LUTHER JOHNSON - Lonesome in My Bedroom - Album

Siempre he pensado que algunos músicos no solo tocan blues, lo viven. Sus historias se filtran en cada nota, en cada pausa, en cada suspiro entre las cuerdas. Luther “Snake Boy” Johnson fue una de esas almas excepcionales. La primera vez que lo escuché en una tienda de discos, su guitarra no sonaba como un instrumento; sonaba como un recuerdo buscando su camino a casa. Su álbum de 1975, "Lonesome in My Bedroom", es más que una simple colección de canciones; es el sonido de un hombre enfrentando la vida de frente, sin pretensiones y lleno de verdad. Escucharlo recientemente es como entrar en una habitación donde el pasado aún resuena, el aire está cargado de emoción y el blues no es historia, está vivo, respirando a tu lado. Quiero recomendar a este gran músico, un bluesman que merece mucho más reconocimiento.

ALBUM: Lonesome in My Bedroom

Hay discos que susurran sus historias en voz baja, y otros que parecen escupirlas al aire. "Lonesome in My Bedroom" de Luther "Snake Boy" Johnson pertenece a este último grupo. Es un álbum que se siente íntimo y a la vez intenso, grabado en un momento en que el blues aún conservaba la esencia de los caminos rurales de Georgia y el humo de los bares de Chicago.

Descubrí la música de Johnson hace años en una tienda de discos de Madrid. La portada era sencilla, casi austera, pero el título me llamó la atención: "Lonesome in My Bedroom". Prometía algo humano, algo genuino. Cuando la aguja tocó el vinilo, quedó claro que no se trataba de otra sesión de blues de Chicago con la producción impecable de un estudio. Era personal, real y completamente sin pretensiones.

Bluesman nacido en Georgia con alma de Chicago:

Luther "Snake Boy" Johnson nació como Lucious Brinson Johnson el 30 de agosto de 1934 en Davisboro, Georgia. Como tantos otros músicos de blues de su época, provenía del campo, se crió en una granja, aprendió a tocar la guitarra de oído y absorbió las cadencias del góspel y los cantos de trabajo. Tras servir en el Ejército de Estados Unidos, Luther Johnson se estableció por un tiempo en Milwaukee, donde tocó con el grupo de góspel "The Milwaukee Supreme Angels". Pero el góspel pronto dio paso al blues, y a principios de la década de 1960, se sintió atraído por Chicago, donde el blues eléctrico encontraba su voz más cruda y poderosa.

Allí se integró al legendario circuito que definió el blues de posguerra. Luther Johnson trabajó con Elmore James, cuya influencia es evidente en su fraseo con la guitarra slide, y más tarde se unió a la banda de Muddy Waters en 1966. En el grupo de Muddy, Johnson absorbió el sonido profundo y puro que el propio Waters llamaba "el blues profundo", no solo un estilo, sino un estado mental: oscuro, melancólico, rítmico e implacablemente honesto.

A finales de la década, Luther Johnson comenzó a forjar su propio camino. Su álbum debut, "Come On Home" (1968), marcó su salida de la sombra de Muddy Waters. Le siguieron "Born in Georgia" (1972) y "Chicken Shack" (1974), dos trabajos sólidos que confirmaron su dominio del blues con guitarra. Pero fue "Lonesome in My Bedroom", grabado en Francia en 1975, el que se erige como quizá su obra más reveladora, su canto del cisne antes de su muerte al año siguiente a causa de un cáncer en Boston, con tan solo 41 años.

Música sin máscaras:

Grabado para Black and Blue Records, "Lonesome in My Bedroom" reúne a Luther "Snake Boy" Johnson con una formación de lujo: Fred Below en la batería, Dave Myers en el bajo, Lonnie Brooks con su guitarra incisiva y Hubert Sumlin aportando su característica tensión rítmica. Es un conjunto de ensueño para cualquier amante del blues, una combinación de experiencia, contención y energía.

Si bien el disco se nutre de la influencia de Muddy Waters, Jimmy Reed y John Lee Hooker, es inconfundiblemente propio de Johnson. Su voz ronca y curtida es protagonista, quebradiza por momentos pero sin llegar a romperse; el sonido de su guitarra corta como un alambre, agudo pero humano. Se perciben las pequeñas imperfecciones, la respiración entre líneas, la verdad que solo surge cuando un músico no intenta impresionar a nadie.

La primera cara del vinilo original se inclina hacia un blues lento y melancólico, del tipo que recuerda a Magic Sam y Otis Rush, pero interpretado con menos artificio y más crudeza. Johnson revisita aquí dos clásicos de Muddy Waters, reelaborándolos con profundo respeto pero con un toque personal, convirtiendo lo que podría haber sido una imitación en un diálogo entre alumno y maestro.

La cara B gana ritmo, deslizándose hacia lo que hoy podríamos llamar "blues rock", aunque el término se queda corto para la profundidad de lo que Luther Johnson ofrece. Su versión de "Little Queenie" de Chuck Berry es ingeniosa y vibrante, mostrando su sentido del humor e instinto rítmico. Pero los verdaderos tesoros son sus propias canciones, originales que demuestran que Johnson no solo es un excelente intérprete, sino también un compositor capaz de forjar su propio vocabulario bluesero.

El guitarrista olvidado de Muddy Waters:

La etapa de Johnson con Muddy Waters a menudo se ha visto eclipsada por la confusión con otro guitarrista, Luther "Guitar Junior" Johnson, que se unió a Waters más tarde. Esa confusión ha empañado injustamente el reconocimiento que merece “Snake Boy”. Sin embargo, entre músicos y puristas, su reputación permanece intacta.

Fue uno de los últimos guitarristas de Muddy Waters en tocar en el estilo de lo que este llamaba blues profundo: música de intensa carga emocional, construida menos sobre solos virtuosos que sobre un pulso rítmico que se siente como un latido. El trabajo de guitarra de Johnson era austero, primitivo y deliberado. Cada nota tenía un significado. No hay trucos, ni producción pulida, ni intento de complacer al público. En cambio, hay una especie de insistencia espiritual: el sonido de un hombre que usa la música para hablar con sencillez sobre la vida que vivió.

Al escuchar “Lonesome in My Bedroom”, se percibe una instantánea de una época en transformación. A mediados de la década de 1970, el blues ya no era la voz dominante de la música afroamericana; el rock, el funk y el soul habían tomado el relevo. Pero el disco de Johnson suena ajeno a esos cambios. Es la voz de un hombre que conservó intactas sus raíces, que nunca abandonó el camino de tierra ni siquiera cuando la autopista estaba abierta.

Por qué es bueno:

En una época donde la autenticidad es una palabra de marketing, "Lonesome in My Bedroom" sorprende por su sencillez. No hay artificios, ni trucos de estudio, solo la textura de una voz humana real y el roce de las cuerdas bajo dedos curtidos.

Para quienes aman el blues, no como género, sino como lenguaje de supervivencia, este disco es imprescindible. Para quienes se acercan por primera vez a él, ofrece la oportunidad de comprender qué hizo del blues de Chicago una fuerza tan poderosa: su honestidad, su alma y su firme negativa a mentir sobre la vida.

Disco Recomendado

Puede que Luther "Snake Boy" Johnson haya dejado pocas grabaciones, pero "Lonesome in My Bedroom" destaca entre ellas. Captura el brillo silencioso de un hombre que tocaba con el corazón, sin ilusiones ni filtros. Cuando escucho este LP, todavía siento como si lo hubiera descubierto en la tienda de discos, oyendo una voz a través de los altavoces.

Es muy recomendable escucharlo. A altas horas de la noche, con las luces bajas y el volumen alto. Deja que la habitación se quede en silencio. No necesitarás nada más. Un blues mágico.

Video del tema "Lonesome in My Bedroom":

Tracklist (LP vinilo):

A1 Lonesome in My Bedroom 6:23
A2 Honey Bee 6:12
A3 Long Distance Call 6:23

B1 Rock Me Slow and Easy 4:15
B2 Hush, Hush 4:17
B3 Little Queenie 4:07
B4 Jammin' With Willie 4:08
B5 Please Don't Take My Baby Nowhere 3:23

Créditos: 

• Guitarra, Voz – Luther Johnson
• Bajo – Dave Myers
• Batería – Fred Below
• Guitarra – Hubert Sumlin (pistas: A2, B2), Lonnie Brooks (pistas: A1, A3, B1, B3 a B5)
• Armónica – Little Mac Simmons
• Piano – Willie Mabon
• Composición – Luther Johnson (pistas: A1, B1, B4, B5)

MUDDY WATERS - Electric Mud - Album (Revisited)

Cada época produce discos que se niegan a permanecer en la historia, y "Electric Mud" es uno de ellos. Cuando Muddy Waters publico este álbum en 1968, no solo desafió las expectativas, sino que las impactó. La crítica lo desestimó, los puristas lo rechazaron e incluso el propio Muddy parecía incómodo con lo que había hecho. Sin embargo, al volver a escucharlo, se siente extrañamente vivo. Bajo la confusión y el caos, "Electric Mud" captura un momento en el que el blues, la base del rock, el soul y todo lo demás, se vio obligado a reinventarse. Es el sonido de una leyenda que se adentra en lo desconocido y, de alguna manera, emerge como atemporal. En retrospectiva, es una obra notable y audaz.

ALBUM: Electric Mud

Cuando escuché por primera vez el álbum "Electric Mud" de Muddy Waters, lo hice por pura curiosidad. Durante mucho tiempo, el álbum se había ganado la reputación de ser su gran paso en falso, un torpe coqueteo con la era psicodélica que enfureció a los puristas del blues e incluso al propio Muddy, avergonzado. Pero décadas después, con distancia y oídos abiertos, Electric Mud suena a algo completamente distinto. Es el sonido de un hombre, ya una leyenda, que se adentra en un mundo desconocido de pedales fuzz, distorsión wah-wah y ambición impregnada de reverberación. Puede que se malinterpretara en 1968, pero hoy resulta profético.

El nacimiento de una idea extraña:

A mediados de los sesenta, Muddy Waters, cuyo verdadero nombre era McKinley Morganfield, ya se había ganado el título de "Padre del Blues de Chicago". Sin embargo, sus discos ya no llegaban al público negro que en su día lo hizo famoso. La generación más joven se había inclinado hacia la Motown, la Stax y el optimismo sedoso del soul. Mientras tanto, bandas de rock blancas como "The Rolling Stones" y "Cream" vendían millones con riffs que habían aprendido del propio Muddy.

Entra Marshall Chess, hijo de Leonard Chess, cofundador de Chess Records, el sello que definió el blues eléctrico. En 1967, Marshall lanzó un nuevo sello llamado "Cadet Concept", donde comenzó a experimentar con sonidos psicodélicos a través de grupos como Rotary Connection. Tuvo una idea radical: tomar a Muddy Waters, el ícono del blues, y rodearlo de una nueva generación de músicos vanguardistas de Chicago que estaban moldeando el sonido en evolución de la ciudad. El resultado sería algo atrevido, una reinvención eléctrica y ácida del blues para el público del rock.

Como lo expresó posteriormente Marshall Chess: "No se trataba de cambiar a Muddy. Se trataba de ponerlo en una nueva pintura".

Una tormenta de sonido y talento:

Grabadas en mayo de 1968, las sesiones reunieron a algunos de los músicos más innovadores de Chicago: el guitarrista Pete Cosey (que más tarde se uniría a Miles Davis), Phil Upchurch, Roland Faulkner, el bajista Louis Satterfield, el organista Charles Stepney, el baterista Morris Jennings y el saxofonista Gene Barge. Juntos construyeron un paisaje sonoro fundido e impredecible, con ritmo, distorsión y caos a partes iguales.

Esta no era la banda de gira de Muddy Waters. Eran asesinos de estudio, cómodos con el jazz, el soul y el funk temprano, que trataban cada riff como un experimento de laboratorio. Modificaban las estructuras tradicionales del blues hasta darles formas que a veces apenas se parecían a las anteriores. La guitarra wah-wah gritaba, el órgano zumbaba como una iglesia electrificada, y en algún lugar en medio del ruido se encontraba Muddy, con su voz profunda y desafiante como siempre.

Para muchos, ese choque era el problema. El propio Muddy Waters dijo más tarde: "Si necesitas grandes amplificadores y wah-wahs para que tu guitarra hable, no puedes tocar blues". Y, sin embargo, lo irónico es que Electric Mud demuestra lo contrario: que incluso ahogada en realimentación y distorsión, la voz de Muddy aún podía dominar una sala.

De Hoochie Coochie Man a los Rolling Stones:

El álbum abre con "I Just Want to Make Love to You", un clásico de Willie Dixon reinventado como un sermón atronador, casi funk. La batería de Jennings resuena como una advertencia, mientras que la guitarra de Cosey asciende en espiral en una explosión de éxtasis. La interpretación de Muddy es más áspera, más urgente, la de un hombre que lleva su propio sonido al límite.

Luego llega "I’m Your Hoochie Coochie Man", una canción que suena como si el Delta del Mississippi se hubiera topado con el free jazz. Los instrumentos graznan, las guitarras gimen, pero esa famosa declaración ,"Soy tu hombrecito", aún resuena con una arrogancia inmortal.

El momento más extraño y fascinante del disco podría ser su versión de "Let's Spend the Night Together", tomada de The Rolling Stones. Muddy transforma la bravuconería juvenil del original de Jagger en algo más oscuro, maduro e infinitamente más sensual. Ya no es una canción sobre la lujuria adolescente, sino sobre la experiencia, la autoridad y el apetito. Cuando Muddy la canta, crees que lo ha visto todo.

"She's Alright" recorre un ritmo denso y pantanoso que finalmente se transforma en una cita inesperada de My Girl de The Temptations, mientras que "Mannish Boy" se vuelve casi irreconocible, un himno distorsionado a la masculinidad que roza el trance psicodélico.

Y luego está "Free Press News" de Herbert Harper, una peculiar canción de protesta cuya energía parece tomada de la contracultura más que del juke bar. Es política, funky y, según la leyenda, tan eléctrica que Jimi Hendrix la escuchaba antes de sus conciertos para inspirarse.

La reacción negativa y el malentendido:

Cuando "Electric Mud" llegó a las tiendas en octubre de 1968, los puristas del blues quedaron horrorizados. El álbum se vendió notablemente bien para ser un lanzamiento de blues, alrededor de 200.000 copias, pero los críticos lo tacharon de "blasfemia", "basura" y cosas peores. El propio Muddy Waters lo calificó de "un disparate". Estaba frustrado por no poder interpretar el material en vivo, ya que su banda habitual no tenía interés (ni equipo) para replicar el sonido.

Para muchos, parecía un acto de desesperación: una leyenda envejecida intentando perseguir a la juventud. Pero la realidad era más

Adelantado a su tiempo:

Escucha con atención el trabajo de guitarra de Pete Cosey y percibirás las raíces de lo que más tarde definiría la era eléctrica de Miles Davis. Escucha el latido del bajo de Louis Satterfield y captarás el pulso inicial del funk. El álbum conecta tradiciones: toma la honestidad primigenia del blues y la filtra a través de una nueva lente sonora, una que anticipó el espíritu innovador de los setenta.

No es de extrañar que décadas después, Chuck D de Public Enemy citara "Electric Mud" como el álbum que le abrió los oídos al poder del blues. De su caos surgió la inspiración, prueba de que incluso en la distorsión hay verdad.

Una obra maestra incomprendida:

"Electric Mud" nunca reemplazará a "Hard Again" o "Folk Singer" como los discos más queridos de Muddy, pero no necesita hacerlo. Su valor reside en su audacia. Este era el sonido de un hombre que no temía salir de su zona de confort, que se enfrentaba a un mundo cambiante con determinación y curiosidad. Puede que no fuera idea suya, pero su presencia la ancla. Sin la voz de Muddy, profunda como el Delta y el doble de misteriosa, este experimento salvaje se habría desmoronado.

La portada del álbum, con Muddy con túnica blanca rodeado de flores, era en parte parodia y en parte profecía: el blues renaciendo para una nueva era, aún obstinadamente él mismo, pero ahora zumbando con electricidad.

Disco recomendado

Si alguna vez has considerado "Electric Mud" una curiosidad fallida, dale otra oportunidad. Ponte los auriculares, cierra los ojos y deja que la tormenta distorsionada de Chicago te inunde. Bajo la neblina psicodélica, oirás el mismo latido que impulsó "Hoochie Coochie Man" y "Got My Mojo Working". Es el mismo hombre, solo que en una habitación diferente, con paredes más ruidosas.

Puede que Muddy Waters odiara "Electric Mud", pero también contribuyó a la creación de uno de los discos de blues más extraños, valientes y vanguardistas jamás grabados. Hoy, parece menos un error y más un mensaje adelantado a su tiempo: que el blues podía sobrevivir a todo, incluso a la era del ácido.

Así que sí, lo recomiendo, no como un álbum perfecto, sino como uno necesario. Es la historia que se dobla en sus límites, el sonido de un género que se niega a morir en silencio. Conéctalo, sube el volumen y métete en el barro.

Video del tema "She´s Alright":

Tracklist (LP):

Cara A:

1. "I Just Want to Make Love to You" Willie Dixon 4:24
2. "I'm Your Hoochie Coochie Man" Dixon 4:48
3. "Let's Spend the Night Together" Mick Jagger, Keith Richards 3:17
4. "She's All Right" McKinley Morganfield a.k.a. Muddy Waters 6:32

Cara B:

5. "I'm a Man (Mannish Boy)" Morganfield 3:21
6. "Herbert Harper's Free Press News" Sidney Barnes, Robert Thurston 4:32
7. "Tom Cat" Charles Williams 4:02
8. "Same Thing" Willie Dixon 5:44

Músicos:

• Muddy Waters – voz
• Gene Barge – saxofón tenor, productor
• Phil Upchurch – guitarras
• Roland Faulkner – guitarras
• Pete Cosey – guitarras
• Charles Stepney – órgano, arreglista, productor
• Louis Satterfield – bajo
• Morris Jennings – batería

Personal adicional:

Stu Black – ingeniero de sonido
Marshall Chess – productor

OTIS SPANN - Otis Spann Is The Blues - Album

Dedico un post para los aficionados a la música blues y lectores de este blog de música. 

Quizás nadie haya tocado mejor el piano blues de posguerra que Otis Spann. Tocó con Muddy Waters y muchos más y definió el sonido del piano blues. Soy un gran fan de su disco "Walking in the Blues", que recomiendo, pero voy a recomendarte otro LP de gran interpretación que marca la pauta con la que se miden a otros pianistas de blues.

Hago referencia a su primer disco en solitario, "Otis Spann Is the Blues". Pocas veces el título del disco ha sido tan acertado.

 

ALBUM: Otis Spann Is the Blues

 

Este es el primer álbum en solitario del pianista y vocalista de blues Otis Spann, grabado en Nueva York en 1960 y publicado en agosto del mismo año.

Otis Spann ocupó la silla del piano en la banda de Muddy Waters durante más de 15 años, tocando en la mayoría de sus grabaciones de Chess entre 1953 y 1969. El sello le permitió grabar material fuera de "Chess" y después de pasar años buscando un contrato, firmó un contrato único con "Candid" y grabó este debut en solitario.

Este trabajo aparece en un momento crucial en la carrera de Spann, recién salido de su paso por la banda de Muddy Waters, capta la energía cruda y la profundidad emocional que definieron su estilo. La interpretación de piano de Spann es el corazón y el alma del disco. Combina una destreza extraordinaria con un profundo conocimiento del idioma del blues. Su mano izquierda establece una base rítmica de rock, mientras que su derecha baila sobre las teclas, creando riffs de blues y melodías sin esfuerzo.

Grabado en un solo día, este álbum cuenta con solo dos músicos, Spann al piano y Robert Lockwood, Jr. a la guitarra eléctrica. Cada uno canta la voz principal en sus propias composiciones. Comienza con "The Hard Way" de Spann, un manifiesto personal ambientado en un blues lento. La deslumbrante habilidad de Otis Spann al piano se revela en "Take a Little Walk with Me" de Lockwood, un shuffle de 12 compases a medio tiempo que le ofrece a Spann espacio para acompañar, rellenar, acentuar, tocar solos y elevar el arreglo. "Otis in the Dark" y "Great Northern Stomp" son instrumentales solistas en los que puede mostrar sus habilidades de boogie woogie. "Beat Up Team" es un blues de Chicago que se acerca al Delta y Nueva Orleans a medida que se desarrolla. "My Daily Wish" de Lockwood muestra a los dos músicos intercambiando líneas instrumentales. La interpretación del guitarrista de "I've Got Ramblin' on My Mind" de Robert Johnson es interpretada con desenfreno por ambos músicos. El cierre del pianista, "Worried Life Blues", es la mejor interpretación a dúo de este LP. Lockwood añade acentos mordaces y breves solos al ritmo palpitante de Spann en el registro medio.

Video del tema "I Got Rambling on My Mind": 

"Otis Spann Is the Blues" no tuvo mucho éxito en los EE. UU., pero a los fans del blues británicos les encantó el disco después de ver y escuchar a Spann tocar con Waters en gira. Entre los influenciados se encuentran los guitarristas Jeremy Spencer y Peter Green (poco después se unió a Fleetwood Mac).

Los críticos y los fans han elogiado este álbum por su autenticidad y la forma en que encapsula la esencia del blues. La capacidad de Spann para transmitir emociones a través de su música ha sido destacada como una de las mayores fortalezas del álbum. Este disco se recomienda tanto a los entusiastas del blues de toda la vida como a los recién llegados al género, ya que ofrece una experiencia tradicional y pura del blues.

Disco recomendado

 
"Otis Spann is The Blues" no es sólo un gran álbum de blues; es una experiencia auditiva imprescindible para cualquiera que quiera comprender la verdadera esencia del género. Es una obra maestra atemporal que captura el corazón y el alma de una de las figuras más influyentes del blues.

Mientras escuchas esta recomendación, busca y descubre también otro de sus grandes discos "Walking in the Blues".

Video del tema "Worried Life Blues":

Tracklist (formato LP original):

1."The Hard Way" − 5:02
2."Take a Little Walk with Me" (Robert Lockwood Jr.) − 3:25
3."Otis in the Dark" − 4:32
4."Little Boy Blue" (Lockwood) − 3:38
5."Country Boy" − 4:24
6."Beat-Up Team" − 5:59
7."My Daily Wish" (Lockwood) − 4:26
8."Great Northern Stomp" − 4:15
9."I Got Rumbling On My Mind #2" (Johnson/Lockwood) − 4:02
10."Worried Life Blues" − 4:20

ROBERT JOHNSON - Leyenda y mito

ROBERT JOHNSON (Bluesman)

Robert Leroy Johnson es considerado uno de los músicos más influyentes en la historia del blues. Su legado musical es inmenso y ha sido una fuente de inspiración para muchos artistas.

Sin embargo su historia es controvertida, es casi toda leyenda sin muchos registros oficiales y pocos testigos, al menos fiables (típico, me dijo alguien que supo de alguien). Esto pone en duda todo: su nacimiento, su infancia, su familia, su historia y su muerte. Si existe sus pocas grabaciones, suficiente para edificar una narrativa y una leyenda que ha magnifico a este bluesman. Muchas de las razones que sacó este musico de la oscuridad han sido gracias a músicos posteriores, como Alan Lomax (historiador), Muddy Waters, Chuck Berry, Eric Clapton, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Keith Richards, Jimi Page, Robert Plant, Johnny Winter … etc., que mencionaron que les había inspirado.  La popularidad de estos "alumnos" hizo que explotara el interés por Robert Johnson: por su música, sus verdades, sus falsedades y su "inventado" mito.  

Existen otros bluesmen del "Delta" que fueron mejores músicos: Patton, Willie Brown, Son House, Elmore James, R. L. Burnside …etc., pero la historia ha creado una aura de misticismo alrededor de Johnson que le sitúa casi al mismo nivel de un "dios" de la música. 

En este post, exploraremos un poco la música, la historia (leyenda) y la influencia en la música actual de Robert Johnson.

La vida temprana de Robert Johnson:

Robert Leroy Johnson nació el 8 de mayo de 1911 (aunque no es un dato seguro) en Hazlehurst, Mississippi (EE.UU). Era el hijo ilegítimo de Julia Dodds, quien más tarde se casó con Charles Dodds. Johnson creció en una familia de hombres religiosos, y su padrastro era miembro de la Iglesia Bautista. Johnson no tuvo una relación cercana con su padrastro y a menudo se peleaban.

Robert Leroy Johnson comenzó a tocar la armónica y guitarra de joven y a cantar en eventos locales. A menudo tocaba en los llamados "juke joints", donde los afroamericanos se reunían para beber y bailar.

En 1931, Johnson conoció al guitarrista Ike Zimmerman, quien lo adoptó como aprendiz y lo enseñó a tocar la guitarra. Johnson pasó un tiempo tocando en los "juke joints" del Delta del Mississippi, perfeccionando su técnica y desarrollando su propio estilo de blues.

Su legado musical son solo dos sesiones de grabación, una en San Antonio en 1936 y otra en Dallas en 1937, que produjeron 29 canciones distintas (con 13 tomas alternativas) grabadas por el famoso productor del "Salón de la Fama de la Música Country", Don Law. Estas canciones, grabadas en solitario en estudios improvisados, fueron la totalidad de su producción discográfica. La mayoría se lanzaron como sencillos de 10 pulgadas y 78 rpm entre 1937 y 1938, y algunos se lanzaron después de su muerte. 

Resumen y Cronología:*

*Esta es la versión más popular (existen aún lagunas)

• 1911. Robert Leroy Johnson nace el 8 de mayo en Hazlehurst, Mississippi, fruto de la relación entre Julia Dodds y su amante, Noah Johnson.
  
  
• 1911-1914. La familia Johnson viaja por los campos de trabajo del Delta de Mississippi.

• 1918. La madre de Robert se casa nuevamente y la familia se establece en Robinsonville, una comunidad algodonera en el norte de Mississippi.

• 1925. Robert aprende a tocar la armónica y la guitarra. Sus primeras influencias incluyen a Leroy Carr y bluesmen locales como Willie Brown y Charlie Patton.

• 1929. Robert se casa con Virginia Travis. Trágicamente, su esposa y su primogénito fallecen durante el parto un año después.

• 1930. Robert regresa a Hazlehurst, donde queda profundamente impresionado por Son House, un bluesman y predicador. Otro bluesman, Ike Zinnerman, se convierte en su mentor y consejero.

• 1931. Robert se casa con Calleta Craft, una mujer diez años mayor que él y madre de tres hijos. La relación termina años más tarde.

• 1930-1935. Robert compone canciones y se presenta en los "juke joints" de Mississippi. Su fama crece y actúa en ciudades como Chicago y Nueva York.

• 1936. Del 23 al 27 de noviembre, Robert realiza sus primeras grabaciones para el sello Vocalion en San Antonio, Texas, producidas por Don Law. Entre las canciones grabadas se encuentran "Terraplane Blues", "Come on in My Kitchen", "Crossroads Blues" y "Sweet Home Chicago".

• 1937. El 19 y 20 de junio, Robert lleva a cabo su segunda sesión de grabación para Vocalion en Dallas, Texas, nuevamente con Don Law. Graba temas como "Hellhound on My Trail", "Love in Vain", "Me and the Devil Blues" y "From Four Until Late".

• 1938. El 13 de agosto, durante una actuación en Greenwood, Mississippi, Robert bebe whisky envenenado, supuestamente proporcionado por un esposo celoso. Aunque su cuerpo resiste inicialmente el veneno, su salud se complica y fallece de neumonía el 16 de agosto.

La muerte de Robert Johnson

Este es otro episodio lleno de misterio.

Robert Johnson murió el 16 de agosto de 1938, a la edad de 27 años, cerca de Greenwood, Mississippi, por causas desconocidas. La muerte de Johnson no se informó públicamente. Casi 30 años después, Gayle Dean Wardlow, una musicóloga con sede en Mississippi que investigaba la vida de Johnson, encontró el certificado de defunción de Johnson, que enumeraba solo la fecha y el lugar, sin una causa oficial de muerte.

No se había realizado ninguna autopsia formal. En cambio, se realizó un examen pro forma para presentar el certificado de defunción y no se determinó la causa inmediata de la muerte. Es probable que tuviera sífilis congénita y los profesionales médicos sospecharon más tarde que esto pudo haber sido un factor que contribuyó a su muerte. Sin embargo, 30 años de tradición oral local habían construido, como el resto de su historia de vida, una leyenda que ha llenado vacíos en el escaso registro histórico.

Existen varios relatos diferentes: 

1.  Envenenado

Johnson había estado tocando durante algunas semanas en un baile campestre en una ciudad a unas 15 millas (24 km) de Greenwood. Según una teoría, Johnson fue asesinado por el marido celoso de una mujer con la que había coqueteado. En un relato del músico de blues Sonny Boy Williamson, Johnson había estado coqueteando con una mujer casada en un baile y ella le dio una botella de whisky envenenada por su marido. Esta es la versión más popular.

2. Murió de sífilis

Robert Johnson era un mujeriego de mucho cuidado.

3. Síndrome de Marfan

En 2006, un médico, David Connell, sugirió, sobre la base de fotografías que mostraban los "dedos anormalmente largos" y "un ojo malo" de Johnson, que Johnson podría haber tenido el síndrome de Marfan, que podría haber afectado su forma de tocar la guitarra y contribuido a su muerte por disección aórtica.

La Tumba de Robert Johnson

Seguimos con los misterios. En lo que a la tumba de Robert Johnson, tampoco se conoce el lugar exacto. A día de hoy existen 3 lugares en Greenwood en los que se especula que puedan encontrarse sus restos:

1. Cementerio de la Iglesia Bautista Misionera de Mount Zion: donde se encuentra un obelisco con todas las canciones de Robert Johnson.
   
   
2. Cementerio de Payne Chapel, cerca de Quito, Mississippi: donde podemos ver una pequeña placa con el epitafio "Resting in the Blues".
   
   
3. Cementerio de la iglesia Little Zion, al norte de Greenwood: donde se colocó una marca con el nombre del guitarrista.

En resumen, más leyendas, y un sueño para cualquier profesional de marketing que llevara la marca "Robert Johnson".

La Música de Robert Johnson:

Robert Johnson fue un músico incomparable de que no se puede negar y su música sigue siendo popular en todo el mundo. A pesar de su corta carrera musical, Robert Johnson dejó un legado duradero en la música blues. Su estilo único de tocar la guitarra y su voz distintiva han influenciado a muchos músicos.

El Estilo de Blues de Robert Johnson

Se basaba en la técnica de "fingerpicking", en la que se utilizan los dedos para rasguear la guitarra en lugar de una púa. Johnson solía tocar con un dedo en la guitarra y otro en el bajo, lo que le permitía crear una melodía y un ritmo al mismo tiempo. Además, su técnica le permitía tocar acordes avanzados y escalas complejas.

Las Letras de Robert Johnson

Las letras de las canciones a menudo hablaban de la lucha por la vida, la muerte, el amor y la religión. Sus letras estaban llenas de imágenes y metáforas, lo que las hacía más emocionantes y significativas.

"I went to the crossroad, fell down on my knees...I went to the crossroad, fell down on my knees...Asked the Lord above 'Have mercy, now save poor Bob, if you please'..."

Sus Canciones más Famosas

Entre las canciones más famosas de Robert Johnson se encuentran "Cross Road Blues", "Love in Vain" y "Sweet Home Chicago". Cada una de estas canciones era única en su estilo y en su letra. "Cross Road Blues" hablaba de su supuesto encuentro con el diablo, "Love in Vain" era una canción de amor triste y melancólica, y "Sweet Home Chicago" era un himno.

La Influencia de Robert Johnson en la Música

La música de Robert Johnson ha influenciado a muchos músicos, tanto en el blues como en otros géneros. Eric Clapton, Jimi Hendrix y Keith Richards son solo algunos ejemplos de músicos que han reconocido la influencia de Johnson en su música. La técnica de "fingerpicking" de Johnson también ha sido adoptada por muchos músicos y ha influido en la música popular de hoy en día.

La Última Grabación de Robert Johnson

La última grabación de Robert Johnson fue "Hellhound on My Trail". Esta canción habla de sus miedos y preocupaciones, y es considerada una de sus mejores obras. Esta canción fue grabada en 1937, poco antes de su muerte, y ha sido un éxito desde entonces.

La Historia del Diablo y Robert Johnson:

Uno de los mitos más famosos sobre Robert Johnson es la historia del diablo. Según cuenta la leyenda, Johnson quería convertirse en un gran músico de blues, pero carecía del talento necesario. Un día, Johnson se encontró con el diablo en una encrucijada y le ofreció su alma a cambio de habilidades excepcionales en la guitarra.

Esta historia ha llevado a muchas especulaciones sobre la vida y la música de Robert Johnson. Aunque es imposible saber si la historia del diablo es verdadera o no, lo cierto es que Johnson se convirtió en uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos.

La Leyenda del Diablo

Según la leyenda, Johnson fue a una encrucijada cerca de Clarksdale, Mississippi, donde se encontró con el diablo. Johnson le ofreció su alma a cambio de habilidades excepcionales en la guitarra, y el diablo aceptó el acuerdo.

En algunos relatos, el diablo afinó la guitarra de Johnson para que sonara mejor, mientras que en otros, Johnson volvió a casa con una nueva guitarra que tocaba sola. Sin embargo, todos los relatos coinciden en que Johnson se convirtió en un guitarrista excepcional después de su encuentro con el diablo.

La Realidad detrás de la Leyenda

Es poco probable (más bien inventado) que la historia del diablo sea literalmente cierta, pero es posible que haya algo de verdad detrás de ella. Johnson era conocido por su dedicación y compromiso con su música, y trabajó duro para mejorar su habilidad en la guitarra. También es posible que haya sido influenciado por otros músicos de blues más experimentados (Willie Brown, Patton, Son House etc.).

En cualquier caso, la historia del diablo ha ayudado a mantener viva la memoria de Robert Johnson y ha contribuido a su leyenda como uno de los músicos de blues más importantes de todos los tiempos.

La Influencia de Robert Johnson:

Robert Johnson, a pesar de su corta carrera, ha dejado una huella imborrable en la música y cultura popular. Su estilo de guitarra, sus letras emotivas y su leyenda han influido a generaciones de músicos posteriores.

La influencia de Robert Johnson en el blues

Robert Johnson es considerado uno de los músicos más influyentes en la historia del blues. Su peculiar habilidad para tocar la guitarra y su técnica única son una referencia en el género. Muchos de sus contemporáneos se sintieron inspirados por su música, y posteriormente, artistas de todo el mundo han sido influenciados por su legado.

En particular, guitarristas de blues posteriores, como Muddy Waters, Bob Dylan, Eric Clapton y Jimi Hendrix, han hablado públicamente sobre cómo la música de Robert Johnson les ha influenciado y motivado en sus propias carreras.

La influencia de Robert Johnson en otros géneros musicales

Aunque Robert Johnson es conocido principalmente por su música blues, su influencia se extiende a otros géneros musicales como el rock and roll y el folk. Artistas como Bob Dylan, Led Zeppelin y The Rolling Stones han versionado sus canciones y han citado su música como una influencia clave en su propio estilo musical.

La influencia de la leyenda de Robert Johnson

La leyenda de Robert Johnson, desde su supuesto pacto con el diablo hasta su trágica muerte, ha capturado la imaginación de muchos. Ha sido una fuente de inspiración para músicos, escritores y cineastas, y ha contribuido a la mitología del blues y la música popular en general.

La vida y música de Robert Johnson son un testimonio de la importancia de la innovación y la creatividad en la música. Su legado continuará inspirando a artistas y amantes de la música en todo el mundo.

Los Álbumes de Robert Johnson:

A pesar de que Robert Johnson solo grabó 29 canciones en su corta vida, su influencia en el blues y la música en general es innegable. Sus canciones no solo se han convertido en clásicos del blues, sino que también han sido versionadas por innumerables artistas a lo largo de los años.

Álbum Año de Publicación Canciones Destacadas

• King of the Delta Blues Singers - 1961 -
  “Cross Road Blues”, “Sweet Home Chicago”, “Hellhound on My Trail”
  
  
• King of the Delta Blues Singers, Vol. II  - 1970
  “Kind Hearted Woman Blues”, “I Believe I’ll Dust My Broom”, “Rambling On My Mind”
  
  
• The Complete Recordings - 1990
  “Love in Vain”, “Stop Breakin’ Down Blues”, “Traveling Riverside Blues”

El álbum “King of the Delta Blues Singers” fue el primero en presentar la música de Robert Johnson al público contemporáneo. Fue publicado en 1961 por "Columbia Records" y tuvo un gran impacto en la escena musical de la época. El álbum incluía algunas de las canciones más famosas de Johnson, como “Cross Road Blues” y “Sweet Home Chicago”.

En 1970, Columbia lanzó “King of the Delta Blues Singers, Vol. II”, que recopiló algunas de las canciones de Johnson que no habían sido incluidas en el primer álbum. Incluía canciones como “Kind Hearted Woman Blues” y “I Believe I’ll Dust My Broom”.

Finalmente, en 1990, se publicó “The Complete Recordings”, una colección de todas las grabaciones existentes de Robert Johnson, incluyendo algunas pistas inéditas. Este álbum es considerado por muchos como la mejor recopilación de la música de Johnson y cuenta con algunas de sus canciones más icónicas como “Love in Vain”, “Stop Breakin’ Down Blues” y “Traveling Riverside Blues”.

¿Hay otros álbumes disponibles?

No hay otros álbumes oficiales de Robert Johnson, ya que solo grabó 29 canciones que se conocen. Sin embargo, existen recopilaciones de sus grabaciones y versiones de sus canciones interpretadas por otros artistas.

¿Cuál es el mejor álbum para empezar a escuchar la música de Robert Johnson?

Si eres nuevo en la música de Robert Johnson, recomendamos empezar con “King of the Delta Blues Singers”. Este álbum incluye algunas de sus canciones más famosas y es una excelente introducción a su estilo de blues. Dicho esto "The Complete Recordings" de 1970 lo tiene todo.

Conociendo las canciones de Robert Johnson:

 A pesar de su corta carrera, su música ha dejado una huella imborrable en la historia de la música.

Canciones destacadas de Robert Johnson

Estas son algunas de las canciones más destacadas de Robert Johnson:

Canción - Año

• Cross Road Blues 1936
• Love in Vain Blues 1937 (Inspiró a Jimi Hendrix para componer el éxito "Red House")
• Sweet Home Chicago 1936
• I Believe I'll Dust My Broom 1936
• Traveling Riverside Blues 1937

Video del tema "Sweet Home Chicago":

Letras icónicas de Robert Johnson

Las letras de Robert Johnson eran crípticas y misteriosas, lo que aumentó su reputación como un músico enigmático. Estas son algunas de las letras más icónicas de sus canciones:

And I said, 'Hello Satan, I believe it's time to go.'
Me and the Devil, was walkin' side by side.
And I'm goin' to beat my woman, until I'm satisfied.
I got to keep movin', I got to keep movin', blues fallin' down like hail.

Influencia en otros artistas

La música de Robert Johnson ha influido a muchas generaciones de artistas de blues y rock. Incluso algunos de los músicos más famosos del mundo han citado a Johnson como una fuente de inspiración. Aquí hay algunos ejemplos:

• Muddy Waters
• Eric Clapton
• The Rolling Stones (Keith Richards)
• Jimi Hendrix
• Bob Dylan
• Led Zeppelin
  
• Jack White

La música de Robert Johnson es ahora un tesoro y su legado sigue siendo relevante hoy en día. Sus canciones siguen siendo escuchadas y admiradas por personas de todo el mundo.

El estilo de guitarra de Robert Johnson:

Robert Johnson es conocido por su habilidad única en la guitarra, que le permitió crear un sonido que influenció a generaciones de guitarristas en todo el mundo. Johnson tocaba una guitarra acústica de seis cuerdas y utilizaba una técnica de picking y slide (deslizar una barra de metal o vidrio sobre las cuerdas) para producir un sonido distintivo.

Johnson también fue uno de los primeros músicos de blues en utilizar la técnica del fingerpicking, que implica tocar la guitarra con los dedos en lugar de una púa. Esta técnica le permitió a Johnson tocar una línea de bajo, un ritmo y una melodía simultáneamente en su guitarra acústica, lo que creó un sonido más completo que el que muchos otros músicos podían lograr en ese momento.

Además, Johnson también utilizaba múltiples voces en su guitarra, donde tocaba diferentes melodías en diferentes cuerdas al mismo tiempo. Esta técnica le permitió crear un sonido armonioso y complejo que lo diferenció de otros músicos de blues de la época.

Otro aspecto importante del estilo de guitarra de Johnson es su uso de la improvisación. Muchas de sus canciones tienen estructuras simples, dejando espacio para que él pueda improvisar y hacer variaciones en sus interpretaciones en vivo. La improvisación también le permitió a Johnson crear una sensación de emoción en su música, lo que es una de las razones por las que sus grabaciones siguen siendo tan influyentes hoy en día.

La técnica del bottleneck

Además de su habilidad en el fingerpicking, Johnson es conocido por usar la técnica del bottleneck, que implica deslizar un tubo de vidrio o metal sobre las cuerdas de la guitarra. Esta técnica le permitió a Johnson crear un sonido que imitaba la voz humana, lo que agregó una dimensión adicional a su música.

La técnica del bottleneck se utiliza comúnmente en el blues y sigue siendo utilizada por muchos guitarristas hoy en día. Pero fue Robert Johnson quien perfeccionó esta técnica y la hizo parte integral de su sonido distintivo.

En resumen, el estilo de guitarra de Robert Johnson es un ejemplo de cómo un músico puede influir en un género completo de música. Desde su técnica de fingerpicking hasta la técnica de bottleneck, las innovaciones de Johnson en la guitarra acústica continúan inspirando a guitarristas y músicos en todo el mundo.

Preguntas Frecuentes (FAQ) sobre Robert Johnson y el Blues:

Ha pasado casi más de un siglo desde la muerte de Robert Johnson, pero su legado musical sigue siendo fuerte en la actualidad. Aquí hay algunas preguntas frecuentes sobre el hombre y su música.

¿Quién era Robert Johnson?

Robert Johnson fue un músico estadounidense de blues que vivió en la década de 1930. A pesar de su corta carrera, su impacto en la música ha sido significativo.

¿Cuál fue el estilo de música de Robert Johnson?

Robert Johnson tocaba blues del delta, un estilo de blues que se originó en el delta del Mississippi. Era conocido por su habilidad en la guitarra y su voz única.

¿Por qué Robert Johnson es famoso?

Robert Johnson es famoso por su habilidad en la guitarra, su voz única y su impacto en la música. Él es a menudo considerado por músicos y críticos de la música como uno de los mejores músicos de blues de todos los tiempos.

¿Cuál es la historia del Diablo y Robert Johnson?

La historia del Diablo y Robert Johnson es una leyenda popular que dice que Johnson vendió su alma al diablo a cambio de habilidades sobrenaturales en la guitarra. La versión más popular (hay varias) cuenta que una noche, en una plantación cercana a la casa de Robert Johnson en Clarksdale, un hombre alto y negro se acercó a Johnson, cogió su guitarra, la afinó, tocó un par de canciones y se la devolvió al joven bluesman, así se cerró el pacto.

Aunque es sólo una leyenda, refleja el respeto y la admiración que se tenía por su habilidad musical.

¿Cuáles son los álbumes de Robert Johnson?

Robert Johnson sólo grabó 29 canciones en su corta carrera. Sin embargo, estas canciones fueron recopiladas en dos álbumes: "King of the Delta Blues Singers" y "King of the Delta Blues Singers, Vol. II". Ambos álbumes son considerados clásicos de blues.

¿Cuáles son las canciones más conocidas de Robert Johnson?

Algunas de las canciones más conocidas de Robert Johnson incluyen "Cross Road Blues", "Sweet Home Chicago" y "Love in Vain".

¿Cómo describirías el estilo de guitarra de Robert Johnson?

El estilo de guitarra de Robert Johnson se caracterizó por su habilidad con el picking y su técnica de slide. Su habilidad en la guitarra fue una de las razones por las que fue tan influyente en la música.

¿Quiénes fueron algunos de los artistas influenciados por Robert Johnson?

Varios artistas de blues fueron influenciados por Robert Johnson, incluyendo Muddy Waters, Eric Clapton, Bob Dylan y Keith Richards.

¿Por qué es importante la música de Robert Johnson?

La música de Robert Johnson es importante porque ayudó a definir el género del blues. Sus canciones y su estilo de guitarra han influido en generaciones posteriores de músicos y han sido un elemento clave en la historia de la música.

VIDEO:

Eric Clapton - Rambling on My Mind (Robert Johnson cover - Live 2008)

Para más lectora sobre Robert Johnson leer "El mito faustiano de Robert Johnson" - por Ignacio Pulido.

MUDDY WATERS - At Newport 1960 - Album

Muddy Waters es una leyenda del blues y uno de mis artistas favoritos, soy un autentico fan. Mi álbum favorito de este maestro del blues es su disco de 1964 "Folk Singer". Sin embargo, el álbum a continuación es otro de sus mejores, un disco en directo que ocupa el segundo lugar en mi Top 10 de lanzamientos de Muddy Waters. Además me haría mucha ilusión poder animar a los lectores, especialmente los más jóvenes, escuchar lo que ofrece Muddy Waters si no están familiarizados con su música. Si eres seguidor del Rock n Roll, de esta fuente se nutre.

ALBUM: At Newport 1960

 
Un álbum en directo de Muddy Waters grabado durante su actuación en el "Festival de Jazz de Newport" el 3 de julio de 1960. Con su antigua banda de respaldo, Muddy Waters toca una mezcla de sus canciones populares más antiguas y algunas composiciones nuevas. Chess Records publicó este álbum en los Estados Unidos el 15 de noviembre de 1960.

La portada del disco muestra a Muddy Waters en el Festival de Jazz de Newport sosteniendo una guitarra semiacústica. Cuando el fotógrafo William Claxton le pidió que posara para la portada, Muddy dejó su Fender Telecaster en el escenario y en su lugar sostuvo la guitarra semiacústica, perteneciente a su amigo John Lee Hooker.

Se considera uno de los álbumes fundamentales en la historia del blues y, a menudo, se cita como una de las mejores grabaciones en directo de Muddy Waters. El álbum se destaca por su formación estelar con el "Rey del blues de Chicago" en su mejor momento, gritando su música por encima del discordante aullido de una banda que incluía a Otis Spann (piano, voz), Pat Hare (guitarra), James Cotton (armónica), Andrew Stevens (bajo) y Francis Clay (batería). Más tarde, el álbum fue una influencia importante en los jóvenes músicos y bandas de blues "blancos" emergentes en los EE. UU. y el Reino Unido (por ejemplo, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Mike Bloomfield, Black Sabbath, AC/DC, etc.).

Esta grabación captura a Muddy Waters en un momento crucial de su carrera, cuando estaba pasando de ser un músico de blues tradicional a un sonido más electrificado. El "Festival de Jazz de Newport" fue un escaparate importante para los músicos de blues, y la actuación de Muddy Waters en el festival ayudó a presentarlo a una nueva generación de oyentes, en particular al público "blanco" que le amplió su mercado de ventas y le hizo aún más famoso.

El álbum tiene ocho temas, incluidas algunas de las canciones más famosas de Muddy Waters, como "I've Got My Mojo Working", "Got My Mojo Workin", "Hoochie Coochie Man" y "Tiger in Your Tank". Cada tema muestra la poderosa voz de Muddy Waters, su forma dinámica de tocar la guitarra y su capacidad para conectarse con una audiencia. Las canciones son estándares de blues, pero Muddy Waters pone su propio sello en cada una, haciéndolas sentir frescas y contemporáneas. Incluso hoy suenan de actualidad.

En términos de influencia, "Muddy Waters at Newport 1960" ha influido en las generaciones posteriores de músicos de blues y ha ayudado a consolidar el estatus de Muddy Waters como uno de los mejores músicos de blues de todos los tiempos. Las interpretaciones enérgicas y su importancia histórica lo han convertido en un clásico y un disco imprescindible para fans del blues.

Disco recomendado

Son treinta y cinco minutos de pura historia de blues. Un álbum histórico y es un testimonio del talento, la influencia y el impacto duradero de Muddy Waters en el género. Muddy Waters estaba en la cúspide de su carrera interpretativa con este disco. Una valiosa adición a la colección de cualquier amante de la música.

Video del tema "I Got My Brand on You":

Tracklist: (formato LP original):

Cara A:

1.         "I Got My Brand on You"                 4:32
2.         "I'm Your Hoochie Coochie Man"                3:00
3.         "Baby, Please Don't Go"                   3:01
4.         "Soon Forgotten"       James Oden    4:22
5.         "Tiger in Your Tank"  Willie Dixon   4:30

Cara B:

1.         "I Feel So Good"        Big Bill Broonzy        2:55
2.         "Got My Mojo Working"                   4:30
3.         "Got My Mojo Working, Part 2"                   2:48
4.         "Goodby Newport Blues"                  4:50

Musicos - vinilo original:

• Muddy Waters - guitarra, voz
  
  
• Otis Spann - piano, voz
• Pat Hare - guitarra
• James Cotton - armónica
• Andrew Stephens - bajo
• Francis Clay - batería

BIG MAMA THORNTON | The Queen at Monterey - Album

Era una mujer enorme: de voz, de talento y de personalidad...

Big Mama Thornton (Blues Woman)

 

Su nombre, Willie Mae Thornton (11 de diciembre de 1926 - 25 de julio de 1984), mejor conocida como "Big Mama Thornton". Fue cantante y compositora americana de blues. Fue la primera en grabar el tema "Hound Dog" de Leiber y Stoller, en 1952, que se convirtió en su mayor éxito, permaneciendo siete semanas en el #1 en la lista de Billboard R & B en 1953. El único éxito nacional en su vida. Es más, seria Elvis Presley que llevaría aún más lejos "Hound Dog" revolucionando el panorama nacional e internacional para expandir el "Rock N Roll". Otra composición de Big Mama, "Ball and Chain", lo haría famoso Janis Joplin. Ambos son casos de las muchas injusticias de la historia de la música, "Big Mama Thornton" podría haber sido más grande y tener más éxito de lo que finalmente tuvo. La falta de reconocimiento de "Big Mama Thornton" en la industria de la música es un reflejo de una era de segregación racial en los Estados Unidos, tanto física como en la industria de la música. La falta de acceso de Thornton a un público más amplio (tanto blanco como negro) fue una barrera para su éxito comercial como vocalista y compositora.

Thornton fue introducida a la música en una iglesia bautista, donde su padre era ministro y su madre cantante. Ella y sus seis hermanos comenzaron a cantar a edades tempranas. Su madre murió joven y Willie Mae dejó la escuela y consiguió trabajo lavando y limpiando escupideras en una taberna local (si como lo lees). En 1940 se fue de casa y, con la ayuda de Diamond Teeth Mary, se unió a "Hot Harlem Revue" de Sammy Green y pronto fue catalogada como la "Nueva Bessie Smith". Su educación musical comenzó en la iglesia, pero continuó a través de su observación de las cantantes de rhythm and blues "Bessie Smith" y "Memphis Minnie", a quienes admiraba profundamente.

 

Las actuaciones de Thornton se caracterizaron por su voz profunda y poderosa y su fuerte sentido de sí misma. Frank Schiffman, el gerente del Teatro Apollo de Harlem, le dio su apodo, "Big Mama", debido a su fuerte voz, tamaño y personalidad. Thornton dijo que era más fuerte que cualquier micrófono y que no quería que un micrófono fuera tan fuerte como ella. Su abrumadora personalidad derramó también en los personal, apagando (o encendiendo) su estado físico paulatinamente bajo los efectos del alcohol.

 

Durante los años 60 viajó por Europa y actuó en festivales (ejemplos "Newport" y "Monterey") y grabó dos discos en los 70. En 1984, Thornton fue encontrada muerta a los 57 años por personal médico en una pensión de Los Ángeles. Murió de trastornos cardíacos y hepáticos. Había perdido 161 kg en poco tiempo como resultado de una enfermedad, y su peso bajó de 204 a 43 kg. Triste final para una de las grandes del Blues.

 

Con el tiempo, Thornton encuentra su merecido sitio en la historia. Aparte de sus contribuciones a la música, fue elogiada por subvertir los roles tradicionales de las mujeres afroamericanas. Añadió una voz femenina a un campo dominado por hombres blancos, y su fuerte personalidad transgredió los estereotipos de lo que debería ser una mujer afroamericana.

 

Discografía, álbumes populares para conocer a Big Mama:

 

1965    Big Mama Thornton – In Europe     

1966    Big Mama Thornton with the Muddy Water Blues Band   

1969    Stronger Than Dirt    

1970    The Way It Is

1970    She's Back     

1973    Saved 

1975    Jail (Live)       

1975    Sassy Mama! (Live)  

 

Un álbum para conocer a Big Mama Thornton es "Big Mama Thornton: The Queen at Monterey".

 
Album: Big Mama Thornton: The Queen at Monterey (with the Muddy Waters Blues Band)

 

En 1966 se unió a la banda de Muddy Waters Blues para grabar "Big Mama Thornton: The Queen at Monterey" para Arhoolie Records. Las canciones incluyen 'Bumble Bee', 'I'm Feeling Alright' y 'Life Goes On'. La banda que acompaña a "Big Mama" es excepcional: Muddy Waters - guitarra, Otis Spann - piano, James Cotton - armónica, Sammy Lawhorn - guitarra, Luther Johnson - bajo, y Francis Clay - batería. Gracias a Chris Strachwitz (dueño del sello Arhoolie) se salvó este momento del olvido y se plasmó en cinta para ser considerado años después como uno de los grandes álbumes de blues jamás.

En este disco Thornton tiene una voz increíble, se entiende que fue la inspiración de Janis Joplin. Aquí vas a encontrar un blues arenoso y potente. Esta grabación es en directo y se exhibe plenamente porque Big Mama es considerada una de las vocalistas más grandes en un escenario.

 

Un disco recomendado y genial para conocer a Big Mama Thornton. Lo bueno de este álbum es que "Big Mama" finalmente tiene una banda acompañando que está a la altura de su enorme talento y voz. Un trabajo de calidad y esencial para cualquier colección de música Blues que pretende ser serio.

Video del tema "I´m Feeling All Right":

 Tracklist:

 

1.I'm Feeling Alright

2.Sometimes I Have a Heartache

3.Black Rat

4.Life Goes On

5.Everything Gonna Be Alright

6.Bumble Bee

7.Gimme a Penny

8.Looking the World Over

9.I Feel the Way I Feel

10.My Love

JIMMY ROGERS | Chicago Bound - Album

Jimmy Rogers (Guitarrista y Bluesman)

Cantante de blues, guitarrista y armónico de Chicago (nacido 3 de junio de 1924- murió 19 de diciembre de 1997), mejor conocido por su trabajo como miembro de la banda de Muddy Waters a principios de la década de 1950.

Rogers nació como Jay Arthur Lane en Ruleville, Mississippi. Se crió en Atlanta y Memphis. Adoptó el apellido de su padrastro. Aprendió a tocar la armónica con su amigo de la infancia Snooky Pryor, y cuando era adolescente tomó la guitarra. Tocaba profesionalmente en East St. Louis, Illinois, con Robert Lockwood, Jr., entre otros. Rogers se mudó a Chicago a mediados de la década de 1940. En 1946, fue grabado como músico y cantante de armónica para el sello discográfico "Harlem", dirigido por J. Mayo Williams. El nombre de Rogers no apareció en el registro, que fue etiquetado erróneamente como obra de "Memphis Slim and His Houserockers".

En 1947, Jimmy Rogers, Muddy Waters y Little Walter empezaron a tocar juntos, formando la primera banda de Muddy Waters en Chicago  (a veces denominados "Headcutters" o "Headhunters", debido a su práctica de robar puestos de trabajo a otras bandas locales). Los miembros de la banda grabaron y lanzaron música acreditada a cada uno de ellos como solistas. La banda definió el sonido del naciente estilo de blues de Chicago (más específicamente, el blues de South Side Chicago). Comenzó a alcanzar el éxito como solista en 1950, con la exitosa canción "That 's All Right", editada por "Chess Records", pero permaneció en la banda de Muddy Waters hasta 1954.  A mediados de la década de 1950, Chess publicó varios discos exitosos, la mayoría de ellos con Little Walter o Big Walter Horton en armónica, en particular "Walking by Myself". A finales de la década de 1950, cuando el interés por el blues disminuyó, gradualmente se retiró de la industria de la música, pero volvió a grabar y hacer giras en la década de 1970.

Fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues" en 1995. Rogers murió en Chicago en 1997.

Su discografía es extensa, mucha de ella como miembro colaborador de la banda de Muddy Waters. Los álbumes suyos, como artista en solitario, también son muchos y variados. Lo más fácil para conocer a Jimmy Rogers, o tener los temas más relevantes es proponer un disco "recopilación". El mejor sin duda es "Chicago Bound" (1970).

ALBUM: Chicago Bound

Es un álbum recopilatorio que contiene material de Jimmy Rogers grabado entre 1950 - 1956, y fue publicado en 1970. Hay más relanzamientos posteriores (vinilo, CD etc.), todos están disponibles en tiendas especializadas, por Internet y en plataformas de streaming.

Este disco es una colección de 14 canciones, que involucran prácticamente "la crème de la crème" de los artistas asociados con el blues de Chicago más intenso y dinámico. Esto incluye al ya mencionado Muddy Waters, dejando atrás su papel de líder por algunos números para agregar algunas partes de guitarra. También hay grandes músicos de la armónica, como Little Walters y Big Walter Horton. Están presentes también el pianista Otis Spann, el bajista Willie Dixon y el baterista Fred Belew, lo que significa que la sección rítmica es de primer nivel.

Escuchar este álbum es como recibir una clase magistral de Blues, Chicago Blues. Cuando la gente habla con reverencia sobre el sonido “clásico” del blues de Chicago de los 50, este álbum contiene básicamente lo que quieren decir. Conjuntos perfectamente equilibrados en los que las voces instrumentales mantienen una conversación, cada una contando su propia historia concisa, animada pero nunca gritando sobre las demás. Un equilibrio perfecto, también, de tradición y modernidad, los ganchos pegadizos de "The Last Time" o "You're The One" que conviven cómodamente con las melodías atemporales de "Chicago Bound", "Sloppy Drunk", "Goin' Away Baby", "I Used To Have A Woman" o "That’s Alright".

Un disco recomendado y fundamental para el amante del Blues. Las grabaciones afirman, y se ganan, su alto prestigio en la historia del blues, y lo mejor, están reunidas en esta colección indispensable.

Video del tema "Chicago Bound":

Tracklist del álbum "Chicago Bound" (formato vinilo):

A1       You're The One          2:38
A2       Money, Marbles and Chalk    2:16
A3       Luedella          2:51
A4       Act Like You Love Me         3:50
A5       Back Door Friend      3:20
A6       Last Time        2:42
A7       I Used To Have A Woman    3:06

B1       Sloopy Drunk 3:00
B2       Blues Leave Me Alone          3:02
B3       Out On the Road       2:51
B4       Goin' Away Baby      2:42
B5       That's Alright  2:45
B6       Chicago Bound          2:40
B7       Walking By Myself    2:48