THE BLUE NILE - A Walk Across the Rooftops - Album (Revisited)

Durante años he vuelto a ciertos discos, no para comprobar si sigue igual, sino para ver en qué he cambiado yo. Hay álbumes que no se escuchan, se habitan, y cuya música parece esperar pacientemente a que uno esté preparado para volver a entrar. "A Walk Across the Rooftops" de THE BLUE NILE es uno de ellos. Cada nueva escucha no sustituye a la anterior, la amplía, la cuestiona, la profundiza. Por eso ahora no escribo desde la nostalgia ni desde la revisión académica, sino desde el deseo genuino de compartir una experiencia que sigue viva con los lectores de este humilde blog de música.

Este post no pretende explicar el disco ni colocarle una etiqueta definitiva. Quiere, más bien, acompañar al lector hasta su umbral, ofrecer algunas claves, algunas imágenes y muchas sensaciones, antes de dejar que la música haga su propio trabajo. Si nunca has caminado por estos tejados, este es un buen momento para hacerlo. Y si ya lo hiciste alguna vez, quizá descubras que el paisaje ha cambiado, o que quien ha cambiado eres tú.

ALBUM: A Walk Across the Rooftops

Han pasado algunos años desde la última vez que escribí sobre "A Walk Across the Rooftops". Recuerdo aquella entrada, escrita más desde la fascinación que desde la distancia crítica, porque este disco nunca ha sido para mí un simple objeto de análisis. Es un lugar. Un clima. Una forma de escuchar. Hoy vuelvo a él con la misma emoción, pero con otra intención. No tanto revisitarlo, que también, sino presentarlo a quienes no estaban allí, a lectores jóvenes que quizá han oído hablar de The Blue Nile como un nombre casi mitológico, citado con respeto, pero raramente explicado desde la experiencia.

Este álbum debut de The Blue Nile, publicado el 30 de abril de 1984, no fue un éxito inmediato. No llenó estadios ni generó titulares grandilocuentes. Salió casi en silencio, editado por Linn Records, un sello creado por una empresa de alta fidelidad escocesa más interesada en el sonido que en el mercado. Y, sin embargo, con el paso del tiempo, "A Walk Across the Rooftops" se ha convertido en uno de esos discos que no envejecen porque nunca pertenecieron del todo a su época.

Un disco contra la lógica de su tiempo:

Para entender este álbum hay que entender su contexto. Paul Buchanan, Robert Bell y Paul Joseph Moore no eran músicos virtuosos ni pretendían serlo. Venían de la universidad, de la literatura, de las matemáticas, de la electrónica, no de la tradición del rock ni del pop británico. Tampoco encajaban en la narrativa dominante de los primeros ochenta (Siglo xx), marcada por el espectáculo, el exceso y una industria que empezaba a confundir visibilidad con valor.

Su historia previa con sellos discográficos fallidos les dejó una desconfianza profunda hacia el negocio. Cuando Linn Records les ofreció un contrato, lo hizo desde un respeto absoluto por su visión. Les dejaron solos en el estudio, algo casi impensable incluso entonces. Ese aislamiento creativo fue clave. "A Walk Across the Rooftops" no suena a un grupo intentando gustar, sino a tres personas tratando de entender qué sienten y cómo traducirlo en sonido.

El disco se grabó durante meses, con una paciencia casi obsesiva. No había samplers modernos. Cada sonido debía tocarse, grabarse, cortarse y ensamblarse a mano. El silencio se trabajaba con la misma atención que una nota. Nada sobraba. Nada se colocaba por inercia.

El arte de decir poco y sentir mucho:

Hablar del sonido de "A Walk Across the Rooftops" es hablar de espacios. De aire. De una producción que no busca llenar, sino sugerir. Los sintetizadores, omnipresentes, no suenan fríos ni futuristas. Son frágiles, casi humanos. Las cajas de ritmos marcan pulsos contenidos, nunca dominan. El bajo aparece como una línea que se desliza, no como un ancla.

A veces cuesta identificar dónde empieza la canción y dónde termina el paisaje sonoro. Hay ecos que parecen lejanos, ruidos indefinidos, texturas que no sabes si pertenecen a un instrumento o a la ciudad que el disco retrata. En ese vacío controlado entra la voz de Paul Buchanan, y todo se ordena.

Su forma de cantar es única. No interpreta personajes. Se expone. Hay momentos de contención extrema y otros en los que la emoción se desborda, casi de manera incómoda. No busca agradar. Busca decir la verdad emocional de cada frase. Esa tensión entre tecnología y vulnerabilidad es el gran logro del álbum.

Se ha comparado muchas veces esta producción con la precisión de Aja de Steely Dan, y la referencia no es gratuita. Aquí también hay una obsesión por el detalle, pero al servicio de algo mucho más íntimo, menos cerebral y más nocturno.

Escenas de una ciudad interior:

El disco se abre con "A Walk Across the Rooftops", una declaración de intenciones. Campanas lejanas, teléfonos que no dejan de sonar, una sensación de insomnio urbano. La canción avanza como un paseo mental, buscando altura para ganar perspectiva. No es una huida, es un intento de entender.

La maravillosa "Tinseltown in the Rain" llega pronto y redefine lo que entendemos por single. Tiene ritmo, tiene repetición, pero también una intensidad casi violenta en su insistencia. La letra habla de la ilusión que se desvanece, de la ciudad como promesa y decepción a la vez. Cada repetición de "I know now" suena más cansada que la anterior. Es una canción que baila mientras se rompe.

"From Rags to Riches" reduce aún más los elementos. Percusión mínima, voz al frente, espacio. Habla de dejar atrás, de empezar, de salir al mundo con lo aprendido. No hay épica, hay aceptación. Es una de esas canciones que crecen con cada escucha.

"Stay" es probablemente el momento más accesible del álbum, pero no por ello menos profundo. Es una súplica adulta, consciente de sus límites. No promete nada imposible. Solo pide tiempo. Su piano y su ritmo contenido la convierten en una de las grandes canciones de amor de la década, sin necesidad de grandilocuencia.

Luego llega "Easter Parade", y todo se detiene. Para mí, posiblemente una de las canciones más conmovedoras escritas. Minimalista hasta el extremo, construida alrededor de un piano y silencios que pesan más que las notas. Habla de la soledad en medio de la multitud, de la belleza triste de lo cotidiano. Es imposible escucharla sin sentir que alguien ha puesto palabras a pensamientos que nunca supimos formular.

"Heatwave" aporta un respiro aparente, una luz engañosa. El calor como metáfora de una opresión compartida. El cansancio emocional traducido en sonido. Y finalmente "Automobile Noise", que cierra el disco como un plano final de cine negro. Movimiento constante, ruido, ciudades que no paran, personas que no saben dónde detenerse. Una despedida sin respuestas, pero con una extraña sensación de consuelo.

Un disco de su tiempo, o no:

Se suele hablar de "A Walk Across the Rooftops" como un disco “ochentero”, pero eso es quedarse en la superficie. Sí, hay sintetizadores. Sí, hay cajas de ritmos. Pero su espíritu no tiene nada que ver con la euforia ni con el escapismo dominante de aquella década. Este álbum dialoga más con la pintura de Edward Hopper, con el cine nocturno, con la literatura introspectiva, que con las listas de éxitos.

También es un disco profundamente político sin mencionar la política. Retrata una ciudad cansada, individuos que buscan sentido en un entorno hostil, sin necesidad de consignas. En plena era Thatcher, eso era más elocuente que cualquier discurso.

Por qué revisitar:

Volver a "A Walk Across the Rooftops" hoy es comprobar que hay discos que no envejecen porque hablan de emociones estructurales. Soledad, deseo, desencanto, esperanza contenida. Todo eso sigue ahí. Quizá más que nunca.

En una época de sobreproducción, de estímulos constantes, este álbum propone otra forma de escuchar. Pide atención. Pide tiempo. A cambio, ofrece una experiencia profunda, honesta y duradera.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "A Walk Across the Rooftops", este es un buen momento. No lo pongas de fondo. Escúchalo de noche. Con auriculares. Déjalo respirar. Es un disco que no se impone, pero que se queda contigo mucho tiempo después de que termine. Y eso, hoy, es un pequeño milagro.

Video del tema "Tinseltown in the Rain":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1. "A Walk Across the Rooftops" – 4:56
2. "Tinseltown in the Rain" – 5:57
3. "From Rags to Riches" – 5:59

Cara B:

1. "Stay" – 4:57
2. "Easter Parade" – 4:34
3. "Heatwave" – 6:28
4. "Automobile Noise" – 5:08

The Blue Nile

• Paul Buchanan – voz, guitarras, sintetizadores
• Robert Bell – bajo, sintetizadores
• Paul Joseph Moore – teclados, sintetizadores

Personal adicional:

• Calum Malcolm – ingeniero de grabación
• Nigel Thomas – batería

PREFAB SPROUT - Steve McQueen - Album (Revisited)

Aún recuerdo haber escuchado hace mucho tiempo el álbum "Steve McQueen". Era tarde, estaba solo con unos auriculares y sin grandes expectativas, solo la curiosidad que despertaba un nombre que aparecía constantemente en los rincones más tranquilos de las conversaciones musicales. Lo que escuché esa noche me dejó flipado. Había algo inusualmente tierno y profundo en esas canciones, algo que parecía haber sido escrito solo para mí; sigue ocurriendo incluso décadas después de su lanzamiento. He llevado este álbum conmigo desde entonces. Si valoras la composición reflexiva, la honestidad emocional y las melodías que se desarrollan lentamente pero te perduran, creo que podrías terminar llevándolo contigo también. Permitirme recomendarte este disco tan especial.

ALBUM:Steve McQueen 

Si nunca has oído hablar de Prefab Sprout, no estás solo. Para muchos fuera de Gran Bretaña, el nombre evoca una simple bolsa de verduras congeladas. Pero tras ese peculiar apodo se esconde una de las bandas más cultas, melódicas y discretamente influyentes de la década de 1980. Su álbum de 1985, "Steve McQueen", o "Two Wheels Good", como se re-tituló en Estados Unidos debido a problemas legales con el patrimonio del actor, es una obra de una sofisticación excepcional y una sutil fuerza emocional.

Descubrí este disco por primera vez mientras exploraba bandas del pop británico menos conocido. Esperaba algo encantadoramente desconocido. En cambio, encontré algo discretamente magnífico. "Steve McQueen" no es solo una joya escondida, es un diamante que se esconde a plena vista.

De Witton Gilbert a un legado:

Los orígenes de Prefab Sprout son de lo más humildes posible. El líder Paddy McAloon pasó sus primeros años en el pueblo de Witton Gilbert, cerca de Durham (Reino Unido), absorbiendo novelas policiacas, bandas sonoras de Broadway y cualquier disco extraño que cayera en sus manos. Para cuando la banda se formó a principios de los 80, Paddy ya había escrito docenas de canciones, muchas de las cuales tardarían años en llegar a los oídos de los oyentes.

"Steve McQueen" comenzó a tomar forma tras un momento fortuito en BBC Radio 1. El artista de synth-pop Thomas Dolby participó como invitado en un panel y elogió la canción "Don't Sing" de la banda, de su álbum debut Swoon. Ese apoyo fortuito llevó a Thomas Dolby a producir su segundo álbum, su primer proyecto discográfico completo como productor.

El resultado es una colaboración que elevó a ambas partes. Los arreglos meticulosos y con textura de Dolby dieron espacio a la narrativa poética de McAloon. El álbum se grabó en varios estudios de Londres durante tres meses a finales de 1984, y se nota: cada nota se siente cuidadosamente colocada, cada sonido cuidadosamente pensado.

¿Cómo suena el disco?

Describir "Steve McQueen" es complicado porque se resiste a ser encasillado. En la superficie, es música pop: accesible, melódica, incluso radiofónica en ocasiones. Pero en el fondo, se nutre del country, el jazz, la música lounge e incluso de Broadway. Los exuberantes sintetizadores de Dolby nunca abruman y los coros cristalinos de Wendy Smith le dan al álbum su etérea esencia.

La canción de apertura, "Faron Young", empieza con un toque de guitarras vibrantes y un sintetizador con un toque de banjo que recuerda a la música country, pero no es un pastiche. McAloon usa el contexto para cuestionar la identidad cultural y el gusto musical: "Ofreces infrarrojos en lugar de sol, ofreces cucharas de papel y chicle". Es pegadiza, irónica y completamente original.

Luego llega "Bonny", un lamento melancólico envuelto en una de las melodías más elegantes del álbum. Escrita años antes, su arreglo sobrio —guitarras delicadas, percusión ligera, sintetizador ambiental— deja que el desamor hable por sí solo.

"Appetite", en cambio, es astuta y sensual. Toma su nombre y tema de una niña que nombra a su hijo con el mismo entusiasmo por la vida que ella misma. El estribillo se desliza sobre la voz de Wendy y una línea de bajo vibrante que rezuma una confianza serena. La voz de McAloon es casi coqueta, pero nunca petulante.

El centro emocional: "When Love Breaks Down":

Si "Steve McQueen" tiene una pieza central, es "When Love Breaks Down". Un éxito del Top 30 del Reino Unido, es probablemente la única canción del álbum que los oyentes ocasionales podrían conocer. Y merece ese reconocimiento. A diferencia de algunas canciones sobre rupturas que se hunden en la soledad, esta observa: "Las mentiras que nos decimos solo sirven para engañarnos a nosotros mismos", canta McAloon, reconociendo no solo el dolor, sino también la complicidad.

La producción es exquisita. La versión regrabada por Dolby de la canción elimina el brillo anterior, permitiendo que la línea de sintetizador y la voz se destaquen por sí solas. El efecto es atemporal: no está anclado en los 80, sino que evoca esa época.

Más joyas ocultas:

Goodbye Lucille #1, a veces llamada Johnny Johnny, es una oda agridulce al desamor juvenil. Su estructura, con un llanto en falsete casi al final, parece sacada de un musical del West End. Y lo dice con la mejor intención.

Video del tema "Goodbye Lucille #1":

"Hallelujah" no es la canción de Leonard Cohen que quizás estés pensando, pero está llena de confusión espiritual y brillantez lírica. "Las palabras dulces, como los dulces, corroen los dientes" es solo una de las muchas metáforas agudas de McAloon.

Y luego está "Moving the River", un tema surrealista y verboso que salta entre ritmos y estados de ánimo con un toque teatral. Paddy canta sobre la presión, la duda y las expectativas paternales, manteniendo al mismo tiempo la fluidez melódica por la que la mayoría de los compositores morirían.

Incluso temas más ligeros como "Horsin' Around" y "Blueberry Pies" esconden una carga emocional bajo su caprichosa superficie. La primera enmascara la infidelidad con una picardía con influencias jazzísticas. La segunda juega con el tiempo y el tempo como un final de teatro interpretado por fantasmas.

Una despedida con gracia:

El álbum cierra con "When the Angels", un homenaje a Marvin Gaye que deja de lado el sentimentalismo para dar paso a algo mucho más conmovedor. "Cuando los ángeles se llevan la voz angelical", canta Paddy, presentando lo divino como ladrones de belleza. Hay alegría, pero también resistencia, una negativa a lamentar pasivamente.

Por qué Steve McQueen es tan bueno:

Han pasado décadas desde el lanzamiento de "Steve McQueen". En ese tiempo, la música ha cambiado, las listas de éxitos han cambiado y la forma en que escuchamos ha cambiado. Pero este álbum sigue siendo inmediato, personal y vivo. No es nostálgico en el sentido habitual, simplemente nunca dejó de ser relevante.

Escucharlo ahora es un recordatorio de lo que la música pop puede ser cuando se trata como una forma de arte. Puede ser ingeniosa sin ser presumida, hermosa sin ser sentimental y compleja sin ser fría. En una era de algoritmos de streaming y poca capacidad de atención, este disco todavía te recompensa por sentarte y escuchar con atención.

Disco recomendado

Si buscas música que respete tu inteligencia, conmueva tu corazón y te inspire a escucharla repetidamente, te recomiendo "Steve McQueen". Es uno de esos raros álbumes que se siente como un secreto que tienes la suerte de descubrir. Y una vez que lo descubres, se queda contigo. Sigue siendo uno de mis discos favoritos de todos los tiempos.

Video del tema "Bonny":

Tracklist (Original):

1. "Faron Young"  ("Faron" en US edicion) 3:50
2. "Bonny" 3:45
3. "Appetite" 3:56
4. "When Love Breaks Down" (UK y US ediciones tienen diferente mixes) 4:08
5. "Goodbye Lucille #1" ("Johnny Johnny" como single) 4:31
6. "Hallelujah" 4:20
7. "Moving the River" 3:57
8. "Horsin' Around" 4:39
9. "Desire As" 5:19
10. "Blueberry Pies" 2:24
11. "When the Angels" 4:29

Prefab Sprout:

• Paddy McAloon – guitarra, teclados, voz
• Martin McAloon – bajo
• Wendy Smith – teclados, coros
• Neil Conti – batería, percusión

Personal adicional:

Kevin Armstrong – guitarra (pistas 6 y 9)

Thomas Dolby - productor

THE LOTUS EATERS - Silentspace - Album

Soy un gran fan de la banda británica de new wave pop, "The Lotus Eaters". Su álbum debut "No Sense of Sin" (1984) es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos y lo escucho regularmente. Todavía tienen una gran base de fans en países como Francia, Italia, Bélgica y España. Este blog tiene lectores que visitan regularmente desde estos países y por eso quiere destacar un segundo álbum, menos conocido, titulado "Silentspace" que apareció después de un silencio de 17 años.
 

ALBUM: Silentspace

Fecha de publicación 2001. 

"The Lotus Eaters" regresaron de una larga hibernación con un segundo álbum titulado "Silentspace" después de 17 años. El grupo ha envejecido como el buen vino y suena muy bien. Las guitarras resonantes de Jeremy Kelly aún reflejan su sonido clásico de principios de los 80, mientras que la voz romántica de Peter Coyle no ha perdido nada de su suave belleza. Desde la primera nota de "Silentspace", somos catapultados hacia la nostalgia y al pasado. En mi caso, saltan muchos recuerdos de la adolescencia.

Grabado en un garaje y producido por Ronnie Stone - quien ayudó a remasterizar 'No Sense Of Sin' - el sonido lo-fi solo mejora la intimidad requerida para hacer que las canciones suenen únicas. En "Silentspace", The Lotus Eaters conservan el sonido simplificado de sus primeros trabajos, pero lo actualizan con toques sutiles de electrónica y trip-hop. En el tema "Feel It", los sintetizadores pulsantes están detrás de las voces de Coyle y "Saree Williams". Además "The Lotus Eaters" nunca antes habían usado una cantante, y la adición de William sube el nivel.

Mientras que "Sara" es retro, The Lotus Eaters son impresionantes cuando intentan usar ritmos de trip-hop en "Face of the Century" o psicodelia en "Lost in Flow". En general, el álbum es variado y consistente. The Lotus Eaters logran mantener su originalidad, mientras que todas las melodías son delicadas y musicalmente sofisticadas. Los fans acérrimos - incluido yo mismo - estarán encantados.

Canciones destacadas: "Can Your Kisses Fly", "Steroevision", "Feel It", "Face of the Century", "Sara"... 

No es como el primer álbum "No Sense of Sin", es imposible mejorarlo, pero si un disco recomendado. Dicho esto, puede ser difícil para algunos - especialmente si nunca has escuchado "The Lotus Eaters" - conectar al principio, pero es casi imposible soltar después de varias escuchas. Son 11 canciones de hermosas melodías, hermosas voces y una calma y serenidad que son difíciles de encontrar últimamente. Refuerza (lo hará con los fans) la idea que la magia inocente de la banda sigue siendo vigente y maravillosa.

Video del tema "Feel It":

Tracklist:

1.Bodywave
2.Feel It
3.Stay Free
4.Can Your Kisses Fly
5.Lost in Flow
6.Sara
7.Face of the Century
8.Minimal Emotion
9.Stereovision
10.Come Together
11.State of Mind

SQUEEZE - Argybargy - Album

Squeeze (Banda)

Grupo de rock inglés que saltó a la fama durante el período del "new wave" de finales de la década de 1970 y continuó grabando en las décadas de 1980, 1990 y 2010. 

Squeeze proporcionó uno de los vínculos entre el pop de guitarra británico y el post-punk. Inspirándose en The Beatles y The Kinks, Squeeze fue el vehículo para la composición de canciones de Chris Difford y Glenn Tilbrook, quienes fueron aclamados como los herederos del trono de Lennon y McCartney durante su apogeo a principios de los 80. Estilísticamente, la banda se ha caracterizado por ser new wave, post-punk y power pop.

Formada en Londres en 1974, la banda ha pasado por varias reencarnaciones. Primero se separaron en 1982, luego se reformaron en 1985 y se disolvieron nuevamente en 1999. La banda se reunió para realizar giras por los Estados Unidos y el Reino Unido en 2007. En 2010, lanzaron "Spot the Difference", un álbum de versiones recién grabadas de material más antiguo. El primer álbum de la banda con material completamente nuevo desde 1998, "Cradle to the Grave", fue lanzado en octubre de 2015, seguido de otro álbum, "The Knowledge", en octubre de 2017.

Una breve historia:

Los miembros fundadores fueron Chris Difford (guitarra, voz y letra) y Glenn Tilbrook (voz, guitarra y música). Difford y Tilbrook comenzaron a escribir canciones juntos y pronto agregaron a Jools Holland (teclados) y Paul Gunn (batería) para formar una banda. El grupo actuó bajo varios nombres, "Captain Trundlow's Sky Company" o "Skyco", antes de seleccionar el nombre de la banda "Squeeze" como un tributo gracioso al álbum Squeeze de 1973 de Velvet Underground, a menudo ridiculizado. Gilson Lavis reemplazó a Gunn en la batería y Harry Kakoulli se unió al bajo en 1975.

El primer EP de Squeeze y la mayor parte de su álbum debut homónimo (1978) fueron producidos por John Cale (Velvet Underground). 

Discografía hasta ahora:

• Squeeze (1978)
• Cool for Cats (1979)
• Argybargy (1980)
• East Side Story (1981)
• Sweets from a Stranger (1982)
• Difford & Tilbrook (1984)
• Cosi Fan Tutti Frutti (1985)
• Babylon and On (1987)
• Frank (1989)
• Play (1991)
• Some Fantastic Place (1993)
• Ridiculous (1995)
• Domino (1998)
• Spot the Difference (2010)
• Cradle to the Grave (2015)
• The Knowledge (2017)

Squeeze ha sido citado como una influencia por varias bandas y artistas. El guitarrista de Blur, Graham Coxon, los llamó una "banda increíble" y nombró la voz de Tilbrook como "una de mis voces favoritas para cantar en inglés". Otras que han nombrado a Squeeze como una influencia incluyen American Hi-Fi, Kasabian, The Killers y Razorlight.

Mis dos álbumes favoritos del grupo son "Cool for Cats" y "Argybargy". Cualquiera de los dos es una gran escucha, sin embargo, para calidad, "Argybargy" es mejor con la banda en la cima de sus poderes creativos.

ALBUM: Argybargy

Tercer álbum publicado en febrero de 1980. Argybargy fue un éxito comercial y de crítica, alcanzando el #32 en el Reino Unido y convirtiéndose en el primer álbum de Squeeze en las listas de Estados Unidos. Desde entonces, el álbum ha sido reconocido como un clásico de new wave. Este álbum también consolidó la asociación y la composición de canciones de Chris Difford y Glenn Tilbrook, y es el avance indiscutible sobre los dos discos anteriores.

Argybargy no se queda en un solo lugar; es inquieto y lleno de colores, con juego de palabras muy inteligente y narrativas magníficas. Ningún otro disco de Squeeze realmente se acerca a igualar la sólida producción, composición, letras e instrumentación con el nivel justo de vanguardia en la forma en que lo hace este.

Para este álbum, Squeeze trajo de vuelta al productor John Wood (Fairport Convention, John Martyn, Cat Stevens, Nick Drake, Pink Floyd, Nico...) Tras su lanzamiento, recibió un sinfín de elogios de la prensa musical y salieron dos de los singles más icónicos de la banda hasta la fecha, específicamente "Another Nail in My Heart" y "Pulling Mussels (From the Shell)". La divertida "Pulling Mussels (From the Shell)" presenta la inolvidable e inteligente letra de observación de Chris Difford. "Separate Beds" es un tema más lento que captura la incomodidad de la adolescencia. "Farfisa Beat" es un sólido tema con un memorable riff de guitarra de rock 'n' roll. Puede que "Here Comes That Feeling" no sea una de las pistas más fuertes de este disco, pero en realidad mola por la voz principal de Chris Difford. "Vicky Verky" es otro punto culminante de una canción bien escrita sobre el amor adolescente. "If I Didn't Love You" presenta una letra sincera y familiar sobre las muchas pruebas y tribulaciones que enfrentan los amantes. En resumen, historias universales donde todos nos podemos ver reflejados, cantados con un sentido de humor e inteligencia arropado por música pegadiza.

Un disco recomendado. Este disco es el mayor logro de Squeeze, se escucha una banda en su apogeo. Está claro que el grupo estaba en la cima entre las formaciones del new wave.

Término, permítame también compartir contigo algo más; este es mi álbum favorito de Squeeze, pero mi single favorito es "Cool for Cats" (del álbum anterior). También escucha esta última canción, si ya no la conoces.

Video del tema "Pulling Mussels (from the Shell)":

Tracklist (formato LP vinilo):

Cara A:

1.         "Pulling Mussels (from the Shell)"     3:58
2.         "Another Nail in My Heart"   2:56
3.         "Separate Beds"         3:21
4.         "Misadventure"          2:56
5.         "I Think I'm Go Go"  4:18

Cara B:

1.         "Farfisa Beat"            2:57
2.         "Here Comes That Feeling"              2:12
3.         "Vicky Verky"                       3:12
4.         "If I Didn't Love You"                     4:11
5.         "Wrong Side of the Moon"                2:25
6.         "There at the Top"  3:46

FELT - Forever Breathes the Lonely Word - Album

FELT

Banda britanica (Birmingham) de "INDIE-POP" formado en 1979 por el carismático lider Lawrence que duró hasta 1989. Lawrence tenía un objetivo muy claro, publicar diez álbumes y 10 singles en 10 años, y así fue, en 1989 Lawrence anuncia el fin de FELT. Tenían ambición, querían ser la mejor banda de "Indie-Pop" Británica jamás. La banda rotaba básicamente alrededor de Lawrence el cantante y compositor que ejercía una fuerza gravitatoria sobre su espacio.

Lawrence se juntó con su amigo de escuela Nick Gilbert (batería y bajo) y músico de su ciudad Maurice Deebank (guitarrista) para comenzar el camino en serio en 1980 como trío. Pronto se dieron cuenta que necesitaban un bajista y Gilbert cambió al bajo y incorporaron a Tony Race (batería). Irían saliendo miembros e incorporándose más integrantes durante los 10 años de actividad: Mick Lloyd (reemplaza a Gilbert), Deebank se va en 1986, entra Martin Duffy (teclista) ...etc y etc..

Influenciados (obsesionados) por la banda Neoyorquina TELEVISION, Lou Reed y de las bandas underground británicos confeccionaron un sonido de "guitarra-campanitas", de estructuras minimalistas fusionado con hermosas melodías comerciales dando a la luz auténticas joyas de canciones "guitar-pop". Lawrence sobre el escenario combinaba una tímida apariencia con una intensidad intelectual feroz; su autoproclamada filosofía de "nuevo puritano" expone evitar el consumo de alcohol, tabaco y drogas a contrapelo de la mayoría de la escena musical británica. Estaban todos los ingredientes en su sitio para dominar el mundo del Pop, incluso sobrepasar a THE SMITHS, pero nunca ocurrió. El sueño y las ambiciones de Lawrence y de FELT se quedaron cortos recordados ahora como una banda de culto, de hermosos discos y con un inmenso talento.

El  momento cumbre de Felt y de más éxito fue con el cuarto álbum "Ignite the Seven Cannons" donde se encontraba el "HIT" y el Nº1 de las listas Alternativa del UK, la canción "Primitive Painters" con la colaboración de Elizabeth Fraser de Cocteau Twins. Mucha gente se engancharon a FELT gracias a este tema y futuras bandas como Belle and Sebastian, The Charlatans, Manic Street Preachers...comentaron que FELT fueron una gran influencia sobre ellos.

Hay "teorías" porque FELT se quedaron cortos de la meta. El primero es los choques de egos entre tanto artista (Lawrence, Deebank, Duffy...) , había una alta rotación de miembros y los cambios afectó el sonido y la propuesta musical siendo quizás percibidos como "volantazos bruscos". También existe la idea que FELT fueron una banda adelantados a sus tiempos, o así lo ha expresado el lider Lawrence en alguna que otra entrevista. Se veían como una banda abriendo camino para las otras nuevas y aspirando bandas enterando en la década de los 90 (Siglo XX) para dar nacimiento al "Brit Pop". El debate sigue abierto.

En 1989 despues de 10 años, se anuncia el fin de FELT. Aqui esta su discografia:

• Crumbling the Antiseptic Beauty (1982)
• The Splendour of Fear (1984)
• The Strange Idols Pattern and Other Short Stories (1984)
• Ignite the Seven Cannons (1985)
• Let the Snakes Crinkle Their Heads to Death (1986)
• Forever Breathes the Lonely Word (1986)
• Poem of the River (1987)
• The Pictorial Jackson Review (1988)
• Train Above the City (1988)
• Me and a Monkey on the Moon (1989).

Como es habitual existe debate entre fans de cual es el mejor álbum de FELT. Muchos por su canción "bandera" y de más éxito "Primitive Painters" citan "Ignite the Seven Cannons" de 1985. Yo me inclino más por "Forever Breathes the Lonely Word" de 1986 y voy enfocar en ello aqui como un trabajo para recomendar.

Album: "Forever Breathes the Lonely Word"

Sexto álbum de estudio publicado en 1986, el primer disco de FELT sin canciones instrumentales, sin guitarrista Deebank y con portada del teclista Martin Duffy, algo curioso ya que Lawrence era el indiscutible lider de la banda. No obstante, Duffy sería un elemento clave para este álbum, sus teclados toman el primer plano en un cambio de dirección musical, mientras Lawrence entrega una gran obra de música.

Todo de este álbum es más coherent, trabajado y más alegre, la producción es exquisito. Cada músico exponen su arte y lo eleva a otro nivel, Duffy es genial con los teclados, Lawrence sorprende lo bien que toca la guitarra y sin Deebank, las melodías flotan y las composiciones son elaboradas y desarrolladas. Todo esto hace que el álbum se sostiene de principio a fin, no se cae en ningún momento, algo meritorio para longplays. Un viaje sonoro hermoso donde deseas que nunca acabe. FELT suena tranquilos y muy cómodos relativo a otros discos y el resultado se nota. Un total de 31 minutos y 8 temas donde encuentras todo que es FELT.

Algunos temas estrellas son "Rain of Crystal Spires", "Down But Not Yet Out", "September Lady" y "All The People I Like Are Those That Are Dead"...aunque el álbum es casi perfecto. Para mi es el disco recomendado para alguien que quiere conocer esta banda y engancharse a primeras. Para aquellos ya familiarizados con FELT es la excusa para volver en el tiempo y disfrutar de media hora de gloria "Indie-Pop". Hagámoslo, disfrutemos.

DISCO RECOMENDADO

El video de la canción "Down But Not Yet Out" del álbum "Forever Breathes the Lonely Word":

Tracklist:

1. "Rain of Crystal Spires" 3:54

2. "Down But Not Yet Out" 3:37

3. "September Lady" 3:44

4. "Grey Streets" 3:46

5. "All the People I Like Are Those That Are Dead" 5:10

6. "Gather Up Your Wings and Fly" 3:54

7. "A Wave Crashed on Rocks" 2:54

8. "Hours of Darkness Have Changed My Mind" 4:46

CITIZENS | Todo Fibra

Están muchos, los "entendidos", que no cagan. La razon no es que les falta fibre en su dieta, es porque acaban de descubrir a CITIZENS y su debut disco "Here We Are", trabajo que ya lleva un tiempo en la calle pero ahora es cuando nos llega el "boca a oreja".

Los que lo hacen  "lo más de lo más" es que son producidos por Alex Kapranos de Franz Ferdinand, y el sonido de estos Londinenses es muy Franz. Obvio ¿no?

No cabe duda que el angulo "Franz" les da mucho marketing, el sonido es divertido y mola hasta un cierto punto y número de escuchas. Yo mismo me excite en su momento y después me di cuenta que hay algo de "hype" en todo, y que hay mucha fibra en estos artistas. Terminas cagandolo facilmente para moverte a otras cosas. Entiendo porque algunos estan musicalmente "estreñidos",  pero mastica bien y ya veras.

 

CITIZENS! | Horteras Creando Tendencia

Cuando los escuche por primera vez me parecían unos "clones" de Franz Ferdinand en plan hortera. CITIZENS! - nombre de esta banda - están de moda en Gran Bretaña y llenando paginas ( y blogs ) de los medios especializados.

Necesitas escucharlo un para de veces para que comience a entrar en el  "coco"  (cabeza) y empezar a gustar. Es - y son - pegadizos, tienen un rollo "kish" y parecen tan anticuados que lo hacen moderno y de tendencia. Ya sabes lo que dicen los expertos de moda, todo vuelve a ser "cool" y estos tíos lo tienen claro como recuperar aspectos del pasado.

Vamos a tomar nota de ellos y mantener un ojo en su progresión. Disco estará en la calle en breve,  si no esta ya.

NOEL GALLAGHER | "High Flying Birds" | Libertad

La pre-promoción del nuevo disco de NOEL GALLAGHER titulado “High Flying Birds” fue de más interés que el lanzamiento de este nuevo trabajo libre de "Oasis". La multitudinaria rueda de prensa donde Noel nos habló de la “violenta” relación con su hermano Liam y las razones – también violentas” de la ruptura de Oasis captómás la atención hace un mes.

Dicho esto, el disco no esta mal si te gusta la música de Oasis. Guste o no guste al Sr. Noel Gallagher no puede deshacerse del “muerto”. Lo que si escucho en este disco es un reencuentro muy bueno con la composición y la letra, pero Noel siempre fue y es el maestro en esta área. Lo más grande de este álbum es la colaboración de un miembro de la banda inglesa THE SAND BAND (muy recomendado) donde puedes escuchar perfectamente su "toque" por el sonido "slide" de las guitarras.

Creo que existe una cierta “liberación” que irradia este disco y esto es muy positivo.

Lo que si comento Noel en rueda de prensa es que hay OTRO disco ya terminado con la colaboración de los genios (pioneros) ingleses de la electrónica “Amorphous Androgynous” or mejor conocidos como “The Future Sound of London”. Esto si que es noticia y más interesante que ya crea “hambre” para saber y poder escuchar más. Tengo entendido que esta previsto para principios del 2012. Esperare un poquito más entonces.

PLAN B | We Have Lift-Off...

 

 No todo lo controla Amy Winehouse en el apartado del “Neo British Soul”. Ahora nos sale un “clone”, la versión masculina y blanca, para pelear por el titulo. El producto perfecto para reemplazar la “original” que no para de arruinar su vida y que empieza a cansar al publico. PLAN B no nos aparece de la nada; es un londinense y conocido como un artista ya consolidado del Rap Británico que causalmente canta como la ostia. También su faceta de actor le ha ayudado darle notoriedad y un empujón mediática para su carrera de artista de música.

  Lanza su segundo álbum titulado “The Defamation of Strickland Banks” donde se premia su voz cantante sobre su talento rapero, ya que existe un hueco “jugoso” y “exitoso” para llevarse el trono de Winehouse en el mercado “young-adult”. La "idea" es dar el salto hacia lo comercial y hacia una audiencia más amplio para posiblemente hincharse de dinero, fama y conciertos. Y es que el tío se lo merece. Gran disco, gran voz, buena mezcla de estilos y un look cuidado y construido que le llevara a lo mas alto del British Pop, Europa y medio mundo.

GENE: El Talento Fracasado

Primero hacerme el favor, ver este video y escucha el tema:



Son cuatro tíos estupendos, simpáticos y muy educados desde Londres que se llaman GENE. Y lo digo porque tuve el placer de traerlos en 1997 para promocionar el tercer álbum “Drawn In The Deep”, precisamente donde se encuentra la canción del video.

Un grupo que pudieron ser todo y no lo fueron, cosa que aun hoy me tiene sin respuesta. Quizás la similitud con “The Smiths”, en concreto con Morrisey por el tono del cantante Martin Rossiter, despisto la peña, no lo se!

Sacaron siete discos (originales) antes de llamarlo un día en 2004, siendo el debut Olympian (1995) y este mismo del post los que más llamaron la atención. Eran músicos de calidad, grandes compositores con mucho talento y me da a mí la sensación que decidieron terminar el grupo con cierta desilusión por no haber llegado más lejos. Ya se sabe, a veces ( muchas veces) no basta con talento solo para ser un éxito.

Si te ha gustado la canción del video toma unos momentos y investiga su otro material disponible por la red, te puede sorprender gratamente.

KEANE (Banda)

El álbum debut de KEANE titulado “Hopes & Fears” (2004) sin lugar a dudas fue un grandísimo disco puramente desde el punto de vista de sus canciones, la estructura, el impacto novedoso y composición. Todo que lo rodeo posteriormente a su lanzamiento si copiaban sus contemporáneos Coldplay y si no utilizaban guitarras eléctricas eran “slogans” para venderte la moto. Que más da, lo importante era si te llegaba al “alma”, si la letra conectaba con tus experiencias y finalmente si te hacia más llevadero el día y una vida cada vez más difícil de contener y descifrar ¿No? Me apetece hoy mucho recuperar su memoria, escuchar y ilustrar un tema que me gusta mucho de ellos. No es de “Hopes & Fears”, para eso estoy seguro que ya conoces todas las canciones; es de su segundo disco “Under The Iron Sea” un trabajo relativamente menos impactante aunque también bueno.

¿Que están hacienda estos chicos ahora ? Pregunta interesante, que me lleva a descubrir que después de unos problemillas de salud con el cantante, vuelven a componer y se estima nuevo material para mediados del 2010.  Va ser interesante ver su evolución.

ATHLETE - "Black Swan": Recomendado

Son de Londres (UK) y se llaman ATHLETE. Tuve el autentico privilegio de trabajar su primer disco “Vehicles and Animals” (2003) y así conocer a los chicos durante su concierto en La Riviera (Madrid). Buena gente, humildes, concentrados en lo que hacen y sin ninguna aura de estrella, y su directo es magnifico. Si hay un grupo que se merece triunfar son estos chicos, unos currantes natos y simpáticos.

Desde entonces han crecido y llevan otros tres discos, el último siendo “Black Swan”, que francamente es una maravilla de trabajo. Intimo, delicado y lleno de fuera donde demuestran una exquisita madurez. Aunque me tira emocionalmente su primer disco, el ya mencionando, el nuevo se queda muy cerca y lo recomiendo a todo que quiera escuchar algo de calidad este año.

Hay más de 10 temas (incluyendo los bonus tracks), pero pongo el video de este corte que me gusta. Una nota extra, el disco es más "up-beat" que es ejemplo que eligo aquí...

The Joy Formidable - Buscadlo

Son un trío Gales que se llaman THE JOY FORMIDABLE, ahora afincados en la ciudad de Londres (UK). Su debut álbum “A Ballon Called Moaning” salio al principio del 2009 y no lo preste mucha atención hasta que la revista británica NME nos anima a todos de no olvidarlos.

He recuperado el disco, y tiene razón. A mi me gustan y mucho, te animo mirar por la web y hacerte con el disco. Quizás te guste...

Wild Beasts | Two Dancers: Camino Hacia La Grandeza

Son ingleses, llevan solo dos discos y se llaman WILD BEASTS. Pero es con el ultimo álbum donde llaman la atención y dan el salto definitivo al “más allá” (tipo “Buzz Lightyear” de Toy Story). Se diferencian por la voz “falsete” de su cantante Hayden Thorpe que recuerda algo al "moña" Mika y arropa un pop espléndido y contagioso que da a la música de la temporada 2009 un aire fresco que se agradece.

El álbum de la conmoción es “Two Dancers” que salió este año en Enero y tiene a toda la crítica que no pueden mear, y razón hay. Yo personalmente lo he notado en mi lista de ÁLBUMES DEL AÑO para 2009, así de impresionante estoy con el trabajo de estos cuatro chicos de Kendal (Inglaterra). Dicho de otra forma son la ostia, y si quieres investigar hay su página “Myspace” y material circulando por la Web.

Te dejo con su actualizada tarjeta de presentación, su nuevo single “Hooting & Howling”, el estribillo es un auténtico “hook”. Van camino de ser grandes, imagino que si hay algún promotor de conciertos que lee este blog, yo si tu los ficharía YA antes que te los quiten otros... (te mando un saludo!)

Ian Brown Vuelve Con "My Way" - "Stellify" Un Adelanto

IAN BROWN el “Principe” del British pop y ex cantante de Stone Roses, vuelve con un nuevo álbum titulado “My Way” previsto para el 21 de Septiembre. Aquí su single “Stellify” donde vemos un “castigado” Brown por su ciudad de Manchester...

  

Artic Monkeys: Video de "A View From The Afternoon"

¿Que te cuento sobre los Artic Monkeys que ya no sepas? Nada. Que son unos de los pioneros británicos en ver la Web como oportunidad y instrumento de promoción y comunicación aparte de los métodos tradiciones, que su debut álbum fue – si sigue – el que más copias vendió en su salida de la historia de UK y finalmente que arrasaron los premios Mercury y los Brits para ser ahora uno de los grupos punteros mundiales de la ola “indie-punk”. Todo cierto y personalmente me estimuló mucho su disco debut “Whatever People Say I Am, That's What I'm Not” - portada abajo - el cual considero su mejor trabajo hasta el día de hoy.

Me comentan los colegas que ya tiene un nuevo álbum para este Agosto, pero independientemente, utilizo todo este preámbulo para dar entrada a la razón de este post; un video suyos del tema “A View From The Afternoon” del ya mencionado álbum.

Me fascina este clip, la idea, el montaje y el tío ahí solo con la batería en la calle día y noche. La energía, la rabia representativa de la juventud británica desfavorecida y ese mensaje sublime de resistir siguiendo adelante contra toda adversidad – humana y sistemática. Eso es chaval, seguir tus sueño, hacer lo que realmente amas hasta el final - mi interpretation. Gran juego de conceptos y mensajes que acompaña perfectamente lo que es una buen canción que nos sitúa en el camino correcto – siendo el primer corte – para un fantástico álbum lleno de más espléndidas canciones posterior.

Cuelgo el clip, mola mucho, tanto que es imprescindible en la era de "YouTube", "MySpace"...etc tener algo llamativo y diferenciador si quieres ir viral.

The Yeah Yous. Pop Al Estilo "Take That"

¿Has tenido ya tus 15 minutos de fama? “The Yeah Yous”, con su single 15 Minutes inspirado en Andy Warhol. Una promesa de la música británica del Pop (sonido “Take That”) que sonaran hasta en la sopa en breve, al menos en el UK. 

El Álbum "Definitely Maybe" de Oasis Votado Mejor Álbum Británico de Todos Los Tiempos

Una encuesta hecha por la revista musical “Q” y la cadena británica de tiendas HMV, donde se preguntó al público que consideraban ellos el mejor disco británico de todos los tiempos, da el puesto Nº1 a “Definitely Maybe” de Oasis. Lo que llama la atención es que no solo se lleva el puesto número uno, pero además el puesto número dos con “(Whats the Story) Morning Glory” (siendo su motor el gran tema “Wonderwall”). Obviamente Oasis son profetas en su tierra, y otra curiosidad es ver a Keane con su álbum “Under The Iron Sea” en el Nº 8, cosa que considero particularmente una sobre valoración visto en que “compañía” se encuentra.

Interesante ver grupos relativamente “jóvenes” en el Top 10 como Keane, The Stone Roses, The Verve y Radiohead, quizás demuestra el “target” de los lectores de “Q” Magazine y la edad de los compradores de HMV tiendas. Ya sabemos, que encuestas de estas características son muy subjetivos y impulsores de gran debates. En fin, es una noticia curiosa, y todos menos Keane (opinión mía) grandes álbumes y merecedores de estar en dicha lista.

Top 101. Definitely Maybe - Oasis
2. (What's the Story) Morning Glory - Oasis
3. OK Computer - Radiohead
4. Revolver - The Beatles
5. Stone Roses - Stone Roses
6. Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band - Beatles
7. London Calling - The Clash
8. Under the Iron Sea - Keane
9. Dark Side of the Moon - Pink Floyd
10. Urban Hymns - The Verve.

("Live Forever" - tema del álbum "Definitely Maybe" de Oasis)