THE BLUE NILE - A Walk Across the Rooftops - Album (Revisited)

Durante años he vuelto a ciertos discos, no para comprobar si sigue igual, sino para ver en qué he cambiado yo. Hay álbumes que no se escuchan, se habitan, y cuya música parece esperar pacientemente a que uno esté preparado para volver a entrar. "A Walk Across the Rooftops" de THE BLUE NILE es uno de ellos. Cada nueva escucha no sustituye a la anterior, la amplía, la cuestiona, la profundiza. Por eso ahora no escribo desde la nostalgia ni desde la revisión académica, sino desde el deseo genuino de compartir una experiencia que sigue viva con los lectores de este humilde blog de música.

Este post no pretende explicar el disco ni colocarle una etiqueta definitiva. Quiere, más bien, acompañar al lector hasta su umbral, ofrecer algunas claves, algunas imágenes y muchas sensaciones, antes de dejar que la música haga su propio trabajo. Si nunca has caminado por estos tejados, este es un buen momento para hacerlo. Y si ya lo hiciste alguna vez, quizá descubras que el paisaje ha cambiado, o que quien ha cambiado eres tú.

ALBUM: A Walk Across the Rooftops

Han pasado algunos años desde la última vez que escribí sobre "A Walk Across the Rooftops". Recuerdo aquella entrada, escrita más desde la fascinación que desde la distancia crítica, porque este disco nunca ha sido para mí un simple objeto de análisis. Es un lugar. Un clima. Una forma de escuchar. Hoy vuelvo a él con la misma emoción, pero con otra intención. No tanto revisitarlo, que también, sino presentarlo a quienes no estaban allí, a lectores jóvenes que quizá han oído hablar de The Blue Nile como un nombre casi mitológico, citado con respeto, pero raramente explicado desde la experiencia.

Este álbum debut de The Blue Nile, publicado el 30 de abril de 1984, no fue un éxito inmediato. No llenó estadios ni generó titulares grandilocuentes. Salió casi en silencio, editado por Linn Records, un sello creado por una empresa de alta fidelidad escocesa más interesada en el sonido que en el mercado. Y, sin embargo, con el paso del tiempo, "A Walk Across the Rooftops" se ha convertido en uno de esos discos que no envejecen porque nunca pertenecieron del todo a su época.

Un disco contra la lógica de su tiempo:

Para entender este álbum hay que entender su contexto. Paul Buchanan, Robert Bell y Paul Joseph Moore no eran músicos virtuosos ni pretendían serlo. Venían de la universidad, de la literatura, de las matemáticas, de la electrónica, no de la tradición del rock ni del pop británico. Tampoco encajaban en la narrativa dominante de los primeros ochenta (Siglo xx), marcada por el espectáculo, el exceso y una industria que empezaba a confundir visibilidad con valor.

Su historia previa con sellos discográficos fallidos les dejó una desconfianza profunda hacia el negocio. Cuando Linn Records les ofreció un contrato, lo hizo desde un respeto absoluto por su visión. Les dejaron solos en el estudio, algo casi impensable incluso entonces. Ese aislamiento creativo fue clave. "A Walk Across the Rooftops" no suena a un grupo intentando gustar, sino a tres personas tratando de entender qué sienten y cómo traducirlo en sonido.

El disco se grabó durante meses, con una paciencia casi obsesiva. No había samplers modernos. Cada sonido debía tocarse, grabarse, cortarse y ensamblarse a mano. El silencio se trabajaba con la misma atención que una nota. Nada sobraba. Nada se colocaba por inercia.

El arte de decir poco y sentir mucho:

Hablar del sonido de "A Walk Across the Rooftops" es hablar de espacios. De aire. De una producción que no busca llenar, sino sugerir. Los sintetizadores, omnipresentes, no suenan fríos ni futuristas. Son frágiles, casi humanos. Las cajas de ritmos marcan pulsos contenidos, nunca dominan. El bajo aparece como una línea que se desliza, no como un ancla.

A veces cuesta identificar dónde empieza la canción y dónde termina el paisaje sonoro. Hay ecos que parecen lejanos, ruidos indefinidos, texturas que no sabes si pertenecen a un instrumento o a la ciudad que el disco retrata. En ese vacío controlado entra la voz de Paul Buchanan, y todo se ordena.

Su forma de cantar es única. No interpreta personajes. Se expone. Hay momentos de contención extrema y otros en los que la emoción se desborda, casi de manera incómoda. No busca agradar. Busca decir la verdad emocional de cada frase. Esa tensión entre tecnología y vulnerabilidad es el gran logro del álbum.

Se ha comparado muchas veces esta producción con la precisión de Aja de Steely Dan, y la referencia no es gratuita. Aquí también hay una obsesión por el detalle, pero al servicio de algo mucho más íntimo, menos cerebral y más nocturno.

Escenas de una ciudad interior:

El disco se abre con "A Walk Across the Rooftops", una declaración de intenciones. Campanas lejanas, teléfonos que no dejan de sonar, una sensación de insomnio urbano. La canción avanza como un paseo mental, buscando altura para ganar perspectiva. No es una huida, es un intento de entender.

La maravillosa "Tinseltown in the Rain" llega pronto y redefine lo que entendemos por single. Tiene ritmo, tiene repetición, pero también una intensidad casi violenta en su insistencia. La letra habla de la ilusión que se desvanece, de la ciudad como promesa y decepción a la vez. Cada repetición de "I know now" suena más cansada que la anterior. Es una canción que baila mientras se rompe.

"From Rags to Riches" reduce aún más los elementos. Percusión mínima, voz al frente, espacio. Habla de dejar atrás, de empezar, de salir al mundo con lo aprendido. No hay épica, hay aceptación. Es una de esas canciones que crecen con cada escucha.

"Stay" es probablemente el momento más accesible del álbum, pero no por ello menos profundo. Es una súplica adulta, consciente de sus límites. No promete nada imposible. Solo pide tiempo. Su piano y su ritmo contenido la convierten en una de las grandes canciones de amor de la década, sin necesidad de grandilocuencia.

Luego llega "Easter Parade", y todo se detiene. Para mí, posiblemente una de las canciones más conmovedoras escritas. Minimalista hasta el extremo, construida alrededor de un piano y silencios que pesan más que las notas. Habla de la soledad en medio de la multitud, de la belleza triste de lo cotidiano. Es imposible escucharla sin sentir que alguien ha puesto palabras a pensamientos que nunca supimos formular.

"Heatwave" aporta un respiro aparente, una luz engañosa. El calor como metáfora de una opresión compartida. El cansancio emocional traducido en sonido. Y finalmente "Automobile Noise", que cierra el disco como un plano final de cine negro. Movimiento constante, ruido, ciudades que no paran, personas que no saben dónde detenerse. Una despedida sin respuestas, pero con una extraña sensación de consuelo.

Un disco de su tiempo, o no:

Se suele hablar de "A Walk Across the Rooftops" como un disco “ochentero”, pero eso es quedarse en la superficie. Sí, hay sintetizadores. Sí, hay cajas de ritmos. Pero su espíritu no tiene nada que ver con la euforia ni con el escapismo dominante de aquella década. Este álbum dialoga más con la pintura de Edward Hopper, con el cine nocturno, con la literatura introspectiva, que con las listas de éxitos.

También es un disco profundamente político sin mencionar la política. Retrata una ciudad cansada, individuos que buscan sentido en un entorno hostil, sin necesidad de consignas. En plena era Thatcher, eso era más elocuente que cualquier discurso.

Por qué revisitar:

Volver a "A Walk Across the Rooftops" hoy es comprobar que hay discos que no envejecen porque hablan de emociones estructurales. Soledad, deseo, desencanto, esperanza contenida. Todo eso sigue ahí. Quizá más que nunca.

En una época de sobreproducción, de estímulos constantes, este álbum propone otra forma de escuchar. Pide atención. Pide tiempo. A cambio, ofrece una experiencia profunda, honesta y duradera.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "A Walk Across the Rooftops", este es un buen momento. No lo pongas de fondo. Escúchalo de noche. Con auriculares. Déjalo respirar. Es un disco que no se impone, pero que se queda contigo mucho tiempo después de que termine. Y eso, hoy, es un pequeño milagro.

Video del tema "Tinseltown in the Rain":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1. "A Walk Across the Rooftops" – 4:56
2. "Tinseltown in the Rain" – 5:57
3. "From Rags to Riches" – 5:59

Cara B:

1. "Stay" – 4:57
2. "Easter Parade" – 4:34
3. "Heatwave" – 6:28
4. "Automobile Noise" – 5:08

The Blue Nile

• Paul Buchanan – voz, guitarras, sintetizadores
• Robert Bell – bajo, sintetizadores
• Paul Joseph Moore – teclados, sintetizadores

Personal adicional:

• Calum Malcolm – ingeniero de grabación
• Nigel Thomas – batería

ULTRAVOX - Vienna - Album

Antes de explorar el álbum "Vienna", debo admitir que mi relación con Ultravox siempre ha sido un poco complicada. Los descubrí al revés: primero, la brillantez abrasiva de su segundo LP, "Ha!-Ha!-Ha!", y luego, la pulida sofisticación de sus últimos años. Al volver a "Vienna" ahora, me siento como si estuviera justo en el punto de inflexión donde termina una versión de la banda y comienza otra. Captura el sonido de la transformación: músicos reconstruyéndose en tiempo real, atrapados entre el resplandor apagado de los 70 y el gélido amanecer de los 80.

Décadas después de su lanzamiento, sigo considerando "Vienna" como un punto de inflexión, no solo para Ultravox, sino para el propio pop británico. Puede que no sea mi disco favorito de ellos (ese honor todavía le corresponde a "Ha!-Ha!-Ha!", su trabajo más agudo y temerario con John Foxx), pero "Vienna" sigue siendo una reinvención monumental, el momento en que la banda salió de las sombras del post-punk y aprendió a respirar aire electrónico.

ALBUM: Vienna

Publicado el 11 de julio de 1980, "Vienna" fue el primer álbum con Midge Ure como cantante y guitarrista, y el primero grabado por la formación que definiría la fama del grupo: Ure, Billy Currie, Chris Cross y Warren Cann. El productor alemán Conny Plank, quien ya había dirigido su anterior "Systems of Romance", volvió a encargarse de la producción y la mezcla, esta vez desde su estudio cerca de Colonia. El resultado fue un álbum que equilibraba precisión y dramatismo con una contención casi cinematográfica.

Una banda al borde del colapso:

A finales de la década de 1970, Ultravox estaba casi terminado. Sus discos de rock artístico con John Foxx se habían ganado el cariño de un público de culto, pero no las ventas. Tras ser despedidos por Island Records, agobiados por las deudas y castigados por una gira estadounidense fallida, el trío restante, Currie, Cross y Cann, se dedicó a grabar sesiones para sobrevivir. Currie tocó en "The Pleasure Principle" de Gary Numan y comenzó a trabajar con Rusty Egan y Steve Strange en las primeras sesiones de Visage. A través de ese mundo de experimentación electrónica conoció a Midge Ure, un músico polifacético que había liderado Slik, coescrito canciones con Phil Lynott de Thin Lizzy y tocado brevemente con Rich Kids.

Midge Ure quería una banda de verdad, no solo un proyecto de estudio, y Ultravox necesitaba un líder que pudiera cantar, tocar la guitarra y compartir la composición. Su encuentro, al parecer, generó química inmediata. Decidieron que todo, desde los créditos de composición hasta los ingresos, se dividiría equitativamente entre los cuatro. Como Ure describiría más tarde: "Ahora éramos un cuarteto, pensábamos las cosas de forma diferente y reaccionábamos los unos a los otros de forma distinta".

La reinvención:

Desde las primeras sesiones de grabación a finales de 1979, quedó claro que la nueva formación había encontrado una identidad renovada. La idea inicial, "Astradyne", "Mr. X", "New Europeans", surgió de la escritura colectiva, en lugar de que un líder dictara el sonido. La banda grabó demos en los estudios RAK de Londres; una de ellas, "Sleepwalk", convenció a Chrysalis para que los contratara.

"Astradyne" abre el disco con un pulso mecánico y lento que se expande gradualmente hasta alcanzar siete minutos de movimiento majestuoso. Se siente como un manifiesto instrumental, sin palabras, pero lo suficientemente grandioso como para indicar que Ultravox había entrado en un universo diferente. La mezcla de texturas analógicas y electrónicas de la banda, la viola de Currie deslizándose entre arpegios de sintetizador, la percusión electrónica de Cann impulsando un ritmo a la vez humano y robótico, era única en el panorama del rock de los 80.

"New Europeans" continúa con una calidez casi paradójica, con su crujiente riff de guitarra que choca con sintetizadores futuristas. La letra, sobre un hombre atrapado entre la nostalgia del viejo mundo y la era electrónica moderna, podría haber sido escrita para los propios Ultravox: "Se pone los auriculares / Su mundo moderno gira en torno a la canción del sintetizador". Es Europa soñando con su propio futuro.

Canciones de ansiedad y elegancia:

A lo largo del álbum, la banda exploró la paranoia, el aislamiento y la inquietante belleza de la tecnología. "Sleepwalk", el primer sencillo, suena brillante a simple vista, pero sus palabras pintan una imagen desesperada: "Rodando y cayendo, me ahogo y llamo / Nombre tras nombre tras nombre". "Passing Strangers" combina un ritmo impetuoso con la extraterrestre frialdad de los sintetizadores, mientras que "Private Lives" baila entre el piano clásico y el bajo distorsionado, su melodía insinuando que alguien, o algo, siempre está observando.

Luego llega "Mr. X", cantada por el baterista Warren Cann con una voz a medias sobre un zumbido sintético ominoso. Parece una historia de fantasmas de Kraftwerk, llena de imágenes fugaces de identidad y dobles: «Casi creí verlo, de pie, silbando en un puente». El extraño minimalismo y la atmósfera noir de la canción la convierten en uno de los momentos más distintivos del álbum.

«Western Promise» recupera la tensión entre Oriente y Occidente, la fe y el consumismo, con versos que rompen con el brillo de 1980: «Tu Buda Zen y hombres cristianos / Todos secuaces de la lata de Pepsi del Mesías». Pocos discos pop de aquella época podían esconder tanta sátira bajo capas de violín y secuenciador.

Y luego está "Vienna", la canción que lo cambió todo.

Vienna, la canción:

Cuando "Vienna" se lanzó como sencillo en enero de 1981, alcanzó el número 2 en el Reino Unido (seguido de "Shaddap You Face" de Joe Dolce) y el número 1 en Irlanda, Bélgica y los Países Bajos. Su ritmo, constante y pausado, es una de esas raras señas de identidad musical que parecen detener el tiempo. La voz de Ure, que asciende por versos como "It mean nothing to me – Oh, Vienna", consigue sonar distante y desgarradora a la vez. La banda admitió más tarde que habían querido escribir algo sobrio y tranquilo, con un final clásico exagerado. Lo lograron por completo.

Algunos han relacionado la canción con "El tercer hombre", la película de Carol Reed de 1949 ambientada en la Viena de la posguerra, aunque Ure confesó en una ocasión que inventó esa historia para los periodistas. Sea cual sea su origen, la canción captura una especie de melancolía europea, el sonido de la grandeza que se desvanece con gracia. Incluso hoy, escuchar el piano creciente y las cuerdas electrónicas todavía parece cinematográfico, como si la banda hubiera encontrado una forma de musicalizar el ocaso del modernismo.

Video del tema "Vienna":

El sonido de una nueva década:

La producción de Conny Plank fue esencial. Mantuvo un sonido austero pero vivo, permitiendo que lo electrónico y lo orgánico coexistieran sin que uno se sobrepusiera al otro. Ultravox nunca fue puramente sintético; el violín de Currie, el bajo de Cross y la guitarra de Ure le dieron a la música un pulso del que carecían muchos de sus contemporáneos del Nuevo Romanticismo. Se puede apreciar en "All Stood Still", la canción de cierre y último sencillo del álbum, donde los instintos rockeros del grupo se abren paso a través de las superficies heladas. La letra, "Las luces se apagaron, todos los relojes se detuvieron", refleja el estado de ánimo de un mundo al borde de la sobrecarga tecnológica.

Visualmente, el disco era tan impactante como sonaba. La portada monocromática del fotógrafo Brian Griffin, con el estilismo del diseñador Glenn Travis, presentaba a la banda como figuras sombrías en un entorno atemporal, mientras que la fotografía de Anton Corbijn y el diseño de Peter Saville completaron la transformación. Ultravox ya no eran unos marginados del rock artístico; Ahora eran elegantes, misteriosos y muy modernos.

Legado:

"Vienna" es a la vez un producto de su época y una obra que la trasciende. El álbum alcanzó el número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y se mantuvo allí durante 23 semanas, hasta convertirse en disco de platino. Entró en el top 10 en Australia, Nueva Zelanda y varios países europeos. Pero más allá de las cifras, sentó las bases de lo que sonaría el pop británico a principios de los 80: superficies frías que enmascaran emociones profundas, sintetizadores que cargan con el peso que antes estaba reservado para las guitarras.

Al escucharlo hoy, sigo prefiriendo la energía desenfrenada de "Ha!-Ha!-Ha!", sus bordes crudos, su impaciencia de escuela de arte, pero Vienna es el disco que enseñó a Ultravox a canalizar su ambición. Es sereno pero a la vez inquietante, lleno de contradicciones que de alguna manera funcionan: frío pero apasionado, grandioso pero claustrofóbico, humano a través de sus máquinas.

Disco recomendado

Si nunca has ido más allá de la canción principal, tómate el tiempo de escuchar el disco completo de principio a fin. Deja que "Astradyne" construya su arquitectura lenta; deja que "Mr. X" te susurre al oído; llega por fin a Viena y escucha cómo cambió el mundo en esos cuatro minutos. Para quien tenga curiosidad por saber dónde empezó realmente el pop electrónico a soñar en pantalla ancha, Viena sigue siendo una escucha imprescindible.

Video del tema "All Stood Still":

Tracklist (LP version europea):

Cara A:

"Astradyne" – 7:07
"New Europeans" – 4:01
"Private Lives" – 4:06
"Passing Strangers" – 3:48
"Sleepwalk" – 3:10

Cara B:

"Mr. X" – 6:33
"Western Promise" – 5:18
"Vienna" – 4:53
"All Stood Still" – 4:21

Ultravox:

• Midge Ure – guitarras, sintetizadores, voz principal (excepto en "Mr. X" y "Herr X")
• Chris Cross – bajo, sintetizadores, coros
• Billy Currie – piano, sintetizadores, viola, violín
• Warren Cann – batería, percusión electrónica, coros, voz principal en "Mr. X" y "Herr X"

Adicional:

• Conny Plank – coproducción

TALK TALK - The Colour of Spring - Album (Revisited)

La última vez que escribí una entrada sobre el disco "The Colour of Spring" de la banda británica TALK TALK en este blog de música fue por el año 2020. Entusiasmado entonces, sigo hoy envuelto en su belleza. Siendo así vuelvo a escribir otro blog post (revisited).

ALBUM: The Colour of Spring

 
Este es un trabajo emblemático en la historia de la banda inglesa "Talk Talk", publicado el 17 de febrero de 1986. Para muchos, es el álbum donde "Talk Talk" trascendió sus inicios de synth-pop y se embarcó en un viaje hacia paisajes sonoros más ricos y orgánicos. Coescrito por Mark Hollis y el productor Tim Friese-Greene, el álbum surgió como una combinación perfecta de jazz, pop artístico y experimentación atmosférica. Esta transformación no solo redefinió la carrera de la banda; sentó las bases para géneros que solo serían apreciados en su totalidad décadas después.

El viaje hacia el color de la primavera

Los álbumes anteriores de Talk Talk, incluido "It's My Life", habían mostrado destellos de brillantez, pero se mantuvieron arraigados en los sonidos sintetizados típicos de principios de la década de 1980. Las limitaciones financieras y las expectativas de la industria impulsaron su dependencia de las texturas electrónicas, pero la insatisfacción de Mark Hollis con esta limitación no era ningún secreto. Una vez comentó: "Si los sintetizadores no existieran, estaría encantado". Este sentimiento impulsó la evolución que se escucha en "The Colour of Spring", donde la banda adoptó una paleta de instrumentos reales: guitarra, piano, órgano y más, para crear algo auténtico y atemporal.

La creación del álbum estuvo marcada por influencias eclécticas, desde el minimalismo de Erik Satie hasta los ritmos complejos de leyendas del jazz como Béla Bartók. La meticulosa atención de Hollis a los detalles significó que cada nota tenía un propósito y el silencio se volvió tan poderoso como el sonido. Las contribuciones de músicos invitados, incluido Robbie McIntosh en la guitarra y el evocador trabajo de órgano de Steve Winwood, agregaron profundidad a un tapiz ya exuberante.

Una sinfonía de emoción y experimentación

El álbum comienza con "Happiness Is Easy", una canción que inmediatamente señala una nueva dirección. Los tambores despojados y una estructura minimalista evolucionan hacia un arreglo en capas que se construye gradualmente, incorporando cuerdas y el estilo vocal característico de Hollis. Las letras tienen un peso introspectivo, invitando a los oyentes a reflexionar sobre las complejidades de la vida sin abrumarlos. Este equilibrio entre sobriedad y riqueza define el álbum.

Los sencillos, “Life’s What You Make It” y “Living in Another World”, resaltan la capacidad de Talk Talk para combinar la accesibilidad con la innovación. El primero, impulsado por un riff de piano hipnótico y un ritmo implacable, se convirtió en un éxito internacional. El uso audaz de la armónica y las texturas en capas del segundo crearon un viaje sonoro dinámico. Estas pistas insinúan el pasado de la banda mientras se adentran con audacia en un nuevo territorio, lo que las convierte en los puntos de entrada perfectos tanto para los nuevos oyentes como para los fanáticos de toda la vida.

En los rincones más tranquilos del álbum, las tendencias experimentales de Talk Talk pasan al primer plano. “April 5th” es una balada inquietante construida sobre una instrumentación delicada y la voz etérea de Hollis. El arreglo escueto permite que cada nota, desde un saxofón perdido hasta un sutil acorde de órgano, resuene profundamente. De manera similar, “Chameleon Day” despoja todo de su esencia hasta convertirlo en una atmósfera de jazz ambiental, lo que demuestra el creciente dominio de la banda del espacio negativo y la tensión sutil.

Uniendo el pasado y el futuro

La genialidad de "The Colour of Spring" reside en su capacidad de unir dos fases distintas de la carrera de Talk Talk. Temas como “I Don’t Believe in You” reflejan la narrativa emotiva y la sensibilidad melódica que definieron su trabajo anterior, mientras que el extenso “Time It’s Time” apunta hacia el espíritu improvisado y rompedor de sus álbumes posteriores, “Spirit of Eden” y “Laughing Stock”.

“Time It’s Time” es particularmente sorprendente, ya que cierra el álbum con una ráfaga épica de armónicas, cantos tribales y letras inquietantes que perduran mucho después de que se desvanece la nota final. Encapsula los temas del álbum: la transición, la resiliencia y la belleza de la imperfección.

Por qué sigue resonando

Décadas después de su lanzamiento, "The Colour of Spring" sigue siendo una piedra angular de la música moderna. Es un raro ejemplo de un álbum que combina el éxito comercial con la integridad artística, vendiendo más de dos millones de copias y desafiando las convenciones del género. Su influencia se puede sentir en las obras de pioneros del post-rock como "Godspeed You! Black Emperor" y "Bark Psychosis", así como en la apreciación más amplia de la música minimalista y atmosférica.

La filosofía de Mark Hollis de "sensación por encima de la técnica" brilla en cada momento del álbum. Su creencia de que "una nota es mejor que dos" encuentra su expresión más conmovedora en el uso del silencio y el espacio en el álbum. Este enfoque no solo definió el sonido de Talk Talk, sino que también estableció un nuevo estándar para lo que la música popular podía lograr.

Disco recomendado

Para cualquiera que busque música que desafíe y recompense en igual medida, "The Colour of Spring" es una escucha obligada. Es un álbum que no solo entretiene, sino que también invita a la introspección, ofreciendo algo nuevo con cada escucha. Ya sea que te atraigan sus cautivadoras melodías, sus ricas texturas instrumentales o sus tranquilos momentos de reflexión, este disco tiene algo que ofrecer.

En palabras de Hollis, "Lo más importante con lo que puedes trabajar es el silencio". "The Colour of Spring" es un testimonio de esa idea, una obra de arte que deja espacio para que el oyente encuentre su propio significado. Es más que un disco; es una experiencia que sigue inspirando y resonando, demostrando que, a veces, menos es más. Es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos.

Video del tema "April 5th":

Tracklist:

1. Happiness Is Easy (6:30)
2. I Don't Believe in You (5:02)
3. Life's What You Make It (4:28)
4. April 5th (5:51)
5. Living in Another World (6:58)
6. Give It Up (5:17)
7. Chameleon Day (3:20)
8. Time It's Time (8:14)

Tiempo total: 45:40

Formación / Músicos:

• Mark Hollis / voz principal, guitarra (8), teclados (1), órgano (4), piano (3,5-7), mellotron (6), melódica (8), sintetizador Variophon (4,7), violonchelo (1)
• Paul Webb / bajo (2,5,6,8), coros (3,5)
• Lee Harris / batería, percusión

con:

- Tim Friese-Greene / piano (1,2,4,8), órgano (3,6,8), mellotron (3), piano eléctrico Kurzweil (1), sintetizador Variophon (4,7), productor

- Robbie McIntosh / guitarra (1,2,5), dobro (4,6), guitarra acústica (8)
- David Rhodes / guitarra (3,5,6)
- Ian Curnow / teclados
- Steve Winwood / órgano (1,2,5)
- David Roach / soprano saxofón (2, 4, 5)
- Mark Feltham / armónica (5)
- Alan Gorrie / bajo (1)
- Danny Thompson / bajo acústico (1)
- Gaynor Sadler / arpa (2)
- Martin Ditcham / percusión (1, 3, 5, 6, 8)
- Morris Pert / percusión (1, 2, 5, 8)
- Phil Reis / percusión (1)
- Children From The School Of Miss Speake / coros (1)
- Ambrosia Choir / coros (8)

RICHARD HAWLEY - Truelove´s Gutter - Album

Formó parte de la banda británica "Longpigs" (excelente grupo por cierto) y fue integrante por un tiempo de "Pulp". Luego, Richard Hawley se embarca en una maravillosa carrera en solitario, brindándonos algunos álbumes excepcionales e íntimos.

Quizás no un estilo para todos, el amor de Hawley por su ciudad, "Sheffield", está mayoritariamente presente en sus obras, pero lo envuelve todo con fascinantes historias humanas.

Quiero llamar la atención de los lectores de este blog de música sobre uno de los LP de Hawley titulado "Truelove's Gutter". Un disco oscuro que necesita paciencia pero que tiene melodías y música hermosas que se yuxtaponen con el contenido lírico "triste". Un viaje de cincuenta minutos a las criptas de la mente del músico que sale con una expresión renovada de amor y amistad, envuelto en un paquete musical desgarrador, a flote de cualquier época musical definida.

 

¿Quien es el músico Richard Hawley?

 

Richard Willis Hawley, cantautor, guitarrista y productor inglés. Después de que su primera banda, "Treebound Story", se disolvió, Hawley encontró el éxito como miembro de la banda de pop británico "Longpigs" en la década de 1990. Después de que ese grupo se disolviera en el año 2000, se unió a la banda "Pulp", liderada por Jarvis Cocker. Como músico solista, Hawley ha lanzado ocho álbumes de estudio hasta la fecha. Es un artista muy talentoso y respetado y ha colaborado con Arctic Monkeys, Manic Street Preachers, Elbow y Paul Weller, por mencionar algunos.

Tiene varios discos que puedo recomendar, "Coles Corner" (2005) por ejemplo es uno, pero me agrada más "Truelove 's Gutter".

 

ALBUM: Truelove's Gutter

 

El sexto disco de estudio del músico Richard Hawley fue publicado el 21 de septiembre de 2009 en el Reino Unido y el 22 de septiembre de 2009 en Estados Unidos. El titulo del álbum se refiere a una calle antigua (ahora renombrada) en "Sheffield" (UK), la ciudad natal de Hawley. Temáticamente, "Truelove 's Gutter" es posiblemente el álbum más oscuro de Hawley. Hawley en una entrevista con la "BBC" comentó que el LP se inspiró en períodos particularmente oscuros de su vida. El disco presenta algunas instrumentaciones poco comunes, como el waterphone, el megabass y el cristal baschet.

El trabajo de Richard Hawley ha mostrado una inclinación por escribir canciones profundamente evocadoras y emotivas sobre personas y situaciones de Sheffield. Hawley crea atmósferas utilizando la nostalgia como recurso poético que evoca los fantasmas de la historia. En "Truelove 's Gutter", ha profundizado mucho más y ha aportado nuevas ideas en su canto, escritura y producción, pero, paradójicamente, lo ha hecho con menos.

Este álbum es escaso, más que cualquier cosa que haya editado hasta la fecha. Sus ocho canciones tienen un aire nocturno. Las grandes y amplias cuerdas orquestales de sus dos últimos álbumes han sido reemplazadas por una sección de "chamber" e instrumentación extraña que agrega verdadera intimidad a la escucha. Las canciones reflejan las propias experiencias de Hawley o las pruebas y tribulaciones de sus amigos. Sus hermosas melodías brillan más en canciones que son desnudas, pero musicalmente más sofisticadas, agregando profundidad.

"Open Up Your Door" sería solo una canción pop si no fuera por preocupaciones líricas: una petición de reconciliación por parte de un marido que confiesa y es dueño de sus defectos, mientras profesa un amor devorador por su cónyuge mientras las cuerdas se hinchan y puntan el puente. La melodía es contagiosa y el altísimo tono de barítono de Hawley es impresionante. Le sigue "Ashes on the Fire", cuya melodía es tan reveladora como su letra. Sus hermosas guitarras sustentan la historia linea a li¬nea. "Remorse Code", de casi diez minutos, combina guitarras acústicas y eléctricas con una batería tocada con las manos desnudas de Dean Beresford. "For Your Lover Give Some Time", quizás la canción más bella del álbum, reflexiona confesionalmente sobre la relación con su esposa. "Don't You Cry", de casi 11 minutos, utiliza cuencos tibetanos, armónicas de vidrio y una lira de pescador.

"Truelove 's Gutter" es una obra singular en el catálogo de Hawley que muestra la madurez de todos sus dones. Es silenciosamente apasionado pero gracioso y elegante. Aquí ha realizado una ambición que es ingeniosa y singular. El artista debe hacer un cambio en algún momento, y después del cómodo montaje de esas obras pasadas, Hawley presenta "Truelove 's Gutter" como un riesgo esencial, capturando su obra en su forma más íntima e indefensa. En los instrumentales, vierte su encantadora fuerza vocal. "Truelove 's Gutter" es de lo más evocador para Hawley. Nada se acerca a lo visceral y sincero que es este trabajo para el músico.

 

Disco recomendado

 
Con todos mis elogios, tengo que aceptar que no es el LP más popular de Richard Hawley, pero sí quizás el mejor y más oscuro álbum. De alguna manera la oscuridad termina superada por la luz, esto en sí mismo es digno de elogio.

"Truelove 's Gutter" no es el lugar para que personas nuevas en Richard Hawley comiencen su descubrimiento. No obstante, cuando el polvo se asiente y su trabajo se evalúe en su totalidad, se podría declarar su obra maestra.

Video del tema "Remorse Code":

 Tracklist-canciones:

1. "As the Dawn Breaks" - 4:35
2."Open Up Your Door" - 4:42
3."Ashes on the Fire" - 4:24
4."Remorse Code" -  9:51
5."Don't Get Hung Up in Your Soul" -  4:16
6."Soldier On" - 6:50
7."For Your Lover Give Some Time" - 5:38
8."Don't You Cry" - 10:42

PAUL BUCHANAN - Mid Air - Album

Soy un gran admirador (fan) de la banda escocesa "THE BLUE NILE", por lo que el disco en solitario de Paul Buchanan cuando apareció en 2012 fue un gran acontecimiento. El grupo, al igual que el músico, no son conocidos por la producción de álbumes, son muy pocos, pero vaya, lo poco que hay, todo es calidad.

Quiero recomendar a los lectores de este blog de música y melómanos su disco en solitario titulado "Mid Air". Un hermoso trabajo compuesto únicamente por voz, piano y escasos instrumentos. El minimalismo para la creación de arte musical.

¿Quién es el músico "Paul Buchanan"?

 
Paul Buchanan es venerado como uno de los cantautores vivos más importantes de Escocia, mejor conocido como cofundador y vocalista principal de "The Blue Nile". A lo largo de cuatro aclamados álbumes de 1984 a 2004, Buchanan se establece como un maestro del art-pop melancólico e introspectivo, creando canciones de una rara profundidad emocional y elocuencia poética. Su trabajo con The Blue Nile, en particular los álbumes emblemáticos "A Walk Across the Rooftops" y "Hats", ha consolidado su reputación como una de las voces más distintivas e influyentes de la música británica.

La composición de Buchanan es elogiada por su calidad cinematográfica, pintando vivos retratos líricos del aislamiento urbano y el anhelo romántico. Su entrega vocal casi susurrada, le da una calidad íntima y confesional a su música, atrayendo al oyente a su mundo de melancolía y contemplación.

Su debut de 2012, "Mid Air", expresa todo lo dicho y más.

ALBUM: Mid Air

 
El disco de estudio en solitario del músico escocés Paul Buchanan (miembro de "The Blue Nile") publicado el 21 de mayo de 2012. Grabado principalmente en su apartamento en Glasgow durante un par de años.

Las 14 canciones de este álbum de 36 minutos van y vienen rápidamente como pensamientos contemplativos pasajeros. Debido a la brevedad de las canciones y el silencio de "Mid Air", es justo pensar que este álbum no dejará rastros una vez finalizado. Sin embargo, aquellos que realmente creen eso, en realidad están subestimando las maravillosas facultades de composición de Paul Buchanan. La ironía aquí es que Buchanan compuso las canciones mientras intentaba crear algo de música para el eventual álbum en solitario de la líder de Garbage, "Shirley Manson". Buena jugada para quedarselo para él, los fans de Blue Nile lo celebran.

La canción que da título al álbum marca el tono de la obra, con la voz de Buchanan catalogando tiernamente las narrativas de una manera que es a la vez dolorosamente melancólica y sorprendentemente evocadora. Está sensación de nostalgia agridulce impregna el álbum. Digo esto porque para un melómano joven con un oído entrenado para absorber música - digamos - más alegre, cuesta. Este trabajo es un viaje a tu interior donde el foco está en la letra y los simples sonidos.

En este solo álbum, un piano hace todo el trabajo detrás de la voz única y distintiva de Paul Buchanan, y la electrónica cumple un papel ambiental en lo que es un enfoque vocal conmovedor y casi un susurro. "Mid Air" aparentemente va de duelo, y contextualizado con el fallecimiento de uno de los amigos cercanos de Buchanan, no es de extrañar por qué cada balada de dos minutos y medio parece ser lo último que escucharás. Por lo tanto, "Mid Air" tiene un sentimiento poético y emocional en su letra. Lo que me llama la atención es el hecho de que algo hermoso que emerge del dolor de Buchanan puede reflejar la forma en que afrontamos el dolor: aceptación y esperanza. Por lo tanto, con su fondo oscuro, es un álbum optimista y da un mensaje para abrazar la vida incluso en sus malos momentos.

Desde una perspectiva técnica, evitando la producción exuberante y atmosférica de "The Blue Nile" en favor de una paleta escasa impulsada por el piano, Buchanan ofrece un álbum de rara resonancia emocional y una clase magistral sobre el poder de la moderación. De este modo, Paul Buchanan solidifica su reputación como uno de los cantautores más distintivos e influyentes de su generación, un verdadero maestro de la melancolía.

En resumen, "Mid Air" es conmovedora, íntima y reflexiva. Si los discos de Blue Nile todavía tienen magia para ti, este álbum es imprescindible. Del mismo modo, si a menudo has leído grandes cosas sobre "The Blue Nile" pero nunca has llegado a descubrirlas, "Mid Air" debería proporcionarte una idea, especialmente desde una perspectiva vocal y emocional.

Disco recomendado

 
Una interpretación de piano y voz conmovedora y con un marco emotivo de Paul Buchanan que suena muy personal e íntimo. Es un disco de ensueño, que se presta mejor en momentos contemplativos y personales. Recompensará toda la atención que requiere del oyente. Para mí, este disco es imprescindible para cualquier fan de la música pop introspectiva y poética, es impresionante e increíblemente hermoso.

Video del tema "Buy a Motor Car":

Tracklist - canciones:

1.         "Mid Air"        2:32
2.         "Half the World"        2:56
3.         "Cars in the Garden"  2:49
4.         "Newsroom"   1:54
5.         "I Remember You"     2:48
6.         "Buy a Motor Car"     2:37
7.         "Wedding Party"        2:36
8.         "Two Children"          2:35
9.         "Summer's on Its Way"          2:29
10.       "My True Country"    2:17
11.       "A Movie Magazine"  2:24
12.       "Tuesday"       2:12
13.       "Fin de siècle"          2:01
14.       "After Dark"   3:56

THE BLUE NILE - A Walk Across the Rooftops - Album

Uno de mis discos favoritos de mi adolescencia, que no siendo un "mega álbum", me dejó huella de muchos recuerdos, aparte de ser un maravilloso trabajo musical y que es un auténtico placer siempre escuchar. Hablo del trío escocés de los años 80 (siglo xx), "The Blue Nile" y su primer disco "A Walk Across the Rooftops".

 

ALBUM: A Walk Across the Rooftops

 
Es el LP debut de la banda (trío) escocesa "The Blue Nile", publicado el 30 de abril de 1984 por "Linn Records" en el Reino Unido y por "A&M Records" en Estados Unidos. Aunque el álbum se editó con poca fanfarria, poco a poco fue acumulando fans y ventas vía el boca a boca a medida que pasaban los años. "The Blue Nile" trajo entonces un sonido fresco y una entrega muy elegante en este debut. Una maravillosa colección de canciones, arreglos deslizantes y una fuerte presencia vocal de Paul Buchanan.

La fotografía de la banda en la portada del disco fue tomada en "Cathcart Road" en Glasgow. El edificio a la derecha de la imagen era la Iglesia Bautista Hermon, una estructura de una sola planta con techo inclinado construida al final de un bloque de casas de vecinos.

 
Este increíble disco tiene una historia fascinante que necesita ser contada. Algunos dicen que es una historia ficticia, sin embargo, hay un peso verídico detrás de ella. La historia va así....

"Linn Electronics" quería una canción de demostración para mostrar la fidelidad y versatilidad de su nueva consola de grabación y grabó un trío local en apuros, "The Blue Nile". Su esfuerzo fue una canción llamada "A Walk Across the Rooftops".

Para demostrar el rango dinámico y la claridad del equipo de grabación, la canción se arregló de manera diferente, con voz, guitarra, bajo, teclados, batería y secciones completas de cuerdas y trompetas, todos apareciendo, pero nunca al mismo tiempo. A la compañía "Linn Electronics" le gustó tanto la canción que formaron un sello discográfico y la "expandieron" en un álbum completo. Las siete canciones de "A Walk Across the Rooftops" siguen el modelo de la canción de demostración original, con Paul Buchanan, el líder de la banda, con su voz, guiando a los oyentes a través de un viaje de relaciones e introspección con sus conmovedoras letras. La música de "The Blue Nile" se describe como paciente y discreta, con una calidad cinematográfica. El álbum capta una sensación de anhelo y melancolía, atrayendo a los oyentes a un mundo donde las emociones son crudas y sin filtros.

Los tempos son lentos, con la canción más alegre, la maravillosa "Tinseltown in the Rain", que apenas se eleva por encima de un paseo, y los ingeniosos arreglos hacen un uso extensivo del espacio vacío. En general, el disco suena tan impecable y meticuloso hasta el mínimo detalle, como si fuera extrañamente lo-fi, y las canciones a menudo parecen a medio hacer, o demos a la espera de ser retocadas, ese aire inacabado es parte de la magia del disco. Intencionado o no, le da un efecto intimista muy especial, que lo hace ideal para escucharlo en la intimidad y de noche, a poder ser cuando ya duerme la ciudad.

"A Walk Across the Rooftops" tiene un gran poder atmosférico e hipnótico, capaz de crear un ambiente acogedor, sin que eso suponga que sea un disco vacío de "pop cómodo". Melancólica, lúgubre, triste, escasa, todas estas cosas, llenan de un sentimiento de vacío emocional pero al mismo tiempo son sobriamente hermosas.

Disco recomendado

 
"A Walk Across the Rooftops" obtuvo muchos más elogios de la crítica décadas después de su lanzamiento como un álbum "conmovedor" y confesional compuesto por ritmos de cajas de baile, líneas de sintetizador de cuerdas entrecortadas y líneas de acordes sostenidos. Un álbum maravilloso y ciertamente recomendable. Pop atemporal con multitud de detalles en sus canciones, que agradará a cualquier amante de la buena música sin etiquetas.

Por último, después de escuchar este disco, es posible que sientas que se queda corto y, con razón, te deja con ganas de más. Si eso te sucede, busca su álbum "Hats", a menos que ya lo tengas.

Video del tema "Tinseltown in the Rain":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."A Walk Across the Rooftops" – 4:56
2."Tinseltown in the Rain" – 5:57
3."From Rags to Riches" – 5:59 

Cara B:

4."Stay" – 4:57
5."Easter Parade" – 4:34
6."Heatwave" – 6:28
7."Automobile Noise" – 5:08

The Blue Nile (miembros de la banda):

• Paul Buchanan - voz, guitarras, sintetizadores
• Robert Bell – bajo, sintetizadores
• Paul Joseph Moore - teclados, sintetizadores

Personal adicional:

Calum Malcolm - ingeniero de grabación
Nigel Thomas - batería

GRACE JONES - Nightclubbing - Album

Grace Jones (Cantante)

Grace Beverly Jones, también conocida como "Grace Jones", es una modelo, cantante y actriz nacida en Jamaica. A partir de 1977, comenzó su carrera musical y se convirtió inicialmente en una figura de alto perfil de la escena de la música disco centrada en el famoso "Studio 54" de la ciudad de Nueva York. A principios de la década de 1980, se movió hacia un estilo "new wave" que se inspiraba en el reggae, el funk, el post-punk y la música pop. Sus álbumes más populares incluyen "Warm Leatherette" (1980), "Nightclubbing" (1981) y "Slave to the Rhythm" (1985).

Jones ha sido citado como inspiración para múltiples artistas, incluidos Madonna, Annie Lennox, Lady Gaga, Rihanna, Solange, Lorde, Santigold, Basement Jaxx...etc. En 2016, Billboard la clasificó como la 40ª mejor artista de club de baile de todos los tiempos.

ALBUM: Nightclubbing

El quinto álbum de estudio publicado el 11 de mayo de 1981. Este LP marcó su segunda incursión en un estilo "new wave" que combina una variedad de géneros, incluidos reggae, art pop, dub, synth-pop y funk. Se considera una de las primeras convergencias de "moda, arte y música". 

Los críticos han reconocido la influencia del álbum en la música popular, citando su sonido único que ha sido emulado tanto por artistas pop como los alternativos, y cómo la "persona" que adoptó la cantante, profundamente inspirada en el arte y la moda, ha tenido una influencia duradera en la mujer moderna y cantantes de pop. "Nightclubbing" ahora se considera ampliamente la obra maestra de Jones. Además abre a Jones a una audiencia más amplia con una mayor apreciación de lo que puede hacer con material original y versiones.

La verdad es que me parece un álbum de pop fabuloso que tiene a Grace Jones trabajando con Sly Dunbar y Robbie Shakespeare (Sly & Robbie). Si bien "Sly y Robbie" brindan el esqueleto, el músculo y el pulso de este disco, la "persona" y la actitud son todas de Grace Jones. Ya sea que se sienta como una mujer, se vea como un "hombre" o diosa de las discotecas, es absolutamente genial y elegante, y captura una variedad de estilos de su tiempo.

"Nightclubbing" también tiene a Graces Jones seleccionando algunas canciones excelentes para reinterpretar. Por ejemplo, "Demolition Man" de The Police, "Use Me" de Bill Withers, "Walking In The Rain" de Flash In The Pan y "Nightclubbing" de Iggy Pop obtienen reinterpretaciones radicales y geniales. Sin embargo, el gran tema para mí es "Pull Up to the Bumper", plagada de traviesos de doble sentido. No son solo las letras las que hacen que la canción sobresalga; las espirales tintineantes de la guitarra rítmica y un ritmo simplista, sofocante y de medio tiempo hacen que la canción sea efectiva, incluso sin considerar la presencia de Jones. Es probablemente una de las canciones más sexys (sexualmente provocativas) de la historia del pop. Me encanta, además es genial para bailar. Los maestros "Sly & Robbie" proporcionan un brillo enérgico pero no erizado sobre estructuras flotantes.

Un disco recomendado. Una pequeña masterclass de art-pop, reggae y disco. Poco sabía Grace, pero su estilo andrógino, su voz pensativa y sus ritmos vibrantes proporcionados por Sly y Robbie, prepararon el escenario para lo que vendría durante el resto de la década de 1980. Es un disco genial y sexy que catapultó a Grace Jones al estrellato de la música pop. Este LP te invita a bailar con su reggae, funk, soul, cabaret y sonidos de Club. Es muy diverso y en cierta manera adelantado a su tiempo. Buscarlo. 

Video "Pull Up to My Bumper":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

1.         "Walking in the Rain"            4:18
2.         "Pull Up to the Bumper"                    4:41
3.         "Use Me"                    5:04
4.         "Nightclubbing"                     5:06

Cara B: 

5.         "Art Groupie"             2:39
6.         "I've Seen That Face Before (Libertango)"   4:30
7.         "Feel Up"        4:03
8.         "Demolition Man"                  4:03
9.         "I've Done It Again"              3:51   

JOCKSTRAP - I Love You Jennifer B

ALBUM: I Love You Jennifer B

 
El álbum debut publicado en septiembre de 2022 ha recibido elogios de la crítica. Tal vez se describa como una versión experimental del arte pop con una instrumentación exuberante.

El dúo londinense "Jockstrap" pasó a la vanguardia con sus dos primeros EP, "Love Is the Key to the City" de 2018 y "Wicked City" de 2020, reorganizando el pop orquestal con electrónica experimental y luego volviendo a ensamblar todas las piezas "destrozadas".

Si bien no es menos experimental que los EP mencionados, "I Love You Jennifer B" tiene Jockstrap agregando nuevas dimensiones a su firma de rareza con ganchos bien construidos y sonidos densos que cambian en casi todas las canciones. El dúo sacude todas las ideas preconcebidas con este disco expansivo que recopila electrónica y voces cristalinas. Compuesto por Georgia Ellery (también de "Black Country, New Road") en la voz y las letras, y Taylor Skye en la producción electrónica, la pareja aporta nueva energía a los límites expansivos del pop.

El primer tema "Neon", se abre paso con una guitarra suave y con silencios, fusionándose dulcemente con la voz de Ellery antes de que entren los sintetizadores crujientes, pesados y monótonos. Las interpretaciones vocales controladas de Georgia Ellery guía las canciones a través de sus diversas formas, sentándose sobre ritmos de batería de club de los 90 y sonidos de sintetizador bailables como en "Greatest Hits", y recortados más allá de lo reconocible en "50/50". El número "Glasgow" ahoga guitarras acústicas de rock con cuerdas abrumadoras y texturas electrónicas. Luego, el álbum cambia de sonidos abrasivos a suaves que siempre son fluidos. El arpa procesada ocupa un lugar destacado en varias canciones y las exuberantes cuerdas y las inflexiones folk aparecen, por ejemplo, en "What 's It All About?".

Una de las grandes canciónes del álbum es "Concrete Over Water", que reúne los diversos enfoques de "Jockstrap" de forma dinámica, construyendo desde voces hacia atrás y ligeros tonos de sintetizador hasta coros llenos de ritmos dispersos, arpegios de sintetizador acido, coros gritando y ráfagas de sonidos de cuerda.

Eso es lo que pasa con "I Love You Jennifer B", no importa particularmente que ideas prueben Skye y Ellery, ni cuantos estilos diferentes de música incluyan en las diez canciones. El resultado final es música que siempre es creativa y agradable de escuchar.

Un disco recomendado. Con buen gusto, una mezcla vanguardista de pop de cámara brumosa y ritmos duros de club, "I Love You Jennifer B" es pop en su forma más desconcertante. Su arreglo considerado hace que el álbum no solo se escuche, sino que también es emocionante, incluso cuando se sumerge en lo desconocido. Tan excéntrico como es, no es menos valiente y fresco. Buscarlo y darlo una escucha.

Video del tema "50/50":

Tracklist:

1.         "Neon"            3:45
2.         "Jennifer B"    4:19
3.         "Greatest Hits"           4:27
4.         "What's It All About?"          2:44
5.         "Concrete Over Water"          6:09
6.         "Angst"           3:01
7.         "Debra"           4:54
8.         "Glasgow"      5:34
9.         "Lancaster Court"       4:12
10.       "50/50" (Extended Mix)        5:03

SCOTT WALKER | Scott - Album

Scott Walker (Músico)

Noel Scott Engel, también conocido artísticamente como Scott Walker, fue un cantautor, compositor y productor de discos estadounidense (nacido en Ohio) que residió en Inglaterra. Walker era conocido por su voz de barítono y por una trayectoria profesional poco ortodoxa que lo llevó desde ser un ícono del pop adolescente de la década de 1960 hasta el músico de vanguardia del siglo XXI. Su carrera en solitario dramatiza un choque constante entre el éxito comercial y el esfuerzo artístico. El éxito de Walker fue en gran parte en el Reino Unido, donde sus primeros cuatro álbumes en solitario llegaron a los diez primeros puestos de las listas. A su muerte en 2019, la BBC lo describió como "una de las figuras más enigmáticas e influyentes de la historia del rock".

Saltando a la fama a mediados de la década de 1960 como líder del trío de música pop "The Walker Brothers", comenzó una carrera en solitario con el disco "Scott" de 1967, avanzando hacia un estilo cada vez más desafiante en álbumes de pop barroco de finales de la década de 1960 como "Scott 3" y "Scott 4" (ambos lanzados en 1969).

Después de que las ventas de su trabajo en solitario comenzaron a disminuir, se reunió de nuevo con "The Walker Brothers" a mediados de la década de 1970. Desde mediados de la década de 1980 en adelante, Scott Walker revivió su carrera en solitario mientras avanzaba en una dirección cada vez más vanguardista; en la década de 1980, Walker era una figura destacada de la escena musical underground del Reino Unido y consiguió muchos seguidores de culto.

Discografía (como solista y/o colaboración y BSO):

• Scott (1967)
• Scott 2 (1968)
• Scott 3 (1969)
• Scott 4 (1969)
• 'Til the Band Comes In (1970)
• The Moviegoer (1972)
• Any Day Now (1973)
• Stretch (1973)
• We Had It All (1974)
• Climate of Hunter (1984)
• Tilt (1995)
• Pola X OST (1999)
• The Drift (2006)
• And Who Shall Go to the Ball? And What Shall Go to the Ball? (2007)
• Bish Bosch (2012)
• Soused (2014, with Sunn O))))
• The Childhood of a Leader OST (2016)
• Vox Lux OST (2018)

Para mí es un auténtico camaleón, que se convirtió en una figura influyente del art rock; inicialmente un ídolo adolescente convertido en cantante de pop de culto convertido en vocalista de vanguardia. Scott Walker murió en 2019 a la edad de 76 años.

Muchos artistas han expresado su admiración por Scott Walker o lo han citado como una influencia, incluidos David Bowie, Alex Turner, Marc Almond, Damon Albarn, Goldfrapp, Julian Cope, Jarvis Cocker, Thom Yorke, Steven Wilson, Leonard Cohen, Brian Eno... por mencionar sólo algunos. 

En general, no soy un gran fan de Scott Walker. Sin embargo, escucho y disfruto de sus primeros álbumes, en particular el disco debut que inició su carrera en solitario.

ALBUM: Scott

El primer álbum en solitario de Scott Walker, fue originalmente publicado en el Reino Unido en 1967. El álbum fue un éxito comercial recibiendo elogios de la crítica y alcanzó el #3 en la lista de álbumes del Reino Unido.

Este álbum cambió el sonido y la imagen de Scott Walker y sentó las bases para los próximos años de su exitosa carrera. Recuerda que meses antes Scott Walker era un cantante e ídolo adolescente con "The Walker Brothers", de ninguna manera su público habitual estaba preparado para las letras mordaces y desesperadas de este debut en solitario. Para agravar la sorpresa (el cambio), Walker hace todo lo posible por imitar las voces de cantantes como Tony Bennett y Frank Sinatra (recuerda a Nick Cave), y también presenta arreglos orquestales grandiosos. Dicho esto, el álbum encontró una audiencia sorprendentemente amplia, especialmente en Gran Bretaña, y es generalmente considerado como el mejor álbum de Scott Walker en solitario.

La elección del material para este disco se divide en cuatro categorías principales: su propio trabajo ("Montague Terrace (In Blue)", "Such a Small Love" y "Always Coming Back to You"), versiones contemporáneas ("The Lady Came from Baltimore "," Angelica "), canciones de películas (" You're Gonna Hear From Me "," Through a Long and Sleepless Night ") y versiones traducidas al inglés de las canciones del cantante y compositor belga Jacques Brel (" Mathilde " , "My Death", "Amsterdam"): Walker había descubierto al artista belga y era un gran admirador.

Por último, no es un álbum para todos (mi opinión), ni tampoco es un artista para el gran público en general. El material de este disco (y posteriores) reflexiona sobre la existencia, es profundo, oscuro, melancólico y en cierto modo críptico. La generación más joven de oyentes de música de hoy puede encontrar que descubrir a Scott Walker es una tarea difícil. Sin embargo, vale la pena intentarlo.

Un disco recomendado. Es un trabajo y testimonio de un genio atormentado como es también testimonio de una "crudeza emocional: sentimental y melancólica". Scott Walker rápidamente continuaría sorprendiendo y estampando aún más su genio con otros tres álbumes encadenados y aclamados (Scott 2, 3 y 4), todos con más material original. Tres álbumes que deben buscarse y escucharse para comprender plenamente a este artista único. Mientras, primero comenzar con "Scott" para ver si es lo tuyo. Si te engancha, te enganchará todo el resto.

Video del tema "Amsterdam":

Tracklist (formato vinilo): 

- Cara A - 

1.         "Mathilde"      (Jacques Brel, Gérard Jouannest, Mort Shuman)      2:39
2.         "Montague Terrace (In Blue)"           (Noel Scott Engel)     3:31
3.         "Angelica"      (Cynthia Weil, Barry Mann)  4:02
4.         "The Lady Came from Baltimore"     (Tim Hardin)   1:59
5.         "When Joanna Loved Me"     (Jack Segal, Robert Wells)     3:08
6.         "My Death"    (Brel, Shuman)           4:57

- Cara B -

7.         "The Big Hurt"           (Wayne Shanklin)       2:26
8.         "Such a Small Love"  (Engel)            4:55
9.         "You're Gonna Hear From Me" (André Previn, Dory Previn)         2:53
10.       "Through a Long and Sleepless Night" (Mack Gordon, Alfred Newman)  4:12
11.       "Always Coming Back to You"        (Engel)            2:41
12.       "Amsterdam"  (Brel, Shuman ) 3:04

DEAN BLUNT | Black Metal 2

DEAN BLUNT (Productor y músico)

Su nombre es Roy Nnawuchi, nacido en Londres, alias "Dean Blunt", un cantautor y músico británico. Es mejor conocido por su trabajo en solitario y formar parte del dúo de vanguardia "Hype Williams" (junto con Inga Copeland), y más recientemente, los grupos "Babyfather" y "Blue Iverson". Dean Blunt también fue el fundador de la banda de rock londinense "Graffiti Island". Ha sido descrito como un músico artista prolífico que rechaza categorías y un provocador del art-pop.

Dicho esto desde una perspectiva personal su música no es fácil de identificar con precisión, esto para mí es su atractivo. Si tengo que etiquetarlo, quizás sea como experimental pop-urbano-post punk. Dicho esto, Blunt produce su música electrónica abstracta en algo parecido a un "crooner" de indie rock. Es verdaderamente algo distintivo. 

Desde 2009 hasta 2012, bajo el dúo "Hype Williams", Blunt lanzó una serie de álbumes y varios sencillos y EP, donde el material iba desde house lo-fi hasta trabajos ruidosos. Blunt comenzó a publicar material en solitario en 2011 y rápidamente construyó una discografía que rivalizaba su trabajo con Inga Copeland. Entre sus álbumes más notables se encuentran The Narcissist II (2012), The Redeemer (2013) y Black Metal (2014).

Los dos primeros de esos tres lo vieron incursionar en el canto lento y la composición suave, mientras que el último fue un abrazo por casi completo a la guitarra. En 2015, lanzó un mini-álbum titulado "Babyfather". Luego expandió "Babyfather" a un proyecto completo, presentado como un trío que incluía a "DJ Escrow" y "Gassman D" (que, con toda probabilidad, son los alter egos del propio Blunt).

Como se puede apreciar, Dean Blunt tiene intereses en muchos sitios, incluido el teatro (obras de ópera modernas), producción de videos, diseño y colabora con otros artistas: Mica Levi, Panda Bear, A $ AP Rocky...por mencionar tres.

La discografía (incluye mixtapes) con artista en solitario por el momento:

•  Jill Scott Herring OST (2011)
• The Narcissist (mixtape) (2011)
• The Narcissist II (mixtape) (2012)
• The Redeemer (2013)
• Каменный Остров (Stone Island) (mixtape) (2013)
• Skin Fade (mixtape) (2014)
• Black Metal (2014)
• Babyfather (mixtape) (2015)
• Soul on Fire (mixtape) (2018)
• ZUSHI (2019)
• Black Metal 2 (2021)

Descubrí a este interesante músico con el álbum "Black Metal 2", algo relativamente tarde en la carrera de Dean Blunt. Sin embargo, lo que he escuchado es lo suficiente distinto como para llamar mi atención.

ALBUM: Black Metal 2

 
Publicado en "Rough Trade Records" el 11 de junio de 2021. Este álbum es la secuela del lanzamiento de BLACK METAL de 2014. Sería lógico empezar por aquí primero y luego seguir con "Black Metal 2". Sin embargo, este no es mi caso, descubrí "2" primero y al músico, para luego continuar con el lanzamiento de 2014. Otros elementos a destacar: este álbum de 2021 presenta la voz de Joanne Robertson en seis canciones. Fue producido por Blunt y Giles Kwakeulati King-Ashong, también conocido como "Kwake Bass".

La voz solitaria de Dean Blunts es embriagadora. Hace que este álbum sea increíblemente evocador, sin reservas y crudo. Hay una gran instrumentación presente (grandes ritmos-beats) sobre algunas canciones que básicamente son solo interludios. Lo creas o no, este es el álbum más accesible de Blunt, incluso más que el álbum Black Metal de 2014.

¿Cómo explicar este álbum?

Una tarea difícil. Abre con "VIGIL", y Blunt habla como si fuera testigo de un acto de violencia: "Nigga, ¿dónde estás? / No puedo ver en la oscuridad / Entonces, nigga, ¿dónde está tu arma? / ¿Puedes ver lo que hiciste? ", a medida que las cuerdas se desvanecen, te quedas con la ambigüedad. Tomado literalmente, parece posible que esté hablando con alguien que aún no sabe que es un asesino … ¡Buufff! Unos beats magníficos, narrativa y letra crípticas inquietantes, empezamos bien. Pero las cosas no están tan claras, lo que viene a continuación es una mezcla de ideas y estilos.

El corte "DASH SNOW" te lleva a otro lugar, puro pop, utilizando letras simples y positivas. Mientras tanto, "WOOSAH" es un instrumental folk. Otros aspectos destacados del álbum incluyen "NIL BY MOUTH", que presenta guitarras acústicas y algunas hermosas voces femeninas de Joanne Robertson. Las letras de Blunt aquí siguen siendo crípticas, aunque parecen hacer referencia a algún tipo de ruptura o colapso y transmiten con éxito una sensación de peso emocional. "MUGU" también es excelente, cubriendo una narrativa intrigante sobre guitarras escogidas con los dedos en capas.

Si existe un posible deseo de Blunt detrás de "Black Metal 2", es recuperar este estilo de música de guitarra indie de la audiencia "blanca" que se asocia. La palabra "nigger" aparece en la letra de la mayoría de las canciones, con tanta frecuencia que se asume que tiene que ser una elección deliberada, dado el uso generalmente escaso y preciso de las letras de Blunt. También se incluyen algunas jergas callejeras específicas de Londres, como el título "SKETAMINE" (Chica que toma ketamina). Te hace darte cuenta de lo mucho que este estilo de indie-pop está desprovisto de voces negras, y cuanto más escuchas el acento profundo y dominante de Blunt, más penetrante se vuelve el pensamiento. El apasionante final, "the rot", es una gran manera de cerrar este disco, en cierto modo resume todo sobre Blunt y este álbum... esas guitarras.

En general, puede ser un disco difícil para el oyente "no acostumbrado": a mi me costó digerirlo. No ayuda en absoluto si eres de una cultura no anglosajona o no estás familiarizado con el estilo y la jerga. Pero de alguna manera la música y la voz oscura, lenta e hipnótica logran conquistarte de alguna manera. Para mí es el factor, "la diferencia". Estoy cansado de las mismas ofertas, fórmulas musicales de software PC con auto-tune. Actualmente todo el "pop" es mayormente basura. De repente aparece este extraño álbum producido por una figura igualmente enigmática que se destaca entre la multitud.

Un disco recomendado. "Black Metal 2" tiene todos los elementos que hicieron a su predecesor otro buen álbum; instrumentales sentimentales y voces anhelantes, todo empaquetado en un entorno lo-fi. Rico en complejidades tonales, este álbum es una caja de sorpresas musicales de un músico misterioso.

Estaré atento a los futuros álbumes de Dean Blunt, ya que no estoy del todo convencido, hasta ahora, de si este es la verdadera "revolución" o simplemente otro paquete de marketing musical para "los más cool". Bien, puede ser Blunt un visionario para un estado catatónico de la música pop y rock... el jurado aún está deliberando. Por ahora, escúchalo, junto con el Black Metal de 2014, y decide por ti mismo.

Video del tema “the rot”:

Tracklist:

1.         "VIGIL"           2:30
2.         "MUGU"                     1:39
3.         "DASH SNOW"         2:00
4.         "SKETAMINE"          2:32
5.         "SEMTEX"      1:27
6.         "LA RAZA"     1:44
7.         "NIL BY MOUTH"     2:40
8.         "ZaZa"             2:06
9.         "WOOSAH"    3:02
10.       "the rot"           3:43