DAVE | Psychodrama

DAVE

David Orobosa Omoregie, conocido artísticamente y simplemente como DAVE, es un talentoso MC, cantante, compositor, pianista y productor. Nacido en Londres (Brixton) empezó muy temprano a componer y ser un virtuoso del piano con tan solo con 14 años.

Desde 2017 "DAVE" lleva publicando una serie de Singles, uno de ellos "Funky Friday" debutando en el Nº1 de las lista británicas en 2018. Naturalmente llegó el momento de dar el salto al formato LP y acaba de publicar su debut álbum "Psychodrama" el cual también entró directamente al Nº1 de ventas de álbumes británicas.

Estamos delante un nuevo talento de la música urbana (British Hip Hop).

Album: Psychodrama

Debut álbum de DAVE publicado el 8 de Marzo de 2019, impulsado por anteriores exitosos EPs (Six Paths y Game Over) y dos singles del disco en "Black" y "Streatham". El disco entró directamente al Nº1 de las listas de ventas británicas de álbumes y esta recibiendo la aclamación unánime de los críticos musicales, especialmente de su país.

Es un "Concept Album". El disco es la narrativa de las sesiones de terapia que mantuvo DAVE para combatir depresiones, malas relaciones, abuso infantil y desigualdad racial. La lucha para equilibrar su salud mental se expone en este álbum en tres partes: "el contexto", "las relaciones" y "lo social" y el artista nos invita participar en su intento de dominar sus tendencias depresivas.

Es inusual tener una obra musical que narra la vida de un joven artista y sus problemas tan honestamente como son su difícil y pobre juventud, el trauma de vivir con la ausencia de un padre, los abusos experimentados etc. y etc., donde coincide con el encarcelamiento de su hermano mayor a publicar este álbum. El primer Single "Psycho" comienza con DAVE hablando con su terapeuta un constante durante todo el disco.

Este brutalmente sincera narrativa "musical" ha calado profundamente con el público joven y con los especialistas musicales. El primero ve reflejado muchas de las experiencias descritas que desafortunadamente están y siguen "vivos" dentro de nuestra sociedad, y el segundo aprecia la valentía del joven artista contando su historia que es obviamente una terapia aparte de una necesidad de expresión artística.

En este álbum hay las colaboraciones de otros jóvenes artistas urbanos como J Hus ("Disaster"), Burna Boy ("Location")and Ruelle ("Lesley") cada uno presentes en un tema. El estilo musical es fundamentalmente Hip-Hop (estilo British), pero DAVE nos enseña sus talentos musicales con trozos de piano, cuerdas, arpa e incluso ritmos variados de drum & bass en sitios. Canciones notables son "Black", "Drama","Streatham", "Environment" y "Lesley", este ultimo un tema de 11 minutos que narra la historia de una mujer atrapada en una relación abusiva con un hombre cuya toxicidad infecta su vida de la peor manera.

En resumen, DAVE nos aparece con un debut álbum que ha caído como una bomba. Historias personales y difíciles que nos hacen reflexionar. La vida puede ser indiferente y una "ruleta" donde la suerte es desigual y donde las luchas por "sobrevivir" diarias pueden ser una montaña. No obstante, el álbum "Psycho" es un disco optimista, es la terapia de su autor y un ejemplo que con esfuerzo se puede superar muchas cosas negativas. Pero lo que brilla es que vía el arte y la música puedes trascender lo problemas "mundanos" y equilibrar tu alma.

Un álbum destinado para estar dentro de muchas listas de "Mejor Disco del 2019". Es posible que DAVE pueda ser el equivalente británico de “Kendrick Lamar”. Estas son palabras mayores, lo se, vamos a seguir la evolución y progresión de este artista y músico.

Canción "Psycho" del disco "Psychodrama" de DAVE:

Tracklist del álbum "Psycho":

1.         "Psycho"          4:09

2.         "Streatham"      3:26

3.         "Black" 3:48

4.         "Purple Heart"  2:44

5.         "Location" (featuring Burna Boy)          4:01

6.         "Disaster" (featuring J Hus)       4:00

7.         "Screwface Capital"     4:13

8.         "Environment"  3:23

9.         "Lesley" (featuring Ruelle)        11:08

10.       "Voices"3:18

11.       "Drama" 7:04

Tiempo total: 51:00

YO LA TENGO | I Can Hear the Heart Beating as One

YO LA TENGO (Banda)

Una breve historia:

Banda americana de INDIE ROCK formado en 1984 (New Jersey) por Ira Kaplan (voz, guitarra y piano), Georgia Hubley (voz, piano y batería) y James McNew (voz y bajo) formación estable desde 1992...además de Dave Rick (bajo, 1985) Mike Lewis (bajo, 1985–1986), Stephan Wischnewski (bajo, 1987–1989) y en 2015 vuelve guitarrista original Dave Schramm.

Con una carrera de más de 30 años y hasta 15 discos de estudio, YO LA TENGO no han conseguido un notable éxito comercial. No obstante, tienen y mantienen una fiel y amplia base de fans, el apoyo incondicional de los críticos y los elogios de los medios musicales especializados. Su repertorio es largo y lleno de canciones originales aunque también tocan en directo y en sus discos de estudio muchas canciones versiones de otros artistas y bandas.

La discográfica hasta ahora de YO LA TENGO:

• Ride the Tiger (1986)
• New Wave Hot Dogs (1987)
• President Yo La Tengo (1989)
• Fakebook (1990)
• May I Sing with Me (1992)
• Painful (1993)
• Electr-O-Pura (1995)
• I Can Hear the Heart Beating as One (1997)
• And Then Nothing Turned Itself Inside-Out (2000)
• Summer Sun (2003)
• I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass (2006)
• Popular Songs (2009)
• Fade (2013)
• Stuff Like That There (2015)
• There's a Riot Going On (2018)
  
• We Have Amnesia Sometimes (2020)
• This Stupid World (2023)

Hay discos para todos los gustos donde poder elegir de su discográfica. El álbum "ELectr-O-Pura" es magnífico y es habitual verlo mencionado como "un grande". Sin embargo, voy a recomendar uno de mis favoritos, y para mi el mejor disco de "Yo La Tengo", el titulado "I Can Hear the Heart Beating as One" del año 1997. Con este disco vemos como el "NOISE-ROCK" evoluciona hacia un "POP" que contiene elementos de "electrónica". Se expande los conceptos y se experimenta para introducir nuevas ideas e influencias para continuar la evolución y maduración del grupo.

Album: I Can Hear the Heart Beating as One

Es el octavo álbum de estudio publicado el 22 de April de 1997 y da un paso adelante incorporando sonidos y estilos del "krautrock" ("Spec Bebop"), "electrónica" ("Autumn Sweater"), "trip hop" ("Damaged"), "psychedelic folk" ("We're an American Band") y incluso el "bossa nova" ("Center of Gravity"). Un trabajo melancólico que tiene canciones cortas estilo baladas hasta temas más largas y trabajadas. Es el primer disco que entra en una lista de venta comercial para Yo La Tengo, por ejemplo la lista "Billboard Heatseekers". Se publicaron tres singles de este álbum, "Autumn Sweater", "Sugarcube" y un tema versión de The Beach Boys "Little Honda".

Es su nivel ecléctico que hace este disco tan especial, demostrando como el "POP" se puede expandir y dejar ser construido encima por diversos estilos musicales. Es un disco complejo y elaborado con una producción e instrumentalización que satura los sentidos con tanta riqueza ocurriendo simultáneamente en primer plano y en el fondo. Dicho de diferente manera,  Yo La Tengo consiguen con "I Can Hear the Heart Beating as One" poner orden al caos de su "Noise-Rock", dar profundidad a lo "mínimo" y riqueza a lo simple. Es más, te vendrá a la mente bandas como The Jesus & The Mary Chain, The Pixies, Primal Scream...etc., así es la capacidad de este álbum de tocar diferentes "palos".

Por estas razones, "I Can Hear the Heart Beating as One" esta considerado uno (si no el) de los mejores discos de Yo La Tengo. Los medios musicales especializados lo puntúan como uno de los grandes álbumes de los últimos 20 años: Allmusic (5/5), Spin (9/10), Rolling Stone (5/5), Pitchfork (9.7/10), NME (8/10)...etc.

Coincido con los elogios, este disco nos enseña que cabe dentro del "Indie-Rock" muchos estilos y que quizás hay que abrir más nuestra mente para aceptar nuevos sonidos. Este álbum nos ayuda apreciar el "arte" de "escuchar un disco" como obra, cosa que estamos perdiendo en estos tiempos de "streaming" y del dominio del "Single". Y lo más importante, con ya más de 20 años sigue sonando de actualidad y pienso que esto es señal de no solo calidad, pero grandeza.

Un disco recomendado, un álbum perfecto como introducción a "Yo La Tengo" y una obra para degustar tranquilamente. Buscarlo por los canales habituales, pienso que te va encantar si ya no lo conoces. Para mi es un álbum que vuelvo a él regularmente.

El video de la canción “Little Honda”, versión original de THE BEACH BOYS (Brian Wilson y Mike Love):

Tracklisting del disco "I Can Hear the Heart Beating as One":

1.         "Return to Hot Chicken"                                 1:38

2.         "Moby Octopad"                                5:48

3.         "Sugarcube"                            3:21

4.         "Damage"                                4:39

5.         "Deeper into Movies"                          5:23

6.         "Shadows"                  2:27

7.         "Stockholm Syndrome"                                   2:51

8.         "Autumn Sweater"                               5:18

9.         "Little Honda"  - Brian Wilson, Mike Love   3:07

10.       "Green Arrow"                        5:43

11.       "One PM Again"                                 2:25

12.       "The Lie and How We Told It"                                   3:19

13.       "Center of Gravity"                              2:42

14.       "Spec Bebop"                         10:40

15.       "We're an American Band"                             6:25

16.       "My Little Corner of the World” - Bob Hilliard, Lee Pockriss  2:24

Tiempo del álbum:        68:10 min.

FLYING LOTUS | Cosmogramma - Album

FLYING LOTUS (Músico y productor)

Es Steven Ellison, aka nombre artístico FLYING LOTUS, un Dj, músico y productor americano de Los Ángeles. Es el sobrino de la pianista de jazz Alice Coltrane (mujer del saxofonista John Coltrane) y graba música electrónica experimental.

Hasta ahora su discográfica incluye 5 álbumes:

2006: 1983
2008: Los Angeles
2010: Cosmogramma
2012: Until the Quiet Comes
2014: You're Dead!

Voy a recomendarte el tercer álbum "Cosmogramma", para mi su mejor trabajo hasta ahora. Un disco que tiene una historia y fondo detrás que lo da un contexto que hará entender y apreciar mejor este trabajo que fue aclamado universalmente como uno de los grandes discos del 2010.

Album: Cosmogramma

Tercer álbum de estudio lanzado el 3 de Mayo de 2010. Grabado en el apartamento de "Flying Lotus" con un PC, Sampler y caja de ritmos, incorpora instrumentación en directo. Es un disco de electrónica experimental con elementos de ambient y nu-jazz del que contiene las colaboraciones de notables músicos como Thom Yorke (Radiohead), Ravi Coltrane, Laura Darlington, Rebekah Raff (infinity), Thundercat (Suicidal Tendencies)...

La inspiración para este disco viene de la muerte de la madre de "Steven Ellison", que un año y medio antes perdió también a su tía Alice Coltrane. De aquí el título "Cosmogramma" que incumbe significados existencialistas y filosóficas sobre la vida y su significado. Esto hace que se crea un puente "mental" hacia otras áreas de reflexión como "experiencias fuera del cuerpo", "sueños", "viajes astrales", "psicodélica”...etc. y etc.,  temas recurrentes de este álbum.

La "muerte" esta muy presente en este álbum. El músico grabó audio de la habitación donde estaba su madre ingresada captando su respiración y sonidos de las máquinas que la monitorizaron durante su enfermedad como puedes apreciar en el ultimo tema del disco "Galaxy in Janaki".

Este álbum representa también un cambio musical para “Flying Lotus” introduciendo instrumentos como la arpa, bajo, cuerdas, la batería, saxofón, teclados y trompeta y no solo grabación con ordenadores. Este punto es un grandísimo plus para este álbum ya que lo dota de "humanidad" en el sentido que lo aleja de lo "artificial" acercandolo a lo "orgánico". No obstante, hay una base sólida de tecnología en la composición y producción del álbum via técnicas de "sampling", "delays", "ducking”...etc., llegando a ser comparado con otra obra "Endtroducing" de DJ Shadow.

Aunque no fue una bomba comercial en ventas, si fue recibido por los críticos y medios especializada como uno de los "Mejor Álbumes del 2010". El estilo ecléctico y la diversidad de "Cosmogramma" hace que medios como Allmusic, Consequence of Sound, NME, Pitchfork, Uncut, Wire, Stereogum, Paste... lo consideren el mejor disco electrónico del 2010. Aparecen nuevos términos como "Space Opera" y "Fusión Futurista" para posicionar este disco que se sale de lo habitual por su creatividad.

Resumiendo, no es un álbum que entra a la primera ni es para todo el mundo. Lo que sí puedo decir que es un disco que va gustar mucho al seguidor y fan de la música electrónica y de la experimentación. Una vez que pongas el "contexto" de este trabajo y que lo motiva puedes apreciarlo. Desde mi punto de vista es un gran trabajo de "electrónica", un Disco Recomendado que contiene creatividad, innovación y mucha emoción que lo arropa con humanidad. Quizás sea - por el momento - el mejor trabajo de "Flying Lotus". Buscarlo y dar este álbum una escucha.

Video del tema "Galaxy In Janaki" del álbum "Cosmogramma":

Tracklist del álbum "Cosmogramma":

1. "Clock Catcher" 1:12
2. "Pickled!" 2:13
3. "Nose Art" 1:58
4. "Intro//A Cosmic Drama" 1:14
5. "Zodiac Shit" 2:44
6. "Computer Face//Pure Being" 2:32
7. "...And the World Laughs with You" (con Thom Yorke; compositores: Steven Ellison, Thom Yorke) 2:55
8. "Arkestry" 2:51
9. "Mmmhmm" (con Thundercat; compositor: Stephen Bruner) 4:14
10. "Do the Astral Plane" 3:57
11. "Satelllliiiiiiiteee" 3:49
12. "German Haircut" 1:57
13. "Recoiled" 3:36
14. "Dance of the Pseudo Nymph" 2:46
15. "Drips//Auntie's Harp" 2:10
16. "Table Tennis" (con Laura Darlington; compositores: Ellison, Laura Darlington) 3:01
17. "Galaxy in Janaki"

HÜSKER DÜ | Zen Arcade - Album

Hüsker Dü

Banda americana HARDCORE-PUNK-ALTERNATIVE de Minnesota formado en 1979 por BOB MOULD (guitarra/voz), GREG NORTON (bajo/voz) y GRANT HART (batería/voz). Duraron hasta 1987 cuando los tres por problemas de salud y otros intereses ajenas decidieron disolver la banda.

Los comienzos de Hüsker Dü son de sonido "Hardcore-Punk", muy intenso y extremadamente acelerado. Influenciados por bandas como Dead Kennedys, DOA, Black Flag, The Ramones...etc.,  progresivamente irían incorporando temas más melódicas y "diluyendo" su sonido hacia un estilo más cerca al "Hard-Alternative Rock". Con el tiempo y con la práctica durante sus directos los miembros elevaron el nivel de sus talentos musicales para poder elaborar canciones más sofisticadas y complejas melódicamente.

Publicaron 6 álbumes de estudio, a continuación su discográfica:

• Everything Falls Apart (1983)
• Zen Arcade (1984)
• New Day Rising (1985)
• Flip Your Wig (1985)
• Candy Apple Grey (1986)
• Warehouse: Songs and Stories (1987)

Voy a recomendar su segundo álbum titulado "Zen Arcade". Primeramente, por que es uno de los "Mejores Discos del Rock". Segundo, porque es un álbum con narrativa al estilo "Dark Side of the Moon", por ejemplo, algo inusual dentro del Punk. Finalmente, porque se adelantaron al movimiento "Grunge" y a las bandas posteriores como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden...etc. Hüsker Dü, y este álbum, ya tenía en su base el desencanto y el pesimismo de los jóvenes que en los años 90 (Siglo XX) transmitirá los ya mencionados grupos.

Album: Zen Arcade

Segundo disco publicado el mes de Julio 1984. Este álbum es -en mi opinión - el mejor disco de Hüsker Du. Un doble álbum de 70 minutos que es más bien descrito como un "CONCEPT ALBUM", traducido más o menos,  es un álbum con una "narrativa". La historia de "Zen Arcade" es sobre un joven que huye de casa y de una vida familiar insatisfactoria, solo para encontrar el mundo exterior es aún peor. Es más, para que el disco se entienda como una "sola obra", una historia - "Concept" - y que se escuche de tirón nunca se lanzó singles de este disco, la idea era seguir de principio hasta el final "los conceptos".

El álbum era realmente innovador ya que incorpora dentro del Hard-Rock elementos de Psicodelia, Folk, Jazz y incluso Pop, además de interludios de piano - en "One Step at a Time" y "Monday Will Never Be the Same" - todos los cuales rara vez se tocan en el mundo del Hardcore-Punk. Avisa de la dirección musical que iban a llevar la banda con álbumes posteriores; más melodías y una evolución hacia el power-pop del "Alternative Rock".

Algunas canciones estrella del disco son "Something I Learned Today”, “Chartered Trips”,“Indecision Time”, “Standing by the Sea”, “Somewhere”, “Pink Turns to Blue”, “Whatever”, “I’ll Never Forget You",...por decir unos cuantos. Estas narrativas ya avisan del futuro, sobre una generación de jóvenes desencantados y con una visión pesimista del futuro. Con "Zen Arcade" ya se puede escuchar los principios del "Grunge".

El impacto de "Zen Arcade" llegaría a bandas como Pixies, Metallica, The Smashing Pumpkins, Therapy, Foo Fighters...y enseñaría que el hardcore no es incompatible con el pop, que hay sitio para melodías y otros instrumentos musicales (ejemplo, el piano).

Resumiendo, este álbum lo tiene todo. Para mi uno de los pocos doble álbumes sólidos de principio hasta su final, solo tienes que buscar los 70 minutos. Tiene fuerza, ritmo, cambios de estados, melodías, instrumentación, improvisación, innovación, experimentación, una narrativa y emoción. ¿Que más se puede pedir?

Un Disco Recomendado, uno de los "Mejores Álbumes del Rock Alternativo", y del ROCK en general, una obra adelantado a su tiempo, un álbum que sigue sonando de actualidad...un "hay que tener" disco.

El video de la canción "Something I Learned Today" de Hüsker Du:

Track listing del doble álbum "Zen Arcade":

Disco 1 - cara A

1.         "Something I Learned Today"  Bob Mould      1:58

2.         "Broken Home, Broken Heart"            Mould  2:01

3.         "Never Talking to You Again"  Grant Hart       1:39

4.         "Chartered Trips"         Mould  3:33

5.         "Dreams Reoccurring"  Hart, Mould, Greg Norton       1:40

6.         "Indecision Time"         Mould  2:07

7.         "Hare Krsna"  Hart, Mould, Norton    3:33

Disco 1 - cara B

8.         "Beyond the Threshold"           Mould  1:35

9.         "Pride" Mould  1:45

10.       "I'll Never Forget You"            Mould  2:06

11.       "The Biggest Lie"         Mould  1:58

12.       "What's Going On"       Hart     4:23

13.       "Masochism World"     Hart, Mould     2:43

14.       "Standing by the Sea"   Hart     3:12

Disco 2 - cara A

15.       "Somewhere"   Hart, Mould     2:30

16.       "One Step at a Time"   Hart, Mould     0:45

17.       "Pink Turns to Blue"     Hart     2:39

18.       "Newest Industry"        Mould  3:02

19.       "Monday Will Never Be the Same"      Mould  0:54

20.       "Whatever"      Mould  3:50

21.       "The Tooth Fairy and the Princess"      Mould  2:43

Disco 2 - cara B

22.       "Turn On the News"     Hart     4:21

23.       "Reoccurring Dreams" Hart, Mould, Norton    13:47

THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - Electric Ladyland

The Jimi Hendrix Experience (Banda)

El músico JIMI HENDRIX llega a Inglaterra en 1966 y forma una banda con NOEL REDDING (bajo) y MITCH MITCHELL (batería) para llamarlo "The Jimi Hendrix Experience". Rápidamente ganaron una reputación por sus directos y se consolidaron junto con la banda britanica "Cream" dentro de los "Power ROCK Tríos" (guitarra, bajo y batería). 

La música era una fusión de rock-psicodélico, blues y jazz liderado por el carismático e hipnotizante Hendrix y su manejo de la guitarra eléctrica. Hay la historia que fueron a ver "The Jimi Hendrix Experience" tocar en directo en Londres la "créeme de la créeme" del "British Rock": miembros de "The Beatles", "The Rolling Stones", Pete Townshend - "The Who", Jeff Beck y Eric Clapton. Después de la actuación Clapton y Townshend estaban de acuerdo que la banda liderada por JIMI HENDRIX habían cambiando para siempre la dirección del ROCK y del sonido de la guitarra electrica. Además Clapton mencionó que despues de ver Hendrix que ellos no "pintaban nada". Ese impacto brutal llegó a los Estados Unidos en 1967 vía el "Festival Pop de Monterey", aqui Jimi Hendrix prendió fuego a su "Fender Stratocaster".

En 1967 lanzan su debut álbum "Are You Experienced", considerado uno de los mejores debuts de la Historia del Rock, seguido del segundo álbum "Axis: Bold as Love" y finalmente el doble álbum "Electric Ladyland"

Álbum: Electric Ladyland

Es el tercer y último álbum de la banda "The Jimi Hendrix Experience" publicado el día 16 de Octubre del 1968. Un doble álbum lleno de canciones de Rock-Psicodélico, Hard Rock, Blues y Funk considerado uno (sino el más grande) de los "Mejores Doble Álbumes" de la Historia del Rock. Jimi Hendrix escribió todas las canciones (menos dos versiones: "Come On (Let the Good Times Roll)" de Earl King y "All Along the Watchtower" de Bob Dylan y "Little Miss Strange" de Noel Redding) aparte de ser el productor del doble álbum.

Su lanzamiento fue un éxito comercial llegando al Nº1 de ventas en los Estados Unidos y Nº6 en UK estando en sus listas 12 semanas. Fue el más exitoso comercialmente de los tres discos publicado bajo "Experience" y el único que llegó al Nº1.

Al principio algunos críticos y especialistas musicales (Melody Maker, Rolling Stone...) lo vieron algo denso y "mal estructurado". Lo que no se comprendía era que Hendrix y su banda habían ampliado las fronteras del Rock y costaba asumir la "Revolución".

Después,  y con el tiempo, muchos retractaron y admitieron que era una obra maestra con un Jimi Hendrix en la cima de sus habilidades, su creatividad y fama. Aparecen,  y siguen más que vigentes hoy las declaraciones como:

• "Uno de los mejores dobles álbumes en Rock"
• "El mejor trabajo de Jimi Hendrix"
• "Un clásico de la era rock-psicodélico"
• "Innovadora, presentando un estilo de rock-psicodélico arraigado en el blues"
• "El mejor disco de rock de todos los tiempos"

Medios musicales lo otorgan:

• 5/5 Allmusic
• 5/5 Uncut
• 5/5 Rolling Stone
• 10/10 PopMatters
• 5/5 Music Matters
• 5/5 Blender

...aparte de estar alto en todas las listas de "Los Mejores Álbumes" de la Historia.

Hay unas canciones ya clásicas como la reinterpretación de "All Along the Watchtower" (Bob Dylan) que es ya eterno, "Voodoo Chile" y su "wah wah", la psicodelia de "Burning of the Midnight Lamp", comentario social de "House Burning Down"...etc., aparte de innovaciones técnicas de grabación y de sonido (echo, efectos, multicapas...).

El álbum también tiene una impresionante lista de músicos colaboradores que participan en diferentes canciones añadiendo instrumentos o coros. Abajo hay una lista pero menciono algunos notables como Steve Winwood, Dave Mason, Chris Wood y Brian Jones.

Incluso hay innovación y "revolución" con el arte del doble álbum, en particular dentro del disco cuando se abre hay una foto de 19 damas desnudas del fotógrafo David Montgomery. Al principio Hendrix no le gusto y además algunos distribuidores lo prohibieron como "pornográfico", pero lo que si causo es "morbo" y más ventas por el "marketing" generado. Ya sabemos, falta prohibir algo para vender más.

En resumen, no solo es un Disco (doble) Recomendado, es una obra esencial para cualquier colección seria de música. Los lectores veteranos no van a necesitar que se "venda" este disco, es más que probable que llevan disfrutando de ello años y incluso décadas. Con los quien quiero animar a buscar, escuchar y tener el álbum "Electric Ladyland" son a los jóvenes de menos de 25 años que quizás aún no saben de JIMI HENDRIX. Hay mucho artista y músico joven - y amantes de la buena música - quizás saturado del "Pop Industrial" de nuestros tiempos que suena prácticamente igual. Volver un poco en el tiempo para conocer las "raíces" del Rock moderno, descubrir un talento y músico como JIMI HENDRIX (junto con su banda y miembros) que revolucionó la música y el Rock puede abrir otras puertas quizás antes cerradas. Lo dejo ahí.

El video de la canción "All Along The Watchtower" (Bob Dylan) versionada por "The Jimi Hendrix Experience":

The Jimi Hendrix Experience:

• Jimi Hendrix
• Noel Redding
• Mitch Mitchell

Músicos colaboradores "Electric Ladyland":

• Chris Wood – la flauta en "1983... (A Merman I Should Turn to Be)"
• Freddie Smith – saxo en "Rainy Day, Dream Away" y "Still Raining, Still Dreaming"
• Steve Winwood – órgano en "Voodoo Chile"
• Mike Finnigan – órgano en "Rainy Day, Dream Away" y "Still Raining, Still Dreaming"
• Al Kooper – piano en "Long Hot Summer Night"
• Dave Mason – guitarra de 12 cuerdas, coros en "Crosstown Traffic" y "All Along the Watchtower"
• Jack Casady – bajo en "Voodoo Chile"
• Buddy Miles – batería en "Rainy Day, Dream Away" y "Still Raining, Still Dreaming"
• Larry Faucette – congas en "Rainy Day, Dream Away" y "Still Raining, Still Dreaming"
• Brian Jones – percussion en "All Along the Watchtower"
• The Sweet Inspirations – coros en "Burning of the Midnight Lamp"

Track listing original:

Cara A - Disco 1

1.         "...And the Gods Made Love"  1:21

2.         "Have You Ever Been (To Electric Ladyland)" 2:11

3.         "Crosstown Traffic"      2:25

4.         "Voodoo Chile"           15:00

Cara B - Disco 1

1.         "Little Miss Strange" (Noel Redding)    2:52

2.         "Long Hot Summer Night"       3:27

3.         "Come On (Let the Good Times Roll)" (Earl King)      4:09

4.         "Gypsy Eyes"   3:43

5.         "Burning of the Midnight Lamp"           3:39

Cara A - Disco 2

1.         "Rainy Day, Dream Away"       3:42

2.         "1983... (A Merman I Should Turn to Be)"      13:39

3.         "Moon, Turn the Tides...Gently Gently Away"  1:02

Cara B - Disco 2

1.         "Still Raining, Still Dreaming"    4:25

2.         "House Burning Down"            4:33

3.         "All Along the Watchtower" (Bob Dylan)         4:01

4.         "Voodoo Child (Slight Return)" 5:12

RYLEY WALKER | Golden Sings That Have Been Sung - Album

Ryley Walker (Músico)

Un americano cantautor y guitarrista. Músico curtido dentro del circuito indie y directos de la ciudad de Chicago donde se ha ganado muchos fieles seguidores y aclamación por sus composiciones y de ser un virtuoso de la guitarra. Su manejo de la guitarra de 6 y 12 cuerdas es impresionante creando un sonido único y especial. Muchos de los medios especializados le comparan al músico de "primitive guitar" el americano Jack Rose y a músicos británicos de folk como Davy Graham y Bert Jansch. No obstante, aunque estos nombres impactan sobre Walker y sus sonidos místicos-folk británico de los años 60 y 70 (Siglo XX) son los músicos como Tim Buckley, John Martyn y Terry Callie que más influyen a Walker y más se aprecian en su música.

Su discográfica hasta la fecha es la siguiente (quitando EPs):

• All Kinds of You (2014)
• Primrose Green (2015)
• Land of Plenty (2015) con Bill MacKay
• Golden Sings That Have Been Sung (2016)
• Deafman Glance (2018)
• The Lillywhite Sessions (versiones del "Dave Matthews Band álbum" del 2001) (2018)

Es precisamente con "Golden Sings That Have Been Sung" de 2016 que voy a enfocarme y recomendar. Para mí un disco que merece más atención y reconocimiento ya que se escucha un gran salto en calidad y una evolución musical.

Album: Golden Sings That Have Been Sung

El tercer álbum de estudio (o cuarto, depende si el disco "Land of Plenty" con Bill MacKay lo consideran suyo) publicado Agosto del 2016. En este álbum Walker pone más énfasis en sus habilidades como compositor y menos sobre su extraordinario talento como guitarrista.

En "Golden Sings That Have Been Sung" se rinde un homenaje al "sonido Chicago" de los años 90 (Siglo XX) evocando artistas locales como Jim O'Rourke y Gastr del Sol. Es un disco que contiene estilos del Blues, Jazz y Folk arropado por una producción limpia y brillante.

Algunos críticos musicales (ej Pitchfork) elogian el 1º corte titulado "The Halfwit In Me" como su mejor canción jamás. Tanta aclamación y altura obviamente relegan las otras 7 canciones, tenemos que ser más flexibles. Si, hay piano en "Funny Thing She Said", piano electrico en "Sullen Mind" y el arpa en "Age Old Tale"...etc., el uso de otros instrumentos más allá de su reconocido uso de la guitarra. Aquí esta la fuente de algunas críticas hacia este álbum, el no entender porque Ryley Walker no continúa poniendo en primer plano su punto más fuerte, la guitarra.

Y yo pienso, ¿y si Walker busca experimentar y probar nuevas ideas? ¿No puede? Si el fan o el oyente busca guitarra están sus dos anteriores álbumes, aquí - al menos yo - aprecio escuchar y poder experimentar otras facetas del músico. No obstante estoy en acuerdo con los "desilusionados" que algunas canciones podrían ser más cortas, y que efectivamente existe algo de indulgencia. Dicho esto, se puede perdonar.

Pienso, que es un álbum que necesita más cariño y más escucha para poder asimilar sus grandes momentos y valientes puestas en escenas de ideas. El talento de Ryley Walker sigue patente y presente, la apuesta por "algo diferente" puede que descoloque pero sigue siendo un muy, muy buen álbum. Un disco recomendado quizás algo subestimado que merece más atención. Una obra meritoria dentro del "American Folk".

Como siempre tú decides, además tiene otros excelentes álbumes en su catálogo. Ryley Walker es un muy talentoso músico y excepcional artista.

El video de la canción “"The Roundabout" del álbum “Golden Sings That Have Been Sung”:

Track listing del álbum:

1.         "The Halfwit in Me"      5:54

2.         "A Choir Apart"           3:11

3.         "Funny Thing She Said"            6:26

4.         "Sullen Mind"   6:32

5.         "I Will Ask You Twice"           2:02

6.         "The Roundabout"        4:41

7.         "The Great and Undecided"     3:39

8.         "Age Old Tale"          8:12

RIDE | This Is Not A Safe Place - Nuevo álbum 2019

RIDE

Banda británica de Oxford formado en 1988 por Andy Bell (voz, guitarra y teclados), Mark Gardener (voz y guitarra), Steve Queralt (bajo) y Laurence Colbert (batería). Reconocidos como una de las bandas pioneras del movimiento "Shoegaze" en el Reino Unido durante la década de los 90 (siglo XX).

Su álbum debut titulado "NOWHERE" publicado el 15 Octubre de 1990 es considerado por los especialistas y críticos musicales como una obra maestra e impulsor del sonido "Shoegaze". Un disco repleto de singles y de grandes temas que difícilmente pudieron superar, excepto con el segundo "Going Blank Again" que fue más comercialmente exitoso. Recomiendo que busques ambos trabajos y las deis una escucha.

La trayectoria de RIDE se puede describir en dos fases:

a) 1988 - 1996 donde publicaron cuatro álbumes:

• Nowhere                     1990  
• Going Blank Again        1992   
• Carnival of Light          1994  
• Tarantula                     1996

b) 2014 – actual:

La reunificación de RIDE da un álbum publicado en 2017 y otro apunto de serlo (momento de escribir este post, ver más abajo):

• Weather Diaries           2017  

Durante los 23 años entre las dos fases mencionados los miembros de RIDE siguieron con diferentes proyectos:

• Andy Bell fue el bajista de la banda "OASIS"
• Mark Gardener y Laurence Colbert formaron la banda "Animal House"

En 2014 RIDE se reúnen para algunos conciertos y Festivales para despues lanzar en 2017 su 5º álbum "Weather Diaries". Acaban de anunciar un nuevo y 6º álbum titulado "This Is Not a Safe Place". Será apoyado y promocionado con una gira de directos y actuaciones en Festivales.

Album: This Is Not A Safe Place (2019)

La relativamente buen acogida del álbum "Weather Diaries" de 2017 ha animado a RIDE a entrar de nuevo en el estudio para grabar su sexto disco "This Is Not A Safe Place" previsto para lanzamiento el 16 de Agosto bajo la dirección-producción de (DJ) Erol Alkan. Este último nombre - que también fue productor de "Weather Diaries" - nos puede dar pistas y anunciar un álbum con elementos "electrónicos" y/o con una elaboración más "tecnológica". Habrá que ver ya que solo tenemos disponible el avance y primer single "Future Love", el cual suena muy en la línea del RIDE de "toda la vida". El hecho es que muy gusta, es una buena tarjeta de presentación que seguro hará los muchos fans deseosos poder escuchar más material. Estaré pendiente de saber más noticias y poder escuchar más canciones de este nuevo disco.

Por ahora nos tenemos que conformar con el video del nuevo single "Future Love":

¿Qué te parece?

Tracklist del disco "This Is Not A Safe Place" previsto para el 16 de Agosto:

1. R.I.D.E.

2. Future Love

3. Repetition

4. Kill Switch

5. Clouds of Saint Marie

6. Eternal Recurrence

7. 15 Minutes

8. Jump Jet

9. Dial Up

10. End Game

11. Shadows Behind the Sun

12. In This Room

PD. Album "Interplay" (2024)

PLAGUE VENDOR | By Night - Album

Una banda dando que hablar y que molan son PLAGUE VENDOR. Cuarteto americano con Brandon Blaine (voz), Jay Rogers (guitarra), Michael Perez (bajo) y Luke Perine (batería) que están afincados en Los Ángeles, California y ofrecen un sonido PUNK-ROCK energético sin que te "ralles". Publicaron su álbum debut en 2014 titulado "Free To Eat" que fue seguido por el segundo disco en 2016 titulado "Blood Sweat", ambos bien recibidos por los medios especializados.

Album "By Night" (2019)

El día 7 de Junio publican su tercer y nuevo álbum titulado "By Night" y lo que he podido escuchar y leer por la red parece que dan un giro hacia un sonido más "comercial". Esto no es malo, hay que abrir público e intentar ganarse uno la vida con su música. Además las nuevas formas de consumir música por las plataformas de "Streaming" (Spotify, Deezer, Soundcloud, YouTube etc) estan recortando la capacidad de retener la atención suficiente para apreciar la música. La nueva regla es..."O me entra esta canción en los primeros 10 segundos o paso".

El nuevo single y adelanto titulado "New Comedown" comienza fuerte, batería, un bajo predominante, un pegadizo riff y a cantar... un tema movidito que va subiendo para entrar en la materia. Recuerdan algo a "Queens of The Stone Age", "Cage The Elephant", "Interpol" "Franz Ferdinand" y bandas de este palo. Lo que he oído de los otros temas, por ejemplo, "All of The Above",  hay diversidad, experimentación y nuevos sonidos.

Para grabar "By Night" se encerraron 11 días sin distracciones en el estudio "EastWest" con el productor John Congleton (St.Vicente, Chelsea Wolfe...). Bajo la dirección de John Congleton, encuentran un equilibrio, un sonido potente pero no demasiado pulido añadiendo nuevos elementos como coros de bajo en capas, destellos de sintetizador e incluso una sección de cuerdas. Novedades que sorprenderán a los fans.

A mi me mola, única pega es la portada del disco que podía ser mejor. Creo que el arte no capta el espíritu de la banda ni los ayuda transmitir su "Motherf*cker" actitud que si lo hacen muy bien durante sus actuaciones en directo.

Dales una escucha. Mantengo un seguimiento sobre el grupo y su evolución. Es comprensible el "toque" más comercial que han decidido introducir en "By Night", vemos como reacciona la gente. No obstante, apoyaran este disco con una gira de actuaciones en directo, una gran oportunidad para poder despejar posibles dudas.

El single "New Comedown" del álbum "By Night", buen vídeo:

RAMMSTEIN | Sehnsucht - Album

RAMMSTEIN (Banda alemán)

Banda alemana (miembros originalmente del Este antes de la unificación) de INDUSTRIAL METAL formado en 1994 por Till Lindemann (voz principal, armónica), Richard Z. Kruspe (guitarra, voz), Oliver "Ollie" Riedel (bajo), Paul H. Landers (guitarra, voz), Christian "Flake" Lorenz (teclado, sintetizador, samples) y Christoph "Doom" Schneider (batería). RAMMSTEIN son muy populares en Alemania y han recibido aclamación mundialmente por sus directos que son un espectáculo de disfraces, pirotecnia y actuaciones teatrales. El nombre de la banda hace referencia a la base americana en Alemania del mismo nombre donde en 1988 durante una exhibición aérea colisionaron tres aviones Italianos cayendo sobre los espectadores matando 67 personas y los tres pilotos, además de herir 350 personas.

La banda no se esconde de su abrumadora oferta musical y de las puestas en escena de sus vídeos y sus actuaciones en directo llenas de controversia. Sus mensajes ambiguos y muchas veces cruzados y opuestos hacen referencia a la sexualidad con un fuerte componente pornográfico, letras explícitas (un ejemplo la canción "Te quiero puta"), alusión e imágenes políticas, incitación a la violencia (aunque esto es muy exagerado y yo diría falso)...referencias al sadomasoquismo, la homosexualidad, la intersexualidad, el incesto, la pedofilia, la necrofilia, el canibalismo, la piromanía, la religión y la violencia sexual. Como se puede apreciar la "estrategia" (marketing) es el tratamiento de choque (shock treatment) y el escándalo, aunque lo que mucha veces no se aprecia es el uso del "doble sentido" y "el humor".

Trasladando a una parte sus métodos de "venderse como banda", su música es principalmente en alemán surtiendose de la literatura, y porque es el idioma de "la fuerza y la rabia". Hay una mezcla potente de "Hard Rock-Hard Core" con la electrónica (ritmos y samples) que entra fácilmente en el género del "INDUSTRIAL METAL". TRENT REZNOR de "Nine Inch Nails" es un gran fan y ayudó en la entrada de los alemanes en el mercado americano, además de convertir en fan al cineasta David Lynch el cual utilizó música de Rammstein en algunas de sus películas.

Han tomado un tiempo estos ultimos años para seguir proyectos paralelos, y tienen previsto volver este año (2019) con su séptimo y nuevo disco aún (en este momento) sin título.

La banda alemana tiene publicados los siguientes álbumes:

• Herzeleid (1995)
• Sehnsucht (1997)
• Mutter (2001)
• Reise, Reise (2004)
• Rosenrot (2005)
• Liebe ist für alle da (2009)
• TBA-previsto para publicar sin título (20-)

Mi álbum favorito es "Sehnsucht" de 1997 y es mi álbum recomendado.

Album: Sehnsucht

Es el segundo álbum de RAMMSTEIN publicado el 25 de Agosto del 1997 con el título traducido al español (más o menos) a "Anhelo". Un disco totalmente en alemán (menos el tema escondido “Stripped”) y donde los críticos musicales lo describen como "Neue Deutsche Härte" (el nuevo sonido Alemán Fuerte) con elementos "electrónicos - sampling" que lo lleva al "Industrial Metal". Un disco que arrasó en Alemania con más de 500.000 copias vendidas y consiguió Platino en EE.UU con más de 1.000.000 de ventas, todo un hito para ser un disco en alemán. El apoyo dado a este álbum con una gira extensa, larga y mundial fueron clave para su éxito comercial. Es casi obligatorio poder ver Rammstein en concierto para poder captar, experimentar y entender la banda y el concepto, cosa que una vez entendido te conviertes en un fan de ellos. La aceptación americana fue tan buena que fueron nominados "Best Metal Performance" (por sus directos) para los Grammy Awards. En resumen, el álbum “Sehnsucht” convierte RAMMSTEIN en una banda mundialmente reconocida y banda más exitosa de Alemania.

El álbum tiene unos temas muy potentes como “Engel”, “Buck Dich”, "Sehnsucht" y el electro-techno-rock de “Du Hast” que es un auténtico bombazo. El idioma alemán va perfecto con el sonido “Metal” y la voz y tono de Till Lindemann le da un toque “oscuro”, diabólico y siniestro a todo el álbum.

Hay una mezcla muy efectivo y clave del disco que lo hace especial, la mezcla de las fuertes guitarras de Richard y Paul que se fusionan con los toques electrónicos de Christian “Flake”. Es inusual tener las ganas de bailar a temas que son de “Metal”, es decir encajan en discoteca igualmente que estar haciendo “slam-dance” o “stage-diving”. Esta fusión de sonidos y estilos es un puntazo del álbum. Y para añadir un punto anecdótico, la portada de “Sehnsucht” viene con 6 diferentes versiones de las caras de los componentes de Rammstein.

En definitiva, un álbum que quizás no entre a todo el mundo a primeras y necesite alguna repetida escucha. Como ya he mencionado la oportunidad de poder ver Rammstein en directo e interpretar temas de este álbum es clave para ganarte 100%. No obstante, es el disco que “rompe” definitivamente la banda y les abre las puertas al mercado americano. Además no hay ningún grupo, ni Alemán, Europeo o Americano que suenen igual en el panorama “Metal-Rock-Industrial”, tiene un puesto ganado para ellos mismos.

Un Disco Recomendado si no les conoces y quieres emociones fuertes, y un gran álbum para los fans del “Industrial-Rock-Electrónico”. 

El video de la canción “Du Hast” del álbum “Sehnsucht” (veras la influencia del cine y cultura americana - ejemplo Tarantino y su "Reservoir Dogs" - sobre Rammstein:

Tracklisting del álbum  “Sehnsucht”:

1.         "Sehnsucht" ("Longing")           4:04

2.         "Engel" ("Angel" feat. Bobo)     4:24

3.         "Tier" ("Animal")                      3:47

4.         "Bestrafe mich" ("Punish Me")  3:38

5.         "Du hast" ("You Have")            3:55

6.         "Bück dich" ("Bend Over")       3:22

7.         "Spiel mit mir" (Play with Me)  4:46

8.         "Klavier" ("Piano")                   4:24

9.         "Alter Mann" ("Old Man")        4:24

10.       "Eifersucht" ("Envy")                3:37

11.       "Küss mich (Fellfrosch)" ("Kiss Me Fur Frog") 3:30

Hidden track: “Stripped” (en ingles)

THE WHO - Live At Leeds - Album

THE WHO (Banda)

Banda británica formado en Londres el año 1964 por Pete Townshend, Roger Daltrey, John Entwistle y Keith Moon. Son considerados unas de las bandas más influyentes del ROCK del Siglo XX vendiendo más de 100 Millones de álbumes mundialmente.

El legado de THE WHO es profundo, son acreditados como los creadores del "Rock Opera" con el disco "Tommy" (1969) al igual de ser citados como unas de los más grandes bandas en directo. Pioneros del uso del "power chord", el "feedback" (sonido distorsionado de guitarra) y destrozar sus instrumentos en directo, tambien innovaron en la cultura "Pop" vía un movimiento social entre jóvenes (Mods) y en la moda y su diseño.

Impactaron directamente sobre bandas como Pink Floyd, Jimi Hendrix, The Beatles, MC5, The Stooges, The Ramones, Sex Pistols, The Jam, The Clash, Guns N Roses, Blur, Oasis, Green Day... por decir algunos. Si quieres profundizar más hay miles de artículos, muchos libros y documentales para poder saber más sobre esta banda y de sus componentes, cada uno con unas historias muy interesantes y llamativas, aunque con excesos, nada que asuste siendo el mundo del Rock N Roll de los años 60 y 70 del Siglo XX.

La discografía de álbumes de estudio de THE WHO es:

• My Generation (1965)
• A Quick One (1966)
• The Who Sell Out (1967)
• Tommy (1969)
• Who's Next (1971)
• Quadrophenia (1973)
• The Who by Numbers (1975)
• Who Are You (1978)
• Face Dances (1981)
• It's Hard (1982)
• Endless Wire (2006)

Además hay otra larga lista de álbumes re-lanzados, remasterizados y en directo, los cuales solo voy a mencionar a "LIVE AT LEEDS" publicado en 1970, considerado el mejor directo de la historia y el cual será objeto de resumen y a continuación mi disco recomendado.

Album: "Live At Leeds" 

¿Es el mejor álbum en directo de todos los tiempos?

Es el primer álbum en directo de la banda The Who grabado en "The University of Leeds" el 14 de Febrero de 1970. Una actuación que tenía la formación Roger Daltrey (voz), Pete Townshend, (guitarra) John Entwistle (bajo) y Keith Moon (batería).

THE WHO estaban cansados de tocar el estilo "Art-Rock" ("Rock-Ópera") de su exitoso álbum de estudio "Tommy" en gira y buscaban cambiar de sonido volviendo al Rock y con la fuerza del directo. La actuación del directo de "The University of Leeds" fue elegido seleccionando 6 canciones y elaboraron una portada que da la sensación de ser "bootleg" (version pirata),  y así dando su próximo lanzamiento el  título de "Live At Leeds". A continuación esta el track listing:

1. "Young Man Blues" (Mose Allison) 4:46
2. "Substitute" 2:10
3. "Summertime Blues" (Jerry Capehart, Eddie Cochran) 3:22
4. "Shakin' All Over" (Johnny Kidd) 4:20
5. "My Generation" 14:45
6. "Magic Bus" 7:57

El álbum abre con un tema R & B habitual en las actuaciones de THE WHO, "Young Man Blues" y fue "extendido" con una fase de instrumentación. El segundo corte es el single de 1966 "Substitute" y el tercer corte es "Summertime Blues" adaptado con más fuerza, más guitarra y cambios en los acordes...una bomba acústica. La cancion numero cuarto es "Shakin All Over" donde se incluye una sección de improvisación en directo. Tema numero 5 es una larga interpretación de su clásico "My Generation" de casi 15 minutos que incluye improvisionacion y un "medley" de otros temas como "See Me, Feel Me" y el final de "Sparks" de Tommy. El álbum termina con "Magic Bus" con Roger Daltrey tocando la armonica y tambien se extiende la cancion.

La aceptacion fue muy buena por los fans de "The Who" y los seguidores de la música rock. El álbum llegó al Nº3 de lista UK de álbumes y Nº4 en el Billboard americano. Tuvo más éxito comercial en los Estados Unidos que en el UK, vendiendo más de 2 Millones en EE.UU y más de 100.000 copias en UK.

No obstante, a nivel de escrutinio por los especialistas y de los medios musicales, "Live At Leeds" es considerado uno de los "Mejores Discos en Directo" de todos los tiempos. Se transmite una fuerza y caos ordenado en este disco que pocas veces se ha vuelto a captar. Hay momentos de HARD BLUES que rivalizan a LED ZEPPELIN y HEAVY METAL que iguala DEEP PURPLE. La revista "Mojo" cita el directo como el sitio donde nació el Rock de los 70 y la revista "PopMatters" es tajante comentando que "Live At Leeds" es el Mejor Álbum en Directo". Con esta última afirmación se suman los especialistas de prensa-medios como "The Daily Telegraph","The Independent","Q magazine", "Allmusic", "Blender" y "Rolling Stone".

Estoy de acuerdo. Con "Live At Leeds" tenemos a los cuatro componentes de The Who en su mejor momento artístico y musicalmente. Los años de giras les había curtido en sus artes, en sonido y en intensidad con una entrega siendo explosivamente exquisito. Este álbum en directo es una avalancha de sonidos Rock amplificado al máximo para "enterrarte" en el "Roll". Una bomba de disco que transpira la pura energía del Rock y lo que debe ser un directo. El crítico Nik Cohn del "New York Times" escribió:

"Sin excepción, las canciones son ​​increiblemente ruidosas, crudas, viciosas y totalmente excesivas. Sin excepción, por primera vez, toda la fuerza del grupo se ha capturado en un disco, una ferocidad y poder sin igual"

El álbum "Live At Leeds" establece el camino para el resto de las bandas de la década de los años 70 (Siglo XX), la dirección es el "Rock N Roll" con fuerza.

¿Es "Live At Leeds" el Mejor Álbum en Directo de todos los tiempos? Para mi esta muy cerca. Lo ideal es que te hagas con una copia, archivo o lo busques por las muchas plataformas de "streaming". La respuesta los tienes tú!

Disco recomendado

un pedazo de álbum en directo pocas veces igualado, sin no, nunca.

El video de "Young Man Blues" del álbum "Live At Leeds":

Tracklist (LP original):

Cara A:

"Young Man Blues" (Mose Allison) – 4:52

"Substitute" – 2:23

"Summertime Blues" (Jerry Capehart, Eddie Cochran) – 3:27

"Shakin' All Over" (Johnny Kidd) – 4:24

Cara B:

"My Generation" – 14:47

"Magic Bus" – 7:50

PUSHA-T | Daytona - Album

Pusha-T

Terrence LeVarr Thornton, aka PUSHA-T, es un artista HIP-HOP y MC americano. Después de una juventud de trapicheos y tráfico en drogas crea con su hermano el dúo de Rap CLIPSE en 1993 donde tuvieron bastante éxito bajo el manejo del productor "Pharrell Williams - The Neptunes". Comienza una larga carrera que experimenta la disolución de "Clipse" en 2010 y posteriormente una carrera en solitario lanzando numerosos singles, álbumes y un sin fin de colaboraciones con los mejores y más "in" del Hip-Hop americano. Un artista seguido por la controversia y en sus últimos años estaba más en las noticias por sus "peleas dialécticas" con otros artistas (ejemplos, Lil Wayne y Drake) que por su música.

Unas de esas "peleas" fue con el artista Kanye West que se soluciono para después ser el propio West que produce su último álbum "Daytona" (2018). Es este álbum que voy a recomendar siendo hasta el día de hoy, el mejor álbum de PUSHA-T, unos de los Mejores discos de HIP HOP y del año 2018. Además es responsable de poner de nuevo al "veterano" Pusha-T en la cima y actualizado, gracias a gran parte al extraordinario producción de Kanye West.

Album: Daytona

Es el tercer álbum de estudio de Pusha-T publicado el 25 de Mayo de 2018 después de una espera de tres años desde su anterior trabajo "Darkest Before Dawn: The Prelude”. Aparte de un excelente disco como MC, es el mejor álbum de Pusha-T como solista y un álbum complementado y sostenido por una impresionante producción de las manos de KANYE WEST. Esta brutal combinación lo hizo (y lo hace) unos de los grandes lanzamientos del HIP-HOP en los últimos años. En 2018 el álbum "Daytona" es casi unánimemente seleccionado por los especialistas y los medios musicales como el "Mejor Álbum de Hip Hop" del 2018.

Solo tiene 7 canciones y dura 21 minutos, pero es intenso y empaqueta mucho en tan poco espacio. Como es habitual con las producciones de Kanye West, el disco es alimentado por una selección de "fragmentos-samples" y ritmos que solo los puede localizar un "freak" de la música y con unos profundos conocimientos de la historia de la música (ver abajo lista de samples) como los de West. 

Como no podía ser de otra manera en el mundo del Hip-Hop americano, y en especial con personalidades como Pusha-T y Kanye West, el álbum no esta exento de controversia. Poniendo a un lado los frecuentes intercambios y repartos de comentarios de menosprecio hacia otros artistas (Pusha-T vía la canción "Infrared" denuncia el "ghostwriting" de "Drake" y entra en su vida privada...aparte de otro artista "Lil Wayne") la portada del álbum llamó mucha la atención. Es la foto del cuarto de baño de Whitney Houston lleno de parafernalia y artilugios para el consumo de drogas. Muchos lo consideraron de muy "mal gusto", aunque visto del punto de "Marketing" consiguió su objetivo. No olvidemos que Kanye West es un experto de la "comunicación y marketing de choque" y fue él quien pagó los 85,000 US$ para los tener los derechos de la foto y cambiar la portada de "Daytona" en el ultimo momento para ser lo que es. 

Volviendo al álbum, en su núcleo es un trabajo de "Gangster Rap", es inevitable teniendo en cuenta la historia del propio Pusha-T (Pusha = término "Camelo") , pero se escucha también una persona que ha madurado y parece ser ha aprendido algunas lecciones de la vida. Hay momentos introspectivos, de reflexión personal y algún que otro arrepentimiento. Pero no nos engañemos, no es nada sentimental, los 7 cortes son narrativas de una persona muy curtido por los palos y de la competitividad de la calle, de los excesos y "engaños" de su profesión y de tener que buscarse la vida, de nuevo y otra vez. Aquí Pusha-T puede dar la gracias a Kanye West por ayudar darle un moderno e innovador sonido a la "Banda Sonora" de su nueva vida. Ultimo, "Daytona" fue nominado para los GRAMMY AWARDS de 2019, la ganadora fue finalmente Cardi. B, una decisión más en la línea con lo "comercial" y el "conservadurismo" de "la Academia".   

Un gran álbum de HIP-HOP, excelente en las técnicas de MC, maravilloso con la producción y del uso de "sampling". Buenas narrativas,  y como comenta el propio artista en una entrevista:

"Este es el álbum de Rap que no puede faltar en tu discografía. No seguí ninguna de las reglas que lo demás están siguiendo" – PUSHA-T (fuente: Noisey US)

Un DISCO RECOMENDADO, ya es un clásico en unos años será un disco referente del HIP-HOP, si ya no lo es.   

El video del tema “Come Back Baby”:

Tracklist y "samples-fragmentos" utilizados:

• "If You Know You Know" contains a sample of the recording "Twelve O'Clock Satanial" performed by Air and written by Al Gwylit and Richard Nisbet.
• "The Games We Play" contains samples of "Heart 'N Soul", performed and written by Booker Averheart; and interpolations from "Politics as Usual", written by Cynthia Biggs, Shawn Carter, Dexter Wansel and David Anthony Willis.
• "Hard Piano" contains samples from "High as Apple Pie Slice II" recorded by Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band.
• "Come Back Baby" contains a sample of "The Truth Shall Make You Free", performed by The Mighty Hannibal and written by James T. Shaw and an uncredited sample of "I Can't Do Without You", written and performed by George Jackson.[78]
• "Santeria" contains a sample of "Bumpy's Lament", performed by Soul Mann & the Brothers and written by Isaac Hayes.
• "What Would Meek Do?" contains samples from the Yes recording "Heart of the Sunrise", written by Jon Anderson, Christopher Squire and William Bruford.
• "Infrared" contains samples of the recording "I Want to Make Up" performed by 24-Carat Black and written by Robert Manchurian; and interpolations from "Prelude", written by Shawn Carter and Mark James.