:40
6.         "Riding the Nightingale"       6:17
7.         "El Sol"           3:42
8.         "Dead on You"           3:11
9.         "Shooting Gallery"     3:32
10.       "Sunrise"         2:55
11.       "Pendulum"    2:12
12.       "Judas Touch" 1:37
13.       "Beggar's Blues"         5:36

Personal (y artistas invitados):

•  Mark Lanegan - voz, guitarras acústicas y eléctricas
• Mike Johnson: bajo, guitarra acústica, eléctrica y slide, órgano, piano, armónica, coros
• Frank Cody - piano, órgano
• Ted Trewhella-piano
• Justin Williams - órgano
• Kurt Fedora - bajo
• Phil Sparks - contrabajo arqueado y vertical
• Dave Kreuger - violín
• Mike Stinette - saxofón
• Tad Doyle, J Mascis, Dan Peters, Mark Pickerel - batería
• Krisha Augerot, Sally Barry - coros