FLOATING POINTS - Cascade - Album

El productor de música electrónica, DJ y músico británico Sam Shephard, más conocido como FLOATING POINTS, conquistó a mucha gente con su brillante disco "Promises (with Pharoah Sanders & the London Symphony Orchestra) de 2021. El alquimista de la música electrónica acaba de lanzar su nuevo disco "Cascade" adoptando un enfoque más "Club" para volver a conquistar seguidores y nuevos fans.

 

ALBUM: Cascade

 
Sam Shepherd, más conocido artísticamente como "Floating Points", ha vuelto a demostrar su inigualable dominio de la música electrónica con su último álbum, "Cascade". Publicado el 13 de septiembre de 2024, este disco marca un cambio significativo en la trayectoria artística de Shepherd, mostrando un enfoque más centrado en el dance, al tiempo que conserva la profundidad intelectual y la resonancia emocional que se han convertido en sellos distintivos de su trabajo.

"Cascade" está repleto de cortes que se inclinan fuertemente hacia la pista de baile, cada uno ofreciendo una exploración del género, el ritmo y la instrumentación. Shepard regresa a un ambiente más impulsado por el ritmo, lo que mejora su reputación como uno de los mejores DJs del mundo. Nos ofrece un muy buen disco, lleno de energía, vitalidad y una emoción y progresión muy alta en cada canción.

"Floating Points" ofrece temas de club utilizando un Buchla y otros sintetizadores analógicos. Los singles como el tema de apertura "Vocoder" y "Problems" suenan dance y "Cascade" es un álbum completo en esta dirección. La mayoría de los otros temas del álbum mantienen el mismo nivel de propulsión, pero Shepherd les permite ser más melódicos y psicodélicos, como "Key103" (colaboración con Akiko Nakayama) y el ácido "Afflecks Palace" que raya en el trance. "Birth4000" suena a electro-disco y "Fast Forward" florece con arpegios celestiales en espiral. "Del Oro" es más un shuffle, con tonos de sintetizador brillantes al principio y una línea de bajo de órgano y ráfagas de caja durante la segunda mitad. "Ocotillo" es un número electrónico progresivo que tarda más de cinco minutos en encontrar algunas perturbaciones electrónicas y estallar en un ritmo nervioso. "Tilt Shift" aumenta el tempo hasta el drum'n'bass, mientras que las texturas que lo acompañan evocan un estado de ánimo inquietante. "Ablaze" termina el álbum con un descenso tranquilo.

Dicho todo esto, el enfoque despojado (minimalista) de un solo hombre y una computadora portátil de "Cascade" puede verse como un contrapunto a las obras orquestales más expansivas en las que Shepherd ha estado involucrado recientemente. Sin embargo, esta configuración básica no se traduce en música simple. En cambio, le permite a Shepherd mezclar la repetición hipnótica de la música electrónica apta para la pista de baile con variaciones y exploraciones sutiles que recuerdan a sus obras más contemplativas.

Para añadir, vale la pena señalar que "Cascade" se escucha mejor con un equipo de audio adecuado para apreciar completamente sus complejidades sonoras. Escuchar con parlantes de baja calidad puede llevar a una mala interpretación de la profundidad y complejidad del álbum.

En general, "Cascade" es un gran regreso a la música orientada al baile para "Floating Points". Combina con éxito el enfoque neuro-académico de Shepherd en el diseño de sonido con su comprensión innata de lo que mueve una pista de baile. Si bien puede requerir algo de paciencia y un equipo de audio de alta calidad para apreciarlo por completo, "Cascade" es un testimonio del crecimiento continuo de Shepherd como artista y su posición única en la intersección de la electrónica cerebral y la música de baile física y euforia.

Disco recomendado

 
Este álbum está recomendado para los fans de la música de baile inteligente (IDM), aquellos que aprecian un diseño de sonido meticuloso y cualquier melomano que busque una experiencia de escucha energizante que recompense la escucha atenta y repetida. Te hará moverte.

Video del tema "Fast Foward":

Tracklist- canciones:

1.Vocoder (Club Mix) 7:32
2.Key103 7:23
3.Birth4000 4:46
4.Del Oro 6:14
5.Fast Forward 7:39
6.Ocotillo 8:44
7.Afflecks Palace 6:39
8.Tilt Shift 4:41
9.Ablaze 3:57

THE FUGS - The Fugs - Album

Dedicó un blog post a una banda ecléctica e influyente de los años 60 (siglo xx) que combinaba letras de protesta, poesía bohemia y música cautivadora. Hoy menos conocidos pero muy importantes en la escena de la contracultura de los años 60, formaron parte del movimiento anti-Vietnam. Su etiqueta de revolucionarios se la ganó por la franqueza absoluta que utilizaron para tratar el tabú. El comentario social mordaz, como en "Doin' All Right", está articulado. THE FUGS ha sido reconocido como la primera banda underground y pionera del punk rock temprano, especialmente teniendo en cuenta su LP de 1966 "The Fugs".

El músico de rock británico David Bowie colocó el álbum "The Fugs" en su lista de los 25 discos favoritos de todos los tiempos. También influyó en otros músicos como "Frank Zappa" y más tarde "The Dead Kennedys".

¿Quiénes eran la banda "The Fugs"?

 

Formación de rock estadounidense de la ciudad de Nueva York a fines de 1964 por los poetas Ed Sanders y Tuli Kupferberg, con Ken Weaver en la batería. Poco después, se les unieron Peter Stampfel y Steve Weber de "The Holy Modal Rounders".

La banda fue uno de los líderes de la escena underground de los años 60 y se convirtió en una parte importante de la contracultura estadounidense de esa década. Las letras a menudo francas y "humorísticas" de la banda sobre sexo, drogas y política generaron ocasionalmente reacciones hostiles, sobre todo por parte de la Oficina Federal de Investigaciones (FBI) a finales de los años 60.

A "The Fugs" se los ha etiquetado como música noise de avant-rock, pero yo prefiero ubicarlos más en el campo del proto-punk y la experimentación.

 

ALBUM: The Fugs ("The Second Album")

 

Un LP de 1966 de "The Fugs", considerado por muchos expertos en música como el primer grupo de rock underground. Algunos incluso los han comparado con la banda punk "Dead Kennedys", tanto en sus letras como en su inclinación compartida por el humor crudo. Este disco es una exploración sin filtros de temas tabú y con musicalidad de vanguardia. El álbum alcanzó el puesto número 95 en la lista de "Pop Albums" de Billboard, una hazaña notable para un lanzamiento y una banda tan poco convencionales.

En "The Fugs", escuchas al grupo sonando adelantado a su tiempo en cuanto a letras, expresando sentimientos de maneras que simplemente no se habían hecho antes. En cuanto a las letras, muchas de las canciones de este álbum no estarían fuera de lugar en ninguno de los discos políticamente activistas de la actualidad, pero su humor crudo es su debilidad.

A veces los chistes funcionan ("Dirty Old Man"), a veces no ("Mutant Stomp"), pero siempre son entretenidos. A veces, la postura (voz) de Ed Sanders puede resultar aburrida ("Frenzy" y "Group Grope"), pero algunas verdaderas joyas logran brillar: "Morning Morning" y "I Want to Know" son verdaderos puntos culminantes. Su etiqueta de revolucionarios se la ganan por la absoluta franqueza con la que tratan el tabú. El comentario social mordaz, como en "Doin' All Right", es un ejemplo.

Sin embargo, dejando de lado su humor, a lo largo del disco, "The Fugs" mezcla elementos de rock de garaje, folk y música experimental, creando un paisaje sonoro que es a la vez discordante y cautivador.

Resumiendo, para los melómanos y los estudiantes de la historia del rock, "The Fugs" es una escucha obligada. Su energía cruda, su contenido que traspasa los límites y su importancia histórica lo convierten en un disco fascinante de la escena underground de los años 60. Si bien su naturaleza explícita y su sonido experimental pueden no atraer a todos los oyentes, su influencia en las generaciones posteriores de músicos es innegable.

Este álbum es una cápsula del tiempo de un momento crucial de la cultura estadounidense, que captura el espíritu de rebelión y libre expresión que definió esa época. Para quienes estén interesados en las raíces del punk, el rock experimental y la música de contracultura, "The Fugs" es el sitio para empezar y sigue resonando décadas después de su lanzamiento.

 

Disco recomendado

 
"The Fugs" sigue siendo una declaración audaz e intransigente que ayudó a dar forma al rumbo de la música alternativa. Su enfoque intrépido de temas controvertidos y su fusión de poesía, política y rock primitivo lo convierten en un disco que merece ser redescubierto y recibir el crédito que merece en la historia de la música estadounidense.

Video del tema "Doin All Right":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Frenzy (Ed Sanders)"           2:00
2.         "I Want to Know (Charles Olson, Ed Sanders)"      2:00
3.         "Skin Flowers (Pete Kearney, Ed Sanders)" 2:00
4.         "Group Grope (Ed Sanders)" 3:40
5.         "Coming Down (Ed Sanders)"          3:46
6.         "Dirty Old Man (Lionel Goldbart,  Ed Sanders)"     2:49

Cara B:

1.         "Kill for Peace (Tuli Kupferberg)"     2:07
2.         "Morning, Morning (Tuli Kupferberg)"         2:07
3.         "Doin' All Right (Richard Alderson, Ted Berrigan, Lee Crabtree)" 2:37
4.         "Virgin Forest (Richard Alderson, Ted Berrigan, Lee Crabtree)"    11:17

TRUTH AND JANEY - No Rest For The Wicked - Album

Aquí tenemos una joya del hard rock americano de los años 70 (siglo xx) que se ha olvidado, un trío y un disco perdidos que necesitan ser redescubiertos. La banda americana "TRUTH and JANEY" dejó su huella con su único LP de estudio titulado "No Rest for the Wicked", un álbum que ahora es apreciado por críticos y coleccionistas.

Quiero recomendar el álbum mencionado a los lectores de este blog de música.

 

¿Quién era la banda "Truth and Janey"?

 
Eran un trío de música rock americano. Su nombre se debe al álbum "Truth" de Jeff Beck y al apellido de su miembro Billy Janey. El grupo estaba muy influenciado por "Cream" y "The Jimi Hendrix Experience", entre otros similares.

Se formaron en 1969 originalmente con el baterista John Fillingsworth. En aproximadamente un año fue reemplazado por Denis Bunce. Los cambios fueron parte de este grupo, durante la segunda mitad de los años 70 se disolvió varias veces.

Nos dejaron algo de material, uno en particular es digno de mención, su único LP "No Rest for the Wicked".

 

ALBUM: No Rest for the Wicked

 
El único LP de estudio de la banda de rock estadounidense "Truth and Janey" editado en 1976. Originaria de Iowa, la banda estaba formada por Billy Lee Janey (guitarra, voz), Steve Bock (bajo) y Denis Bunce (batería). El título del álbum es un guiño a su sonido enérgico e implacable que impregna todo el disco. No es broma, se trata de una mezcla jodidamente ruidosa de hard rock, psicodelia y heavy metal que fusionó a sus héroes musicales "Cream", "Taste", "Jeff Beck" y "The Jimi Hendrix Experience".

Si bien "No Rest for the Wicked" inicialmente vendió solo 1000 copias en su lanzamiento original, desde entonces ha ganado reconocimiento como una joya oculta de la era del proto-metal. La rareza del álbum lo ha convertido en un artículo muy buscado entre los coleccionistas. Los críticos musicales y los fans del "heavy psych" ahora aprecian el enfoque innovador del álbum y sus poderosas interpretaciones.

Las guitarras principales son impresionantes de principio a fin, las voces principales son buenas y las canciones son realmente fuertes. Con un carácter arrogante y blusero, riffs penetrantes de doble armonía y un tono feroz de guitarra rítmica, el tema de apertura "Down the Road I Go" establece instantáneamente la estética de hard rock de los años 70 de la banda. Su influencia de los años 60 ya mencionada también se puede escuchar en las versiones de blues ("I'm Ready" de Willie Dixon y "Ain't No Tellin'" de Mississippi John Hurt) y en los temas originales (ejemplo "The Light"), mientras que una voz ligeramente más distintiva emerge en creaciones verdaderamente memorables, mitad eléctricas y mitad acústicas, como en "It's All Above Us" y la canción "No Rest for the Wicked". Además siendo un lanzamiento de los años 70, hay una canción épica progresive, una obra de nueve minutos llamada "Remember".

La producción del disco es lo-fi, lo que le suma encanto y autenticidad. El sonido áspero y sin pulir complementa perfectamente el estilo psicodélico de la banda, permitiendo que la emoción cruda y la energía de sus actuaciones irradien.

 

Disco recomendado

 
Esta pequeña joya olvidada, “No Rest for the Wicked”, es un excelente lugar para comenzar una peregrinación al "heavy psych". Para los fans del heavy psych, el proto-metal y el hard rock con influencias del blues, “No Rest for the Wicked” es un LP que deben escuchar. Su trabajo de guitarra abrasador, sus voces poderosas y su composición innovadora lo convierten en un álbum destacado de su época. Si bien puede haber sido pasado por alto en su lanzamiento inicial, este disco merece un lugar en tu colección de música rock.

Video del tema "The Light":

Tracklist (formato LP original):

A1 Down the Road I Go 4:00
A2 The Light 5:45
A3 I'm Ready 3:30
A4.Remember 9:09
a. A Child
b. Building Walls

 
B1 No Rest for the Wicked 4:50
B2 It's All Above Us 4:27
B3 Ain't No Tellin' 3:39
B4 My Mind 5:37

Banda:

• Billy Janey - guitarra, voz, compositor
• Steve Bock - bajo, voz
• Denis Bunce - batería, voz

THIN WHITE ROPE - Moonhead - Album

Con este blog post quiero llamar la atención de los lectores sobre una banda americana muy interesante llamada "THIN WHITE ROPE". No son muy conocidos fuera de los círculos de la música alternativa, pero han sido importantes en la evolución de la escena del rock underground americano.

Por ello quiero recomendar uno de sus discos. "Moonhead", una mezcla cautivadora de intensidad post-punk, exploración psicodélica y rock desértico con tintes de alt-americana que encaja perfectamente con la filosofía de este blog. Recomendar joyas musicales menos conocidas y pérdidas para aquellos melómanos que buscan algo diferente.

¿Quién es la banda "Thin White Rope"?

 
Son una formación de rock alternativo de la Costa Oeste de Estados Unidos cuyo sonido de "desert rock" presenta guitarra doble y un toque de psicodelia. "Thin White Rope" también está asociada con la escena underground de Paisley.

La banda se formó en California, durante un período que abarca desde 1981 hasta 1982. Los miembros fundadores Guy Kyser y Jozef Becker formaban parte de una banda llamada "Les Z Boys" en 1981. Becker y Kyser se separaron durante el período 1981-1982 y publicaron un anuncio en el que buscaban un bajista y otro guitarrista. Roger Kunkel respondió y contrató al bajista Kevin Staydohar.

El grupo ha publicado cinco álbumes hasta la fecha. Uno de ellos es el que quiero recomendar a los lectores de este blog de música, "Moonhead", publicado en 1987.

 

ALBUM: Moonhead

 
Este es el segundo disco de "Thin White Rope", publicado en febrero de 1987. Es una mezcla de caos organizado que te hace perderte en algunas atmósferas originales, a veces oscuras, a veces furiosas y oníricas. Creo que se puede describir como Paisley Underground oscuro, Post-Punk y Neo-Psicodélico.

El sonido de la banda es primitivo y épico al mismo tiempo. Las letras son crípticas y oscuras pero llenas de belleza. "Moonhead" es una experiencia convincente pero también es un asunto delicado. Encontrarás una sincronización poco común que le da a cada nota un sentido de dirección particularmente fuerte. Todos los álbumes de "Thin White Rope" comparten estas cualidades de musicalidad y calidad inquietante.

Es un disco que suena como una mezcla de "Neil Young & Crazy Horse" y "Joy Division". Las 14 canciones, incluso la versión del clásico de blues de Jimmy Reed "Ain't That Lovin' You Baby", son tensas y agitadas; los largos ejercicios de guitarra como "Crawl Piss Freeze" y el épico cierre "Take It Home" le dan al álbum una tensión casi insoportable.

Las canciones comienzan de la misma manera, solos de guitarra doble sobre los pulsos constantes casi al estilo Krautrock de Jozef Becker y las líneas de bajo palpitantes y minimalistas de Stephen Tesluk con las letras y la voz de Guy Kyser que van desde lamentos torturados hasta un humor inexpresivo, lo que le da al álbum la variación justa. A lo largo del álbum, las canciones exploran consideraciones sombrías sobre la vida, el sexo y la muerte con la curiosidad desapegada de un científico. Este enfoque agrega una profundidad intelectual a la música que recompensa las escuchas repetidas.

Habiendo escrito lo anterior, tengo que agregar que "Thin White Rope" no es la banda más accesible, y "Moonhead" no es un álbum fácil de entender. Pero el esfuerzo vale la pena. Una vez que has interiorizado los sonidos, las formas y texturas de la música cambian de rompecabezas impenetrables de sonidos agudos a un marco complejo que se transforma con el tiempo para contar historias.

"Moonhead" solidifica el lugar de "Thin White Rope" en el panorama del rock alternativo de finales de los 80. Su mezcla de desert rock, psicodelia y elementos post-punk prefigura la explosión del rock alternativo de principios de los 90, lo que lo convirtió en un lanzamiento profético e influyente. Para los fans del rock alternativo, la psicodelia o cualquier persona interesada en la evolución de la música underground estadounidense en los 80, "Moonhead" es una escucha imprescindible.

 

Disco recomendado

 
"Moonhead" es un álbum intenso y el trabajo más importante y poderoso de "Thin White Rope". Una incorporación recomendada a cualquier colección de música underground de estilo paisley americano alternativo.

Video del tema "If Those Tears":

Tracklist - canciones:

1.         "Not Your Fault" (Becker/Kyser)      3:45
2.         "Wire Animals"          4:00
3.         "Take It Home"          4:36
4.         "Thing"           2:54
5.         "Moonhead" (Kyser/Becker/Kunkel/Tesluk) 4:45
6.         "Wet Heart"    4:34
7.         "Mother" (Kunkel/Kyser)       4:27
8.         "Come Around"         2:19
9.         "If Those Tears"         3:16
10.       "Crawl Piss Freeze" (Kyser/Kunkel/Tesluk)  5:34
11.       "Waking Up"  2:43
12.       "Valley Of The Bones"          2:54
13.       "Atomic Imagery" (Kyser/Tesluk)     3:36
14.       "Ain't That Lovin' You Baby" (Jimmy Reed)           3:54
15.       "Take It Home (Long Version)"        6:17

Ficha:

• Guy Kyser – guitarra, voz
• Roger Kunkel – guitarra, voz
• Stephen Tesluk – bajo, voz
• John Von Feldt – bajo
• Jozef Becker – batería

con

Paul McKenna – ingeniero de sonido y productor

DAVID GILMOUR - Luck and Strange - Album

Los fans de Pink Floyd y, en concreto, del guitarrista David Gilmour están entusiasmados con el lanzamiento este mes de un nuevo álbum titulado "Luck and Strange". La aparición de nuevo material después de 9 años de espera es un acontecimiento y me hizo buscar este disco y escucharlo. 

Es un muy buen disco, con los riffs de guitarra habituales de Gilmour con su sonido muy único, reunidos por algunos músicos excepcionales y una producción de calidad prístina, como cabría esperar. La novedad es que es bastante introspectivo y esto es comprensible ya que Gilmour está envejeciendo y tiene algunos cuestionamientos existenciales. La otra agradable sorpresa es la colaboración de su hija Romany y su hijo Gabriel, que aportan mucha frescura.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música este excelente disco de Dave Gilmour.

 

ALBUM: Luck and Strange

 

Este es el quinto disco en solitario del ex guitarrista y cantante de Pink Floyd, David Gilmour, y el tercero del siglo XXI. Se publicó el 6 de septiembre de 2024. Es una emocionante combinación de canciones bien escritas, de paisajes sonoros ricos y un trabajo de guitarra conmovedor que recuerda a su trabajo en solitario anterior, pero con temas más terrenales e introspectivos. El álbum es rico en capas atmosféricas, que combinan voces etéreas con los tonos de guitarra característicos de Gilmour. Fue grabado durante cinco meses en Brighton y Londres con la contribución de varios músicos, incluido material del fallecido tecladista de Pink Floyd, Richard Wright.

Apareciendo nueve años después del álbum "Rattle That Lock" de 2015, "Luck and Strange" reúne a un elenco de apoyo fresco y familiar. Para producir, Gilmour trae a Charlie Andrew (Alt-J) para guiar a músicos veteranos como Guy Pratt (bajo) y Steve Gadd (batería). Además, su hija, la cantante y arpista Romany Gilmour, juega un papel importante aquí y toma la iniciativa en la hermosa canción "Between Two Points", una versión de la canción dream pop de "The Montgolfier Brothers" de 1999. Como en discos anteriores, la esposa de Dave Gilmour, Polly Samson, actúa como letrista y colaboradora directa.

El tono de "Luck and Strange" es reflexivo, pero no demasiado melancólico, con canciones ricamente imaginativas que exploran futuros inciertos ("A Single Spark"), nostalgia ("Sings"), matrimonio ("Dark and Velvet Nights") y los días felices de una generación (el corte del título, que se basa en una improvisación preexistente de 2007 con el fallecido tecladista de Floyd, Richard Wright). Los arreglos, que incluyen elementos orquestales y corales, son más frescos que en sus trabajos anteriores, equilibrando parte de la introspección del álbum. La agradable sorpresa de la inclusión de la presencia de la hija Romany (así como la de su hijo Gabriel en "The Piper 's Call" y "A Single Spark") es un acierto, ya que contribuye a la sensación de colaboración.

Al escuchar este álbum, los fans de Pink Floyd encontrarán ecos familiares del trabajo anterior de Gilmour, pero "Luck and Strange" es más personal y ofrece momentos de tranquila introspección junto con grandes momentos musicales. En general, este álbum muestra la continua relevancia musical de David Gilmour al combinar su arte atemporal con sonidos contemporáneos.

Disco recomendado

 
David Gilmour ha dicho que es lo mejor que ha hecho desde "Darkside of the Moon". Personalmente creo que es una exageración, pero estoy de acuerdo en que es un muy buen disco en solitario, tal vez el mejor desde que Pink Floyd dejó de existir. "Luck and Strange" sin duda será del agrado de los fans de Pink Floyd y de Dave Gilmour, ya que todos los sonidos característicos están presentes, además de algunas grandes incorporaciones de familiares y colaboradores.

No dejes de buscarlo y después escúchalo.

Video del tema "Between Two Points":

Tracklist - canciones: 

1.         "Black Cat"     Instrumental              1:16
2.         "Luck and Strange"                           6:54
3.         "The Piper's Call"                              5:15
4.         "A Single Spark"                               6:02
5.         "Vita Brevis"  Instrumental              0:46
6.         "Between Two Points" (with Romany Gilmour)      5:46
7.         "Dark and Velvet Nights"                             4:41
8.         "Sings"                                   5:15
9.         "Scattered"     7:26

Ficha:

• David Gilmour – guitarra (todas), piano (1), voz principal (2–4, 7–9), ukulele (3), bajo Höfner (3, 8), órgano Farfisa (3), coros (2-4, 6–8), teclados (6, 9), órgano Hammond (7), bajo (9), piano Leslie (9)
• Richard Wright – piano eléctrico, órgano Hammond (2)
• Romany Gilmour – voz principal (6), coros (2–4, 6–8), arpa (5-6)
• Gabriel Gilmour – coros (3, 4)
• Rob Gentry – sintetizador (1–4, 6, 9), teclados (3, 6, 8-9), piano (4, 6, 8-9), órgano (7)
• Roger Eno – piano (1, 9)
• Guy Pratt – bajo (2, 3, 7–9)
• Adam Betts – percusión (2, 4, 6–9), djembé (3), batería (4)
• Steve DiStanislao – batería (2)
• Steve Gadd – batería, percusión (3, 6–9)
• Tom Herbert – bajo (4)
• Edmund Aldhous – organista y director musical de la catedral de Ely
• Coro de la catedral de Ely – voces
• Coro de Angel Studios – voces
• Orquesta de Angel Studios

Technical:

•  David Gilmour – producción, mezcla, ingeniería de sonido
• Charlie Andrew – producción, mezcla, ingeniería de sonido.

MERCURY REV - Born Horses - Album

Me llevé una grata sorpresa al enterarme de que una de mis bandas favoritas, "MERCURY REV", había editado un nuevo álbum titulado "Born Horses". Una nueva propuesta después de su último disco de estudio de 2015 titulado "The Light in You".

Obviamente, salí a buscarlo y a escucharlo. Aunque es muy diferente de los discos anteriores, es un álbum muy bueno y quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Born Horses

 
Es el noveno álbum de estudio de la banda, "Mercury Rev", y es un cambio con respecto a su producción anterior. En esta ocasión no se encuentran las voces agudas y definitorias de Jonathan Donahue, que son reemplazadas por un tono más ronco más asociado con un poeta beat. Publicado el 6 de septiembre 2024 y con una formación 50% nueva, todavía encontrarás "Mercury Rev" en un modo onírico y reflexivo.

"Born Horses" todavía tiene el poder de sorprender y seguir evolucionando. Su jazz libre, baladas y melodías han sido parte de la oferta sonora de Mercury Rev desde el principio, pero en esta su primera música nueva desde 2015, la banda despliega una lista de canciones con madurez y control que solo realza la fusión del álbum de sonidos experimentales y emoción genuina.

El vocalista Jonathan Donahue adopta una entrega susurrante, en gran parte hablada sobre su familiar canturreo. Inicialmente, suena discordante, pero pronto resulta vital para el producto final y la oferta del álbum. Su toque ligero y hábil hace que sus palabras bailen, descubriendo la poesía de recuerdos y reflexiones del poeta beat Robert Creeley, una influencia importante en este disco.

Todo se une en un remolino de sonidos trascendentes, imágenes brillantes y sentimientos profundos en canciones como la maravillosa apertura "Mood Swings", mientras que "Your Hammer, My Heart" es otra canción excelente, que convierte el dolor en algo de belleza surrealista. La voz discreta de Donahue es el complemento perfecto para la instrumentación de la fusión de new age y psicodelia de "Ancient Love", una mezcla a la que la banda le da un brillo caleidoscópico en "Patterns". La intensidad que matiza las fantasías de la canción principal también resuena en "There 's Always Been a Bird in Me", que cierra el álbum con una sensación de esperanza y aceptación que raya en lo épico. "Everything I Thought That I Had Lost" podría ser la más conmovedora de todas, un denso y espiral recuerdo de las personas y los lugares perdidos en los años que dieron forma a todas estas canciones.

Sean "Grasshopper" Mackowiak sigue siendo el principal compañero de Jonathan Donahue en "Mercury Rev". El miembro fundador, productor y bajista Dave Fridmann se separó de la banda hace casi una década, avanzando en su prolífica carrera como productor de rock independiente (Flaming Lips, Elf Power, Clap Your Hands Say Yeah). Los nuevos miembros permanentes Jesse Chandler y Marion Genser muestran aquí su talento armónico con el teclado, dando cuerpo a los estados de ánimo para dar contexto a la poesía. Con miembros que van cambiando, este álbum como sus dos últimos también son autoproducidos y grabados en el propio estudio con Grasshopper y Jonathan como los multiinstrumentistas principales junto con una puerta giratoria de bajistas, bateristas y otros multiinstrumentistas.

Así, musicalmente, "Born Horses" es un cambio con respecto al pasado. El álbum adopta un sonido más influenciado por el jazz, con saxofones, trompetas y cuerdas. El cambio en la instrumentación crea un telón de fondo exuberante y atmosférico que complementa las narrativas poéticas. El resultado es una experiencia cinematográfica y onírica que se compara con la banda sonora de "Blade Runner" de Vangelis y "Sketches of Spain" de Miles Davis. También añadiría que escucho mucho los conceptos musicales de otra banda como "Tears for Fears" (ejemplo "The Seeds of Love").

En general, es sólido y, sin embargo, más transportador que los álbumes anteriores, "Born Horses" es una prueba de que Mercury Rev sigue haciendo música emotiva, reflexiva y emocionante, y como la mayoría de sus mejores álbumes, no hay nada que se le parezca.

Disco recomendado

Creo que "Mercury Rev" ha logrado el equilibrio cósmico perfecto. Para los fans del rock experimental, del jazz alternativo y del lirismo poético, "Born Horses" es un álbum muy recomendable. Es un disco que exige atención y contemplación, que ofrece un viaje único y gratificante a través del sonido y la emoción. "Mercury Rev" ha demostrado una vez más por qué siguen siendo uno de los grupos más interesantes y únicos de la música alternativa.

Y por último, si eres nuevo a "Mercury Rev" también te recomiendo escuchar "Yerself Is Steam" (1991) y "Deserter 's Songs" (1998).

Video del tema "Mood Swings":

Tracklist:

1.Mood Swings 07:14
2.Ancient Love 05:53
3.Your Hammer, My Heart 04:43
4.Patterns 03:53
5.A Bird Of No Address 04:12
6.Born Horses 03:39
7.Everything I Thought I Had Lost 06:12
8.There's Always Been A Bird In Me 04:13

THE WAILERS (Bob Marley) - Burnin´ - Album

Llevo escribiendo en este blog de música desde 2007 y no puedo explicar por qué no he publicado nada sustancial sobre BOB MARLEY. Supongo que ahora es el momento, pero quiero alejarme de lo obvio y recomendar un álbum que sea diferente.

Aunque la mayoría de los melómanos están familiarizados con el mensaje de paz y amor de las canciones de Marley, hubo un tiempo en que el llamado "a la acción" era más directo y, en cierto sentido, más "violento".

Antes de que Bob Marley se lanzará como solista, formó parte de "THE WAILERS" (el legendario grupo vocal de Kingston formado en 1963 y liderado por Bob Marley, con Peter Tosh y Bunny Wailer). Es el último álbum de los "Wailers" (antes de que cada uno siguiera su camino en solitario) el que quiero recomendar a los lectores. El maravilloso álbum "Burnin'" se considera un clásico del reggae y fue muy influyente a la hora de llevar el género a un público más amplio. También ayudó a difundir la difícil situación de Jamaica e irradiar un mensaje de conciencia de sí mismo y de acción para mejorar tu contexto.

Por supuesto podría haber elegido otros grandes discos de la extensa discografía: “Catch a Fire”, “Natty Dread”, “Exodus” y “Babylon by Bus”, pero “Burnin” tiene un elemento “diferencial” además de ser el último disco de “The Wailer”.

 

ALBUM: Burnin'

 
Este es el sexto álbum del grupo de reggae jamaiquino "The Wailers" (también conocido como "Bob Marley and the Wailers"), publicado en octubre de 1973. También es el segundo LP bajo el sello "Island Records".

Editado solo seis meses después de su predecesor, las canciones fueron escritas por los tres miembros y grabadas y producidas por "The Wailers" en Jamaica. Contiene la canción "I Shot the Sheriff", posteriormente versionada por Eric Clapton y material como "Put It On", "Small Axe" y "Duppy Conqueror" escrito en la época del disco anterior "Catch a Fire". También es el último álbum antes de que Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer decidieran seguir carreras en solitario, mientras continuaban con sus lanzamientos locales a través de su compañía "Tuff Gong Records".

Burnin' fue un éxito comercial y crítico, y luego se agregó al "Registro Nacional de Grabaciones", y la "Biblioteca del Congreso" lo consideró histórica y culturalmente significativa. 

Poco de las vibraciones de paz y amor posteriores en esta oferta. El mensaje más confrontativo del LP se hace evidente inmediatamente en la canción de apertura, "Get Up, Stand Up". "The Wailers" son explícitos en su llamado a la "acción", un cambio total con respecto a su propia filosofía de "Simmer Down" de los años 60. Incluso "I Shot the Sheriff", la canción más celebrada del álbum, que se convirtió en un éxito número uno en manos de Eric Clapton en 1974, reivindica la legítima defensa y admite las consecuencias, siendo su imagen central la "violencia". Estas canciones iluminan la desesperación de la vida pobre jamaiquina, pero también anhelaban la salvación religiosa, sus temas acentuados por los ritmos convincentes vía las voces alternas de los tres cantantes. Otra canción, "Burnin' and Lootin'", explora más a fondo los temas del malestar social y la lucha contra la opresión sistémica, mostrando la capacidad de la banda para transmitir mensajes profundos a través de la música.

Los instrumentales son muy sólidos en este disco, el bajo es uno de los más fuertes de su discografía con muchas partes interesantes y complejas, la incorporación ocasional de un órgano hace mucho y el uso de la guitarra y la percusión en los ritmos está muy bien hecho. Producido por "The Wailers" y Chris Blackwell, Burnin' captura la energía cruda y el espíritu de la banda sin depender de músicos de sesión externos, a diferencia de su álbum anterior "Catch a Fire". Este enfoque da como resultado un sonido más auténtico y orgánico que preserva la esencia del reggae al mismo tiempo que atrae a una audiencia internacional más amplia.

El resultado final es que "Burnin'" es un logro musical y un hito cultural. Capta la esencia del movimiento rastafari y las luchas sociopolíticas de la época, lo que lo convierte en un poderoso vehículo para mensajes de justicia e igualdad. La influencia del álbum se extiende más allá de la música, ya que jugó un papel crucial en llevar el reggae a una audiencia global y establecer a Bob Marley como un símbolo de resistencia y esperanza. Además, "Burnin'" es un disco importante e influyente que sirve de puente entre el reggae, el roots, el rock n' roll americano/británico y el soul/funk. Los ritmos aquí son más sueltos que los de la música roots tradicional.

Después de este álbum, los compañeros de Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer, abandonaron el grupo.

 

Disco recomendado

 
Un álbum imprescindible para cualquier persona interesada en la música reggae y su historia. La combinación de letras conmovedoras, sonido auténtico y significado cultural del álbum lo convierten en un clásico atemporal. Es un testimonio del legado perdurable de Bob Marley y The Wailers y su contribución a la música y al cambio social.

Tanto si eres fan de toda la vida como si eres nuevo en el reggae, "Burnin'" ofrece una gran experiencia auditiva.

Video del tema "Get Up, Stand Up":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Get Up, Stand Up"   Bob Marley, Peter Tosh         3:15
2.         "Hallelujah Time"       Jean Watt        3:27
3.         "I Shot the Sheriff"    Marley 4:39
4.         "Burnin' and Lootin'" Marley 4:11
5.         "Put It On"     Marley 3:58 

Cara B:

1.         "Small Axe"    Marley 4:00!
2.         "Pass It On"    Jean Watt        3:32
3.         "Duppy Conqueror"   Marley 3:44
4.         "One Foundation"      Tosh    3:44
5.         "Rasta Man Chant"    Traditional; arranged by Marley, Tosh, Livingston   3:43

Músicos:

• Bob Marley – guitarra, voz
• Peter Tosh – guitarra, teclados, voz
• Bunny Wailer – percusión, voz
• Aston "Family Man" Barrett – bajo, guitarra principal adicional en "I Shot the Sheriff"
• Carlton "Carlie" Barrett – batería
• Earl Lindo – teclados, voz

Músicos adicionales y personal de producción:

•  John "Rabbit" Bundrick – teclados superpuestos
• The Wailers y Chris Blackwell – productor 

BLIND GARY DAVIS - Harlem Street Singer - Album

Es uno de los bluesmen más influyentes en cuanto a la evolución del estilo fingerpicking blues folk. La técnica de “Blind Gary Davis” de tocar la guitarra con los dedos influyó en muchos otros artistas como Stefan Grossman, David Bromberg, Steve Katz, Roy Book Binder, Larry Johnson, Nick Katzman, Ernie Hawkins, Larry Campbell, Bob Weir, Tom Winslow y muchos otros. También influyó en músicos como Bob Dylan, Grateful Dead, Wizz Jones, Jorma Kaukonen, Keb' Mo', Ollabelle y John Sebastian (de Lovin' Spoonful), por mencionar algunos.

Quiero recomendar uno de los discos de "Blind Gary Davis" para los lectores de este blog de música. Su lanzamiento de 1960 "Harlem Street Singer", para mí una representación por excelencia de la mezcla única de música gospel, blues y folk de Davis, muestra sus habilidades virtuosas con la guitarra y su interpretación vocal profundamente espiritual.
 

¿Quién era "Blind Gary Davis"?

 
Gary D. Davis, conocido como "Reverendo Gary Davis" y "Blind Gary Davis", fue un cantante de blues y gospel que también dominaba el banjo, la guitarra y la armónica. Nacido en Laurens, Carolina del Sur y ciego desde la infancia, Davis actuó por primera vez profesionalmente en la década de 1930, luego se convirtió al cristianismo y se convirtió en reverendo.

Después de mudarse a Nueva York en la década de 1940, Davis experimentó un renacimiento profesional como parte del resurgimiento de la música folk estadounidense que alcanzó su punto máximo durante la década de 1960. Actuó en el "Newport Folk Festival" en 1965 y once canciones de esa actuación se lanzaron en el álbum de 1967 "At Newport". El resto es historia.

Davis murió en 1972.

 

ALBUM: Harlem Street Singer

 
Un maravilloso disco de estudio del cantante y guitarrista de blues gospel estadounidense "Blind Gary Davis", grabado en 1960 y lanzado en el sello Bluesville en diciembre de ese año. Incluye una de sus canciones más conocidas, "Death Don't Have No Mercy". Muchos expertos en blues consideran que este es uno de los mejores álbumes de gospel de todos los tiempos.

Grabado durante una sesión de tres horas, Gary Davis grabó 12 de sus espirituales más apasionados para "Harlem Street Singer". Davis comienza la sesión con una versión de "If I Had My Way I'd Tear That Building Down" de Blind Willie Johnson, rebautizada como "Samson and Delilah". Su voz es expresiva y rica. "Harlem Street Singer" también incluye su famoso estilo "fingerpicking" inspirado en el country blues. Muchos estados de ánimo colorean la lista de canciones, desde la suave "I Belong to the Band" hasta la triste y popular "Death Don't Have No Mercy", seguida por la alegre "Goin' to Sit Down on the Banks of the River".

Como ya mencionado, el estilo de tocar la guitarra de Davis es un punto destacado en este disco. Caracterizado por un complejo método de punteo con los dedos que incorpora elementos de ragtime, blues y spirituals, su forma de tocar la guitarra no es simplemente un acompañamiento a su canto sino una parte integral de la narración, a menudo imitando la voz humana u otros instrumentos.

De este modo, la influencia de este álbum se extiende más allá de su lanzamiento inicial, contribuyó significativamente al resurgimiento del folk de la década de 1960. Se ha reeditado varias veces, lo que garantiza que las nuevas generaciones de oyentes y fans puedan experimentar el arte de Davis. Su trabajo en este álbum ha sido reconocido por introducir a muchos jóvenes seguidores de la música folk a la música gospel, consolidando aún más su legado como una figura fundamental en la historia de la música estadounidense.

Disco recomendado

 
"Harlem Street Singer", uno de los mejores trabajos de esta leyenda del blues gospel, pone la voz profunda y resonante de Davis y su intrincado trabajo de guitarra en primer plano. Un disco que vale la pena buscar y que es imprescindible escuchar para los melómanos y fans del country blues o el gospel.

Video del tema "Death Don't Have No Mercy":

Tracklist (formato LP original):

1."Samson and Delilah" (Traditional) – 4:02
2."Let Us Get Together" – 3:08
3."I Belong to the Band" – 2:54
4."Pure Religion" (Traditional) – 2:57
5."Great Change Since I Been Born" – 4:03
6."Death Don't Have No Mercy" – 4:41
7."Twelve Gates to the City" (Traditional) – 3:08
8."Goin' to Sit Down on the Banks of the River" – 2:55
9."Tryin' to Get Home" – 3:46
10."Lo I Be With You Always" – 4:17
11."I Am the Light of the World" – 3:34
12."I Feel Just Like Goin' On" – 3:29

STARSAILOR - Love is Here - Album

Destaco una banda británica que, de alguna manera, se ha perdido en el tiempo y que merece ser redescubierta. "Starsailor" fue aclamada como la "próxima gran novedad" del post-britpop, y su álbum debut "Love is Here" pareció confirmar esta creencia. Sin embargo, no fue así, ya que la competencia era dura y los gustos musicales cambiaban rápidamente.

¿Quiénes son la banda Starsailor?

"Starsailor" es una formación inglesa de post-britpop. Se formó en 2000 en Wigan, Manchester, Inglaterra, por los estudiantes de música James Walsh (voz y guitarra), James Stelfox (bajo) y Ben Byrne (batería). La banda pasó por varias formaciones embrionarias, con predominancia de guitarras, antes de que la llegada del tecladista Barry Westhead consolidara su sonido. El nombre "Starsailor" lo tomaron del aclamado álbum de 1970 de Tim Buckley.

La banda ha editado seis álbumes de estudio hasta la fecha. Su primer álbum, Love Is Here, fue publicado en 2001, seguido por Silence Is Easy (2003) y On the Outside (2005). Tras el lanzamiento de su cuarto álbum, All the Plans (2009), la banda entró en una pausa prolongada hasta 2014, durante la cual sus miembros se involucraron en proyectos individuales.

"Starsailor" anunció su reunión el 23 de mayo de 2014, y un quinto álbum de estudio, All This Life, fue publicado en 2017. Su sexto disco, Where the Wild Things Grow, salió a la luz en marzo de 2024.

Para este post, me gustaría recomendar a los lectores de este blog de música su primer disco, "Love is Here".

Álbum: Love Is Here

Este es el primer disco de la banda de rock británica "Starsailor", publicado el 8 de octubre de 2001 y producido por Steve Osborne. "Love Is Here" incluye guitarras acústicas acompañadas de suaves acordes de piano, lo que le valió comparaciones con bandas como Coldplay y Travis en ese momento.

"Love Is Here" surgió durante un momento crucial en la música británica, alineado con lo que se conocía como el "Nuevo Movimiento Acústico". Este movimiento marcó un cambio desde la era del britpop descarado hacia un sonido más introspectivo y melódico. Este debut de "Starsailor" encapsula bien esta transición, mezclando elementos de folk, rock e indie. Las influencias de la banda son evidentes a lo largo de todo el álbum, con ecos de Jeff Buckley, Neil Young y Nick Drake. Sin embargo, "Starsailor" logra forjar su propia identidad, en gran parte gracias a la distintiva voz de James Walsh y la sólida musicalidad de la banda.

Este disco está muy bien interpretado y tiene una gran riqueza tonal. "Starsailor" era una banda joven, y su propuesta en "Love Is Here" ilustra un intelecto agudo dentro de una acústica básica. Las letras reflejan batallas con el autodescubrimiento, la independencia y el desamor. Por ejemplo, "Talk Her Down", una de las canciones más conocidas del álbum, destaca por sus ligeros patrones psicodélicos, y "Good Souls" es probablemente el tema de rock & roll más destacado. En general, las canciones son tristes y hay un aire de melancolía y patetismo en ellas. Algunas son bastante conmovedoras, creciendo en intensidad y demostrando que no es necesario estar siempre feliz para apreciar un buen álbum.

Además, la sensación de ser un disco "en vivo" que emana de "Love Is Here" establece la belleza simplista de esta banda subestimada. No buscan un gran estruendo grandilocuente de guitarras ni historias cargadas de angustia. Cada canción se eleva con una musicalidad intrincada y una exuberancia melódica. Quizás deba estar de acuerdo con algunos críticos que afirman que es un poco demasiado "emocional", pero una vez que se quitan las primeras capas, el resto es gratificante y muy bueno.

Es una pena que "Starsailor" no haya alcanzado cotas más altas, como este disco hizo creer a muchos en su momento. La saturación de bandas con un estilo y un sonido similares puede haber diluido su impacto general, o simplemente el público se inclinó hacia los grupos más orientados al pop con un sonido más potente. Quién sabe. El hecho es que Starsailor y su disco Love Is Here merecen ser redescubiertos.

Disco recomendado

Para los fans del rock británico de principios de los 2000, las letras introspectivas y el indie melódico, Love Is Here es una excelente opción. Este álbum sigue cautivando y conmoviendo a los oyentes. Para mí, es una pequeña joya insospechada del rock británico, llena de pasión y, por momentos, épica.

Video del tema "Lullaby":

Tracklist-canciones:

1."Tie Up My Hands" – 5:46
2."Poor Misguided Fool" – 3:51
3."Alcoholic" – 2:56
4."Lullaby" – 4:13
5."Way to Fall" – 4:30
6."Fever" – 4:03
7."She Just Wept" – 4:12
8."Talk Her Down" – 4:11
9."Love Is Here" – 4:41
10."Good Souls" – 4:53
11,"Coming Down" – 14:30 (termina a las 3:07; incluye una pista oculta)

Starsailor (Banda):

• James Walsh – voz, guitarra
• James Stelfox – bajo
• Barry Westhead – teclados
• Ben Byrne – batería

JOHN MAYALL - The Turning Point - Album (Live)

Siempre he sido un gran admirador del recientemente fallecido bluesman británico JOHN MAYALL, una gran pérdida para todos los amantes de la música. Para este post quiero recomendar uno de sus muchos discos que es diferente y que también marcó otra historia de éxito en la evolución de la carrera de este músico.

Después de perder a su guitarrista Mike Taylor, que se fue a los Rolling Stones, Mayall desmembra la exitosa "The Bluesbreakers Band" y experimenta una transformación hacia el blues fusión, con un sonido despojado y más ligero. Su magnífico disco en vivo "The Turning Point" pone de relieve todo esto y quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: The Turning Point

 
Un LP en directo de John Mayall, que incluye música grabada de un concierto en "Fillmore East de Bill Graham" el 12 de julio de 1969. El álbum se publicó comercialmente en octubre de 1969.

Esta obra representa otra encrucijada en la carrera en constante evolución de John Mayall. Un cambio con respecto al sonido electrificado y pesado de sus discos anteriores, que ofrece una propuesta más folk y de "roots". La salida de Colin Allen y Mick Taylor de "The Bluesbreakers Band" dejó a John Mayall libre para dar su siguiente paso musical.

La formación que se presenta aquí es una señal de ello, ya que no hay un guitarrista principal, y Mayall se recomienda a sí mismo, reestructurando su grupo para convertirlo en un cuarteto acústico que incluye viejos amigos y algunas texturas sonoras nuevas y vitales. A John Mayall se unen Steve Thompson y Johnny Almond, junto con el talento de Jon Mark.

Lo que llamará tu atención es que los músicos de este álbum solo tocan: guitarra, bajo, flauta y saxofón con la voz de John Mayall y NO hay baterista, sí, no hay baterista y al final del álbum no extrañarás la batería. Es una brillante pieza de trabajo rítmico, un maravilloso y fluido álbum en directo. Dicho esto, este LP es tanto jazz como blues, con los instrumentos tocando juntos y entre sí, creando efectos atmosféricos. Cada músico tiene la oportunidad de demostrar su valía.

Como he aludido, hay mucho control en este álbum en vivo. Los solos como en "So Hard to Share" ejemplifican la intensidad controlada de las salidas electrificadas anteriores de Mayall. Del mismo modo, la intrincada acústica de Mark atraviesa los inquietantes solos de guitarra slide de Mayall en "Saw Mill Gulch Road". "The Turning Point" también examina un cambio en la composición de Mayall. La carga política de "Laws Must Change", la personal "I'm Gonna Fight for You J.B." (un tributo al guitarrista de blues estadounidense J. B. Lenoir) y "Room to Move" están teñidas del sentido de la ironía característico de Mayall. Sin embargo, un punto culminante para mí es el ritmo rápido y sorprendente de "Room To Move", una de las mejores canciones del catálogo de Mayall.

 A lo largo de las décadas desde su lanzamiento, "The Turning Point" ha madurado hasta convertirse en un pilar del blues acústico de los años sesenta (siglo xx) que es consistentemente fuerte de principio a fin. Con buenas melodías, solos y un desarrollo lírico profundo, este álbum es elogiado por los fans del blues. Un gran disco en directo que es sorprendente y asombroso a la vez que explora los mundos de la fusión del blues.

 

Disco recomendado

 
Esta es la versión de Mayall de un blues eléctrico depurado y de pura clase. El bluesman británico tomó una nueva dirección en la música blues y muchos lo siguieron. Este disco atraerá tanto a los conocedores del blues como a los oyentes ocasionales. Muy recomendado para melómanos.

Video del tema Room To Move":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."The Laws Must Change" – 7:21
2."Saw Mill Gulch Road" – 4:39
3."I'm Gonna Fight for You J.B." – 5:27
4."So Hard to Share" – 7:05 

Cara B:

1."California" (Mayall, Steve Thompson) – 9:30
2."Thoughts About Roxanne" (Mayall, Thompson) – 8:20
3."Room to Move" – 5:03

Músicos:

• John Mayall: voz, armónica, guitarra slide, guitarra Telecaster de 6 cuerdas, pandereta, percusión con la boca
• Jon Mark: guitarra acústica con los dedos
• Steve Thompson: bajo
• Johnny Almond: saxofones tenor y alto, flautas, percusión con la boca

Producción:

•  Productor: John Mayall
• Ingeniero de sonido: Eddie Kramer