Mejores Álbumes del 2021 | Top 30

Es esa época del año para mirar hacia atrás y recopilar toda la oferta musical presentada este año. Aquí está mí - video - lista de los mejores Álbumes de 2021.

Este es un ejercicio con que disfruto compartiendo con los lectores, sin embargo, es difícil limitar el número seleccionado a solo 30 títulos; una cifra impuesto para agregar disciplina y hacerme pensar de mi parte.

En general, ha sido un buen 2021 en términos de música y lanzamientos de álbumes. Un montón de nuevos talentos han irrumpido en la escena mientras algunos artistas y bandas consolidados continúan publicando algunos trabajos reales brutales.

He notado una tendencia en muchas bandas a mirar hacia el pasado para hacerse con ideas que les permite hacerlas propias. Se están utilizando y adaptando muchos sonidos de los años 80, junto con estilos new-wave electro, punk rock y hardcore modificados para el año 2021. Algunas bandas realmente han mezclado lo viejo con lo nuevo de excelentes maneras, mientras que otras han mezclado la música del mundo local y tradicional con el rock para darle un toque emocionante.

Dicho esto, todas las listas son subjetivas. Los siguientes 30 discos son álbumes que me han llamado la atención, despertado mi interés, me han emocionado de alguna forma y se han diferenciado del resto de los lanzamientos. Otros son trabajos de debut que indican un talento sobresaliente que estará con nosotros durante muchos años.

Faltarán muchos álbumes, es inevitable con listas de "Lo mejor de...", y nadie debe tomarlo como una ofensa, especialmente por los fans acérrimos, si su favorito no está en la lista. Todos viven su música a su manera y esto debe ser respetado.

Aquí está el VIDEO de mi lista TOP 30 de los mejores álbumes de 2021: sin ningún orden de clasificación.

•  Shame — Drunk Tank Pink
•  Annie — The Million Masks of God
• Black Country, New Road — For the First Time
• Squid — Bright Green Field
• The Black Key — Delta Kream
• The Armed — ULTRAPOP
• Arlo Parks — Collapsed in Sunbeams
• C. Tangana — El Madrileño
• Dry Cleaning — New Long Leg
• Son of Kemet — Black to the Future
• Dean Blunt — BLACK METAL 2
• Low — Hey What
• Little Simz — Sometimes I Might Be Introvert
• Floating Points, & the London Symphony Orchestra — Promises
• Lord Huron — Long Lost
•  Olivia Rodrigo — Sour
• Nation of Language — A Way Forward
• Closer — Within One Stem
• Geese — Projector
• IDLES — Crawler
• Cold Beat — War Garden
• Helado Negro — Far In
• Julien Baker — Little Oblivions
• The Bug — Fire
• Irreversible Entanglements — Open the Gates
• Amy & The Sniffers — Comfort to Me
• Turnstile — Glow On
• Mdou Moctar — Afrique Victime
• For Those I Love — For Those I Love
• Skee Mask — Pool

El video ayuda para ver las portadas y así poder localizar los álbumes para cuando decidas escucharlos, si aún no lo has hecho.

Este será posiblemente mí último post del 2021. Felices fiestas y nos vemos de nuevo en el 2022

JOANA SERRAT | Hardcore from the Heart - Album

Joana Serrat (Cantante)

Canta en inglés, es catalana y ya lleva publicados cinco discos. Cosa que me llamó la atención después de descubrirla este mismo año. Su sonido y oferta es delicioso, se entiende que haya trabajado con productores de renombre como Howard Bilerman (de Arcade Fire) y músicos como Neil Halstead, por ejemplo. Pienso que ven algo musicalmente muy especial en ella, igual que pienso yo.

Una breve historia:

Su nombre es Joana Serrat (nacida en Vic, 1983) y es una cantante española de estilo folk, aunque su último álbum es una auténtica belleza de dream pop.

Su primer disco, fue autoeditado y titulado "The Relief Sessions" (2012). En 2014 publica "Dear Great Canyon" a través del sello "El Segell del Primavera". Este segundo trabajo fue producido por Howard Bilerman (de fama "Funeral" de Arcade Fire), y fue un avance en estilo y notoriedad. Desde entonces sus canciones comienzan a sonar regularmente tanto en emisoras españolas como en la BBC británica, la BBC escocesa y la ABC (la Radio Nacional de Australia). La revista musical británica "New Musical Express" (N.M.E.) la incluye en su sección para nuevos talentos.

Con cada disco siguió confirmando trabajo tras trabajo su espléndida trayectoria y evolución. He tomado el tiempo para divulgar entre sus discos y se escucha un cambio progresivo del estilo folk hacia un sonido pop fusionado con sonidos shoegaze-dream.

La discografía de Joan Serrat hasta ahora:

•  2012: The Relief Sessions (autoeditado).
• 2014: Dear Great Canyon
• 2016: Cross the Verge
• 2017: Dripping Springs
• 2021: Hardcore from the Heart

Descubrí a Joana Serrat con su último álbum, "Hardcore from the Heart", una obra encantadora. Tanto que es uno de los mejores discos del 2021 de un artista español, bajo mi criterio.

ALBUM: Hardcore from the Heart

Quinto álbum publicado el 11 de junio del 2021.

El álbum lleva el nombre de un libro de la sexóloga y ensayista Annie Sprinkles, está empapado de vibraciones veraniegas con voces folk e instrumentación de dream-pop que se arremolina y repica a través de "paredes de sonido" (overdubs).

Ha creado una gran obra. Un disco de indie contemporáneo preciosista con un ligero y atractivo barniz pop. Música absorbente y de grandes evocaciones oníricas en él que participan músicos que provienen de las bandas Midlake y Mercury Rev; y otros que acompañan a artistas como Rufus Wainwright, St. Vincent, Sharon Van Etten o John Grant.

El álbum comienza sobre la pérdida, y termina con la aceptación de la imposibilidad de lograr una vida ideal, examinando el desequilibrio que existe entre la vida vivida y el ideal buscado reflejando el viaje matizado, emocional e introspectivo que persigue Serrat en sus letras y música. Serrat se abre no solo emocionalmente sino musicalmente.

Los temas que completan este disco dan una idea de la amplitud de la imaginación e inspiración musical de Joana Serrat. Estableciendo el plano de gran parte del álbum, las cálidas capas de teclado y guitarras del primer tema "Easy" hacen referencia tanto a Cocteau Twins como a Jesus and Mary Chain; la voz de Serrat brilla con un tono folklórico, y en otras ocasiones se tiñe de tonos angélicos. Mientras que en "Wild Beast", ella está en forma más "country", asintiendo hacia el corazón del folk-americano con instrumentación acústica complementada con voces que evocan a Joan Baez. Una ventaja para este disco es que el grupo de músicos que acompañan a Joan Serrat suena genuinamente como un colectivo, basándose en sus amplias influencias y experiencias para crear una frescura en todo el disco. Es verdaderamente una escucha absolutamente maravillosa.

Hay también remolinos instrumentales del teclado de uno de los músicos invitados, Jesse Chandler en "You’re With Me Everywhere I Go", con voz clásica que le da a Serrat un toque muy personal. Con un power pop impulsado por la batería, el tema "Pictures" también está dominado por las influencias de los años 80, todo coronado por la voz suplicante de Serrat, la tristeza expresiva y la frustración hirviente que aseguran que sea su propia marca lo que está dejando.

Realmente parece un encuentro perfecto de mentes cuando la banda se mueve sin esfuerzo de atmósferas expansivas explorando la nostalgia por el hogar a temas nostálgicos como "Summer Never Ends", donde la guitarra acústica y melodías reflectantes están relucientes. El arreglo austero e insistente de "Take Me Back To Where I Belong" pone en primer plano la declaración de necesidad, dolor y abandono de Serrat, con su interminable bucle de teclas, guitarra y batería. 

Un disco recomendado. Estamos ante un álbum emocionalmente desgarrador y purificador sin pretender resultar reparador. La propuesta, navegando entre ritmos de americana con tonalidades dream pop, resuena con un plus de sensibilidad añadida, una vuelta de tuerca más a su ya de por sí elevado baremo de delicadeza.

Uno de los mejores álbumes del 2021 de publicación nacional (España), y para mí, un descubrimiento.

Video del tema “Pictures”:

Tracklist:

1. Easy
2. Pictures
3. These Roads
4. You're With Me Everywhere I Go
5. Summer Never Ends
6. How to Make You Love Me
7. Demons
8. Take Me Back Where I Belong
9. Hotel Room 609
10. Wild Beast

SLEEPY JOHN ESTES | The Legend of Sleepy John Estes - Album

Sleepy John Estes (Bluesman)

 
John Adam Estes, conocido como "Sleepy John Estes", fue un guitarrista, compositor y vocalista de blues estadounidense. 

El bluesman "Big Bill Broonzy" calificó el estilo de cantar de John Estes como "llorar" el blues debido a su calidad emocional. En realidad, su voz proviene de su experiencia laboral como líder de un equipo de mantenimiento de ferrocarriles, donde sus improvisaciones vocales y su voz aguda marcaron el ritmo de las actividades laborales.

Muchas de las canciones de Estes estaban basadas en eventos de su vida o en personas que conocía en su ciudad natal, Brownsville, como el abogado local ("Lawyer Clark Blues"), el mecánico de automóviles local ("Vassie Williams 'Blues") o un adolescente ("Little Laura Blues"). También dio consejos sobre asuntos agrícolas ("Working Man Blues") y relató su propio intento de llegar a un estudio de grabación para una sesión subiéndose a un tren de carga ("Special Agent [Railroad Police Blues]").

Nunca un guitarrista destacado, Estes confió en su voz expresiva para llevar su música, y las grabaciones que hizo a partir de 1929. Sus letras combinaban una aguda observación con la capacidad de convertir una frase eficaz. A lo largo de su carrera, su música siguió siendo simple pero poderosa, y a pesar de sus estancias en Memphis y Chicago, conservó un sonido tradicional hogareño. Convirtió sus experiencias y las condiciones de su vida en un arte.
 

Una breve historia:

 
Nació en Ripley, Tennessee, en 1899 o 1900. En 1915, su padre, un aparcero que tocaba la guitarra, trasladó a la familia a Brownsville, Tennessee. A la edad de 19 años, mientras trabajaba como peón de campo, comenzó a actuar profesionalmente, principalmente en fiestas, con el acompañamiento de Hammie Nixon, un armonicista, y James "Yank" Rachell, guitarrista y mandolinista. Estes continuó trabajando intermitentemente con ambos músicos durante más de cincuenta años.

Estes debutó como artista discográfico en Memphis, Tennessee, en 1929, en una sesión organizada para "Victor Records". Estes cantó con un estilo vocal distintivo de "llanto". Estes sonaba tanto como un anciano, incluso en sus primeros discos, que, según los informes, los revivalistas del blues demoraron su búsqueda porque asumieron que había muerto hace mucho tiempo. Sin embargo, los historiadores del blues Bob Koester y Samuel Charters redescubrieron al bluesman en 1962, Estes estaba completamente ciego y vivía en la pobreza. Reanudó las giras con el músico y amigo Nixon y grabó para Delmark Records. Incluso, Estes, Nixon y Rachell aparecieron en el famoso "Festival Folk de Newport" en 1964.

Estes murió el 5 de junio de 1977 mientras se preparaba para una gira europea.

Su música influyó en artistas como The Beatles, Bob Dylan, The Kinks, Eric Clapton y Led Zeppelin. John Lennon ha mencionado muchas veces que escuchaba a Estes cuando era estudiante.

 

ALBUM: The Legend of Sleepy John Estes

Con este álbum, el veterano músico blues hizo un regreso impresionante. Producido por el presidente de "Delmark Record" e historiador de blues Bob Koester el 24 de marzo de 1962 y publicado en 1963, esta histórica sesión acústica encuentra Estes acompañado por Ed Wilkinson en el bajo, John "Knocky" Parker en el piano, y amigo de mucho tiempo Hammie Nixon en la armónica.

Los del sello "Delmark" deberían estar orgullosos de este disco, lograron que Estes volviera al estudio después de muchos años de desafortunada negligencia. Sleepy John Estes hizo su debut como guitarrista de grabación de estudio en 1929 y grabó varias obras antes de retirarse de la escena musical en 1941. De hecho, muchos creyeron erróneamente que estaba muerto y, por lo tanto, dejaron de buscarlo. Después de un largo alejamiento de la música, Bob Koester y un grupo de fanáticos del Blues lo redescubrieron en 1962, y el bluesman ciego y empobrecido volvió a tomar la guitarra y comenzó a tocar el blues.

Este disco no es muy diferente de sus grabaciones anteriores y Sleepy John Estes vuelve a reinterpretar viejos favoritos como "Divin 'Duck Blues", "Someday Baby", "Stop That Thing", "Milk Cow Blues" y "Married Woman Blues"...etc.

Un disco recomendado. Es accesible y el arte de Sleepy John Estes sigue vivo a través de la versión de "Someday Baby" de Bob Dylan y la versión de The Kinks de "Milk Cow Blues", por solo mencionar dos. Un excelente álbum que sirve de introducción para conocer a este artista y sus relatos de blues.

Video del tema " Someday Baby":

Tracklist:

1.Rats in My Kitchen
2.Someday Baby
3.Stop That Thing
4.Diving Duck Blues
5.Death Valley Blues
6.Married Woman Blues
7.Down South Blues
8.Who's Been Telling You, Buddy Brown
9.Drop Down Mama
10.You Got to Go
11.Milk Cow Blues
12.I'd Been Well Warned

KOKO TAYLOR | Koko Taylor - Album

Koko Taylor (Blues)

Fue una cantante afro-americana de Blues conocida popularmente como "la Reina del Blues" por su voz áspera y potente. Koko Taylor ayudó a mantener viva la tradición de las cantantes de blues femeninas con grandes voces, reformulando "el espíritu" de las primeras leyendas como Bessie Smith, Ma Rainey, Big Mama Thornton y Memphis Minnie para la edad moderna.

Su voz áspera y cruda era perfecta para la era electrificada del blues. Más tarde ganó más premios "W.C. Handy Awards" que cualquier otra intérprete femenina en la historia, estableciéndose, con mucho, como la cantante de blues más grande de su tiempo.

Una breve historia:

Su nombre de pila era Cora Walton y nació en Memphis, Tennessee. Dejó Memphis para ir a Chicago en 1952 y a finales de los años 50 comenzó a cantar en clubes de blues de Chicago. Fue descubierta por "Willie Dixon" en 1962, lo que le llevó a tener mejores actuaciones y su primer contrato de grabación. En 1965, Koko Taylor firmó con "Chess Records", con lo cual grabó su gran single y éxito "Wang Dang Doodle" (escrito por Dixon, y siendo un éxito de Howlin' Wolf cinco años antes), y en el que intervienen "Little Walter" y el gran guitarrista "Hound Dog Taylor". Alcanzó el número cuatro de las listas de R & B en 1966, y vendió un millón de copias.

Más adelante una gira nacional a final de la década de los 1960 y principios de los años 1970 amplió su base de admiradores y comenzó a ser accesible a un mercado más amplio, firmando por "Alligator Records" en 1975. Grabó nueve álbumes para esta discográfica, ocho de los cuales fueron nominados a los Grammys, dominando las listas de cantantes femeninas de Blues y ganando 24 premios de la música blues. Taylor ejerció su influencia sobre muchos músicos y artistas como Janis Joplin y Bonnie Raitt, por ejemplo.

Taylor murió el 3 de junio de 2009.

Discografía de álbumes de interés:

• Love You Like a Woman (Charly Records) - 1968
• Koko Taylor (MCA/Chess) - 1969
• Basic Soul (Chess Records) - 1972
• South Side Lady (Evidence Records) - 1973
• I Got What It Takes (Alligator)
• Southside Baby (Black and Blue Records) - 1975
• The Earthshaker (Alligator) - 1978
• From The Heart Of A Woman (Alligator) - 1981
• Queen of the Blues (Alligator) - 1985
• An Audience with Koko Taylor (Alligator) - 1987
• Live from Chicago (Alligator) - 1987
• Jump for Joy (Alligator) - 1992
• Force of Nature (Alligator) - 1993
• Royal Blue (Alligator) - 2000
• Deluxe Edition (Alligator) - 2002

El álbum que tengo y más escucho es "Koko Taylor". Me lo regalaron dentro de un paquete de discos del sello "Chess".

ALBUM: Koko Taylor

Publicado originalmente en octubre de 1969 bajo el sello "Chess Records" y producido por Willie Dixon, el disco es una de las representaciones más sólidas de los días de Koko Tylers con "Chess Records" y contiene su canción de gran éxito "Wang Dang Doodle". La producción contiene a los guitarristas Buddy Guy, Matt Murphy y Johnny Shines y al saxofonista Gene "Daddy G" Barge. Los músicos brindan una excelente sesión de acompañamiento, con tal vez, un poco más de soul para mi gusto. Dicho esto, en esta era "Chess Records" intentaba entrar en mercado "Motown" a mediados de los 60.

La voz de Koko Taylor aquí es increíble, es una de las cantantes de rock y blues más poderosas de su tiempo, y quizás solo "Etta James" se acercó en este aspecto.

El álbum comienza directamente con canciones contemporáneas sureñas: "Love You Like a Woman" y luego termina con el igualmente poderoso "Yes, It 's Good for You". En el medio encontrarás algunas canciones de Chicago Blues de ritmo rápido como "I Love a Lover Like You", "Nitty Gritty","Twenty-Nine Ways", el dúo de Willie Dixon "Insane Asylum" y también el mágico "Fire". Los otros temas están en el lado más "soulful" tratando de ganarse a los fans del "campo Motown" en ese momento. En general, es un álbum sólido, agradará y mucho al seguidor de Blues.

Un disco recomendado. Pienso que es una escucha obligada que continúa la tradición de otras leyendas femeninas del blues como Ma Rainey, Memphis Minnie y Big Mama Thornton. Buscarlo, creo que va gustar.

Video del tema "Wang Dang Doodle":

Tracklist:

01.Love You Like A Woman
02.I Love A Lover Like You
03.Don't Mess With The Messer
04.I Don't Care Who Knows
05.Wang Dang Doodle
06.I'm A Little Mixed Up
07.Nitty Gritty
08.Fire
09.Whatever I Am You Made Me
10.Twenty Nine Ways
11.Insane Asylum
12.Yes, It's Good For You

Músicos:

•  Koko Taylor - Voz
• Matt 'Guitar' Murphy, Johnny Shines, Buddy Guy y Johnny Williams - Guitarra
• Walter 'Shakey' Horton - Armónica
• Sunnyland Slim y Lafayette Leake - Piano
• Willie Dixon y Jack Meyers - Bajo
• Clifton James y Fred Below - Batería
• Gene Barge y Donald Hankins – Saxofones

SANTIGOLD | Santogold - Album

Santigold (Músico)

Santi White, conocido profesionalmente como Santigold (antes Santogold), es un cantante y compositor estadounidense. White creció escuchando mucho reggae, jazz, Fela Kuti y música nigeriana que luego se traduciría en su sonido. Un estilo musical que combina su diversa trayectoria y gusto musical en canciones que suenan familiares y distintivas al mismo tiempo.

Santi White tiene un rango vocal de mezzosoprano, y su estilo se ha comparado a menudo con el de M.I.A., sin embargo, White acepta las influencias similares pero afirma que su música es totalmente diferente. White también ha revelado su aprecio por la música new wave (por ejemplo, Siouxsie and the Banshees). Las principales influencias de la cantante son James Brown y Aretha Franklin y ha citado a Devo como su banda favorita.

Una breve historia:

 
Santi White nació en 1976 en Philadelphia, Pennsylvania. Obtuvo su seudónimo en la década de 1990 después de que un amigo se lo diera como apodo. Trabajó para "Epic Records" como representante de A & R, pero dejó el puesto para ser escritora y productora ejecutiva de "How I Do", el álbum debut de la cantante "Res".

Fue la cantante de la banda de punk rock con sede en Filadelfia "Stiffed", que lanzó los álbumes "Sex Sells" (2003) y "Burned Again" (2005). Ambos álbumes fueron producidos por el bajista de Bad Brains, Darryl Jenifer. Mientras estaba en la banda, White le ofreció un contrato en solitario por Martin Heath del sello independiente con sede en Londres "Lizard King Records".

Sus primeros singles como solista ("Creator" y "LES Artistes") recibieron la atención de los medios de comunicación de Internet en 2007, y su álbum debut Santogold (2008), concebido con el miembro de "Stiffed" John Hill se publicó en abril de 2008. Santogold fue aclamado por la crítica y desde entonces ha lanzado dos álbumes más "Master of My Make-Believe" (2012) y "99 ¢" (2016) 

La verdad es que solo tengo, y me quedo, con un solo disco de Santigold, el debut de 2008. Un trabajo que suena mejor con el paso de los años.

ALBUM: Santogold (después titulado Santigold)

Es el primer álbum de estudio lanzado el 29 de abril de 2008 en Estados Unidos a través de Downtown Records y el 12 de mayo en Reino Unido a través de Lizard King y Atlantic Records. Fue escrito y producido principalmente por Santigold y ex compañero de banda de "Stiffed", John Hill, junto con contribuciones de otros productores, incluidos Diplo, Switch y Disco D, y apariciones vocales de Spank Rock y Trouble Andrew.

El álbum incorpora una variedad de estilos musicales, como new wave, punk, electro, reggae y dub, con el objetivo de desafiar las fronteras y la clasificación de géneros.

El debut de larga duración, extrae igualmente del dub, pop-punk, hip-hop, electro y rock sin sucumbir a los arquetipos de ninguno. Mucho de esto se debe a que el productor Hill agrega muchas guitarras y teclados cálidos, alentando a White a completar las canciones, los versos y los ganchos con su rica voz.

Canciones como "I'm a Lady" son pegadizas; "L.E.S. Artistes" suena lleno y brillante y "My Superman" es la versión urbana del siglo XXI de un estándar de jazz. Hay impresionantes habilidades para crear ritmos en "Creator", y "Unstoppable", dirigido por Diplo, combina muy bien el dub y la electrónica de Hollertronix. En general, todo el álbum está inspirado en el pop y el buen humor, y la importancia de la melodía y la estructura nunca se ven eclipsadas por el ritmo de la pista de baile.

Disco recomendado. Un álbum desafortunadamente pasado por alto. Llamar a esto (y al artista) una versión estadounidense de M.I.A es ser totalmente ignorante; es diferente, mucho más inteligente y artísticamente diverso. Realmente un gran álbum de baile alternativo y pop caleidoscópico con mucha creatividad empujándolo.

Si no lo conoces, buscarlo y escucharlo. 

Video del tema "Creator":

Tracklist:

1.         "L.E.S. Artistes"         3:24
2.         "You'll Find a Way"   3:00
3.         "Shove It" (featuring Spank Rock)    3:46
4.         "Say Aha"       3:35
5.         "Creator" (Freq Nasty vs. Switch)     3:33
6.         "My Superman"          3:00
7.         "Lights Out"   3:12
8.         "Starstruck" 3:54
9.         "Unstoppable" 3:32
10.       "I'm a Lady" (featuring Trouble Andrew)     3:43
11.       "Anne"            3:28
12.       "You´ll Find a Way" (Switch & Sinden remix)  3:12

DAVID BALFE | For Those I Love - Album

Este es uno de los discos más poéticos y emotivos del 2021, incrustado dentro de un fondo de música electrónica (con tintes de post-punk) conducido bajo el método vocal del "spoken  word". Una obra inquietantemente hermosa y fascinantemente honesta. Hablo de... 

For Those I Love (David Balfe)

Es el proyecto musical del cantante, compositor y productor David Balfe.

Una breve historia:

Desde la seguridad de la casa de sus padres, David Balfe (Dublín), nacido en Irlanda, encontró la pasión por hacer música a una edad temprana, elaborando canciones junto a amigos cercanos durante sus primeros años. Su primera banda "Plagues" incursionó en el "metalcore", mientras que más tarde con "Branch Becomes", vio a Balfe moverse hacia el "hardcore". Los sonidos más atrevidos llegaron en la banda "Burnt Out", un grupo post-punk. El trágico suicidio del mejor amigo y compañero de banda de Balfe en 2018, Paul Curran, marcó el final del grupo y condujo directamente a lo que se convertiría dos años después en el proyecto, "For Those I Love".

David Balfe volvió a la música después de un periodo de dolor y duelo, rindiendo homenaje a Paul Curran. En 2019, Balfe puso su obra y homenaje a Paul Curran - "For Those I Love" - en la plataforma de música independiente "Bandcamp" para compartir con familiares y amigos. Algunos blogs de música irlandeses lo encontraron y el disco recibió críticas favorables. Pero la suerte de Balfe cambió cuando llamó la atención de Ash Houghton, un gerente de A & R en "September Recordings", que también representa a Adele y London Grammar. El álbum fue lanzado en serio bajo la fuerza de un sello discográfico en 2021.

El resultado es un descubrimiento musical, tanto del músico como del álbum. Un disco total sobresaliente que, aunque tiene emociones fuertes y tonos tristes, es realmente un grito al optimismo, la superación de obstáculos y una oda a la vida. Es bajo mi punto de vista, uno de los mejores álbumes publicados en 2021.

ALBUM: For Those I Love

El álbum debut homónimo fue publicado en marzo de 2021. Compuesto por nueve canciones, David Balfe fusiona samples de voz y biografía en un tapiz de amor, dolor e ira. Es el primer proyecto completo de David Balfe que ofrece una historia vital en emotivos temas, cubierto de una electrónica llena de soul.

Bajo el seudónimo de "For Those I Love", Balfe ofrece historias habladas (spoken word) como un elogio de un amigo muerto, Paul Curran, combinando letras sobre las clase (sociales), la muerte y la desesperación. Una verdadera exposición de apertura del corazón que sirve para liberar y exorcizar los demonios internos de Balfe, que también funciona como un ejercicio terapéutico psicológico. En pocas palabras, es un álbum increíblemente humano y muy valiente. 

Dicho esto, también descubrirás componentes electrónicos brillantes y samples que están tan acelerados que es casi imposible precisar su origen exacto. La magia es que las canciones de este álbum también funcionan de manera brillante como material de pista de baile. Hay "Dubstep", "Progressive House", "Conscious Hip Hop" y "Downtempo" entrelazados con la "palabra hablada" (mezclada con samples vocales del soul y el pop).

Mucha música sobre la pérdida se cuenta a través de guitarras acústicas y cuerdas, pero Balfe rinde homenaje a su íntimo amigo desaparecido mediante el uso de música dance. La euforia reprimida de "The Streets" y "Burial" son claras influencias en esta acelerada melancolía y ritmos cíclicos que aportan magia incluso a los recuerdos más mundanos. Como resultado, el trabajo de Balfe parece ser cinematográfico.

Las canciones destacadas para mi incluyen: Good tracks: "I Have a Love", "You Stayed/To Live", "To Have You", "You Live/No One Like You" & "Leave Me Not Love". En general, es un álbum poderoso.

Disco recomendado. Hay una universalidad en la emoción; la música está lo suficientemente finamente elaborada para que sigas regresando, sin importar cuánto de angustioso sea el tema de las canciones. David Balfe nunca pensó que el público escucharía su álbum debut profundamente personal. Pero se ha convertido en un gran éxito y uno de los mejores álbumes del 2021.

Video del tema "I Have a Love":

Tracklist:

1.I Have a Love 5:20
2.You Stayed / To Live 5:27
3.To Have You 4:36
4.Top Scheme 2:51
5.The Myth / I Don't 5:20
6.The Shape of You 5:46
7.Birthday / The Pain 5:52
8.You Live / No One Like You 6:02
9.Leave Me Not Love 4:49

THE AVALANCHES | Since I Left You - Album

The Avalanches (Banda)

Grupo australiano de música electrónica formado en Melbourne en 1997. Actualmente, el grupo consiste de Robbie Chater y Tony Di Blasi.

Al principio, tres miembros formaron "Alarm 115" como un conjunto de noise punk inspirado en Drive Like Jehu & The Fall. La banda estaba formada por Robbie Chater en teclados, Tony Di Blasi en teclados, bajo y coros, y Darren Seltmann con voz. En 1995, Manabu Etoh se unió a la batería.

En 1997 se formó un nuevo grupo formado por Chater, Di Blasi, Seltmann, y Gordon McQuilten en los teclados para tocar en directo. Sus primeros cuatro shows se tocaron con diferentes nombres: "Swinging Monkey Cocks", "Quentin's Brittle Bones" y "Whoops Downs Syndrome". El grupo se convirtió en "The Avalanches" en su quinto concierto, tomando prestado el nuevo nombre de una banda americana de surf rock, que grabó solo un álbum, Ski Surfin 'with the Avalanches, en 1963. Después de tocar como teloneros para "Jon Spencer Blues Explosion" , saltaron a la fama rápidamente y DJ Dexter Fabay se unió al grupo con tocadiscos y teclados.

Han sufrido cambios en la alineación y han publicado hasta ahora tres álbumes:

• Since I Left You (2000)
• Wildflower (2016)
• We Will Always Love You (2020)

Sin alguna duda la obra maestra es el debut "Since I Left You", un disco simplemente extraordinario.

ALBUM: Since I Left You

Debut álbum de estudio publicado el 27 de noviembre de 2000 por un entonces grupo electrónico australiano formado por incondicionales discófilos (coleccionistas de discos) de los que nadie había oído hablar antes. Fue producido por los miembros del grupo Robbie Chater y Darren Seltmann (bajo el seudónimo de "Bobbydazzler"), y "samplea" extensivamente de varios géneros. Es una bestia de primer disco para cualquier banda. Impresionante.

"Since I Left You" fue (y sigue siendo) aclamado por la crítica. Alcanzó su punto máximo en el Top 30 en la lista de álbumes de Australia, el # 8 en las listas de álbumes del Reino Unido y, en los Estados Unidos, llegó al #10 en la lista de los mejores álbumes electrónicos, y en el top 40 en la lista "Top Heatseekers Chart" de Billboard.

Los chicos trabajaron principalmente con samplers "Yamaha Promix 01" y "Akai S2000". Darren Seltmann y Robbie Chater pasaron horas sampleando música de discos de vinilo para crear las canciones del álbum: Chater ha estimado que hay más de 3.500 samples que se utilizaron en general, aunque algunos estiman el número sería mucho más bajo, aproximadamente 900. Después de probar y arreglar, la pareja intercambiaba sus cintas, escuchaba las ideas del otro y ampliaba lo que había escuchado. Las fuentes y samples abarcan muchos estilos diferentes de música, desde artistas como Françoise Hardy, Blowfly, Sérgio Mendes, Dj Shadow, Raekwon, Wayne y Shuster, Madonna, etc. y etc.

Es simplemente una obra maestra. Un festival global de sonidos de principio a fin. Atemporal y construido para cualquier ocasión. Es un álbum salvaje, moderno y natural, vasto y diverso. Dicho de otra manera, una aventura. El álbum comenzó originalmente como un álbum conceptual de una expedición intercontinental por amor. Aunque la idea fue descartada por ser demasiado ambiciosa, aún puedes percibir estos temas de amor y exploración a lo largo del álbum. De hecho, "Since I Left You" es casi una carta de amor a la música en sí misma.

Es difícil poder seleccionar los temas más destacados de un conjunto tan cohesionado, pero tengo un gusto particular por el sonido de vinilo crepitante de "Stay Another Season", los ritmos y las flautas de "Close to You", el número festivo de "A Different Feeling ", la distorsión y el bajo de" Electricity ", el pop divertido de" Frontier Psychiatrist ", el ataque de big beat de" Etoh "y " Live at Dominoes ". En general, cada tema fluye sin problemas a la siguiente, llevándote de viaje. En resumen, este álbum es colorido, vibrante y lleno de vida. 

Un disco recomendado. Sin duda uno de los mejores álbumes electrónicos de los últimos 20 años. Un trabajo tan asombroso que les tomó dieciséis años para crear el siguiente disco capaz incluso de estar a la altura de la brillantez de "Since I Left You". 

Este álbum se sitúa al lado de otros gigantes como "It Takes a Nation of Millions to Hold Us" de Public Enemy", "Paul 's Boutique" de Beastie Boys y "Endtroducing" de DJ Shadow. Estamos hablando de la élite.

Video del tema "Stay Another Season":

Tracklist:

1.         "Since I Left You"     4:22
2.         "Stay Another Season"          2:18
3.         "Radio"           4:22
4.         "Two Hearts in 3/4 Time"      3:23
5.         "Avalanche Rock"      0:22
6.         "Flight Tonight"         3:53
7.         "Close to You"           3:54
8.         "Diners Only" 1:35
9.         "A Different Feeling" 4:22
10.       "Electricity"    3:29
11.       "Tonight"        2:20
12.       "Pablo's Cruise"          0:52
13.       "Frontier Psychiatrist"            4:4
14.       "Etoh" 5:02
15.       "Summer Crane"         4:39
16.       "Little Journey"          1:35
17.       "Live at Dominoes"    5:39
18.       "Extra Kings" 3:46