OINGO BOINGO | Only A Lad - Album

Eran diferentes. Típica banda que te gusta mucho o no los soportas, creo que no hay un punto medio. No obstante fueron clave en el "New Wave" americano (junto con "DEVO") y dejaron unos álbumes referentes y huella...

Oingo Boingo (Banda)

Fue un grupo americano de "New Wave" formada por el compositor Danny Elfman en 1979. La banda surgió de una compañía de teatro musical surrealista, "The Mystic Knights of the Oingo Boingo", que Elfman había dirigido y escrito material en los años anteriores. Oingo Boingo a menudo fue comparado con "Devo" a lo largo de su carrera pero nunca obtuvo el éxito general que obtuvo Devo.

Como banda de rock, Oingo Boingo comenzó como un octeto de "New Wave" de influencia punk y ska, logrando una popularidad significativa en el sur de California. A mediados de la década de 1980, la banda cambió de formación y adoptó un estilo más orientado al pop. La banda se separó en un concierto de despedida en Halloween de 1995. Una de las razones fue que Elfman estaba dedicando más tiempo componiendo música para series de TV y películas, cosa que hace muy bien y llegaría a ganar muchos premios (Emmy, Golden Globe...). Un ejemplo, Danny Elfman escribió la partitura de "Los Simpson"...ahora puedes poner cara a la sintonía.

Oingo Boingo era conocido por sus conciertos en directo de alta energía y música experimental, que se puede describir como una mezcla de rock, ska, pop y world music. Oingo Boingo estaba un paso o dos por delante de las bandas locales, tanto musical como visualmente, ya que Danny Elfman había pasado varios años en Francia trabajando con un grupo de teatro y estudiando orquesta, lo que se reflejaba en la mezcla de estilos y puesta en escena en sus conciertos. 

El trabajo de la banda abarcó 17 años experimentando con varios géneros y cambios de formación. Sus canciones más conocidas incluyen "Only a Lad", "Dead Man 's Party" y "Weird Science" (misma de la película). A continuación su discografía de álbumes de estudio:

•  Only a Lad (1981)
• Nothing to Fear (1982)
• Good for Your Soul (1983)
• So-Lo (1984)
• Dead Man's Party (1985)
• Boi-ngo (1987)
• Dark at the End of the Tunnel (1990)
• Boingo (1994)

Para algunos eran unos "freaks", para otros visionarios e incluso pioneros. Estoy de acuerdo que no dejaban a nadie indiferente, a mi mismo me cuesta digerir toda su música. El disco que más me gusta es el primero "Only a Lad" (1981), una obra que consumo en bajo dosis pero cuando lo escucho me gusta mucho.

 

ALBUM: Only a Lad

El álbum debut publicado en 1981. Los arreglos musicales del álbum, a cargo del vocalista Danny Elfman y el guitarrista Steve Bartek, completaron la evolución del grupo hacia una banda de "New Wave"  (previamente eran "The Mystic Knights of the Oingo Boingo"). Este disco presenta tonalidades y firmas de tiempo complejas que cambian con frecuencia, a menudo incorporando armonías tomadas del jazz y la música clásica del siglo XX, todas ellas características de la educación musical y composición de las canciones por Danny Elfman.

Este álbum es el mejor ejemplo del estilo de rock esquizofrénico de Oingo Boingo, el predecesor de bandas de rock semejantes y posteriores como "Mr. Bungle" y "Fishbone" (incluso fueron mencionados por "Nirvana"). No fue un éxito de ventas, pero es un triunfo artístico, un álbum que coloca la música de alto nivel como la clásica y la vanguardia en una licuadora con el pop y el punk.

'Only a Lad' es una obra inteligente y sarcástica...y podría haber sido más problemático. Danny Elfman dice que se estaba burlando de todo el mundo, aunque el álbum baraja descaradamente tabúes del periodo sin escrúpulos. Aquí puedes encontrar algunas canciones muy extrañas y aparentemente sin sentido como "Little Girls" (sobre la pedofilia...hombres viejos de negocios en busca de jovencitas y cantando desde el punto de un pedófilo) y "Nasty Habits" (sobre la masturbación), pero también políticas como "Capitalism", "Controller" y" Perfect System"...narrativas en la línea libertaria. También hay una versión de "You Really Got Me" de THE KINKS, que es bastante buena.

Un disco recomendado. Un buen álbum y adelantado a su tiempo. Divertido e ingenioso en todos los lugares correctos. Las canciones están muy bien escritas y muy bien interpretadas; arreglos de locura rematados con la voz dramática de Elfman, que suena como si estuviera a punto de desquiciarse en cualquier momento. Si no te desanimas por las excentricidades en la presentación o contenido de "Only a Lad", creo que te gustará. Los seguidores de "Talking Heads" y bandas semejantes encontrarán este disco interesante. Dicho esto, también es posible que lo odies. Solo hay una forma de saber, buscarlo y escucharlo. 

Video del tema "Little Girls":

Tracklist:

1.         "Little Girls"   3:44
2.         "Perfect System"        3:46
3.         "On the Outside"        3:39
4.         "Capitalism"    3:40
5.         "You Really Got Me" (version de The Kinks)          4:40
6.         "Only a Lad"  3:56
7.         "What You See"         3:43
8.         "Controller"    3:24
9.         "Imposter"      2:59
10.       "Nasty Habits"           4:06

THE AMAZING | Ambulance - Album

The Amazing (Banda Sueca)

 
Grupo sueco de rock indie, cuyos miembros incluyen a Reine Fiske, que toca con la banda psicodélica "Dungen", y Christoffer Gunrup, que toca en la banda "Granada" y con "Anna Järvinen". Fredrik Swahn, Alexis Benson y el baterista Moussa Fadera también están en The Amazing.

La banda crea rock psicodélico y melódico con un sonido panorámico de dream pop. El grupo fue fundado por miembros establecidos de la comunidad indie de Suecia y el álbum debut homónimo del grupo se publicó en 2009. Son maestros de la épica guitarra expansiva y temperamental de composiciones vertiginosas que fusionan el progresivo, el post-rock y el pop en su camino hacia picos emocionales trascendentes.

La discografía de THE AMAZING hasta el momento es el siguiente:

• The Amazing (2009)
• Gentle Stream (2011)
• Picture You (2015)
• Ambulance (2016)
• In Transit (2018)

Son cinco álbumes, todos buenos y recomendados. Yo les conocí musicalmente con el álbum "Picture You" (2015), un muy buen trabajo que me animó a explorar sus dos discos anteriores, esperar con cierta "ansiedad" el siguiente "Ambulance" y el último "In Transit".

Mi disco favorito es "Ambulance" de 2016, me gusta mucho. Tiene "alma" esta obra y crea una atmósfera acogedora, introvertida y muy emotiva.

ALBUM: Ambulance

 
Cuarto álbum de estudio publicado en 2016. Continúa donde lo dejó "Picture You" (2015), con un comportamiento un poco más introvertido, pero con un trabajo de guitarra igualmente elegante de sus tres guitarristas.

Un disco fue grabado en directo en una habitación en el estudio "Buller & Bäng" de Estocolmo con un mínimo de ensayo. Como es habitual en "The Amazing", que tienen el hábito de no publicar letras y de negarse a discutir el significado o el proceso, poco más se reveló sobre el trabajo aparte de que dependían en gran medida de la improvisación.

Las canciones, que se anclan alrededor del suave murmullo de la voz de Christoffer Gunrup, son ricas en improvisación. Canciones que se deslizan sobre armonías vocales suspirantes, ondas de guitarra entrelazadas y una espesa maleza de percusión fuerte pero discreta. La letra es un misterio (nada sorprendente, como muchas otras bandas) con indicios de fantasmas, de arrepentimiento y de imágenes pastorales. Un ejercicio de melancolía que hace que te caigas y que te lleve a una sobrecarga sentimental. Sin embargo, no es un disco pesimista, al menos para mí. Es más un álbum que te arropa en emociones musicales que apetece más en un día de lluvia y frío.

El álbum contiene ocho canciones donde exalta la sensación de melancolía y angustia, rodea cada una, ya sea por las letras o en la atmósfera. La majestuosidad melódica de temas como "Divide" y "Floating", la tormenta gradual y catártica de "Tracks" (mi tema favorita del álbum), la psicodelia de "Blair Drager", la emoción que desprende "Ambulance" y "Through City Lights", la anestesiante belleza de "Moments Like These" y "Perfect Day for Shrimp", y el último corte cuya perfección es casi sobrenatural; todas simples en apariencia pero suntuosas en impresiones.

En resumen, el álbum tiene un estado de ánimo inquebrantable de beatífica tristeza, de revolcarse felizmente en la tristeza. El estado de ánimo es la clave: la voz de Christoffer Gunrup es blanqueada e inexpresiva a menudo con una base casi "ambient" en sus canciones. Algunas influencias son evidentes sin llegar a ser dominantes: Pink Floyd de mediados de los 70 y de la banda"Can" por mencionar solo dos. Logran sonar misteriosos y familiar a la vez. Un equilibrio en sonido que no solo los distingue, sino que también preside el álbum.

Un disco recomendado. Un fantástico álbum que escucho muchas veces para relajarme. El grupo suena confiado en sus propios poderes de enseño, producen una obra hermosa dentro de la melancolía. Si no conoces esta banda, busca este álbum y escúchalo. Todo la gente que se lo he recomendado han flipado y les ha gustado. Además animará explorar su discografía donde también vas a descubrir otras joyas.

Me gusta mucho esta banda, y más este álbum. Escucha el tema a continuación...

Video del tema "Tracks":

Tracklist:

01 “Ambulance”
02 “Divide”
03 “Blair Drager”
04 “Tracks”
05 “Floating”
06 “Through City Lights”
07 “Moments Like These”
08 “Perfect Day for Shrimp”

CEDELL DAVIS | Feel Like Doin' Something Wrong - Album

Uno de los pocos y quizás últimos auténticos "Bluesmen" del estilo tradicional con raíces en el sur profundo de los Estados Unidos (el Delta). Un músico que consiguió superar todo tipo de desgracias y obstáculos para continuar ejerciendo su arte, el blues, su pasión. Un ejemplo para muchos sobre la perseverancia, el trabajo, la creatividad y el amor hacia la música. Todo un pionero...

 

CeDELL Davis (Bluesman)

 

Ellis CeDell Davis (9 de junio de 1926-27 de septiembre de 2017) fue un guitarrista y cantante de blues. Fue más notable por su estilo distintivo de tocar la guitarra. Davis tocaba la guitarra usando un cuchillo de mantequilla en su mano de una manera similar a la guitarra slide. Davis pasó décadas actuando en todo el sur de los Estados Unidos en locales de música y fiestas caseras antes de que un público más amplio tuviera la oportunidad de escuchar su blues rural electrificado en la década de 1980.

Su voz era un gemido granulado mientras cantaba sobre los problemas de las mujeres y la mala suerte; su guitarra podía impulsar ritmos boogie y shuffle o delgadas y nudosas, deslizándose suavemente y luego enrollando en un aguijón disonante.

Tocando la guitarra con un "cuchillo"

CeDell Davis nació en 1927 en Helena, Arkansas (EE.UU). Su mano derecha quedó paralizada por la poliomielitis (polio) a la edad de 10 años, por lo que cambió su guitarra a un estilo de cuello de botella para zurdos tocado con un cuchillo, lo que lo convirtió en un sonido atonal único.

Tocaba localmente durante las décadas de 1950 y 1960 con amigos como Robert Nighthawk, Big Joe Williams y Charlie Jordan. En 1957, Davis resultó gravemente herido en una estampida en una taberna de St. Louis, paralizando aún más y confinándolo a una silla de ruedas, pero perseveró con su música. Después de una serie de apariciones en compilaciones y varias actuaciones en directo en Nueva York, el sello "Fat Possum Records" fichó a Davis.

Un periodista de blues, Robert Palmer produjo su álbum debut, "Feel like Doin 'Something Wrong" (1994). Davis después tomó un tiempo para grabar otros discos y pasó los siguientes años escribiendo y actuando.

En 2005 un derrame cerebral le quitó la habilidad a Davis para tocar la guitarra, pero continuó actuando y grabando como cantante, publicando "Last Man Standing" en 2015 y "Even the Devil Gets the Blues" en 2016. Fue hospitalizado después de un ataque cardíaco en septiembre de 2017, y murió el 27 de ese mes a la edad de 91 años.

Discografía, álbumes para conocer a este Bluesman:

• Feel Like Doin' Something Wrong - 1994
• The Best of CeDell Davis – 1995
• The Horror Of It All – 1998
• When Lightning Struck the Pine - 2002
• Highway 61 - 2003
• Last Man Standing - 2015
• Even The Devil Gets The Blues - 2016

 

ALBUM: Feel Like Doin' Something Wrong

Es el álbum debut con el sello "Fat Possum Records" publicado en 1994. También es el disco que me introduce a este excepcional Bluesman. Es llamativo que tardara tanto tiempo para plasmar su música en formato álbum, después de tanto tiempo actuando por el sur de los EE.UU. Es posiblemente uno de los pocos sobrevivientes del blues más tradicional - "como se hacía antes". Es precisamente el encanto de este álbum, su sonido tan distinto y estilo tan rural y tradicional.

Producido por Robert Palmer, "Feel Like Doin 'Something Wrong" captura el blues embrujado de CeDell Davis. Usando un cuchillo de mantequilla para deslizar una guitarra, Davis crea sonidos extraños e impredecibles y los combina con su voz retorcida. Todo un resultado de adaptación, perseverancia y mucho trabajo para no dejar que los efectos del "polio" frenará su habilidad de continuar con su música.

No hay una mala canción en este disco, y sus versiones de "Murder My Baby" (tradicional), "Boogie Chillen" (John Lee Hooker), "In the Evening (Leroy Carr)", Green Onions (Booker T) y "Reconsider Baby (Lowell Fulson)" se encuentran entre los mejores blues contemporáneos de los  últimos años. 

No paro de recordar y ver semejantes parecidos a los Bluesman de guitarra eléctrica (Muddy, John Lee, Buddy Guy...) y a los jóvenes ingleses (ejemplo "The Rolling Stones" y los del "British Wave") cada vez que escucho este álbum. 

Un disco recomendado de un apasionado Bluesman relativamente desconocido que merece mucha más atención y reconocimiento. Un artista de blues único con una voz y guitarra inconfundibles que mantenía y preservaba el largo patrimonio e historia del blues del sur profundo (Delta Blues). Gran álbum que gustará, especialmente a fans del blues.

Video de "She´s Got the Devil in Her":

Tracklist:

1          I Don't Know Why    3:55
2          Every Day Every Way           3:16
3          She's Got The Devil In Her   2:05
4          Boogie Chillen No. 2    3:50
5          Baby, I Love You So 3:55
6          If You Like Fat Women        2:07
7          Guitar Boogie         2:06
8          Falling Rain Blues      4:14
9          In The Evening          3:45
10        Sit Down On My Knee          2:51
11        Got To Be Moving On           3:24
12        Reconsider Baby         4:15
13        Murder My Baby          4:28
14        Green Onions            1:13

D´ANGELO | Voodoo - Album

D'Angelo (Cantante y Músico)

Michael Eugene Archer, más conocido por su nombre artístico D'Angelo, es un cantante, compositor, multiinstrumentista y productor de discos estadounidense. D'Angelo se estableció como un fundador involuntario y protagonista del movimiento neo-soul (junto con artistas como Erykah Badu, Lauryn Hill y Maxwell) de finales de los años 90, cuyo objetivo era devolver el sabor orgánico del R&B clásico a la era del hip-hop. Siguiendo el modelo de personajes como Marvin Gaye, Prince, Curtis Mayfield y Al Green, D'Angelo exhibió sus inspiraciones no solo con su estilo vocal, sino que también escribió su propio material, y lo producía con frecuencia, ayudando a revivir el concepto de autor de R&B.

Michael Eugene Archer (D'Angelo) nació en Richmond, Virginia en 1974. Su padre era un predicador pentecostal y D'Angelo se crio en una familia enteramente pentecostal. Los talentos musicales de Archer se descubrieron muy temprano cuando era niño. Tenía 3 años cuando su hermano Luther, de 10, lo vio tocando el piano de la casa. A los 18 años, ganó un concurso de talento amateur en el "Apollo" de Harlem (Nueva York). Después D'Angelo se inspiró para producir un álbum y comenzó a componer material. Esto tuvo lugar después de una breve permanencia como miembro del grupo de hip hop "I.D.U." (Intelligent, Deadly but Unique).

Su primer gran éxito se produjo en 1994 como co-guionista y coproductor del single de la banda sonora de Jason 's Lyric "U Will Know", un éxito entre los cinco mejores del R & B con un grupo de R & B de una sola estrella llamado B.M.U. (Black Men United). Eso llevó al lanzamiento en julio de 1995 de "Brown Sugar", el álbum debut de D'Angelo.

La discografía hasta el momento es relativamente corta, tres discos de estudio:

• Brown Sugar (1995)
• Voodoo (2000)
• Black Messiah  (2014)

La baja productividad musical tiene explicación. Siendo uno de los artistas más talentosos de nuestra generación fue víctima de la adicción a las drogas y el alcoholismo. No obstante su legado ya es enorme, dándonos un segundo álbum "Voodoo" considerado una obra maestra de su género.

ALBUM: Voodoo

Cinco años después de que su álbum "Brown Sugar" ayudó a lanzar el R & B contemporáneo, D'Angelo finalmente regresó con su segundo trabajo, "Voodoo" publicado el 25 de enero de 2000. Un disco tremendamente innovador, progresista y desafiante con un elenco variado de colaboradores, incluido Questlove, el trompetista Roy Hargrove y el guitarrista Charlie Hunter, compañero estrella del neo-soul Raphael Saadiq, y estrellas de Hip-hop como DJ Premier, Method Man & Redman y Q-Tip. D'Angelo grabó el álbum durante 1998 y 1999 en Electric Lady Studios en la ciudad de Nueva York, producido principalmente por el, "Voodoo" presenta un sonido funk suelto basado en el ritmo y sirve como una desviación de la estructura de la canción más convencional de su álbum debut, Brown Sugar (1995). Sus letras exploran temas de espiritualidad, amor, sexualidad, maduración y paternidad.

Considerado "posmoderno" y "radical" en su momento, Voodoo no puede reclamar ninguna era en particular. Reuniendo sonidos e ideas del funk y soul de los 60, 70 y 80, representa la fusión de todos los grandes innovadores negros del pasado: Jimi Hendrix, Curtis Mayfield, George Clinton, Sly Stone, Stevie Wonder, Al Green y Prince, y grabo algo que fue construido para durar. Este álbum incorpora elementos musicales de jazz, funk, hip hop, blues y soul, así como música ambient con una capa musical moldeada por funk basado en la guitarra. Cuenta con influencias vintage y una estructura más suelta y de improvisación. El ingeniero de sonido Russell Elevado, utilizó técnicas de grabación de la vieja escuela y equipo de mezcla vintage para lograr los distintos sonidos que se encuentran en las obras clásicas. Si bien las técnicas de grabación convencionales en ese momento a menudo implican el uso de equipos digitales de alta tecnología, Russell Elevado empleó el uso de equipos analógicos, complementos de mejora y una combinación de instrumentación en directo.

El álbum "Voodoo" lo tiene todo, melodía de fiesta (Left & Right), funk suelta (Playa Playa), "old School" soul de blues (One Mo'Gin), una grandiosa canción (Feel Like Makin 'Love) y una versión al estilo "Prince" (Untitled (How Does It Feel)). Prince es, por supuesto, una referencia sobre el estilo de D'Angelo, la canción "Chicken Grease" recibió su nombre de un término técnico que Prince hizo para tocar la guitarra. La novedosa actitud hip hop que D'Angelo introdujo en la música soul en su primer álbum "Brown Sugar" se ha atenuado más en "Voodoo" (Devil' s Pie). La última canción es "África", un bello homenaje a la "madre continente" y su historia, a Dios y a su hijo.

Un disco recomendado. Un obra sexy, emocional, bella, rítmica, juguetona y poderosa. Es la encarnación completa de la música afroamericana del siglo XX y, en particular, de la última década. Una obra maestra del "Soul" con fusiones de estilos y es una auténtica joya musical. Un trabajo que se estudia y sigue siendo un punto de referencia. Un disco esencial para una colección de música Soul –Funk que pretende ser serio.

Video del tema “Send it On”:

Tracklist: 

1.         "Playa Playa"  7:07
2.         "Devil's Pie"    5:21
3.         "Left & Right" (con Method Man & Redman)            4:46
4.         "The Line"      5:15
5.         "Send It On"              5:57
6.         "Chicken Grease"                   4:36
7.         "One Mo'gin"  6:15
8.         "The Root"                 6:33
9.         "Spanish Joint"           5:44
10.       "Feel Like Makin' Love"        6:22
11.       "Greatdayndamornin'/Booty"                        7:35
12.       "Untitled (How Does It Feel)" 7:10
13.       "Africa"                      6:13

NOTHING | Guilty of Everything - Album

Nothing (Banda)

Grupo de rock americano que se formó en 2010.

El fundador de Nothing, Domenic "Nicky" Palermo, fue anteriormente miembro de la banda de hardcore punk "Horror Show". Una banda de corta duración que solo publicó un par de EPs durante su existencia. Horror Show quedó en suspenso cuando Palermo apuñaló a un hombre durante una pelea y pasó dos años en la cárcel por asalto agravado e intento de asesinato.

Después de pasar por un período violento en su vida, Palermo se encontró buscando un cambio. Sus luchas internas comenzaron a manifestarse musicalmente como "Nothing", un proyecto de música estilo "shoegaze" con un toque de intensidad hardcore y algo de metal. Palermo finalmente comenzó a hacer música nuevamente y lanzó una demo, "Poshlost", bajo el nombre "Nothing" en 2011. Nada pasó por varios cambios de formación durante los próximos años mientras se lanzaron dos EP, "Suns and Lovers" y "Downward Years to Come" en 2012. Después de firmar con "Relapse Records" en 2013, Nothing (que ahora incluye a Brandon Setta en la guitarra, Chris Betts en el bajo y Kyle Kimball en la batería) publicó su álbum debut "Guilty of Everything" en 2014. Desde entonces han publicado tres álbumes más...a continuación la discografía hasta el momento.

• Guilty of Everything (2014)
• Tired of Tomorrow (2016)
• Dance on the Blacktop (2018)
• The Great Dismal (2020)

El estilo musical de la banda es una mezcla de shoegaze de la década de 1990, noise rock y slowcore, y también de "heavy dream pop" y "ondulante alt-rock". Sin embargo, el sonido de la banda se diferencia de otros en su volumen y pesadez, lo que lleva a comparaciones con "My Bloody Valentine", Smashing Pumpkins y Dinosaur Jr....como ejemplos.

Conocí a la banda musicalmente con el primer disco "Guilty of Everything". Luego me enteré de la historia detrás del cantante Domenic Palermo y puso en contexto el álbum. Para mi el mejor álbum de NOTHING hasta el momento, aunque tampoco está mal el segundo "Tired of Tomorrow".
 

ALBUM: Guilty of Everything

 
Es el álbum debut publicado el 4 de marzo de 2014.

Una obra con voces dolorosas y entrecortadas sobre tambores, bajos y guitarras rechinantes, "Nothing" trata temas serios con un poder asombroso. Musicalmente, es un campo que solo tienen media docena de bandas que fusionan shoegaze con noise-rock / hard rock / heavy metal, lo que actúa a favor de los experimentos sónicos de "Nothing". Después de escuchar este disco investigue un poco el pasado de su fundador Dominic Palermo, en particular su etapa Punk con "Horror Show". Sorprende la transformación musical bajo "Nothing", es obvio que su experiencia en la cárcel fue determinante para cambiar su perspectiva musical, y personal.

El álbum se basa en la admiración del cantante y guitarrista Domenic Palermo por el disco de "My Bloody Valentine", "Loveless", y agrega niveles de dureza y poder que la mayoría de las bandas de shoegaze nunca lograron. La sección rítmica tiene un pasado en el metal, ya que el bajista Chris Betts y el baterista Kyle Kimball golpean sus instrumentos con fuerza cuando las canciones explotan. También muestran una buena moderación en las secciones tranquilas y una gracia expansiva en las partes de dream-pop. Sobre la parte superior del fondo de acero, las guitarras de Palermo y Brandon Setta se muelen y entrelazan, provocando incendios y evocando exuberantes olas de ruido doloroso y una neblina atmosférica. Sus voces son silenciosas y enterradas en la mezcla, con armonías muy bonitas con inyecciones de drama y emoción reales. Se canta sobre experiencias de la vida que la mayoría de los oyentes probablemente nunca hayan experimentado, pero aún así los hacen emotivos. Lo suficientemente identificable como para que cualquiera que haya "sufrido" alguna vez lo entienda. Caso clásico de cómo "la música" cambia y puede cambiar la vida de las personas. Este poder irradia desde este disco, haciendo que también nuble las fronteras de "shoegaze" con tanta expresión e interpretación de las emociones en sonidos. 

Un disco recomendado. Es mucho más que shoegaze, metal o noise rock o cualquier otro género; esta es una música cruda y dramática que proviene del dolor, sin proyectar hacia el oyente malos rollos. Nos proporciona una ventana para poder mirar hacia dentro al compositor y su banda. Buen disco.

Video del tema “Guilty of Everything”:

Tracklist:

1.         "Hymn to the Pillory" 4:41
2.         "Dig"   4:02
3.         "Bent Nail"     2:57
4.         "Endlessly"     4:13
5.         "Somersault"   4:30
6.         "Get Well"      4:32
7.         "Beat Around the Bush"        4:05
8.         "B&E" 5:18
9.         "Guilty of Everything"           4:23

BIG MAMA THORNTON | The Queen at Monterey - Album

Era una mujer enorme: de voz, de talento y de personalidad...

Big Mama Thornton (Blues Woman)

 

Su nombre, Willie Mae Thornton (11 de diciembre de 1926 - 25 de julio de 1984), mejor conocida como "Big Mama Thornton". Fue cantante y compositora americana de blues. Fue la primera en grabar el tema "Hound Dog" de Leiber y Stoller, en 1952, que se convirtió en su mayor éxito, permaneciendo siete semanas en el #1 en la lista de Billboard R & B en 1953. El único éxito nacional en su vida. Es más, seria Elvis Presley que llevaría aún más lejos "Hound Dog" revolucionando el panorama nacional e internacional para expandir el "Rock N Roll". Otra composición de Big Mama, "Ball and Chain", lo haría famoso Janis Joplin. Ambos son casos de las muchas injusticias de la historia de la música, "Big Mama Thornton" podría haber sido más grande y tener más éxito de lo que finalmente tuvo. La falta de reconocimiento de "Big Mama Thornton" en la industria de la música es un reflejo de una era de segregación racial en los Estados Unidos, tanto física como en la industria de la música. La falta de acceso de Thornton a un público más amplio (tanto blanco como negro) fue una barrera para su éxito comercial como vocalista y compositora.

Thornton fue introducida a la música en una iglesia bautista, donde su padre era ministro y su madre cantante. Ella y sus seis hermanos comenzaron a cantar a edades tempranas. Su madre murió joven y Willie Mae dejó la escuela y consiguió trabajo lavando y limpiando escupideras en una taberna local (si como lo lees). En 1940 se fue de casa y, con la ayuda de Diamond Teeth Mary, se unió a "Hot Harlem Revue" de Sammy Green y pronto fue catalogada como la "Nueva Bessie Smith". Su educación musical comenzó en la iglesia, pero continuó a través de su observación de las cantantes de rhythm and blues "Bessie Smith" y "Memphis Minnie", a quienes admiraba profundamente.

 

Las actuaciones de Thornton se caracterizaron por su voz profunda y poderosa y su fuerte sentido de sí misma. Frank Schiffman, el gerente del Teatro Apollo de Harlem, le dio su apodo, "Big Mama", debido a su fuerte voz, tamaño y personalidad. Thornton dijo que era más fuerte que cualquier micrófono y que no quería que un micrófono fuera tan fuerte como ella. Su abrumadora personalidad derramó también en los personal, apagando (o encendiendo) su estado físico paulatinamente bajo los efectos del alcohol.

 

Durante los años 60 viajó por Europa y actuó en festivales (ejemplos "Newport" y "Monterey") y grabó dos discos en los 70. En 1984, Thornton fue encontrada muerta a los 57 años por personal médico en una pensión de Los Ángeles. Murió de trastornos cardíacos y hepáticos. Había perdido 161 kg en poco tiempo como resultado de una enfermedad, y su peso bajó de 204 a 43 kg. Triste final para una de las grandes del Blues.

 

Con el tiempo, Thornton encuentra su merecido sitio en la historia. Aparte de sus contribuciones a la música, fue elogiada por subvertir los roles tradicionales de las mujeres afroamericanas. Añadió una voz femenina a un campo dominado por hombres blancos, y su fuerte personalidad transgredió los estereotipos de lo que debería ser una mujer afroamericana.

 

Discografía, álbumes populares para conocer a Big Mama:

 

1965    Big Mama Thornton – In Europe     

1966    Big Mama Thornton with the Muddy Water Blues Band   

1969    Stronger Than Dirt    

1970    The Way It Is

1970    She's Back     

1973    Saved 

1975    Jail (Live)       

1975    Sassy Mama! (Live)  

 

Un álbum para conocer a Big Mama Thornton es "Big Mama Thornton: The Queen at Monterey".

 
Album: Big Mama Thornton: The Queen at Monterey (with the Muddy Waters Blues Band)

 

En 1966 se unió a la banda de Muddy Waters Blues para grabar "Big Mama Thornton: The Queen at Monterey" para Arhoolie Records. Las canciones incluyen 'Bumble Bee', 'I'm Feeling Alright' y 'Life Goes On'. La banda que acompaña a "Big Mama" es excepcional: Muddy Waters - guitarra, Otis Spann - piano, James Cotton - armónica, Sammy Lawhorn - guitarra, Luther Johnson - bajo, y Francis Clay - batería. Gracias a Chris Strachwitz (dueño del sello Arhoolie) se salvó este momento del olvido y se plasmó en cinta para ser considerado años después como uno de los grandes álbumes de blues jamás.

En este disco Thornton tiene una voz increíble, se entiende que fue la inspiración de Janis Joplin. Aquí vas a encontrar un blues arenoso y potente. Esta grabación es en directo y se exhibe plenamente porque Big Mama es considerada una de las vocalistas más grandes en un escenario.

 

Un disco recomendado y genial para conocer a Big Mama Thornton. Lo bueno de este álbum es que "Big Mama" finalmente tiene una banda acompañando que está a la altura de su enorme talento y voz. Un trabajo de calidad y esencial para cualquier colección de música Blues que pretende ser serio.

Video del tema "I´m Feeling All Right":

 Tracklist:

 

1.I'm Feeling Alright

2.Sometimes I Have a Heartache

3.Black Rat

4.Life Goes On

5.Everything Gonna Be Alright

6.Bumble Bee

7.Gimme a Penny

8.Looking the World Over

9.I Feel the Way I Feel

10.My Love

GRAVEHURST | The Western Lands - Album

Gravenhurst (músico)

Seudónimo musical del cantautor, productor, multi-instrumentista y periodista inglés Nicholas John Talbot. Murió a los 37 años, su causa de muerte no se ha revelado.

Gravenhurst propone un folk británico al estilo "Fairport Convention" fusionando rock de texturas de shoegaze. A mediados de la década de los 90, Talbot estaba tan cautivado por el movimiento del dream pop que se mudó a Bristol, hogar de algunas de las bandas más visionarias del estilo, como "Third Eye Foundation" y "Flying Saucer Attack". Su propia banda, Assembly Communications, extrajo una vena etérea y experimental similar y atrajo la atención de un sello discográfico

En 1999 Nicolas J Talbot comenzó a tocar en solitario, y con músicos adicionales ayudaron a expandir "Gravenhurst" a una banda en directo, con el baterista Dave Collingwood también contribuyendo con la interpretación y el trabajo de producción en varias grabaciones.

Gravenhurst se describe como oscuro y atmosférico, oscilando entre el ruidoso sonido de bandas de guitarras como "My Bloody Valentine", el territorio de cantautores cargado de armonía de "Simon y Garfunkel", y los intrincados estilos de tocar la guitarra de "Nick Drake".  Una constante en el sonido de Gravenhurst es la frágil voz y las armonías vocales de Talbot, el intrincado trabajo de guitarra y los inquietantes y "crípticos" temas líricos.

Aunque murió joven publicó relativamente bastantes álbumes. A continuación su discografía:

• Internal Travels, segunda edición de 500 copias (2003)
• Flashlight Seasons (2003), reeditado internacionalmente (2004)
• Fires in Distant Buildings (2005)
• The Western Lands (2007)
• The Ghost in Daylight (2012)
• Lost Songs 2000-2004 (2014) 

Me parece un músico interesante con una propuesta muy atractiva. Le conocí artísticamente vía su álbum "The Western Lands" de 2007, un trabajo con unas increíbles guitarras.

ALBUM: The Western Lands

Cuarto álbum publicado el 18 de septiembre de 2007. Es un disco muy artístico: la música se encuentra en algún lugar entre el art rock, el dream pop, el folk, el noise y fragmentos de electrónica. Música cambiante, experimental y muy reflexiva. Combinaciones que exaltan el talento de Nicholas John Talbot y convierten esta obra en algo particular y llamativo. Es posiblemente su mejor álbum.

"The Western Lands" es de composición centrada y de un gran sonido donde resaltan las delicadas características de la música de Talbot, manteniendo la intimidad y haciéndolo todo mucho más inmediato. La producción y los arreglos del álbum son realmente notables: The Western Lands suena pulido sin ser elegante y subraya el drama en las canciones sin ahogarlas en la atmósfera. Los paisajes musicales abiertos dominan, especialmente en la oscura canción principal y la nebulosa "Trust" del pop de los 60. De hecho, la mayor parte del álbum es sorprendentemente amapola, dada la moderación característica de la banda.

Sin embargo, los excelentes y trepidantes riffs de "Hollow Men" son innegablemente pegadizos, al igual que la alegre versión "Farewell, Farewell" de Fairport Convention, que se convierte en un dream pop. Curiosamente, la propia "Song Among the Pine" de la banda, con su guitarra acústica y sus letras de invocación, se acerca más al folk británico. Canciones como esta y "Grand Union Canal", que se desliza sobre la batería de jazz, muestran una banda magistral en la creación de estados de ánimo. El enfoque agregado del álbum también ha agudizado la composición de canciones de la banda; "She Dances", "Hourglass", "The Western Lands", "Saints", "The Collector" … Este es el tipo de álbum con el que puedes escuchar cosas nuevas con cada escucha.

Un disco recomendado. Un trabajo de mezcla muy inteligente y temperamental de rock indie de guitarra y psicodelia. Repertorio bastante hipnótico, la producción y los sonidos de la guitarra son bastante increíbles. Buscarlo y darlo una escucha, pienso que puede sorprenderte gratamente. Para mi fue todo un descubrimiento en su día

Video del tema "Trust":

Tracklist:

1."Saints" - 3:24
2."She Dances" - 4:01
3."Hollow Men" - 3:58
4."Song Among the Pine" - 4:11
5."Trust" - 4:06
6."The Western Lands" - 4:14
7."Farewell, Farewell" - 3:14
8."Hourglass" - 4:46
9."Grand Union Canal" - 6:05
10."The Collector" - 4:56

BLACK FLAG - Damaged - Album

Black Flag (Banda)

Grupo americano de Punk rock formado en Hermosa Beach, California. Se les considera una de las primeras bandas de Hardcore punk. Black Flag es todo potencia y furia, y experimentó con un sonido sludge metal al igual que con elementos de jazz, blues, la palabra hablada ("spoken word"), heavy metal, math rock y música instrumental.

Black Flag (inicialmente llamados "Panic") fue formado en 1977 por el guitarrista Greg Ginn. Ginn formó la banda con el bajista Chuck Dukowski; la pareja pronto agregó al baterista Brian Migdol y al vocalista Keith Morris. Al mismo tiempo, Ginn y Dukowski formaron un sello discográfico independiente, "SST", que lanzó el primer EP de la banda, "Nervous Breakdown", en 1978. Morris y Migdol se fueron al año siguiente (Morris pasó a formar "The Circle Jerks") y ellos fueron reemplazados respectivamente por Chavo Pederast y Robo. Para el lanzamiento de "Jealous Again" de 1980, Black Flag había comenzado a recorrer los Estados Unidos sin descanso, acumulando un pequeño, pero dedicado, grupo de fans. Después del lanzamiento de "Jealous Again", Chavo Pederast dejó el grupo y fue reemplazado por Dez Cadena. Sin embargo, Cadena prefirió tocar la guitarra, y su transición a ese instrumento en 1981 le dio al grupo un sonido más pesado; su reemplazo en la voz fue Henry Rollins, un fan de Washington, DC, que saltó al escenario para cantar con la banda durante una actuación en Nueva York. Sería Rollins la cara más visible y carismático de la banda, casi todo el mundo asocia conscientemente Black Flag = Henry Rollins.

A principios de 1981, Black Flag firmó un contrato discográfico con "Unicorn Records", una subsidiaria de MCA. La banda entregó su primer álbum, "Damaged", a Unicorn; el sello se negó a publicar el disco, citando el contenido de la música como demasiado peligroso y vulgar. Sin desanimarse, Ginn lanzó el álbum en su propio sello SST Records. Fue el inicio de una larga batalla legal que sin expresarlo ayudó a consolidar la imagen de banda inconformista.

La discografía de álbumes de estudio de Black Flag:

• Damaged (1981)
• My War (1984)
• Family Man (1984)
• Slip It In (1984)
• Loose Nut (1985)
• In My Head (1985)
• What The... (2013)

El sonido de la banda mezcló la cruda sencillez de los Ramones con solos de guitarra atonales y, en años posteriores, frecuentes cambios de tempo. La letra fue escrita principalmente por Greg Ginn, y al igual que otras bandas de punk de finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, Black Flag expresó un mensaje antiautoritario e inconformista, en canciones salpicadas de descripciones de aislamiento social, neurosis, pobreza y paranoia. Estos temas fueron explorados más a fondo cuando Henry Rollins se unió a la banda como cantante principal en 1981. A lo largo de la década de 1980, el sonido de Black Flag, así como su notoriedad, evolucionaron. Además de ser fundamentales para la creación del Hardcore punk, fueron innovadores en la primera ola del Punk rock de la costa oeste estadounidense y se consideran una influencia clave en la subcultura Punk en los Estados Unidos y en el extranjero.

Me gustaría recalcar lo último, existe una imagen popularizada más oscura y violenta detrás de Black Flag, cosa que se lo ganaron pero que no debe obstruir su enorme legado e influencia. Han sido pioneros, revolucionarios e innovadores para influir directamente a muchas bandas que llegaría después de ellos: Bad Brains, Minutemen, Descendents, Meat Puppets, Hüsker Dü, Negativland, Soundgarden, Sonic Youth, Red Hot Chilli Peppers, Meat Puppets, A Perfect Circle, My Chemical Romance...por mencionar solo algunos.

Sin duda, su mejor y gran álbum es "Damaged" de 1981.

ALBUM: Damaged

 
Primer álbum de estudio publicado el 5 de diciembre de 1981. La banda estaba bajo contrato con "Unicorn" pero lanzaron el disco bajo su propio sello "SST Records" después que el primero se negara citando su contenido incendiario y violento.

El álbum fue ignorado en gran medida por los críticos y el público en su momento, pero desde entonces ha sido reconocido como un clásico y uno de los discos de Punk rock más influyentes jamás hechos, apareciendo en varias listas de "lo mejor de" por fans y críticos. Como anécdota (que siempre gusta) el líder de Nirvana Kurt Cobain lo incluyó en sus 50 mejores álbumes de todos los tiempos.

Es el mejor álbum que surgió del Hardcore punk de California de principios de los 80, la presencia visceral e intensamente física del disco aún no se ha igualado, aunque muchas bandas lo han intentado. Black Flag había estado grabando durante tres años antes de este lanzamiento y el hecho de que Henry Rollins fuera su cantante principal marcó la diferencia. Su furioso bramido y su ferocidad apenas contenida era la pieza que faltaba que la banda necesitaba para convertirse en grande. Además, el guitarrista y cerebro Greg Ginn escribió una gran cantidad de canciones geniales para este disco que, aunque estaban impregnadas de las habituales presunciones punk (la alienación, el aburrimiento, la privación de derechos, política...), eran capaces de hacer reír (paradójicamente la banda tenia un gran sentido de humor). El Hardcore, en su forma más potente, siempre se ha ocupado de los problemas relacionados con el momento y el lugar en que vives. Este álbum tiene el telón de fondo de la "era Reagan" y el dominio de las ideas "ultra-liberales conservador" que estaba transformado los Estados Unidos y a su población más joven-adulto.

Todas las canciones de "Damaged" fueron escritas antes de que Henry Rollins se uniera a Black Flag, pero su interpretación fue tan convincente que era difícil creer que no arrancó la letra de su propia alma torturada. Su mayor desafío tenía que ser darle su propio toque a canciones como "Rise Above", "Six Pack", "TV Party", "Police Story" y "Gimmie Gimmie Gimmie" que eran prácticamente ya estándares punk en ese momento. También se puede ver a Greg Ginn por el visionario que era. Ya no se contentaba con tocar acordes de potencia, ocasionalmente agrega sonidos atonales y extraños acordes de jazz a la mezcla. Ginn continuaría explorando estas cosas mucho más en versiones posteriores, pero comenzó en serio en "Damaged". Con su tono de guitarra instantáneamente reconocible ya en su lugar, su inquieto espíritu creativo estaba comenzando a tomar forma. Esta fue probablemente también la mayor colección de talentos en un solo álbum de Black Flag. A Rollins y Ginn se unieron el bajista y compositor colaborador Chuck Dukowski, así como el segundo guitarrista y ex cantante Dez Cadena. Agregue Robo a la batería y fue una asombrosa cantidad de talento.

Un disco recomendado. Todavía incomparable y difícilmente desafiado en términos de pura brutalidad. Si uno estuviera buscando un disco para definir el sonido del Hardcore, "Damaged" sería la mejor elección. Es una obra maestra del Hardcore punk y animó al joven lector (y veterano, por supuesto) escucharlo para sacarte de tu "zona de confort" musical. Este disco tiene muchas cosas ocurriendo a la vez, elementos sutiles y sorprendentes que hace que siga hoy siendo un pedazo de álbum aún muy relevante.

Video del tema "Gimme Gimme Gimmie":

Tracklist de "Damaged" (formato vinilo):

Cara A
1.         "Rise Above"  2:26
2.         "Spray Paint" 0:34
3.         "Six Pack"       2:20
4.         "What I See"   1:56
5.         "TV Party"      3:31
6.         "Thirsty and Miserable"         2:06
7.         "Police Story" 1:30
8.         "Gimmie Gimmie Gimmie"    1:47

Cara B
1.         "Depression"   2:28
2.         "Room 13"      2:04
3.         "Damaged II" 3:23
4.         "No More"      2:25
5.         "Padded Cell"            1:47
6.         "Life of Pain" 2:50
7.         "Damaged I"   3:50

AHMAD JAMAL | At the Pershing But Not for Me - Album

Estoy volviendo a leer la biografía de Miles Davis por Ian Carr (recomendado), y aunque aparecen muchas personas y músicos muy influyentes durante la vida profesional de Miles (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bill Evans..., por mencionar unos pocos), hay uno que le voy a dedicar un espacio...

AHMAD JAMAL (pianista de Jazz)

Nombre real, Frederick Russell Jones, es un pianista, compositor, director de orquesta y un grande del Jazz estadounidense. Durante seis décadas, ha sido uno de los líderes de grupos pequeños más exitosos del Jazz.

Jamal nació en Pittsburgh, Pennsylvania, el 2 de julio de 1930. Comenzó a tocar el piano a la edad de tres años, cuando su tío Lawrence lo desafió a duplicar lo que estaba haciendo en el piano. Jamal comenzó su entrenamiento formal de piano a la edad de siete años con Mary Cardwell Dawson, a quien describe como una gran influencia en él.

Un músico consumado en su adolescencia, Jamal actuó regularmente en la escena del jazz local y en 1949 realizó una gira con la Orquesta de George Hudson. Después de dejar Hudson, se unió al grupo del violinista de swing Joe Kennedy, "The Four Strings", con quien permaneció hasta la partida de Kennedy alrededor de 1950. Después de dejar "The Four Strings", Ahmad Jamal se trasladó a Chicago, donde formó su propio grupo, "Three Strings" con el bajista Eddie Calhoun y el guitarrista Ray Crawford. El precursor del posterior "Ahmad Jamal Trio", Three Strings incluiría, en diferentes momentos, a los bajistas Richard Davis e Israel Crosby. Durante una temporada en la ciudad de Nueva York, "Three Strings" llamó la atención del legendario ejecutivo discográfico y buscador de talentos del sello Columbia, John Hammond, quien firmó al grupo con la filial del sello Columbia "OKeh" en 1951.

Desde entonces sus grabaciones son muchas, tanto que prefiero animarte a visitar otras páginas dedicadas exclusivamente a su discografía. La productividad musical es impresionante, desde grabaciones improvisadas, en directo desde salas de Jazz, en el estudio, colaboraciones etc. y etc.

Formado tanto en Jazz tradicional como en estilo clásico europeo, Ahmad Jamal ha sido elogiado como uno de los mayores innovadores del Jazz a lo largo de su carrera. Siguiendo a grandes del Bebop como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, Jamal entró en el mundo del Jazz en un momento en el que la velocidad y la improvisación virtuosa eran fundamentales para el éxito de los músicos como artistas. Sin embargo, Jamal dio pasos en la dirección de un nuevo movimiento, más tarde acuñado como "Cool Jazz", un esfuerzo por mover el jazz en la dirección de la música popular. Hizo hincapié en el espacio y el tiempo en sus composiciones e interpretaciones musicales en lugar de centrarse en la cegadora velocidad del Bebop.

Tuvo un gran impacto sobre Miles Davies. Miles se pasaba cada vez que estaba en Chicago para ver en directo a Jamal (su trío) en la mítica sala "Pershing Lounge" para disfrutar y aprender estilos y técnicas que después incorporaría en sus trabajos.

Como ya he comentado, Ahmad Jamal (y su trio) han publicado muchísimas obras, pero hay uno que me gusta y pienso puede servir como introducción a este excepcional músico: "At the Pershing But Not for Me".

ALBUM: At the Pershing But Not for Me

 
Álbum publicado en 1958. Según la información del álbum, las cintas se grabaron el 16 de enero de 1958, en el "Pershing Lounge" del Pershing Hotel de Chicago y se grabó cada set tocado esa noche, un total de 43 pistas, de las cuales 8 fueron seleccionadas por Jamal para el álbum. Fue el primer álbum grabado en directo para Jamal.

También es el primer álbum del trío liderado por Ahmad Jamal, con el bajista Israel Crosby y el baterista Vernell Fournier, y fue un gran éxito en parte debido a la interpretación clásica del tema "Poinciana". El álbum presenta una interacción muy estrecha entre los músicos y versiones ligeras pero apasionadas de otras canciones como "But Not for Me", "Surrey With the Fringe on Top" y "Woody N´You". Un disco, ahora un clásico, que realmente definió el sonido distintivo de Ahmad Jamal.

El disco es relativamente corto, 30 minutos, y se aferra a una disciplinada interpretación de los "standards" (clásicos), aunque se da rienda suelta en "Poinciana" (tema más larga en duración) al trío para exponer todo su talento (…mola el bajo en esta versión). Este álbum vendió tanto que le permitió a Ahmad abrir su propio bar-restaurante-sala, "The Alhambra", donde sería su base de operaciones y sala de directos para su trio cuando no estaban de gira.

Un disco recomendado. Un álbum referente del piano Jazz y del Jazz moderno en directo. Los estándares interpretados aquí están hechos para que suenen como si estuvieran escritos para un entorno de Jazz moderno. Es una obra ideal para introducirte a Ahmad Jamal y una valiosa adición para cualquier fan del jazz ("Cool Jazz").

Por cierto, como somos tan modernos y estamos apoyados por tanta tecnología, el sonido podría ser mejor, pero estaba grabado en 1958 y ese toque "orgánico" casi improvisado da un toque diferente.

Video del corte "Woody N´You":

Tracklist:

1."But Not For Me" (George Gershwin, Ira Gershwin) – 3:32
2."The Surrey with the Fringe on Top" (Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II) – 2:35
3."Moonlight in Vermont" (Karl Suessdorf, John Blackburn) – 3:09
4."Music, Music, Music" (Put another Nickel In) (Bernie Baum, Stephen Weiss) – 2:56
5."No Greater Love" (Isham Jones, Marty Symes) – 3:26
6."Poinciana" (Buddy Bernier, Nat Simon) – 8:07
7."Woody N' You" (Dizzy Gillespie) – 3:40
8."What's New?" (Bob Haggart, Johnny Burke) – 4:11

Banda:

• Ahmad Jamal – piano
• Israel Crosby – bajo
• Vernel Fournier – batería

XTC | Black Sea - Album

XTC (Banda)

Uno de los grupos de Pop británico más inteligentes y pegadizas formado en Swindon en 1972. Liderada por los compositores Andy Partridge (guitarra y voz) y Colin Molding (bajo), la banda ganó popularidad durante el auge del Punk y el New-Wave en la década de 1970, tocando más tarde en una variedad de estilos que iban desde riffs angulares de guitarra hasta pop elaboradamente arreglado. XTC hereda la tradición británica de contar historias de "la vieja" y alegre Inglaterra de "The Kinks" antes que ellos, pero quizás los superan porque vieron más allá del Pop y pomposo. En parte porque "XTC" no encaja en las tendencias contemporáneas, sólo lograron un éxito comercial esporádico en el Reino Unido y Estados Unidos, pero atrajeron a un culto considerable. Desde entonces, han sido reconocidos por su influencia sobre bandas de Post-punk, Britpop y posteriores de Power-pop.

Andy Partridge, Colin Moulding y el baterista Terry Chambers formaron la primera versión de la banda alrededor de 1976, llamándose a sí mismos "Star Park". Cuando el Punk rock despegó en 1977, el grupo cambió su nombre a "Helium Kidz" y agregó al tecladista Barry Andrews. Después de ser rechazado por el sello "CBS Records", la banda cambió su nombre a "XTC" y consiguió un contrato discográfico con "Virgin"; lanzaron su primer EP, "3-D", en octubre de 1977. "White Music", el primer álbum de larga duración de la banda, fue grabado en una semana y se publicó a finales de año.

A mediados de la década de 1970, XTC tocaba en escenas Punk de Londres y era coherente con la música "New-Wave", aunque con una fuerte influencia Ska. Partridge sintió que su música era Pop desde el principio, no Punk o New Wave como a menudo se sugiere, y que los términos en sí mismos son redundantes de "Pop". A medida que se convirtieron en una banda de estudio, su material se hizo progresivamente más complejo. Más tarde, a veces se sugirió que XTC era una banda "Progressive". Andy Partridge no sintió que la banda fuera "Progresiva"  y expresó sus dudas con la palabra "progresivo", diciendo que prefería llamar a la banda "Pop exploratorio" en la misma línea que The Beatles o The Kinks.

XTC fue uno de los progenitores del Britpop, fueron influyentes para bandas de Power-pop posteriores como "Jellyfish and the Apples in Stereo", y anticiparon las bandas de Indie Art Pop de la 2000. El estilo de "guitarra pop post-punk" de XTC se hizo popular a principios de la década de 2000 entre bandas como Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand, Hot Hot Heat y Bloc Party...etc.

La discografía de XTC:

• White Music (1978)
• Go 2 (1978)
• Drums and Wires (1979)
• Black Sea (1980)
• English Settlement (1982)
• Mummer (1983)
• The Big Express (1984)
• 25 O'Clock (1985)
• Skylarking (1986)
• Psonic Psunspot (1987)
• Oranges & Lemons (1989)
• Nonsuch (1992)
• Apple Venus Volume 1 (1999)
• Wasp Star (Apple Venus Volume 2) (2000)

El catálogo de XTC es rico en contenido y en calidad. Como es habitual el material más "fuerte" son de los primeros años, con quizás el disco "Drums and Wires" haciendo que alcanzaran la cima de sus poderes creativos. Sin embargo, se mantienen en lo más alto con el álbum "Black Sea" que es el que más me gusta.

ALBUM: Black Sea

Cuarto álbum de estudio publicado el 12 de septiembre de 1980. Es la continuación de "Drums and Wires" del año anterior, y se basa en su enfoque en guitarras y baterías de sonido expansivo, pero con arreglos más económicos escritos teniendo en cuenta las presentaciones de conciertos posteriores de la banda, evitando sobre grabaciones a menos que puedan realizarse en directo.

Al igual que "Drums and Wires", Black Sea se grabó con el productor Steve Lillywhite y el ingeniero Hugh Padgham. Originalmente se tituló "Work Under Pressure" en referencia al agotador régimen de giras y grabaciones de XTC. Después de que su manager se quejara, el líder Andy Partridge ideó Black Sea como una referencia a su estado emocional mientras componía el álbum. De 1980 a 1981, la banda apoyó el álbum en gira como acto de apertura de Police. Su fatiga empeoró y XTC dejó de hacer tours indefinidamente en 1982.

Black Sea fue aclamado por la crítica y fue el álbum más exitoso del mercado estadounidense, alcanzando el puesto 41 en el Billboard 200. Para mi es el álbum más consistente y más comercial de "XTC" encajando perfectamente con el "New Wave" de finales de los años 70 y principios de los 80.

En este disco XTC continúa con el gran sonido de batería del álbum anterior "Drums and Wires", aunque más pulido y un enfoque aún más contundente: sus arreglos son más completos y más duros. Black Sea aborda más directamente las preocupaciones sociopolíticas, manejándolas no estrictamente en un sentido teórico, sino mostrando una respuesta humana a las circunstancias. La perspectiva sesgada de la banda y el sentido Pop de mediados de los años sesenta evitan que las cosas se vuelvan demasiado pesadas; se incluyen algunas de sus mejores canciones, como "Respectable Street", "Generals and Majors" y "Towers of London"... No hay una mala canción de principio a fin. Muchas buenas melodías de Pop-rock, bien escritas, pegadizas y a veces un poco oscuras, con dosis de Psicodelia, extravagancia y experimentación.

Un disco recomendado, pero ojo, es muy inglés. La banda viene de una larga tradición de contar historias "a la inglesa" que se fusiona con la particular forma de ver la vida y entender el humor dentro de una isla (Reino Unido) que está separado del continente Europeo. Además, aunque el Pop es universal, XTC nos propone su versión de música POP que tiene una notable dosis de experimentación que puede poner algún que otro oyente "fuera de juego"; pero como he comentado "Black Sea" es su trabajo más accesible y comercial. No obstante son advertencias mínimas y quizás estoy exagerando. En resumen, es un gran disco de New-Wave-Pop con melodías bestiales y pegadizas, muy entretenido. Buscarlo y escucharlo.

Video del tema "Generals and Majors":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A

1.         "Respectable Street"              3:38
2.         "Generals and Majors"                       4:05
3.         "Living Through Another Cuba"                  4:44
4.         "Love at First Sight"  Moulding        3:08
5.         "Rocket from a Bottle"                     3:30
6.         "No Language in Our Lungs"                       4:53

Cara B

1.         "Towers of London"  5:24
2.         "Paper and Iron (Notes and Coins)"  4:17
3.         "Burning with Optimism's Flames"   4:16
4.         "Sgt. Rock (Is Going to Help Me)"   3:57
5.         "Travels in Nihilon"    7:04

XTC: formación en "Black Sea":

Andy Partridge - voz, guitarra y sintetizador
Colin Molding - voz y bajo
Dave Gregory - guitarras, sintetizador, piano y vox humana
Terry Chambers: batería , sintetizador de batería,

Ayuda:
Step Lang: tarareando en "Generales & Mayores"