THE DREAM ACADEMY | The Dream Academy - Album

The Dream Academy (Banda)

Fue un trío británico formado en Londres (1983) compuesto por el cantante y guitarrista Nick Laird-Clowes, la multi-instrumentista Kate St John y el tecladista Gilbert Gabriel. Son marcados y colocados dentro de la categoría de "one hit wonders" (de un solo tema) debido a su enorme éxito "Life in a Northern Town". Sin embargo, en mi opinión, esto es engañoso ya que tienen algunas excelentes canciones repartidas por sus tres álbumes.

Laird-Clowes y Gabriel se conocieron a fines de la década de 1970 mientras el primero estaba en una banda llamada "The Act". Su idea era crear una formación de paisajes musicales diferentes de los grupos de "power pop" populares en ese momento en el Reino Unido, mezclando instrumentos y sonidos que rara vez se habían hecho de manera prominente antes, como cuerdas, instrumentos de viento, percusión (timbales) y sintetizadores.

Laird-Clowes conoció a Kate St. John, entonces en la formación "The Ravishing Beauties", en una fiesta y le pidió que se uniera a su banda. El trío se decidió por el nombre "The Dream Academy" y circulo sus demos durante casi dos años. Su trabajo fue rechazado por todos los sellos discográficos antes de que finalmente consiguieron un contrato de grabación con Warner Records en 1985. En el camino, hicieron conexiones con Adam Peters y David Gilmour de Pink Floyd, un amigo de Laird-Clowes. Gilmour continuaría produciendo y / o tocando en dos de sus álbumes y coescribió una canción de The  Dream Academy, "Twelve-Eight Angel" (dentro del álbum "A Different Kind of Weather").

Después de lanzar tres álbumes, en 1991 los miembros de la banda decidieron seguir caminos por separado. Laird-Clowes contribuyó en el álbum de Pink Floyd (Dave Gilmour) "The Division Bell", mientras que Kate St John actuó con Van Morrison y en obras teatrales. Por último, Gabriel colaboró con "The Believers", "The Excellent Staircase", "Melt21" y "The Daze".

La discografía:

• 1985    The Dream Academy
• 1987    Remembrance Days
• 1990    A Different Kind of Weather

Escucho el álbum debut - "The Dream Academy" - con cierta regularidad. Tengo buenos recuerdos asociados con este disco.

ALBUM: The Dream Academy

El primer álbum de estudio fue publicado en noviembre de 1985. Fue producido por el guitarrista de Pink Floyd David Gilmour y Nick Laird-Clowes. Su gran éxito "Life in a Northern Town", fue escrito como un homenaje al músico Nick Drake. Es uno de los "tesoros enterrados" de la década de 1980, este es un álbum poético lleno de canciones melódicas, arreglos elegantes, una producción inventiva y una llamativa musicalidad.

The Dream Academy utilizó exuberantes arreglos de cuerdas y coros de coro para crear un suntuoso telón de fondo para su pop con tintes "Paisley". Funciona mejor con la ya mencionada single "Life in a Northern Town", una porción de nostalgia con su memorable gancho en forma de cántico "mantra". Otros aspectos destacados del disco incluyen "The Edge of Forever" con su saxofón, el dulce recuerdo onírico de "In Places on the Run" y "This World" con su descripción sombría y austera de los oprimidos. La voz de Laird-Clowes es fina, una deficiencia enmascarada por el enfoque suave del material. Y aunque  el álbum flaquea un poquito durante la segunda mitad; su mejor material te deja anhelando más.

Disco recomendado

Es uno de esos álbumes que mejora cada vez que lo escuchas. Si te gusta el Pop Rock o el Folk Pop de mediados de los años 80, este álbum te va a gustar.

Video del tema “The Love Parade”:

Esta es una pregunta muy frecuante ¿Dónde se filmó el video musical de Life in a Northern Town?

Se filmó en Newcastle upon Tyne y sus alrededores con algunas escenas filmadas en Manchester en el Reino Unido y curiosamente los Estados Unidos. Las escenas estadounidenses se filmaron cerca de Pittsburgh, Pensilvania, en las ciudades de Ambridge y Aliquippa, y se puede encontrar evidencia de este lugar en la apariencia de una señal de tráfico de la Ruta 51 de Pensilvania.

Tracklist de álbum:

1.         "Life in a Northern Town"                4:19
2.         "The Edge of Forever"                      4:23
3.         "(Johnny) New Light"                       4:23
4.         "In Places on the Run"                       4:27
5.         "This World"                                      5:07
6.         "Bound to Be"                                    3:08
7.         "Moving On"                                     5:14
8.         "The Love Parade"                             3:47
9.         "The Party"                                        5:07
10.       "One Dream"                                     2:32

Ficha:

The Dream Academy (músico):

• Gilbert Gabriel - teclados, voz
• Nick Laird-Clowes - guitarras, armónica, voz
• Kate St. John - piano, saxofón tenor, oboe, cor inglés, acordeón, piano-acordeón

Personal adicional:

• Gary Barnacle - saxofón tenor
• Dave DeFries - trompeta
• Peter Buck - guitarra en "The Party"
• David Gilmour - guitarras en "Bound to Be" y "The Party"
• Greg Dechert - Órgano Hammond
• Mickey Feat, Pino Palladino, Guy Pratt - bajo
• Chucho Merchán - contrabajo
• Tony Beard, Bosco DeOliveira, Luís Jardim, Ben Hoffnung, Jake LeMesurier, Dave Mattacks - batería, percusión variada

FELA KUTI | Gentleman - Album

Fela Kuti (Músico)

Fela Aníkúlápó Kuti, nacido Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti, también conocido como "Abami Eda", fue una multi-instrumentista, compositor, activista político y panafricanista nigeriano. Se le considera el pionero del "Afrobeat", un género musical africano que combina la percusión tradicional "yoruba" y los estilos vocales con el funk y el jazz estadounidense. Es un estilo que creó en gran parte con una fusión compleja de jazz, funk, rock psicodélico y cantos y ritmos africanos tradicionales de Nigeria. El "Afrobeat" también toma prestado en gran medida de la tradición nativa del "tinker pan". En el apogeo de su popularidad, se le conoció como uno de los intérpretes de música más "desafiantes y carismáticos" de África; una leyenda musical particularmente de la música africana y world music.

Una breve historia:

Kuti era hijo de una activista nigeriana por los derechos de la mujer, Funmilayo Ransome-Kuti. Después de sus primeras experiencias en el extranjero, él y su banda "Africa 70" (con el baterista Tony Allen) alcanzaron el estrellato en Nigeria durante la década de 1970, durante la cual fue un crítico abierto y objetivo de las juntas militares de Nigeria. En 1970, fundó la comuna de la "República de Kalakuta", que se declaró independiente del gobierno militar. La comuna fue destruida en una redada de 1978. Hago mención de esto para ilustrar al lector que "la política" iba fuertemente vinculada con su música.

Desde su muerte en 1997, las reediciones y recopilaciones de su música han sido supervisadas por su hijo, Femi Kuti, quien también es un músico excepcional que continúa con la trayectoria y legado de su padre.

Es casi imposible exagerar el impacto y la importancia de Fela Kuti para la aldea musical mundial. Como productor, multi-instrumentista y líder de banda era una personalidad más grande que la vida misma, Kuti combinó las guitarras crudas y las corrientes subterráneas de jazz del "highlife" tradicional con arreglos de trompeta ajustados, poli-ritmos electrizantes y contenido lírico con carga política para la creación de "Afrobeat". Kuti tuvo su mejor momento a lo largo de los años 70 (Siglo XX) con frecuentes actuaciones en conciertos y álbumes afrobeat que definen el género (por ejemplo, "Expensive Shit").

Su música tuvo un efecto global que se prolongó mucho después de su muerte. Innumerables músicos eventualmente se pondrían al día con la música de Kuti, ya que las ideas en las que estaba trabajando se abrieron paso en nuevos sonidos de los músicos de jazz, bandas de rock como "Talking Heads" y los posterior revivalistas del "Afrobeat".

La discografía de sus álbumes más interesantes:

• Fela Fela Fela (1969)
• Fela's London Scene (1971)
• Why Black Man Dey Suffer (1971)
• Live! (1971)
• Open & Close (1971)
• Shakara (1972)
• Roforofo Fight (1972)
• Afrodisiac (1973)
• Gentleman (1973)
• Confusion (1975)
• Expensive Shit (1975)
• He Miss Road (1975)
• Water No Get Enemy (1975)
• J.J.D. (Johnny Just Drop!!) (1977) Fela Kuti
• Zombie (1977)
• Stalemate (1977)
• No Agreement (1977)
• Sorrow Tears and Blood (1977)
• Shuffering and Shmiling (1978)
• Black President (1981)
• Original Sufferhead (1981)
• Unknown Soldier (1981)
• Army Arrangement (1985)
• Beasts of No Nation (1989)
• Confusion Break Bones (1990)
• The Best Best of Fela Kuti (1999)
• The '69 Los Angeles Sessions (1969/2010)

Hay muchos discos muy buenos para escuchar como "Why Black Man They Suffer", "Zombie", "Expensive Shit", "Shakara"...por mencionar solo algunos. Sin embargo, personalmente me mola mucho "Gentlemen".

ALBUM: Gentleman

Es el álbum de estudio de 1973 escrito y producido por Fela Kuti y grabado con su banda "Afrika 70". La representación de la portada de la cabeza de un mono superpuesta a un cuerpo de traje es una referencia a la canción principal del álbum, que Kuti compuso como un comentario sobre la mentalidad colonial de los africanos que se adhirieron a las costumbres y vestimentas europeas. La peculiaridad de este disco es que solo tiene tres canciones, y qué tres canciones son.

El disco "Gentleman" es considerado una obra maestra de "Africa 70" y del "Afrobeat". Las notas altas son para el comentario mordaz que Fela Kuti deja suelto, pero también para la instrumentación y los arreglos en general, ya que demuestran ser algunas de las composiciones más interesantes e innovadoras de Fela de los años 70.

La canción que da título al álbum, "Gentleman", es un comentario sobre la mentalidad colonial de los africanos. Por ejemplo, en la canción, reflexiona sobre por qué los africanos usarían tanta ropa en el calor africano. Además, y mirando la música, hace solos en su saxofón tenor durante la mayor parte de la intro de nueve minutos de la canción, y cambia a su piano eléctrico durante las secciones vocales. Lo que es asombroso, es que Kuti había aprendido a tocar el saxofón desde cero después de la salida de Igo Chico de su banda "Afrika 70" en 1973, y aquí se atreve tocar haciéndolo magistralmente. A esta canción le siguen dos composiciones impresionantes de estilo "free jazz": "Fefe Naa Efe" e "Igbe".

En resumen, "Gentleman" es posiblemente el mayor logro de Fela Kuti y su banda Africa '70. Cada pequeño matiz aquí funciona. Es una pena que el "Afrobeat" como género no reciba más atención fuera de Kuti. Sin embargo, sí hubo un artista del género que merece ser apreciado, definitivamente es él haciendo de este un álbum imprescindible.

Después de escuchar este disco, comprenderá de dónde sacaron algunos de sus sonidos bandas como The Clash & Talking Heads.

Video del tema "Gentleman":

Tracklist del álbum: 

- Cara A -

1. "Gentleman" - 14:32

- Cara B -

1. "Igbe (Na Shit)" - 8:14
2. "Fe Fe Ne Eye Fe" - 8:06

GENE CLARK | No Other - Album

Gene Clark (Músico)

Harold Eugene "Gene" Clark fue un cantautor estadounidense y miembro fundador de la banda "The Byrds". Fue el compositor principal de "The Byrds" entre 1964 y principios de 1966, y escribió la mayoría de los originales más conocidos de la banda de este período, incluidos "I'll Feel a Whole Lot Better", "She Don't Care About Time", "Eight Miles High" y "Set You Free This Time". Era un compositor y músico excepcional.

Una breve historia:

Gene Clark nació en 1944 (estado de Missouri), el tercero de 13 hijos en una familia de ascendencia irlandesa, alemana e indio-americano. Comenzó a aprender a tocar la guitarra y la armónica de su padre. Pronto estuvo tocando melodías de "Hank Williams", así como material de "Elvis Presley" y los "Everly Brothers". Comenzó a escribir canciones a los 11 años. A los 15, había desarrollado una voz de tenor y formó un combo de rock and roll local, "Joe Meyers and the Sharks". Clark desarrolló un interés en la música folk debido a la popularidad de los "Kingston Trio", y en 1962, formó un grupo folk, "The Rum Runners". Más tarde, Clark tuvo temporadas con "The Surf Riders" y "The New Christy Minstrels", y después de escuchar a "The Beatles", Clark se mudó a Los Ángeles, donde conoció a su compañero Jim (más tarde Roger) McGuinn en el Troubadour Club. A principios de 1964 comenzaron una banda que se convertiría en "The Byrds".

Clark escribió o co-escribió muchas de las canciones originales más conocidas de "The Byrds", inicialmente tocando la guitarra rítmica en la banda, pero le cedió ese puesto a David Crosby y se convirtió en el de "la pandereta" y armónica. Más tarde, una decisión de "management" le dio a Jim McGuinn la voz principal de sus singles principales. Esta decepción, combinada con la aversión de Clark por viajar (incluido un miedo crónico a volar) y el resentimiento de otros miembros de la banda por los ingresos adicionales que obtenía de sus composiciones, provocó disputas internas y dejó el grupo a principios de 1966.

La carrera en solitario de Gene Clarks comenzó cuando "Columbia Records" (el sello discográfico de The Byrds) lo contrató, y en 1967 lanzó su primer álbum en solitario, "Gene Clark with the Gosdin Brothers". Desde entonces continuó grabando y lanzando álbumes en solitario hasta su muerte el 24 de mayo de 1991 a la edad de 46 años.

Aunque no logró el éxito comercial como solista, Clark estuvo a la vanguardia de la música popular durante gran parte de su carrera, prefigurando desarrollos en subgéneros tan dispares como el rock psicodélico, el pop barroco, el country rock y el country alternativo. 

La discografía de álbumes de estudio y relanzamientos de interés:

•  Gene Clark with the Gosdin Brothers (1967)
• White Light (1971)
• Collector's Series - Early L.A. Sessions (1972)
• Roadmaster (1973)
• No Other (1974)
• Two Sides to Every Story (1977)
• Firebyrd (1984)
• Echoes (1991)
• Gypsy Angel – The Gene Clark Demos 1983–1990 (2001)
• Under The Silvery Moon (2003)
• Silverado Live & Unreleased (2008)
• Here Tonight – The White Light Demos (2013)
• Back Street Mirror (2018)
• The Lost Studio Sessions 1964–1982 (2018)
• No Other (box set LP, CDs, Book, etc...) (2019) Re-lanzamiento

El álbum por excelencia de su época en solitario es "No Other".
 

ALBUM: No Other

 
El cuarto álbum de estudio en solitario fue publicado en septiembre de 1974. Fue en gran parte ignorado, recibió malas críticas y fue un fracaso comercial; el tiempo y el gasto del estudio se consideraron excesivos e indulgentes. El sello discográfico, "Asylum Records", no promocionó el álbum y en 1976 lo habían eliminado de su catálogo. Clark nunca se recuperó del fracaso del álbum. Desde entonces, se ha re-lanzado varias veces en diferentes formatos y ha alcanzado un estatus de culto como una grabación visionaria. 

Ahora, esta vez sí, y después de ser re-editado, el álbum ha recibido una reevaluación positiva de la crítica; muchas publicaciones musicales se han referido a él como "una obra maestra perdida" y "uno de los mejores álbumes jamás hechos". En mi opinión, este último aclamación es exagerado, pero no menos preciso, ya que es un gran disco que debes buscar y escuchar.

Mientras componía el álbum, Gene Clark pasó largos períodos con un cuaderno y una guitarra acústica en la ventana de su casa, inspirándose en el Océano Pacífico. Producido por Thomas Jefferson Kaye con una amplia gama de músicos de sesión de L.A (incluidos miembros de la sección y de "The Allman Brothers Band") y coristas, "No Other" fusiona elementos de country rock, folk, gospel, soul y música coral con letras poéticas y místicas.

"No Other " yuxtapone la psicodélica dirigida por la guitarra, los saxofones y flautas de jazz con armonías vocales exuberantes. En su oscuridad texturizada, la voz en falsete de Clark está enmarcada por un sintetizador seductor y líneas de bajo silenciadas, y es abrazado por un coro que rivaliza con trabajos de "Crosby, Stills, Nash y Young". Es un disco desgarrador.

El álbum está lleno de momentos hermosamente inquietantes, desde el celestial primer tema "Life's Greatest Fool", pasando por "Stength of Strings", "Some Misunderstanding" "... hasta la poética y conmovedora último tema " Lady of the North ", que contiene uno de los mejores solos de guitarra que puedes escuchar, elevándose hacia el cielo, para hacer de este un gran álbum de música "americana".

Un disco recomendado. Una joya escondida de una década de malestar (la década de 1970) cuando los sueños de la década de 1960 se habían desvanecido. Un álbum redescubierto por una nueva generación donde ha tenido un gran impacto sobre muchas bandas en la actualidad. En 2013, miembros de grupos como Beach House, The Walkmen, Grizzly Bear y Fleet Foxes interpretaron este álbum en su totalidad en una serie de conciertos. Esto en sí nos dice mucho.

Video de "Strength of Strings":

Tracklist (formato LP original):

- Cara A -

1.         "Life's Greatest Fool" 4:44
2.         "Silver Raven"            4:53
3.         "No Other"     5:08
4.         "Strength of Strings"  6:32

- Cara B -

1.         "From a Silver Phial"             3:40
2.         "Some Misunderstanding"                8:09
3.         "The True One"                     3:59
4.         "Lady of the North"  (Doug Dillard)  6:04

MONEY MARK | Mark's Keyboard Repair - Album

Money Mark (Dj, musico y productor)

Su verdadero nombre es Mark Ramos Nishita, pero es conocido profesionalmente como "Money Mark", un productor y músico estadounidense. La pura verdad es que todos lo conocen como parte del equipo de "Beastie Boys", este es su verdadero reclamo a la fama. El teclista de sonidos con riffs funky y retro le valió el título no oficial del "cuarto Beastie Boy" debido a sus colaboraciones con el "trío" desde 1992 a 2011. Dicho esto, estoy seguro de que a Money Mark no le importa esta afirmación y acepta felizmente el reconocimiento.

Nacido en la ciudad de Detroit de padre japonés-hawaiano y madre "chicana", Mark Ramos Nishita se mudó con su familia a Los Ángeles, California cuando tenía seis años. Muchos años después persiguiendo una dirección musical, se conectó con el equipo de producción de "Dust Brothers" y comenzó a sobre-grabar teclados para el sello "Delicious Vinyl". Curiosamente mientras trabajaba como "manitas" (en inglés, "odd job man"), Mark aceptó un trabajo reparando la casa de los Beastie Boys en Silverlake, California; y pronto se convirtió en un miembro fundamental del equipo "Grand Royal" del grupo y actuó en los álbumes de 1992 "Check Your Head" y "Ill Communication" de 1994.

Trabajando en su propio material, Money Mark grabó desde el estudio de su casa, y su álbum debut como solista, "Mark's Keyboard Repair" apareció en 1995 como un conjunto de tres discos de 10" emitidos por el sello con sede en Los Ángeles" Love Kit ". La limitada edición se agotó rápidamente; el primer disco de la serie llegó a Gran Bretaña y a las oficinas del fundador de "Mo'Wax", James Lavelle, quien voló a Los Ángeles para reunirse con Mark; se llegó a un acuerdo y " Mark's Keyboard Repair "fue reeditado a finales de 1995. Desde entonces, y mientras colaboraba con los Beastie Boys, Money Mark ha lanzado siete álbumes más hasta ahora. 

La discografía de álbumes de estudio por el momento:

•  Mark's Keyboard Repair (1995, Mo' Wax)
• Push the Button (1998, Mo' Wax)
• Change Is Coming (2001)
• Father Demo Square (2005, Rush! Production)
• Brand New by Tomorrow (2007, Brushfire Records)
• Stand Up for Your Rice! (2007, Rush! Production)
• Songs from Studio D (2011, Rush! Production) 

Personalmente el disco que más me gusta es el debut "Mark's Keyboard Repair", aunque si tengo que elegir otro, también me gusta "Change is Coming". Sobre este último quizas escriba en otro momento.

ALBUM: Mark's Keyboard Repair

Es el álbum debut de estudio originalmente publicado en el sello Mo 'Wax en 1995. Alcanzó el puesto #35 en la lista de álbumes del Reino Unido. Los temas "Insects Are All Around Us" / "Cry" fueron lanzadas como singles y alcanzaron el #99 en la lista de singles del Reino Unido. Más tarde, "Cry" fue lanzado como single nuevamente y alcanzó el #80 en la lista. En resumen, un disco con cierto éxito a nivel comercial, aunque la fuerza de este álbum fue en el "circuito underground de música urbana y de clubes".

Al igual que con las colaboraciones de Money Mark con los Beastie Boys, este álbum también demuestra su influencia con su órgano grueso y funky que aparece por todas partes. Sí, por supuesto, Money Mark crea música que es bastante similar a las canciones instrumentales de los álbumes de los Beastie, pero su música es más valiente y con más influencia jazz en este su proyecto en solitario.

Este disco también suena como una variación de lo-fi, indie rock y del soul-jazz de los años sesenta. La capacidad de atención de Mark es extremadamente corta, algunas de las canciones no duran un minuto, pero las canciones mantienen el mismo ritmo relajado fluyendo.

El disco presenta 30 canciones en su versión americana, con la versión original del Reino Unido con 20, pero siendo así, no es una obra aburrida. Solo el ritmo importa en el álbum, y Money Mark nunca deja que se detenga.

Un disco recomendado. Un álbum muy cool, denso, instantáneamente pegadizo y relajado. Excelente para momentos de "tiempo para mí" o para pasar el rato con los colegas.

Video del tema "Insects Are All Around  Us:

Tracklist (UK release):

01.Pretty Pain
02.No Fighting         
03.Ba Ba Ba Boom   
04.Have Clav Will Travel     
05.Don't Miss The Boat       
06.Sunday Gardena Blvd.   
07.Insects Are All Around Us         
08.Scenes From....     
09.Poet's Walk         
10.Spooky     
11.Cry
12.Ease         
13.Got My Hand In Your Head       
14.That's For Sure     
15.Sixth Sense           
16.Invitation 
17.Time, Lapse, Life
18.Seven, Seven, Seven       
19.Sometimes You Gotta Make It Alone    
20.Pinto's New Car

KEANE | Hopes and Fears - Album

Keane (Banda)

 
Grupo británico de rock alternativo de Battle, East Sussex, formada en 1995. Actualmente, la banda está compuesta por Tom Chaplin (voz, guitarra eléctrica y acústica), Tim Rice-Oxley (piano, sintetizadores y bajo), Richard Hughes (batería y percusión) y Jesse Quin (bajo y guitarra acústica / eléctrica). Su formación original incluía a Dominic Scott, quien se fue en 2001.

Keane saltó a la fama por utilizar el "piano" como instrumento principal (motor) en lugar de guitarras. Agrupados con otros grupos de rock impulsado por "piano" los consolidaron como una de las bandas más vendidas y queridas en la historia del Reino Unido, vendiendo +13 millones de discos en todo el mundo hasta el momento.

Keane alcanzó el éxito internacional con el lanzamiento de su álbum debut "Hopes and Fears" en 2004. Encabezando las listas del Reino Unido, el álbum ganó el premio "Brit" 2005 al "Mejor Álbum Británico" y fue el segundo álbum británico más vendido de 2004 y de los álbumes más vendidos en la historia de las listas del Reino Unido. Sin embargo, las continuas comparaciones con sus compatriotas "Coldplay" (y también quizás con "Travis") condujeron - entre otras cosas- hacia su progresiva "caída", en mi opinión. Keane se vio "forzado" en muchos sentidos a tener que cambiar su "fórmula mágica musical" para distanciarse y diferenciarse aún más. Los álbumes posteriores vieron la introducción de más electrónica e incluso guitarras, aunque tímidamente, finalmente entraron.

Después del lanzamiento de cuatro álbumes, la banda tomó una pausa, que duró casi 7 años. El ahora cuarteto había entrado en un período plagado de luchas e incertidumbres personales. La adicción, el divorcio y múltiples proyectos paralelos mantuvieron vivo el espíritu de Keane durante gran parte de la década de 2010, mientras que los fans mantuvieron la esperanza de que eventualmente regresarán. La banda volvió en acción después de la pausa con nueva música, anunciando su quinto álbum de estudio titulado "Cause and Effect" el 6 de junio de 2019.

La discografía hasta ahora:

• Hopes and Fears (2004)
• Under the Iron Sea (2006)
• Perfect Symmetry (2008)
• Strangeland (2012)
• Cause and Effect (2019)

Hay dos discos que me gustan mucho de Keane, el "oscuro" "Under the Iron Sea (2006)" y mi favorito, el debut "Hopes and Fears".

ALBUM: Hopes and Fears 

El álbum de estudio debut fue publicado el 10 de mayo de 2004 en el Reino Unido. Aquí son un trío: Tom Chaplin, Tim Rice-Oxley y Richard Hughes.

El disco encabezó la lista de álbumes del Reino Unido tras su lanzamiento. Desde entonces ha sido certificado 9 × Platino por la BPI. El álbum volvió al Nº1 de las listas después de ganar un premio Brit como "Mejor Álbum" en febrero de 2005.

Con más de 2,7 millones de copias vendidas en el Reino Unido, "Hopes and Fears" se ubica en el undécimo álbum más vendido de la década de 2000 en el Reino Unido. En julio de 2011, fue clasificado como el noveno álbum más vendido del siglo XXI en el Reino Unido. A septiembre de 2019, es el  #36 álbum más vendido en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido. El álbum ha vendido  + 6 millones de copias en todo el mundo. Como puedes ver, las cifras impresionan y avalan su calidad.

Cuando salió este disco la prensa musical británica aclamó a Keane como la próxima gran novedad, y en este caso, el próximo "Coldplay". Esto no favoreció a Keane ya que ellos no se posicionaron, y mucho menos como el próximo "Coldplay". Sí, el mayor éxito de Coldplay hasta esa fecha, el tema "Clocks", incluía solo pianos, pero esto es lo único que, musicalmente, Keane tiene en común con "Coldplay". Además comenzaron comparaciones con "Travis" y otras bandas similares ya que se puso de moda el rock pop con una fuerte énfasis sobre el piano.

Volviendo a "Hopes & Fears", junto a su hermoso y emotivo juego de instrumentación, hay una cosa que separará a Keane del resto, y eso es su impecable impulso y hambre de éxito. La ambición es audible en cada canción. La rica voz del vocalista principal Tom Chaplin es vibrante, y en temas como "This Is the Last Time", "Bend and Break" y "Can't Stop Now" se reflejan los momentos más dulces y dramáticos de Keane. La confianza estalla en todas partes, y para una banda que ha estado alrededor de siete años juntos, y nunca ha lanzado un álbum de estudio hasta "Hopes and Fears", lograr una obra casi épica es impresionante.

Este disco obviamente tiene grande canciones y tiene una gran voz fuerte al frente; sin embargo, Tim Rice-Oxley (piano - teclados - bajo) y Richard Hughes (batería) permiten que "Hopes and Fears" cobren vida con glamour y sin el brillo de una producción de estudio elegante. Incluso los temas de desarrollo lento como "Bedshaped" y "We Might as Well Be Strangers" son tan apasionantes, si no más, que algunas de las canciones más fuertes del álbum.

Un disco recomendado. Este es el mejor álbum de Keane y uno de los mejores álbumes de pop- rock del 2000.Una pequeña obra maestra. Música que se basa en una gran voz, piano-teclados y batería. Fue un cambio - especialmente en su momento - que ofrece un gran sonido: adictivo, hermoso y muy bien construido.

Video (oficial) del tema “Everything´s Changing”:

Tracklist:

1.         "Somewhere Only We Know"           3:57
2.         "Bend and Break"      3:40
3.         "We Might as Well Be Strangers"     3:12
4.         "Everybody's Changing"        3:35
5.         "Your Eyes Open"      3:23
6.         "She Has No Time" 5:45
7.         "Can't Stop Now"      3:38
8.         "Sunshine"      4:12
9.         "This Is the Last Time"          3:29
10.       "On a Day Like Today"         5:27
11.       "Untitled 1"    5:36
12.       "Bedshaped"   4:38

OSCAR PETERSON | With Respect to Nat - Album

Oscar Peterson (Jazz)

Oscar Emmanuel Peterson, fue un virtuoso del piano y compositor de jazz canadiense. Duke Ellington lo llamó el "Maharajá del teclado", e informalmente en la comunidad del jazz se le considera como el "rey del interior swing". Publicó más de 200 grabaciones, ganó siete premios Grammy, así como un premio a la trayectoria de la Academia de Grabación, y recibió muchos otros premios y honores. Es considerado uno de los grandes pianistas de jazz de la historia, y ha tocado miles de conciertos en todo el mundo en una carrera que duró más de 60 años.

Oscar Peterson comenzó tocando el piano clásico cuando tenía seis años y evolucionó rápidamente. Después de ganar un concurso de talentos a los 14, comenzó a protagonizar un programa de radio semanal en Montreal. Peterson adquirió una experiencia temprana cuando era adolescente tocando con la orquesta de "Johnny Holmes". De 1945 a 1949, grabó 32 discos para el sello "Victor" en Montreal,  y ya por sus +20 años, se había ganado una reputación como un pianista técnicamente brillante y melódicamente inventivo... El resto es historia.

Era un pianista con una técnica extraordinaria al nivel de su ídolo, Art Tatum; la velocidad, la destreza y la habilidad de Oscar Peterson para hacer swing a cualquier ritmo fue asombroso. Muy eficaz en grupos pequeños, sesiones de improvisación y en el acompañamiento de cantantes; Peterson se encontraba mejor cuando realizaba solos sin acompañamiento. Su estilo original no cayó en ningún "estilo" específico, la forma de tocar distintiva de Peterson entre mediados y finales de los años 40 se ubicaba en algún lugar entre el swing y el bop. Peterson fue criticado a lo largo de los años porque usó muchas notas, no evolucionó mucho desde la década de 1950 y grabó una cantidad notable de álbumes. Quizás sea porque los críticos se quedaron sin adjetivos favorables.

Su discografía es demasiado larga para publicarla aquí. Vea el siguiente - enlace 

De los cientos de álbumes, elijo un álbum tributo que Peterson grabó en memoria del gran Nat King Cole. Extraño porque suena casi igual que Cole en voz, pero tiene el sello y talento de Peterson por todas partes. Estoy seguro de que Nat King Cole escucha con regularidad el siguiente disco en el cielo.

ALBUM: With Respect to Nat

Es un álbum de estudio de 1965, grabado en homenaje a uno de sus héroes musicales "Nat King Cole". Este álbum es inusual. Grabado poco después de la muerte de Nat King Cole, Peterson toma la voz en todas las canciones menos una ("Easy Listening Blues"), sonando mucho como Cole. Peterson, que rara vez cantó en su larga carrera, es muy efectivo ya sea con el respaldo de una gran banda (arreglos por Manny Albam) o recreando tanto el espíritu del "Nat King Cole Trio" como su propio grupo de finales de los años 50 con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown.

Un disco recomendado y muy cool. Es, no nos engañemos, un álbum "tributo" a uno de los mejores artistas del jazz / pop de la historia. Un disco entretenido y una excelente manera de descubrir a Oscar Peterson si no estás familiarizado con este extraordinario músico. Hay otros álbumes más innovadores de Oscar Peterson para buscar y escuchar, especialmente de su conjunto, "The Trio", como "The Oscar Peterson Trio at Zardi's" y sus grabaciones en directo, junto con "On The Town", "Two of the Few”, "Tracks", etc. 

Si te gusta "With Respect to Nat", te recomiendo que explores su extensa y rica discografía. Los fans del jazz quizás ya lo han hecho.

Video del tema "Straighten Up and Fly Right":

Tracklist:

1. "When My Sugar Walks Down the Street" – 2:18
2. "It's Only a Paper Moon" – 2:29
3. "Walkin' My Baby Back Home" – 2:31
4. "Sweet Lorraine" – 3:31
5. "Unforgettable" – 2:37
6. "Little Girl" – 2:35
7. "Gee, Baby, Ain't I Good to You" – 2:56
8. "Orange Colored Sky" – 2:12
9. "Straighten Up and Fly Right" – 2:25
10. "Calypso Blues" – 3:34
11. "What Can I Say After I Say I'm Sorry?" – 2:39
12. "Easy Listening Blues" – 3:23

Músicos:

• Oscar Peterson - piano, voz
  
  
• Manny Albam - arreglos, director
• Hank Jones – piano
• Ray Brown, Richard Davis – contrabajo
• Herb Ellis, Barry Galbraith – guitarra
• Mel Lewis – batería
• Wayne Andre, Jimmy Cleveland, J. J. Johnson – trombón
• Tony Studd - trombón bajo
• Seldon Powell - flauta alto, flauta tenor
• Jerome Richardson - flauta baja, flauta tenor
• John Frosk, Joe Newman – trompeta
• Ernie Royal, Danny Stiles - trompeta, fiscorno
• Phil Woods - saxofón alto

MADRUGADA | Industrial Silence

Madrugada (Banda)

Grupo noruego de rock alternativo (un rock alternativo inspirado en el blues) que se formó en 1993 como la evolución de otra banda "Abbey´s Adoption". Los miembros clave de la banda incluyeron a Sivert Høyem (voz), Robert Burås (guitarra) y Frode Jacobsen (bajo). Después de la muerte de Burås en 2007, Høyem y Jacobsen decidieron terminar de grabar el que sería su último álbum. El 21 de enero de 2008, la banda publicó "Madrugada" y anunció que se separarían después de una última gira. Realizaron su concierto final el 15 de noviembre de 2008.

En junio de 2018 se anunció que Høyem, Jacobsen y Lauvland Pettersen habían reformado la banda para una serie de espectáculos en 2019.

Una breve historia:

Su álbum debut, "Industrial Silence", fue publicado en 1999 con gran éxito de crítica y fue seguido por el más oscuro "The Nightly Disease" en 2001. Para ambos álbumes se hicieron giras extensamente por Europa y la banda consiguió una base de fans de culto en su natal Noruega, Alemania. y especialmente en Grecia.

Referente a su oferta de música y sonido han sido comparados con "Nick Cave & The Bad Seeds", "Chris Isaak", los australianos "Beasts of Bourbon", "Tindersticks" y "16 Horsepower". Aunque las influencias de dichas formaciones está presente, no caigas en la trampa de asociar un linaje directo. Estos noruegos son únicos.

La discografía hasta ahora:

• Industrial Silence (1999)
• The Nightly Disease (2001)
• Grit (2002)
• The Deep End (2005)[4]
• Live at Tralfamadore (2005)
• Madrugada (2008)
• The Best of Madrugada (2010)

Esta banda tiene algunos muy buenos álbumes como el más oscuro "The Nightly Disease" o "The Deep End". Sin embargo, mi favorito es el debut "Industrial Silence".

ALBUM: Industrial Silence

El álbum debut fue publicado el 30 de agosto de 1999. Creo que es un debut impresionante. Esto tiene que ver con el hecho de que ya llevaban seis años tocando juntos antes del lanzamiento de este disco bajo la banda "Abbey´s Adoption".

Combinado con una excelente composición; las vistas, las imágenes y los estados de ánimo que se evocan aquí son increíbles con la voz profunda y temperamental de Høyem y la guitarra de Burås que es excepcionalmente melódica y creativa, y siempre presente, ya sea en el frente o con rellenos y especias de fondo.

A la primera escucha detectas de inmediato aquí un perenne estilo nocturnal melancólico que recuerda a "Leonard Cohen", "Johnny Cash", "Nick Drake" … etc. Sin embargo, su afán por las historias de amor tristes, las letras poéticas y las melodías de almas torturadas los acercan a algunas bandas británicas post-punk de los 80 como "Joy Division" o incluso "Echo & The Bunnymen".

El disco comienza con un majestuoso "voz", un sonido de guitarra denso y grueso y el canturreo distintivo del cantante Sivert Høyem encima de todo. Lo que es realmente impresionante en este álbum, además de la calidad de las canciones, es la interpretación creativa y versátil del guitarrista Robert Burås. Toca de todo, desde pistas de guitarra tipo country hasta poderosos acordes de punk rock, suaves rasgueos acústicos y algo parecido al flamenco en el apocalíptico tema "Salt". De hecho, lo que realmente me atrae de este álbum son sus matices de "blues".

"Madrugada" tiene canciones que pueden servir como singles. Sin embargo, su fuerza no son las pegadizas canciones pop de tres minutos; son sus épicas y melancólicas baladas como "Electric" y "Shine", y cortes rockeros intensos como "Higher", los que hacen que este álbum se destaque. Algunos de mis temas favoritos de estos discos son "Vocal", "Sirens", "Strange Color Blue", "Electric" y "Terraplane".

Mi única crítica, y una trivial, es que puede ser una experiencia auditiva "lineal". Un poco más de variedad podría haber elevado el nivel aún más. Dicho esto, es solo una observación personal.

Un disco recomendado. Hay mucho de blues-folk rock presente en este debut. Es una obra triste, agridulce y melancólica, ideal para todos los fans de las baladas de blues y rock psicodélico. Si no lo conoces, buscarlo, pienso que te puede sorprender gratamente.

Video del tema "Vocal":

Tracklist:

1.Vocal 6:26
2.Beautyproof 3:57
3.Shine 4:12
4.Higher 4:46
5.Sirens 6:16
6.Strange Colour Blue 5:04
7.This Old House 5:07
8.Electric 4:51
9.Salt 4:51
10.Belladonna 4:18
11.Norwegian Hammerworks Corp. 5:26
12.Quite Emotional 4:28
13.Terraplane 4:06

RY X | Dawn - Album

Ry X (Cantante y compositor)

Ry Cuming, más conocido por su nombre artístico "RY X", es un cantautor y músico australiano. Su estilo musical une muchos géneros, sin embargo, si hay una necesidad de categorizar, Ry X se sienta con el pop ambient comercial, folktronica, indietronica, indie folk... o incluso dentro del estilo downtempo.

RY X nació en "Woodford Island" en "Northern Rivers" de "New South Wales", donde se convirtió en surfista. RY X menciona a "Pearl Jam" y "Jeff Buckley" como sus mayores influencias. Comenzó a escribir música a los 16 años, después de escuchar el álbum "Grace" de Buckley. Su canción "Let Your Spirit Fly" apareció en la banda sonora de la película "Hoot" de 2006. Se mudó a Los Ángeles, donde firmó con "Jive Records" lanzando su álbum debut homónimo el 20 de julio de 2010. Re-emergiendo en 2013 bajo el sobrenombre de "RY X", y logró un gran salto en éxito y comercialmente con la canción "Berlin" (Berlín EP) en 2013, evocando comparaciones con "Fleet Foxes", "James Blake" y "José González".

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• Ry Cuming     2010
• Dawn              2016
• Unfurl             2019

Descubrí a este músico único por pura casualidad navegando por la web. Aterricé en una canción llamada "Only" y fui captado por la voz y la pura emoción que se estaba transmitiendo. Investigué y me llevó al álbum "Dawn". Un gran descubrimiento.

ALBUM: Dawn

El álbum de "debut" bajo el nuevo nombre artístico de "RY X" publicado en mayo de 2016. Un disco que adopta un enfoque diferente (con cambio de nombre artístico incluido) sobre el material anterior: más guitarra pop. El resultado es un folk hipnótico, despojado y desnudo que te llama, atrae y te atrapa maravillosamente con su música. Este álbum une géneros y tiene una calidad etérea inquietante. La voz única de Ry X tiene mucho que ver con todo. Un tenor nacarado, hace vibrar un recipiente hacia una melancolía líquida que difumina las palabras en los bordes. Estira las estructuras pop con una repetición que se vuelve devocional y obsesiva. Cuando canta sobre el amor y el deseo, se sitúa en una confluencia de lo íntimo y lo casi sagrado. 

El tema de apertura, "Dawn ", hace poco para establecer el tono con sus lavados orquestales, pero la siguiente "Shortline" ves a Ry X demostrar su habilidad única para atraerte antes de desentrañar una red devoradora de texturas exuberantes y sutiles oleajes. La bella "Howling" se destaca de forma imperecedera, y aunque ambas pistas, junto con "Berlin" se han lanzado en varios formatos en los proyectos de Ry en el pasado, encajan bien dentro de este disco. El artista incluso se adentra en la "electrónica" como con el tema "Deliverance", que da una pista de su pasado; Ry hizo álbumes con dos proyectos orientados a la electrónica, "The Acid" y "Howling".

Como se ha indicado anteriormente, habiendo aparentemente reconsiderado su perspectiva después de un primer intento fallido como músico, las visiones únicas y refinadas de Ry Cuming siempre han estado en su manga, y su deseo de realizarlas auténticamente ha sido clave. Sería fácil reducir las ideas sobre "Dawn" a solo un regreso a sus primeros trabajos y las producciones del EP de "Berlín", pero este disco ofrece mucho más.

En lugar de intentar forjar un nuevo nicho o despojar todo de nuevo a sus raíces, este álbum se basa en todo lo que Ry ha absorbido y proyecta con una nueva perspectiva. Así, en esencia, las doce pistas son similares pero con una mezcla de tempos que evitan que el álbum se vuelva demasiado repetitivo. RY X combina la guitarra, la experimentación techno y un uso eufórico de cuerdas que se combinan maravillosamente. Tanto es así, que mi canción favorita "Only" me capturó y me mantuvo con el dedo sobre el botón "repeat" durante casi una semana.

Un disco recomendado. Sonidos pacíficos y completos. Si alguna vez te encuentras moviéndote por la vida a cámara lenta, este álbum te servirá como la banda sonora perfecta. Un pequeño tesoro.

Video de "Only":

Tracklist:

1.Dawn 1:56
2.Shortline 3:54
3.Salt 5:24
4.Howling 5:09
5.Only 4:28
6.Berlin 2:54
7.Beacon 6:02
8.Deliverance 3:50
9.Haste 4:04
10.Hold Me Love 3:13
11.Sweat 3:59
12.Lean 7:29