THE CHURCH - Heyday - Album

ALBUM: Heyday

Este álbum de la banda australiana "The Church" merece ser redescubierto por una nueva generación de jóvenes (y no tan jóvenes). Es una joya del jangle-rock pop, con melodías escalofriantes y un increíble trabajo de guitarra y percusión. Todavía resiste la prueba del tiempo alcanzando el estatus de ser una obra universal.

El álbum "Heyday" es el cuarto publicado en noviembre de 1985. El disco marcó la primera ocasión en que las composiciones grupales dominaron uno de los lanzamientos de la banda. También es uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos de "The Church", junto con "Starfish" y algunos otros sobres los que ya he escrito aquí. El apogeo está literalmente envuelto en exuberancia y lleno de riqueza donde brillan las melodías, junto con la voz única de Steve Kilbey que se desliza a lo largo de las ondas tintineantes de las guitarras.

Peter Walsh es el productor (Peter Gabriel, China Crisis, Gene Loves Jezebel, Simple Minds …etc.), y la banda crea uno de sus mejores discos. "Heyday" también contiene los últimos restos del sonido de "The Church" más primitiva antes de que los movimientos y cambios internos llevaran a la banda a un breve período de estatus de celebridad con el disco "Starfish". Después de esto, la banda hizo un cambio calculado alejándose de sus comienzos post-punk y nunca miró hacia atrás, con algo de éxito y con algunos fracasos.

Solo la primera cara de este disco casi se lee como una colección de grandes éxitos, con una canción maravillosa siguiendo a la otra. "Myrrh", comienza con una cuidadosa construcción de guitarra que explota hacia el misticismo, "When You Were Mine" tiene un toque de estribillo extraño y maravilloso, "Tristesse" comienza con una línea de guitarra juguetona antes de pasar a otro número de "dream" de ritmo medio, "Already Yesterday", con su excelente coro de bajo perfil, el dramático "Columbus" y el suave instrumento de cuerdas tocadas "Happy Hunting Ground" continúa el estado de ánimo, todos momentos encantadores tras otro.

La segunda cara comienza con una canción monstruosa, "Tantalized", fácilmente uno de los temas más agresivos y directos de la banda. Con vientos y campanas que se suman a la sensación apresurada, Steve Kilbey ofrece versos cantados rápidamente, la música continúa volando mientras Willson-Piper y Koppes se compaginan en un brillante trabajo de guitarra. Agregue a eso más orquestaciones de cuerdas y vientos en canciones como "Youth Worshipper" y "Night of Light", y "Heyday" es un trabajo de pura clase.

Además, la atmósfera de este disco evoca sentimientos de psicodelia. El baterista Richard Ploog presenta su mejor actuación aquí. Ploog ofrece una versión perfecta en el tiempo de ritmos post-punk constantes y una sensación casi orquestal. También hay una buena cantidad de letras místicas y un trabajo de guitarras brillante a lo largo de todo el álbum. ¡Simplemente mágico!

Aquí hay para mí algunas canciones estelares: "Myrrh", "Tantalized", "Tristesse", "Night of Light", "Already Yesterday" y "Columbus". En general todo suena genial.

Resumiendo, de principio a fin, una propuesta psicodélica deslumbrante, aguda, tintineante y perfumada. Las melodías y las interpretaciones de este álbum están optimizadas a una absoluta perfección pop-rock. En este disco, "The Church" hace que sus remuneraciones sobre la vida, el amor y la filosofía suenen positivamente, universalmente atractivos. Es un disco soberbio. Un disco absolutamente clásico que se ha vuelto atemporal.

Disco recomendado

No es de extrañar que el siguiente álbum, "Starfish", fuera el mayor éxito comercial, la banda había salido de "Heyday" y estaban alcanzando su punto máximo de sus poderes musicales colectivos. Por último, puedes preguntarte, ¿por qué "The Church" no fueron más grandes, mega-estrellas? Un misterio total para mí. Sin embargo, este álbum es un testimonio de su innegable talento.

Un 5/5 ★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Myrrh":

Tracklist (formato vinilo):

Cara A:

1."Myrrh" - 4:19
2."Tristesse" - 3:29
3."Already Yesterday" - 4:14
4."Columbus" - 3:50
5."Happy Hunting Ground" - 5:31
6."As You Will"  - 4:44

Cara B:

1."Tantalized" - 4:59
2."Disenchanted"  - 3:55
3."Night Of Light" - 4:47
4."Youth Worshipper"  - 3:43
5."Roman" - 3:51
6."The View"  - 3:44
7."Trance Ending" - 4:48

Ficha técnica:

• Steve Kilbey: voz, bajo, letras, arreglos de cuerdas, arreglos de trompeta,
• Peter Koppes: guitarra, coros
• Marty Willson-Piper: guitarra, coros
• Richard Ploog: batería, percusión, coros
  
  
• Peter Walsh: productor, ingeniero, arreglos de cuerdas, trompa.

THE CLASH - The Clash - Album

Clasificado como uno de los mejores álbumes de punk rock de todos los tiempos.

The Clash (Álbum 1977)

Los "Sex Pistols" pueden haber sido la primera banda de punk rock británica "comercial", pero "The Clash" fueron la banda de punk rock británica definitiva. Donde los "Sex Pistols" eran nihilistas, "The Clash" eran fogosos e idealistas, cargados de rectitud y una ideología política de izquierda. Desde el principio, "The Clash" fue musicalmente más aventurero, expandiendo su "hard" rock & roll con reggae, dub y rockabilly, entre otras músicas. Además, fueron bendecidos con dos compositores excepcionales en Joe Strummer y Mick Jones, cada uno con una voz y estilo distintivos.

"The Clash" es el álbum debut publicado el 8 de abril de 1977. Escrito y grabado durante tres semanas en febrero de 1977 por solo 4.000 libras esterlinas, llegaría al #12 en las listas del Reino Unido y se ha mencionado como uno de los mejores álbumes de punk de todos los tiempos. El álbum presenta a Jones y Strummer compartiendo tareas de guitarra y voz, con Paul Simonon en el bajo y Terry Chimes en la batería.

El género punk fue catapultado al "mainstream" por el aparente revolucionario disco "Never Mind the Bollocks" de "Sex Pistol", pero este álbum debut de "The Clash" fue la verdadera esencia del punk: pura rabia y furia callejera sin adulterar y alimentada por la pasión, tanto para el rock & roll como para la revolución.

Sumado a esto, "The Clash" rompió el pensamiento "romántico" de la época en que las bandas de punk no sabían tocar, el hecho era que sí sabían tocar sus instrumentos. Los ritmos cargados e implacables, los primitivos impulsores de potencia de tres acordes, le dan a este álbum debut una energía nerviosa y vital. La música rock & roll rara vez es tan vanguardista, vigorizante y sónicamente revolucionaria como en este álbum. El disco apesta a juventud y sudor, mientras que la banda está unida y todos y cada uno de los miembros muestran su talento.

Este álbum fue, y más ahora, memorable. Los gemidos vocales de Joe Strummer complementan el rock vanguardista, mientras que el canto más claro de Mick Jones y los descansos cargados de guitarra hacen que sus canciones sean ahora himnos. Incluso en esta etapa inicial, "The Clash" estaba experimentando con el reggae, sobre todo en la versión de Junior Murvin "Police & Thieves" y la magnífica "White Man) In Hammersmith Palais". Pocas canciones punk expresaron la ira con tanta fuerza como "White Riot", "I'm So Bored with the U.S.A.", "Career Opportunities" y "London' s Burning", y su poder colectivo es aún mayor hoy en día.

La portada del álbum fue diseñada por el artista polaco Rosław Szaybo. La foto de portada del álbum, tomada por Kate Simon, fue tomada en el callejón justo enfrente de la puerta principal del edificio "Rehearsal Rehearsals" de la banda en Camden Market. El baterista Terry Chimes, aunque era miembro de pleno derecho de The Clash en ese momento, no apareció en la imagen porque ya había decidido dejar el grupo. La foto de los policías que cargan en la contraportada, fue tomada por Rocco Macauly durante los disturbios de 1976 en el Carnaval de Notting Hill, la inspiración para la canción "White Riot".

En resumen, un disco recomendado. La banda llegaría a grabar álbumes más grandes y exitosos, siendo el disco "London Calling" el caso obvio, pero este debut permanece en el corazón de lo que los convirtió en lo que eran. Este es un disco esencial para cualquier fan del punk rock, ahora un clásico y una pieza musical de la historia del rock.

Video del tema "White Riot":

Tracklist (la versión de vinilo original para Reino Unido):

Cara A:

1.         "Janie Jones"                          2:03
2.         "Remote Control"                  Jones, Strummer         3:00
3.         "I'm So Bored with the USA"                                  2:25
4.         "White Riot"                          1:56
5.         "Hate and War"                     Jones, Strummer         2:05
6.         "What's My Name"    Strummer, Jones, Keith Levene   1:40
7.         "Deny"                                   3:03
8.         "London's Burning"                          2:12

Cara B:

1.         "Career Opportunities"         1:52
2.         "Cheat"                                  2:06
3.         "Protex Blue"             Jones   1:42
4.         "Police & Thieves"     Junior Murvin, Lee Perry     6:01
5.         "48 Hours"                             1:34
6.         "Garageland"                         3:12

La versión estadounidense incluye una lista de temas significativamente diferente, cambiando el orden de las pistas e intercambiando varias canciones por pistas que no pertenecen al álbum grabadas en el ínterin. Las pistas eliminadas incluyen "Deny", "Cheat", "Protex Blue", "48 Hours" y "White Riot" (la versión original):

Tracklist (la versión americana):

1.         "Clash City Rockers"            Strummer        3:56
2.         "I'm So Bored with the USA"                      Strummer        2:25
3.         "Remote Control"                  Jones, Strummer         3:00
4.         "Complete Control"               Strummer        3:14
5.         "White Riot"              Strummer        1:59
6.         "(White Man) In Hammersmith Palais"                    Strummer        3:59
7.         "London's Burning"              Strummer        2:12
8.         "I Fought the Law"    Sonny Curtis   Strummer        2:41
9.         "Janie Jones"              Strummer        2:03
10.       "Career Opportunities"                      Strummer        1:52
11.       "What's My Name"    Strummer, Jones, Levene       Strummer        1:40
12.       "Hate & War"            Jones, Strummer         2:05
13.       "Police & Thieves"     Murvin, Perry Strummer        6:01
14.       "Jail Guitar Doors"                Jones   3:05
15.       "Garageland"             Strummer        3:12

ETHEL CAIN - Preacher's Daughter - Album

Debo comenzar por admitir que sabía poco, si no nada, sobre esta cantautora. Escuché su disco debut y fue sorprendente. Hablo de...

Ethel Cain (Cantautora)

 
Se llama Hayden Silas Anhedönia, conocida profesionalmente como Ethel Cain, es una cantautora y artista estadounidense nacida en Tallahassee, Florida y que ahora vive en Enterprise, Alabama.

La música de Ethel Cain trata sobre temas nostálgicos y góticos del sur de los Estados Unidos, como la pobreza, el abuso de sustancias, la violencia doméstica, la muerte y el trauma transgeneracional. Su música está asociada a los géneros ambient, rock alternativo y dream pop.

A mediados de 2017, Cain comenzó a experimentar componiendo temas, grabando y produciendo su propia música inspirada en el canto gregoriano de estilo etéreo. Después de lanzar varios mixtapes y EP en plataformas digitales bajo el nombre de "White Silas", así como en sitios como SoundCloud y Tumblr, adoptó un sonido más alternativo y comenzó a usar el nombre de Ethel Cain a mediados de 2019. Su álbum debut se llama "Preacher’s Daughter".
 

ALBUM: Preacher's Daughter

 
El álbum debut publicado el 12 de mayo de 2022 combina influencias sureñas góticas, góspel y dream pop casi a la perfección, brindando 75 minutos de excelente música. La artista involucra a su alter ego para explorar el trauma religioso, el uso de drogas y una relación de abuso. Si, es fuerte, aunque la forma de expresar musicalmente esa "oscuridad" diluye el impacto.

La verdad es que llegué a este álbum con muy poco o ningún contexto sobre quién era Ethel Cain o que tenía para ofrecer. A lo largo de las 13 canciones, Ethel Cain ofrece una historia completa, crea personajes vívidos, casi tangibles y dirige su propia historia. Este disco es una gran introducción, exhibiendo el dominio de Ethel Cain para la síntesis, para traer elementos de ambient, slow core, rock clásico, sexualidad, violencia y religión al disco.

Todo el álbum contiene elementos muy hermosos de realidades deprimentes e inquietantes sobre ser infeliz. Es claramente un álbum conceptual, una historia contada por una niña que existe en el más allá y refleja su vida anterior después de que uno de sus amantes la asesinara violentamente y la canibalizara. Es una historia inusual sobre la mayoría de edad donde el trauma religioso inflige al personaje principal y resulta en su muerte final. La producción es excepcional, los repentinos y explosivos riffs de guitarra eléctrica y hipnótico piano llevan todo este álbum a un nivel completamente nuevo.

Mi única crítica es que el disco es un pelín largo, podría haber sido más corto y más compacto. Sin embargo, esto no le quita nada al álbum, ni al artista. Sigue siendo un gran álbum.

Disco recomendado

Es un álbum elaborado con talento y creatividad. Es tanto cautivo como traumático. Una experiencia casi cinematográfica totalmente única. Un viaje musical sorprendente y desgarrador. Nunca pensé que cantar sobre estar jodido podría ser tan edificante.

Video del tema "Sun Bleached Files":

Tracklist:

1. Family Tree (Intro) 03:41             
2. American Teenager 04:18 
3. A House in Nebraska 07:46          
4. Western Nights 06:05       
5. Family Tree 07:10 
6. Hard Times 05:03             
7. Thoroughfare 9:27 
8. Gibson Girl 05:42  
9. Ptolemaea   06:23
10.August Underground        03:40  
11.Televangelism 03:03                    
12.Sun Bleached Flies           07:36              
13.Strangers  05.44

FAQs:

Aquí hay algunas preguntas populares que hacen los fans:

¿Por qué Ethel Cain (Hayden Silas Anhedönia) la llama "Ethel Cain"?

Inspirado sobre un personaje en el gótico sureño, las películas de terror y el trauma religioso de la propia educación de Anhedönia

¿Cuál es la temática de este disco?

Es un álbum conceptual que se basa en la vida personal de la artista como hija de un diácono, pero crea una narrativa "centrada en el personaje "Ethel Cain", que huye de casa sólo para encontrar un final espantoso a manos de un psicópata caníbal. Se cuenta la historia las trece canciones.

YOUNG PRISMS - Drifter - Album

Young Prisms (Banda)

El grupo americano se formó en San Francisco a fines de la década de 2000 con una formación compuesta por Jordan Silbert en la batería, Matt Allen en la guitarra y la voz, Stefanie Hodapp en la voz y Giovanni Betteo en el bajo y la voz. Tocan una mezcla de dream-pop, shoegaze, noise-pop y psicodelia. El guitarrista Jason Hendardy de la banda "Permanent Collection" fue una incorporación posterior.

La banda comenzó fuerte con dos álbumes en solo dos años, pero luego decidió dar un paso atrás y centrarse en cosas más mundanas. Hodapp y Betteo se concentraron en formar una familia, mientras que Silbert se mudó a la Costa Este (Nueva York). Inspirados por la viabilidad continua del sonido dream pop-shoegaze del que una vez formaron parte, los cuatro miembros originales de la banda decidieron hacer música nuevamente. En junio del 2020 comenzaron a grabar con el productor Shaun Durkan.

El nuevo álbum, "Drifter", se hizo después de la pausa de la banda de casi una década y se ha publicado recientemente.

Discografía hasta ahora:

• 2011 - Friends for Now
• 2012 - In Between
• 2022 - Drifter
  

ALBUM: Drifter                  

Tercer álbum de 12 canciones publicado el 25 de marzo de 2022 después de 10 años de inactividad. Grabado desde junio de 2020 hasta febrero de 2021 y producido por Shaun Durkan (Weekend, Soft Kill), Drifter es un esfuerzo de colaboración entre todos los miembros que contribuyen con los créditos de composición.

El cuarteto capta el sonido de los dos primeros álbumes, donde la belleza sónica de las guitarras saturadas se encuentra con voces en una suave mezcla de shoegaze y dream pop neblina.

La mayoría de las canciones son melancólicas y murmuradas, con las voces asomándose por detrás de la guitarra. Las bandas de shoegaze han estado haciendo este estilo desde el comienzo del género, y "Young Prisms" son expertos en lograr esa sensación de cautela y cansancio al mismo tiempo. A menudo agregan una pizca de belleza a los procedimientos, lo que evita que canciones como "Above Water" y "Melt Away" sean cantos fúnebres. Tampoco tienen miedo de alejar la tristeza con violencia estudiada ("Violet") o el sugar pop ("Honeydew"), la mejor canción del álbum.

Según la banda, "Drifter" se trata de la experiencia humana y de encontrar un equilibrio entre la emoción y la intensidad del deseo (otra persona, una vida mejor) y las tranquilas recompensas de encontrar la paz en la vida doméstica, cualquiera que sea la forma que adopte.

Disco recomendado. No es un trabajo revolucionario ni cambia el género, pero sí mola para fans del shoegaze americano y del dream-noise pop.

Video del tema "Honeydew":

Tracklist: 

1. Above Water 3:20
2. Yourside 3:59
3. Honeydew 3:49
4. This Time 3:28
5. Violet 3:33
6. If Ever Now 2:27
7. Melt Away 3:04
8. Outside Air 3:51
9. Self Love 3:04
10. Months Ago 0:50
11. Around 3:19
12. Flight 4:53

ANTHONY WILLIAMS - Life Time - Album

Anthony Williams (Baterista de jazz)

 
Anthony (Tony) Williams ganó fama por primera vez en la banda de Miles Davis - "Segundo Gran Quinteto" - y luego fue pionero en la fusión de jazz. Fue un niño prodigio, un genio y algunos críticos lo consideran el mejor baterista (de jazz) de todos los tiempos.

Anthony Williams nació en Chicago pero creció en Boston. Era de ascendencia africana, portuguesa y china. El padre de Williams, saxofonista, llevó a su hijo a clubes que le dieron la oportunidad de sentarse (aprender); a la edad de 11 años, Williams ya mostraba potencial. Tomó clases de Alan Dawson. Durante 1959-1960, Williams tocó a menudo con Sam Rivers y, en diciembre de 1962, el baterista se mudó a Nueva York y tocó regularmente con Jackie McLean. A los pocos meses se unió a Miles Davis, donde su habilidad para implicar el ritmo mientras tocaba con libertad influyó e inspiró a otros músicos; junto a Herbie Hancock y Ron Carter formó parte de una de las grandes secciones rítmicas del jazz. Williams, tenía solo 18 años cuando apareció en el clásico álbum "Out to Lunch" de Eric Dolphy, se quedó con Miles Davis hasta 1969, dirigiendo sus propias sesiones y convirtiéndose en una estrella en el mundo del jazz.

Además de su interés por el jazz de vanguardia, Williams era un amante de la música rock, y cuando dejó a Miles Davis formó la banda de fusión "Lifetime". Después de liderar otras versiones de Lifetime, Williams se dedicó a trabajar por cuenta propia durante un tiempo, estudió composición y estuvo de gira con la banda de Herbie Hancock.

A mediados de los años 80, encabezaba su propio grupo de hard bop que presentaba a Wallace Roney como sustituto de Miles Davis y un repertorio dominado por los originales del baterista. Después de romper su quinteto de mucho tiempo en 1995, Williams tocó un poco con un trío, grabó un conjunto de música original para el sello "Ark 21" y parecía tener un futuro ilimitado.

La muerte de Tony Williams en 1997 de un ataque al corazón después de una cirugía de vesícula tuvo un gran impacto en el mundo del jazz. Williams entró en el "Centro Médico Seton" en Daly City, California, con dolor de estómago. Tres días después, mientras se recuperaba de una operación de vesícula biliar, murió de un infarto. Tenía sólo 51 años.

Anthony (Tony) Williams fue incluido en el Modern Drummer Hall of Fame en 1986.

Discografía como líder/co-líder:

• Life Time (Blue Note, 1965)
• Spring (Blue Note, 1966) – grabado en 1965
• Emergency! (Verve, 1969)
• Turn It Over (Verve, 1970)
• Ego (Polydor, 1971)
• The Old Bum's Rush (Polydor, 1972)
• Believe It (Columbia, 1975)
• Million Dollar Legs (Columbia, 1976) – también en "The Collection"
• The Joy of Flying (Columbia, 1979)
• Play or Die (P.S. Productions, 1980)
• Foreign Intrigue (Blue Note, 1985)

Su debut como líder de una banda "Life Time" es un disco de jazz "imprescindible".

ALBUM: Life Time

El álbum debut fue grabado en 1964 y publicado en enero de 1965. Los músicos destacados incluyen al saxofonista tenor Sam Rivers, el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Herbie Hancock y los bajistas Ron Carter, Gary Peacock y Richard Davis.

Literalmente, es un disco asombroso. Fue la primera grabación completa de Tony Williams como líder, el entonces joven de 18 años ya había estado trabajando con muchos artistas de jazz talentosos e innovadores, incluidos Herbie Hancock, Jackie McLean y Grachan Moncur III; sin mencionar su reciente incorporación al "Segundo Gran Quinteto" de Miles Davis, preparando el escenario para la innovadora fusión de jazz que vendría después.

Escuchando este disco sientes la atmósfera mágica y el uso cuidadoso del "espacio vacío". Percibes cada nota, cada instrumento muy claramente. El enfoque controlado está lejos del free jazz. “Life Time” realmente es un adelantado a su tiempo, o quizás mejor, fuera de tiempo y vanguardista en el sentido original del término. Suena como ningún otro álbum de jazz.

Tony Williams escribió todas las piezas y tiene una combinación diferente de intérpretes en cada canción. El "Memory", improvisado libremente, presenta a Hutcherson, Hancock y Williams; "Barb's Song to the Wizard" es un dúo de Hancock-Ron Carter; "Tomorrow Afternoon" tiene a Rivers, Peacock y Williams en un trío; y todos los músicos (excepto Hutcherson) están en "Two Pieces of One". La mayoría de las canciones son bastante libres en ritmo, melodía o armonía, ninguna de los temas son abrumadoras y se les permite respirar de forma natural. "Life Time" siempre mantiene el interés. Es simplemente maravilloso. 

Un disco recomendado. Un álbum de jazz histórico, una pieza de "colección" de grabaciones esenciales para cualquier amante de jazz y música de calidad.

Video del tema “Tomorrow Afternoon”:

Tracklist: 

1."Two Pieces of One: Red" – 8:06
2."Two Pieces of One: Green" – 10:40
3."Tomorrow Afternoon" – 5:35
4."Memory" – 8:06
5."Barb's Song to the Wizard" – 5:58

Personal:

• Tony Williams: batería, timbales, xilografías, maracas, triángulo (1–4)
• Sam Rivers - saxofón tenor (1-3)
• Bobby Hutcherson – vibraciones, marimba (4)
• Herbie Hancock - piano (4-5)
• Ron Carter (5), Richard Davis (1–2), Gary Peacock (1–3) – bajo

THE SMILE - A Light for Attracting Attention - Album

The Smile (Band)

Banda de rock inglesa compuesta por los miembros de Radiohead, Thom Yorke (voz, guitarra, bajo y teclados) y Jonny Greenwood (guitarra, bajo y teclados) con el baterista de "Sons of Kemet", Tom Skinner. Están producidos por Nigel Godrich, productor de Radiohead desde hace mucho tiempo. Incorporan elementos de post-punk, rock progresivo, afrobeat y música electrónica.

Toman el apodo del título de un poema del poeta inglés Ted Hughes. Es una idea que surge de la pandemia de COVID-19, Jonny Greenwood dijo que "The Smile" surgió de su deseo de trabajar con Thom Yorke. El trío sorprendió a todos en un debut en directo en 2021 y posteriormente anunció que lanzaría un disco. Ahora se ha materializado (primero digitalmente) en "A Light for Attracting Attention".

ALBUM: A Light for Attracting Attention 

El álbum debut se publico digitalmente el 13 de mayo de 2022, con un lanzamiento de formato físico programado para el 17 de junio. The Smile elaboro durante las cuarentenas del COVID-19 y este álbum está producido por Nigel Godrich.

Al escucharlo por primera vez, suena como un álbum de "Radiohead", esto no es una sorpresa. Sin embargo, con Tom Skinner - del grupo de jazz moderno "Sons of Kemet" - manejando la batería, vigoriza la obra con su respaldo animado y sus vertiginosos compases. Con la ayuda de la "Orquesta Contemporánea de Londres" y varios artistas de jazz de la órbita de Skinner, el trío se apoya en sus tendencias progresivas y psicodélicas que suenan expansivas. ¡Esto es genial! Tom Yorke ofrece interpretaciones y letras confiables y apasionadas en todas las canciones, mientras que tienes los tonos finos de guitarra eléctrica de Jonny Greenwood.

De nuevo, sí, suena a Radiohead, pero... ¿Aspectos positivos? Más guitarras, menos desorden y una composición mucho más disciplinada. También hay más atención al enhebrado de las canciones con suficientes arreglos para funcionar en un escenario en directo. Thom York tiene que tocar el bajo. Jonny Grenwood tiene que usar todos los poderes que le otorgan sus presentaciones en directo de Steve Reich para lograr un bucle/retardo en capas en el lugar correcto. Tom Skinner tiene que complementarlo todo con una percusión de jazz ajustada y hace un trabajo fabuloso. Hay una soltura y libertad en este disco que quizás escapa a la disciplina de "Radiohead", como si el peso que acompaña a cada gesto de Radiohead se hubiera quitado de encima. Tal vez por eso este no es un álbum de Radiohead, son solo dos miembros y un baterista ajeno.

Disco recomendado. Un buen lanzamiento para este año, muy competente. Para los acérrimos de Radiohead, esto complacerá: un conjunto de canciones completamente satisfactorio que se destaca por sí mismo, pero que podría escalar fácilmente en las filas frente a cualquiera de los esfuerzos de Radiohead en los últimos años.

Video del tema "Speech Bubbles":

Tracklist:

1. "The Same" 4:19
2. "The Opposite" 3:06
3. "You Will Never Work in Television Again" 2:48
4. "Pana-vision" 4:08
5. "The Smoke" 3:39
6. "Speech Bubbles" 4:16
7. "Thin Thing" 4:30
8. "Open the Floodgates" 4:29
9. "Free in the Knowledge" 4:12
10. "A Hairdryer" 5:17
11. "Waving a White Flag" 3:47
12. "We Don't Know What Tomorrow Brings" 3:16
13. "Skrting on the Surface" 5:31

Banda:

• Thom Yorke - voz (todas las pistas); sintetizador (pistas 1, 2, 9-12); piano (pistas 1, 4, 8); guitarra (pistas 1, 3, 6, 10, 12); bajo (pistas 5, 7, 13); codificador de voz (pista 7); secuenciador (pista 8); guitarra acústica (pista 9)
• Jonny Greenwood - sintetizador (pistas 1 y 11); guitarra (pistas 1 a 3, 5, 7, 8, 13); piano (pistas 1, 6, 9); bajo (pistas 2 a 4, 9, 10, 12, 13); teclados (6); guitarra acústica (pista 11); arpa (pista 6)
• Tom Skinner - batería (pistas 2 a 7, 9 a 13); percusión (pistas 2 y 6)

Músicos adicionales:

• Orquesta Contemporánea de Londres
• Hugh Brunt - orquestación
• Eloisa-Fleur Thom – violín
• Alessandro Ruisi – violín
• Zara Benyounes – violín
• Sophie Mather – violín
• Ágata Daraskaite – violín
• Charlotte Bonneton – violín
• Zoe Matthews – viola
• Clifton Harrison – viola
• Oliver Coates – violonchelo
• Max Ruisi – violonchelo
• Clare O'Connell - violonchelo
• Jason Yarde – saxofón
• Robert Stillman – saxofón
• Chelsea Carmichael - flauta
• Nathaniel Cross - trombón
• Byron Wallen – trompeta
• Theon Cross – tuba
• Tom Herbert – contrabajo
• Dave Brown - contrabajo

Producción:

• Nigel Godrich
• Bob Ludwig – masterización

Arte de portada:

• Thom Yorke
• Stanley Donwood

JET - Get Born - Album

Jet (Banda Australiana)

 
Banda de rock australiana formada en 2001. El grupo está formado por el guitarrista principal Cameron Muncey, el bajista Mark Wilson y los hermanos Nic y Chris Cester en voz, guitarra rítmica y batería, respectivamente. El grupo ha vendido 6,5 millones de álbumes.

Jet encontró popularidad internacional a principios de la década de 2000, un período en el que la mezcla de riffs estilo Rolling Stones y el sonido rock de AC/DC de la banda encajaba muy bien con la escena revival del garage rock en Estados Unidos.

Una breve historia:

Los hermanos Nic Cester y Chris Cester crecieron en Dingley Village, un suburbio al sureste de la ciudad de Melbourne, escuchando los discos de rock clásico de su padre de los años 60 y 70. Los hermanos decidieron formar una banda con Cameron Muncey y con el bajista Doug Armstrong.

Querían un nombre corto y "Jet" obtuvo su gran oportunidad cuando la banda seminal del punk rock de Melbourne "The Specimens" tomó a Jet bajo su protección y los puso como banda telonera en la mítica sala "The Duke of Windsor". Aquí es donde Dave Powell vio actuar a la banda por primera vez y los contrató para ser su manager.

La nueva banda después conoció al bajista Mark Wilson en 2002 y le pidieron unirse a ellos. En 2002, la banda también lanzó el "Dirty Sweet EP". Más tarde, Jet entró a los estudios "Sunset Sound" en Los Ángeles con el productor Dave Sardy para producir el álbum debut "Get Born". Sardy había producido previamente discos para "Marilyn Manson" y "The Dandy Warhols". También contrataron los servicios del maestro de los teclados "Billy Preston" para dos de las canciones. A la mitad de la grabación, la banda recibió una llamada de "The Rolling Stones" ofreciéndoles un puesto de teloneros en su gira de 2003. Jet tocó en más de 200 conciertos en 2003. 

Discografía:

• Get Born (2003)
• Shine On (2006)
• Shaka Rock (2009)

De lejos, para mí, su gran álbum es el debut "Get Born", una poderosa colección de canciones con algunas de rock dulces.

El 26 de marzo de 2012, Jet anunció su descontinuación como grupo. Sin embargo, en 2017 se reformaron para algunas actuaciones en directo.

ALBUM: Get Born

 
Álbum debut publicado el 14 de septiembre de 2003 que lleva ya vendido más de 4 millones de copias en todo el mundo. El álbum incluye la canción más popular de Jet, "Are You Gonna Be My Girl".

Es un álbum muy rockero que surge como una mezcla entre la despreocupación del blues y el hard rock. Con una producción dura pero limpia de Dave Sardy, las canciones son pegadizas con coros que cantan, con muchos "hey", palmitas y ritmos de glam. El enorme éxito y single del disco "Are You Gonna Be My Girl" junto con "Rollover D.J.", "Get What You Need" y "Get Me Outta Here" son temas rockeras, crudos y potentes. Incluso las baladas son tan buenas como las canciones rockeras; "Look What You've Done" es una melodía suave basada en el piano, "Move On" es una balada country de los Stones de principios de los 70 con un buen trabajo de guitarra "slide".

La fórmula de composición de la banda proviene del rock de la vieja escuela de los años 60 y 70, y con razón lo exhiben con honor en este álbum.

Sin embargo, si navegas por Internet y buscas reseñas de este álbum, es posible que te sorprenda la cantidad de críticas negativas que recibe, especialmente de algunos medios musicales conocidos. No es la primera ni la última vez que los grandes debuts son vapuleados. En este caso, pueden haber sufrido la injusta crítica de ser "marcado" una banda que simplemente copió a AC/DC y The Rolling Stones. Quién no lo ha hecho es mi respuesta, y me parece que los puristas están muy fuera de lugar. Te recomiendo que escuches este disco por ti mismo, te enganchan gracias a su puro hard rock. Por cierto los vi en Madrid como teloneros a los Rolling y fueron absolutamente geniales.

Disco recomendado. "Get Born" es garage rock total y suena genial a todo volumen a través de los altavoces

Video del tema "Are You Gonna Be My Girl":

Trackist:

1.         "Last Chance" 1:52
2.         "Are You Gonna Be My Girl" 3:34
3.         "Rollover DJ" 3:17
4.         "Look What You've Done"               3:50
5.         "Get What You Need"           4:08
6.         "Move On"     4:21
7.         "Radio Song"  4:32
8.         "Get Me Outta Here" 2:56
9.         "Cold Hard Bitch"     4:03
10.       "Come Around Again"          4:30
11.       "Take It or Leave It"  2:23
12.       "Lazy Gun"     4:42
13.       "Timothy"                   4:32