THE NOTORIOUS B.I.G. - Ready To Die - Album

Voy a recomendar a los melómanos de este blog de música uno de los mejores álbumes de rap de todos los tiempos. Para muchos críticos y aficionados al hip hop es una obra trascendente. El álbum "Ready To Die" de "Notorious B.I.G" modernizó el rap de la costa este al incluir la "otra" rama de éxito comercial de la costa oeste; el gangsta rap.

Ahora es venerado como una obra maestra de la música urbana estadounidense y una declaración cultural.

 

¿Quién fue "The Notorious B.I.G"?

 
Un rapero estadounidense cuyo nombre real es Christopher George Latore Wallace, más conocido por sus nombres artísticos "The Notorious B.I.G." o "Biggie Smalls". Con sus raíces en el hip hop y el gangsta rap de la costa este, es ampliamente considerado uno de los mejores raperos de todos los tiempos.

También es famoso por eventos fuera de la música que tuvieron un final fatal. Durante 1995, mientras grababa su segundo álbum, Biggie quedó atrapado en la creciente disputa entre el hip hop de la costa este y la costa oeste. Tras el asesinato de Tupac Shakur en un tiroteo desde un vehículo en Las Vegas en septiembre de 1996, surgieron especulaciones sobre la participación en el asesinato de Shakur por parte de elementos criminales que orbitaban el sello "Bad Boy" (sello discografico de B.I.G) como resultado de la disputa pública de Shakur con Biggie. El 9 de marzo de 1997, seis meses después del asesinato de Shakur, "Notorious B.I.G." fue asesinado por un pistolero no identificado en un tiroteo desde un vehículo mientras visitaba Los Ángeles. El segundo álbum de Biggie, "Life After Death", un álbum doble, fue editado dos semanas después y entró directamente en el puesto número 1.

Con dos discos y dos álbumes póstumos más, "Notorious B.I.G." ha certificado ventas de más de 28 millones de copias en los Estados Unidos. En 2020, fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll".

Su legado es unánime, "Notorious B.I.G." fue uno de los mejores raperos de la época dorada del hip hop y uno de los pioneros modernos del uso y juegos de palabras que mantenía con fluidez en línea con su personalidad gangsta.

Su mejor disco es su debut "Ready to Die". Se podría pensar que fue una premonición.

 

ALBUM: Ready to Die

 
El disco debut de estudio del rapero estadounidense "The Notorious B.I.G.", publicado el 13 de septiembre de 1994. El álbum presenta producciones de Sean "Puffy" Combs, Easy Mo Bee, Chucky Thompson, DJ Premier y Lord Finesse, entre otros. Este LP también cuenta con una aparición especial del miembro de Wu-Tang Clan, "Method Man".

La portada del álbum se ha vuelto icónica. Si te has estado preguntando quién es el bebé, es Keithroy Yearwood, nativo del Bronx y ya un adulto.

Este álbum en parte autobiográfico cuenta la historia de las experiencias del rapero como un joven delincuente, y fue el único álbum de estudio lanzado durante la vida de B.I.G.

Este disco revitalizó la escena del hip hop de la costa este, en medio del dominio comercial del hip hop de la costa oeste. Ha sido clasificado por expertos como uno de los mejores álbumes de hip hop, así como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. En 2024, el álbum fue seleccionado para el "Registro Nacional de Grabaciones" por la "Biblioteca del Congreso" por ser "cultural, histórica y/o estéticamente significativo".

Como ya mencionado, "Ready to Die" reinventó el rap de la costa este llevándolo a la era gangsta, también hizo que "Notorious B.I.G." se convirtiera en una superestrella del rap y en el proceso colocó al sello "Bad Boy" de Sean "Puffy" Combs en el centro de la atención y el éxito comercial.

Su estatus como obra musical se debe principalmente a la habilidad de Biggie como narrador. Sus palabras son fáciles de entender con un flow fluido y talento para fusionar múltiples rimas una encima de otra en rápida sucesión.

Además, es fácil escuchar elementos de Biggie en sus narradores y de su propia experiencia; todo está arraigado en la realidad, pero se reproduce como escenas de una película. Una sensación de fatalidad impregna sus historias: feroces bandidos ("Gimme the Loot"), la querida novia de un estafador ("Me & My Bitch") y criminales que buscan las nuevas riquezas de Biggie ("Warning") mueren bajo una lluvia de disparos.

El álbum también está plagado de reflexiones sobre la desolación de las calles, canciones como "Things Done Changed", "Ready to Die" y "Everyday Struggle" expresan poderosamente su desesperación. Dicho esto, no todo es oscuro; las colaboraciones de producción de Combs dan como resultado algunos momentos comerciales optimistas y típicamente "samples" de éxitos reconocibles: "I Want You Back" de los Jackson 5 en "One More Chance", "Juicy Fruit" de Mtume en "Juicy" y los Isley Brothers de "Between the Sheets" en "Big Poppa" y cuando "Suicidal Thoughts" cierra el álbum, queda claro por qué era tan venerado.

En pocas palabras, esto es un gran álbum; ritmos funky, agradables samples apropiados, algo de humor de mal gusto y la fluidez sin esfuerzo de Biggie como vocalista. Es un clásico de la época de los 90.

 

Disco recomendado

 
Un álbum casi perfecto para cualquier verdadero fan del rap y el hip hop. La técnica del rap y el uso de las palabras son de primera clase junto con la narración. Gran producción y uso de samples que logra mantener a flote el ritmo (que puede resultar cansino).

En fin, un gran lugar para adentrarse en el artista y su música, un documento histórico del hip hop de la costa este y el gangsta rap.

Video del tema "Juicy":

Tracklist - canciones (formato original):

1.         "Intro"             3:24
2.         "Things Done Changed"                    3:58
3.         "Gimme the Loot"                  5:04
4.         "Machine Gun Funk"             4:17
5.         "Warning"                   3:40
6.         "Ready to Die"                       4:24
7.         "One More Chance"   4:43
8.         "#!*@ Me (Interlude)"                      1:31
9.         "The What" (featuring Method Man) 3:57
10.       "Juicy" 5:02
11.       "Everyday Struggle"              5:19
12.       "Me & My Bitch"       4:00
13.       "Big Poppa"    4:13
14.       "Respect"        5:21
15.       "Friend of Mine"                    3:28
16.       "Unbelievable"                       3:43
17.       "Suicidal Thoughts"               2:50

Ficha:

• Notorious B.I.G. – escritor, intérprete
  
  
• Sean "Puffy" Combs - productor ejecutivo, voces adicionales, productor
• Mister Cee - productor ejecutivo asociado
• Method Man - artista invitado
• Lil' Kim - voces adicionales
• Total - voces adicionales
• Chucky Thompson - instrumentos, productor
• Nashiem Myrick - programación adicional, productor
• Diana King - voces adicionales
• Sybil Pennix - voz adicional
• Easy Mo Bee - productor
• The Bluez Brothers - productor
• Jean "Poke" Oliver - productor
• DJ Premier - productor
• Lord Finesse - productor
• Darnall Scott - productor
• Rashad Smith - productor

CHEAP TRICK - At The Budokan - Album (Live)

Es una de las muchas grandes historias del rock tipo "cenicienta". La banda estadounidense CHEAP TRICK no pudo romper el mercado estadounidense, sin embargo, triunfaban en Japón. El sello discográfico japonés quería grabar y lanzar un álbum "EN VIVO". Lo hicieron y sólo iba a ser editado en Japón, pero vendió tantas unidades que fue lanzado al mundo, vendiendo más de 3 millones de copias. El LP "At The Budokan" rompió "Cheap Trick" en los Estados Unidos y a nivel mundial al convertir el mencionado disco en uno de los grandes álbumes en directo de la historia del rock, un LP emblemático especialmente para el género power-pop.

 

ALBUM: Cheap Trick at Budokan (o simplemente "At the Budokan")

 
Es el primer álbum en vivo de la banda estadounidense de rock "Cheap Trick" y su disco más vendido. Grabado en el "Nippon Budokan" de Tokio (Japón), el álbum fue publicado por primera vez en Japón el 8 de octubre de 1978 y posteriormente en Estados Unidos en febrero de 1979.

El LP "At The Budokan" impulsó la popularidad de la banda y se convirtió en uno de los mejores álbumes de rock en vivo de todos los tiempos y un clásico del género power pop. En 2019, el álbum fue seleccionado por la "Biblioteca del Congreso" para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos" por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo".

Tal vez fue el ingeniero de grabación con el toque mágico, tal vez fue una banda que disfrutaba de triunfar después de luchar durante tanto tiempo, tal vez sonaban más heavy en el escenario o tal vez fueron los miembros de la banda tratando de impresionar a miles de fans femeninas que gritaban. Cualquiera sea el motivo, la grabación final es excepcional. Batería con mucha energía, guitarra ruidosa y apasionada, voces a todo gas, melodías encantadoras, armonías sorprendentes y la energía de la banda para sacar lo mejor de sí. Y todo se junta en esta obra maestra.

El éxito comercial de "At Budokan" confirmó a "Cheap Trick" como una de las mejores bandas en directo de los años 70 (siglo xx). La enorme base de fans de Japón llevó a la banda a la cima en América del Norte con una poderosa y animada interpretación de muchas de sus exitosas canciones de sus dos primeros álbumes: Cheap Trick (1977) e In Color (1977).

El concierto contó con siete canciones escritas por el guitarrista Rick Nielson, incluido “Hello There” y algo de material nuevo. Uno de ellos fue el futuro éxito "Need Your Love" (coescrito por Nielson y el bajista Tom Petersson) y una versión del viejo clásico de Nueva Orleans de Fats Domino, "Ain't That A Shame".

El rendimiento general es excelente. La batería agresiva de Bun E.Carlos y el increíble trabajo de guitarra de Rick Nielsen arrasaron en todo el espectáculo. Esto es puro rock n' roll, pop y pegadizo, con un toque de dulzura. Un álbum en directo ahora clásico que está a la altura de "Made in Japan" de Deep Purple y el resto de álbumes en vivo clásicos de la era de los 70.

Si nunca antes has escuchado una sola canción de "Cheap Trick", deberías comenzar aquí. Este es un álbum icónico que merece absolutamente su estatus y realmente representa el poder de la música en vivo. Esto es algo que todo aficionado a la música debe escuchar.

 

Disco recomendado

 
"Cheap Trick", sin saberlo, allanó el camino para gran parte del rock pop de la década siguiente, así como para una sorprendente cantidad de rock alternativo de los años 1990 (ejemplos Foo Fighters, Weezer, Smashing Pumpkins, The Raconteurs) y fue "At Budokan" que capturó la banda en todo su poder. No es fácil encontrar álbumes en vivo tan enérgicos y puramente divertidos como este.

Un potente álbum de rock pop en directo muy recomendado que debe escucharse y disfrutarse. "Cheap Trick" una banda excelente, no hay duda.

Video del tema "I Want You to Want Me" (Live):

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Hello There"             2:27
2.         "Come On, Come On"           3:03
3.         "Lookout"                  3:15
4.         "Big Eyes"                 3:47
5.         "Need Your Love"     9:07 

Cara B:

6.         "Ain't That a Shame"             5:10
7.         "I Want You to Want Me"                3:38
8.         "Surrender"                            4:40
9.         "Goodnight Now"                             2:42
10.       "Clock Strikes Ten"               4:11

Cheap Trick: (Músicos):

• Robin Zander - voz principal, guitarra rítmica
• Rick Nielsen - guitarra principal, coros
• Tom Petersson – bajo, coros
• Bun E. Carlos – batería

Técnico:

Cheap Trick – productores

AMERICAN MUSIC CLUB - Everclear - Album

AMERICAN MUSIC CLUB es un grupo estadounidense infravalorado pero aclamado por la crítica, con brillantes melodías pesimistas y letras inteligentes. Algunos críticos han etiquetado el atuendo:"la mejor banda perdida". 

Quiero dar espacio a este talentoso grupo y al álbum "Everclear".

¿Quiénes eran la banda "American Music Club"?

 
Una formación de indie rock estadounidense con sede en San Francisco, dirigida por el cantautor Mark Eitzel. Formada en 1982, la banda editó siete álbumes antes de separarse en 1995. Se reformaron en 2003 y lanzaron dos álbumes más.

La banda ha sido categorizada con los géneros de indie rock, folk rock y slowcore, aunque sus inicios tuvieron elementos rock americana.

Es con el disco "Everclear" con el que deseo llamar tu atención y recomendar.

ALBUM: Everclear

El quinto disco de estudio de la banda estadounidense de indie rock "American Music Club". Fue publicado el 5 de octubre de 1991. Este LP lleva a los oyentes en un viaje a través de las sombras de la experiencia humana, explorando temas de angustia, adicción y la búsqueda de significado en un mundo que a menudo parece sombrío e implacable.

"Everclear" es el mejor trabajo de "American Music Club". Beneficiándose de valores de producción mejorados, el álbum cristaliza la visión errática de la banda en un todo unificado y complejo todo. Si bien los arreglos son difusos - las canciones "Crabwalk" es alegre, "Royal Cafe" es dulce country-pop y "Rise" es un himno de rock alternativo - hay una consistencia de tono y un sentido de lugar que lo recorre.

Las composiciones de Mark Eitzel destacan y logran un equilibrio emocional; las atmosféricas "Miracle on 8th Street" y "The Confidential Agent" ofrecen evocaciones cinematográficas y vérité de relaciones en el punto de ruptura, mientras que la fuerza bruta de lamentos alcohólicos como "Sick of Food" (mi canción favorita) o el fúnebre "Why Won't You Stay" son memorables. Nunca antes ni después un personaje "perdedor" (narrativa) había sido tan grandioso.

También hay una gran interacción entre la voz altamente emotiva y que roba la atención de Mark Eitzel (que recuerda a David Sylvian) y la forma en que la banda toca de una manera tranquila y sutil que resalta todos los ricos detalles. Además de la variedad, lo más importante, al menos para mí, es la creación de estados de ánimo. Este disco los transmite. La producción confusa, orgánica y cálida aumenta los placeres incluso si el álbum es algo corto con poco más de 36 minutos.

Con todos sus magníficos momentos y elogios de la crítica, el álbum no logró encontrar una audiencia mayoritaria, un hecho que el propio Eitzel reconoció con su característico autodesprecio. En los años transcurridos desde su lanzamiento, "Everclear" se ha ganado un culto entre los fans del indie rock y la música alternativa. La influencia del LP se puede escuchar en el trabajo de otros artistas que se han inspirado en la visión poética de Eitzel y la capacidad de la banda para crear música que es a la vez profundamente personal y universalmente resonante.

En general, "Everclear" es una gran obra de indie rock que merece ser celebrada y redescubierta por amantes de la música (melómanos) de todas las generaciones.

 

Disco recomendado

 
"Everclear" es una obra imprescindible para los fans del indie rock y del "American Music Club". Su mezcla de elementos folk, rock y country, combinada con las letras conmovedoras y la voz de Mark Eitzel, crean una sensación de intimidad y vulnerabilidad que atrae al oyente.

Un "disco" perdido, es hora de redescubrir a la banda y este álbum y darlo el mérito que realmente merece.

Video del tema "Sick of Food":

Tracklist - canciones:

1.         "Why Won't You Stay"         2:59
2.         "Rise"  3:11
3.         "Miracle on 8th Street"          4:07
4.         "Ex-Girlfriend"           2:49
5.         "Crabwalk"     3:33
6.         "The Confidential Agent"      4:10
7.         "Sick of Food"           4:02
8.         "The Dead Part of You"        2:42
9.         "Royal Café"  3:23
10.       "What the Pillar of Salt Held Up"     2:38
11.       "Jesus' Hands"            3:02

Ficha:

American Music Club (músicos):

• Mark Eitzel - voz, guitarra, teclados, composición
• Bruce Kaphan – pedal steel, teclados, bajo, percusión, lap steel, dobro, guitarra, dulcimer
• Dan Pearson – bajo, guitarra, dulcimer, mandolina, banjo, voz
• Mike Simms - batería
• Vudi – guitarra, acordeón, bajo

American Music Club - producción
Bruce Kaphan – producción, mezcla, grabación
Norman Kerner - producción, grabación

MARVIN GAYE - What´s Going On - Album

Voy a recomendar a los lectores de este blog de música un disco trascendental. Hay muy pocos álbumes que vayan más allá del espacio y el tiempo hacia el infinito como lo hace "What 's Going On" de Marvin Gaye. Es una obra que capta un período de la historia (americana) en su contexto socio, político y económico que irradia la experiencia (y el sufrimiento) humana a través de la música. Esta obra es también una especie de vehículo de búsqueda espiritual por parte de un hombre que desea exorcizar sus propios demonios.

Un disco gigante que, si aún no lo has escuchado, es necesario experimentarlo. Es posible que el lector veterano ya haya caído ante su magia, me dirijo mi recomendación más hacia el lector joven que quizás aún está en su viaje musical y que necesita escuchar este disco para su evolución. 

ALBUM: What's Going On

 
El undécimo disco de estudio del cantante de soul estadounidense Marvin Gaye. Fue publicado el 21 de mayo de 1971. Fue el primer LP de Gaye en acreditarlo como productor y en acreditar a los músicos de sesión internos de Motown, conocidos como "The Funk Brothers". 

Es un álbum conceptual en el que la mayoría de sus canciones pasan a la siguiente y ha sido categorizado como un "ciclo de canciones". La narrativa de las canciones se cuenta desde el punto de vista de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a su país de origen para presenciar el odio, el sufrimiento y la injusticia. Las letras de Gaye exploran temas como el abuso de drogas, la pobreza y la guerra.

Fue un éxito comercial y de crítica inmediato, llegó a ser visto por los expertos musicales como un clásico del soul de los años 70. Muchos (incluido yo mismo) consideran "What 's Going On" uno de los mejores álbumes de todos los tiempos y una grabación histórica en la música popular.

Volvemos a la narrativa del LP. Este álbum presagia convencionalmente los sentimientos y el espíritu del veterano estadounidense de Vietnam que regresa a casa y se enfrenta a las fuerzas que dieron forma a la cultura estadounidense a principios de la década de 1970, el momento en que el idealismo de los 60 chocó contra las realidades de la pobreza, el abuso de drogas y la incomprensión racial. Marvin Gaye no gritó, cantó. Esto de por sí sitúa su obra y este LP en otro plano.

A nivel personal, Marvin Gaye también estaba atravesando una importante transformación personal. Su matrimonio estaba empezando a deteriorarse, además consideraba que el material musical que estaba grabando para "Motown" era insignificante durante la agitación social que se apoderaba de Estados Unidos en ese momento. Quería crear un álbum que hablara en nombre de la gente atrapada en toda la agitación local, a pesar de que su sello discográfico quería restringir la expresión de lo que tenía en mente.

"What 's Going On" enmarca el destrozado sueño americano, con un sonido de jazz, atmosférico y oscuro, con letras sentidas para crear lo que muchos todavía perciben como la cúspide de la expresión musical artística.

Mi canción favorita, "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)", ejemplifica cómo los jóvenes del gueto eran enviados a Vietnam para luchar, morir y sufrir sólo para regresar a casa con las dificultades urbanas que parecían empeorar después de la muerte arrojaron sus vidas, cuerpos y almas al riesgo de la guerra, una guerra para la cual nadie podía comprender por qué se libraba en primer lugar. En lo que a mí respecta, esto es material "muy heavy", material trascendental manifestado en canciones y a través de la música. Si no es suficiente, escucha "Flyin High (In the Friendly Sky)", que describe los peligros de la adicción a las drogas y el costo que les cobra a aquellos a quienes se les había señalado en la dirección del abuso de sustancias como una forma de escapismo para poder hacer frente a las dificultades del deterioro urbano. Marvin Gaye es un poeta de su pueblo, que documenta realidades que tal vez "la gente blanca y rica" prefería esconder bajo la alfombra.

Marvin Gaye también se vuelve espiritual en este LP con el tema "God Is Love" y muy sentimental en "Wholy Holy" y "Save the Children". También aporta algo de funk emocional en "What 's Happening Brother" y en una pieza de siete minutos llamada "Right On".

Sin lugar a dudas, un álbum profundamente personal para Marvin Gaye, y un cambio en la carrera musical que superó la línea de ensamblaje de Motown mientras equilibraba algunos problemas personales serios (adicción a la cocaína, un matrimonio fallido, problemas fiscales, intento de suicidio). Canalizó toda la frustración, el dolor y el quebrantamiento, y los transformó en uno de los discos más bellos y profundamente humanos de todos los tiempos.

Incluso decidió dar otro salto y producirse él mismo. Usó el multipista para superponer varias voces principales. Su álbum se convirtió en una suite interconectada, una galería de canciones que reflejaban la "realidad" tal como él la veía, desde los guetos abandonados hasta las prósperas iglesias comunitarias y el entorno abusado.

El resultado general de las canciones es notable, especialmente cuando se escuchan en su conjunto. Este álbum es material verdaderamente esencial. Décadas después de su lanzamiento, la música todavía te estremece.

 

Disco recomendado

 
Un trabajo de soul monumental y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. No solo es la obra maestra de Marvin Gaye, es el disco más importante y apasionante que ha surgido de la música soul interpretado por una de sus mejores voces. Puro comentario social explicado musicalmente, un triunfo de sustancia y alma. La expresión más perfecta de la esperanza, la ira y las preocupaciones de un artista jamás registrada. 

Imprescindible, un disco para ser escuchado, interiorizado y elogiado antes de morir.

Video del tema "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)":

Tracklist - canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "What's Going On"    3:51
2.         "What's Happening Brother" 2:57
3.         "Flyin' High (In the Friendly Sky)"   3:40
4.         "Save the Children"    3:04
5.         "God Is Love"            2:31
6.         "Mercy Mercy Me (The Ecology)"                3:05

Cara B:

1.         "Right On"      7:20
2.         "Wholy Holy" 3:20
3.         "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)" 5:16

Ficha tecnica:

Todas las voces principales de Marvin Gaye

Producida por Marvin Gaye

• Miembros de la Orquesta Sinfónica de Detroit dirigida y arreglada por David Van De Pitte

Voces de fondo:

• Marvin Gaye
• Los Andantes (Jackie Hicks, Marlene Barrow y Louvain Demps)
• Mel Farr, Charlie Sanders y Lem Barney de los Detroit Lions
• Dave Bing de los Detroit Pistons
• Bobby Rogers de The Miracles
• Elgie Stover
• Kenneth Stover

Cuerdas, instrumentos de viento y metales

• Gordon Staples, Zinovi Bistritzky, Beatriz Budinzky, Richard Margitza, Virginia Halfmann, Felix Resnick, Alvin Score, Lillian Downs, James Waring - violines
• Edouard Kesner, Meyer Shapiro, David Ireland, Nathan Gordon - violas
• Italo Babini, Thaddeus Markiewicz, Edward Korkigan - violonchelos
• Max Janowsky – contrabajo
• Carole Crosby - arpa
• Dayna Hardwick, William Perich - flautas
• Larry Nozero, Angelo Carlisi, George Benson, Tate Houston - saxofones
• John Trudell, Maurice Davis - trompetas
• Nilesh Pawar – oboe
• Carl Raetz – trombón
• The Funk Brothers: instrumentación, interludio hablado ("What 's Going On") y trompetas solistas.
• Eli Fountain - saxofón soprano "What's Going On"
• Wild Bill Moore - saxofón tenor "Mercy Mercy Me"
• Marvin Gaye - piano, Mellotron ("Mercy Mercy Me"), caja de batería ("What's Going On")
• Johnny Griffith – celeste, teclados adicionales
• Earl Van Dyke - teclados adicionales
• Jack Brokensha – vibráfono, percusión
• Joe Messina, Robert White - guitarras eléctricas
• James Jamerson - bajo "What's Going On", "What's Happening Brother", "Flyin' High", "Save the Children", "God Is Love" y la cara B "Sad Tomorrows"
• Bob Babbitt - bajo "Mercy Mercy Me", "Right On", "Wholy Holy" y "Inner City Blues"
• Bosque de Chet - batería
• Jack Ashford – pandereta, percusión
• Eddie "Bongo" Brown - bongos, congas
• Earl DeRouen - bongos y congas "Right On"
• Bobbye Hall – bongós "Inner City Blue".

THE THRILLS - Teenager - Album

Quiero recomendar a lectores una banda que a primera escucha te dirias que son americanos de la costa oeste. Son de hecho irlandeses  llamdos THE THRILLS y aunque tienen una fuerte influencia de las bandas de americanas de los 60s y 70s como Buffalo Springfield, The Byrds etc, finalmente encuentran su sonido en el disco "Teenager", trabajo que voy a recomendar a los melómanos.

 

¿Quiénes son la banda "The Thrills"?

 
Una formación de pop irlandesa formada en Dublín en 2001. La banda fue fundada por el vocalista principal Conor Deasy y el guitarrista Daniel Ryan, el guitarrista y bajista Padraic McMahon, el pianista Kevin Horan y el baterista Ben Carrigan.

El sonido está inspirado en el pop clásico americano de finales de los años 60 y principios de los 70 (siglo xx). De hecho, muchos oyentes creían que eran un grupo de la costa oeste estadounidense, hasta que descubrieron que en realidad eran irlandeses.

El grupo cuenta con tres álbumes en su discografía: "So Much for the City" (2003), "Let's Bottle Bohemia" (2004) y "Teenager" (2007). Su debut fue directo al número 1 en Irlanda y les permitió tener un buen comienzo. Pero, curiosamente, a medida que la banda maduró, su último disco, "Teenager", fracasó comercialmente y fue abandonado por su compañía discográfica EMI. Paradójicamente es quizás su mejor trabajo y quiero destacar y recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: Teenager

 
Es el tercer álbum de la banda irlandesa "The Thrills". Fue publicado el 22 de julio de 2007 en Irlanda y tres días después en Europa. El disco tiene una gran portada con la foto titulada "Wild Horses" de Joseph Szabo. El título del álbum, "Teenager", es también un juego de palabras con el concepto de nostalgia y la experiencia universal de la adolescencia. "The Thrills", habiendo madurado ellos mismos, se basan en su propio pasado juvenil para crear canciones que son personales y universalmente identificables.

El álbum fue grabado en una morgue reconvertida en uno de los barrios más desfavorecidos de Vancouver, por sugerencia de R.E.M, esto puede haber influido o no en la aportación musical de la banda con un enfoque más íntimo (oscuro).

Con este tercer trabajo, "The Thrills" había madurado significativamente desde el lanzamiento de sus álbumes anteriores. Sin embargo, algunos críticos han argumentado que su cambio del optimismo y el sonido americano de la costa oeste de sus esfuerzos anteriores provocó una caída en su popularidad. Tanto es así que este disco no tuvo éxito comercial y EMI los abandonó. ¿Quizás ese cambio de dirección musical fue demasiado pronunciado?

Sea como fuere, yo diría que su música todavía recuerda mucho a lo "rock americana" bebiendo de fuentes como "Buffalo Springfield", "The Beach Boys", "Jackson Browne", etc. Sí, siendo de las Islas Británicas la banda también incorpora la influencia de "The Smiths" con más fuerza. Las sinuosas líneas de guitarra añaden una sensación de melancolía a los anteriores sonidos más brillantes de piano, guitarra acústica y mandolina, mientras que la sección rítmica se ha elevado considerablemente, convirtiendo la combinación inicial de los temas "The Midnight Choir" y "This Year" entre las más agresivas canciones del tracklist.

El líder Conor Deasy alcanza un nivel de introspectividad y honestidad difícil de imaginar en álbumes anteriores como ocurre con la canción "Should've Known Better". El LP también está lleno de actuaciones propulsoras del baterista Ben Carrigan ("The Midnight Choir" y "This Year") y grandes giros del guitarrista Padraic McMahon ("I Came All This Way") que agregan elementos que hacen que este tercer disco se destaque. "Teenager" cuenta también con una de las grandes canciones de su década, la espectacular "Nothing Changes Round Here". Una canción maravillosamente repicante con un gancho magnífico y mucha atmósfera que transforma el estado de ánimo y el espacio. Una verdadera joya.

Dicho esto, líricamente, el disco es una clase magistral de narración de historias, con las letras de Deasy pintando imágenes vívidas de experiencias juveniles y el paso del tiempo. Las canciones están llenas de ingeniosos juegos de palabras e imágenes poéticas, lo que las hace profundamente personales y universalmente identificables. Quizás aquí esté la confusión para muchos fans, el salto del pop puro a la música con bases reales.

En general, "Teenager" es un verdadero triunfo, que destaca el crecimiento y la madurez como compositores y músicos. Con el tiempo ha resistido bien y merece ser redescubierta y escuchada en un contexto diferente. Personalmente disfruto de este LP y lo pongo regularmente.

 

Disco recomendado

 
Una escucha obligada para los fans del estilo americano, el pop-rock y cualquiera que haya experimentado alguna vez la naturaleza agridulce de la nostalgia. Un disco al que se le debe dar una nueva oportunidad y que una vez descubierto será adoptado por muchos. Escúchalo. 

Video del tema "Nothing Changes Around Here":

Tracklist:

1."The Midnight Choir" – 3:41
2."This Year" – 2:55
3."Nothing Changes Around Here" – 4:12
4."Restaurant" – 3:27
5."I Came All This Way" – 3:40
6."Long Forgotten Song" – 3:16
7."I'm So Sorry" – 2:52
8."No More Empty Words" – 3:23
9."Teenager" – 3:25
10."Should've Known Better" – 3:30
11."There's Joy to Be Found … The Boy Who Caught All the Breaks" – 6:34

SIMPLE MINDS - Once Upon a Time - Album

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música un disco maravilloso que llevó a la banda escocesa post punk SIMPLE MINDS a la cima de la escena musical convirtiéndolos en un grupo de new wave pop que conquistó el circuito mundial de conciertos en arenas y estadios a mediados de los años 80 (siglo xx). El disco es "Once Upon a Time", un trabajo sólido de principio a fin que ha envejecido muy bien y aún levanta el ánimo de los fans y los melómanos más veteranos.

 

ALBUM: Once Upon a Time

 
Es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock escocesa "Simple Minds", publicado el 21 de octubre de 1985. Es el LP que "rompe" a la banda a lo grande en el mercado estadounidense. "Simple Minds" se había vuelto popular recientemente en los EE. UU., principalmente debido al himno "Don't You (Forget About Me)". Esa canción apareció en la banda sonora de la película "The Breakfast Club" y se había convertido en un éxito número uno allí. Sin embargo, la banda deliberadamente dejó la cancion fuera del álbum. Dicho esto, es ahora un álbum icónico de mediados de los ochenta (siglo xx). Dio un giro y permitió a Simple Minds alcanzar la mayoría de edad como una de las grandes bandas de los años 80.

Como nota al margen, este fue el primer álbum sin el miembro fundador, el bajista Derek Forbes, quien dejó la banda después de grabar "Don't You (Forget About Me)". Más tarde se incorporaría a la banda en 1998 para el álbum "Neapolis".

Los fans comentan que este es el mejor, nunca hubo nada mejor que este LP. Cada canción es sólida y muchas de ellas se convirtieron en pilares de su repertorio en directo. El sonido de este álbum era perfecto para trasladar a grandes estadios, menos electrónico y más impulsado por la batería y la guitarra, teniendo un toque crudo liderado por la voz de Jim Kerr. De hecho, todos los caminos conducían a este disco, los LP anteriores a partir de "New Gold Dream" (1982) ya indicaba el paso del post punk al pop new wave y un sonido más expansivo para llenar estadios.

El éxito de "Once Upon a Time" es que captura la emoción que se encuentra en bandas como U2, que estaba en ese momento montando la gran ola del éxito y tocando en estadios. "Simple Minds", gracias a este LP, era uno de los nombres más importantes de la música, y la sedienta voz de Jim Kerr se convirtió en la firma de la banda. "Once Upon a Time", con el productor Jimmy Iovine (U2, Stevie Nicks, Bruce Springsteen) mostró más un sonido impulsado por la guitarra. Los pesados ritmos de synth pop de la banda se habían relajado un poco y el estilo de interpretación de Charlie Burchill era más notable. También contó con el coro de Robin Clark y Michael Been (The Call) ayudando en la popularidad de "Simple Minds" expuestos en canciones como "Alive & Kicking" y "Sanctify Yourself". Sin embargo, el otro elemento clave en este disco es el otro productor Bob Clearmountain, quien para mí es más un mago sonoro creativo que Iovine. Yo diría que Clearmountain es responsable del "gran sonido" de este disco.

Este álbum es, por lo tanto, uno de los mejores de la banda escocesa, probablemente liderando el grupo en la discografía de álbumes, porque irradia un cruda energía y una composición sólida que no se capturó por completo en álbumes anteriores. El éxito del LP es innegable, alcanzando la cima de las listas del Reino Unido y entre los 10 primeros en los EE. UU. Produjo cuatro sencillos entre los 10 primeros y dio lugar a una gira mundial de 15 meses. La decisión deliberada de la banda de excluir el éxito "Don't You (Forget About Me)" del álbum mostró su compromiso de crear una experiencia musical cohesiva que fuera más allá de los éxitos comerciales. Aunque tengo un punto dulce para uno de sus LP anteriores "New Gold Dream", en general "Once Upon a Time" es una alegría, con ocho canciones potentes, es uno de esos discos que se disfrutan de principio a fin.

 

Disco recomendado

 
Este es el álbum de dimension sónico "GRANDE" de Simple Minds porque es consistentemente bueno en todos los sentidos. Aquí lo hicieron todo bien. Suena expansivo, como una grabación en vivo en un estadio, a pesar de que fue grabado en un estudio. Una obra maestra del rock de arena de los 80.

Video del tema "Alive and Kicking": 

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Once Upon a Time"  5:45
2.         "All the Things She Said"      4:15
3.         "Ghost Dancing"        4:45
4.         "Alive and Kicking"   5:26

Cara B:

5.         "Oh Jungleland"         5:14
6.         "I Wish You Were Here"       4:42
7.         "Sanctify Yourself"    4:57
8.         "Come a Long Way"  5:07

Simple Minds (Músicos):

• Jim Kerr - voz
• Charlie Burchill – guitarras
• Michael MacNeil – piano, sintetizadores
• Mel Gaynor - batería, coros
• John Giblin – bajo

Personal adicional:

• Robin Clark - voces adicionales
• Michael Been - coros
• Los hermanos Simms - coros
• Carlos Alomar – coros
• Sue Hadjopoulos - percusión en "All the Things She Said"

THE BEATLES - Revolver - BOX SET 2022

Siempre existe el peligro de que en el intento de recuperar el pasado y traerlo al futuro se estropee. El dicho: “mejor dejar las cosas como son”, tiene mucho peso. Hay un caso en el que retocar una obra maestra del pasado la ha hecho más brillante y más apreciada.

En 2022, se reeditó el disco de la obra maestra de "The Beatles", "Revolver", en un Box Set en diferentes formatos y material nuevo. Si bien la versión mono LP original estaba disponible, el verdadero interés fue la versión remezclada del LP en estéreo por Giles Martin (hijo de George). Con la ayuda de la última tecnología, se separaron y remezclaron las pistas e instrumentos para darle a "Revolver" un "espíritu" diferente con sonidos de más detalles que se perdían en el original.

¿Sacrilegio? Tal vez. Pero es un maravilloso trabajo y oferta que nos brinda otra interpretación de "Revolver" y una gran apreciación de la magia creada por una banda única y excepcional.

 

ALBUM Revolver: Special Edition (Box Set)

 
Es una reedición ampliada del álbum "Revolver" de 1966 de la banda de rock inglesa "The Beatles". Fue publicado el 28 de octubre de 2022 e incluye una nueva remezcla estéreo del álbum por Giles Martin, con la ayuda de la tecnología de de-mezcla desarrollada por "WingNut Films" del cineasta Peter Jackson, así como la mezcla mono original, grabaciones de sesión, demos y una EP que incluye nuevas mezclas del sencillo que no forma parte del álbum "Paperback Writer" y su cara B, "Rain", grabado durante las sesiones de "Revolver".

Aunque este "Box Set" tiene mucho material (la mezcla mono original incluida) y otras maravillas y material (libro 100 páginas, etc.), es con la nueva mezcla estéreo - CD 1 - que quiero llamar la atención a los lectores y melómanos.

Revolver CD 1 - New remixes (2022)

No se puede exagerar la importancia del disco "Revolver". Nunca un álbum había sido tan audaz, tan imaginativo y tan visionario en su enfoque para su época. No exagero si digo que el panorama del rock (y del pop) sería muy diferente si "The Beatles" no hubieran grabado esta joya de valor incalculable. Aquellos que no estaban presentes en ese momento probablemente no puedan apreciar totalmente el cambio de paradigma y la distorsión del género cuando se editó por primera vez. Nunca había habido nada parecido.

Por muy poderoso que fuera "Revolver", tenía un defecto (visto desde 2024): una mezcla poco digna de su estatura. Hay una razón:

• "The Beatles" estaban superando los límites de la tecnología disponible para ellos. Abbey Road Studios era mundialmente famoso y puntero, pero lo mejor que podía ofrecer eran equipos de cuatro pistas. "The Beatles" superaron las limitaciones, llenaron las cuatro pistas de una cinta y luego las mezclaron en una sola pista para poder tener tres más para sobre grabaciones adicionales. Sin embargo, por muy inteligente que fuera, no permitía separar la mayoría de los instrumentos importantes en el campo estéreo. Dicho esto, quizás no les importó mucho separar los instrumentos, porque en aquella época la mayoría de los discos que se vendían eran en mono.

Como consecuencia, hemos estado escuchando una mezcla mono ("estéreo" subóptima) de "Revolver" durante décadas. Los instrumentos se agolpaban en un altavoz mientras que las voces y alguna que otra pandereta pérdida se juntaban en el otro. Las mágicas líneas de bajo de Paul McCartney se pierden en el estrépito y el golpe de los platillos de Ringo.   El sublime arreglo de cuerdas de "Eleanor Rigby" fue desperdiciado por los violines, violas y violonchelos amontonados unos encima de otros, cada uno luchando por el espacio en la pequeña parte del centro del campo estéreo disponible para ellos. Dicho todo esto, la brillante maestría musical fue despojada de muchos de sus matices y detalles, enterrada en los instrumentos mezclados en una sola pista.

En 2022, Giles Martin (hijo del productor George Martin) y Sam Okell miraron a "Revolver" para resolver la carencia. Mientras producía el documental "The Get Back", el equipo de Peter Jackson perfeccionó la tecnología existente (software) y el arte de separar sonidos en una grabación. Peter Jackson ofreció amablemente el uso de su nuevo software para desenredar todos los instrumentos en el original grabaciones de "Revolver".

Los resultados finales son extraordinarios. Los aspectos más destacados de la nueva mezcla son:

• La canción "Here, There And Everywhere". Siempre fue hermosa, pero la nueva mezcla la hace trascendente. Giles Martin lijó los bordes ásperos mientras subía el bajo a la mezcla. La verdadera mejora son las voces: los coros son maravillosos, completos y expansivos. 
  
  
• “Eleanor Rigby” es otro momento mágico. Las cuerdas tienen una agudeza, una potencia, una definición inigualable. Tranquilo, notable y muy alejado de la mezcla original. Suena como si estuvieras en la misma habitación de las cuerdas.
  
  
• Otro momento y una sorpresa, hay un bostezo en el número "I'm Only Sleeping". Nunca había oído eso antes.
  
  
• Luego está el bajo de “Taxman”, simplemente increíble. El bajo de esta canción es aún más impresionante de lo que pensaba.
  
  
• El remix de “Love You To” cuenta con una claridad y separación de instrumentos aún mejores, una percusión inmersiva y es una experiencia auditiva maravillosa. 
  
  
• “Yellow Submarine” es más inmersivo, las olas te bañan en el primer verso con la maquinaria del submarino antes de que el verso final suene tan real y concreto.
  
  
• Las voces en “Good Day Sunshine” suenan más directas, alegres y llenas de optimismo.
  
  
• Las notas del bajo, duplicadas en el piano, suenan aún más claramente en “For No One”, la canción se siente aún más melancólica. Quizás el mejor y más conmovedor retrato jamás escrito del amor perdido.
  
  
• Escucha los vientos de “Got to Get You Into My Life”, fantásticos, mucho mejores que la mezcla original. Las trompetas suenan distintas a los saxofones: más claridad.
  
  
• Escuche también el poder de “Tomorrow Never Knows”, algo que ha quedado oscurecido por la mezcla original. La batería de Ringo suena más fuerte, con fragmentos aleatorios de ruido del canal derecho al izquierdo y viceversa. 

En resumen, este remix es una mejora que esta obra maestra disfruta y gana con éllo.

Así, sin lugar a dudas, décadas después, "Revolver" sigue siendo uno de los grandes álbumes de la historia; en el momento de su lanzamiento era el mejor álbum jamás grabado. Pocos de los que siguieron combinaron composiciones asombrosas, experimentación dura, musicalidad excepcional y eclecticismo en el grado fenomenal que lo hizo este álbum.

Disco recomendado

Este "Box Set" es imprescindible para los fanáticos de The Beatles. Pero ojo, no suena exactamente como el álbum que hemos disfrutado durante décadas y esto podría molestar a algunas personas. Si bien el purista siempre tendrá el original, este esfuerzo de remezcla de Giles Martin suena mejor, suena más rico.

Creo que todos podemos estar en perfecta armonía con ambas versiones de este álbum. Además, es necesario experimentar el "remix" para escuchar y apreciar los sonidos innovadores, los instrumentos, las cuerdas y la brillante musicalidad integrada. Una vez que escuches la "versión remix", pienso que te encantará aún más "Revolver".

Video del tema "Eleanor Rigby":

Tracklist "Revolver" Box Set 2022:

SUPER DELUXE [5CD + libro de tapa dura de 100 páginas en estuche | colección de audio digital]

CD1: Revolver (New stereo mix)

1: Taxman
2: Eleanor Rigby
3: I’m Only Sleeping
4: Love You To
5: Here, There And Everywhere
6: Yellow Submarine
7: She Said She Said
8: Good Day Sunshine
9: And Your Bird Can Sing
10: For No One
11: Doctor Robert
12: I Want To Tell You
13: Got To Get You Into My Life
14: Tomorrow Never Knows

CD2: Sessions One

1: Tomorrow Never Knows (Take 1)
2: Tomorrow Never Knows (Mono mix RM 11)
3: Got To Get You Into My Life (First version) – Take 5
4: Got To Get You Into My Life (Second version) – Unnumbered mix – mono
5: Got To Get You Into My Life (Second version) – Take 8
6: Love You To (Take 1) – mono
7: Love You To (Unnumbered rehearsal) – mono
8: Love You To (Take 7)
9: Paperback Writer (Takes 1 and 2) – Backing track – mono
10: Rain (Take 5 – Actual speed)
11: Rain (Take 5 – Slowed down for master tape)
12: Doctor Robert (Take 7)
13: And Your Bird Can Sing (First version) – Take 2
14: And Your Bird Can Sing (First version) – Take 2 (giggling)

CD3: Sessions Two

1: And Your Bird Can Sing (Second version) – Take 5
2: Taxman (Take 11)
3: I’m Only Sleeping (Rehearsal fragment) – mono
4: I’m Only Sleeping (Take 2) – mono
5: I’m Only Sleeping (Take 5) – mono
6: I’m Only Sleeping (Mono mix RM1)
7: Eleanor Rigby (Speech before Take 2)
8: Eleanor Rigby (Take 2)
9: For No One (Take 10) – Backing track
10: Yellow Submarine (Songwriting work tape – Part 1) – mono
11: Yellow Submarine (Songwriting work tape – Part 2) – mono
12: Yellow Submarine (Take 4 before sound effects)
13: Yellow Submarine (Highlighted sound effects)
14: I Want To Tell You (Speech and Take 4)
15: Here, There And Everywhere (Take 6)
16: She Said She Said (John’s demo) – mono
17: She Said She Said (Take 15) – Backing track rehearsal

CD4: Revolver (Original mono master)

Album tracklist (mismo como arriba)

CD5: Revolver EP

1: Paperback Writer (New stereo mix)
2: Rain (New stereo mix)
3: Paperback Writer (Original mono mix remastered)

JENNY LEWIS - Joy´All - Album

Originalmente una actriz infantil con numerosas apariciones en programas de televisión, Jenny Lewis se dedica desde su adolescencia a la música y ha producido ya varios discos en formato de banda, colaboraciones y actualmente en formato solista.

Ya prácticamente una veterana de la escena musical, su último álbum "Joy´All" es todo un acierto y ganador. El arduo trabajo y la perseverancia han dado sus frutos con una obra que suena maravillosa y que a muchos (incluido yo mismo) les recuerda a "Fleetwood Mac". Sin embargo, la gran acogida y éxito actual también es parte del aumento de la popularidad de la música country en su derivación pop.

Quiero captar la atención de los lectores y melómanos para recomendar este último disco de Jenny Lewis, "Joy´All".

¿Quién es la músico "Jenny Lewis"?

 
Jennifer Diane Lewis es una cantautora, músico y actriz estadounidense. Fue la cantante principal, guitarrista rítmica y teclista de la banda de rock independiente "Rilo Kiley".

Lewis ganó prominencia en la década de 1980 como actriz infantil. A mediados de la década de 1990, Lewis se retiró parcialmente de la actuación para centrarse en su carrera musical y formó Rilo Kiley en 1998 con su compañero ex actor infantil Blake Sennett. Además de "Rilo Kiley" y su carrera en solitario, Lewis ha sido miembro de "The Postal Service" y otros proyectos.

Jenny Lewis ha editado cinco álbumes en solitario: Rabbit Fur Coat (2006), Acid Tongue (2008), The Voyager (2014), On the Line (2019) y Joy'All (2023).

 

ALBUM: Joy'All

 
El cuarto álbum en solitario y quinto en general de la cantautora estadounidense Jenny Lewis. Fue publicado el 9 de junio de 2023. El disco está producido por Dave Cobb (trabajó con John Prine, Sturgill Simpson, Jason Isbell, Rival Sons y Zayn Malik, entre otros). Este álbum es una gran escucha. Fresco, divertido, gran musicalidad y gran voz, te recordará a la cantante de Fleetwood Mac, Christie McVie, además la oferta de folk, country y rock de Lewis también recuerda a Emmylou Harris. De cualquier manera, excelentes referencias.

El sonido en "vivo", rico e íntimo del disco permite a uno de los principales narradores del pop actual predicar la búsqueda de la felicidad. Jenny Lewis es la cara tranquila y accesible de la música country en este momento. Por cierto, la música country está resurgiendo entre los oyentes jóvenes; las estadísticas de Spotify muestran que la música country está en una tendencia ascendente.

Uno de los aspectos destacados de "Joy'All" es su cohesión. El disco fluye sin problemas de una pista a la siguiente, y cada canción fluye. Este es un testimonio de la habilidad de Lewis como compositora. La producción de este álbum también es un punto culminante. El productor Cobb aporta un sonido cálido y orgánico que complementa la voz de Lewis. La incorporación del guitarrista "steel guitar" Greg Leisz y el multi-instrumentista John Brion agrega profundidad y textura al sonido del álbum, haciéndolo sentir country pop y moderno.

Aquí hay algunas canciones destacadas por sus melodías memorables, letras conmovedoras y producción:

• "Psychos": Mi canción favorita que combina diferentes estilos, desde soul hasta R & B de los 90, pasando por country. Los temas de amor y relaciones de la canción son identificables, y la voz de Lewis es particularmente emotiva. Me encanta la guitarra slide en esta canción.
  
  
• "Puppy and a Truck": otro destacado del álbum, una canción relajada con un estilo country-rock. La letra es identificable y divertida, lo que la convierte en una escucha agradable.
  
  
• "Apples and Oranges": un arreglo exuberante de country-rock y melodías memorables. La voz de Lewis es particularmente notable aquí, ya que navega sin esfuerzo por las intrincadas armonías y el fraseo.
  
  
• "Giddy Up": esta canción alegre es un tema contagioso y bailable.

El resto de temas compensa una experiencia auditiva sólida.

 

Disco recomendado

 
Un álbum que muestra el evolución y madurez de Jenny Lewis como artista, destacando su humor y compromiso con su oficio, aún fuerte después de tantos años. La cohesión, la producción y la composición del álbum son de primer nivel, lo que lo convierte en una excelente escucha para cualquiera que aprecie la buena composición, la música country con ritmos pop y ganchos pegadizos. Buscarlo.

Video del tema "Psychos":

Tracklist - canciones:

1.         "Psychos"        3:05
2.         "Joy'All"         3:44
3.         "Puppy and a Truck"  3:11
4.         "Apples and Oranges"            3:46
5.         "Essence of Life"       3:36
6.         "Giddy Up"    3:01
7.         "Cherry Baby"            2:26
8.         "Love Feel"     3:14
9.         "Balcony"       2:43
10.       "Chain of Tears"         3:10

Personal (Músicos):

• Jenny Lewis - compositor, voz, guitarra acústica, piano, Mellotron
• Nat Smith - batería, moog
• Brian Allen - bajo
• Greg Leisz- Steel guitar (pedal)

SHARON VAN ETTEN - Are We There - Album

Sharon Van Etten es un gran talento. Artista y cantautora estadounidense de indie folk, ha editado hasta la fecha los álbumes "Because I Was in Love" (2009), "Epic" (2010), "Tramp" (2012), "Are We There" (2014), "Remind Me Tomorrow" (2019) y "We've Been Going About This All Wrong" (2022).

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música uno de sus discos, "Are We There". Un trabajo intenso y dolorosamente romántico con grandes canciones, gran voz y con una gran banda.

 

ALBUM: Are We There

 

Es el cuarto disco de estudio de la cantautora estadounidense Sharon Van Etten. Fue publicado el 27 de mayo de 2014. Un álbum con profundidad emocional, vulnerabilidad y exploración sonora. Este trabajo es un punto de inflexión en la carrera de Van Etten, destacando su crecimiento como compositora y su capacidad para crear canciones que son profundamente personales y universalmente identificables.

El álbum está producido por la propia Van Etten con la ayuda del productor neoyorquino Stewart Lerman (Elvis Costello). Las canciones de Van Etten a menudo han encontrado su núcleo lírico en relaciones dolorosas y tiempos difíciles, que culminan en historias de incertidumbre y desesperación. La letra es un testimonio de su habilidad como narradora, entretejiendo descripciones vívidas de los altibajos de la relación con una profunda introspección.

Las 11 canciones son intensas e introspectivas. Tomemos como ejemplo el retrato a fuego lento de un romance tóxico de amor y odio en "Your Love Is Killing Me" o la obsesión por un amante ausente en "Break Me". Sin embargo, el disco no es todo desamor y dolor; también amplía enfoques musicales inventivos, dándole al álbum un sentimiento más brillante, incluso en sus momentos más oscuros. La canción "Taking Chances" se destaca, la voz de Van Etten sobre bases relajadas antes de introducir guitarras en el estribillo. En "Our Love" aparece una instrumentación similar con armonías multipista brillantemente arregladas y una versión independiente de los tonos sofisticados del R & B de los 80. Canciones como "Tarifa" explotan con secciones de trompeta, órgano Hammond y espirales de armonías vocales. Los cortes más tranquilos como "I Know" y "I Love You But I'm Lost" están impulsados por piano, dejando mucho espacio para las voces, mientras que las texturas cinematográficas y el acento de guitarra embrujado de "You Know Me Well" casi podrían dibujar comparaciones de momentos del atardecer en el desierto. Una de mis canciones favoritas de este disco es el número de cierre "Every Time the Sun Comes Up", mágico. 

Por lo tanto, la composición de Sharon Van Etten en este disco es vulnerable y abierta, y el uso de la atmósfera y los paisajes sonoros panorámicos funciona perfectamente para ubicar este dolor silencioso en una pantalla cinematográfica panorámica. Para mí es como un álbum de viaje por carretera. Realmente disfruto de la hipnótica repetición melódica.

Resumiendo, "Are We There" es un muy buen álbum. Con su honestidad inquebrantable, melodías y excelente producción, este disco es imprescindible para los fans del indie rock y los cantautores por igual.

 

Disco recomendado

 
Sharon Van Etten navega por los caminos de la soledad y el examen de conciencia con admirable gracia y madurez. Desde la hermosa portada de este álbum hasta la complejidad de la música y la excelencia de la voz de Sharon Van Etten, aquí suena algo muy especial. Personalmente me encanta el "jangle".

Gran álbum para descubrir a Sharon Van Etten. Estoy seguro de que si escuchas esto quedarás conquistado.

Video del tema "Every Time the Sun Comes Up" (Live):

Tracklist - canciones:

1.         "Afraid of Nothing"   4:05
2.         "Taking Chances"       3:50
3.         "Your Love Is Killing Me"    6:18
4.         "Our Love"     3:53
5.         "Tarifa"           4:51
6.         "I Love You But I'm Lost"    4:19
7.         "You Know Me Well"           4:32
8.         "Break Me"     4:01
9.         "Nothing Will Change"          3:16
10.       "I Know"        3:36
11.       "Every Time the Sun Comes Up"      4:23

THE CURE - Disintegration - Album

El disco "Disintegration" es un momento decisivo para la banda británica "The Cure" y uno de sus mejores álbumes en su increíble y extenso catálogo. El álbum más memorable de "The Cure" es la culminación de toda la música que hicieron a principios de los años 80. Deprimente, hipnótico y majestuoso, es todo lo que un verdadero fan podría desear.

La música dentro de "Disintegration" es compleja con capas de melodías entretejidas en un rico tapiz. El sonido es denso, rico, cálido y muy agradable de escuchar, aunque recomiendo utilizar auriculares para conseguir el "efecto psicodélico".

Intransigentemente sombrío y oscuramente emotivo, quiero recomendar "Disintegration" a los lectores de este blog de música, especialmente a los melómanos más jóvenes que quizás no estén familiarizados con esta joya del rock alternativo.

 

ALBUM: Disintegration 

 
Este es el octavo LP de estudio de la banda de rock inglesa "The Cure" publicado el 2 de mayo de 1989.

Este disco marca un regreso al estilo de rock gótico introspectivo que la banda había establecido a principios de los años 1980. El vocalista y guitarrista Robert Smith sintió presión cada vez mayor para continuar con los éxitos pop de la banda. Esto, junto con el disgusto por la nueva popularidad del grupo, hizo que Smith volviera a consumir sustancias alucinógenas, cuyos efectos tuvieron una fuerte influencia en la producción de este álbum.

Con varios sencillos de gran éxito, incluido "Lovesong", "Disintegration" sigue siendo el disco más vendido de la banda hasta la fecha, con más de cuatro millones de copias vendidas en todo el mundo. Encontrarás a Robert Smith cavando profundamente en su interior (natural y artificialmente), madurando y entregando su obra maestra atemporal que él (The Cure) nunca volvería a superar.

El octavo LP, "The Cure" alcanzó la cima de su popularidad con esta oferta oscuramente seductora. Es un disco hipnótico y fascinante, compuesto casi en su totalidad por temas épicas como la canción "Pictures of You". El puñado de canciones pop no alivia la atmósfera pesimista. Los sombríos paisajes sonoros de "The Cure" suenan atractivos, sin embargo, las canciones "Fascination Street" y "Lullaby" están bien construidas y son absolutamente memorables.

"Disintegration" es también la cima del género gótico que nunca llegaría más alto que esto, pero también es el LP que se elevó por encima del gótico como tal. Caracterizado por un uso significativo de sintetizadores y teclados, lentas progresiones de guitarra y la voz introspectiva de Smith, los temas suenan inquietantes. Robert Smith y David M. Allen (este trabajo con The Sisters of Mercy, The Chameleons, Depeche Mode, The Mission, The Associates, The Human League) hacen el trabajo de producción fusionando guitarras que hacen eco entre sí, teclados que hacen eco de guitarras, bajos profundos tambores retumbantes y jangle. Canciones de tristeza y melancolía son desesperantes pero libres de cualquier emoción con arreglos elaborados. Todo esto hace de "Disintegration" sea una obra maestra de la banda que simboliza toda una era del rock gótico.

Resumiendo, este es un disco que ha resistido la prueba del tiempo y continúa resonando entre los oyentes de todas las edades, especialmente entre los fans. Este es mi disco favorito de la discografía de "The Cure", y te recomendaría también su LP "Faith" de 1981 como contraste.

 

Disco recomendado

 
Este es un álbum con un sonido exuberante y es una de las razones por las que lo disfruto tanto. Es detallado, inteligente y psicodélico. Encontrarás a Robert Smith profundizando en su interior y entregando su obra maestra atemporal que nunca superaría.

Una gran recomendación para los fans del rock alternativo que disfrutan de un toque oscuro y psicodélico.

Video del tema "Fascination Street":

Tracklist - canciones (original LP):

1.         "Plainsong"     5:12
2.         "Pictures of You"       7:24
3.         "Closedown"  4:16
4.         "Lovesong"     3:29
5.         "Last Dance"  4:42
6.         "Lullaby"        4:08
7.         "Fascination Street"    5:16
8.         "Prayers for Rain"      6:05
9.         "The Same Deep Water as You"        9:19
10.       "Disintegration"          8:18
11.       "Homesick"     7:06
12.       "Untitled"       6:30

Personal (Músicos):

• Robert Smith – guitarras, voz, teclados, bajo de seis cuerdas
• Simón Gallup – bajo
• Porl Thompson – guitarras
• Boris Williams - batería, percusión
• Roger O'Donnell - teclados
• Lol Tolhurst