ROD STEWART - Gasoline Alley - Album

Antes de que Rod Stewart se convirtiera en un nombre reconocido, antes de las giras por estadios y los éxitos de las listas de éxitos, era un joven que forjaba su identidad entre la energía cruda de Faces y la intimidad de su trabajo en solitario. El LP "Gasoline Alley", lanzado en el verano de 1970, se sitúa justo en esa encrucijada. No es un álbum pensado para sencillos de radio o éxitos fugaces, sino una colección que revela a Stewart en su faceta más genuina, cruda, reflexiva y sin miedo a expresar sus emociones. Escuchando hoy es como abrir una cápsula del tiempo de un momento en el que el rock reconectaba con sus raíces y Rod Stewart demostraba su valía no solo como voz, sino también como narrador.

ALBUM: Gasoline Alley

Cuando se habla de los primeros trabajos de Rod Stewart, la conversación suele dirigirse directamente a "Every Picture Tells a Story", el álbum de 1971 que lo catapultó al estrellato. Pero siempre me detengo y miro hacia un año antes, a junio de 1970, cuando Stewart lanzó "Gasoline Alley". Era solo su segundo disco en solitario, pero ya lo capturaba en una inusual intersección de valentía, ternura y sinceridad sin adornos. Al escucharlo ahora, tantas décadas después, todavía se siente como una declaración de intenciones viva y palpitante.

Un momento en el tiempo:

"Gasoline Alley" llegó apenas tres meses después de que Rod Stewart debutara con Faces en "First Step". Equilibrar dos vidas musicales - una como líder de una banda estridente y la otra como cantautor solista - es algo que pocos artistas logran sin una notable disminución de calidad. Stewart lo logró. De hecho, la tensión entre esas dos identidades le dio a "Gasoline Alley" su pulso.

El álbum se lanzó el 12 de junio de 1970 y, aunque nunca produjo un sencillo exitoso, alcanzó el puesto número 27 en la lista Billboard. En el Reino Unido no tuvo un gran impacto comercial, pero en retrospectiva, marcó el comienzo de quince entradas consecutivas al Top 40 para Stewart en Estados Unidos.

En aquel entonces, el rock británico redescubría sus raíces. Después de que "Music From Big Pink" de The Band virase la conversación hacia una autenticidad depurada en 1968, muchos músicos británicos respondieron con instrumentos acústicos, violín y mandolina, retomando las tradiciones folclóricas. Rod Stewart, nacido en el Londres de la guerra en 1945, con ascendencia inglesa y escocesa, estaba en la posición perfecta para canalizar esa corriente. Su adolescencia, dedicada a empaparse de folk, rhythm and blues, y su aprendizaje con Jeff Beck le proporcionaron la base. Cuando entró al estudio para grabar "Gasoline Alley", estaba ansioso por demostrar que podía llevarlo todo bajo su propio nombre.

Un álbum de anhelo y liberación:

El disco arranca con la canción que le da nombre, escrita por Stewart y Ronnie Wood. Es, en muchos sentidos, la clave para comprender toda la colección. Construida con guitarra acústica y mandolina, con la guitarra slide de Wood entrelazada con las líneas vocales de Stewart, evoca una nostalgia en tonos sepia. La letra habla de volver a casa, tragarse el orgullo y volver a las raíces. Esa sensación de honestidad melancólica marca el tono de lo que sigue.

Luego llega "It's All Over Now" de Bobby Womack, que los Rolling Stones habían convertido en su primer número 1 seis años antes. Stewart y sus compañeros de banda no solo la versionan, sino que la recuperan. Donde los Stones lanzaban una burla, Rod Stewart la convierte en un estridente alboroto de liberación. El piano de Ian McLagan es suelto y alcohólico, la batería de Mick Waller resuena alegremente y Wood se desboca con una guitarra slide cortante. Se siente como un pub un sábado por la noche, con todos gritando al unísono y vasos de cerveza tintineando.

La empatía en la voz de Stewart brilla con más fuerza en "Only a Hobo" de Bob Dylan. Dylan nunca publicó oficialmente la canción en su época, pero Stewart la canta con una compasión contenida, con su timbre áspero acunando el retrato de un hombre desamparado. El siguiente tema, "Country Comfort" de Elton John y Bernie Taupin, lo encuentra a gusto entre imágenes pastorales de la sencilla vida rural, acompañado por Pete Sears al piano y Jack Reynolds a los coros. Stewart aporta calidez sin disimular la melancolía.

Versiones con un toque especial:

"Gasoline Alley" se apoya considerablemente en reinterpretaciones, seis de sus nueve canciones son prestadas. Sin embargo, no se trata de interpretaciones mecánicas. Stewart tenía un don en aquel entonces para hacer que el trabajo de otros se sintiera completamente suyo. "My Way of Giving", originalmente una canción de Small Faces, lleva la impronta de la energía de los Faces, con Ronnie Lane y Kenney Jones aportando su granito de arena. Y "Cut Across Shorty", un tema de Eddie Cochran de 1960, se extiende hasta convertirse en el tema más largo del álbum, impregnado de una interacción de violín y acústica que transforma sus raíces rockabilly en algo extenso y jubiloso.

Incluso el tema de cierre, "You're My Girl (I Don't Want to Discuss It)", un tema de Little Richard previamente grabado por Delaney & Bonnie, adquiere un aire funk. Algunos oyentes lo encuentran un poco fuera de lugar después de la intimidad de lo que lo precede. Tiendo a estar de acuerdo: se siente como una fiesta que se estrella en el último capítulo de un diario. Pero también subraya la negativa de Stewart a dejar que las texturas acústicas se suavizaran hasta convertirse en algo dócil. Esto seguía siendo rock and roll, por muy rústicos que fueran los instrumentos.

La propia voz de Rod Stewart:

A pesar de todo el placer de las versiones, son las originales de Stewart las que elevan "Gasoline Alley" por encima de ser simplemente un repertorio bien escogido. "Lady Day" es una de las baladas más conmovedoras que jamás haya grabado. Comienza con los versos: "Los vientos del norte han envejecido un poco mi rostro / Y mi espalda está doblada por esforzarme demasiado", captura una sabiduría cansada mucho más allá de sus veintiséis años. La guitarra de cuello de botella de Wood suspira a su alrededor, y toda la pieza se siente como una confesión susurrada en el aire nocturno.

"Jo's Lament" recorre un territorio similar, con tintes de arrepentimiento y disculpa, supuestamente destinado a reconectar con la madre del hijo de Stewart. Su melodía folk y su forma vulnerable de cantar son devastadoras en su simplicidad. Al escucharla hoy, me sorprende su despreocupación. Más adelante en su carrera, Stewart se hizo conocido por su bravuconería y sus sencillos que alcanzaron las listas de éxitos. Aquí, todavía estaba dispuesto a exponerse, temeroso de la soledad, buscando la reconciliación.

La canción principal, "Lady Day", y "Jo's Lament" forman la columna vertebral emocional del álbum. Muestran a Stewart no solo como un cantante poderoso, sino también como un compositor capaz de decir la verdad.

Gasoline Alley sigue siendo relevante:

"Gasoline Alley" no es solo un puente entre el debut de Stewart y su gran éxito. Es un reflejo de un momento muy específico en el que aún cantaba como si todo estuviera en juego. La crítica de la época lo notó. El periodista de la revista Rolling Stone, Langdon Winner, escribió que Stewart tenía "una sensibilidad poco común para los momentos delicados de la existencia de una persona cuando una verdad crucial, pero a menudo olvidada, desfila ante sus ojos". Al escucharlo hoy, es difícil no estar de acuerdo.

El sonido del álbum, acústico pero nunca dócil, alegre pero con toques de melancolía, refleja la encrucijada de los años 70. El rock estaba pasando de la expansión psicodélica de finales de los 60 a algo más terrenal y directo. La voz de Stewart, áspera pero tierna, encarnaba ese cambio a la perfección.

Cabe recordar también que Rod Stewart cumplía una doble función por aquel entonces: lideraba Faces y forjaba su camino en solitario simultáneamente. "Gasoline Alley" demuestra que podía equilibrar ambos mundos, tomando prestada la energía de sus compañeros de banda y, al mismo tiempo, marcando su propio camino.

Un disco que vale la pena revisitar:

"Gasoline Alley" quizá carezca de la fuerza que encabeza las listas de éxitos de "Every Picture Tells a Story", pero posee una honestidad cruda que lo convierte, para mí, en quizás su disco más duradero. Es tierno sin ser sentimental, estridente sin ser descuidado y arraigado en la tradición sin verse atrapado por ella.

Si solo has conocido a Rod Stewart a través de sus últimos éxitos o sus incursiones en el cancionero americano, hazte un favor y empieza por aquí. "Gasoline Alley" lo captura en el momento en que su voz aún transmitía el hambre del músico callejero, la arrogancia del rockero y la vulnerabilidad de un joven que plasmaba sus confesiones en canciones. Más de cincuenta años después, sigue sonando viva.

Disco recomendado

"Gasoline Alley" es una escucha imprescindible para cualquiera que sienta curiosidad por Rod Stewart en su faceta más humana. Ya sea por las interpretaciones de Dylan y Elton John, o por las desgarradoras baladas del propio Stewart, encontrará un disco que habla a través de generaciones. No lo pase por alto, aquí es donde realmente comenzó la leyenda de Stewart.

Video del tema "It's All Over Now":

Tracklist:

1. "Gasoline Alley" 4:02
2. "It's All Over Now" Bobby Womack, Shirley Jean Womack 6:22
3. "Only a Hobo" Bob Dylan 4:13
4. "My Way of Giving" 3:55
5. "Country Comfort" 4:42
6. "Cut Across Shorty" 6:28
7. "Lady Day" Stewart 3:57
8. "Jo's Lament" Stewart 3:24
9. "You're My Girl (I Don't Want to Discuss It)" 4:27

Personal:

• Rod Stewart – voz principal, guitarra acústica en "Jo's Lament"
• Ronnie Wood – guitarra, guitarra acústica, bajo
• Martin Quittenton – guitarra acústica
• Stanley Matthews – mandolina
• Ronnie Lane – bajo en "My Way Of Giving" y "You're My Girl", coros en "My Way Of Giving"
• Pete Sears – piano en "Country Comfort", bajo en "Cut Across Shorty".
• Ian McLagan – piano, órgano Hammond 
• Mick Waller – batería
• Kenney Jones – batería en «My Way Of Giving» y "You're My Girl"
• William Gaff – silbato
• Dennis O'Flynn, Dick Powell – violín
• Jack Reynolds – coros en "Country Comfort"

Producción:

Productores: Rod Stewart y Lou Reizner

DEFTONES - Private Music: por qué tienes que escucharlo

Cuando una banda llega a su décimo álbum, la pregunta no es si aún pueden tocar a todo volumen o componer riffs potentes. Es si pueden decir algo que importe. Deftones, la banda de Sacramento que ayudó a definir el metal alternativo a principios de siglo, regresa con un nuevo álbum, "Private Music", tras su silencio más largo hasta la fecha. En los cinco años transcurridos desde "Ohms", su ausencia solo ha agudizado la anticipación, y el lanzamiento se siente como un ajuste de cuentas con su pasado y su presente. Lo que sigue no es un simple disco más, sino una reflexión sobre la memoria, la resistencia y la extraña comodidad de escuchar a una banda que sigue sonando como nadie más que ellos mismos.

ALBUM: Private Music

Han pasado cinco años desde que Deftones lanzó nuevo material, la pausa más larga entre discos en su carrera. Ese lapso de por sí generó expectativas, pero el regreso valió la pena la espera. El 22 de agosto de 2025, la banda de Sacramento presentó "Private Music", su décimo álbum de estudio. Producido por Nick Raskulinecz, quien anteriormente supervisó Diamond Eyes (2010) y Koi No Yokan (2012), el disco se sintió inmediatamente como una continuación y un cambio. Por primera vez desde la salida de Sergio Vega en 2021, el bajista de gira Fred Sablan participa en la composición, lo que marca un cambio sutil pero significativo en la química del grupo.

Con 42 minutos de duración, "Private Music" es conciso, agudo y notablemente seguro. Transmite la tensión de una banda consciente de su legado, pero sin miedo a explorar los lugares donde la nostalgia y la modernidad se cruzan.

Un sonido familiar y misterioso:

Cuando escuché el disco por primera vez, el tema inicial, "My Mind Is a Mountain", irrumpió con una ferocidad que al instante me recordó el poder de Ohms. La batería de Abe Cunningham golpea como un martillo, la guitarra de Stephen Carpenter vibra con una fuerza sísmica y la voz de Chino Moreno se entrelaza entre canturreos y aullidos. Sin embargo, a medida que avanzaba el álbum, noté algo diferente. Las canciones no solo sonaban como Deftones, sino como ecos de sí mismas, refractadas a través del tiempo.

"Locked Club" lleva la voz de Moreno de confesiones habladas a coros imponentes, mientras que "Ecdysis" combina el crujido amenazante de los riffs silenciados con la palma de la mano con texturas de sintetizador que evocan su lado más atmosférico. La dualidad está presente en todas partes: la urgencia cruda de sus raíces noventeras coexistiendo con la neblina onírica que han perfeccionado en las últimas dos décadas. Al escucharla, sentí la inquietante sensación de revivir viejos recuerdos, difuminados por la distancia, familiares pero ligeramente extracorpóreos.

El peso emocional de la memoria:

Parte de lo que hace tan interesante a "Private Music" es lo mucho que se apoya en la memoria. Algunas canciones suenan como si hubieran sido escritas para ser recuerdos en lugar de declaraciones inmediatas. "Infinite Source" es uno de esos puntos culminantes. Su motivo ascendente de guitarra se encuentra entre los más distintivos de Carpenter en años, mientras que Moreno entrega versos como "The love we chased, and found" con una sensación de cansancio y determinación. La pieza se siente a la vez como un regreso al pasado y un soplo de aire fresco, con melodías reconfortantes e inquietantes a la vez.

En el extremo más lento, "I Think About You All", "Time" se adentra en el territorio del shoegaze. Sus capas crecientes me recordaron más a los nuevos lanzamientos de nu-shoegaze que a cualquier sencillo antiguo de Deftones. La letra es directa, incluso tierna, y aunque algunos oyentes podrían encontrarla demasiado simple, a mí me pareció que su simplicidad me desarmaba. Es un momento vulnerable, deliberadamente fuera de sintonía con los recortes más severos que lo rodean.

Un viaje coherente pero inquieto:

La secuenciación siempre ha formado parte de la experiencia de Deftones, y aquí juega un papel central. Muchos temas se fusionan, con interludios ambientales que conectan el cuerpo principal del disco. "Souvenir", la pieza central de seis minutos, es quizás el momento más expansivo. Su atmósfera exuberante y su ritmo pausado lo convierten en un clímax natural, y cuando su outro se adentra en el sombrío cXz, el efecto es desconcertante pero potente.

Por otro lado, "Milk of the Madonna" surge con una energía jubilosa, con riffs que rebotan de una forma que recuerda a Swerve City. "Cut Hands", en cambio, es confrontativa, desplegando un estilo vocal disperso que Moreno no ha adoptado en años. También es una de las canciones más pesadas que han escrito en la década de 2020, demostrando que incluso tres décadas después de su carrera, todavía pueden revolucionar el mundo.

El penúltimo "Metal Dream" sorprende con ritmos de estilo dub antes de transformarse en una expansión cósmica. Sus momentos finales se funden directamente con "Departing the Body", que cierra el disco con una nota casi teatral. El verso de Moreno, "Sorpresa, sorpresa, lo logramos", tiene un final agridulce. A medida que la atmósfera se desvanece, uno tiene la sensación de que esto es menos una conclusión que el paso a otro capítulo.

Nostalgia, consuelo y renovación:

Lo que más destaca de "Private Music" es su doble identidad. Por un lado, es un tema reconfortante. Los riffs son inconfundiblemente Deftones, la dinámica familiar, la atmósfera inconfundiblemente suya. Por otro lado, hay una extraña distancia, una cualidad vampírica, como si la banda invocara a su propio fantasma. Esta tensión le da al álbum su fuerza única. No es simplemente una repetición, ni una reinvención audaz. Es un reflejo: Deftones tal como suenan en nuestra memoria, transformados por el tiempo y la distancia.

El productor Nick Raskulinecz merece crédito por capturar este equilibrio. Su toque permite que la voz de Moreno se integre con la instrumentación en lugar de sobre ella, haciendo que su voz se sienta como una capa más en la textura general. Es por eso que las letras individuales pueden no destacar de inmediato, pero la atmósfera colectiva deja una huella imborrable.

Posición dentro de su legado:

Las comparaciones son inevitables. "Diamond Eyes" fue su renacimiento triunfal tras la tragedia. "Ohms" se sintió como la culminación de todo lo aprendido. "Private Music", en mi opinión, no es ninguna de las dos cosas. Es más fragmentada, más introspectiva, pero sigue siendo esencial. Algunos fans pueden añorar la experimentación de Saturday Night Wrist o la ambición brillante de Koi No Yokan, y es cierto que hay momentos aquí que reciclan movimientos familiares. Sin embargo, incluso en su versión más derivada, Deftones se mantiene muy por encima de los innumerables imitadores que construyeron sus carreras a partir de este modelo.

Lo que hace bueno a este décimo disco no es su novedad, sino su honestidad. Da la sensación de que Deftones reconoce el paso del tiempo, adentrándose en la nostalgia sin dejar de ofrecer temas que son innegablemente suyos.

Disco recomendado

Tras escuchar "Private Music", he llegado a apreciarlo como una de las declaraciones más humanas del catálogo de Deftones. No es perfecto, ni pretende serlo. A veces es crudo, a veces excesivamente familiar y a menudo empapado de distorsión, pero ese es precisamente su encanto.

Si has seguido a Deftones desde la época de Adrenaline, percibirás ecos de tus propios recuerdos en estas canciones. Si los descubriste más recientemente, encontrarás un disco que destila su esencia en un viaje conciso y atmosférico.

Después de diez álbumes, pocas bandas suenan tan vitales. "Private Music" demuestra una vez más por qué Deftones sigue siendo único, conectando a través de generaciones y moldeando el panorama sonoro de la música pesada como nadie más puede.

Mi recomendación es simple: reserva 42 minutos, ponte unos buenos auriculares y deja que "Private Music" te lleve adonde tus recuerdos y tu imaginación te lo permitan.

Video del tema "CXZ":

Tracklist:

1. "My Mind Is a Mountain" 2:50
2. "Locked Club" 2:52
3. "Ecdysis" 3:28
4. "Infinite Source" 3:32
5. "Souvenir" 6:10
6. "CXZ" 3:12
7. "I Think About You All the Time" 4:08
8. "Milk of the Madonna" 4:08
9. "Cut Hands" 3:01
10. "Metal Dream" 3:02
11. "Departing the Body" 5:59

Deftones:

• Chino Moreno – voz, guitarra, producción
• Stephen Carpenter – guitarra, producción
• Abe Cunningham – batería, producción
• Frank Delgado – teclados, samples, producción

Colaboradores adicionales:

• Fred Sablan – bajo
• Nick Raskulinecz – producción, ingeniería sonido, grabación

FIREHOSE - Fromohio - Album

Publicado en 1989, el disco "Fromohio" de FIREHOSE captura a una banda nacida del dolor y la perseverancia, navegando la transición de sus raíces punk en San Pedro a algo más reflexivo, esta vez con raíces en el Medio Oeste. Para quienes solo conozcan a los grandes nombres del auge del rock alternativo a finales de los ochenta, este álbum ofrece una perspectiva diferente: sin pulir, profundamente personal y discretamente desafiante. A continuación, una mirada más cercana a la banda que lo creó, las canciones que lo definen y por qué este sencillo disco aún merece un lugar en la conversación hoy en día.

FIREHOSE (Banda): La historia

Cuando escuché a la banda Firehose, me cautivó no solo la música, sino también la insólita historia de cómo surgió la banda. A mediados de los 80, el bajista Mike Watt y el baterista George Hurley estaban conmocionados por la repentina muerte de su compañero de los Minutemen, D. Boon. La tragedia dejó a Watt con pocas ganas de continuar, hasta que Ed Crawford, un fan de 21 años de Ohio, lo localizó. La persistencia de Crawford, algunos dirían audacia, lo llevó hasta San Pedro, California, donde prácticamente se presentó en la puerta de Watt con una guitarra y ganas de tocar. Contra todo pronóstico, Watt y Hurley accedieron a darle una oportunidad. Esa oportunidad se convirtió en "Firehose", estilizada como fIREHOSE en homenaje al logo de los Minutemen.

Crawford se mudó rápidamente a San Pedro, durmiendo bajo el escritorio de Watt durante meses mientras el trío forjaba un nuevo sonido. No estaban simplemente reuniendo a los Minutemen; al contrario, estaban empezando de cero con una química diferente. En 1986 lanzaron su debut "Ragin', Full On", y en dos años ya se habían convertido en un referente del underground alternativo. Los patinadores se fijaron en ellos, MTV les dio tiempo en antena y a finales de los 80 (siglo XX) se habían ganado una reputación como una de las bandas de gira más incansable de su generación, con casi mil shows antes de su separación en 1994.

ALBUM: Fromohio

Para 1989, Firehose ya había publicado dos álbumes con SST Records, y el tercero, "Fromohio", marcó un sutil punto de inflexión. El nombre era un guiño a las raíces de Crawford, conocido como "Ed From Ohio", y el disco se grabó en su estado natal. Ese detalle importa. Para una banda tan ligada a los muelles y bares punk de San Pedro, grabar en el Medio Oeste le dio a la música una base diferente, casi como si reconectaran con la sencillez de la clase trabajadora que impulsó su filosofía del "Do It Yourself" (DIY) en un principio.

"Fromohio" suele describirse como una banda que mantiene las tendencias acústicas y folk de su segundo álbum, "If'n". Y aunque algunos críticos de la época lo consideraron más de lo mismo, otros percibieron en él una profundización de lo que Firehose ya había comenzado: un álbum que no reinventa su sonido, sino que lo estabiliza, dando cabida a pequeños experimentos y momentos emotivos.

Canciones que cuentan una historia:

El disco abre con "Riddle of the Eighties", un tema que irrumpe con los inquietos estruendos de los platillos de George Hurley antes de que el riff de guitarra de Crawford avance con giros inesperados. Es una canción críptica pero reveladora, en la que Watt reflexiona sobre la década que acaba de terminar, llorando a su compañero fallecido y reconociendo la puerta que Crawford le abrió. Se puede sentir la ambivalencia, el dolor aún presente, pero también la sensación de que la banda ha encontrado la manera de seguir adelante.

Dos composiciones de Crawford destacan: "In My Mind" y "Time With You". Esta última se convirtió en un clásico de MTV, y cuando la escuches entenderás por qué. Es pegadiza sin ser obvia, sincera sin caer en el sentimentalismo. Puede que Crawford fuera el músico menos experimentado cuando se formó Firehose, pero en "Fromohio" demuestra que podía escribir con claridad y convicción.

"Whisperin’ While Hollerin’" es otro punto culminante, con su caos controlado, llevado por la sección rítmica de Watt y Hurley, mientras Crawford introduce ráfagas de guitarra. "What Gets Heard", cantada tentativamente por Watt, se convertiría más tarde en una de las canciones favoritas de los conciertos, con Crawford asumiendo la voz en directo. "Liberty For Our Friend", suelta y bulliciosa, se siente como una canción para cantar a altas horas de la noche; sus armonías fragmentadas celebran la comunidad tanto como la música.

El álbum "Fromohio" también está salpicado de desvíos inusuales: "Vastopol", la breve grabación de campo en solitario de Crawford de una melodía tradicional, y dos solos de batería sin acompañamiento de Hurley que sirven casi como un limpiador de paladar. Puede que estos interludios no sean del agrado de todos los oyentes, pero le dan al disco una textura excéntrica, recordándonos que Firehose nunca se conformó con pintar estrictamente dentro de los límites establecidos.

Otros momentos también destacan: el estilo funky de "Más Cojones", la suave y mecedora "Understanding" (con letra de la entonces esposa de Watt, Kira Roessler) y el cierre, "The Softest Hammer", una canción lenta y desconcertante que deja al oyente aturdido. Si parece irresuelta, quizás ese sea el punto: Firehose siempre se dedicó más a plantear preguntas que a ofrecer conclusiones contundentes.

Un disco que divide, pero perdura:

No todos han celebrado "Fromohio". Algunos críticos lo han tachado de olvidable, argumentando que poco del álbum realmente destaca. Y para ser justos, Firehose podría confundirse si solo se escucha a medias; sus canciones nunca fueron creadas para la gratificación instantánea. Sin embargo, otros, incluyéndome a mí, percibimos en este álbum una fuerza discreta. Puede que no tenga la urgencia de su debut ni las agudezas de sus últimos lanzamientos con Columbia, pero captura a una banda en proceso de equilibrio.

Al escucharlo hoy, lo que más me impacta es la sinceridad. No hay poses, ni intentos de seguir tendencias. "Fromohio" mezcla folk, punk, funk y rock sin complejos, y aunque pueda parecer suelto o irregular en algunos momentos, nunca resulta falso. Esa sola cualidad me ha hecho volver a escucharlo, mucho después de la primera escucha.

Por qué es relevante:

Para mí, "Fromohio" no es solo un artefacto de 1989; Es un recordatorio de lo que podía ser el rock alternativo antes de convertirse en una categoría de marketing. Firehose no buscaba entrar en el mainstream; eran tres músicos que buscaban conectar tras una pérdida, y en el proceso lograron construir algo duradero.

El álbum ofrece una ventana a esa búsqueda. Se escuchan las crípticas reflexiones de Watt, la batería inquieta de Hurley y la voz sincera de Crawford, que los entrelaza. También se perciben las imperfecciones, las armonías ásperas, los rellenos demasiado entusiastas, las voces tentativas, que lo hacen sentir humano. Y esa humanidad es precisamente lo que lo distingue.

Disco recomendado

Si sientes curiosidad por los rincones olvidados del rock alternativo, "Fromohio" es un disco que vale la pena escuchar. Puede que no se revele de inmediato, pero escúchalo con atención y encontrarás canciones que mezclan crudeza con ternura, excentricidad con sinceridad. Firehose puede haber surgido de la tragedia, pero con este álbum demostraron que podían forjar un futuro a su manera.

En definitiva, "Fromohio" es un testimonio de resiliencia, colaboración y la firme convicción de que la música aún podía importar después de que todo se derrumbara. Para quienes buscan algo fuera de lo común, algo a la vez improvisado y sincero, este álbum es un buen punto de partida.

Video del tema "Whisperin' While Hollerin'":

Tracklist:

"Riddle of the Eighties" - 2:00
"In My Mind" - 2:16
"Whisperin' While Hollerin'" - 2:04
"Vastopol" (Elizabeth Cotten) - 1:24
"Más Cojones" - 2:02
"What Gets Heard" - 2:19
"Let the Drummer Have Some" - 0:59
"Liberty for Our Friend" - 2:06
"Time With You" - 3:13
"If’n" - 3:14
"Some Things" - 2:43
"Understanding" - 3:12
"'Nuf That Shit, George" - 0:46
"The Softest Hammer" - 3:03

Personal:

• Ed Crawford: Guitarra, voz
• George Hurley: Batería
• Mike Watt: Bajo, voz
• Kira Roessler: Guitarra, voz