BLIND GARY DAVIS - Harlem Street Singer - Album

Es uno de los bluesmen más influyentes en cuanto a la evolución del estilo fingerpicking blues folk. La técnica de “Blind Gary Davis” de tocar la guitarra con los dedos influyó en muchos otros artistas como Stefan Grossman, David Bromberg, Steve Katz, Roy Book Binder, Larry Johnson, Nick Katzman, Ernie Hawkins, Larry Campbell, Bob Weir, Tom Winslow y muchos otros. También influyó en músicos como Bob Dylan, Grateful Dead, Wizz Jones, Jorma Kaukonen, Keb' Mo', Ollabelle y John Sebastian (de Lovin' Spoonful), por mencionar algunos.

Quiero recomendar uno de los discos de "Blind Gary Davis" para los lectores de este blog de música. Su lanzamiento de 1960 "Harlem Street Singer", para mí una representación por excelencia de la mezcla única de música gospel, blues y folk de Davis, muestra sus habilidades virtuosas con la guitarra y su interpretación vocal profundamente espiritual.
 

¿Quién era "Blind Gary Davis"?

 
Gary D. Davis, conocido como "Reverendo Gary Davis" y "Blind Gary Davis", fue un cantante de blues y gospel que también dominaba el banjo, la guitarra y la armónica. Nacido en Laurens, Carolina del Sur y ciego desde la infancia, Davis actuó por primera vez profesionalmente en la década de 1930, luego se convirtió al cristianismo y se convirtió en reverendo.

Después de mudarse a Nueva York en la década de 1940, Davis experimentó un renacimiento profesional como parte del resurgimiento de la música folk estadounidense que alcanzó su punto máximo durante la década de 1960. Actuó en el "Newport Folk Festival" en 1965 y once canciones de esa actuación se lanzaron en el álbum de 1967 "At Newport". El resto es historia.

Davis murió en 1972.

 

ALBUM: Harlem Street Singer

 
Un maravilloso disco de estudio del cantante y guitarrista de blues gospel estadounidense "Blind Gary Davis", grabado en 1960 y lanzado en el sello Bluesville en diciembre de ese año. Incluye una de sus canciones más conocidas, "Death Don't Have No Mercy". Muchos expertos en blues consideran que este es uno de los mejores álbumes de gospel de todos los tiempos.

Grabado durante una sesión de tres horas, Gary Davis grabó 12 de sus espirituales más apasionados para "Harlem Street Singer". Davis comienza la sesión con una versión de "If I Had My Way I'd Tear That Building Down" de Blind Willie Johnson, rebautizada como "Samson and Delilah". Su voz es expresiva y rica. "Harlem Street Singer" también incluye su famoso estilo "fingerpicking" inspirado en el country blues. Muchos estados de ánimo colorean la lista de canciones, desde la suave "I Belong to the Band" hasta la triste y popular "Death Don't Have No Mercy", seguida por la alegre "Goin' to Sit Down on the Banks of the River".

Como ya mencionado, el estilo de tocar la guitarra de Davis es un punto destacado en este disco. Caracterizado por un complejo método de punteo con los dedos que incorpora elementos de ragtime, blues y spirituals, su forma de tocar la guitarra no es simplemente un acompañamiento a su canto sino una parte integral de la narración, a menudo imitando la voz humana u otros instrumentos.

De este modo, la influencia de este álbum se extiende más allá de su lanzamiento inicial, contribuyó significativamente al resurgimiento del folk de la década de 1960. Se ha reeditado varias veces, lo que garantiza que las nuevas generaciones de oyentes y fans puedan experimentar el arte de Davis. Su trabajo en este álbum ha sido reconocido por introducir a muchos jóvenes seguidores de la música folk a la música gospel, consolidando aún más su legado como una figura fundamental en la historia de la música estadounidense.

Disco recomendado

 
"Harlem Street Singer", uno de los mejores trabajos de esta leyenda del blues gospel, pone la voz profunda y resonante de Davis y su intrincado trabajo de guitarra en primer plano. Un disco que vale la pena buscar y que es imprescindible escuchar para los melómanos y fans del country blues o el gospel.

Video del tema "Death Don't Have No Mercy":

Tracklist (formato LP original):

1."Samson and Delilah" (Traditional) – 4:02
2."Let Us Get Together" – 3:08
3."I Belong to the Band" – 2:54
4."Pure Religion" (Traditional) – 2:57
5."Great Change Since I Been Born" – 4:03
6."Death Don't Have No Mercy" – 4:41
7."Twelve Gates to the City" (Traditional) – 3:08
8."Goin' to Sit Down on the Banks of the River" – 2:55
9."Tryin' to Get Home" – 3:46
10."Lo I Be With You Always" – 4:17
11."I Am the Light of the World" – 3:34
12."I Feel Just Like Goin' On" – 3:29

STARSAILOR - Love is Here - Album

Destaco una banda británica que, de alguna manera, se ha perdido en el tiempo y que merece ser redescubierta. "Starsailor" fue aclamada como la "próxima gran novedad" del post-britpop, y su álbum debut "Love is Here" pareció confirmar esta creencia. Sin embargo, no fue así, ya que la competencia era dura y los gustos musicales cambiaban rápidamente.

¿Quiénes son la banda Starsailor?

"Starsailor" es una formación inglesa de post-britpop. Se formó en 2000 en Wigan, Manchester, Inglaterra, por los estudiantes de música James Walsh (voz y guitarra), James Stelfox (bajo) y Ben Byrne (batería). La banda pasó por varias formaciones embrionarias, con predominancia de guitarras, antes de que la llegada del tecladista Barry Westhead consolidara su sonido. El nombre "Starsailor" lo tomaron del aclamado álbum de 1970 de Tim Buckley.

La banda ha editado seis álbumes de estudio hasta la fecha. Su primer álbum, Love Is Here, fue publicado en 2001, seguido por Silence Is Easy (2003) y On the Outside (2005). Tras el lanzamiento de su cuarto álbum, All the Plans (2009), la banda entró en una pausa prolongada hasta 2014, durante la cual sus miembros se involucraron en proyectos individuales.

"Starsailor" anunció su reunión el 23 de mayo de 2014, y un quinto álbum de estudio, All This Life, fue publicado en 2017. Su sexto disco, Where the Wild Things Grow, salió a la luz en marzo de 2024.

Para este post, me gustaría recomendar a los lectores de este blog de música su primer disco, "Love is Here".

Álbum: Love Is Here

Este es el primer disco de la banda de rock británica "Starsailor", publicado el 8 de octubre de 2001 y producido por Steve Osborne. "Love Is Here" incluye guitarras acústicas acompañadas de suaves acordes de piano, lo que le valió comparaciones con bandas como Coldplay y Travis en ese momento.

"Love Is Here" surgió durante un momento crucial en la música británica, alineado con lo que se conocía como el "Nuevo Movimiento Acústico". Este movimiento marcó un cambio desde la era del britpop descarado hacia un sonido más introspectivo y melódico. Este debut de "Starsailor" encapsula bien esta transición, mezclando elementos de folk, rock e indie. Las influencias de la banda son evidentes a lo largo de todo el álbum, con ecos de Jeff Buckley, Neil Young y Nick Drake. Sin embargo, "Starsailor" logra forjar su propia identidad, en gran parte gracias a la distintiva voz de James Walsh y la sólida musicalidad de la banda.

Este disco está muy bien interpretado y tiene una gran riqueza tonal. "Starsailor" era una banda joven, y su propuesta en "Love Is Here" ilustra un intelecto agudo dentro de una acústica básica. Las letras reflejan batallas con el autodescubrimiento, la independencia y el desamor. Por ejemplo, "Talk Her Down", una de las canciones más conocidas del álbum, destaca por sus ligeros patrones psicodélicos, y "Good Souls" es probablemente el tema de rock & roll más destacado. En general, las canciones son tristes y hay un aire de melancolía y patetismo en ellas. Algunas son bastante conmovedoras, creciendo en intensidad y demostrando que no es necesario estar siempre feliz para apreciar un buen álbum.

Además, la sensación de ser un disco "en vivo" que emana de "Love Is Here" establece la belleza simplista de esta banda subestimada. No buscan un gran estruendo grandilocuente de guitarras ni historias cargadas de angustia. Cada canción se eleva con una musicalidad intrincada y una exuberancia melódica. Quizás deba estar de acuerdo con algunos críticos que afirman que es un poco demasiado "emocional", pero una vez que se quitan las primeras capas, el resto es gratificante y muy bueno.

Es una pena que "Starsailor" no haya alcanzado cotas más altas, como este disco hizo creer a muchos en su momento. La saturación de bandas con un estilo y un sonido similares puede haber diluido su impacto general, o simplemente el público se inclinó hacia los grupos más orientados al pop con un sonido más potente. Quién sabe. El hecho es que Starsailor y su disco Love Is Here merecen ser redescubiertos.

Disco recomendado

Para los fans del rock británico de principios de los 2000, las letras introspectivas y el indie melódico, Love Is Here es una excelente opción. Este álbum sigue cautivando y conmoviendo a los oyentes. Para mí, es una pequeña joya insospechada del rock británico, llena de pasión y, por momentos, épica.

Video del tema "Lullaby":

Tracklist-canciones:

1."Tie Up My Hands" – 5:46
2."Poor Misguided Fool" – 3:51
3."Alcoholic" – 2:56
4."Lullaby" – 4:13
5."Way to Fall" – 4:30
6."Fever" – 4:03
7."She Just Wept" – 4:12
8."Talk Her Down" – 4:11
9."Love Is Here" – 4:41
10."Good Souls" – 4:53
11,"Coming Down" – 14:30 (termina a las 3:07; incluye una pista oculta)

Starsailor (Banda):

• James Walsh – voz, guitarra
• James Stelfox – bajo
• Barry Westhead – teclados
• Ben Byrne – batería

JOHN MAYALL - The Turning Point - Album (Live)

Siempre he sido un gran admirador del recientemente fallecido bluesman británico JOHN MAYALL, una gran pérdida para todos los amantes de la música. Para este post quiero recomendar uno de sus muchos discos que es diferente y que también marcó otra historia de éxito en la evolución de la carrera de este músico.

Después de perder a su guitarrista Mike Taylor, que se fue a los Rolling Stones, Mayall desmembra la exitosa "The Bluesbreakers Band" y experimenta una transformación hacia el blues fusión, con un sonido despojado y más ligero. Su magnífico disco en vivo "The Turning Point" pone de relieve todo esto y quiero recomendarlo a los lectores de este blog de música.

 

ALBUM: The Turning Point

 
Un LP en directo de John Mayall, que incluye música grabada de un concierto en "Fillmore East de Bill Graham" el 12 de julio de 1969. El álbum se publicó comercialmente en octubre de 1969.

Esta obra representa otra encrucijada en la carrera en constante evolución de John Mayall. Un cambio con respecto al sonido electrificado y pesado de sus discos anteriores, que ofrece una propuesta más folk y de "roots". La salida de Colin Allen y Mick Taylor de "The Bluesbreakers Band" dejó a John Mayall libre para dar su siguiente paso musical.

La formación que se presenta aquí es una señal de ello, ya que no hay un guitarrista principal, y Mayall se recomienda a sí mismo, reestructurando su grupo para convertirlo en un cuarteto acústico que incluye viejos amigos y algunas texturas sonoras nuevas y vitales. A John Mayall se unen Steve Thompson y Johnny Almond, junto con el talento de Jon Mark.

Lo que llamará tu atención es que los músicos de este álbum solo tocan: guitarra, bajo, flauta y saxofón con la voz de John Mayall y NO hay baterista, sí, no hay baterista y al final del álbum no extrañarás la batería. Es una brillante pieza de trabajo rítmico, un maravilloso y fluido álbum en directo. Dicho esto, este LP es tanto jazz como blues, con los instrumentos tocando juntos y entre sí, creando efectos atmosféricos. Cada músico tiene la oportunidad de demostrar su valía.

Como he aludido, hay mucho control en este álbum en vivo. Los solos como en "So Hard to Share" ejemplifican la intensidad controlada de las salidas electrificadas anteriores de Mayall. Del mismo modo, la intrincada acústica de Mark atraviesa los inquietantes solos de guitarra slide de Mayall en "Saw Mill Gulch Road". "The Turning Point" también examina un cambio en la composición de Mayall. La carga política de "Laws Must Change", la personal "I'm Gonna Fight for You J.B." (un tributo al guitarrista de blues estadounidense J. B. Lenoir) y "Room to Move" están teñidas del sentido de la ironía característico de Mayall. Sin embargo, un punto culminante para mí es el ritmo rápido y sorprendente de "Room To Move", una de las mejores canciones del catálogo de Mayall.

 A lo largo de las décadas desde su lanzamiento, "The Turning Point" ha madurado hasta convertirse en un pilar del blues acústico de los años sesenta (siglo xx) que es consistentemente fuerte de principio a fin. Con buenas melodías, solos y un desarrollo lírico profundo, este álbum es elogiado por los fans del blues. Un gran disco en directo que es sorprendente y asombroso a la vez que explora los mundos de la fusión del blues.

 

Disco recomendado

 
Esta es la versión de Mayall de un blues eléctrico depurado y de pura clase. El bluesman británico tomó una nueva dirección en la música blues y muchos lo siguieron. Este disco atraerá tanto a los conocedores del blues como a los oyentes ocasionales. Muy recomendado para melómanos.

Video del tema Room To Move":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."The Laws Must Change" – 7:21
2."Saw Mill Gulch Road" – 4:39
3."I'm Gonna Fight for You J.B." – 5:27
4."So Hard to Share" – 7:05 

Cara B:

1."California" (Mayall, Steve Thompson) – 9:30
2."Thoughts About Roxanne" (Mayall, Thompson) – 8:20
3."Room to Move" – 5:03

Músicos:

• John Mayall: voz, armónica, guitarra slide, guitarra Telecaster de 6 cuerdas, pandereta, percusión con la boca
• Jon Mark: guitarra acústica con los dedos
• Steve Thompson: bajo
• Johnny Almond: saxofones tenor y alto, flautas, percusión con la boca

Producción:

•  Productor: John Mayall
• Ingeniero de sonido: Eddie Kramer