YAZOO | Upstairs at Eric's - Album

Yazoo (Dúo)

 
También conocidos como "Yaz" en Norteamérica fue un dúo de synth-pop inglés de Basildon, Essex, formado por el ex miembro de Depeche Mode Vince Clarke (teclados) y Alison Moyet (voz).

Durante los siguientes 18 meses, el dúo publicó dos álbumes, "Upstairs at Eric's" y "You and Me Both", que recibieron elogios de la crítica por su producción, en particular por la combinación de las melodías del sintetizador de Clarke con la voz de Moyet, influenciada por el blues y el soul.

Una breve historia:

Clarke y Moyet crecieron en Basildon y asistieron a la misma escuela de música cuando tenían once años. Vince Clarke se interesó por la música electrónica después de escuchar a la banda de sintetizadores "Orchestral Maneuvers in the Dark (OMD)", y luego cofundó "Depeche Mode". Alison Moyet pasó su adolescencia cantando en varias bandas de punk y blues. Publicó un anuncio en la revista musical semanal del Reino Unido "Melody Maker" a finales de 1981 solicitando músicos para formar una banda después de que su grupo más reciente, "Screamin 'Ab Dabs", se había disuelto. Moyet se sorprendió cuando la única respuesta que recibió fue de Vince Clarke, quien recientemente había sorprendido al mundo musical al dejar "Depeche Mode" después de su álbum debut.

Un dato curioso, a pesar de haber crecido cerca, Moyet y Clarke no se conocían. Moyet había estado en la misma clase en la escuela que los futuros compañeros de banda de Depeche Mode de Clarke, Martin Gore y Andy Fletcher, pero no tenía contacto con el propio Clarke.

La formación duró un año y medio y solo lanzaron dos discos como Yazoo. A continuación la discografía de álbumes de estudio:

• Upstairs at Eric's (1982)
• You and Me Both (1983)

El dúo se separó de "malas maneras" en mayo de 1983 como resultado de una combinación de la renuencia de Clarke a hacer más discos bajo el nombre de "Yazoo", un choque de personalidades y una falta de comunicación entre ellos. Vince Clarke pasó a formar "Erasure", otro dúo de synth-pop, mientras que Alison Moyet se embarcó en una carrera en solitario de gran éxito.

Yazoo duró relativamente poco pero tuvieron un gran impacto sobre el género del "pop-electrónico". Han sido citados como una importante influencia en la escena de la música house que surgió a mediados de los 80, así como en bandas como "LCD Soundsystem", "Hercules and Love Affair", "La Roux" … etc., por mencionar algunos.

Mi disco favorito de Yazoo es el debut "Upstairs at Eric's", un disco de temas bailables que arrasaron las pistas de baile en su momento.

ALBUM: Upstairs at Eric's

El álbum debut fue publicado el 20 de agosto de 1982. Fue producido por la banda y E.C. Radcliffe, con la ayuda de Daniel Miller, en algunas de las canciones. Fue precedido por los exitosos sencillos, la balada "Only You" y el más dinámico "Don't Go". El éxito de dichos singles ayudó a "Upstairs at Eric´s" a alcanzar el #2 de la lista de álbumes del Reino Unido y a obtener la certificación de platino por +300.000 copias vendidas en el Reino Unido.

El álbum es rico en texturas, sonidos, experimentación y música rock exquisitamente bailable. Los "dúos" de música de sintetizadores eran abundantes a principios de los 80, especialmente en Gran Bretaña; pero Yazoo logró tocar un acorde único, con melodías irresistiblemente pegadizas, cantadas con poder y seguridad y luego con un brillo lustroso. Se compara Yazoo a veces con "Eurythmics", pero en el registro, lo que diferenciaba a los dos dúos era que el sonido de Eurythmics estaba fuertemente influenciado por el rock, mientras que Yazoo era el pop-soul con una ligera vena experimental.

Vince Clarke hace su magia con dos temas en particular, "Don't Go" y "Situation", con un sintetizador burbujeante y una entrega poderosa y blues de la cantante Alison Moyet. Ambos son éxitos en la pista de baile y desde entonces han experimentado numerosos remixes. "Bring Your Love Down (Didn't I)" es un tema igual de bueno, agregando un maravilloso puente murmurado que muestra cuánto disfrutaba Clarke experimentando con la música pop. La canción "Only You" es más suave con la voz de Moyet que lo hace agridulce y atractivo. Los cortes experimentales parecen torpes pero ilustran el gran giro del álbum hacia lo experimental. El bucle de "I Before E Except After C", el minimalista "Winter Kills" y una llamada telefónica disruptiva en medio de la ingenua "Bad Connection" ofrecen momentos más complejos e íntimos dentro del disco. En fin, "Upstairs at Eric 's" presenta un paisaje urbano fracturado, bien iluminado y paranoico.

Una cosa que se suele pasar por alto cuando "analizando" este disco es la fuerza de las contribuciones compositivas de Moyet, que a veces igualan a las de Clarke en pura habilidad y, con frecuencia, las superan en lo emocional.

Un disco recomendado. Retrospectivamente lo que me sorprende es poder escuchar como dos chicos de 20 años pudieron escribir y grabar este álbum, me parece algo asombroso. Que todavía suene tan relevante en la actualidad es una hazaña. Por cierto, el tema "Only You" ha sido versionado por + 50 artistas. Prueba de que Vince Clarke es uno de los grandes del synth-pop.

Video del tema "Only You":

Tracklist (formato LP /versión UK):

- Cara A -

1."Don't Go" (Vince Clarke) – 3:08
2."Too Pieces" (Clarke) – 3:14
3."Bad Connection" (Clarke) – 3:20
4."I Before E Except After C" (Clarke) – 4:36
5."Midnight" (Alison Moyet) – 4:22
6."In My Room" (Clarke) – 3:52

- Cara B -

1."Only You" (Clarke) – 3:14
2."Goodbye 70's" (Moyet) – 2:35
3."Tuesday" (Clarke) – 3:22
4."Winter Kills" (Moyet) – 4:06
5."Bring Your Love Down (Didn't I)" (Moyet) – 4:40

THE BAGS | All Bagged Up The Collected Works 1977-1980

Bags (Banda de Punk)

Bags (también conocidos como "The Bags" y "Alice Bag Band") fueron un grupo de punk rock formado en 1977, una de las primeras generaciones de bandas de punk rock que surgieron de Los Ángeles, California. Duraron y grabaron muy poco pero dejaron una profunda huella.

The Bags fueron formados por Alicia Armendariz y Patricia Morrison, quienes se habían conocido mientras esperaban en la fila para ver a Elton John como invitado en el programa de TV liderada por Cher. Las dos se hicieron amigas rápidamente y finalmente decidieron formar una banda llamada "Femme Fatale". Kim Fowley (productor de "The Runaways") se enteró de la banda y pidió a los miembros que hicieran una audición para "Venus and the Razorblades" - el próximo intento de Fowley de crear una banda después de "The Runaways". Femme Fatale eventualmente se transformó en Bags.

La formación era Alice Bag (Alicia Armendariz) como vocalista y Pat Bag (Patricia Morrison) con el bajo, y el resto de la banda estaba compuesta por los guitarristas Craig Lee y Rob Ritter, y Terry Graham en la batería.

The Bags tocaron su primer concierto en "The Masque" el 10 de septiembre de 1977. Sus conciertos a menudo iban acompañados de escenas desordenadas, incluidos altercados con celebridades, como uno entre el cantante Tom Waits y el baterista Nicky Beat en la sala "The Troubadour".

En 1978, lanzaron su único disco, un single llamado "Survive", respaldado por "Babylonian Gorgon" en la cara B. Después de esto, Pat Bag dejó la banda y Ritter cambió al bajo. Sin embargo, en 1981 la banda se había separado.

Como anécdotas, Patricia Morrison pasó a unirse a la banda "Sisters of Mercy" y después "The Damned" (se casó con el cantante principal Dave Vanian), mientras que Rob Ritte y Terry Graham se unieron a "The Gun Club". Más tarde, Rob Graves se enganchó con Ritter con la banda de rock gótica ".45 Grave" antes de morir de una sobredosis de heroína en 1991. Craig Lee trabajó en "Catholic Discipline" antes de cambiarse a escritor, publicando "Hardcore California: A History of Punk and New Wave" antes de su muerte por SIDA.

Una banda pionera dentro del punk americano. Hay poco material disponible aunque afortunadamente se ha recopilado sus temas en "All Bagged Up... The Collected Works 1977-1980".

ALBUM: All Bagged Up... The Collected Works 1977-1980

 
Una recopilación de la banda punk rock THE BAGS publicada en 2007 por Artifix Records. Este LP de 12" representa todo lo que se pudo desenterrar de "The Bags" de L.A.

Afortunadamente, las pocas grabaciones de estudio de la banda, junto con algunas presentaciones en directo, demos y otras rarezas se juntan en esta compilación:

•  Teams 1-4: canciones de estudio de "The Dangerhouse Recordings 1978":
  Survive/Babylonian Gorgon/We Don't Need the English/We Will Bury You
• Temas 5-8: canciones en directo "The Masque" 1978:
  TV Dinner/Violent Girl/Animal Call/Chainsaw
• Temas 9-13: Directos de Portland Oregon November 25, 1979:
  7 and 7 is (Love)/1,2,3/Gluttony/In Love With Romance/Survive
• Temas 14-20: varios; ensayos, directos, demos y tomas alternativos:
  Car Hell/Real Emotions/Bag Bondage/We Will Bury You
  Disco's Dead/Prowlers in the Night/Nothing's Going on in Here

En resumen, una colección de canciones con una carga y una energía impresionante. No se buscaba ninguna melodía pegadiza sino una actitud primordial con la esencia del punk al estilo L.A para canalizar toda la frustración de una parte de los jóvenes.

Un disco recomendado. Un álbum con lo disponible de la banda, y a un solo paso del hardcore. Será una gran adquisición para los fans del punk rock.

Video del tema "Gluttony" (en directo):

Tracklist:

01.Survive     
02.Babylonian Gorgon         
03.We Don't Need The English       
04.We Will Bury You           
05.TV Dinner
06.Violent Girl          
07.Animal Call          
08.Chainsaw  
09.7 And 7 Is
10.1,2,3          
11.Gluttony   
12. In Love With Romance  
13.Survive     
14.Car Hell    
15.Real Emotions      
16.Bag Bondage       
17.Disco's Dead        
18.Prowlers In The Night     
19.We Will Bury You           
20.Nothing's Going On In Here

ALTERNATIVE TV | The Image Has Cracked

Alternative TV (banda, también conocida como ATV)

 
Grupo post-punk inglés formado en Londres en 1977. El legado de Alternative TV se encuentra en que fueron pioneros en los ritmos reggae en el punk y luego redefinieron las reglas de género.

Alternative TV fue formada por Mark Perry (antes con "The New Beatles") el editor fundador de "Sniffin 'Glue", un fanzine punk, con el guitarrista Alex Fergusson. El nombre de la banda es una obra de teatro con el nombre de "Associated Television", una emisora británica también conocida como ATV. La banda ha experimentado varios cambios de formación durante su carrera.

El debut musical de la banda fue "Love Lies Limp", un disco flexible gratuito publicado con la edición final del fanzine "Sniffin 'Glue" de Perry. Para sus dos primeros singles, Perry y Fergusson estuvieron acompañados por el baterista John Towe (ex-Generation X) y Tyrone Thomas en el bajo; Towe más tarde se fue para unirse a "The Rage" y fue reemplazado por Chris Bennett. Esta formación era la versión más sencillamente "punk" de ATV, aunque combinaba canciones cortas y rápidas con piezas extendidas como el tema "Alternatives to NATO".

A finales de 1977, Perry despidió a su colaborador principal Alex Fergusson. Este último pasó a formar la banda "Cash Pussies" y, unos años más tarde, "Psychic TV" junto con "GenesisP-Orridge". Tyrone Thomas cambió a la guitarra, luego fue reemplazado por Kim Turner, mientras que Dennis Burns se unió al bajo. Un single influenciado por el "dub", "Life After Life", fue lanzado, seguido por el álbum debut de la banda, "The Image Has Cracked", ambos con Jools Holland como invitado al piano.

Los próximos lanzamientos verían a ATV alejarse de la música punk hacia un estilo más vanguardista experimentando más con el new wave y dub. Muchos creen que este cambio en la dirección musical alienó su apoyo inicial y a sus fans "incondicionales".

En marzo de 1979, en el escenario de Chelmsford, ATV se dio por terminada. Pero, en realidad no fue el final. La primera reunión de ATV, con Fergusson de nuevo a bordo, ocurrió en 1981; otra reunión mantuvo entretenido a Perry durante la segunda mitad de la década y, en 1999, Perry celebró el lanzamiento de su vigésimo álbum.

La discografía:

• The Image Has Cracked (1978)
• Vibing Up the Senile Man (Part One) (1979)
• Strange Kicks (1981)
• Peep Show (1987)
• Dragon Love (1990)
• My Life as a Child Star (1994)
• Punk Life (1998)
• Apollo (1999)
• Revolution (2001)
• Opposing Forces (2015) 

El álbum que más me gusta es "The Image Has Cracked". No es un disco que cambió el curso de la historia de la música, sino más bien una aventura experimentalmente valiente y lo suficientemente audaz como para desafiar las reglas establecidas del punk en su momento. Aquí su mérito.

ALBUM: The Image Has Cracked

 
El álbum de estudio debut publicado en mayo de 1978; con material en directo (4 temas grabados en el "100 Club" de Londres) y material de estudio (5 temas). En el momento de este LP debut, el cofundador Alex Fergusson ya no formaba parte de la banda. Por lo tanto, la formación de la banda para este disco es Mark Perry (voz, guitarra y producción), Dennis Burns (bajo) y Chris Bennett (batería). Jools Holland toca el sintetizador y el piano en dos canciones del álbum, dando un toque más de "new wave" al disco y descolocando al oyente.

La versión en CD de 1994 agrega 11 cortes adicionales al álbum original, incluidos los sencillos "Love Lies Limp" con inflexión de reggae y "Life After Life", entre muchos otros. Una oferta también interesante.

Volvemos al disco original. Aprovechando la promesa de que el punk era un nuevo medio de expresión en lugar de un nuevo conjunto de reglas musicales, ATV propone una serie de temas que exploran nuevas ideas tanto como "machacar". Una buena mitad del álbum proviene de un concierto en directo, incluida el corte final, "Splitting in Two". Los temas de estudio incluyen una gran versión de Frank Zappa de "Why Don't You Do Me Right?" y un himno de ATV, "Action Time Vision". Dicho esto, también tiene quizás una de las peores canciones de punk, "Alternatives", tema que abre el disco y francamente sobra.

En resumen, un disco recomendado. No es el mejor disco de punk, pero es fascinante. Incluso el material malo (ejemplo, "Alternatives") sigue siendo un flipe (mental). Este álbum además muestra y nos avisa de la mente musical moderna de Mark Perry. El álbum es un cruce entre dub, reggae, punk y kraut rock. Para mi el mejor álbum de todos los lanzamientos de ATV.

Video del tema "Action Time Vision":

Tracklist (formato LP vinilo):

- Cara A -

1.         "Alternatives"             9:43
2.         "Action Time Vision"             2:33
3.         "Why Don't You Do Me Right?" (Frank Zappa)      3:12
4.         "Good Times"             2:33
5.         "Still-Life"                  5:22

- Cara B -

1.         "Viva La Rock n' Roll"                      4:19
2.         "Nasty Little Lonely"             6:22
3.         "Red"     2:04
4.         "Splitting in Two"    5:12

BABASONICOS | Jessico - Album

Babasónicos (Banda)

Grupo de rock argentino, formado a principios de los años 90. Después de emerger en la ola de bandas argentinas de "New Rock" de finales de los 80 y principios de los 90, "Babasónicos" se convirtió en uno de los grupos bandera del movimiento de rock underground "sónico" en Argentina. El nombre de la banda se refiere en parte a "Sai Baba", un Gurú indio, y en parte a "The Jetsons" (TV sitcom americano), cuya versión en español se llama "Los Supersónicos". Son una de las bandas de rock más aclamadas de América Latina y apoyando a grandes grupos en giras como INXS, Los Brujos y Depeche Mode.

El vocalista Adrián "Dárgelos" Rodríguez y el tecladista Diego "Uma-T" Tuñón inicialmente decidieron crear un nuevo estilo de música, que no seguiría la línea establecida en su país. Los otros integrantes oficiales de la banda son: Diego "Uma" Rodríguez (guitarrista y vocalista), Mariano "Roger" Domínguez (guitarrista), Diego "Panza" Castellano (baterista) y el fallecido Gabriel "Gabo" Manelli (bajista). Para su segundo álbum, Trance Zomba (1994), incorporaron un DJ invitado, "DJ Peggyn", quien eventualmente permanece como miembro de la banda hasta después de publicar el disco Miami (1999).

En 2008, la banda informó que su bajista de toda la vida, Gabriel Manelli, había muerto como resultado de la enfermedad de Hodgkin. Carlos Hernán Carcacha (Carca), multi-instrumentista y amigo de toda la vida, se unió al grupo para reemplazar a Manelli.

La discografía de álbumes (de interés) hasta ahora:

1992    Pasto
1994    Trance Zomba
1996    Dopádromo
1997    Babasónica
1999    Miami
2001    Jessico
2003    Infame
2005    Anoche
2008    Mucho
2011    A propósito
2013    Romantisísmico
2018    Discutible

En general la discografía es buena. Sin embargo, escucho con más regularidad el disco "Jessico".

ALBUM: Jessico

El sexto álbum fue publicado el 25 de julio de 2001.

Fue aclamado por la crítica y los periodistas, la mayoría de los cuales lo consideraron el mejor trabajo de la banda. La portada del álbum ilustra el sentido del humor de la banda (estrafalario-sarcástico)… te dejo que lo interpretes tú mismo.

Es un álbum muy entretenido. Lo que es genial es el dominio de la banda de todo tipo de estilos musicales. Los "Babasónicos" tienen la energía y la amplitud de miras de una banda joven cruzada con la experiencia de una veterana. Este fue un disco clave para los "Babasónicos", los consolidó dentro de la selecta lista de los grupos más importantes de Argentina y al mismo tiempo sería la confirmación del sonido pop electrónico y melódico que venían defendiendo y que predominará en adelante. Es un disco cargado de psicodelia, pop, rock y canciones pegadizas. También destaca la producción y uso más frecuente de sintetizadores, melodías armoniosas y letras inteligentes.

Considera el primer corte, "Los Calientes", que tiene un sintetizador oscuro cruzado con la voz cálida de Rodríguez; una hermosa parte orquestal final y los suficientes ritmos de funk astutos para convertirse en una gran canción (recuerda a "Beck"). En adelante la banda se desliza con perfecta facilidad desde el anhelo, el rock apasionado, con toques de "spaghetti western", la distorsión vocal industrial, el country twang …hasta un trabajo de MC y riffs con fuerza de metal. Otro ejemplo del talento que se irradia del grupo es la parte en el medio de la canción "Pendejo" donde de repente todo se convierte en un rock doom al nivel de "Black Sabbath". Y en medio de todo esto hay hermosas baladas como "El Loco" y la perversamente titulada pero bellamente suave "Tóxica", que muestra que los "Babasónicos" saben cómo usar la herencia musical de Argentina tanto como la internacional para su propio beneficio.

Un disco recomendado. Hace honor al rock argentino con sus buenos arreglos, innovación instrumental, cuidada por el detalle y efectos técnicos. Además es bailable, alegre aunque nada inocente, ácido y sensual...todo envuelto dentro de un contexto "internacional" de manera inteligente, contundente y espectacular. Mola!

Video del tema "Los Calientes":

Tracklist (formato CD):

01."Los Calientes"
02."Fizz"
03."Deléctrico"
04."Soy Rock"
05."Pendejo"
06."El Loco"
07."La Fox"
08."Tóxica"
09."Yoli"
10."Rubí"
11."Camarín"
12."Atomicum"

KILLJOYS | Naive - Album

Una banda que solo lanzó un single, "Johnny Won't Get to Heaven". Entonces, ¿por qué aún hoy existe tanto "hype"? La respuesta es que tenían mucha clase y tenían un verdadero estilo punk. Enérgicos con una fuerte presencia visual, incluido una bajista "sexy" que nunca está de más, explotaron sobre la escena británica, aunque nunca fueron una banda hecha para durar y, por supuesto, no lo hicieron. Hablo de...

KILLJOYS (Banda)

Grupo británico de punk , que surgió de otra formación "Lucy & the Lovers", logrando notoriedad por el single de 1977 "Johnny Won't Get to Heaven". Con Kevin Rowland y Heather Tonge en la voz, el bajista "Gem", el guitarrista "Mark Phillips" y el baterista "Joe 45", el único lanzamiento de la banda se ganó el apoyo del influyente DJ de radio "John Peel", quien llevó a la banda a los estudios de la BBC durante dos Peel Sessions. El "bombo publicitario" creó unas expectativas enormes pocas veces vistas.

No obstante, antes de grabar más material, la banda se separó cuando las sesiones de ensayo de ocho horas forzadas de Rowland comenzaron a pasar factura, especialmente porque los otros miembros tenían una visión diferente. La tensión entre Kevin Rowland y el resto de la formación llegó a ser insoportable. Rimell dejó la banda después de una discusión con Rowland. Peach, Philips y Weston pronto se fueron para formar "Out of Nowhere" (más tarde llamada "Alternating", y luego "Luxound Deluxe"), y Weston se unió más tarde a "Girlschool" por recomendación de Lemmy (Motorhead). Kevin Rowland, desilusionado con el punk rock, se sumergió en la música soul y formó una nueva banda, "Dexys Midnight Runners".

Solo hay un álbum "completo" disponible, una compilación "montada" titulada "Naive" para aprovechar el tirón que aún existe con este grupo. Impresiona los muchos fans que siguen adquiriendo después de tantos años.

ALBUM: Naive

Un mini álbum de ocho temas que incluye todas las grabaciones de "Raw Records" más material en directo tomadas de "Punk In London". Inicialmente publicado en 1991, hay más reediciones disponibles, por ejemplo, una de 2016. Una pieza relativamente difícil de encontrar que necesitara algo de trabajo de investigación online para tener físicamente este gran disco. Dicho esto, siempre tendrás las plataformas digitales.

Las canciones son explosiones sónicas. Extrayendo el punk de 1977 de las primeras aventuras musicales de Kevin Rowland, es casi esencial si te gusta el rock 'n roll primitivo. No es una obra que cambia el mundo musical, pero sí es una realización sublime del sonido punk primordial.

Los primeros cuatro temas ilustran perfectamente la primera ola de punk británico. El corte "Recognition", por ejemplo, no es exactamente radical pero se combina tan perfectamente, la construcción del estribillo y su riff encaja justo cuando empieza el estribillo, es magnífico... luego los coros femeninos, son simplemente maravillosos. Si esto no es suficiente, la pista "Naive" es una joya de punk, además del único single "Johnny Won't Get to Heaven". 

No grabaron nada más, pero esto no nos debe entristecer, el hecho de que lanzaron tan poco, captura bien la inmediatez de la (su) música. 

Un disco recomendado. Nos dejaron un trozo de puro punk que debería estar en la colección de discos de todo el mundo.

Video del tema "Recognition":

Tracklist:

1. At Night
2. Recognition
3. Naive
4. Johnny Won't Get to Heaven
5. Johnny Won't Get to Heaven (Edit)
6. Johnny Won't Get to Heaven (Live)
7. Johnny Won't Get to Heaven (Interview)
8. At Night
9. Trevors Sob

THE WHO - Mejores albums ranked

Los mejores álbumes de THE WHO 

Mis Top 10 álbumes (Ranking) de la banda británica "The Who":

1. Who’s Next
2. Quadrophenia
3. Tommy
4. My Generation
5. The Who Sell Out
6. The Who By Numbers
7. A Quick One
8. Who Are You
9. Face Dances
10. It's Hard

Obviamente una elección subjetiva, abierta a cambios y siempre sujeto a los gustos de cada persona. Adjunto un video que he montado del Top 10 Ranking:

Como se podrá ver en el video, para mi, el mejor álbum de THE WHO es "Who 's Next" (1971).

A continuación, escribo un poco sobre la banda, su legado-influencia y terminó con un resumen del gran disco "Who 's Next".

THE WHO (Banda)

The Who es una banda de rock inglesa formada en Londres en 1964. Su formación clásica estaba formada por el cantante principal Roger Daltrey, el guitarrista y cantante Pete Townshend, el bajista John Entwistle y el baterista Keith Moon.

Keith Moon murió el 7 de septiembre de 1978, mientras que John Entwistle murió el 27 de junio de 2002. La banda ha continuado (siguen en actualidad) con los miembros principales Roger Daltrey y Pete Townshend junto con diversos colaboradores.

Legado e influencia:

The Who es una de las bandas de rock más influyentes del siglo XX. Sus apariciones en los Festivales de "Monterey" y "Woodstock" (1968) les consagraron como uno de los mejores grupos de rock en directo, y se les atribuye el origen de la "ópera rock". La banda ha vendido +100 millones de discos en todo el mundo.

Las contribuciones del grupo al rock incluyen el "power chord" (junto con Link Wray) y el uso del sonido distorsión, como la retroalimentación. La banda también influyó en la moda desde sus primeros días con su adopción del arte pop y el uso de la "Union Jack" para la ropa. El incidente de la destrucción de la guitarra en el "Railway Hotel" en 1964 por Townshend sobre el escenario es uno de los "50 momentos que cambiaron la historia del Rock 'n' Roll" de la revista americana de música "Rolling Stone".

La banda "Pink Floyd" comenzó a utilizar la distorsión de sus primeros directos en 1966, inspirados en "The Who", a quienes consideraban una influencia formativa. Poco después de llegar a Londres en 1966, "Jimi Hendrix" visitó la tienda de música de Marshall para exigir una configuración de amplificador como la de Townshend y manipuló los ruidos electrónicos en formas en las que Townshend había sido pionero. The Beatles y The Rolling Stones eran fans.

El alto volumen de los directos de la banda influyó en el enfoque del hard rock y el heavy metal. Grupos de "proto punk" y "punk rock" como MC5, The Stooges, Ramones, The Sex Pistols, The Clash, Queen … Green Day, etc., citan a "The Who" como influencia. "The Who" inspiró bandas de revival mod, particularmente "The Jam" y bandas de hard rock como "Guns N 'Roses". A mediados de la década de 1990, bandas de Britpop como "Blur" y "Oasis" fueron influenciadas por "The Who".

La banda fue incluida en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 1990 y en el "Salón de la Fama de la Música" del Reino Unido en 2005.

ALBUM: Who's Next
(El mejor disco de THE WHO)

Quinto álbum de estudio publicado el 14 de agosto de 1971. Desde entonces ha sido considerado por críticos como el mejor álbum de "The Who" y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. También es famoso por la portada de su álbum, una fotografía tomada en "Easington Colliery" de la banda aparentemente acabando de orinar en un gran pilote de hormigón que sobresale de un montón de escoria. La idea vino de Entwistle y Moon discutiendo sobre Stanley Kubrick y la película "2001: A Space Odyssey".

Después de cuatro álbumes,"The Who" suena como se suponía que debía sonar. La banda participó en un proceso creativo dominado por la visión y la innovación técnica de Pete Townsend. El golpe más brillante de Townsend fue escribir las canciones para alinear las fortalezas de todos los miembros en este disco. La banda emerge como un formación solida, musculoso y ruidoso listo para conquistar el mundo, o al menos destruirlo. Claramente, la tecnología de grabación se utilizó inteligentemente y expandió los horizontes musicales. La guitarra de Townsend muestra un poder sónico puro en todo momento y la batería de Keith Moon truena con fuerza. El boom del bajo de John Entwistle mantiene todo anclado y la voz de Roger Daltrey emite dureza y bravuconería; de hecho, "The Who" nunca suena tan fuerte y poderoso en el estudio como en este disco.

Video sobre "Who 's Next". The Who y críticos comentan sobre el disco:

Dicho esto, gran parte de "Who's Next" se deriva del proyecto "Lifehouse" (ocho de las nueve canciones de "Who's Next" son de Lifehouse), una ambiciosa ópera de rock de ciencia ficción que Pete Townshend abandonó después de sufrir un ataque de nervios, causado en parte por trabajando en la secuela de "Tommy".

En este álbum, Peter Townshend desarrolló una "obsesión" con los sintetizadores durante la grabación del álbum, y están en todas partes, agregando textura donde se necesita y amplificando la fuerza, que ya está en un punto álgido. Aparte del disco en directo "Live at Leeds", "The Who" nunca ha sonado tan ruidoso, pero está equilibrado por baladas, "The Song Is Over" y "Behind Blue Eyes". Esa es la clave de "Who 's Next", hay ira y tristeza, humor y arrepentimiento, pasión y tumulto, todo envuelto en un paquete potente donde la rabia es tan conmovedora como la angustia. Sin embargo, a pesar de todo el dolor y la angustia que corre debajo de la superficie, este es un disco vigorizante, no solo porque Keith Moon toca desenfrenado o porque Roger Daltrey nunca ha cantado mejor o porque John Entwistle toca líneas de bajo maníacas que son tan cautivadoras. Esto es impresionante porque tiene todo eso, además de Townshend desnudando su alma.

The Who son los pioneros del género de la "ópera rock", sin embargo, este álbum es puro rock & roll, con el toque y la valentía añadidos (y los c*jones) para introducir  tecnología de vanguardia para su época.

Algunos momentos destacados para mí en este álbum son: "Love Ain't For Keeping", "Behind Blue Eyes", la épica "Won't Get Fooled Again" y, por supuesto, Baba O'Riley ". Dicho esto, todo el disco es genial, no hay un mal momento.

Un disco recomendado, especialmente para el lector más joven que quizás aún no conozca "The Who". Es sin duda, uno de los grandes álbumes del rock. Es más, "Who 's Next" es una escucha esencial para cualquier fan de la música.

Tracklist (formato original LP vinilo):

- Cara A -

1.         "Baba O'Riley"           5:08
2.         "Bargain"        5:34
3.         "Love Ain't for Keeping" 2:10
4.         "My Wife"                  3:41
5.         "The Song Is Over"    6:14

- Cara B -

1.         "Getting in Tune"       4:50
2.         "Going Mobile"                      3:42
3.         "Behind Blue Eyes"               3:42
4.         "Won't Get Fooled Again"    8:32

The Who (miembros de la banda):

• Roger Daltrey - voz principal
• Pete Townshend – guitarra, VCS 3, órgano, sintetizador ARP, voz, piano en "Baba O'Riley"
• John Entwistle: bajo, metales, voz y piano en "My Wife"
• Keith Moon - batería, percusión.

Músicos adicionales:

• Dave Arbus - violín en "Baba O'Riley"
• Nicky Hopkins - piano en "The Song Is Over" y "Getting in Tune"
• Al Kooper - Órgano Hammond en la versión alternativa de "Behind Blue Eyes"
• Leslie West: guitarra principal en las sesiones de Record Plant en la "edición de lujo", incluidas "Baby, Don't You Do It" y "Love Ain't for Keeping" (versión eléctrica).

Producción

The Who – producción
Glyn Johns – producción asociada, grabación, mezcla

R L BURNSIDE | First Recordings

Un bluesman que tuvo una vida intensa y consiguió éxito tarde. Sorprendentemente impactó directamente más sobre las escenas punk y rock-garage. Hablo de...

R. L. Burnside (Bluesman)

Cantante de blues estadounidense, compositor, guitarrista y discípulo de otro bluesman "Mississippi Fred McDowell". Vivió la mayor parte de su vida en la región montañosa de Mississippi, que, a diferencia de la región del Delta, consiste principalmente en una gran cantidad de pequeñas granjas. Sus otras influencias musicales son: Muddy Waters, John Lee Hooker y Lightnin 'Hopkins. Pero a diferencia la música de R L Burnside es puro country Delta blues (formato "juke joint" - bar), fuertemente orientada al ritmo y tocada con un "slide". Tocó música durante gran parte de su vida, pero recibió poco reconocimiento antes de principios de la década de 1990. En la segunda mitad de esa década, Burnside grabó y realizó una gira con Jon Spencer, obteniendo un "crossover" que impacta sobre una nueva generación de artistas de rock (un ejemplo, "The Black Keys").

R.L Burnside tenía una voz potente y expresiva y tocaba la guitarra eléctrica y acústica, con y sin "slide". Al igual que otros músicos de country blues, no siempre se adhirió a patrones estrictos de blues de 12 o 16 compases, y a menudo agregaba ritmos adicionales a la medida que consideraba conveniente. Sus ritmos se basan a menudo en el blues de pífano y batería. Favorece un enfoque sencillo del blues, marcado por una cualidad de crudeza. Él y sus managers posteriores "crearon" su personalidad (marketing) como un hombre trabajador que lleva una vida de lucha, un gran bebedor, un delincuente latente que canta canciones sobre la arrogancia y rebelión. Durante sus actuaciones narraba largas historias en conciertos y eventos sociales y muchas fuentes señalaron su ingenio y carisma.

Una breve historia:

R.L Burnside nació en 1926 en la zona rural del condado de Lafayette, Mississippi. Su primer nombre se da de diversas formas como R. L (Rural, Robert Lee, Rule etc). Su padre abandonó a la familia desde el principio y R. L. creció con su madre, sus abuelos y varios hermanos.

Tocaba la armónica y después se dedicó a tocar la guitarra comenzando a los 16 años. Dijo que tocó en público por primera vez a los 21 o 22 años. Aprendió principalmente de "Mississippi Fred McDowell", quien había vivido cerca de Burnside desde que Burnside era un niño. Escuchó a McDowell tocar por primera vez a una edad temprana y finalmente se unió a sus conciertos para tocar en un último set.

A fines de la década de 1940, como muchos, se mudó a Chicago, donde su padre había vivido desde que se separó de su madre, con la esperanza de encontrar mejores oportunidades económicas. Encontró trabajo en fábricas de metal y vidrio, además tenía la compañía de Muddy Waters (su primo político) y disfrutó de la escena del blues en Maxwell Street. Pero las cosas no resultaron como esperaba; en el lapso de un año, su padre, dos hermanos y dos tíos fueron asesinados en la ciudad. Tres años después de llegar a Chicago, Burnside regresó al sur.

Durante su tiempo en el Delta, conoció a los músicos de blues "Robert Lockwood Jr". y "Aleck "Rice" Miller". Parece que fue en ese momento cuando Burnside mató a un hombre, posiblemente en un juego de dados y fue declarado culpable de asesinato y encarcelado. Más tarde relataría que su jefe en ese momento había hecho los arreglos para liberarlo después de seis meses, ya que necesitaba las habilidades de Burnside como conductor de tractor. El hombre además tenía suerte!

Pasó los siguientes 45 años en los condados de Panola y Tate, en el norte de Mississippi, trabajando en la década de 1980 cultivando algodón y soja, como pescador comercial en el río Tallahatchie, vendiendo su pesca de puerta en puerta y como camionero. Paralelamente actuaba en bares locales y en fiestas tocando la guitarra. Paradójicamente, su carrera musical floreció en los últimos veinte años de su vida.

Después de llamar la atención a finales de los 60 a través de los folcloristas David Evans y George Mitchell, grabó para los sellos discográficos Vogue, Swingmaster y Highwater. Aunque había realizado giras cortas, no fue hasta finales de los años 80 cuando fue invitado a actuar en varios festivales europeos de blues. En 1992, apareció junto a su amigo "Junior Kimbrough", en un documental importante para él, "Deep Blues". R.L Burnside atrajo la atención de Jon Spencer, el líder de Jon Spencer Blues Explosion. Comenzó a hacer giras con este grupo en 1995, ganando una nueva audiencia. Pronto, otras estrellas de rock estaban elogiando la música bluesman, incluidos Bono (U2), Iggy Pop, Robert Palmer ... etc. Burnside continuó con giras, e incluso se animó con los "Beastie Boys".

Aprovechando su tarde éxito, las discográficas publicaron todo el material que tenían guardados o en archivo mientras la salud de R.L comenzaba a deteriorarse. Murió en el Hospital St. Francis en Memphis, Tennessee, el 1 de septiembre de 2005, a la edad de 78 años debido a continuos problemas cardíacos. 

La discografía* (faltan títulos, aunque estos son muy interesantes):

• Sound Machine Groove (1981)
• Plays and Sings the Mississippi Delta Blues (1981)
• Mississippi Hill Country Blues (1987)
• Skinny Woman (1989)
• Bad Luck City (1992)
• Too Bad Jim (1994)
• A Ass Pocket of Whiskey (1996)
• Mr. Wizard (1997)
• Acoustic Stories (1997)
• Come On In (1998)
• Wish I Was in Heaven Sitting Down (2000)
• A Bothered Mind (2004)

Te voy a proponer un álbum que no está en la lista (discografía) que propongo arriba. El lanzamiento de 2003 "First Recordings" me parece ideal para conocer este bluesman si ya no lo conoces. Aparte la música (el repertorio) es genial.

 

ALBUM: First Recordings

Publicado en 2003 en formato CD por "Fat Possum". En el momento en que se grabaron sus canciones, 1967 y 1968, R.L. Burnside estaba trabajando en una plantación en Coldwater, MS, cortando ensilaje. Ocho de los 14 temas son tradicionales, el acompañamiento es básicamente de pisadas rítmicas, una guitarra acústica y su intensa voz.

El disco tiene su contexto. El folclorista George Mitchell tenía la misión de grabar a cantantes de blues desconocidos en el sur. Mitchell se enteró de R L Burnside y lo visitó, preguntando si podía grabarlo. Una noche Mitchell se presentó a la casa de Burnside con una caja de cerveza y un poco de whisky. Diez meses después, R.L Burnside tuvo su primera grabación. Si bien estas 14 canciones no impulsaron inicialmente la carrera de Burnside, son orgánicas y atemporales.

Las canciones indican estar grabadas en el alma de Burnside mientras gime y aúlla cuentos clásicos de corazones rotos, mujeres "sueltas" y los resultados finales que ambos traen. Aunque el humor característico de Burnside se volvería más frecuente en lanzamientos posteriores, se asoma un par de veces, sobre todo en los cortes "Skinny Woman" y "Long Haired Doney".

Dicho esto, no hay malas canciones en este álbum; todos son para destacar. De ahí que se pueda tomar cualquier canción como punto de partida. El primero, por ejemplo, "Just Like a Bird without a Feather" es una canción lenta e inquietante. Pasamos a un tema "estilo tren", "Goin 'Down South", un número de ritmo rápido sobre cómo salir del norte y volver a casa, que podría estar inspirado en la temporada de Burnside en Chicago en la década de 1950, donde su padre, hermano y tío todos fueron asesinados en el plazo de un mes. La canción tiene los retumbos de una locomotora y presenta el trabajo de guitarra de Burnside y una voz que recuerda al infame gruñido de "Blind Willie Johnson". Más adelante, R.L Burnside demuestra sus considerables habilidades para tocar "slide" en "Walkin’ Blues ", que, de hecho, tiene el ritmo de un paso constante y triste. Se puede escuchar a los grandes bluesmen en "Elmore James", "Freddie King" y su mentor, "Mississippi Fred McDowell", todo en un solo tema. El resto es un disco mágico y casi perfecto para presentar a este gran músico y bluesman. Todo es muy simple; solo la seductora y perfectamente sincronizada voz de R L Burnside sobre una guitarra, algo que resulta ser mágico.

Un disco recomendado. "First Recordings" es un documento importante de uno de los últimos grandes músicos del blues sureño. Este álbum es un tesoro para los fans de R.L Burnside y de blues por igual.

Video del tema "Walkin Blues":

Tracklist (formato CD):

1                      Just Like A Bird Without A Feather 3:09
2                      Goin' Down South     2:34
3                      Come On In    1:49
4                      Little Babe      2:23
5                      Rollin' And Tumblin'  3:19
6                      Jumper On The Line   2:34
7                      Skinny Woman           2:09
8                      Poor Black Mattie      2:06
9                      Long Haired Doney   2:47
10                    Peaches           2:52
11                    Walkin' Blues 3:25
12                    Hobo Blues     2:27
13                    My Time Ain't Long  2:20
14                    Sat Down On My Bed And Cried    3:15

JESSIE WARE | What's Your Pleasure?

Jessica Lois Ware  (Músico)

Cantante y compositora dentro de la música dance británica.

Jessie Ware nació y se crio en Londres (UK). Obtuvo una licenciatura en literatura inglesa de la Universidad de Sussex. Su carrera musical comenzó en serio con colaboraciones de vocalista, al principio una búsqueda a tiempo parcial mientras trabajaba como periodista. A finales de 2010, Ware publicó "Nervous", una colaboración con "SBTRKT" (músico y productor inglés). El año siguiente fue aún más productivo. Su primer lanzamiento de 2011 fue "Valentine", un dueto con el vocalista-productor "Sampha". Fue seguido por dos apariciones en el álbum homónimo de SBTRKT, una de las cuales, "Sanctuary", también contó con Sampha. "The Vision", la canción principal del debut en "4AD" del productor de dubstep "Joker", fue el escaparate más impresionante de Ware hasta ese momento. Después de firmar con el "sello PMR", cerró el año con otro single en solitario, "Strangest Feeling", producido por "Dave Okumu" de "The Invisible".

Durante la década de 2010, Jessie Ware se ubicó en una línea de luminarias sofisticadas del soul y dance del Reino Unido que van desde Sade, Lisa Stansfield y Caron Wheeler hasta Tracey Thorn y Róisín Murphy. Además, Disclosure, HAIM, Nicki Minaj y Ed Sheeran se encuentran entre los que han buscado su ayuda en la composición y / o voz para sus proyectos.

La discografía hasta ahora:

• Devotion (2012)
• Tough Love (2014)
• Glasshouse (2017)
• What's Your Pleasure? (2020)

Francamente, sabía muy poco de este artista hasta su último disco "What 's Your Pleasure?". Un fantástico álbum de música dance sofisticada y muy bien producida que incluso elegí como uno de los mejores álbumes publicados del 2020.

ALBUM: What's Your Pleasure?

El cuarto álbum de estudio publicado el 26 de junio de 2020. Con doce temas que se enfocan principalmente en varios géneros de música electrónica y dance, "What 's Your Pleasure?" es un disco predominantemente de estilo disco y/o post-disco. Un álbum esencialmente con espíritu pop que presenta elementos de euro, nu-disco, Hi-NRG, deep house y electrónica, así como estilos musicales de los años 70, 80 y 90. En resumen, un disco cálido, seductor, lujurioso, sensual y suave.

Con Jessie Ware y su compañero James Ford co-escribiendo (este último también coproductor) las doce canciones, el dúo reclutó a otros escritores y productores como Benji B, Joseph Mount, Kindness, Morgan Geist, Matthew Tavares y Midland.

Este álbum recibió los elogios de la crítica citando el álbum como el "mejor" trabajo de Jessie Ware,  sonando "más audaz, más suelto" en comparación con sus lanzamientos anteriores. También fue un éxito comercial para la cantante en su país natal, lo que le valió a Ware su primera entrada entre los tres primeros de las listas y, hasta la fecha, su posición más alta tanto en la lista de álbumes del Reino Unido como en la lista de álbumes escoceses.

Entre los cortes más destacados, se encuentran "Soul Control" y el deslumbrante "Step Into My Life" que re-contextualizan la música de club underground con fuerza y delicadeza. Las desviaciones estilísticas son pocas, están bien ubicadas y mantienen una continuidad lírica con referencias a los sentidos en relación con la conexión emocional y física. "In Your Eyes" recuerda a "Safe from Harm" de Massive Attack con su línea de bajo hipnotizante, cuerdas sutilmente teatrales y voz dolorosa. Moviéndose en cámara lenta e intensificada gradualmente, "The Kill" permite a Ware bajar la guardia, mientras "Remember Where You Are", es un final conmovedor. Un álbum muy sólido de principio a final sin un tema flojo.

Un disco recomendado. Una de las obras de dance pop más maduras disponibles en la actualidad. Un álbum encantador, con voces emotivas y una producción extremadamente detallada. Este álbum gustará a los amantes de la música disco-dance, porque es un fantástico homenaje a esos géneros.

Video del tema "Spotlight":

Tracklist:

1.         "Spotlight"                  5:31
2.         "What's Your Pleasure?"        4:38
3.         "Ooh La La"               3:48
4.         "Soul Control"            3:59
5.         "Save a Kiss"  4:02
6.         "Adore You"  3:45
7.         "In Your Eyes"                       4:58
8.         "Step into My Life"    3:37
9.         "Read My Lips"         4:03
10.       "Mirage (Don't Stop)"  4:47
11.       "The Kill"        4:37
12.       "Remember Where You Are" 5:34

MOBY GRAPE | Moby Grape - Album

Eran una de las mejores y más versátiles bandas de San Francisco de los años sesenta (Siglo XX). Aunque a menudo se les identifica con el rock psicodélico, su especialidad era combinar todo tipo de música - folk, blues, country y rock - con arreglos de guitarra triple de varias capas. Además, fueron uno de los muy pocos grupos de los cuales todos los miembros eran compositores y vocalistas principales, agregando un poder melódico y mágico a su sonido.

Grabaron uno de los mejores álbumes de debut de los años 60, pero nunca ganaron la reputación de sus "más" famosos compañeros. De hecho, son quizás una de las bandas más "subestimadas" de la música rock estadounidense, una banda que debería haber sido leyenda, pero que quedó sepultada por la inestabilidad emocional, la tragedia y la gestión deshonesta y codiciosa. Hablo de...

MOBY GRAPE (Banda)

El grupo se formó en septiembre de 1966 en San Francisco, a instancias de Alexander "Skip" Spence y Matthew Katz. Ambos habían estado asociados previamente con la banda "Jefferson Airplane"; Spence como el primer baterista de la banda, tocando en su primer álbum, "Jefferson Airplane Takes Off", y Katz como manager de la banda, pero ambos habían sido despedidos por el grupo. Katz animó a Spence a formar una banda similar a "Jefferson Airplane", con variada composición y trabajo vocal, y con Katz como manager.

El guitarrista principal Jerry Miller y el baterista Don Stevenson (ambos antes de "The Frantics") se unieron al guitarrista Peter Lewis (de "The Cornells"), el bajista Bob Mosley (de "The Misfits") y Skip Spence, ahora como guitarrista en lugar de baterista.

La discografía de álbumes:

• 1967 – Moby Grape
• 1968 – Wow/Grape Jam
• 1969 – Moby Grape '69
• 1969 – Truly Fine Citizen
• 1971 – 20 Granite Creek
• 1984 – Moby Grape '84
• 1989 – Legendary Grape

Una combinación de problemas (personales, de salud, creativos y legales: sexo de menores incluidos) y malas decisiones (de la compañía discográfica  y el manager Matthew Katz) condenaron hacia la ruptura al grupo en 1969.

Las dificultades legales se originaron poco después de la formación del grupo, cuando Katz insistió en que se agregara una cláusula adicional al contrato, otorgándole la propiedad del nombre del grupo. En ese momento, varios miembros del grupo estaban en deuda con Katz, quien había estado pagando los apartamentos y varios gastos antes del lanzamiento del primer álbum del grupo. A pesar de objetar, los miembros del grupo firmaron, basándose en parte en la impresión de que no habría más apoyo financiero de Katz a menos que lo hicieran. Las batallas legales habían ya comenzado.

Más tarde, Skip Spence sufriría trastornos mentales agudos exacerbados por el uso excesivo de drogas que lo dejarían luchando contra la adicción por el resto de su vida. Como si una maldición oscura se cerniera sobre la banda, Bob Mosley trágicamente sufrió un destino similar. Después de cuatro álbumes (dos sin Spence, que en su segundo álbum ya había comenzado a perder la cabeza) la banda se separó al no lograr capturar la magia de su primer disco.

Se han reformado muchas veces después y continúan funcionando ocasionalmente (bajo diferentes combinaciones), pero estos períodos son irrelevantes para nosotros.

Su mejor disco sin duda es el debut del mismo nombre, una verdadera joya de los años 60 y ahora clásico.

ALBUM: Moby Grape

Es el álbum debut de 1967. Viniendo de la escena de San Francisco, su reputación creció rápidamente a proporciones inmensas, lo que llevó a una guerra de ofertas y un contrato con "Columbia Records". El álbum alcanzó el puesto # 24 en la lista de álbumes Billboard 200 en septiembre de 1967.

Hasta el día de hoy es un debut electrizante que no solo resiste el paso del tiempo, sino que está muy por encima de los mejores álbumes de sus contemporáneos más célebres. Este disco es uno de los mejores (quizás el mejor) álbum de la escena psicodélica de San Francisco, lleno de grandes canciones e ideas frescas. La banda, "Moby Grape", construyó su sonido alrededor del trabajo de guitarra brillantemente entretejido de Jerry Miller, Peter Lewis y Skip Spence, y las armonías claras y brillantes de los cinco miembros. Como compositores, mezclaron rock, pop inteligente, blues, country y folk en una fusión sabrosa que era distintiva, con un sentido melódico inteligente que reflejaba la energía del "estilo LSD" que los rodeaba sin ahogarse en ella.

El productor David Rubinson lo trabajó bien y de una manera que capturó la energía contagiosa de la banda y las melodías con una claridad despejada, mientras exploraba sutilmente las posibilidades del proceso de mezcla estéreo. Temas como "Omaha", "Fall on You", "Hey Grandma" y "8:05" son claros éxitos, y la verdad es que no hay una mala canción en el álbum.

El disco sigue sonando de actualidad, incluso hoy cada vez que lo pongo para escuchar. Si bien la historia recuerda que "The Grateful Dead" y "Jefferson Airplane" fueron "más importantes" en los 60, la verdad es que ninguno de los dos grupos hizo un álbum tan bueno.

Un disco recomendado, no es sólo psicodelia... es genial pop, blues rock, folk y garage … con grandes guitarras, voces y canciones. Si eres un lector joven, es probable que no conozcas a "Moby Grape", lo cual si te gusta el sonido rock de los 60s, busca este álbum. Si eres un lector veterano, un reencuentro con este disco te alegrará el día.

Video del tema "Hey Grandma":

Tracklist (edición original):

- Cara A -

1.         "Hey Grandma"                     2:43
2.         "Mr. Blues"                 1:58
3.         "Fall on You"             1:53
4.         "8:05"                         2:17
5.         "Come in the Morning"          2:20
6.         "Omaha"                     2:19
7.         "Naked, If I Want To"           0:55

- Cara B -

1.         "Someday"                 2:41
2.         "Ain't No Use"                       1:37
3.         "Sitting by the Window"       2:44
4.         "Changes"                   3:21
5.         "Lazy Me"                  1:45
6.         "Indifference"            4:14

SLANT 6 | Soda Pop Rip Off - Album

Slant 6 (Banda)

Trío de punk rock estadounidense, con sede en Washington, DC. El grupo estaba formado por Christina Billotte (guitarra eléctrica y voz), Myra Power (bajo) y Marge Marshall (batería).

La banda se formó en julio de 1992 tras la ruptura de la banda "Autoclave" en 1991, en la que Christina Billotte era miembro. El grupo tomó su nombre de un motor de seis cilindros producido en las décadas de 1960 y 1970 por "Chrysler Corporation".

Slant 6 grabó para el sello "Dischord" y realizó varias giras por los Estados Unidos y una vez por Inglaterra. El grupo grabó y publicó dos álbumes, "Soda Pop-Rip Off" e "Inzombia". 

La banda se disolvió en noviembre de 1995 durante una gira por Inglaterra. 

La discografía:

•  1994 - Soda Pop * Rip Off (Dischord)
• 1995 - Inzombia (Dischord)

El álbum de referencia para mi del trio es el primero.
 

ALBUM: Soda Pop * Rip Off

El primer álbum de estudio publicado en 1994. Fue producido por Don Zientara y el guitarrista de la banda Fugazi, Ian MacKaye.

Las canciones son genialmente simples: por lo general, hay un riff de guitarra, una respuesta notable de la línea de bajo y un texto corto de la canción cuyo punto es un coro de una línea: luego pasa a la siguiente canción, donde repiten el proceso.

El disco en realidad es una colección de singles anteriores y grabaciones independientes; como resultado, no es el tipo de álbum que funciona como un todo. El sonido de la banda, sin embargo, es innovador y emocionante, combinando new wave-punk, el sonido hardcore DC y un trabajo de guitarra frenético en una ráfaga de sonido energizante que se asemeja a grupos más conocidos como "Bikini Kill" y la banda actual "Sleater-Kinney".

Hay muchas canciones geniales para mantenerte en "movimiento"; "Don't You Ever?", "Double Edged Knife" (se nota el toque Ian MacKaye de "Fugazi"), "Don`t You Ever?", "Time Expired", "Don`t Censor Me" y el tema que da título - "Soda Pop * Rip Off".

Un disco recomendado. Sonidos punk y new wave simples con mucha energía elaborados por chicas que saben hacer rock. Buscarlo por los canales habituales.

Video del tema "Don´t You Ever":

Tracklist (edición original):

- Cara A -

1."Don't You Ever?" - 1:43
2."Night X 9" - 1:32
3."Love Shock" - 2:32
4."Double Edged Knife" - 2:14
5."Time Expired" - 2:25
6."Invisible Footsteps" - 2:25

- Cara B -

1."Poison Arrows Shot at Heroes" - 2:14
2."Don't Censor Me" - 2:14
3."Blood Song" - 1:34
4."Soda Pop-Rip Off" - 2:06
5."Become Your Ghost" - 1:57
6."Blue Angel" - 2:13
7."March 6" - 2:10