TEARS FOR FEARS - Songs from the Big Chair - Album (Revisited)

Como amantes de la música, todos tenemos álbumes que se sienten como compañeros entrañables, discos que profundizan su significado con cada escucha. "Songs from the Big Chair" de Tears for Fears es precisamente una de esas colecciones atemporales. Aunque quizás ya conozcas sus éxitos icónicos, revisitar este influyente álbum de 1985 revela una profundidad y sofisticación que va mucho más allá de la simple nostalgia. Así que, ya sea que lo descubras por primera vez o que reencuentres con un viejo favorito, déjate llevar por las capas de sonido y emoción que siguen haciendo de "Songs from the Big Chair" un clásico indispensable.

ALBUM: Songs from the Big Chair

De vez en cuando, surge un álbum que no solo representa su época, sino que la trasciende, convirtiéndose en un clásico atemporal. "Songs from the Big Chair" de Tears for Fears, publicado el 25 de febrero de 1985, es sin duda una de esas joyas excepcionales. Aunque ya he escrito sobre este álbum, cada reestreno revela nuevas facetas de su apreciación. Décadas después, sigue resonando, ganándose su merecido lugar como uno de los discos de pop-rock definitivos de los 80 (siglo xx).

De la introspección a la catarsis:

Tras su magnífico debut introspectivo, "The Hurting", Roland Orzabal y Curt Smith adoptaron un sonido más expansivo y catártico con "Songs from the Big Chair". El cambio fue significativo, desde atmósferas oscuras y cargadas de sintetizadores hasta arreglos vibrantes y con un fuerte componente de guitarra. El título, inspirado en la película "Sybil", refleja las experiencias personales de la banda ante el escrutinio de la prensa musical, enfatizando los profundos hilos psicológicos del álbum.

Desde el principio, el LP anuncia sus intenciones con "Shout", un himno basado en la terapia del grito primario, admirado tanto por Orzabal como por Smith. La canción transforma ingeniosamente las luchas personales en una llamada universal a la acción. Lo que inicialmente parece repetitivo evoluciona metódicamente, superponiendo ricas texturas, desde sintetizadores hipnóticos y ritmos contundentes hasta solos de guitarra explosivos, en un tapiz sonoro envolvente.

Capturando el espíritu de los 80:

El destacado sencillo, "Everybody Wants to Rule the World", ejemplifica la habilidad de Tears for Fears para crear canciones que se sienten a la vez inconfundiblemente propias de su época y a la vez atemporales. Las melodías vibrantes y las guitarras vibrantes crean un telón de fondo engañosamente alegre para letras que critican sutilmente el ansia inherente de poder de la humanidad. Es precisamente este contraste, sonidos alegres contrastados con mensajes profundos, lo que consolida su estatus como un clásico perdurable, que trasciende generaciones y géneros con naturalidad.

Igualmente cautivador, "Head Over Heels" destaca la capacidad de la banda para combinar romanticismo con complejidad emocional. Inicialmente, se siente como una simple canción de amor, con sus atractivas melodías de piano y sus coros cautivadores. Sin embargo, bajo esta encantadora apariencia se esconden capas de introspección, ansiedad y dudas, que reflejan a un protagonista que lucha con sus propias inseguridades emocionales.

Canciones para redescubrir:

Uno de los éxitos más discretos del álbum es "The Working Hour". Con su introspectiva introducción de saxofón y sutiles matices de jazz, contrasta marcadamente con las canciones más animadas del álbum. Esta pieza contemplativa aborda las presiones que enfrentan los artistas en la industria musical, ofreciendo una visión profunda de las tensiones y frustraciones que acompañan al trabajo creativo. Su arreglo, con la hábil batería de Manny Elias y la maestría al teclado de Ian Stanley, resalta el ingenio colaborativo de la banda.

Video del tema "Working Hour" (Live 2014):

"Mothers Talk", el primer sencillo del álbum en el Reino Unido, demuestra aún más la disposición de la banda a experimentar, incorporando complejidad rítmica y una intensa energía con influencias de sonidos globales, que recuerdan a la obra de Peter Gabriel. Aunque el propio Orzabal criticó la claridad lírica de la canción, la enérgica instrumentación la convierte en una escucha fascinante que enriquece la diversidad del álbum.

Ambición progresiva al descubierto:

Las tendencias progresivas de Big Chair se hacen más evidentes en sus piezas finales. "I Believe" elimina la fuerte presencia del sintetizador, favoreciendo un enfoque minimalista impulsado por el piano. Su belleza sobria y lirismo introspectivo recuerdan las conmovedoras baladas de Robert Wyatt, a quien la banda admiraba abiertamente.

Con una transición fluida, "Broken" emerge con ritmos vibrantes y guitarras ásperas, ofreciendo un interludio electrizante que prepara el terreno para "Head Over Heels". Esta secuencia ejemplifica la maestría de Tears for Fears en la estructura de álbumes, donde cada canción se nutre naturalmente de la siguiente, construyendo hacia picos emocionales y valles introspectivos.

"Listen", el último tema del álbum, se adentra aún más en el terreno experimental. Es una experiencia ambiental, casi meditativa, que combina texturas atmosféricas de sintetizador con voces multilingües y enigmáticas. Este evocador cierre deja en los oyentes una persistente sensación de misterio y asombro, una resolución suave pero profunda del viaje emocional del álbum.

Sigue resonando:

"Songs from the Big Chair" destaca por su meticulosa elaboración. El cuidado y la precisión invertidos en cada tema crean un álbum donde ninguna pieza resulta superflua o fuera de lugar. Más allá de su impecable composición, su coherencia temática, que aborda temas como el amor, el poder, el miedo y la catarsis emocional, lo hace universalmente identificable.

Cuando mi sobrino adolescente se acercó hace poco para preguntarme si conocía Tears for Fears, me sentí divertido y orgulloso a la vez. Me impresionó la facilidad con la que este álbum conecta generaciones. Los sonidos que cautivaron a los oyentes en 1985 siguen vigentes hoy en día, hablando no solo de nostalgia, sino también de la experiencia humana atemporal capturada en estas melodías y letras.

Redescubriendo:

Volver a escuchar "Songs from the Big Chair" reafirma su perdurable significado. Sigue siendo tan potente emocionalmente y musicalmente enriquecedor como siempre. Ya sea que explores Tears for Fears por primera vez o revisitas un clásico entrañable, este álbum ofrece una gran cantidad de satisfacciones emocionales y sonoras.

Disco recomendado

En pocas palabras, "Songs from the Big Chair" es una escucha imprescindible; no solo un hito para Tears for Fears, sino un álbum que define su época. Su cautivadora mezcla de sofisticación pop, profundidad psicológica y atractivo universal continúa encantando, inspirando e invitando a nuevas interpretaciones con cada escucha. Si hay un álbum que merece una nueva visita, o una primera exploración, es sin duda esta obra maestra atemporal.

Video del tema "Head over Heels":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A:

1. "Shout" 6:32
2. "The Working Hour" 6:30
3. "Everybody Wants to Rule the World" 4:10
4. "Mothers Talk" 5:09

Cara B:

1. "I Believe" 4:53
2. "Broken" 2:38
3. "Head over Heels / Broken (live)" (reprise) 5:01
4. "Listen" 6:48

Tears for Fears:

• Roland Orzabal – voz, teclados, guitarras, bajo sintetizado (1), programación LinnDrum (1), piano de cola (5)
• Curt Smith – voz, bajo (2, 4-7), bajo sintetizado (3)

• Ian Stanley – teclados, programación LinnDrum, arreglos (8)
• Manny Elias – batería (2-7), arreglos de batería (2)

Personal adicional:

• "Shout": Chris Hughes – batería, Sandy McLelland – coros
• "The Working Hour": Andy Davis – piano de cola, Mel Collins – saxofón, Will Gregory – solos de saxofón, Jerry Marotta – percusión y arreglos de saxofón
• "Everybody Wants to Rule the World": Neil Taylor – segundo solo de guitarra, Chris Hughes – programación LinnDrum y MIDI
• "Mothers Talk": Stevie Lange – coros
• "I Believe": Will Gregory – saxofón
• "Broken": Neil Taylor – solo de guitarra
• "Head Over Heels": Andy Davis – piano de cola, Marilyn Davis – coros, Annie McCaig – coros, Sandy McLelland – coros
• "Listen": Marilyn Davis – voz operística
• "The Big Chair": fragmentos de diálogo de la película Sybil (1976)

Producción:

Chris Hughes – productor

FLEETWOOD MAC - Tusk - Album

"Tusk" de Fleetwood Mac no es el tipo de álbum con el que uno se topa por casualidad. No te cautiva en los primeros minutos, ni sigue la fórmula mágica que convirtió a Rumours en un clásico de cualquier sala de estar suburbana. Pero ese es precisamente el punto. Lanzado a la sombra de uno de los álbumes más exitosos comercialmente de todos los tiempos, "Tusk" es donde la banda se desmoronó: creativa, emocional y gloriosamente, en cinta. Lo que emergió no fue solo una colección de canciones, sino una crónica de tensión, riesgo y reinvención. Si solo conoces a Fleetwood Mac por sus éxitos radiales, esta es tu invitación a leer sobre lo que sucede cuando una banda rompe su propio esquema y se atreve a empezar de cero.

ALBUM: Tusk

En octubre de 1979, Fleetwood Mac lanzó "Tusk", un álbum doble que rompió las expectativas, confundió a la crítica y desató un debate que aún no ha terminado. Para los fans de Rumours, fue un giro brusco. Para otros, fue algo más: un testimonio complejo, desigual y extrañamente hermoso de lo que sucede cuando las implosiones personales, la ambición artística y la presión comercial se fusionan en un estudio cuya construcción costó más de un millón de dólares.

Décadas después, "Tusk" sigue siendo inclasificable. No es solo una colección de canciones, sino un documento de colapso y reinvención. Una posdata desordenada y brillante para una banda que debería haberse desintegrado mucho antes de grabar este "disco".

Rompiendo la fórmula:

Pongámonos en contexto. En 1977, Rumours se convirtió en un monolito cultural. Diez millones de copias vendidas en Estados Unidos para 1978, 31 semanas en el número 1 y una bola de demolición emocional envuelta en un brillo radiofónico. Ese álbum capturó el desamor con asombrosa precisión, pero también acorraló a Fleetwood Mac. Su sello, Warner Bros., comprensiblemente esperaba Rumours 2.

Lindsey Buckingham tenía otras ideas. "Quería socavar toda esa idea", dijo más tarde. Cansado de las expectativas, tomó el cheque en blanco de la banda y le prendió fuego.

Tusk se grabó durante 13 meses en el recién construido Studio D en Los Ángeles, un espacio adaptado a las demandas cada vez más experimentales de Buckingham. Al final, los costos de producción se dispararon a 1,4 millones de dólares (aproximadamente + 6 millones de dólares actuales). Fue el disco de rock más caro jamás grabado en ese momento. Y desde el momento en que el número de apertura "Over & Over" llega como una suave brisa a través de cortinas de encaje, puedes sentir que algo extraño está sucediendo.

Un álbum de tres integrantes:

Es tentador decir que "Tusk" fue la creación de Buckingham. Y lo fue, en gran medida. Escribió o coescribió casi la mitad de sus 20 canciones y tomó decisiones inusuales como tocar la batería sobre cajas de pañuelos o pegar micrófonos al suelo. Pero sería un error olvidar a Stevie Nicks y Christine McVie, quienes aportaron canciones que impregnaron el disco de melodía y soul.

Christine abre el álbum con "Over & Over", una balada cansina y hermosa que parece una continuación de la narrativa emotiva que definió a Rumours. Después, Buckingham destruye cualquier sensación de calma con "The Ledge", una canción frenética y nerviosa que suena como si hubiera sido grabada en un armario cerrado, llena de retroalimentación y paranoia.

Esa es la fórmula de "Tusk", o la ausencia de ella. McVie ofrece un pop cristalino como "Think About Me". Nicks ofrece una angustia mística con "Sara" y "Beautiful Child". Y Buckingham se adentra en la vanguardia con "Not That Funny" y "That’s Enough For Me", canciones que se inclinan más hacia el caos post-punk que hacia el soft rock californiano.

Dentro de la tormenta:

El disco no solo está musicalmente fragmentado, sino que es emocionalmente crudo. Las rupturas románticas que atormentaron a Rumours no habían sanado. De hecho, habían hecho metástasis. Buckingham y Nicks, que alguna vez fueron una pareja de ensueño, ahora eran fantasmas de una relación que seguía aferrada a micrófonos y paredes de estudio. Christine y John McVie estaban divorciados. Mick Fleetwood lidiaba con su propia desintegración. La cocaína fluía a raudales. Sin embargo, de alguna manera, seguían trabajando. Quizás porque el caos era el trabajo.

"Sara", la pieza central de seis minutos de Nicks, es una de las canciones más evocadoras que la banda haya grabado jamás. Flota como un recuerdo indeleble. Mientras tanto, "Save Me a Place" de Buckingham es una silenciosa súplica de amor no completamente procesada. Suena vulnerable e inalcanzable a la vez.

Y luego está la canción que da título al disco, "Tusk". Con el acompañamiento de la USC Marching Band, es delirante, primitiva y extrañamente pegadiza. Casi se puede oír la tensión en el estudio, la locura y la brillantez de una banda que toca en contra de sus propios mitos.

Video del tema "That's All for Everyone":

Un álbum que se negó a comportarse:

Tusk no fue un fracaso en el sentido tradicional. Vendió 4 millones de copias, se coló en el Top 5 y produjo seis sencillos, incluyendo los éxitos "Sara" y "Tusk", que llegaron al Top 10. Pero comparado con Rumours, fue visto como un fracaso, especialmente por una industria musical que equiparaba ventas con éxito.

Esa percepción le pasó factura. Lindsey Buckingham confesó más tarde que el apoyo de la banda a su visión pareció desvanecerse con la llegada de las cifras. La propia McVie describió el disco como "muy Lindsey Buckingham", y no siempre de forma elogiosa.

Pero aquí está la cuestión: "Tusk" puede que no sea un álbum perfecto. Es demasiado largo, demasiado disperso y demasiado extraño para una escucha fácil. Sin embargo, eso es precisamente lo que lo hace esencial. Es una de las pocas veces que una gran banda, en la cima de su poder, eligió el riesgo en lugar de la repetición.

Dónde se encuentra hoy:

En retrospectiva, "Tusk" no se siente como un desastre, se siente como el futuro. Se pueden percibir ecos de su rareza en el indie rock moderno, en la disposición a yuxtaponer baladas folk con distorsión, belleza con ruido. Artistas como St. Vincent, Animal Collective e incluso Radiohead le deben algo al valiente desastre que "Tusk" se atrevió a ser.

También es una cápsula del tiempo de 1979. El mundo estaba en constante cambio, política, cultural y musicalmente. La música disco estaba en sus últimas. El punk había hecho un hueco en las pretensiones infladas del rock. Y Fleetwood Mac, otrora la realeza del soft rock, lanzó un álbum que sonaba como un ataque de nervios con armonías.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado a "Tusk", no esperes "Dreams" ni "Go Your Own Way". Los encontrarás en Rumours. Pero si estás dispuesto a seguir a una banda hasta el fondo, si quieres escuchar cómo suena la combustión creativa, aquí encontrarás algo inolvidable.

Ponlo durante una noche larga o una mañana agitada. Deja que los giros bruscos y los momentos aterciopelados te inunden. No siempre es agradable, pero nunca es aburrido. Y como todo gran arte, es imperfecto, humano e innegablemente vivo.

Video del tema "Sara":

Tracklist:

Disco 1:

Cara A:

1. "Over & Over" 4:35
2. "The Ledge" 2:02
3. "Think About Me" 2:44
4. "Save Me a Place" 2:40
5. "Sara" 6:26

Cara B:

1. "What Makes You Think You're the One" 3:28
2. "Storms" 5:28
3. "That's All for Everyone" 3:04
4. "Not That Funny" 3:19
5. "Sisters of the Moon" 4:36

Disco 2:

Cara A:

1. "Angel" 4:53
2. "That's Enough for Me" 1:48
3. "Brown Eyes" C. McVie 4:27
4. "Never Make Me Cry" 2:14
5. "I Know I'm Not Wrong" 2:59

Cara B:

1. "Honey Hi" 2:43
2. "Beautiful Child" 5:19
3. "Walk a Thin Line" 3:44
4. "Tusk" 3:36
5. "Never Forget" 3:40

Fleetwood Mac:

• Lindsey Buckingham – voz, guitarras, bajo, teclados, batería, percusión, charango, kalimba
• Stevie Nicks – voz, piano (en "Sara" con acompañamiento de piano de Christine McVie)
• Christine McVie – voz, teclados
• John McVie – bajo
• Mick Fleetwood – batería, percusión

Músicos adicionales:

• Peter Green – guitarra (en "Brown Eyes")
• USC Trojan Marching Band – trompetas y percusión (en "Tusk")

Producción:

Fleetwood Mac – productores

HUM - You’d Prefer an Astronaut - Album

Antes de escuchar una sola nota del disco "You’d Prefer an Astronaut", solo conocía a HUM de oídas, un nombre que solía pronunciarse junto a bandas más reconocibles como Deftones o Smashing Pumpkins. Pero no fue hasta que me senté a escuchar el álbum sin interrupciones cuando comprendí lo erróneo que es pensar en HUM como una sombra de alguien. Esto no es simplemente otro vestigio de la oleada alternativa de los 90 (siglo xx); es una pequeña revelación. Una que no exige atención, sino que se la gana con el tiempo. Voy a profundizar en por qué "You’d Prefer an Astronaut" sigue siendo una piedra angular esencial, aunque a menudo pasada por alto, del canon más silencioso del rock estadounidense.

ALBUM: You’d Prefer an Astronaut

A mediados de los 90 (siglo xx), mientras el grunge aún resonaba entre habitaciones forradas de franela y el rock alternativo recorría las venas del mainstream, una revolución más silenciosa empezaba a vibrar bajo la superficie. Venía de Champaign, Illinois, y llevaba el nombre de HUM, una banda cuya música no gritaba para llamar tu atención, sino que te arrastraba a su órbita como lo haría la gravedad. Publicado el 11 de abril de 1995, "You’d Prefer an Astronaut", su tercer álbum de estudio y el primero con una gran discográfica (RCA), es un disco que resuena hoy más que quizás nunca lo hizo en su propio tiempo.

El sonido del caos controlado:

Desde la primera canción, "Little Dipper", HUM marca el tono. No con solos llamativos ni alardes vocales, sino con guitarras pesadas que parecen tectónicas y una sección rítmica que se agita como mareas en movimiento. La voz de Matt Talbott no vuela, flota. Parece casi reticente, envuelta en desapego, dejando que las letras lleven el peso: densas en imágenes espaciales, estática emocional y una vulnerabilidad velada. Su interpretación, sutil y casi hablada, contribuye a la melancolía cósmica que da a este álbum su textura distintiva.

Talbott no era el vocalista más potente, y lo sabía. Pero esa limitación se convirtió en la firma de HUM. En lugar de forzar la emoción, la ofrecía como alguien que observa el dolor desde órbita. Detrás de él, las guitarras de Talbott y Tim Lash no se limitan a tocar, construyen. Capa tras capa de melodía distorsionada se apila, se refina y se duplica con una precisión casi obsesiva. El productor Keith Cleversley describió una vez su proceso como la búsqueda de “los sonidos de guitarra más gordos” que jamás había grabado, y el resultado es un muro de ruido que se siente menos como una explosión sónica y más como una formación planetaria.

Bryan St. Pere:

Cualquier conversación sobre "You’d Prefer an Astronaut" debe mencionar al fallecido Bryan St. Pere, cuya batería definió no solo la dinámica de la banda, sino su núcleo emocional. No hay exhibiciones, ni excesos. Solo el ritmo exacto, el pulso preciso, cada vez. Ya sea conteniéndose con sutileza en "I Hate It Too" o avanzando con urgencia en "The Pod", las decisiones de St. Pere marcan la diferencia entre una buena canción y una excelente.

Escucha "I’d Like Your Hair Long", el exorcismo sonoro de amor perdido y frustración de la banda, y lo notarás: una interpretación a la batería tan estrechamente entrelazada en la estructura que prácticamente redefine la composición. Los redobles en cascada, los sutiles cambios de tempo, la explosión final de percusión, es una clase magistral de gusto y sincronía. Matt Talbott puede estar susurrando un desamor cósmico, pero es St. Pere quien le da gravedad.

Un repertorio que oscila:

Las nueve canciones del álbum no están simplemente ordenadas, están trazadas. Tras el impulso crudo de "Little Dipper" y la inmediatez contundente de "The Pod", "Stars" llega como una tormenta de meteoritos a cámara lenta. Un éxito inesperado que alcanzó el número 11 en la lista Hot Modern Rock de Billboard, "Stars" es tan engañosamente simple como estructuralmente brillante. Ese riff limpio del comienzo te arrulla con calma, y luego cae el acorde de poder como una trampilla que se abre. Es el tipo de momento que recuerdas con vísceras.

Le sigue "Suicide Machine", un lamento que arde lentamente y se despliega como un réquiem en el espacio. El estribillo repite “I need you” una y otra vez, y no es solo Talbott quien lo dice, es cada alma flotante y desanclada que alguna vez amó algo inalcanzable. Luego está "Why I Like the Robins", mi favorita personal. Es sutil, extraña y fascinante. De algún modo, HUM envuelve la melodía en ruido y aún así consigue que suene transparente.

No todo es perfecto. "The Very Old Man" es más una pieza de ambiente, y el corte final, "Songs of Farewell and Departure", se aleja quizá demasiado de la órbita gravitacional. Pero incluso en sus momentos más flojos, HUM evita el relleno. Cada pieza se siente como parte de un solo cuerpo, menos una colección de canciones y más un sistema completo, como lunas orbitando un planeta.

Un sonido adelantado a su tiempo:

Cuando HUM publicó "You’d Prefer an Astronaut", el mainstream estadounidense no estaba del todo preparado. El shoegaze, aunque floreciente en el Reino Unido con bandas como My Bloody Valentine y Ride, aún no había aterrizado del todo en Estados Unidos. Pero HUM plantó la bandera. Sus guitarras eran densas, sí, pero melódicas. Sus voces contenidas, sus letras cósmicas e introspectivas.

Años después, bandas como Deftones citarían este disco como influencia fundamental. Se nota claramente en Change (In the House of Flies), ese crescendo lento, ese peso atmosférico, esa implosión controlada del sonido. En cierto modo, Astronaut no solo influyó en un género, ayudó a inventarlo.

La vida cultural posterior del disco habla por sí sola. Una década después de su lanzamiento, "Stars" tuvo una segunda vida inesperada en un anuncio. Y a diferencia del típico acuerdo de licencias, Talbott ni siquiera supo que se había cerrado hasta que lo vio en la tele. Eso es HUM en esencia: potentes, discretos, siempre bajo el radar hasta que, de repente, vuelven a sonar.

Una historia de amor en el espacio:

A pesar de su tono cerebral y sus referencias astronómicas, este es un disco profundamente emocional. Talbott ha dicho que, en el fondo, estas son canciones de amor, y al escuchar con atención, se vuelve evidente. No son canciones de amor para bailar o cantar a pleno pulmón, sino de las que existen en el silencio, el arrepentimiento, la distancia. “You’d prefer an astronaut”, canta Talbott, no con admiración, sino con resignación. Tú quieres a alguien inalcanzable. Yo sigo aquí.

Hay una tensión constante en el álbum, entre rendirse y resistirse, entre el peso y el despegue, entre la tristeza y la esperanza. Y es esa tensión lo que hace que "You’d Prefer an Astronaut" siga siendo tan fascinante casi tres décadas después.

Disco recomendado

Puede que HUM desentonara entre la angustia estilizada de la élite del rock alternativo de los años 90. Sin poses, sin consignas, solo cuatro tipos tranquilos que tocaban como gigantes. Pero con "You’d Prefer an Astronaut", hicieron un disco que sobrevivió a las modas y a las etiquetas. No va de nostalgia, va de descubrimiento.

Si nunca lo has escuchado, empieza ahora. Déjalo desplegarse poco a poco. Deja que resuene. Ya sea que te guste el shoegaze, el post-hardcore, el slowcore o simplemente el rock reflexivo que permanece en la atmósfera mucho después de acabar, "You’d Prefer an Astronaut" es un disco digno de orbitar.

Video del tema "I'd Like Your Hair Long":

Tracklist:

"Little Dipper" – 4:44
"The Pod" – 4:38
"Stars" – 5:09
"Suicide Machine" – 5:58
"The Very Old Man" – 2:45
"Why I Like the Robins" – 4:58
"I'd Like Your Hair Long" – 5:26
"I Hate It Too" – 5:59
"Songs of Farewell and Departure" – 6:16

Hum:

• Matt Talbott – guitarra y voz
• Jeff Dimpsey – bajo
• Tim Lash – guitarra
• Bryan St. Pere – batería

Técnica:

• Keith Cleversley – producción