THE WHO - Quadrophenia

EL ALBUM: Quadrophenia

Este es el sexto álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Who, editado como álbum doble el 26 de octubre de 1973. Es la tercera ópera rock del grupo, las dos anteriores fueron la canción "mini-ópera" "A Quick One, While He 's Away" (1966) y el álbum Tommy (1969). Ambientada en Londres y Brighton en 1965, la historia sigue a un joven mod llamado Jimmy y su búsqueda de autoestima e importancia. "Quadrophenia" es el único álbum de The Who escrito y compuesto íntegramente por Pete Townshend.

The Who grabó este 2XLP en un intento de seguir "Tommy" y "Who 's Next" (1971), ambos de los cuales habían logrado un éxito comercial y de crítica sustancial. La grabación se retrasó mientras el bajista John Entwistle y el cantante Roger Daltrey grabaron álbumes en solitario y el baterista Keith Moon trabajaba en películas. Debido a que un nuevo estudio no estaba terminado a tiempo, el grupo tuvo que utilizar un estudio móvil. El álbum hace un uso significativo de los sintetizadores multipista y los efectos de sonido de Townshend, así como de las partes de viento en capas de Entwistle.

El álbum tuvo un impacto en el movimiento de resurgimiento del mod de finales de los años 70, y la adaptación cinematográfica resultante de 1979 fue un éxito. El álbum ha sido reeditado en CD varias veces y ha visto varias remezclas que corrigieron algunos defectos percibidos en el lanzamiento original.

Una clase magistral de rock, rebelión y búsqueda de uno mismo:

En 1973, "Quadrophenia" estableció un nuevo estándar para las óperas de rock y consolidó el legado de The Who como una de las bandas más innovadoras del género. Para cualquiera que esté familiarizado con "Tommy", este álbum profundiza aún más en las complejas corrientes subterráneas de la propia juventud de Pete Townshend en la cultura "Mod" de Gran Bretaña. Este no es un simple álbum de rock; es una exploración cruda y poderosa de la identidad, la rebelión y todo lo que puede hacerte sentir incomprendido. Si eres fan de The Who o simplemente tienes hambre de rock que impacte en todos los niveles (energía, emoción y narrativa), entonces "Quadrophenia" es una obra para experimentar de principio a fin.

 

Jimmy Cooper: el héroe de cada inadaptado

 
En esencia, "Quadrophenia" es una historia sobre Jimmy; un joven mod que se encuentra en desacuerdo con todo lo que lo rodea. Se cuestiona a sus amigos, la cultura y la vida de la que forma parte, y eso es lo que lo hace tan identificable. A través de Jimmy, Peter Townshend aborda las grandes cuestiones con las que todos luchamos: ¿Quién soy? ¿A dónde pertenezco? ¿Y puedo siquiera mantenerme unido? Townshend divide la personalidad de Jimmy en cuatro "lados" distintos, cada uno de los cuales refleja no solo aspectos de él mismo sino también de sus compañeros de banda, de modo que Jimmy se convierte en una especie de prisma a través del cual vemos a cada miembro de The Who.

Los lados conflictivos de Jimmy reflejan la rebeldía de Roger Daltrey, el humor negro de John Entwistle, la energía disparatada de Keith Moon y la sensibilidad introspectiva de Townshend. Esta interpretación centrada en los personajes no es solo un truco; está entretejida en la estructura del álbum de modo que cada canción principal te dice algo sobre Jimmy y, en cierto modo, sobre The Who. Canciones como “Helpless Dancer”, “Doctor Jimmy” y “Love Reign O’er Me” dan vida a estas personalidades divididas, agregando profundidad a Jimmy y capturando el espíritu inquieto de una banda que explora sus propias identidades.

 

Sonic Power:

 
Cuando suena el tema “The Real Me”, el álbum no pierde tiempo en sumergirse en el caos interior de Jimmy. Todo está ahí, la línea de bajo de Entwistle, una de las más intensas e intrincadas del rock, palpita con vida propia, como el latido del corazón. La batería de Keith Moon es fuego puro, a juego con el pulso frenético de la psique de Jimmy, mientras que los agudos riffs de guitarra de Townshend lo mantienen todo unido. La voz de Daltrey, intensa y precisa, canaliza la frustración y la desesperación de Jimmy. Juntos, es como si la banda hubiera echado gasolina sobre sus instrumentos y los hubiera dejado arder.

Uno de los secretos de Quadrophenia es el uso de sintetizadores, no solo por el factor sorpresa, sino para darle a la música una profundidad y riqueza que eleva todo el paisaje sonoro del álbum. El trabajo de sintetizador de Townshend en temas instrumentales como “Quadrophenia” y “The Rock” es cinematográfico, uniendo diferentes partes del viaje de Jimmy y guiándote a través de su mundo de confusión interna y presión externa. Estos instrumentales no son sólo relleno; crean espacios para respirar, generando anticipación para los temas vocales que siguen.

 

Una montaña rusa emocional:

 
Lo que también hace que “Quadrophenia” sea inolvidable es su rango emocional. Pasas de la vulnerabilidad tranquila de Townshend en “I’m One” al caos estridente de “5:15”, que se siente como una explosión musical de todo lo que es la cultura "Mod". Este cambio constante entre la introspección tranquila y la rebelión explosiva refleja las propias batallas de Jimmy, haciéndonos sentir su confusión, su ira y sus esperanzas.

La interpretación vocal de Roger Daltrey es una potencia en este álbum doble. Está enojado, está perdido, tiene el corazón roto, es como si hubiera canalizado cada parte de la tormenta emocional de Jimmy. La batería de Moon también es indómita e implacable, y aporta una intensidad que subraya el estado mental fragmentado de Jimmy. Incluso la voz juguetona de Moon en "Bell Boy" sirve como recordatorio de que incluso los ídolos de Jimmy están tan perdidos como él, lo que añade una capa agridulce a la historia.

Un disco difícil:

 
Por brillante que sea "Quadrophenia", no es fácil de escuchar. Con su duración de álbum doble, su historia en capas y su sonido extenso, exige tu atención de principio a fin. Y el concepto de "quadrophenia", esta idea de la personalidad dividida de Jimmy, puede resultar complejo, incluso un poco abrumador. No todo el mundo tiene paciencia para un álbum que quiere que te adentres en él, pero para aquellos que sí la tienen, las recompensas son inmensas.

Algunos críticos han señalado que la complejidad del álbum puede provocar ocasionales caídas en la claridad, especialmente en temas como "I Am the Sea", que sirve como una pieza de ambientación más que como una canción tradicional. Pero esos mismos momentos atmosféricos e instrumentales también mejoran la experiencia, dándole a la narrativa espacio para respirar. En lugar de hacer que el álbum sea más pesado, te permiten sumergirte en el mundo turbulento de Jimmy, que es lo que hace que escuchar "Quadrophenia" sea un viaje en lugar de una experiencia de solo escuchar canción por canción.

 

Por qué Quadrophenia sigue siendo importante:

 
Con todos sus defectos, "Quadrophenia" es uno de los grandes logros del rock. Es un álbum que atrapa al oyente y lo lleva a un mundo de emociones crudas y preguntas difíciles. Es introspectivo pero también universal, aborda la soledad y las luchas de identidad. Es un clásico porque va más allá de la música, es una parte cruda y poética de la subcultura británica, una obra que captura el corazón y el alma de lo que significa crecer y enfrentarse a uno mismo.

El disco cierra con "Love Reign O'er Me", un final apropiado para la historia de Jimmy y un momento poderoso para el oyente. La voz de Daltrey, los tambores estruendosos de Moon y la magistral composición de Townshend se unen para crear una sensación de catarsis, un recordatorio del poder de la música para ayudarnos a darle sentido a nuestro propio caos. Y cuando esa última nota se desvanece, te quedas con una sensación de liberación.

 

Disco recomendado

 
"Quadrophenia" es más que un álbum, es una obra de arte que desafía, reconforta y resuena. Es The Who en su apogeo, haciendo lo que mejor saben hacer: contar historias a través de la música. Encuéntralo y escúchalo.

Video del tema "The Real Me":

Tracklist:

1 x LP:

Cara A:

1.         "I Am the Sea"                       2:09
2.         "The Real Me"                        3:21
3.         "Quadrophenia"          (instrumental) 6:14
4.         "Cut My Hair"                        3:45
5.         "The Punk and the Godfather"          5:11

Cara B:

1.         "I'm One" (At least)               2:38
2.         "The Dirty Jobs"                     4:30
3.         "Helpless Dancer" (Roger's theme)               2:34
4.         "Is It in My Head?"               3:44
5.         "I've Had Enough"                 6:15

2 x LP

Cara A:

1.         "5:15"  (intro and coda)         5:01
2.         "Sea and Sand"                      5:02
3.         "Drowned"                 5:28
4.         "Bell Boy" (Keith's theme)    4:56 

Cara B:

1.         "Doctor Jimmy" (Including John's theme, "Is It Me?”) 8:37
2.         "The Rock"     (instrumental) 6:38
3.         "Love, Reign o'er Me" (Pete's theme) 5:49 

The Who (Banda):

•  John Entwistle – bajo, instrumentos de viento/metal, coros, co-voz principal en 'Is It in My Head?'
• Roger Daltrey – voz principal (todas excepto 'Quadrophenia' (instrumental), 'I'm One' (Townshend) y 'The Rock' (instrumental)), co-voz principal en 'Cut My Hair'
• Keith Moon – batería, percusión, co-voz principal en 'Bell Boy'
• Pete Townshend – guitarras, teclados, banjo en 'I've Had Enough', violonchelo, coros, voz principal en 'Cut My Hair' y 'I'm One', co-voz principal en 'The Punk and The Godfather', 'I've Had Enough', '5:15' y 'Sea and Sand'

Músicos adicionales:

John Curle – voz del locutor de noticias en "Cut My Hair"

Chris Stainton – piano en "The Dirty Jobs", "5:15" y "Drowned"

Producción

• The Who – producción
• Kit Lambert – Preproducción, producción ejecutiva
• Pete Townshend – preproducción, efectos de sonido
• Chris Stamp – producción ejecutiva
• Pete Kameron – producción ejecutiva

DR JOHN | Gris-Gris - Album

Es un disco diferente y a veces extraño de un músico muy peculiar y a la vez genio. Hablo de DR. JOHN y su primer LP "Gris-Gris".

ALBUM: Gris-Gris

 
Este es el álbum debut del músico estadounidense Dr. John (también conocido como Mac Rebennack). Producido por Harold Battiste, fue publicado en 1968. El disco presenta al personaje Dr. John de Rebennack, inspirado en un reputado médico vudú del siglo XIX. El estilo de "Gris-Gris" es un híbrido de elementos tradicionales del R & B de Nueva Orleans y psicodelia.

Este es uno de esos discos que te deja con la sensación de haber entrado en una fiesta mística "swamp". No es solo una pieza musical, es una experiencia psicodélica que mantiene vivo su misterio, sin importar cuántas veces lo escuches. Combinando los ricos sabores musicales de Nueva Orleans, ritmos afrocaribeños y la cantidad justa de psicodélica, "Gris-Gris" no es solo un álbum; es un inquietante viaje con infusión de vudú que desafía cualquier etiqueta elegante.

El misterio comienza:

 
"Gris-Gris" presentó al mundo la nueva personalidad de Mac Rebennack: Dr. John the Night Tripper. Inspirado por un sacerdote vudú del siglo XIX, la transformación de Rebennack no fue solo una renovación de imagen. Ya era un músico de estudio muy respetado en Nueva Orleans, totalmente inmerso en la escena local del rhythm and blues. Pero después de que algunos problemas legales lo obligaron a irse a Los Ángeles, se unió a un grupo de músicos exiliados de Nueva Orleans, incluido el increíblemente talentoso Harold Battiste, quien jugó un papel importante en la creación de "Gris-Gris". Gracias a un poco de tiempo de estudio que le quedó de una sesión de Sonny & Cher (sí, leyó bien), nació este álbum mágico, que mezcla el misticismo del vudú con la columna vertebral del groove de Nueva Orleans, lo que dio como resultado algo que nadie había escuchado antes ni después.

La canción de apertura, "Gris-Gris Gumbo Ya Ya", parece una introducción vaga no solo al álbum sino al personaje del propio Dr. John. La interpretación áspera y casi gruñona de Rebennack de frases como “Me llaman Dr. John, conocido como el Viajero Nocturno” te hace sentir como si acabaras de conocer a una figura sombría en una trastienda llena de humo que ofrece pociones secretas. Casi puedes oler el "swamp" mientras mandolinas, tambores y coros estilo gospel te envuelven, evocando las turbias vibraciones del pantano, a pesar del hecho de que todo se grabó en Los Ángeles.

 

Magia vudú sónica:

 
El verdadero corazón de "Gris-Gris" es su capacidad para transportarte. Escucharlo se siente como tropezar con una ceremonia vudú. Temas como “Danse Kalinda Boom” y “Danse Fambeaux” pulsan con capas de percusión primitiva combinadas con cánticos que parecen venir de otro reino. En “Danse Kalinda Boom”, un coro febril y sin palabras se fusiona con una exótica melodía de flauta, creando un ritmo que te hará entrar en trance.

Si bien la personalidad mística de Dr. John es el centro de atención, la producción inquietante del álbum es lo que realmente cierra el trato. Los arreglos de Dr.Battiste son tan sueltos y cargados de reverberación que sientes que estás perdido en un pantano brumoso a medianoche. Las coristas, casi como sacerdotisas del mambo, cantan y armonizan, realzando esa vibra ritualista que te hace preguntarte si realmente estás escuchando música o presenciando algo de otro mundo.

La joya de la corona: "I Walk on Gilded Splinters"

 
Si "Gris-Gris" tuviera que resumirse en una canción, sería "I Walk on Gilded Splinters". Esta obra maestra de ocho minutos es hipnótica en todos los sentidos, impulsada por el ritmo de las congas y las palmas, y con las letras crípticas del Dr. John sobre su destreza vudú. "J'suis le Grand Zombie", proclama, mientras un saxo barítono serpentea. Es el tipo de canción que se te queda grabada mucho después de que termina, enterrándote en tu mente con su estribillo inquietante de "Come get it, get it, come, come". Y aparentemente, muchos artistas tampoco pudieron quitársela de encima: ha sido versionada por todos, desde Cher hasta Paul Weller.

Los críticos a menudo han comparado "Gris-Gris" con las canciones más sombrías de "Exile on Main Street", pero mientras que los Rolling Stones pueden haber capturado la decadencia urbana, Dr. John se sumerge en lo desconocido místico, difuminando la línea entre la fantasía y la realidad.

 

Luz en medio de la oscuridad:

 
Pero no todo en "Gris-Gris" está envuelto en misterio. Temas como “Mama Roux” aportan una energía más ligera y lúdica al LP. Es una melodía funky impulsada por el órgano con un sentido de fantasía que contrasta marcadamente con los encantamientos más oscuros. Las líneas de órgano alegres y scat de Dr. John muestran sus raíces en el R & B de Nueva Orleans, recordándonos que debajo de todo el misticismo vudú había un músico versátil con grandes dotes.

De manera similar, “Jump Sturdy” parece la excepción del álbum: estructurada y casi pop, con un estilo pegadizo de estribillo y verso que no desentonaría en un éxito de radio. Si bien no tiene la misma magia espeluznante que algunos de los otros temas, nos da una idea del lado divertido y ligero de Dr. John.

 

Un clásico de culto:

 
Cuando "Gris-Gris" salió por primera vez, no fue precisamente un éxito de ventas. Hasta Ahmet Ertegun, de Atlantic Records, preguntó: “¿Cómo podemos comercializar esta basura de boogaloo?”. Pero el tiempo ha sido benévolo con "Gris-Gris", y lo que una vez confundió a los oyentes ahora se considera un clásico de culto. Su influencia ha llegado mucho más allá de su público inicial, inspirando a todos, desde rockeros de pantano como "Creedence Clearwater Revival" hasta músicos de jazz de vanguardia como "Sun Ra".

Al final, "Gris-Gris" no es solo un álbum; es un hechizo, un viaje a lo desconocido. Dr. John te invita a dejar atrás lo ordinario y adentrarte en un mundo donde la música, la magia y el mito colisionan. Ya sea que creas o no en el poder del vudú, una cosa es segura: "Gris-Gris" dejará su marca en ti, mucho después de que se desvanezca la última nota.

Disco recomendado

Obra maestra del funk psicodélico de pantano (swamp).

Video del tema "Jump Sturdy":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: 

1.         "Gris-Gris Gumbo Ya Ya"     Dr. John Creaux         5:36
2.         "Danse Kalinda Ba Doom"    Dr. John Creaux, Harold Battiste      3:39
3.         "Mama Roux" Dr. John Creaux, Jessie Hill   2:59
4.         "Danse Fambeaux"     Dr. John Creaux         4:56 

Cara B:

1.         "Croker Courtbullion"            Harold Battiste           6:00
2.         "Jump Sturdy"            Dr. John Creaux         2:20
3.         "I Walk on Guilded Splinters"           Dr. John Creaux         7:37 

Músicos:

• Dr. John – voz, teclados, percusión
• Dr. Battiste – bajo, clarinete, percusión, arreglista
  Richard "Dr. Ditmus" Washington – percusión
• "Senator" Bob West – bajo
• "Dr." John Boudreaux – batería
• "Governor" Plas Johnson – saxofón
• "Dr." Lonnie Boulden – flauta
• "Dr." Steve Mann – guitarra bottleneck, banjo
• "Dr." McLean – guitarra, mandolina
• Mo "Dido" Pedido – congas
• Dave Dixon, Jessie Hill, Ronnie Barron – coros, percusión
• Joni Jonz, Prince Ella Johnson, Shirley Goodman, Sonny Ray Durden, Tami Lynn – coros 

Harold Battiste – productor

MILES DAVIS - In A Silent Way - Album

Cuando pensamos en Miles Davis, inmediatamente nos vienen a la mente sus álbumes "Kind of Blue" (1959) y "Sketches of Spain" (1960). Sin embargo, el genio del jazz tiene tantos buenos álbumes en su discografía que la lista es larga y fascinante.

Quiero dar espacio aquí, en este blog de música, a uno de sus muchos discos que es tan grande e importante como los mencionados anteriormente, el álbum de 1969 "In A Silent Way". El verdadero comienzo del "Jazz Fusion" y un punto de inflexión en la carrera de Miles Davis.

ALBUM: In a Silent Way

 
LP de estudio del trompetista, compositor y director de orquesta estadounidense de jazz Miles Davis, publicado el 30 de julio de 1969. "In a Silent Way", que marca el comienzo de su período "eléctrico", se considera la primera grabación de fusión de Davis.

Tras su lanzamiento, el álbum fue recibido con polémica por los críticos, en particular los del jazz y el rock, que se mostraron divididos en su reacción a su estructura musical experimental y al enfoque eléctrico de Davis. Ahora es considerado por los fans y los críticos como una de las obras más grandes e influyentes de Miles Davis.

 

Un paso hacia la fusión del jazz:

 
En la historia del jazz, pocos álbumes destacan como "In a Silent Way". Este disco no solo redefinió la carrera de Davis, sino que cambió el panorama del jazz en sí. Marcó un salto revolucionario hacia lo que ahora llamamos "jazz fusión", mezclando ritmos hipnóticos, paisajes sonoros espaciosos y técnicas de producción de vanguardia. Lo que hace que este disco sea tan bueno es que trasciende el jazz tradicional, fusionando elementos del rock, el funk y la música ambiental de maneras que nadie había escuchado antes.

Un nuevo sonido: el arte del estudio

 
A finales de los años 60 (siglo xx), Miles Davis sintió que se avecinaba un cambio. El rock y el funk estaban en auge, amenazando con eclipsar al jazz, y artistas como Jimi Hendrix y Sly Stone dominaban la radio. En lugar de resistirse, Davis se inclinó hacia el cambio. Se lanzó de cabeza al paisaje sonoro eléctrico, y "In a Silent Way" fue el resultado de ese audaz experimento. Lo que realmente diferenció a este álbum no fue solo la música, sino cómo se construyó en el estudio. Davis y su productor Teo Macero adoptaron un enfoque radical, juntando varias grabaciones para crear una experiencia auditiva continua e inmersiva. Parecía una sesión de improvisación, pero detrás de escena, era una obra de arte meticulosamente elaborada.

El estudio se convirtió en algo más que un espacio de grabación, se convirtió en un instrumento en sí mismo. El productor Macero cortó y repitió diferentes secciones de la música para crear tensión y contrastes dinámicos. Tomemos como ejemplo el tema "Shhh/Peaceful". Sobre un ritmo constante, la trompeta de Davis entra y sale, entrelazándose con la guitarra de John McLaughlin y los pianos eléctricos de Herbie Hancock y Chick Corea. ¿El resultado? Una música que fluye naturalmente pero que parece diseñada de manera intrincada, un buen equilibrio entre el espíritu libre del jazz y la precisión de la producción moderna.

Jazz Fusion - un nuevo capítulo:

 
Este disco no solo dejó su marca en la discografía de Davis, sino que plantó las semillas del "jazz fusión". Si bien a fines de los años 60 el jazz ya había coqueteado con ideas de vanguardia, Miles Davis llevó el género más allá, incorporando instrumentos eléctricos y estructuras prestadas del rock y el funk. La segunda mitad del álbum, "In a Silent Way/It 's About That Time", muestra esto de manera hermosa, mezclando paisajes sonoros psicodélicos con secciones dinámicas y rítmicamente complejas.

La contribución de McLaughlin a este nuevo sonido es crucial. Conocido por su virtuosismo con la guitarra, despojó su estilo habitual, ofreciendo líneas minimalistas y limpias que se sumaron al estado de ánimo meditativo del LP.

Mientras tanto, los pianos eléctricos de Hancock y Corea, especialmente los tonos oníricos del Fender Rhodes, agregaron un toque de otro mundo a la música. El trabajo sutil de Joe Zawinul en el órgano profundiza la atmósfera etérea del álbum. Zawinul, quien más tarde ayudaría a definir la fusión de jazz con Weather Report, fue fundamental para dar forma al sonido espacioso y abstracto de "In a Silent Way".

El poder del silencio y el espacio:

 
Una de las grandes características del álbum es su uso del espacio, este no es un trabajo sobre solos llamativos o improvisaciones a alta velocidad. A menudo se siente más como una meditación. Tony Williams, cuya batería había sido ardiente y explosiva en el quinteto anterior de Davis, retoma las cosas aquí, brindando un pulso minimalista que mantiene todo unido. Su trabajo con el hi-hat en "Shhh/Peaceful" es una lección de moderación; ancla el ritmo mientras deja mucho espacio para que los demás instrumentos respiren.

La grandeza de este trabajo reside en su construcción lenta. Los álbumes de jazz anteriores tendían a llenar cada segundo con sonido, pero "In a Silent Way" abrazó el silencio, permitiendo que la música se desarrollara a su propio ritmo. Este enfoque fue innovador en su momento e influyó en muchos artistas, desde los experimentos ambientales de Brian Eno hasta bandas de post-rock como Tortoise y Radiohead.

Momento crucial en la carrera de Davis:

 
"In a Silent Way" se sitúa en una encrucijada en la carrera de Miles Davis. Marca la transición de su trabajo con su legendario quinteto a los sonidos más eléctricos y agresivos de Bitches Brew. Si bien "Bitches Brew" llevaría las ideas de "In a Silent Way" a un lugar aún más salvaje y caótico, este álbum sigue siendo más introspectivo y controlado. Es un tipo de revolución más tranquila, pero no por ello menos impactante.

La formación que ya se mencionó es, sencillamente, legendaria. Hancock, Corea, Williams, McLaughlin, Zawinul y Dave Holland en el bajo; todos ellos dieron forma al jazz fusión en los años 70. Su química en este álbum es telepática, ya que navegan por las composiciones de Davis con facilidad, equilibrando la brillantez individual con un espíritu colectivo de descubrimiento. Es esta interacción la que hace que el álbum se sienta fresco, incluso después de décadas de escucharlo.

Legado:

 
Mucho tiempo después de su lanzamiento, "In a Silent Way" sigue siendo una piedra de toque en la historia de la música jazz. Su influencia también se extiende más allá del jazz, filtrándose en el rock, la música electrónica y más allá. El uso de instrumentos eléctricos, técnicas de estudio poco convencional y arreglos minimalistas en el álbum cambiaron las reglas del juego, y los músicos y productores todavía lo buscan en busca de inspiración hoy en día.

Para Miles Davis, este disco fue el comienzo de un nuevo y emocionante capítulo en su carrera en constante evolución. Si bien seguiría ampliando los límites aún más, el poder silencioso de "In a Silent Way" sigue siendo singular. Cada escucha revela nuevas profundidades y sutilezas.

En general, "In a Silent Way" no es solo un hito en la fusión de jazz, es una obra de arte atemporal, un testimonio del genio de Miles Davis y un recordatorio de que, a veces, las declaraciones musicales más profundas se hacen en los espacios entre las notas.

 

Disco recomendado

 
Un tapiz perfecto de texturas, ritmo y estado de ánimo. Es un gran disco de jazz, un gran disco de ambientación, un gran disco de fusión. Imprescindible no solo para los amantes del jazz, sino para todos aquellos que se dejan llevar por la música en sí.

Video del tema "In A Silent Way":

Tracklist (formato LP vinilo original):

Cara A:

1.         "Shhh"/"Peaceful"      Miles Davis     18:16

"Shhh"  – 6:14

"Peaceful"  – 5:42

"Shhh"  – 6:20

Cara B:

2.         "In a Silent Way"/"It's About That Time"    

Joe Zawinul ("In a Silent Way"), Davis ("It's About That Time")    19:52

"In a Silent Way" – 4:11

"It's About That Time" – 11:27

"In a Silent Way" – 4:14

Músicos:

• Miles Davis – trompeta
• Wayne Shorter – saxofón soprano
• John McLaughlin – guitarra eléctrica
• Chick Corea – piano eléctrico
• Herbie Hancock – piano eléctrico
• Joe Zawinul – piano eléctrico, órgano
• Dave Holland – contrabajo
• Tony Williams – batería

Producción:

Teo Macero – productor

CHAT PILE - Cool World - Album

Me alegra saber que la banda estadounidense CHAT PILE ha publicado nuevo material. Conocí a este grupo a través de su primer álbum, el brillante "God 's Country", un disco que está incluido en mi lista de lo mejor de 2022.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música su segundo álbum "Cool World", un gran trabajo con riffs de bajo agitados, redoblantes agresivos y los gritos vocales desesperados y desquiciados del cantante Busch. Es lo que se esperaría del segundo lanzamiento de larga duración de Chat Pile.

ALBUM: Cool World 

Este es el segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock Chat Pile. Fue publicado el 11 de octubre de 2024. El álbum fue mezclado por Ben Greenberg de Uniform, lo que marca la primera vez que la banda trabajó con un asistente de mezcla externo al conjunto.

Este disco marca una evolución audaz de la energía cruda y áspera de su debut, God 's Country, ya que adopta una perspectiva más amplia, lidiando con las pesadas cargas colectivas que enfrentamos hoy. Este álbum no es solo personal: se trata del dolor compartido que todos sentimos, abordando temas profundos como el colapso social, la brutalidad sistémica y esa persistente sensación de pavor que se cierne sobre nosotros. Temas como "I Am Dog Now" y "Masc" dan voz a esos sentimientos de inadecuación, mientras que canciones como "No Way Out" y "Milk of Human Kindness" se mezclan en una arremolinada de ruido y emoción que profundiza en el corazón de la vulnerabilidad humana.

En lo que respecta al sonido, "Cool World" pega fuerte. No es solo un álbum de noise rock, sino que también incluye elementos de sludge y atmósfera gótica, lo que lo convierte en una escucha pesada, casi sofocante por momentos. La batería de Cap’n Ron es implacable, manteniendo el pulso intenso, mientras que las líneas de bajo de Stin parecen aplastar todo a su paso. Si a eso le sumamos la voz de Raygun Busch, que pasa de susurros apenas perceptibles a gritos espeluznantes, tenemos una experiencia que nos mantiene alerta de principio a fin. La forma en que el álbum cambia entre ruido caótico y momentos más tranquilos e introspectivos lo convierte en una montaña rusa para los oídos, agotadora, pero en el mejor sentido.

En cuanto a las letras, este álbum pasa del trauma personal del debut a un panorama mucho más amplio, abordando problemas globales como el cambio climático y la opresión. Los temas pesados pueden hacer que quieras mirar hacia otro lado, pero en cambio, "Cool World" te atrapa y te obliga a aceptar la verdad incómoda. Incluso con toda esa oscuridad, hay algo extrañamente catártico en él, una sensación de que al enfrentarnos a estas duras realidades, tal vez, podamos comenzar a lidiar con ellas. La intrépida mezcla de post-hardcore, sludge y punk de la banda te mantiene adivinando, lo que garantiza que este segundo álbum no se limite a aprovechar el éxito de su debut.

Disco recomendado

Al final y hay que decirlo, Cool World no es fácil de escuchar, pero eso es lo que lo hace tan especial. Su crudeza, tanto musical como emocional, recompensa a quienes están dispuestos a sumergirse y sentarse con ella. Si estás buscando un álbum que no tenga miedo de desafiar, tanto en sonido como en sustancia, este es el indicado. Es más que solo música; es un recordatorio desgarrador del mundo fracturado en el que vivimos. Cool World no solo refleja nuestro caos, te desafía a mirarlo a la cara y sentir algo.

Video del tema "Frownland":

Tracklist:

1. "I Am Dog Now" 3:53
2. "Shame" 3:45
3. "Frownland" 3:55
4. "Funny Man" 3:30
5. "Camcorder" 6:23
6. "Tape" 4:12
7. "The New World" 4:30
8. "Masc" 4:09
9. "Milk of Human Kindness" 4:49
10. "No Way Out" 3:35

THE BEATLES - Rubber Soul - Album

Sí, soy un gran fan de The Beatles. Quiero elogiar y recomendar a los lectores, especialmente a los jóvenes melómanos, el álbum de 1965 "Rubber Soul". Aunque los LPs siguientes "Revolver" y "Sgt Peppers" alcanzarían el estatus de legendarios, "Rubber Soul" marcó un cambio de dirección musical y verdadera madurez. Es el génesis de lo que vendría después. Absoluta grandeza.

 

ALBUM: Rubber Soul

 
Publicado el 3 de diciembre de 1965 y producido por George Martin, este disco fue un punto de inflexión. Este es el LP en el que los Beatles dejaron de ser simplemente los adorables melenudos y comenzaron su evolución hacia algo mucho más profundo. Se puede decir que ya no grababan sencillos para llenar las listas de éxitos; había una verdadera profundidad y experimentación. Este fue su primer álbum grabado en un bloque de tiempo concentrado, sin las distracciones habituales de los sets de filmación o las giras mundiales. Y ese espacio les dio lugar para crecer, no solo como músicos sino como narradores de historias.

No es que de repente hayan dejado de hacer canciones de amor, que todavía están en este álbum, pero la forma en que compusieron sobre el amor dio un gran salto en madurez. Atrás quedaron los días del simple cántico de "She Loves me, yeah, yeah, yeah". Canciones como "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y "Girl" están llenas de capas de ambigüedad, profundidad emocional e incluso un poco de amargura. John Lennon claramente canalizaba la influencia de Bob Dylan con sus letras más introspectivas, mientras que George Harrison nos dio una primera muestra de las influencias hindu con la guitarra sitar en "Norwegian Wood". Vale la pena considerar que una banda de rock que incorpora un sitar en 1965 se consideraba revolucionario, pero así fue.

Y luego está la canción "In My Life", una de las obras más introspectivas de John Lennon. Es nostálgica, conmovedora y es fácilmente una de los temas más hermosos que la banda haya escrito. Escuchas el piano que suena como un clavicémbalo gracias a la magia de estudio de George Martin y te das cuenta de lo lejos que habían llegado en tan poco tiempo.

Pero esto no es todo acerca de John Lennon. Paul McCartney también brilla y de manera genial. Su talento para la melodía está presente en "You Won't See Me" y en "I'm Looking Through You", de estilo acústico, que muestran un lado más suave, pero no menos reflexivo, del álbum.

Pero lo que más destaca es cómo "Rubber Soul" se sitúa en la encrucijada entre el pasado y el futuro de los Beatles. Es un LP de transición, en el que siguen jugando con estructuras pop ("Drive My Car"), pero también están claramente ansiosos por ir más allá. "If I Needed Someone" de George Harrison está llena de melodías al estilo de los Byrds, no es difícil verlo avanzar hacia los temas más espirituales que definirían su trabajo posterior. Incluso Ringo Starr se suma con "What Goes On", que, aunque no es exactamente innovadora, añade un poco de estilo de Nashville con sus riffs inspirados en el country.

Video del tema "If I Need Someone":

Y ahí está el legado. "Rubber Soul" no fue solo un paso adelante para los Beatles, fue un cambio radical para la música en general. Demostró que la música pop podía ser sofisticada, introspectiva y artísticamente ambiciosa. No puedes escuchar este álbum sin sentir los impulsos de lo que luego se convertiría en "Revolver" y "Sgt. Pepper's".

Disco recomendado

En resumen, "Rubber Soul" es donde "The Beatles" se convirtieron en algo más que una banda, se convirtieron en artistas. Y aunque alcanzarían alturas aún mayores, hay algo especial en este disco de transición, donde puedes escucharlos a caballo entre lo que eran y lo que estaban a punto de convertirse. Muy recomendable para fans y no fans de los Beatles. Un disco imprescindible de la música pop universal.

Video del tema "In My Life":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Drive My Car"          McCartney with Lennon        2:25
2.         "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)"  Lennon           2:05
3.         "You Won't See Me"  McCartney      3:18
4.         "Nowhere Man"         Lennon           2:40
5.         "Think for Yourself" (George Harrison)        Harrison          2:16
6.         "The Word"    Lennon           2:41
7.         "Michelle"       McCartney      2:40 

Cara B:

1.         "What Goes On" (Lennon–McCartney–Richard Starkey)   Starr    2:47
2.         "Girl"   Lennon           2:30
3.         "I'm Looking Through You"  McCartney      2:23
4.         "In My Life"   Lennon           2:24
5.         "Wait" Lennon and McCartney         2:12
6.         "If I Needed Someone" (Harrison)    Harrison          2:20
7.         "Run for Your Life"   Lennon           2:18 

The Beatles (Banda):

• John Lennon – voz principal, armonías y coros; guitarras rítmicas, acústicas y principales; órgano en "Think for Yourself"; pandereta
• Paul McCartney – voz principal, armonías y coros; bajo, guitarras acústicas y principales; piano; maracas
• George Harrison – voz principal, armonías y coros; guitarras principal, rítmicas y acústicas; sitar en "Norwegian Wood"; maracas, pandereta
• Ringo Starr – batería, pandereta, maracas, cencerro, campanas, platillos; órgano Hammond en "I'm Looking Through You"; voz principal en "What Goes On"

Producción y personal adicional:

•  George Martin – producción, mezcla; piano en "In My Life", armonio en "The Word" y "If I Needed Someone"
• Mal Evans – órgano Hammond en "You Won't See Me"
• Robert Freeman – fotografía
• Charles Front – ilustración

ST VINCENT - Masseducation - Album

Annie Clark, conocida artísticamente como ST VINCENT combina rock, jazz, electrónica y toques clásicos de manera innovadora. Con una composición elocuente y una forma creativa de tocar la guitarra, Annie Clark destaca por subvertir las convenciones del rock y el pop.

Quiero recomendar uno de sus muchos álbumes a los lectores de este blog de música, "Masseducation".

ALBUM: Masseduction

 
Este es el quinto álbum de estudio de la cantante estadounidense Annie Clark, también conocida artísticamente como "St. Vincent", publicado el 13 de octubre de 2017. El álbum fue producido por Clark y Jack Antonoff y cuenta con contribuciones de Doveman al piano, Kamasi Washington al saxofón, Jenny Lewis como vocalista invitada y producción de ritmos de Sounwave, así como pedal steel de Greg Leisz y Rich Hinman, y guitarra y voces adicionales de su tío y tía Tuck y Patti, respectivamente.

St. Vincent canta de temas de corazón, deseo y éxito con una vulnerabilidad autocrítica. "Masseduction" es la culminación de años de composición, con canciones creadas a partir de notas de voz, mensajes de texto y fragmentos de melodías que se le ocurrieron a Clark mientras viajaba por el mundo. Annie Clark ha comentado que el álbum se centra en temas de poder, sexo, drogas, tristeza, relaciones en peligro y muerte. Clark incluso ha dicho... "si quieres saber sobre mi vida, escucha este disco". 

En cuanto a la música, esto es pop, pero no cualquier pop. Es lo que algunos llamarían "pop futurista", una mezcla de electropop, new wave, guitarras, sintetizadores y ritmos de batería que te atrapan. Aunque también hay cuerdas, piano... En fin, un buffet musical. Como sea, si lo escuchas desde cualquier ángulo, este álbum simplemente brilla.

Como he aludido, en este trabajo, St. Vincent ofrece un agudo viaje a lo personal, y para mi es su álbum más comercial y emocionalmente complejo hasta la fecha. Como artista que equilibra lo cerebral con lo sensual, el disco marca un punto culminante donde el pop artístico y la confesión personal se entrelazan con ingenio y vulnerabilidad. 

Colaborando con el prolífico Jack Antonoff (conocido por su trabajo con Lorde y Taylor Swift), Clark amplifica el sonido a proporciones del tamaño de un estadio. Sin embargo, "Masseduction" no se trata solo de estribillos más grandes o una producción más brillante; debajo de la superficie se esconde un trabajo cargado de tensión, ansiedad e introspección. Temas como la canción principal, Masseduction, vibran con sintetizadores elegantes y guitarras potentes, pero la letra es reveladora y sobre la pérdida de control. La producción del álbum es pop, pero los temas de adicción, soledad y las contradicciones desordenadas del amor lo elevan a un plano más profundo y cerebral.

Canciones como "Sugarboy" y "Pills" juegan con una energía superficial y pegadiza, pero se adentran en territorios emocionales más oscuros. "Pills", por ejemplo, comienza como una oda irónica a los productos farmacéuticos con un estribillo pegadizo que parece un jingle, solo para disolverse en un solo de saxofón desorientado y aturdido cortesía de Kamasi Washington. En este álbum, Annie Clark no solo utiliza la ironía para señalar las muletas de la sociedad, sino que la utiliza para explorar sus propias vulnerabilidades, a menudo en términos contundentes.

Además, su capacidad para combinar melodías pegadizas, con un profundo dolor emocional es especialmente poderosa en temas como "Los Ageless" y "Young Lover". "Los Ageless", con sus ritmos vibrantes y su producción elegante, es un comentario mordaz sobre la superficialidad de la vida moderna, donde el brillo de la perfección esconde un colapso emocional. Mientras tanto, "Young Lover" aborda la adicción y el desamor, superponiéndolos con algunas de las interpretaciones vocales más emotivas de St Vincent.

Profundizando algo más, la naturaleza personal de "Masseduction" contrasta marcadamente con dicho barniz pop. Clark aporta un tono confesional que desvela las capas de su propia vida. En "Happy Birthday, Johnny", vuelve a visitar a una vieja amiga de álbumes anteriores, acusándola ahora de venderse, mientras que en "New York", lamenta las relaciones perdidas y los paisajes cambiantes con cruda emoción. Ambas canciones, a pesar de sus escenarios contrastantes, tratan el tema de la pérdida, no solo de personas, sino de identidad, estabilidad y comodidad.

Muchos críticos han llamado a "Masseduction" el momento "Let 's Dance" de St. Vincent, comparándolo con el giro de David Bowie hacia un sonido más pop sin dejar atrás la profundidad. Es como si hubiera logrado colarse en el mainstream sin sacrificar su lado más experimental. Es lo que podríamos llamar metapop: una historia personal empaquetada como un disco pop, pero con mucha más sustancia que lo que normalmente escuchas en las listas de éxitos.

En resumen, "Masseduction" es un triunfo de contradicciones. Es brillante y crudo, personal y universal, juguetón y trágico. St. Vincent usa el pop como un caballo de Troya, escondiendo reflexiones profundas sobre la vida moderna. Y al final, este disco no es solo uno de sus más accesibles; también es uno de los más reveladores. Una verdadera obra excepcional de una artista que está, sin duda, en la cima de sus poderes creativos.

Disco recomendado

Desde mi punto de vista, es un excelente disco de pop complejo, inquietante y ruidoso. Recomendado!

Video del tema "Los Ageless":

Tracklist:

1.         "Hang on Me" 2:48
2.         "Pills" (Clark, Jack Antonoff, Mark Anthony Spears)          4:40
3.         "Masseduction" (Clark, Antonoff)    3:17
4.         "Sugarboy" (Clark, Antonoff)           4:01
5.         "Los Ageless" 4:41
6.         "Happy Birthday, Johnny" (Clark, Antonoff)          2:58
7.         "Savior"          3:26
8.         "New York" (Clark, Antonoff)         2:34
9.         "Fear the Future"        2:31
10.       "Young Lover"           3:33
11.       "Dancing with a Ghost"         0:46
12.       "Slow Disco" (Clark, Joy Williams)   2:44
13.       "Smoking Section"     3:37 

Ficha:

• Annie Clark – guitarra (pistas 1–5, 7, 9, 10, 13), voces (todas las pistas), sintetizadores (pista 4), bajo (pista 4)
• Tuck Andress – guitarra (pistas 5, 7, 9)
• Patti Andress – voces (pistas 5, 7, 13)
• Jenny Lewis – voces (pista 2)
• Kid Monkey – voces (pista 2)
• Toko Yasuda – voces (pista 3)
• Jack Antonoff – sintetizadores (pistas 2, 4–6, 8–13), programación (pistas 1–5, 7–9, 12, 13), bajo (pistas 1, 2), batería (pistas 2, 9), arreglos de cuerdas (pistas 11, 12), mellotron (pista 1), piano (pista 2)
• Daniel Mintseris – sintetizadores (pistas 2, 7, 9)
• Lars Stalfors – sintetizadores (pista 10), programación (pista 10)
• Sounwave – programación (pista 2)
• Adam Pickrell – programación (pista 2)
• Thomas Bartlett – piano (pistas 1, 3, 6–8, 13), sintetizadores (pista 9)
• Bobby Sparks – teclados (pista 7)
• Mike Elizondo – bajo (pistas 2, 9)
• Pino Palladino – bajo (pista 7)
• Greg Leisz – pedal steel (pistas 5–7, 13)
• Rich Hinman – pedal steel (pista 13)
• Evan Smith – saxofón (pistas 2, 5, 11, 12)
• Kamasi Washington – saxofón (pista 2)
• Margot – cuerdas (pistas 11, 12)
• Philip A. Peterson – violonchelo (pista 8)
• Timothy Garland – violín (pista 8)

Técnico:

• Jack Antonoff: producción, ingeniería de sonido adicional
• St. Vincent: producción, ingeniería de sonido adicional
• Lars Stalfors: coproducción (pistas 3, 10)

THE JESUS LIZARD - Rack - Album

Una de las bandas más intransigentes de la escena underground de los años 90 (siglo xx), THE JESUS LIZARD, ha vuelto tras una pausa de 26 años con un nuevo álbum titulado "Rack" que marca su esperado regreso al estudio.

Quiero recomendar con mucho gusto y entusiasmo a los lectores de este blog de música este impresionante lanzamiento.

 

Una mirada atrás: la evolución sónica de The Jesus Lizard

 
La carrera temprana de "The Jesus Lizard" estuvo definida por cuatro álbumes. Sus obras fundamentales - "Head" (1990), "Goat" (1991), "Liar" (1992) y "Down" (1994) - fueron producidas por el recientemente fallecido Steve Albini, una figura legendaria de la escena musical alternativa, cuya producción cruda y seca capturó a la perfección la característica mezcla de noise, precisión e intensidad de la banda. Sin embargo, su cambio a "Capitol Records" a mediados de los 90 marcó un cambio tanto en el sonido como en la dirección, ya que los discos "Shot" (1996) y "Blue" (1998) intentaron introducir nuevas texturas sonoras y técnicas de producción.

Aunque no carecían de mérito, a estos últimos discos les faltaban los matices que definían sus trabajos anteriores. Con la marcha de Albini, productores como GGGarth y Andy Gill (de "Gang of Four") intentaron pulirlos, pero los resultados se diluyeron, dejando a muchos fans añorando la inmediatez cruda de sus primeros lanzamientos. Tras la publicación del sexto álbum de estudio del grupo, "Blue", la banda se separó en junio de 1998. Se reunieron brevemente en 2009 para una gira, pero pronto se disolverían de nuevo. No sería hasta septiembre de 2017 que la banda se reuniría de forma permanente.

ALBUM: Rack

 
Este es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense "The Jesus Lizard", que se publicó el 13 de septiembre de 2024. Es el primer lanzamiento de estudio de la banda en 26 años desde Blue (1998). Rack es uno de los álbumes más variados de The Jesus Lizard, que combina elementos del post-punk, el hardcore y el rock experimental.

Después de una escucha detenida y cuidadosa, para mí la banda ha vuelto a sus puntos fuertes, creando un disco que irradia la ferocidad y precisión de su mejor trabajo. Si bien el álbum está producido por Paul Allen (en lugar del fallecido Steve Albini), el enfoque de Allen honra el espíritu de Albini al mantener la producción discreta y dejando que los talentos de la banda brillen. El audio es limpio, rico y profundamente texturizado, capturando la energía salvaje de la voz desenfrenada de David Yow, el trabajo de guitarra afilado como una navaja de Duane Denison y la implacable sección rítmica del bajista David Wm. Sims y el baterista Mac McNeilly.

Canciones como “Armistice Day” muestran la capacidad de la banda para bajar el ritmo sin perder nada de su intensidad. La ubicación de la canción al principio del álbum es una sorpresa, pero su éxito demuestra que “The Jesus Lizard” todavía puede jugar con el tempo y el ritmo mientras mantiene la misma energía visceral. De manera similar, el corte “Grind” alterna entre furiosos riffs de guitarra y una sección lenta, casi meditativa, lo que resalta también que la dinámica de la banda se ha vuelto aún más matizada.

Otras canciones, como “Dunning Kruger” y la canción de apertura “Hide and Seek”, canalizan la energía punk agresiva que los admiradores de toda la vida reconocerán de su trabajo anterior. Mientras tanto, canciones como el número final “Swan the Dog” toman un giro más experimental, con la entrega vocal errática de David Yow, que combina una entrega vocal desquiciada con la estética de noise rock característica de la banda. El bajo impulsado por “Lord Godiva” es otro tema destacado, con un solo memorable que resalta las habilidades musicales del grupo y su capacidad para explorar nuevos terrenos.

En cuanto a la letra, "Rack" está lleno de la mezcla característica de The Jesus Lizard de humor negro y crítica social. “Alexis Feels Sick” toca las ansiedades modernas sobre la tecnología, haciendo referencia al auge de la inteligencia artificial. Ya sea una crítica de nuestro mundo impulsado por la tecnología o simplemente una narrativa sobre alguien llamado Alexis que tiene un mal día, la banda deja suficiente espacio para que los oyentes interpretan los temas a su manera.

En contraste con las críticas desenfadadas de algunas tendencias de la música pop moderna, "Rack" es un álbum lleno de pavor, que resalta la inquietud del grupo con la superficialidad del panorama cultural actual. Pero en lugar de señalar con el dedo con humor, la interpretación de The Jesus Lizard está plagada de angustia e incomodidad, un reflejo del mundo caótico y ruidoso.

En resumen, 26 años después de su último disco de estudio, "Rack" no es solo un álbum de reunión, es una recuperación de todo lo que hizo grande a The Jesus Lizard en un principio. Desde la energía brutal de la instrumentación hasta la voz de David Yow, este álbum se sitúa al lado de los mejores trabajos de la era "Touch & Go".

Disco recomendado

 
Para los fans más fieles, "Rack" es un bienvenido regreso a la forma, que demuestra que The Jesus Lizard todavía puede golpear tan fuerte como lo hizo en los años 90, ofreciendo muchos momentos destacados de noise rock, hardcore punk y post-punk. Y para aquellos que son nuevos, "Rack" sirve como una poderosa introducción a uno de los grupos más intransigentes de los últimos 30 años.

Finalmente, "Rack" es una prueba de que la música rock visceral y noise está viva y coleando en 2024.

Video del tema "Is That Your Hand":

Tracklist:

1.         "Hide & Seek"            3:04
2.         "Armistice Day"         4:26
3.         "Grind"           2:35
4.         "What If?"      3:45
5.         "Lord Godiva"           3:04
6.         "Alexis Feels Sick"     4:29
7.         "Falling Down"          3:25
8.         "Dunning Kruger"      2:33
9.         "Moto(R)"       2:50
10.       "Is That Your Hand?"            3:08
11.       "Swan the Dog"         3:25

The Jesus Lizard (Banda):

• Duane Denison – guitarra, producción
• Mac McNeilly – batería, producción
• David Wm. Sims – bajo, producción
• David Yow – voz, producción

Técnico:

Paul Allen – producción e ingeniería de sonido.

GREEN DAY - American Idiot - Album

Muchos jóvenes amantes de la música descubren la música rock a través de la banda estadounidense GREEN DAY. He visto muchos videos y clips generados en Instagram y Tik Tok con jóvenes generadores de contenido que presentan a otros de su generación la música punk rock a través de Green Day.

Personalmente, disfruto mucho de su disco debut "Dookie", su mejor trabajo en lo que a mí respecta. Pero muy cerca, está otro gran disco suyo, "American Idiot", editado en 2004, un álbum conceptual que también sirvió como una obra de regreso que puso a la banda nuevamente en lo más alto de la fama musical.

Quiero recomendar la obra "American Idiot" a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: American Idiot

 
Es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, publicado el 21 de septiembre de 2004 y producido por Rob Cavallo (también trabajó con Linkin Park, My Chemical Romance, Eric Clapton, Goo Goo Dolls, Jawbreaker, Alanis Morissette, Black Sabbath, Phil Collins, Paramore, Sixpence None the Richer... por mencionar algunos) en colaboración con el grupo.

Este disco se puede considerar un álbum conceptual, en el sentido de "ópera rock (punk)". "American Idiot" sigue la historia de Jesus of Suburbia, un antihéroe adolescente estadounidense de clase media-baja. El álbum expresa la desilusión y la disidencia de una generación que llegó a la mayoría de edad en un período marcado por eventos tumultuosos como el 11 de septiembre y la guerra de Irak. Un disco más crítico con la sociedad y con una carga política que regresó al sonido punk rock de la banda después de los trabajos anteriores más inspirados en el folk y el power pop.

También marcó el regreso de la carrera de Green Day, que apareció en las listas de 27 países, alcanzó por primera vez el primer puesto en el Billboard 200 para el grupo y alcanzó el número uno en otros 18 países. Ha vendido más de 23 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en el segundo álbum más vendido de la banda (detrás de su debut en 1994 con una importante discográfica, el gran "Dookie") y uno de los álbumes más vendidos de la década y de todos los tiempos.

Parte del atractivo de Green Day aquí es cómo personalizan los sonidos del pasado, haciendo que las tradiciones del rock de guitarra consagradas por el tiempo parezcan frescas. Aquí, la música no solo es más dura, es fluida y, mejor aún, alimenta la ira, la desilusión, el desamor, la frustración y el ingenio mordaz que están en el centro de "American Idiot". Es un gran álbum y escuchas lo mejor de todos los miembros de la banda y la historia se construye muy bien.

Un aspecto sorprendente de "American Idiot" es que la musicalidad cada vez más madura de la banda se combina con las letras incisivas y cortantes de Armstrong, que transmiten de manera eficaz la paranoia y el miedo de vivir en Estados Unidos después del 11 de septiembre, pero también viran hacia bocetos de personajes íntimos y conmovedores a pequeña escala. Hay mucho en este disco, y los cínicos podrían descartarlo después de una escucha como caótico, cuando en realidad es una obra rica y multifacética, que se fortalece desde la primera escucha y crece en estatura y se vuelve más adictiva con cada repetición. "American Idiot" funciona en varios niveles diferentes. Puede tomarse como una colección de grandes canciones, canciones que resuenan fuera de la historia y los cortes tienen un impacto diferente y más duradero cuando se toman en su conjunto.

Los sencillos que aparecen aquí son geniales: "Boulevard of Broken Dreams" y "Wake Me Up When September Ends" son grandes baladas pop-rock de medio tiempo, algunos de los puntos culminantes de la era del pop-punk, y "American Idiot" es un número contagioso ineludible. Pero son las canciones intermedias, como el ritmo nostálgico de los 90 "Whatsername" y "Letterbomb", las que se destacan, dando cuerpo al sonido del álbum aunque hacen poco por esclarecer la historia.

Disco recomendado

Muchos lo consideran una obra maestra y uno de los pocos discos de 2004 que transmiten cómo se sentía vivir en la extraña y rara América de principios de los años 2000. Hay punk, hay pop, hay rock ópera (que recuerda a "Tommy" de The Who), incluso hay algo de progresivo. Billy Joe Armstrong compuso aquí una auténtica obra de arte.

Video del tema "Homecoming":

Tracklist (formato original):

1.         "American Idiot"        2:54
2.         "Jesus of Suburbia"

I. "Jesus of Suburbia"

II. "City of the Damned"

III. "I Don't Care"

IV. "Dearly Beloved"

V. "Tales of Another Broken Home"

9:08

1:51

1:51

1:43

1:05

2:38

3.         "Holiday"        3:52
4.         "Boulevard of Broken Dreams"         4:22
5.         "Are We the Waiting"            2:42
6.         "St. Jimmy"     2:56
7.         "Give Me Novacaine"     3:25
8.         "She's a Rebel"           2:00
9.         "Extraordinary Girl"   3:33
10.       "Letterbomb"  4:05
11.       "Wake Me Up When September Ends"        4:45
12.       "Homecoming"

I. "The Death of St. Jimmy"

II. "East 12th St."

III. "Nobody Likes You" (Mike Dirnt)

IV. "Rock and Roll Girlfriend" (Tré Cool)

V. "We're Coming Home Again"

9:18

2:24

1:38

1:21

0:44

3:11

13.       "Whatsername"           4:14

Green Day (Banda)

• Billie Joe Armstrong – voz principal y coros, guitarras
• Mike Dirnt – bajo, coros; voz principal en "Nobody Likes You" (sección en "Homecoming")
• Tré Cool – batería, percusión; voz principal en "Rock and Roll Girlfriend" (sección en "Homecoming")

Músicos adicionales:

• Rob Cavallo – piano
• Jason Freese – saxofón
• Kathleen Hanna – voz invitada en "Letterbomb"

Producción:

Rob Cavallo – productor
Green Day – productores