JAPAN - Adolescent Sex - Album

 El cantante, músico y compositor británico David Sylvian de la banda JAPAN dijo en 1982: 

"Lamento el primer álbum, "Adolescent Sex", en el sentido de que éramos demasiado jóvenes, demasiado ingenuos para hacerlo. La gente que nos rodea debería haberse dado cuenta de eso y no haberlo lanzado..."

No estoy de acuerdo. Creo que es un buen LP, tiene algunos cambios agradables inesperados, con reflujos y paradas bajas y repentinas de los estribillos, lo que la convierte en una de las mejores interpretaciones vocales de "glam" de Sylvian. También es un clásico del new wave. Por lo tanto, para mí es un disco con una agradable mezcla de funk, new wave, synthpop y glam. Sí, quizás con un sonido "anticuado", pero pensemos en su contexto histórico.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música y a los melómanos el mencionado primer álbum de JAPAN.

 

ALBUM: Adolescent Sex

 

El debut de la banda inglesa "Japan", publicado en marzo de 1978. Para evitar controversias sobre el título, el álbum pasó a llamarse simplemente "Japón" en algunos países. Este LP no tuvo un buen desempeño comercial, incluidos sus sencillos, sin embargo es una pequeña joya del género glam rock.

Aunque "Japón" se convertiría más tarde en new wave "new romantics", "Adolescent Sex" fue dos años anterior al movimiento. Un primer LP notable, está lleno de intención punk, con riffs de glam rock y de electrónica que no sólo se remonta a la juventud de la banda, sino que también es anterior a gran parte de lo que explotaría en la próxima ola del underground británico. Influenciado por el glam de David Bowie y los New York Dolls, experimentan y complementan lo que hacian otras bandas innovadoras en ese momento como "Ultravox" y "Tubeway Army". 

El primer número, "Transmission", prepara el escenario para lo que sigue. Sin embargo, en lugar de seguir estrictamente la línea marcada, la banda hace algunos trucos para sorprender al oyente. El bajo y la guitarra funky de "The Unconventional" repetidos nuevamente en "Wish You Were Black" no sólo es una sorpresa, sino que deja a uno preguntando si a la banda le gustaba más el funk, especialmente a la luz del largo número de improvisación "Suburban Love" que sigue. En otros lugares, la banda toca sus raíces mientras define su propio estilo, que incluye la voz sexy y despeinada de David Sylvian; sobre todo en el corte post-punk "Television" y una versión de "Don't Rain on My Parade".

Por lo tanto, el punto fuerte de este álbum es la forma en que "Japan" combina diferentes géneros con tanta facilidad. El glam, el punk y los nuevos elementos románticos se entrelazan de manera experta, creando un sonido cohesivo. La producción del álbum es muy clara, con cada instrumento y voz elevándose sobre un lecho de sintetizadores exuberantes, líneas de bajo contundentes y baterías propulsoras.

Sí, "Japan" era unos chicos muy joven, hambriento y un poco rudo. A pesar del trabajo de R & B, es importante recordar que esta banda estaba encontrando su punto de apoyo sonoro. Una auto-concepción única e innovadora. Un sonido que les sienta bien y que después culminan en su gran disco "Tin Drum".
 

Disco recomendado

 
Para mí, "Adolescent Sex" es un excelente debut que muestra el sonido innovador y la fuerza creativa de "Japan". Desde la canción que abre el álbum hasta su cierre, el oyente se sumerge en un mundo de lirismo sentido e instrumentación dinámica. Teniendo en cuenta 1978, el disco es un testimonio de la capacidad de la banda para traspasar límites e innovar, allanando el camino para una generación de bandas post-punk, new wave y electrónica que seguirían sus pasos.

Video del tema "Suburban Love":

Tracklist - Canciones (formato LP original): 

Cara A:

1.         "Transmission"            4:46
2.         "The Unconventional"            3:02
3.         "Wish You Were Black"        4:49
4.         "Performance" 4:36
5.         "Lovers on Main Street"        4:09
6.         "Don't Rain on My Parade"   2:54 

Cara B:

7.         "Suburban Love"        7:27
8.         "Adolescent Sex"       3:46
9.         "Communist China"   2:44
10.       "Television"    9:15

Japan (Músicos):

• David Sylvian - voz principal, guitarra rítmica
• Rob Dean - guitarra principal, coros
• Richard Barbieri - teclados, coros
• Mick Karn - bajo, coros
• Steve Jansen – batería, coros, percusión

Adicional:

Ray Singer - producción, coros adicionales

MONO - Hymn to the Immortal Wind - Album

Dedico espacio a la banda japonesa de "post-rock" MONO en este blog de música. Si la filosofía de este sitio es ayudar a los melómanos a descubrir nuevas bandas y sonidos, entonces este post será de tu interés. Además, si también te gusta el género "post rock", creo que también disfrutarás del siguiente disco de la citada banda.

 

¿Quiénes son la banda "Mono"?

 
Son un grupo instrumental japonés, formado en 1999 en Tokio. La banda está formada por Takaakira "Taka" Goto (guitarra eléctrica), Hideki "Yoda" Suematsu (guitarra eléctrica), Dahm Majuri Cipolla (batería) y Tamaki Kunishi (bajo, guitarra eléctrica y piano). El sonido de la banda se caracteriza por las guitarras solista y rítmica de Goto y Yoda respectivamente, quienes hacen un uso extensivo de efectos de reverberación, distorsión y retardo.

La banda ha citado como inspiración a una variedad de artistas de música experimental, de vanguardia y clásica (ejemplos, Sonic Youth, My Bloody Valentine, el músico clásico Ludwig van Beethoven y el italiano Ennio Morricone) afirmando que su objetivo es trascender el género, rechazando el "post rock" etiqueta que se les aplica.

En una entrevista para la revista "Time Out", Takkakira Goto comentó:

"La música es comunicar lo incomunicable; eso significa que un término como post-rock no significa mucho para nosotros, ya que la música necesita trascender el género para tener significado".

"Mono" ha lanzado once álbumes de estudio. Aquí tenéis su extensa discografía hasta el momento:

• Under the Pipal Tree (2001)
• One Step More and You Die (2002)
• Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined (2004)
• You Are There (2006)
• Hymn to the Immortal Wind (2009)
• For My Parents (2012)
• The Last Dawn (2014)
• Rays of Darkness (2014)
• Requiem for Hell (2016)
• Nowhere Now Here (2019)
• Pilgrimage of the Soul (2021)
• My Story, the Buraku Story (An Original Soundtrack) (2022)

Recomiendo a los lectores su disco de 2009 "Hymn to the Immortal Wind". Un buen disco donde empezar a descubrir a esta excelente banda de rock japonesa.

 

ALBUM: Hymn to the Immortal Wind

 
El quinto disco de estudio de la banda japonesa de post-rock "Mono", publicado el 24 de marzo de 2009. El álbum fue grabado por Steve Albini. Este es un álbum conceptual y hay una historia corta adjunta al CD que acompaña a la música.

La narrativa reflexiona sobre un niño y una niña en un paisaje post-apocalíptico indefinido que intentan dejar algo vivo para el futuro, mientras ellos mismos se mueren (por radiación). Esto construye el marco para la música, un viaje salpicado de escaramuzas y picos y valles emocionales. Al ser una entidad musical dividida en siete movimientos (canciones), "Mono" presenta una historia sonora que pasa del rock a crescendos y valles difíciles de manejar. Percusión estridente, guitarras distorsionadas, amplios instrumentos de cuerda, motivos de guitarra incandescentes, melódicos del clavicémbalo y el glockenspiel bien medidos tanto en términos de tiempo como de peso. Sirven para abrir estos paisajes sonoros dinámicos y melódicos de una manera que te invitan a ti, el oyente, haciéndote sentir uno con la música mientras te envuelve con su sensación tangible de consternación, desesperanza, oportunidad, optimismo y agitación.

Como ya he mencionado, siete temas, con una duración total de 67 minutos, caracterizados por su dinámica magnilocuente y señorial que toma prestado el estilo melodramático de las bandas sonoras cinematográficas. Si existe algo llamado "post-rock" (la banda va en contra de términos categóricos), este disco realmente lo es.

"Mono" es una banda que expresa fluidez, dinámica y pinta texturas sonoras y "Hymn to the Immortal Wind" lo hace de manera brillante. Las guitarras brillan y la orquestación aumenta. Como muchos grupos musicales japoneses, su interpretación tonal es diferente de la que obtendrías de una banda occidental. Con las bandas ortodoxas de post rock en la mayoría de las canciones el crescendo es el todo, la catarsis emocional y el clímax. Con "Mono", particularmente en este LP, ese espíritu no se encuentra por ningún lado, y los clímax son más bien si y no, depende.

En "On Hymn to the Immortal Wind", el líder de la banda y compositor Takaakira “Taka” Goto insistió en que la banda tocará en directo en el estudio junto con una sección de cuerdas de 25 piezas con flautista, dirigida por Paul Von Mertens y Dave Max Crawford. El productor Steve Albini, colocó micrófonos por toda la sala capturando la grabación a la perfección, agregando variedad, sorpresas y una maravillosa oferta musical.

El primer corte, 'Ashes in the Snow', revela los inmensos valores de producción derivados de Steve Albini. Sin embargo, es la canción, temprana y mi favorita, “Burial at Sea”, la que es un gran ejemplo de lo que trata este disco y de cómo "Mono" interpreta su arte. Comienza lentamente con un zumbido de un órgano Hammond B-3 y se le unen dos guitarras eléctricas diferentes, una tocando un tema de una sola cuerda y la otra una hermosa melodía. Luego el bajo entra lentamente a medida que se desarrolla la línea lírica. Platillos, cuerdas e incluso un carillón acompañan esta melodía mientras su tensión comienza a aumentar creando una sensación fúnebre. Durante diez minutos y medio, la canción se desarrolla en una exuberante suite donde las cuerdas a veces luchan contra los instrumentos de rock convencionales por el dominio. Vaya, qué interpretación del post-rock moderno es esta, una tarjeta de presentación de lo que vendrá después.

La magia continúa con otro ejemplo como “Pure as Snow (Trails of the Winter Storm)” con líneas de guitarra brillantes, alternando entre formas de acordes rasgueados y líneas solistas vacilantes subrayadas por la batería. El disco está lleno de "muro de sonido", pero es solo una parte esencial de la experiencia intensamente hermosa, expansiva, pero no contradictoria que es la banda "Mono".

En resumen, "Hymn to the Immortal Wind" es una obra magistral que muestra la capacidad de "Mono" para crear una sensación de drama, tensión y euforia. Si bien el álbum quizás no sea tan innovador como los trabajos anteriores de los japoneses, es un testimonio de la capacidad de la banda para crear música emocional y poderosa que resuena en el oyente. Personalmente prefiero este disco a sus otros trabajos disponibles.

 

Disco recomendado

 
Este es un viaje musical "fantástico" (en un sentido literal), cinematográfico en su capacidad de crear imágenes en tu mente mientras escuchas. Los fans de bandas como Red Sparowes, This Will Destroy You y Set Fire to Flames disfrutarán de este disco. Y aunque a la banda no les guste el término, es una magnífica obra de "post-rock".

Video del tema "Burial At Sea" (Live in Sydney)

Tracklist:

1.         "Ashes in the Snow"  11:46
2.         "Burial at Sea"            10:39
3.         "Silent Flight, Sleeping Dawn"          6:00
4.         "Pure as Snow (Trails of the Winter Storm)" 11:26
5.         "Follow the Map"       3:56
6.         "The Battle to Heaven"          12:51
7.         "Everlasting Light"     10:23

Mono (Músicos):

• Takaakira "Taka" Goto - guitarras eléctricas
• Tamaki Kunishi - bajo, piano, clavecín, glockenspiel
• Yasunori Takada: batería, tímpano, platillos, glockenspiel
• Yoda - guitarras eléctricas, órgano Hammond B3

Producción:

• Steve Albini - grabación, ingeniero de sonido, mezcla
• John Golden - masterización

Orquesta:

• Mark Anderson, violonchelo
• Mellisa Bach, violonchelo
• Eille Bakkum, viola
• Inger Petersen Carle, violín
• Alison Chesley, violonchelo
• Dave Max Crawford, director de orquesta
• Jennifer Clippert, flauta
• Wendy Cotton, violonchelo
• Margaret Daly, violonchelo
• Michael Duggan, violonchelo
• Katherine Hughes, violonchelo
• Jill Kaeding, violonchelo
• Carol Kalvonjian, violín
• Carmen Llop Kassinger, violín
• Kent Kessler, contrabajo
• Andra Kulans, violín, viola
• Jody Livo, violín
• Ellen O'Hayer, violonchelo
• Vannia Phillips, viola
• John Sagos, viola
• María Stolper, flauta
• Ben Wedge, viola
• Steve Winkler, violín
• Susan Voelz, violín
• Paul Von Mertens, director de orquesta
• Jeff Yang, violín
• Richard Yeo, violonchelo
• Chie Yoshinaka, violín

HALLELUJAHS - Eat Meat, Swear an Oath - Album

Quiero dar espacio a algo diferente, un poco "exótico" y muy singular. El primero porque es música rock de Japón, de una formación relativamente menos conocida, y "único" porque es su única grabación. A lo largo de los años, han adquirido un seguimiento de "culto" entre los seguidores del rock indie (guitarra jangle). Después de todo, este es un blog que tiene como uno de sus objetivos introducir a sus lectores a nueva música, a veces menos conocida, y animar la exploración de nuevos sonidos.

ALBUM: Eat Meat, Swear an Oath

El álbum fue autoeditado en 1986 en una edición limitada de solo 300 copias. Desde entonces ha sido reeditado y está disponible a través de Internet. Este disco consta de ocho canciones que tienen el mismo sentimiento melancólico de la banda "Felt", con toques de "Sonic Youth" y "Dinosaur Jr." y una melodía que recuerda a "Galaxie 500" y "Pavement". Esto en sí mismo debería despertar la curiosidad.

En una serie de sesiones de estudio informales entre 1985 y 1986, Shinji Shibayama (Nagisa Ni Te) reunió a un grupo de amigos que surgieron de la escena del rock underground de Kansai, incluidos Naoki Zushi (Hijokaidan, Spiral Stairs y 螺旋階段), Ken Ichi "Idiot" Takayama (Idiot O'Clock) y Chie Mukai (Ché-SHIZU) para formar lo que se conocería como "Hallelujahs".

Este es su único álbum; "Eat Meat, Swear an Oath", presenta un conjunto de canciones sin adornos, grabadas de "reel to reel" (cinta a cinta), la mayoría de las veces en tomas individuales sin repetir. Con afinidades con los sonidos de "Paisley Underground" y "Galaxie 500", "Eat Meat, Swear an Oath" es una obra única. 

Escucha canciones como "The Next Verse" con su guitarra sobrecargada y "Green Lovers" con armonías vocales duales cantadas en inglés con un arreglo de ensueño que toca el mismo territorio que "Galaxie 500". Las melodías cantarinas se compensan con simples solos de guitarra fuzz, lo que da como resultado extraña pero divertida. Los "Hallelujahs" suenan un poco más de rock en "Christmas Out of Season" y "I’ll Soon Follow, No Matter Where You Are". En general, la retroalimentación y los instrumentos acústicos a menudo coexisten a lo largo de este disco especial.

Disco recomendado, jangly y agradable, "wall of sound" con el toque japonés. A veces, las voces son difíciles de digerir, pero este es un tema menor. Puedes encontrar esto como una edición de vinilo de lujo, remasterizada de las cintas originales. También puedes escucharlo todo a través de las plataformas digitales habituales de música.

Dar este LP una escucha, creo que en general te sorprenderá. Esto muestra que hay más en Japón que solo una banda como "Boris", aunque esta última es mucho más popular.

Video del tema "Christmas Out of Season":

Tracklist:          

1. I’m Not Green - 05:01                  
2. The Next Verse (つづき) - 05:00             
3. Hallelujah (ハレルヤ) - 06:24      
4. I’ll Soon Follow, No Matter Where You Are (すぐ行くよどこにいても ) - 03:51    
5. Green Lovers - 04:04                    
6. Christmas Out of Season (季節はずれのクリスマス ) - 07:17            
7. Star (星) - 05:15    
8. A Wish (ねがい) - 03:45  

Personal:

• Shinji Shibayama – Voz y Guitarra
• "Idiot" – Guitarra (tema 1,7), Batería/Percusión (tema 3,4)
• Chie Mukai – violín chino de dos cuerdas (8)
• Koji Saga - Bajo (1)
• Kaco Sanada – Piano (5)
• Takahisa Watanabe – Guitarra (1,6,7), Bajo (2-4)
• Naoki Zushi – Voz y Guitarra (2-5)
  
  
• Produción por Shinji Shibayama

BOREDOMS - Vision Creation Newsun - Album

Boredoms (ボアダムス) - Banda 

Conjunto de música rock de Osaka, Japón, formado en 1986. El sonido de la banda inicialmente se conoce como noise rock o, a veces, Japanoise (escena de la música noise de Japón), aunque sus discos más recientes han presentado principalmente minimalismo electrónico, música ambient y percusión tribal. 

Muchos músicos han rotado en el grupo a lo largo de los años. El cantante Yamantaka Eye es lo más cercano que la banda tiene a un líder; su estilo incluye una variedad de gritos desconcertantes, balbuceos, efectos electrónicos y una postproducción muy pesada. El baterista, teclista y vocalista Yoshimi P-We aparece en la mayoría de las grabaciones de "Boredoms".

¿Quiénes son?

 
Formado por Yamantaka Eye ("Eye"), quien en ese momento era líder de la controvertido grupo de ruido "Hanatarash": una banda famosa localmente por sus peligrosos directos que consisten en destrucción y total desprecio por la seguridad de la audiencia. Esta actitud luego sería muy influyente en la primera encarnación de "Boredoms", que fue además formada por los miembros restantes como el baterista de "Hanatarash" "Ikuo Taketani", así como el guitarrista "Tabata Mitsuru", el bajista "Hosoi Hisato" y vocalista "Makki Sasarato".

El sonido al principio se caracterizó por un punk rock ruidoso. La banda cambió oficialmente su nombre a "Boredoms" después de que Hira reemplazará a Hosoi en el bajo y Sasarato dejara la banda debido a diferencias creativas. El nombre de la banda proviene de la canción de los británicos "Buzzcocks", "Boredom".

Como puedes apreciar, la formación experimenta un comienzo dinámico y turbulento (una fricción continua durante años) que se filtra en su propuesta musical. Su "actitud" se destaca por el título de su primer EP en 1986 "Anal by Anal", lo dice todo. Sin embargo, describamos esto como "sentido del humor". No obstante, desde luego da una imagen muy punk.

En marzo de 1988, la banda publicó su primer álbum, "Osorezan no Stooges Kyo". Los cambios de formación eran ya una tendencia. Debido al descontento con la batería de Yoshikawa, se le pidió a Yoshimi P-We del proyecto "UFO or Die" relacionado con Hanatarash de Eye que se uniera como otra baterista, convirtiéndose en la primera miembro femenina de la banda. Poco después del cambio, Yoshikawa dejó el grupo, para ser reemplazado por Chew Hasegawa y luego por Kazuya Nishimura, conocido por su nombre artístico "Atari".

El sonido de la banda de este período estuvo marcado por un punk áspero y disonante y citaban a "Sonic Youth" y "Funkadelic" como influencias. Iba a ser la amistad y el patrocinio de "Sonic Youth" (junto con "Nirvana" citándolos como una de sus bandas favoritas) lo que abriría al grupo a la audiencia "underground" estadounidense. Una serie de giras de apoyo, incluida la distribución por sellos discográficos locales, y la participación en "Lollapalooza" de 1994, hicieron que "Boredoms" se posicionara como uno de los grupos de rock alternativo más interesantes, y me atrevo a decir, exóticos y de moda. 

Después de una serie de álbumes, "Boredoms" cambió su dirección musical. La banda comenzó a romper con el sonido del noise rock-japonés anterior al introducir muchos elementos de efectos electrónicos y rock psicodélico en su música. Se acercaron a un sonido que recuerda a la música de "Can". Los críticos comenzaron a describir este "nuevo sonido" como "Space rock". Su álbum de 1998 "Super æ" anunció el cambio musical con elementos del krautrock de la década de 1970 y recibió grandes elogios de la influyente prensa musical.

Sin embargo, las cosas se calmaron después del álbum "Vision Creation Newsun" de 1999 y comenzaron a circular rumores de que la banda se había separado. Más tarde apareció una versión más pequeña del grupo y tocó en algunos conciertos bajo un nuevo nombre "The Voordoms" en 2003, dando fuerza a la idea anterior de que la banda se había separado. En 2005, sin embargo, "Boredoms" regresó con el lanzamiento del álbum "Seadrum/House of Sun", el último hasta la fecha, pero manteniendo durante los siguientes años giras y apariciones en directo.

Discos de interés:

• Osorezan no Stooges Kyo (1988)
• Soul Discharge (1989)
• Pop Tatari (1992)
• Chocolate Synthesizer (1994)
• Super æ (1998)
• Vision Creation Newsun (1999)
• Seadrum/House of Sun (2005)

La mayoría de expertos musicales han citado su álbum "Super Ae" de 1998 como el mejor, creo que esto es apropiado, ya que fue un verdadero cambio para la banda y dieron en el blanco con la audiencia alternativa "underground" de EE. UU. Además, suenan j*didamente genial. Sin embargo, me inclino más hacia el próximo álbum "Visions Creation Newsun", siendo para mí más accesible. Este último disco es testigo de la transformación completa de una banda inicialmente de punk-rock y ruidoso en un espacioso y psicodélico conjunto tribal y experimental.

 

ALBUM: Vision Creation Newsun

El álbum de la banda de rock japonesa "Boredoms" fue publicado en Japón el 10 de diciembre de 1999 y en los Estados Unidos en 2000. Descrito como un álbum de space rock y krautrock, marca finalmente a la banda alejándose de su sonido agudo influenciado por el ruido.

Los dos primeros temas (sin títulos, sólo símbolos los cortes del disco) encuentran a "Boredoms" explorando el rock tribal con percusión propulsora, trabajo de guitarra enérgico y cánticos vocales. El ambiente general es similar al del álbum anterior "Super Ae", que se basa en el krautrock y la psicodelia, aunque lo llevan todo más lejos en este disco.

"Vision Creation Newsun" tiene nuevos elementos como folk, que incluyen texturas instrumentales más suaves, lavados de platillos largos y guitarras acústicas. Estos toques delicados demuestran acertadamente la gama de sonidos en evolución de "Boredoms". Los aspectos más destacados incluyen el estilo hipnótico y los efectos del guitarrista Yama-Motor. Suena y recuerda la retroalimentación al estilo de "Spacemen 3" que domina la segunda mitad del álbum. La percusión dual de Yoshimi y ATR también es poderosa. Todas las capas duras de ruido pueden convertirse en rock psicodélico, fluyendo de nuevo a rock ruidoso, luego a tambores tribales; esto es lo que define a este álbum, es tan dinámico, tan inesperado.

La primera escucha puede desconcertar. Sin embargo, con repetidos "play de nuevo" se siente un sonido de futurismo unido con tribalismo. La mezcla de canciones pesadas e intrincadas con lavados electrónicos y efectos aturdidos y desorientados se sienta junto a drones, patrones interminables y un fervor casi "religioso" cantado y rabioso. Capta la atención, es convincente, interesante y ambicioso.

Aquí hay algunos momentos destacados: "Circle", "Spiral", "Tilde", "Two Circles" and "Omega"

Disco recomendado. Es mega-épica, enorme, supermasivo y todopoderoso. Además, la portada del álbum es ganadora y mola mucho. Te sorprenderá la cantidad de personas ganadas por "Boredoms" gracias a escuchar este álbum.

Video del tema "Tilde":

Tracklist:

1.         "◯" (circle)     13:42
2.         "☆" (star)       5:22
3.         "♡" (heart)       6:51
4.         "Ҩ" (spiral)       6:33
5.         "～" (tilde)      6:19
6.         "◎" (two circles)        7:21
7.         "↑" (arrow up) 6:26
8.         "Ω" (omega)    7:36
9.         "ずっと" ("Zutto" ["Forever"])          7:31

THE 5.6.7.8 s - Teenage Mojo Workout - Album

The 5.6.7.8's (Banda) 

Grupo de rock japonés de Tokio. Comenzaron a actuar como cuarteto y reclutaron artistas invitados durante su gira por Australia. Se convirtieron en trío en 1992. La banda es conocida fuera de Japón después de su cameo en la película de Quentin Tarantino "Kill Bill Vol.1". Aunque el grupo canta principalmente sus canciones en japonés, hacen muchas versiones de canciones de rock and roll estadounidense de los años 50 a los 80. Tienen su mayor número de seguidores en Japón.

Su sonido ha sido clasificado como garage rock, garage punk, punk rock, rockabilly y surf rock. Sin embargo, su inglés pronunciado es "pobre" y atrae a algunos críticos, pero bueno, a quién le importa, suenan genial. Y pienso que es parte del encanto.

Una breve historia:

Se formaron cuando Sachiko y Yoshiko "Ronnie" Fujiyama, dos hermanas de Tokio que compartían la pasión por el rock and roll, fundaron la banda en 1986 con otros dos miembros. Originalmente, la formación estaba formada por Yoshiko en la voz y la guitarra, Rico en la segunda guitarra, Yoshie en el bajo y Sachiko en la batería. Después de varios cambios de formación, la banda finalmente se convirtió en un trío después de las salidas de Rico y Yoshie. Yoshiko y Sachiko siguen siendo los componentes principales de la banda, y ahora Akiko Omo se ha reincorporado a la banda como bajista (originalmente se unió a los "5.6.7.8 s" a principios de la década de 1990).

La banda obtiene su inspiración musical de múltiples géneros de la música estadounidense, incluidos el rock and roll, el surf, el rockabilly, el doo-wop, el punk rock y el psychobilly. Las influencias de la banda incluyen a Chuck Berry y Sex Pistols.

Sus álbumes de estudio hasta la fecha:

• The 5.6.7.8's (1994)
• Teenage Mojo Workout (2002)
• Tanukigoten (2014)

A primera vista y escucha pueden parecer solo divertidos, lo son, pero no te dejes engañar. Estas chicas son músicos de primer nivel y ofrecen un rock muy serio y de alta calidad. También transmiten su amor absoluto por la música rock and roll americana de los 60 y 70 y ese es su mérito, hacer lo que aman.

ALBUM: Teenage Mojo Workout

 
Álbum de estudio publicado el 26 de abril de 2002. Las chicas tocan una interesante mezcla de canciones clásicas de rock-surf-rock instrumental de los años 60.

Un álbum primordialmente de rock'n'roll centrado principalmente en el ritmo. Las canciones se dividen por igual entre originales y versiones. Para el oyente casual, los 5.6.7.8 s pueden parecer una banda de rock garage "gracioso" y banal, pero su técnica de interpretación es impecable, sus influencias son muy diversas y su característica ingenuidad japonesa es llamativa.

A las chicas les encanta su música y su rock and roll y brillan aquí independientemente de su inglés menos que "perfecto".

Disco recomendado. Me gusta este álbum en particular de las chicas. Muy divertido y con algunos sonidos geniales de rock and roll. Buscarlo por los canales digitales habituales, pienso que te va gustar.

Video del tema "Hanky Panky":

Tracklist:

1."(I'm Sorry Mama) I'm a Wild One"
2."I'm Blue" (The Ikettes)
3."Road Runner"
4."I Got a Man" (The Toys)
5."Typhoon Girl"
6."Hanky Panky" (Tommy James and the Shondells)
7."Harlem Shuffle" (Bob & Earl)
8."Green Onions" (Booker T. & the M.G.'s cover)
9."In the Subway"
10."Teenage Mojo Workout"
11."Let's Go Boogaloo" (Takeshi Terauchi & the Bunnys)
12."New Orleans Rock"

JAPAN | Tin Drum - Album

Japan (Banda)

Grupo new-wave inglés formado en 1974 en Londres por David Sylvian (voz, guitarra, teclados), Steve Jansen (batería) y Mick Karn (bajo), junto con Richard Barbieri (teclados) y Rob Dean (guitarra) al año siguiente. Inicialmente una banda inspirada en el glam rock alternativo, Japan desarrolló su sonido y apariencia andrógina para incorporar música electrónica e influencias "world music". A principio de su carrera, el grupo emuló el sonido y la imagen de artistas-bandas de glam-rock como David Bowie y The New York Dolls. La voz peculiar y acentuada de David Sylvian, muy en la línea de Bryan Ferry, también le valió a Japón comparaciones con Roxy Music. Con el paso del tiempo Japan evoluciono su música hacia un elegante y sofisticado synth pop que les convirtió en uno de los grupos más interesantes y exitosos de su época. Tanto que contribuyeron a hacer el movimiento "New Romantics" popular abriendo el camino a bandas como  Duran Duran, Spandau Ballet, Wham e incluso Depeche Mode de su primera etapa.

La banda logró el éxito a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, pero se separó en diciembre de 1982. Las diferencias entre los miembros de la banda llegaron a un punto crítico cuando la novia del bajista Mick Karn se mudó con David Sylvian. Los miembros individuales avanzaron con sus otros proyectos: Sylvian comenzó una exitosa carrera en solitario y también entró en una serie de colaboraciones con los artistas Ryuichi Sakamoto, Holger Czukay y Robert Fripp, mientras que Karn editó un LP en solitario de 1982, "Titles", antes de fundar el dúo "Dali's Car" con Peter Murphy de Bauhaus. En 1986, mientras tanto, Jansen y Barbieri publicaron "Worlds in a Small Room" con sus propios nombres antes de grabar juntos como Dolphin Brothers. Japan se reformó brevemente a principios de la década de 1990 bajo el nombre de "Rain Tree Crow", publicando un álbum en 1991.

La discografía de Japan:

• Adolescent Sex (1978)
• Obscure Alternatives (1978)
• Quiet Life (1979)
• Gentlemen Take Polaroids (1980)
• Tin Drum (1981)
• Rain Tree Crow (1991)

El álbum debut, "Adolescent Sex" es muy bueno y capta la "esencia" de Japan, mientras "Gentlemen Take Polaroids" es maduro, comercialmente un éxito y quizás su más conocido trabajo. Sin embargo, me inclino más hacia "Tin Drum" como su mejor álbum.

 

ALBUM: Tin Drum

El quinto y "último álbum" de estudio de Japan publicado en noviembre de 1981. Alcanzó el puesto #12 en las listas del Reino Unido y es considerado como el mejor y más original obra de la banda. Tin Drum continuó la mezcla ya establecida de la banda de elementos electrónicos con instrumentación tradicional, pero se inclina mucho más hacia las influencias orientales y del "Lejano Oriente" que cualquiera de sus álbumes anteriores. Líricamente, las canciones incluyen nociones de romance, melancolía, viajes y de huida, con la particular fascinación de David Sylvian por la cultura oriental. Un álbum minimalista, apenas tiene guitarra, mientras que los sintetizadores utilizados están restringidos a un "Oberheim OBX", "Prophet 5" y​ ocasionalmente el "System 700", con el trabajo dividido entre Barbieri y Sylvian. Resumiendo de otra manera una descripción general del disco, "Tin Drum" mezcla el New Wave con música asiática con el resultado fascinante: ocho canciones que te hacen viajar musicalmente por Japón y China (países).

El disco es innegablemente moderno y la musicalidad de esta grabación es de primer nivel. Es una obra inteligente, artística y sofisticada. La voz de David Sylvian es embriagadora combinada con el bajo sobrenatural de Mick Karn y la batería exótica de Steve Jansen. Agregue el color electrónico de Richard Barbieri y tienes delante una obra maestra del "Art Rock". Menciono al músico y maestro japonés Ryuichi Sakamoto, que ya tenía una relación con David Sylvian (vía  "Yellow Magic Orchestra" ) y se escucha ya la influencia sobre él en este álbum. Más adelante,  y después de la ruptura de Japan, Sylvian y Sakamoto publicaron una auténtica joya de canción "Forbidden Colours" (tema de la película "Merry Christmas Mr Lawrence", con actores David Bowie y Sakamoto)…pero esto es para otro día.

Una vez escuchado "Tin Drum" te das cuenta que es un logro asombroso. Nada parecido a esto había sido publicado bajo la etiqueta de música pop en esos momentos. Cada miembro de Japón estaba, en este punto, en el apogeo de sus poderes: sea testigo del bajo de Mick Karn en 'Canton' y compárelo con su trabajo en 'Sons of Pioneers' en cuanto a variedad y poder. Las canciones tienen una estructura sólida, ningún directamente similar pero con un tema musical común. La inusual programación de sintetizadores no conoce límites: lo que lograron con el Oberheim OBX-a y un sistema modular, es un testimonio del talento de Barbieri. Solo la banda americana "Talking Heads" mostraron el mismo intento de alcance y variedad en ese momento, al menos en el mundo del rock occidental, pero Japón superó a la banda de Nueva York con su puro sentido del estilo teatral. Y sorprendentemente, Japan fue más popular que nunca, con el tema "Ghosts" (una balada inquietante que se destaca por su disposición absolutamente minimalista) convirtiéndose en un Top 10 en el Reino Unido. No se espera que un tema de estas características sea "el hit", con lo cual ya te indica la evolución y nivel de sofisticación que se encontraba la banda.

Momentos estelares para mi son los temas "Canton" o "Cantonese Boy", "Ghost", el espectacular "Cantonese Boy", "Visions of China" y "The Art of Parties"...aunque en realidad es un disco completo.

Un disco recomendado, el mejor álbum de Japan y la mejor forma de terminar como banda. Cuando hablan de "Art Rock" piensa en este disco. Un trabajo atrevido, innovador, ecléctico, sofisticado, abierto y con una musicalidad de escándalo. El aficionado y practicante del bajo debe escuchar como toca Mick Karn en este disco (Mick Karn murió de cáncer en enero de 2011), simplemente majestuoso. Gran álbum, quizás no apto para los jóvenes oídos de hoy, pero musicalmente superior.

Video del tema "Cantonese Boy":

Tracklist (formato LP):

Cara A:
1.         "The Art of Parties" (re-recorded version) 4:09
2.         "Talking Drum"                     3:34
3.         "Ghosts"                    4:33
4.         "Canton"                     5:30

Cara B:
5.         "Still Life in Mobile Homes"            5:32
6.         "Visions of China"                 3:37
7.         "Sons of Pioneers"                 7:07
8.         "Cantonese Boy"                   3:44