CRUSHED BUTLER - Uncrushed - Album

El sonido crudo y agresivo y el estilo intransigente del grupo británico "Crushed Butler" tuvieron una influencia significativa en el desarrollo del punk y el metal, a pesar de su corta carrera a fines de los años 60 y principios de los 70 (siglo xx). Considerado una de las primeras bandas proto-punk de Gran Bretaña, ayudaron a allanar el camino para la explosión punk de mediados de los 70. Su enfoque despojado y agresivo prefiguró el punk rock por varios años, en un momento en que muchas otras bandas avanzaban hacia la complejidad musical.

Una banda relativamente olvidada y en muchos sentidos perdida, quiero devolverles "a un primer plano" para los lectores de este blog de música. Quiero recomendar un lanzamiento de 1998 de demos de 1969 a 1971, titulado "Uncrushed".

¿Quién era la banda "Crushed Butler"?

 
Fueron una formación de rock británica que existió entre 1969 y 1971. Muchos consideran que esta banda fue la primera banda de proto-punk de Gran Bretaña. Los miembros de la banda luego formaron Darryl Read 's Beat Existentialists y The Gorillas, además de seguir carreras en solitario.

Crushed Butler se formó en 1969 con Jesse Hector (guitarra, voz), Alan Butler (bajo) y Darryl Read (batería). Inicialmente tocaron versiones de canciones de otras bandas, antes de escribir su propio material original.

Mientras que muchas bandas de la época exploraban la complejidad musical, "Crushed Butler" adoptó un enfoque drásticamente diferente, adoptando un sonido despojado y agresivo que prefiguró el punk rock por varios años.

El álbum  que quiero recomendar a los melómanos, "Uncrushed" es una recopilación de seis grabaciones de demo realizadas entre 1969 y 1971, que presenta el material de la banda en orden cronológico.

ALBUM: Uncrushed

 
Un disco recopilatorio de canciones de 1969 a 1971, publicado en 1998. Afortunadamente, muchos fans del punk rock pudieron descubrir "Crushed Butler" gracias a este lanzamiento. La formación británica cayó en el olvido y el destino fue demasiado duro para este innovador grupo. "Uncrushed" captura a tres jóvenes londinenses hambrientos cuyo sonido crudo hipnotizó a sus compañeros pero no logró abrir las puertas de las grandes compañías discográficas. Su oferta "proto-punk" aún no estaba madura para el público general, que seguía agarrando los últimos momentos del ocaso "hippie de los 60".

El sonido de Crushed Butler en "Uncrushed" se caracteriza por:

• Agresión cruda: el estilo de la banda recuerda a los Monks, pero con fuerza,
• Intensidad brutal: su enfoque ensordecedoramente brutal y su imagen áspera se adelantaron años a su tiempo,
• Sonido inflexible: la negativa de la banda a adaptarse a las tendencias musicales contemporáneas probablemente contribuyó a su falta de éxito comercial.

Las voces descuidadas que se escuchan en "Uncrushed" son definitivamente punk, además de que hay una influencia de "Black Sabbath", y no solo de la instrumentación. Incluso las voces están influenciadas por "Black Sabbath". Es difícil saberlo con el acento punk cockney denso y descuidado, pero hay similitudes con "Ozzy Osbourne", por ejemplo en la canción "My Son 's Alive" y "Love Fighter". La banda alcanza un gran momento con "Factory Grime", interpretada en una sola toma que derrite la mente.

Video del tema "My Son´s Alive":

La producción del disco es deliberadamente áspera, enfatizando la energía cruda de la banda. La sección rítmica es notable, con la batería de Darryl Read tan intensa que, según se dice, destruyó su batería durante las sesiones de grabación.

En resumen, como un tesoro del rock británico relativamente perdido, "Uncrushed" sirve como un eslabón perdido entre el rock heavy de finales de los 60 y la explosión punk de mediados de los 70. La influencia de la banda se puede escuchar en grupos de punk y proto-metal posteriores.

Disco recomendado

 
Para fans del punk temprano, el proto-metal y los entusiastas de la historia del rock, "Uncrushed" es una escucha imprescindible. Su importancia histórica no se puede exagerar, ya que ofrece una visión de una banda que se adelantó a su tiempo. Si bien la calidad del sonido puede no cumplir con los estándares modernos, la energía pura y las innovaciones presentes en estas grabaciones lo convierten en una valiosa adición a cualquier colección de música rock seria.

"Uncrushed" es un testimonio del espíritu pionero de "Crushed Butler". Es una pieza importante de la historia del rock británico que merece reconocimiento y estudio por parte de cualquier persona interesada en la evolución de la música punk y heavy rock.

Video del tema "Love Fighter":

Tracklist:

1. It's My Life
2. Factory Grime
3. My Son's Alive
4. High School Dropout
5. Love Is All Around Me
6. Love Fighter
7. Let It Ring
8. High School Dropout Ver. 2

GRATEFUL DEAD - American Beauty - Album

Aunque el lector más veterano de este blog de música está familiarizado con la banda estadounidense GRATEFUL DEAD, es más probable que el melómano más joven los tenga fuera de su radar. Un grupo importante e influyente que ayudó a dar forma a la historia del rock de la música estadounidense de los años 60 y principios de los 70 (siglo XX), se ganó una legión de seguidores devotos que hoy en día siguen siendo fieles.

Esto se debe principalmente a sus legendarias actuaciones en directo que incluyeron improvisaciones libres que literalmente dejaron atónitos a los espectadores con una musicalidad excepcional. Dicho esto, su producción de álbumes de estudio es igualmente impresionante, y uno en particular, "American Beauty", es el motivo de mi publicación en el blog.

Quiero recomendar a los lectores (jóvenes y mayores) este extraordinario disco de rock americano.

 

ALBUM: American Beauty

 
Este es el quinto álbum de estudio (y sexto en total) de la banda de rock estadounidense "Grateful Dead". Publicado en noviembre de 1970, el álbum continuó con el estilo de folk rock y música country del álbum anterior "Workingman 's Dead", editado a principios del mismo año.

En este disco, "Grateful Dead" compone y graba con economía, creando un álbum lleno de las resonantes guitarras acústicas y de "steel" del country rock y las exuberantes armonías y arreglos pop del folk y el psicodelia californianos. La composición de las canciones que se encuentran aquí son brillantes, y la ejecución y la producción son de primera clase. "American Beauty" también es el resultado de un período prolífico de la colaboración de composición de Jerry García y Robert Hunter, y a diferencia de los trabajos anteriores, donde casi todas las canciones fueron escritas únicamente por la pareja, este LP tiene más aportes del resto de la banda. Ejemplos de ello son "Box of Rain" de Phil Lesh y "Sugar Magnolia" de Bob Weir, ambas escritas con Hunter, y "Operator", el único trabajo de composición de Ron "Pigpen" McKernan en un álbum de estudio de "Grateful Dead".

Con el LP anterior de la banda sufrió una metamorfosis de la noche a la mañana, pasando abruptamente del free rock "trippy" al folk acústico sublime y a la música estilo "americana". Aprendiendo las armonías de Bob Dylan y de sus amigos Crosby, Stills, Nash & Young, "Grateful Dead" utilizó sus declaraciones más suaves como una reflexión sutil pero conmovedora sobre la agitación y la esperanza que enfrentaba la juventud estadounidense al terminar los idealistas años 60.

Aunque "American Beauty" se grabó apenas unos meses después de su predecesora, la brillante "Workingman's Dead", amplía y mejora las exploraciones del bluegrass, el folk y el country psicodélico con algunas de las composiciones más brillantes de la banda. Las canciones aquí tienen un aire más relajado y alegre. Como se mencionó anteriormente, los miembros de la banda alcanzaron la cumbre de sus poderes de colaboración en "American Beauty", con el letrista Robert Hunter escribiendo algunos de sus trabajos más poéticos, Jerry Garcia centrándose más en el pedal steel que en su trabajo habitual de guitarra eléctrica, y las interpretaciones vocales principales más destacadas vinieron de Bob Weir.

Este álbum también marca el comienzo de lo que se convertiría en una larga relación musical entre García y Dave Grisman, cuya forma de tocar la mandolina agrega profundidad a canciones como el tema country-folk "Friend of the Devil" y la hermosa "Ripple". "American Beauty" también tiene el sencillo de la banda que alcanzó la mejor posición en las listas de ventas, "Truckin'", un tributo de blues-rock a la contracultura nómada, pero también contiene algunos de sus sentimientos más espirituales y sinceros; su nuevo talento para arreglos vocales intrincados como en "Brokedown Palace" y la nostálgica "Attics of My Life".

Con este breve resumen del contenido musical del LP, estas son algunas de las canciones que más me gustan:

• "Box of Rain": una conmovedora canción de apertura que muestra el nuevo enfoque de la banda en las armonías vocales,
  
  
• "Friend of the Devil": una melodía pegadiza inspirada en el folk que se convirtió en un clásico de los conciertos,
  
  
• "Ripple": una canción suave e introspectiva que ejemplifica los matices espirituales del álbum,
  
  
• "Truckin'": el éxito más reconocible de la banda, que captura la esencia de la vida en la carretera.

En resumen, "American Beauty" es una obra maestra de la música rock estadounidense. Su mezcla de elementos folk, country y rock, junto con un lirismo profundo y una maestría musical, la convierten en un clásico atemporal. Ya sea que seas un fan de "Grateful Dead" desde hace mucho tiempo o que seas nuevo en su música, "American Beauty" ofrece una experiencia auditiva rica y gratificante y una instantánea histórica del rock de finales de los 60 y principios de los 70.

Disco recomendado

 
Los "Grateful Dead" trascendieron durante sus presentaciones en vivo, pero este LP es la obra maestra de su producción de estudio y posiblemente la mejor música que la banda haya hecho jamás. Es estelar, un álbum atemporal. En mi humilde opinión, una escucha obligada y brillante de principio a fin.

Video del tema "Box in Rain":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Box of Rain" 5:18
2.         "Friend of the Devil"  3:24
3.         "Sugar Magnolia"       3:19
4.         "Operator"                  2:25
5.         "Candyman"   6:14

Cara B:

1.         "Ripple"                      4:09
2.         "Brokedown Palace"              4:09
3.         "Till the Morning Comes"      3:08
4.         "Attics of My Life"    5:12
5.         "Truckin'"                   5:03

Ficha:

Grateful Dead (Banda):

• Jerry Garcia – guitarra, pedal steel, piano, voz
• Mickey Hart – percusión
• Robert Hunter – letras
• Bill Kreutzmann – batería
• Phil Lesh – bajo, guitarra, piano, voz
• Pigpen (Ron McKernan) – armónica, voz, letras en "Operator"
• Bob Weir – guitarra, voz

Músicos adicionales:

• David Grisman – mandolina en "Friend of the Devil", "Ripple"
• David Nelson – guitarra eléctrica en "Box of Rain"
• Ned Lagin – piano en "Candyman"
• Dave Torbert – bajo en "Box of Rain"
• Howard Wales – órgano en "Candyman", "Truckin'"; piano en "Brokedown Palace"

Area técnica:

• Producción por Grateful Dead
• Coproductor, audio: Stephen Barncard

HIS NAME IS ALIVE - Home Is in Your Head - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música algo muy experimental y quizás diferente a todo lo que hayan escuchado. La banda es "His Name Is Alive" y el álbum es "Home Is in Your Head".
 

¿Quiénes son la banda "His Name Is Alive"?

 
Son un proyecto de banda de rock experimental estadounidense de Livonia, Michigan. Después de varios casetes autoeditados, debutaron en 4AD Records en 1990. A lo largo de la larga historia de la banda, el líder Warren Defever ha sido el único miembro constante, con una variedad de músicos y cantantes contribuyendo a lo largo de los años.

 

ALBUM: Home Is in Your Head

 
Este es el segundo álbum de estudio del proyecto "His Name Is Alive", editado originalmente en el Reino Unido el 9 de septiembre de 1991 y en los Estados Unidos en 1992. Compuesto por demos grabados por Warren Defever en su estudio casero en Michigan, las canciones fueron luego enviadas para ser remezcladas por Ivo Watts-Russell y John Fryer.

Es una música oscura, inquietante y cálida, que desarrolla una música simple, abstracta y emocionalmente. Unida por la hábil producción de Warren Defever, tiene 23 canciones de contemplación celosa y preocupaciones espirituales, desde folk suave hasta explosiones de guitarra con noise. La voz de Karin Oliver se presta a una variedad de configuraciones musicales y emocionales: es dulce en "The Charmer" y en la brillante "Why People Disappear" es pensativa. Los numerosos instrumentales e interludios se suman al estado de ánimo general. "Her Eyes Were Huge Things" desarrolla rasgos sutiles y los suspiros de Oliver, mientras que "Hope Called in Sick" llega con guitarras fuertes. Los collages de sonidos de la banda también encuentran un propósito; los niños cantando en "Put Your Finger in Your Eye" dan miedo y "Spirit and Body" evoca una historia de pérdida. Con el final, "Dreams Are of the Body", el disco completa su exploración de la música y la emoción.

En general, lo sorprendente de "Home Is In Your Head" es cómo Warren Defever y Karin Oliver son capaces de convertir piezas cortas y delicadas en canciones memorables sin seguir ninguna de las convenciones normales de la música.

Disco recomendado

 
Aunque puede no ser fácil de escuchar para muchos, es muy innovador y original, diferente a todo lo que puedan haber escuchado. Esto debería despertar la curiosidad de cualquier melómano.

Video del tema "Why People Disappear":

Tracklist (Lanzamiento original): 

1.         "Are You Comin' Down This Weekend?"               0:18
2.         "Her Eyes were Huge Things"                      1:37
3.         "The Charmer"                       2:14
4.         "Hope Called in Sick [Song of Schizophrenia, Part One]"              1:36
5.         "My Feathers Needed Cleaning [Song of Schizophrenia, Part Two]"      2:27
6.         "The Well [Song of Schizophrenia, Part Three]"                  2:25
7.         "There's Something Between Us and He's Changing My Words"   1:20
8.         "The Phoenix, a Pool of Ice"             0:50
9.         "Are We Still Married?"                    2:51
10.       "Put Your Finger in Your Eye"                    0:50
11.       "Home is in Your Head"                   2:23
12.       "Why People Disappear"                   4:17
13.       "Here Eyes are Huge"            1:11
14.       "Save the Birds"                    0:23
15.       "Chances are We are Mad"               2:37
16.       "Mescalina"                0:48
17.       "Sitting Still Moving Still Staring Outlooking"                   3:26
19.       "Beautiful and Pointless"                  2:25
20.       "Tempe"                     3:25
21.       "Spirit and Body"                  1:49
22.       "Love's a Fish Eye"               3:32
23.       "Dreams are of the Body/The Other Body"             2:39 

Músicos:

• Karin Oliver – Voz, guitarra, 
• Warren Defever – Guitarra, bajo, samples, guitarra de lápiz
• Melissa Elliott – Guitarra, guitarra de lápiz,
• Jymn Auge – Guitarra, 
• Damian Lang – Batería, 
• Denise James – Voz, 
• Karen Neal – Voz en "Is This the Way the Tigers Do?"

A TRIBE CALLED QUEST - The Low End Theory - Album

La formación estadounidense de hip hop "A TRIBE CALLED QUEST" no tiene un solo disco malo en su discografía.

En este post voy a recomendar un clásico que sigue siendo vibrante y único. "The Low End Theory" es uno de esos raros discos que se erige como uno de los verdaderos hitos de su género musical particular. El disco está ampliamente considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos y aparece en muchas listas de los mejores álbumes. En 2022, el álbum fue seleccionado por la "Biblioteca del Congreso" de los Estados Unidos de América para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".

 

ALBUM: The Low End Theory

 
Es el segundo álbum de estudio del grupo de hip hop estadounidense "A Tribe Called Quest", publicado el 24 de septiembre de 1991. Este disco está producido principalmente por el miembro del grupo Q-Tip, con un sonido minimalista que combina bajos, breaks de batería y samples de jazz, en un cambio con respecto al fabuloso álbum debut del grupo, "People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm" (1990). En cuanto a la letra, está lleno de comentarios sociales, juegos de palabras, humor e interacción entre Q-Tip y su compañero Phife Dawg.

Décadas después, "The Low End Theory" ha recibido el reconocimiento de los críticos musicales como un hito en el hip hop alternativo. La influencia del álbum en los artistas del hip hop, el R & B y otros géneros se ha atribuido al lirismo del grupo y a la producción de Q-Tip, que tendió un puente entre el jazz y el hip hop.

Lanzado en medio de la "Edad de Oro del Hip-Hop", un poco más de un año antes del LP "The Chronic" de Dr. Dre, este rap transformó permanentemente la música. "The Low End Theory" muestra a A TRIBE CALLED QUEST perfeccionando el arte del álbum en el mundo del hip-hop y, específicamente, del rap de jazz consciente con un trabajo ágil y consistente lleno de ritmos elegantes y tranquilos, de jazz nocturno, junto con rimas cálidas e inteligentes que se fusionan en el fondo.

Por lo tanto, este álbum es una de las fusiones más cercanas y brillantes de atmósfera de jazz y actitud de hip-hop que tal vez se haya grabado jamás. El rap de Q-Tip y Phife Dawg es súper suave; la pareja está tan en sintonía entre sí que suenan como las dos caras de la misma personalidad, intercambiando rimas fluidamente, con el primero ganándose su apodo ("the Abstract") y Phife preocupándose por los problemas más concretos de ser joven, talentoso y negro.

El grupo también se adentra en el mundo del rap con un par de temas contundentes: "Rap Promoter" y "Show Business". También se investigan los problemas de las mujeres en dos temas realistas y sensibles, "Butter" y "The Infamous Date Rape". Las producciones detrás de estos temas no son del todo esqueléticas, pero ciertamente no son complejas. Todas se combinan en una producción exquisita con algunas herramientas, dando lugar a uno de los mejores álbumes de hip-hop de todos los tiempos. "The Low End Theory" es un éxito total, la mezcla perfecta de raps inteligentes y fluidos con producciones matizadas y centradas en el groove.

A través de sus samples, sus letras, su apertura a las contribuciones de otros en el hip hop, su inclusión del jazzista Ron Carter en "Verses from the Abstract", A Tribe Called Quest es un tributo a la edad de oro del jazz bebop, pero este álbum es un gran salto adelante para la música rap en su conjunto, consolidando el estatus del grupo como líder en su campo.

 

Disco recomendado

 
Los ritmos frescos con influencias del jazz combinados con el flujo suave de las líneas de bajo funky hacen de este uno de los álbumes más influyentes en el género del hip hop. "The Low End Theory" es un álbum que cumple totalmente con su cometido. Un álbum perfecto para principiantes en el hip hop y una "apuesta segura" para veteranos del hip hop, "The Low End Theory" es absolutamente esencial.

Video del tema "Rap Promoter":

Tracklist - canciones:

1.         "Excursions"               3:55
2.         "Buggin' Out"             3:37
3.         "Rap Promoter"                      2:13
4.         "Butter"                      3:39
5.         "Verses from the Abstract" (featuring Vinia Mojica and Ron Carter) 3:59
6.         "Show Business" (featuring Diamond D, Lord Jamar and Sadat X)           3:53
7.         "Vibes and Stuff"                  4:18
8.         "The Infamous Date Rape"    2:54
9.         "Check the Rhime"                3:37
10.       "Everything Is Fair"               2:58
11.       "Jazz (We've Got)"                 4:10
12.       "Skypager"                 2:12
13.       "What?"          Davis   2:29
14.       "Scenario" (featuring Busta Rhymes, Charlie Brown and Dinco D)           4:10

Ficha:

• Bajo: Ron Carter
• DJ: Ali Shaheed Muhammad
• Voces: Phife Dawg, Q-Tip, Busta Rhymes, Charlie Brown, Diamond D, Dinco D, Lord Jamar, Sadat X

Créditos técnicos:

• Producción: A Tribe Called Quest, Skeff Anselm
• Arreglos: A Tribe Called Quest
• Ingeniería de sonido: Pete Christensen, Eric Gast, Rod Hui, Gerard Julien, Jim Kvoriak, Tim Latham, Anthony Saunders, Bob Power, Christopher Shaw, Marc Singleton, Jamey Staub, Dan Wood
• Masterización: Tom Coyne
• Mezcla: Bob Power, A Tribe Called Quest

GALAXIE 500 - Uncollected Noise New York ’88-’90

El trío americano de rock alternativo "GALAXIE 500" existió entre 1987 y 1991 y en ese tiempo sólo publicó tres brillantes discos de estudio: Today (Aurora, 1988), On Fire (Rough Trade, 1989) y This Is Our Music (Rough Trade, 1990), todos ellos con canciones sencillas y directas que se elevaban por su simpleza.

Ahora, después de tanto tiempo, ponen a disposición todo su catálogo de estudio; aquellos cortes que no llegaron a aparecer en sus tres álbumes mencionados. Material de tomas alternativas (errores incluidos) que es un verdadero deleite para fans y no fans.

 

ALBUM: Uncollected Noise New York ’88-’90

 
Se publicó el 20 de septiembre de 2024. Es el primer lanzamiento de material de archivo nuevo de "Galaxie 500" en casi 30 años y es una colección completa de material de archivo inédito y raro producido y diseñado por Kramer entre 1988 y 1990.

Sus 24 canciones conforman las grabaciones de estudio de "Noise New York" completas de las tomas descartadas de la banda y las pistas que no aparecen en álbumes. Compilado por la banda, traza su carrera desde sus primeros momentos en el estudio hasta el último.

También encontrarás ocho cortes de estudio nunca antes escuchados seleccionados de todas las sesiones a lo largo de la carrera de "Galaxie 500", ordenados cronológicamente junto con material de estudio publicado anteriormente pero raro y descatalogado hace mucho tiempo. 

Es una oferta lenta pero explosiva en términos de melodía y emoción, "Galaxie 500" es una banda que alteró el curso de la música independiente. Su sonido es único en todos los niveles, con la batería sobria de Damon Krukowski, la voz aguda de Dean Wareham y los acordes de guitarra simples que dejan espacio para las líneas de bajo fluidas y contra-melódicas de Naomi Yang que lideran las canciones.

La influencia de "Galaxie 500" ha continuado y nuevas oleadas de fans han descubierto su escasa discografía de estudio. "Uncollected Noise New York 88-90" ofrece un anexo de material inédito, ya que su primera colección de rarezas se centra en la banda desde un disco extra que se incluyó en una caja en 1996.

Esta colección de 24 canciones de "Uncollected Noise New York '88-'90" sigue cronológicamente el desarrollo del grupo a medida que encontraron su sonido en el estudio de grabación "Noise New York" del productor Kramer a lo largo de su breve existencia como banda.

Los fans que ya están familiarizados con sus tres álbumes de estudio pueden esperar ocho tomas descartadas inéditas, todas restauradas a partir de las cintas originales. Algunas de estas canciones inéditas se alejan del sonido por el que el grupo se haría famoso. El corte de 1988 "Shout You Down" es más rápido, con Wareham tocando algunos acordes punk. De la misma sesión de 1988, "See Through Glasses" tiene indicios de psicodelia paisley que el grupo no exploró hasta más tarde, y otras canciones inéditas como la original de 1989 "Never Get to Heaven" y una versión de Buffy Saint Marie "Moonshot" muestran a la banda experimentando con ángulos más ásperos. Otras inclusiones como una mezcla alternativa del corte del álbum On Fire de 1989 "Blue Thunder", su versión de New Order "Ceremony" y una versión diferente de "Fourth of July" de su canto del cisne de 1990 This Is Our Music son todas emblemáticas.

Subgéneros indie como dream pop, slowcore, shoegaze y más deben su existencia a "Galaxie 500", y siguen siendo una de las bandas más influyentes que han surgido de la escena underground. "Uncollected Noise New York 88-90" es un tesoro para los fans, y la nueva perspectiva que ofrece la colección sobre la banda no hace más que reafirmar su influencia e importancia.

Dicho esto, para aquellos que no están familiarizados con la banda o su legado, Uncollected también es un gran lugar para empezar, con canciones de cada sesión que el grupo llevó a cabo mientras trabajaba en sus tres únicos álbumes.

Disco recomendado

 
"Uncollected Noise New York '88-'90" es un regalo para los fans. Suena como una historia secreta de la banda que sigue el arco de su crecimiento y expansión creativa desde el principio hasta el final de su carrera. Obviamente, las 24 canciones de Uncollected se dejaron de lado originalmente, por lo que para vivir la mejor experiencia de "Galaxie 500", echa a sus tres álbumes de estudio, pero estas canciones alternativas son el contexto en el que esos álbumes se formaron y perfeccionaron. Ofrece otra visión y una sensación diferente, una perspectiva diferente.

En resumen, muy, muy recomendable.

Video Uncollected Noise New York '88-'90 - Album Trailer:

Tracklist - canciones: 

1. Shout You Down 02:49
2. See Through Glasses 04:03
3. On the Floor 03:09
4. Can't Believe It's Me 03:55
5. Oblivious 03:21
6. King of Spain 04:35
7. Jerome 02:47
8. Song in 3 03:25
9. Crazy 01:55
10.I Wanna Live 02:33
11.I Will Walk 02:07
12.Cold Night 02:37
13.Ceremony 05:56
14.Never Get to Heaven 02:14
15.Maracas Song 03:54
16.Victory Garden 02:48
17.Blue Thunder (w/sax) 03:47
18.Cheese and Onions 03:06
19.Fourth of July (video mix) 04:40
20.Cactus 03:53
21.Moonshot 03:44
22.Them 03:44
23.Final Day 02:55
24.Here She Comes Now 05:58

CHARLES MINGUS - Mingus Ah Um - Album

De todos los maestros del jazz americano, la figura del bajista y compositor Charles Mingus es quizás una de las más enigmáticas, incomprendidas y mal interpretados. Pocos entienden realmente su enfoque revolucionario de la música en general y del jazz en particular. Charles Mingus era un universo musical en sí mismo; aunque asociado con el jazz, su música abarcaba muchas formas de música, desde el blues, el gospel, la música africana... desde el Dixieland hasta el free y, más tarde, incluso el rock y la fusión. Simplemente asombroso.

Uno de sus álbumes, "Mingus Ah Um", captura bien toda esta diversidad y también es un gran punto de entrada para aquellos que quieran adentrarse en el universo de la música jazz.

ALBUM: Mingus Ah Um

 
Un LP de estudio del músico de jazz estadounidense Charles Mingus, publicado en octubre de 1959. La portada presenta una pintura de S. Neil Fujita. Es un resumen fantástico de los talentos del bajista y probablemente el mejor punto de referencia para principiantes. La banda incluye a colaboradores de Mingus de toda la vida que ya conocen bien su música, como los saxofonistas John Handy, Shafi Hadi y Booker Ervin; los trombonistas Jimmy Knepper y Willie Dennis; el pianista Horace Parlan; y el baterista Dannie Richmond. Sus interpretaciones agudas unen lo que es quizás el conjunto de composiciones más grande y más variado de Charles Mingus.

De hecho, este es el álbum que hizo estallar a Booker Ervin en la escena. Este disco también es asombroso por su capacidad de sonar tan ligero y accesible y, al mismo tiempo, ser tan intrincado en cuanto a composición. Hay tanto detrás de las melodías que nunca te cansas de volver a él y descubrir nuevas capas.

El tema que abre el disco "Better Git It in Your Soul" es una de las melodías más contagiosas del jazz. El insistente trabajo rítmico del pianista Horace Parlan proporciona una tensión subyacente a todos los solistas que hace de esta una gran pieza. "Goodbye Pork Pie Hat" es simplemente jazz suave. "Boogie Stop Shuffle" es un swing reinventado con estilo post-bop y una de las cosas más bailables que Mingus haya compuesto.

Los experimentos tonales de "Self-Portrait in Three Colors" se filtran directamente en la siguiente canción. Si bien el tempo aumenta aproximadamente a la mitad de "Open Letter to Duke", la interacción entre Mingus y el baterista Dannie Richmond es funky, pero solo se mantiene así durante un minuto antes de transformarse en una coda con sabor latino.

"Bird Calls" es una pieza free y juguetona, donde Ervin y Parlan se dejan llevar para conversar musicalmente. "Fables of Faubus" es una de las canciones más conocidas de Mingus, en la que el entonces gobernador de Arkansas, Orval Faubus, le burla como un bufón. La melodía juguetona socava el comentario mordaz que originalmente sirvió como letra antes de que la compañía discográfica "Columbia" la prohibiera.

"Pussy Cat Dues" es un buen número de blues, pero el trabajo de trombón de Jimmy Knepper le da un swing que evita que se sienta tedioso antes de que "Jelly Roll" y su memorable gancho agregan el toque final de ragtime.

En general, para mí, es el álbum de jazz de mayor rango, y es difícil imaginar a un fan del jazz al que no le guste, a menos que sea purista. Hay fragmentos de free jazz, hard bop, big band, jazz con tintes clásicos de Ellington y prácticamente todo lo demás.

Disco recomendado

 
Lo recomiendo como punto de partida para alguien que se inicia en el género musical del jazz. Muy pocos discos pueden capturar la esencia del estilo de forma tan completa y, al mismo tiempo, seguir siendo tan escuchable.

Video del tema "Better Git It in Your Soul":

Tracklist (formato LP original):

1.         "Better Git It in Your Soul"   7:22
2.         "Goodbye Pork Pie Hat" (original LP length: 4:48)  5:44
3.         "Boogie Stop Shuffle" (original LP length: 3:43)     5:02
4.         "Self-Portrait in Three Colors"           3:06
5.         "Open Letter to Duke" (original LP length: 4:56)     5:51
6.         "Bird Calls" (original LP length: 3:12)          6:17
7.         "Fables of Faubus"     8:14
8.         "Pussy Cat Dues" (original LP length: 6:30) 9:14
9.         "Jelly Roll" (original LP length: 4:02)           6:17

Ficha (músicos):

• Charles Mingus – bajo, piano (con Parlan en la pista 10)
• John Handy – saxo alto (1, 6, 7, 9, 10, 11, 12), clarinete (8), saxo tenor (2)
• Booker Ervin – saxo tenor
• Shafi Hadi – saxo tenor (2, 3, 4, 7, 8, 10), saxo alto (1, 5, 6, 9, 12)
• Willie Dennis – trombón (3, 4, 5, 12)
• Jimmy Knepper – trombón (1, 7, 8, 9, 10)
• Horace Parlan – piano
• Dannie Richmond – batería

FLOATING POINTS - Cascade - Album

El productor de música electrónica, DJ y músico británico Sam Shephard, más conocido como FLOATING POINTS, conquistó a mucha gente con su brillante disco "Promises (with Pharoah Sanders & the London Symphony Orchestra) de 2021. El alquimista de la música electrónica acaba de lanzar su nuevo disco "Cascade" adoptando un enfoque más "Club" para volver a conquistar seguidores y nuevos fans.

 

ALBUM: Cascade

 
Sam Shepherd, más conocido artísticamente como "Floating Points", ha vuelto a demostrar su inigualable dominio de la música electrónica con su último álbum, "Cascade". Publicado el 13 de septiembre de 2024, este disco marca un cambio significativo en la trayectoria artística de Shepherd, mostrando un enfoque más centrado en el dance, al tiempo que conserva la profundidad intelectual y la resonancia emocional que se han convertido en sellos distintivos de su trabajo.

"Cascade" está repleto de cortes que se inclinan fuertemente hacia la pista de baile, cada uno ofreciendo una exploración del género, el ritmo y la instrumentación. Shepard regresa a un ambiente más impulsado por el ritmo, lo que mejora su reputación como uno de los mejores DJs del mundo. Nos ofrece un muy buen disco, lleno de energía, vitalidad y una emoción y progresión muy alta en cada canción.

"Floating Points" ofrece temas de club utilizando un Buchla y otros sintetizadores analógicos. Los singles como el tema de apertura "Vocoder" y "Problems" suenan dance y "Cascade" es un álbum completo en esta dirección. La mayoría de los otros temas del álbum mantienen el mismo nivel de propulsión, pero Shepherd les permite ser más melódicos y psicodélicos, como "Key103" (colaboración con Akiko Nakayama) y el ácido "Afflecks Palace" que raya en el trance. "Birth4000" suena a electro-disco y "Fast Forward" florece con arpegios celestiales en espiral. "Del Oro" es más un shuffle, con tonos de sintetizador brillantes al principio y una línea de bajo de órgano y ráfagas de caja durante la segunda mitad. "Ocotillo" es un número electrónico progresivo que tarda más de cinco minutos en encontrar algunas perturbaciones electrónicas y estallar en un ritmo nervioso. "Tilt Shift" aumenta el tempo hasta el drum'n'bass, mientras que las texturas que lo acompañan evocan un estado de ánimo inquietante. "Ablaze" termina el álbum con un descenso tranquilo.

Dicho todo esto, el enfoque despojado (minimalista) de un solo hombre y una computadora portátil de "Cascade" puede verse como un contrapunto a las obras orquestales más expansivas en las que Shepherd ha estado involucrado recientemente. Sin embargo, esta configuración básica no se traduce en música simple. En cambio, le permite a Shepherd mezclar la repetición hipnótica de la música electrónica apta para la pista de baile con variaciones y exploraciones sutiles que recuerdan a sus obras más contemplativas.

Para añadir, vale la pena señalar que "Cascade" se escucha mejor con un equipo de audio adecuado para apreciar completamente sus complejidades sonoras. Escuchar con parlantes de baja calidad puede llevar a una mala interpretación de la profundidad y complejidad del álbum.

En general, "Cascade" es un gran regreso a la música orientada al baile para "Floating Points". Combina con éxito el enfoque neuro-académico de Shepherd en el diseño de sonido con su comprensión innata de lo que mueve una pista de baile. Si bien puede requerir algo de paciencia y un equipo de audio de alta calidad para apreciarlo por completo, "Cascade" es un testimonio del crecimiento continuo de Shepherd como artista y su posición única en la intersección de la electrónica cerebral y la música de baile física y euforia.

Disco recomendado

 
Este álbum está recomendado para los fans de la música de baile inteligente (IDM), aquellos que aprecian un diseño de sonido meticuloso y cualquier melomano que busque una experiencia de escucha energizante que recompense la escucha atenta y repetida. Te hará moverte.

Video del tema "Fast Foward":

Tracklist- canciones:

1.Vocoder (Club Mix) 7:32
2.Key103 7:23
3.Birth4000 4:46
4.Del Oro 6:14
5.Fast Forward 7:39
6.Ocotillo 8:44
7.Afflecks Palace 6:39
8.Tilt Shift 4:41
9.Ablaze 3:57

THE FUGS - The Fugs - Album

Dedicó un blog post a una banda ecléctica e influyente de los años 60 (siglo xx) que combinaba letras de protesta, poesía bohemia y música cautivadora. Hoy menos conocidos pero muy importantes en la escena de la contracultura de los años 60, formaron parte del movimiento anti-Vietnam. Su etiqueta de revolucionarios se la ganó por la franqueza absoluta que utilizaron para tratar el tabú. El comentario social mordaz, como en "Doin' All Right", está articulado. THE FUGS ha sido reconocido como la primera banda underground y pionera del punk rock temprano, especialmente teniendo en cuenta su LP de 1966 "The Fugs".

El músico de rock británico David Bowie colocó el álbum "The Fugs" en su lista de los 25 discos favoritos de todos los tiempos. También influyó en otros músicos como "Frank Zappa" y más tarde "The Dead Kennedys".

¿Quiénes eran la banda "The Fugs"?

 

Formación de rock estadounidense de la ciudad de Nueva York a fines de 1964 por los poetas Ed Sanders y Tuli Kupferberg, con Ken Weaver en la batería. Poco después, se les unieron Peter Stampfel y Steve Weber de "The Holy Modal Rounders".

La banda fue uno de los líderes de la escena underground de los años 60 y se convirtió en una parte importante de la contracultura estadounidense de esa década. Las letras a menudo francas y "humorísticas" de la banda sobre sexo, drogas y política generaron ocasionalmente reacciones hostiles, sobre todo por parte de la Oficina Federal de Investigaciones (FBI) a finales de los años 60.

A "The Fugs" se los ha etiquetado como música noise de avant-rock, pero yo prefiero ubicarlos más en el campo del proto-punk y la experimentación.

 

ALBUM: The Fugs ("The Second Album")

 

Un LP de 1966 de "The Fugs", considerado por muchos expertos en música como el primer grupo de rock underground. Algunos incluso los han comparado con la banda punk "Dead Kennedys", tanto en sus letras como en su inclinación compartida por el humor crudo. Este disco es una exploración sin filtros de temas tabú y con musicalidad de vanguardia. El álbum alcanzó el puesto número 95 en la lista de "Pop Albums" de Billboard, una hazaña notable para un lanzamiento y una banda tan poco convencionales.

En "The Fugs", escuchas al grupo sonando adelantado a su tiempo en cuanto a letras, expresando sentimientos de maneras que simplemente no se habían hecho antes. En cuanto a las letras, muchas de las canciones de este álbum no estarían fuera de lugar en ninguno de los discos políticamente activistas de la actualidad, pero su humor crudo es su debilidad.

A veces los chistes funcionan ("Dirty Old Man"), a veces no ("Mutant Stomp"), pero siempre son entretenidos. A veces, la postura (voz) de Ed Sanders puede resultar aburrida ("Frenzy" y "Group Grope"), pero algunas verdaderas joyas logran brillar: "Morning Morning" y "I Want to Know" son verdaderos puntos culminantes. Su etiqueta de revolucionarios se la ganan por la absoluta franqueza con la que tratan el tabú. El comentario social mordaz, como en "Doin' All Right", es un ejemplo.

Sin embargo, dejando de lado su humor, a lo largo del disco, "The Fugs" mezcla elementos de rock de garaje, folk y música experimental, creando un paisaje sonoro que es a la vez discordante y cautivador.

Resumiendo, para los melómanos y los estudiantes de la historia del rock, "The Fugs" es una escucha obligada. Su energía cruda, su contenido que traspasa los límites y su importancia histórica lo convierten en un disco fascinante de la escena underground de los años 60. Si bien su naturaleza explícita y su sonido experimental pueden no atraer a todos los oyentes, su influencia en las generaciones posteriores de músicos es innegable.

Este álbum es una cápsula del tiempo de un momento crucial de la cultura estadounidense, que captura el espíritu de rebelión y libre expresión que definió esa época. Para quienes estén interesados en las raíces del punk, el rock experimental y la música de contracultura, "The Fugs" es el sitio para empezar y sigue resonando décadas después de su lanzamiento.

 

Disco recomendado

 
"The Fugs" sigue siendo una declaración audaz e intransigente que ayudó a dar forma al rumbo de la música alternativa. Su enfoque intrépido de temas controvertidos y su fusión de poesía, política y rock primitivo lo convierten en un disco que merece ser redescubierto y recibir el crédito que merece en la historia de la música estadounidense.

Video del tema "Doin All Right":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Frenzy (Ed Sanders)"           2:00
2.         "I Want to Know (Charles Olson, Ed Sanders)"      2:00
3.         "Skin Flowers (Pete Kearney, Ed Sanders)" 2:00
4.         "Group Grope (Ed Sanders)" 3:40
5.         "Coming Down (Ed Sanders)"          3:46
6.         "Dirty Old Man (Lionel Goldbart,  Ed Sanders)"     2:49

Cara B:

1.         "Kill for Peace (Tuli Kupferberg)"     2:07
2.         "Morning, Morning (Tuli Kupferberg)"         2:07
3.         "Doin' All Right (Richard Alderson, Ted Berrigan, Lee Crabtree)" 2:37
4.         "Virgin Forest (Richard Alderson, Ted Berrigan, Lee Crabtree)"    11:17

TRUTH AND JANEY - No Rest For The Wicked - Album

Aquí tenemos una joya del hard rock americano de los años 70 (siglo xx) que se ha olvidado, un trío y un disco perdidos que necesitan ser redescubiertos. La banda americana "TRUTH and JANEY" dejó su huella con su único LP de estudio titulado "No Rest for the Wicked", un álbum que ahora es apreciado por críticos y coleccionistas.

Quiero recomendar el álbum mencionado a los lectores de este blog de música.

 

¿Quién era la banda "Truth and Janey"?

 
Eran un trío de música rock americano. Su nombre se debe al álbum "Truth" de Jeff Beck y al apellido de su miembro Billy Janey. El grupo estaba muy influenciado por "Cream" y "The Jimi Hendrix Experience", entre otros similares.

Se formaron en 1969 originalmente con el baterista John Fillingsworth. En aproximadamente un año fue reemplazado por Denis Bunce. Los cambios fueron parte de este grupo, durante la segunda mitad de los años 70 se disolvió varias veces.

Nos dejaron algo de material, uno en particular es digno de mención, su único LP "No Rest for the Wicked".

 

ALBUM: No Rest for the Wicked

 
El único LP de estudio de la banda de rock estadounidense "Truth and Janey" editado en 1976. Originaria de Iowa, la banda estaba formada por Billy Lee Janey (guitarra, voz), Steve Bock (bajo) y Denis Bunce (batería). El título del álbum es un guiño a su sonido enérgico e implacable que impregna todo el disco. No es broma, se trata de una mezcla jodidamente ruidosa de hard rock, psicodelia y heavy metal que fusionó a sus héroes musicales "Cream", "Taste", "Jeff Beck" y "The Jimi Hendrix Experience".

Si bien "No Rest for the Wicked" inicialmente vendió solo 1000 copias en su lanzamiento original, desde entonces ha ganado reconocimiento como una joya oculta de la era del proto-metal. La rareza del álbum lo ha convertido en un artículo muy buscado entre los coleccionistas. Los críticos musicales y los fans del "heavy psych" ahora aprecian el enfoque innovador del álbum y sus poderosas interpretaciones.

Las guitarras principales son impresionantes de principio a fin, las voces principales son buenas y las canciones son realmente fuertes. Con un carácter arrogante y blusero, riffs penetrantes de doble armonía y un tono feroz de guitarra rítmica, el tema de apertura "Down the Road I Go" establece instantáneamente la estética de hard rock de los años 70 de la banda. Su influencia de los años 60 ya mencionada también se puede escuchar en las versiones de blues ("I'm Ready" de Willie Dixon y "Ain't No Tellin'" de Mississippi John Hurt) y en los temas originales (ejemplo "The Light"), mientras que una voz ligeramente más distintiva emerge en creaciones verdaderamente memorables, mitad eléctricas y mitad acústicas, como en "It's All Above Us" y la canción "No Rest for the Wicked". Además siendo un lanzamiento de los años 70, hay una canción épica progresive, una obra de nueve minutos llamada "Remember".

La producción del disco es lo-fi, lo que le suma encanto y autenticidad. El sonido áspero y sin pulir complementa perfectamente el estilo psicodélico de la banda, permitiendo que la emoción cruda y la energía de sus actuaciones irradien.

 

Disco recomendado

 
Esta pequeña joya olvidada, “No Rest for the Wicked”, es un excelente lugar para comenzar una peregrinación al "heavy psych". Para los fans del heavy psych, el proto-metal y el hard rock con influencias del blues, “No Rest for the Wicked” es un LP que deben escuchar. Su trabajo de guitarra abrasador, sus voces poderosas y su composición innovadora lo convierten en un álbum destacado de su época. Si bien puede haber sido pasado por alto en su lanzamiento inicial, este disco merece un lugar en tu colección de música rock.

Video del tema "The Light":

Tracklist (formato LP original):

A1 Down the Road I Go 4:00
A2 The Light 5:45
A3 I'm Ready 3:30
A4.Remember 9:09
a. A Child
b. Building Walls

 
B1 No Rest for the Wicked 4:50
B2 It's All Above Us 4:27
B3 Ain't No Tellin' 3:39
B4 My Mind 5:37

Banda:

• Billy Janey - guitarra, voz, compositor
• Steve Bock - bajo, voz
• Denis Bunce - batería, voz

THIN WHITE ROPE - Moonhead - Album

Con este blog post quiero llamar la atención de los lectores sobre una banda americana muy interesante llamada "THIN WHITE ROPE". No son muy conocidos fuera de los círculos de la música alternativa, pero han sido importantes en la evolución de la escena del rock underground americano.

Por ello quiero recomendar uno de sus discos. "Moonhead", una mezcla cautivadora de intensidad post-punk, exploración psicodélica y rock desértico con tintes de alt-americana que encaja perfectamente con la filosofía de este blog. Recomendar joyas musicales menos conocidas y pérdidas para aquellos melómanos que buscan algo diferente.

¿Quién es la banda "Thin White Rope"?

 
Son una formación de rock alternativo de la Costa Oeste de Estados Unidos cuyo sonido de "desert rock" presenta guitarra doble y un toque de psicodelia. "Thin White Rope" también está asociada con la escena underground de Paisley.

La banda se formó en California, durante un período que abarca desde 1981 hasta 1982. Los miembros fundadores Guy Kyser y Jozef Becker formaban parte de una banda llamada "Les Z Boys" en 1981. Becker y Kyser se separaron durante el período 1981-1982 y publicaron un anuncio en el que buscaban un bajista y otro guitarrista. Roger Kunkel respondió y contrató al bajista Kevin Staydohar.

El grupo ha publicado cinco álbumes hasta la fecha. Uno de ellos es el que quiero recomendar a los lectores de este blog de música, "Moonhead", publicado en 1987.

 

ALBUM: Moonhead

 
Este es el segundo disco de "Thin White Rope", publicado en febrero de 1987. Es una mezcla de caos organizado que te hace perderte en algunas atmósferas originales, a veces oscuras, a veces furiosas y oníricas. Creo que se puede describir como Paisley Underground oscuro, Post-Punk y Neo-Psicodélico.

El sonido de la banda es primitivo y épico al mismo tiempo. Las letras son crípticas y oscuras pero llenas de belleza. "Moonhead" es una experiencia convincente pero también es un asunto delicado. Encontrarás una sincronización poco común que le da a cada nota un sentido de dirección particularmente fuerte. Todos los álbumes de "Thin White Rope" comparten estas cualidades de musicalidad y calidad inquietante.

Es un disco que suena como una mezcla de "Neil Young & Crazy Horse" y "Joy Division". Las 14 canciones, incluso la versión del clásico de blues de Jimmy Reed "Ain't That Lovin' You Baby", son tensas y agitadas; los largos ejercicios de guitarra como "Crawl Piss Freeze" y el épico cierre "Take It Home" le dan al álbum una tensión casi insoportable.

Las canciones comienzan de la misma manera, solos de guitarra doble sobre los pulsos constantes casi al estilo Krautrock de Jozef Becker y las líneas de bajo palpitantes y minimalistas de Stephen Tesluk con las letras y la voz de Guy Kyser que van desde lamentos torturados hasta un humor inexpresivo, lo que le da al álbum la variación justa. A lo largo del álbum, las canciones exploran consideraciones sombrías sobre la vida, el sexo y la muerte con la curiosidad desapegada de un científico. Este enfoque agrega una profundidad intelectual a la música que recompensa las escuchas repetidas.

Habiendo escrito lo anterior, tengo que agregar que "Thin White Rope" no es la banda más accesible, y "Moonhead" no es un álbum fácil de entender. Pero el esfuerzo vale la pena. Una vez que has interiorizado los sonidos, las formas y texturas de la música cambian de rompecabezas impenetrables de sonidos agudos a un marco complejo que se transforma con el tiempo para contar historias.

"Moonhead" solidifica el lugar de "Thin White Rope" en el panorama del rock alternativo de finales de los 80. Su mezcla de desert rock, psicodelia y elementos post-punk prefigura la explosión del rock alternativo de principios de los 90, lo que lo convirtió en un lanzamiento profético e influyente. Para los fans del rock alternativo, la psicodelia o cualquier persona interesada en la evolución de la música underground estadounidense en los 80, "Moonhead" es una escucha imprescindible.

 

Disco recomendado

 
"Moonhead" es un álbum intenso y el trabajo más importante y poderoso de "Thin White Rope". Una incorporación recomendada a cualquier colección de música underground de estilo paisley americano alternativo.

Video del tema "If Those Tears":

Tracklist - canciones:

1.         "Not Your Fault" (Becker/Kyser)      3:45
2.         "Wire Animals"          4:00
3.         "Take It Home"          4:36
4.         "Thing"           2:54
5.         "Moonhead" (Kyser/Becker/Kunkel/Tesluk) 4:45
6.         "Wet Heart"    4:34
7.         "Mother" (Kunkel/Kyser)       4:27
8.         "Come Around"         2:19
9.         "If Those Tears"         3:16
10.       "Crawl Piss Freeze" (Kyser/Kunkel/Tesluk)  5:34
11.       "Waking Up"  2:43
12.       "Valley Of The Bones"          2:54
13.       "Atomic Imagery" (Kyser/Tesluk)     3:36
14.       "Ain't That Lovin' You Baby" (Jimmy Reed)           3:54
15.       "Take It Home (Long Version)"        6:17

Ficha:

• Guy Kyser – guitarra, voz
• Roger Kunkel – guitarra, voz
• Stephen Tesluk – bajo, voz
• John Von Feldt – bajo
• Jozef Becker – batería

con

Paul McKenna – ingeniero de sonido y productor

DAVID GILMOUR - Luck and Strange - Album

Los fans de Pink Floyd y, en concreto, del guitarrista David Gilmour están entusiasmados con el lanzamiento este mes de un nuevo álbum titulado "Luck and Strange". La aparición de nuevo material después de 9 años de espera es un acontecimiento y me hizo buscar este disco y escucharlo. 

Es un muy buen disco, con los riffs de guitarra habituales de Gilmour con su sonido muy único, reunidos por algunos músicos excepcionales y una producción de calidad prístina, como cabría esperar. La novedad es que es bastante introspectivo y esto es comprensible ya que Gilmour está envejeciendo y tiene algunos cuestionamientos existenciales. La otra agradable sorpresa es la colaboración de su hija Romany y su hijo Gabriel, que aportan mucha frescura.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música este excelente disco de Dave Gilmour.

 

ALBUM: Luck and Strange

 

Este es el quinto disco en solitario del ex guitarrista y cantante de Pink Floyd, David Gilmour, y el tercero del siglo XXI. Se publicó el 6 de septiembre de 2024. Es una emocionante combinación de canciones bien escritas, de paisajes sonoros ricos y un trabajo de guitarra conmovedor que recuerda a su trabajo en solitario anterior, pero con temas más terrenales e introspectivos. El álbum es rico en capas atmosféricas, que combinan voces etéreas con los tonos de guitarra característicos de Gilmour. Fue grabado durante cinco meses en Brighton y Londres con la contribución de varios músicos, incluido material del fallecido tecladista de Pink Floyd, Richard Wright.

Apareciendo nueve años después del álbum "Rattle That Lock" de 2015, "Luck and Strange" reúne a un elenco de apoyo fresco y familiar. Para producir, Gilmour trae a Charlie Andrew (Alt-J) para guiar a músicos veteranos como Guy Pratt (bajo) y Steve Gadd (batería). Además, su hija, la cantante y arpista Romany Gilmour, juega un papel importante aquí y toma la iniciativa en la hermosa canción "Between Two Points", una versión de la canción dream pop de "The Montgolfier Brothers" de 1999. Como en discos anteriores, la esposa de Dave Gilmour, Polly Samson, actúa como letrista y colaboradora directa.

El tono de "Luck and Strange" es reflexivo, pero no demasiado melancólico, con canciones ricamente imaginativas que exploran futuros inciertos ("A Single Spark"), nostalgia ("Sings"), matrimonio ("Dark and Velvet Nights") y los días felices de una generación (el corte del título, que se basa en una improvisación preexistente de 2007 con el fallecido tecladista de Floyd, Richard Wright). Los arreglos, que incluyen elementos orquestales y corales, son más frescos que en sus trabajos anteriores, equilibrando parte de la introspección del álbum. La agradable sorpresa de la inclusión de la presencia de la hija Romany (así como la de su hijo Gabriel en "The Piper 's Call" y "A Single Spark") es un acierto, ya que contribuye a la sensación de colaboración.

Al escuchar este álbum, los fans de Pink Floyd encontrarán ecos familiares del trabajo anterior de Gilmour, pero "Luck and Strange" es más personal y ofrece momentos de tranquila introspección junto con grandes momentos musicales. En general, este álbum muestra la continua relevancia musical de David Gilmour al combinar su arte atemporal con sonidos contemporáneos.

Disco recomendado

 
David Gilmour ha dicho que es lo mejor que ha hecho desde "Darkside of the Moon". Personalmente creo que es una exageración, pero estoy de acuerdo en que es un muy buen disco en solitario, tal vez el mejor desde que Pink Floyd dejó de existir. "Luck and Strange" sin duda será del agrado de los fans de Pink Floyd y de Dave Gilmour, ya que todos los sonidos característicos están presentes, además de algunas grandes incorporaciones de familiares y colaboradores.

No dejes de buscarlo y después escúchalo.

Video del tema "Between Two Points":

Tracklist - canciones: 

1.         "Black Cat"     Instrumental              1:16
2.         "Luck and Strange"                           6:54
3.         "The Piper's Call"                              5:15
4.         "A Single Spark"                               6:02
5.         "Vita Brevis"  Instrumental              0:46
6.         "Between Two Points" (with Romany Gilmour)      5:46
7.         "Dark and Velvet Nights"                             4:41
8.         "Sings"                                   5:15
9.         "Scattered"     7:26

Ficha:

• David Gilmour – guitarra (todas), piano (1), voz principal (2–4, 7–9), ukulele (3), bajo Höfner (3, 8), órgano Farfisa (3), coros (2-4, 6–8), teclados (6, 9), órgano Hammond (7), bajo (9), piano Leslie (9)
• Richard Wright – piano eléctrico, órgano Hammond (2)
• Romany Gilmour – voz principal (6), coros (2–4, 6–8), arpa (5-6)
• Gabriel Gilmour – coros (3, 4)
• Rob Gentry – sintetizador (1–4, 6, 9), teclados (3, 6, 8-9), piano (4, 6, 8-9), órgano (7)
• Roger Eno – piano (1, 9)
• Guy Pratt – bajo (2, 3, 7–9)
• Adam Betts – percusión (2, 4, 6–9), djembé (3), batería (4)
• Steve DiStanislao – batería (2)
• Steve Gadd – batería, percusión (3, 6–9)
• Tom Herbert – bajo (4)
• Edmund Aldhous – organista y director musical de la catedral de Ely
• Coro de la catedral de Ely – voces
• Coro de Angel Studios – voces
• Orquesta de Angel Studios

Technical:

•  David Gilmour – producción, mezcla, ingeniería de sonido
• Charlie Andrew – producción, mezcla, ingeniería de sonido.