EAGLES - Their Greatest Hits (1971–1975) - Album

Hace poco vi el documental de televisión "Historia de the Eagles" (recomendable) y me trajo muchos recuerdos musicales. Esto y el hecho de que también me dejó claro por qué soy un fan y disfruto tanto de la banda "Eagles".

Los "Eagles" fue una de las bandas de rock más grandes del planeta entre 1972 y 1979, gracias a una maestría musical asombrosa y a una composición de canciones hermosas que capturaban principalmente el espíritu mitológico de la América profunda mezclado con el estilo de vida hedonista de la soleada California de los 70 (Siglo XX). Sea lo que sea, su música fue suficiente para representar un arquetipo universal que les dio un atractivo mundial.

Pensando así, y siendo este un blog de música que intenta presentar bandas y álbumes a lectores que aún no estén familiarizados con su existencia, me apetece publicar un post sobre uno de los discos más vendidos de dicha banda de rock. El lector "veterano" no necesitará presentación, pero el lector más joven puede sorprenderse al descubrirlo y escucharlo. De cualquier manera el siguiente disco merece un homenaje y qué mejor manera que dedicarle un espacio al grupo "Eagles" y su disco "Their Greatest Hits (1971-1975)". Pero antes...

¿Quiénes eran los "Eagles":

 
Una banda estadounidense de rock formada en Los Ángeles en 1971. Los miembros fundadores fueron Glenn Frey (guitarra y voz), Don Henley (batería y voz), Bernie Leadon (guitarra y voz) y Randy Meisner (bajo y voz), todos reclutados por Linda Ronstadt como miembros de su banda, algunos de gira con ella y todos tocando en su tercer álbum en solitario ("Linda Ronstadt"), antes de aventurarse por su cuenta.

En 1975, Bernie Leadon fue reemplazado por el guitarrista y cantante Joe Walsh y luego Randy Meisner fue reemplazado por Timothy B. Schmit en 1977. Glenn Frey murió el 18 de enero de 2016, a la edad de 67 años.

Discografía de "Eagles" - Álbumes de estudio:

• Eagles (1972)
• Desperado (1973)
• On the Border (1974)
• One of These Nights (1975)
• Hotel California (1976)
• The Long Run (1979)
• Long Road Out of Eden (2007) 

Los "Eagles" es una de las bandas más vendidas del mundo, habiendo vendido más de 200 millones de discos, incluidos 100 millones vendidos solo en EE. UU. Fueron incluidos en el "Salón de la Fama del Rock and Roll en 1998.
 

Estilo de música de "Eagles":

 
Influenciado por bandas de rhythm and blues, soul, bluegrass y rock de la década de 1960 como "Byrds" y "Buffalo Springfield", el sonido general de "Eagles" ha sido descrito como "rock de California". El sonido del grupo también se ha descrito como country rock, soft rock y folk rock, y en años posteriores la banda se asoció con "estadio" rock.

ALBUM: Their Greatest Hits (1971–1975)

 
El primer álbum recopilatorio de "Eagles" fue publicado el 17 de febrero de 1976. Contiene una selección de canciones de los primeros cuatro álbumes de la banda, que se lanzaron entre 1972 y 1975. En la lista Billboard 200 de EE. UU., el álbum alcanzó el #1, donde permaneció durante cinco semanas. La RIAA ha certificado el álbum 38 x platino, lo que indica ventas de 38 millones de copias solo en los Estados Unidos, lo que convertiría a "Their Greatest Hits (1971-1975)" en el álbum más vendido del siglo XX en los Estados Unidos. En todo el mundo, el álbum ha vendido más de 45 millones de copias hasta 2020, lo que lo convierte en el álbum de grandes éxitos más vendido. Esta cifra sigue creciendo hoy en día. 

En 2017, la "Biblioteca del Congreso" seleccionó el álbum para su conservación en el "Registro Nacional de Grabaciones" por ser "cultural, histórica o artísticamente significativo".

¿Qué hay en la portada del álbum Eagles "Greatest Hits"?

 
La portada del álbum es una imagen de una obra de arte creada por el artista Boyd Elder (también conocido como "El Chingadero"), cuyo trabajo también se utilizó para la portada de otro disco "One of These Nights". La pieza consiste en un molde de plástico pintado de un cráneo de águila sobre un fondo azul claro hecho de mylar plateado. La apariencia irregular del fondo dio lugar al mito de que estaba cubierto de polvo de cocaína que la banda esnifó después de la sesión de fotos. La banda optó por no desacreditar ese mito, aunque según los rumores, Glenn Frey también notó el parecido y le dijo a Elder que el fondo le recordaba a "a field of blow" (un término de la jerga para la cocaína). Dicho esto, no hay pruebas que respalden esta historia (leyenda).

Las canciones: "Their Greatest Hits (1971–1975)":

 
Este disco está lleno de éxitos. Una recopilación que se nutre de sus primeros cuatro discos: "Eagles" (1972), "Desperado" (1973), "On the Border" (1974) y "One of These Nights" (1975).

Una sublime colección de temas de country-rock que ayudaron a que el sur de California pareciera el paisaje más mítico de los años 70. Las canciones son melódicas, y los arreglos llenos de rasgueos de guitarras acústicas sobre una sección rítmica de rock son inmediatamente atractivos. También hay una consistencia lírica en las canciones, que a menudo se refieren a incertidumbres románticas que se entienden universalmente. Por lo tanto, una colección de canciones consistentes en el estado de ánimo y la identidad, lo que puede ayudar a explicar por qué "Their Greatest Hits (1971-1975)" funciona mucho mejor que los álbumes originales de los que provienen. No es de extrañar que fuera un éxito tan grande en su lanzamiento, encabezando las listas y convirtiéndose en el primer álbum certificado platino en ese momento.

Elementos destacados que se pueden encontrar son las voces de Don Henley (conocido como "la Voz"), especialmente en la balada de piano "Desperado", la inquietante "Witchy Woman" y el encanto del rock suave "The Best of My Love", fueron una gran parte de su éxito, pero la conmovedora "Take It to the Limit" de Randy Meisner y la rockera "Already Gone" de Glenn Frey mostraron el impresionante rango de la banda. Por último, fueron Don Henley, junto con su compañero de banda y ya difunto Glenn Frey quienes escribieron, co escribieron y cantaron muchos de los éxitos de los Eagles.

"Their Greatest Hits (1971–1975)": Track-por-track:

• "Take It Easy": esta es una canción clásica de Eagles y una excelente manera de comenzar el álbum. La canción presenta excelentes armonías, riffs de guitarra pegadizos y un coro memorable. Es una canción para sentirse bien que establece el tono para el resto del álbum.

• "Witchy Woman": otra canción clásica de Eagles, presenta una melodía inquietante y la voz conmovedora de Don Henley.
  
  
•  "Lyin' Eyes": uno de los mayores éxitos de la banda, es una canción bellamente elaborada con una melodía pegadiza y una historia conmovedora. La canción muestra las habilidades musicales y de composición de la banda.
  
  
• "Already Gone": esta es una canción de rock alegre y de ritmo rápido con un riff de guitarra pegadizo y un coro memorable. Es un gran ejemplo de la capacidad de los Eagles para escribir canciones de rock pegadizas y aptas para la radio.
  
  
• "Desperado": una de las canciones más icónicas de la banda, "Desperado" es una balada lenta y triste con un mensaje poderoso. La canción cuenta con la voz emotiva de Don Henley y un hermoso acompañamiento de piano.
  
  
•  "One of These Nights": otro gran éxito de los Eagles, una canción de rock funky inspirada en la música disco con un gran ritmo y un estribillo pegadizo. La canción presenta algunas de las mejores armonías vocales de la banda.
  
  
• "Tequila Sunrise" - Esta es una balada hermosa y melancólica con una melodía memorable y una letra conmovedora. Una de mis favoritas, la canción muestra la capacidad de la banda para escribir canciones emotivas y sinceras.
  
  
• "Take It to the Limit": esta canción presenta una impresionante interpretación vocal de Randy Meisner y una hermosa melodía. La canción llega a un poderoso clímax y presenta algunas de las mejores armonías de la banda.
  
  
• "Peaceful Easy Feeling": una canción country-rock para sentirse bien con una melodía pegadiza y excelentes armonías. La canción tiene un ambiente relajado que captura la esencia del sonido inicial de los Eagles.

• "Best of My Love": esta canción es una balada hermosa y romántica con un coro memorable y excelentes armonías vocales. Es una manera perfecta de terminar el álbum y deja al oyente sintiéndose animado y satisfecho.
  
  

¿Por qué el éxito de "Their Greatest Hits (1971-1975)"?:

Desde una perspectiva comercial, "Their Greatest Hits (1971-1975)" fue (y sigue siendo) un enorme éxito que se puede atribuir a varios factores:

•  En primer lugar, los "Eagles" ya se habían establecido como una de las bandas de rock más populares y exitosas de la década de 1970. Cuando se publicó el álbum, ya habían logrado varios éxitos en las listas de éxitos y una base de seguidores leales.
  
  
• En segundo lugar, la lista de canciones del álbum se seleccionó cuidadosamente para mostrar las canciones más populares y perdurables de la banda. El álbum incluye todos los grandes éxitos de sus primeros cuatro álbumes, lo que aseguró que atraería tanto a los oyentes casuales como a los fans acérrimos.
  
  
• En tercer lugar, el álbum se lanzó en un momento en que la industria de la música estaba experimentando un cambio significativo hacia el rock orientado a los álbumes. "Their Greatest Hits (1971-1975)" fue una representación perfecta de esta tendencia, con canciones que eran a la vez amigables con la radio y artísticamente significativas.

• Finalmente, el éxito del álbum también se vio favorecido por la atención meticulosa de la banda a la producción y el marketing. Los "Eagles" eran conocidos por sus armonías ajustadas, su intrincado trabajo de guitarra y su sonido pulido, lo que hacía que su música fuera accesible a una amplia audiencia. También promocionaron fuertemente el álbum a través de conciertos, entrevistas de radio y apariciones en programas de televisión populares.
  
  

El legado de "Their Greatest Hits (1971–1975)":

Sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Realmente es un "monstruo" de disco mires donde se lo mires.

Una de las principales razones del éxito del álbum fue su sincronización. Los "Eagles" ya se habían establecido como una de las bandas más grandes del mundo a mediados de la década de 1970, y "Their Greatest Hits" llegó a la cima de su popularidad.

El éxito del álbum también ayudó a establecer a Eagles como una banda con un amplio atractivo. Si bien su música estaba arraigada en el country rock, pudieron cruzar al "mainstream" y atraer fans de todos los géneros. La mezcla de rock, country y pop del álbum atrajo a una amplia audiencia y ayudó a solidificar el lugar de los "Eagles" en la historia de la música.

Otro factor en el legado perdurable del álbum es la calidad de las propias canciones. The Eagles eran reconocidos por sus habilidades para escribir canciones, y "Their Greatest Hits" muestra algunos de sus mejores trabajos. Desde los ganchos pegadizos de "Take it Easy" y "One of These Nights" hasta la inquietante balada de "Desperado", el álbum es un testimonio de la destreza compositiva de la banda.

Finalmente, el legado del álbum también se puede atribuir a la influencia duradera de los "Eagles" en la industria de la música. Su combinación de rock, country y pop ha inspirado a innumerables bandas y artistas a lo largo de los años, y sus canciones siguen siendo tan populares hoy como cuando se lanzaron por primera vez. "Their Greatest Hits" es un tributo adecuado a una banda que ayudó a definir una generación de música y sigue siendo una piedra angular en la historia del rock.

Disco recomendado

 
Es impecable, un placer escucharlo en cualquier momento y en cualquier lugar. Cada tema es una delicia, no hay una sola canción mala en el "tracklist", lo que hace de este uno de los pocos álbumes que puedes reproducir en bucle sin fin sin ningún problema.

Por lo tanto, definitivamente, una de las colecciones de canciones mejor compiladas (si no la mejor) en la historia de la música. Lo único que falta son las canciones que vendrían más tarde en el enorme y ya clásico álbum de estudio "Hotel California" (1976). Dicho esto, con "Their Greatest Hits 1971-1975" tiene casi todas las canciones que necesitarás de "Eagles".

Por lo tanto, el solo hecho de tener los LPs "Their Greatest Hits (1971–1975)" y "Hotel California" te dará una maravillosa introducción a los "Eagles" y comprenderás por qué fueron un fenómeno de la música rock en los años 70. Poseer una verdadera percepción; de experimentar la maestría musical, melodías y letras pegadizas, consistencia, relevancia cultural y el atractivo atemporal de este álbum.

Finalmente, "Their Greatest Hits" ha sido galardonado con 38 platinos solo en los EE. UU. Es uno de los discos más vendidos en la historia de la grabación musical (+45 millones de copias en todo el mundo), dejando poco margen para el debate. Estoy seguro de que el lector más joven, quizás no familiarizado con "Eagles", disfrutará de este disco. El lector "veterano" puede verse motivado para quitarle el polvo al disco (si está en la colección) o visitar una plataforma digital de música y revivir la música y unos recuerdos maravillosos.

Video del tema "Take it Easy":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Take It Easy" (de Eagles, 1972)                  3:29
2.         "Witchy Woman" (de Eagles)                       4:10
3.         "Lyin' Eyes" (de One of These Nights, 1975)           6:21
4.         "Already Gone" (de On the Border, 1974)               4:13
5.         "Desperado" (de Desperado, 1973)               3:33

Cara B: 

1.         "One of These Nights" (de One of These Nights)    4:51
2.         "Tequila Sunrise" (de Desperado)                 2:52
3.         "Take It to the Limit" (de One of These Nights)      4:48
4.         "Peaceful Easy Feeling" (de Eagles)             4:16
5.         "Best of My Love" (de On the Border)                    4:35 

Eagles (los miembros):

• Glenn Frey – guitarras, voz; piano
• Bernie Leadon – guitarras, coros; banjo, pedal de acero, mandolín
• Randy Meisner - bajo, voz
• Don Henley - batería, voz
• Don Felder - guitarras en "Lyin' Eyes", "Already Gone", "One of These Nights" y "Take It to the Limit

THE ROLLING STONES - Sticky Fingers - Album

The Rolling Stones tienen muchos magníficos discos que son esenciales. Durante su período de música rock, la banda nos dio cuatro álbumes sobresalientes del género, todos casi seguidos: "Beggar's Banquet" de 1968, "Let It Bleed" de 1969, "Sticky Fingers" de 1971 y "Exile On Main St" de 1972. En estos cuatro álbumes mencionados se puede encontrar todo lo que necesitas saber sobre la música rock, desde sus raíces de blues, hasta su imaginería sexual y su desenfreno y rebeldía. De los cuatro álbumes mencionados, para mí "Sticky Fingers" se destaca más, tanto que es para mi el mejor álbum de The Rolling Stones.

En este blog post te invito a explorar juntos en más detalle el álbum "Sticky Fingers" de The Rolling Stones, desde su contenido y contexto histórico hasta su impacto en la música contemporánea.

ALBUM: Sticky Fingers

Introducción:

 
El noveno álbum de estudio británico y el undécimo estadounidense de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. Publicado el 23 de abril de 1971 en su nuevo sello propio "Rolling Stones Records" y producido por Jimmy Miller. Fue el primer álbum de estudio sin Brian Jones, quien murió dos años antes.

El álbum presenta un regreso a lo básico en comparación con los discos anteriores. La formación para esta obra es con Mick Jagger (voz principal, varias percusiones y guitarra rítmica), Keith Richards (guitarra y coros), Mick Taylor (guitarra), Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería). Colaboradores de los Stones desde hace mucho tiempo hicieron contribuciones adicionales, incluido el saxofonista Bobby Keys y los tecladistas Billy Preston, Jack Nitzsche, Ian Stewart y Nicky Hopkins.

La portada, concebida por Andy Warhol y fotografiada y diseñada por miembros de su colectivo de arte, "The Factory", muestra la imagen de un hombre en jeans muy ajustados y con una referencia directa al órgano sexual masculino "excitado". Existe controversia sobre "quién es la persona" de la portada. Los fans asumieron que la foto de la entrepierna era de Mick Jagger, pero miembros de "The Factory" afirman que Andy Warhol fotografió a varios hombres (sin incluir a Jagger) y nunca reveló qué tomas usó. Sigue el misterio hoy.

"Sticky Fingers" es considerado uno de los mejores discos de los Rolling Stones, y en mi caso, lo considero el mejor. Fue el primer álbum de la banda en alcanzar el número uno tanto en las listas de álbumes del Reino Unido como en las de Estados Unidos y fue incluido en el "Grammy Hall of Fame" en 1999.

The Rolling Stones logo:

El álbum también presenta el "logotipo de lengua y labios" de Rolling Stones Records, diseñado por John Pasche en 1970.

Las canciones:

 
El lanzamiento original de "Sticky Fingers" tiene 10 canciones. La música se puede caracterizar como hard rock, roots rock, blues rock y rock and roll (mejor dicho, rock and roll crudo y sórdido).

Reconstruido a partir de tomas descartadas y otras canciones, "Sticky Fingers" logra tener un ambiente suelto y destartalado que resuena tanto en sus orígenes como en las oscuras corrientes subterráneas no visibles. Es un álbum perezoso e influenciado por las drogas; más de la mitad de las canciones mencionan explícitamente el uso de drogas, mientras que las otras simplemente aluden a ello. Aparte de la clásica, "Brown Sugar", el largo entrenamiento "Can't You Hear Me Knocking" y la mezquina "Bitch", Sticky Fingers es un asunto lento y de blues con algunos toques de country añadidos.

Personalmente me encanta el tono relajado del álbum que da espacio para que toque el nuevo guitarrista principal Mick Taylor, particularmente en el mencionado "Can't You Hear Me Knocking". Pero la clave del disco es el perezoso ritmo de las canciones. "Wild Horses" es la primera incursión de una canción country, y es una obra maestra hermosa y conmovedora. Del mismo modo, "I Got the Blues" es un clásico retocado que se encuentra entre sus mejores blues. "Sister Morphine" es una historia de sobredosis y "Moonlight Mile" con las grandiosas cuerdas de Paul Buckmaster, es un cierre perfecto para el LP; triste, anhelante, drogado y hermoso.

Track-por-track:

 
El tracklist de las 10 canciones de "Sticky Fingers" es para mí sublime. Diez números que resumen musicalmente el género del rock and roll (incluidas con sus raíces de blues), la evolución inminente del rock y la actitud musical que llega a los años 70 con los Rolling Stones en el apogeo de sus poderes musicales.

A continuación una breve reseña-resumen de las 10 canciones:

• "Brown Sugar": la canción que abre el álbum es un tema de rock duro que presenta la voz icónica de Mick Jagger y el riff de guitarra clásico de Keith Richards. La letra, aunque controvertida, es innegablemente pegadiza y la energía de la canción es contagiosa.
  
  
• "Sway": esta canción de blues presenta un ritmo lento y seductor y un solo de guitarra inquietante. La voz de Jagger es cruda y emotiva, y la letra de la canción sobre el amor y el deseo es tanto poética como introspectiva.
  
  
• "Wild Horses": una de las canciones más famosas del álbum, es una hermosa balada que muestra el lado más suave de Jagger. La letra es sincera y conmovedora, y la melodía de la canción respira belleza.
  
  
• "Can't You Hear Me Knocking": este tema presenta un ritmo funky y un solo de guitarra espectacular que dura más de tres minutos (de Mike Taylor). La voz de Jagger es conmovedora y arenosa, y la sección rítmica de la canción es firme y enérgica.
  
  
• "You Gotta Move": un tema de blues tradicional con guitarra acústica, armónica y la poderosa voz de Jagger. La letra de la canción es de naturaleza religiosa, pero el mensaje general es de perseverancia y esperanza.
  
  
• "Bitch" - Otro número de rock "obsceno", presenta un ritmo de conducción y la arrogancia característica de Jagger. La letra es un poco misógina, pero la energía de la canción es innegable.
  
  
• "I Got the Blues": una balada conmovedora que presenta la voz cruda y emocional de Jagger y un solo de guitarra de blues. La letra es melancólica e introspectiva, y la melodía de la canción es inquietantemente hermosa.
  
  
• "Sister Morphine": una canción oscura y melancólica, presenta una melodía inquietante y la voz inquietante de Jagger. La letra trata sobre la adicción y la desesperación, y el estado de ánimo general de la canción es sombrío e introspectivo.
  
  
• "Dead Flowers": un tema con infusión de country, presenta la voz vibrante de Jagger y un riff de guitarra pegadizo. La letra es humorística y agridulce, y la melodía de la canción es innegablemente pegadiza.
  
  
• "Moonlight Mile": la canción de cierre del álbum es una hermosa balada que presenta la voz vulnerable de Jagger y un exuberante arreglo orquestal. La letra trata sobre la soledad y el aislamiento, y la melodía de la canción es inquietante y hermosa.

En resumen, son 10 canciones que muestran a los "Rolling Stones" en su apogeo creativo y un testimonio de la destreza musical y el legado perdurable de la banda.

El significado cultural del álbum "Sticky Fingers" de The Rolling Stones

Su importancia cultural se puede ver en varios aspectos, incluida su música, letras, portada del álbum e impacto en la cultura popular.

• Musicalmente, "Sticky Fingers" es una mezcla de influencias de blues, rock y country, con un sonido crudo y descarnado que refleja la actitud rebelde de la banda. La apertura del álbum, "Brown Sugar", es una canción de rock duro que trata temas de esclavitud, explotación sexual y tensión racial (y leido de otra manera "Heroina"). Su riff pegadizo y sus letras controvertidas lo convirtieron en un clásico instantáneo y un elemento básico de las presentaciones en directo del grupo. Otras canciones destacadas del álbum incluyen la conmovedora balada "Wild Horses", el blues "Can't You Hear Me Knocking" y la canción de influencia country "Dead Flowers".
  
  
• Líricamente, "Sticky Fingers" es una mezcla de comentarios personales y sociales, que trata temas de amor, pérdida, adicción y problemas sociales. Las letras del álbum son a menudo poéticas e introspectivas, lo que refleja la creciente madurez y profundidad artística de la banda. Por ejemplo, "Sister Morphine" es una canción inquietante sobre la adicción a las drogas, mientras que "Moonlight Mile" es una conmovedora reflexión sobre la soledad y el aislamiento.
  
  
• La portada del álbum, diseñada por Andy Warhol, también es un ícono cultural por derecho propio. La portada presenta una fotografía de primer plano de la entrepierna de un hombre con jeans ajustados, con una cremallera funcional que se puede abrir para revelar un par de calzoncillos blancos. La imagen es a la vez provocativa y subversiva, y desafía las normas y convenciones sociales. La portada ha sido interpretada como un comentario sobre la sexualidad, el consumismo y la mercantilización del cuerpo humano.

• "Sticky Fingers" también tuvo un impacto significativo en la cultura popular, inspirando a innumerables artistas y músicos en las décadas que siguieron a su lanzamiento. El sonido y el estilo del álbum influyeron en una generación de bandas de rock, incluidos "The Black Crowes" y "Guns N 'Roses", por ejemplo.

Por lo tanto, el significado cultural de Sticky Fingers radica en su innovación musical, lirismo poético, portada provocativa del álbum y su impacto duradero en la cultura popular. El disco continúa siendo celebrado y reverenciado por fans, melómanos y críticos por igual, consolidando su lugar como uno de los álbumes más grandes e influyentes en la historia de la música rock.

El impacto de Sticky Fingers en la historia de la música

 
Uno de los impactos más significativos de "Sticky Fingers" en la historia de la música es su influencia en el desarrollo de la música rock. El álbum representa un punto de inflexión en la carrera de los "Stones", ya que se alejaron de su anterior sonido influenciado por el blues y adoptaron un estilo más duro y más orientado al rock. La canción, "Brown Sugar", es un excelente ejemplo de esta nueva dirección, con su ritmo de conducción y el riff de guitarra icónico de Keith Richards.

"Sticky Fingers" también tuvo un impacto significativo en el formato del álbum en sí. En el momento de su lanzamiento, la mayoría de los álbumes estaban empaquetados en fundas genéricas sencillas. Sin embargo, "Sticky Fingers" fue el primer álbum en presentar una cremallera completamente funcional en la portada, diseñada por el artista Andy Warhol. Este empaque innovador se volvió icónico y ayudó a establecer la idea de los álbumes como obras de arte completas, en lugar de solo colecciones de canciones.

También hay que mencionar el impacto del álbum en la cultura popular. Muchas de las canciones de "Sticky Fingers" se han convertido en clásicos por derecho propio, como "Wild Horses", "Can't You Hear Me Knocking" y "Dead Flowers". Los temas y las imágenes del álbum también se han arraigado en la cultura popular, con su provocativa portada y su exploración de temas tabú.

Disco recomendado

"Sticky Fingers" es un álbum seminal que muestra a "The Rolling Stones" en el apogeo de sus poderes y sigue siendo considerado como un clásico de la música rock. Con su improvisada mezcla de decadencia, blues y música de raíces y pura malevolencia, "Sticky Fingers" marcó la pauta para el resto de la década de los Rolling Stones. El sonido del disco es un testamento de una banda en completo control de cómo suenan, y el álbum no ha envejecido ni un solo día desde 1971. Es una rara joya: un disco perfecto en tono, consistencia y ejecución. Imprescindible, no solo para los fans de la música rock o de los Rolling Stone, sino para cualquiera que afirme amar la música popular en general.

Para mí, el mejor disco de "The Rolling Stones". Si no lo conoces (quizás el lector más joven) hacerte el favor y buscarlo por las plataformas de música digitales. 

Video del tema "Can't You Hear Me Knocking":

Tracklist (formato original LP):

Cara A:

1.         "Brown Sugar"                      3:48
2.         "Sway"                                   3:50
3.         "Wild Horses"                        5:42
4.         "Can't You Hear Me Knocking"                   7:14
5.         "You Gotta Move"  ( Fred McDowell, Gary Davis)  2:32

Cara B:

1.         "Bitch"                                   3:38
2.         "I Got the Blues"                   3:54
3.         "Sister Morphine"   (Jagger, Richards, Marianne Faithfull)   5:31
4.         "Dead Flowers"                                 4:03
5.         "Moonlight Mile"                  5:56

The Rolling Stones (miembros):

• Mick Jagger: voz principal (todas las pistas), coros (canciones 2–5, 9), guitarra acústica (9, 10), castañuelas (1), maracas (1), guitarra eléctrica (2), percusión (3)
• Keith Richards: guitarra eléctrica (1, 3–7, 9), guitarra acústica (1, 3, 5, 8, 9), coros (1–7, 9)
• Mick Taylor - guitarra eléctrica (1, 2, 4–7, 9, 10), guitarra acústica (3)
• Bill Wyman - bajo (todos menos 5), piano eléctrico (5)
• Charlie Watts - batería (todos los temas)

Personal (músicos) adicional:

• Paul Buckmaster - arreglo de cuerdas (canción 2, 10)
• Ry Cooder - guitarra slide (8)
• Jim Dickinson: piano (3)
• Rocky Dijon – congas (4)
• Nicky Hopkins – piano (2, 4)
• Bobby Keys - saxofón tenor (1, 4, 6, 7)
• Jimmy Miller – percusión (4,6)
• Jack Nitzche – piano (8)
• Billy Preston - órgano (4, 7)
• Jim Price - trompeta, piano (7,10)
• Ian Stewart – piano (1, 9)

ART PEPPER | Leyenda del Saxofón Alto

Art Pepper (Músico Jazz)

Arthur Edward Pepper Jr., aka ART PEPPER, fue un saxofonista alto estadounidense, ocasionalmente saxofonista tenor y clarinetista. Una figura importante del jazz de la costa oeste, Pepper saltó a la fama en la big band de Stan Kenton. Era conocido por sus actuaciones cargadas de emoción y varios cambios de estilo a lo largo de su carrera. Su carrera fue interrumpida muchas veces por varias temporadas en prisión derivadas de su adicción a la heroína, pero Pepper logró siempre tener varios "regresos" memorables y productivos. Sorprendentemente, su abuso de sustancias y sus tribulaciones legales no afectaron la calidad de sus grabaciones, que mantuvieron un alto nivel de musicalidad a lo largo de su carrera hasta su muerte en 1982. Es considerado uno de los mejores saxofonistas altos - con Charlie Parker - del Jazz.

Una breve historia:

La vida de infancia de Art Pepper no fue nada fácil. Su madre era una fugitiva de 14 años; su padre, un marinero mercante. Ambos eran alcohólicos violentos, y cuando Art aún era muy joven, lo enviaron a vivir con su abuela paterna. Expresó interés y talento musical temprano, y recibió lecciones. Comenzó a tocar el clarinete a los nueve años, cambió al saxofón alto a los 13 e inmediatamente comenzó a tocar en "Central Avenue", el distrito de clubes nocturnos negros de Los Ángeles.

A los 17 años, comenzó a tocar profesionalmente con "Benny Carter" y luego se convirtió en parte de la orquesta de su gran mentor "Stan Kenton", girando con esa banda hasta que fue reclutado en 1943 por el Ejército. Después de la guerra, regresó a Los Ángeles y se unió a la "Kenton Innovations Orchestra". En la década de 1950, Art Pepper fue reconocido como uno de los principales saxofonistas altos del jazz, quedando solo en segundo lugar después de Charlie Parker como "Mejor saxofonista alto" en la encuesta "Readers Poll" de la revista más influyente de Jazz en ese momento "DownBeat" (1952). Debido más a la geografía que al estilo de interpretación, Art Pepper se le asocia con el movimiento musical conocido como jazz de la costa oeste - "West Coast Jazz". Otros grandes nombres que forman parte de este "movimiento" son Shorty Rogers, Gerry Mulligan, Chet Baker, Stan Getz, Bud Shank, Bob Cooper, Jimmy Giuffre, Shelly Manne, Russ Freeman, Bill Holman, André Previn, Paul Desmond y Dave Brubeck.

Para ser una persona que experimentaba continuos desconexiones en su carrera por sus problemas de adicción, y estancias en prisión, su productividad es impresionante. La discografía de Art Pepper es larguísimo, y solo incluyó títulos a continuación como "líder" de formación:

Como líder:

• Surf Ride (Savoy, 1952–54)
• Two Altos (Regent, 1952–54; con Sonny Red)
• The Return of Art Pepper (Jazz: West, 1956; con Jack Sheldon)
• Playboys (Pacific Jazz, 1956; con Chet Baker y Phil Urso)
• The Art Pepper Quartet (Tampa, 1956)
• Art Pepper with Warne Marsh (Contemporary, 1956)
• Collections (Intro, 1957; con Red Norvo, Joe Morello y Gerry Wiggins)
• Modern Art (Intro, 1957)
• Art Pepper Meets the Rhythm Section (Contemporary, 1957)
• The Art of Pepper (Omega, 1957)
• Art in L.A. (WestWind, 2-CD set, 1957/60 [1991])
• Art Pepper + Eleven – Modern Jazz Classics (Contemporary, 1959)
• Gettin' Together (Contemporary, 1960; con Conte Candoli)
• Smack Up (Contemporary, 1960; con Jack Sheldon)
• Intensity (Contemporary, 1960)
• Art Pepper Quartet in San Francisco [live] (Fresh Sound, 1964)
• Art Pepper Quintet : Live at Donte's 1968 [live] (Fresh Sound, 1968; con Joe Romano)
• Garden State Jam Sessions [live] Bootleg (Lone Hill Jazz, 1975) 
• I'll Remember April : Live at Foothill College (Storyville, 1975)
• Living Legend (Contemporary, 1975)
• The Trip (Contemporary, 1976)
• A Night in Tunisia [live] (Storyville, 1977)
• Tokyo Debut [live] (Galaxy, 1977) 
• No Limit (Contemporary, 1977)
• Thursday Night at the Village Vanguard [live] (Contemporary, 1977)
• Friday Night at the Village Vanguard [live] (Contemporary, 1977)
• Saturday Night at the Village Vanguard [live] (Contemporary, 1977)
• More for Les at the Village Vanguard [live] (Contemporary, 1977)
• San Francisco Samba [live] (Contemporary, 1977)
• Live in Japan, Vol. 1: Ophelia (Storyville, 1978)
• Live in Japan, Vol. 2 (Storyville, 1978)
• Among Friends (Interplay, 1978)
• Art Pepper Today (Galaxy, 1978)
• New York Album (Galaxy, 1979 [1985])
• So in Love (Artists House, 1979)
• Artworks (Galaxy, 1979 [1984])
• Stardust (Victor [Japan], 1979 [1985])
• Tokyo Encore [live] (Dreyfus, 1979)
• Landscape [live] (Galaxy, 1979)
• Besame Mucho [live] (Galaxy, 1979)
• Straight Life (Galaxy, 1979)
• Winter Moon (Galaxy, 1980; con Howard Roberts)
• One September Afternoon (Galaxy, 1980)
• Art Pepper with Duke Jordan in Copenhagen 1981 [live] (Galaxy, 1981; con Duke Jordan)
• Roadgame [live] (Galaxy, 1981)
• Art Lives [live] (Galaxy, 1981)
• APQ [live] (Galaxy, 1981)
• Arthur's Blues [live] (Galaxy, 1981)
• Art 'n' Zoot [live] (Pablo, 1981 [1995]; con Zoot Sims)
• Darn That Dream (Real Time, 1982)
• Tête-à-Tête (Galaxy, 1982; con George Cables)
• Goin' Home (Galaxy, 1982; con George Cables)
• Summer Knows (Absord (Japan) [2006])
• Unreleased Art, vols. 1–10. (Widow's Taste, [2006–2018]

También hay un larga lista de discos donde contribuye Art Pepper con otros músicos de Jazz como Chet Baker, Jesse Belvin, Hoagy Carmichael, Dolo Coker, Richie Cole, Conte Candoli, Herb Ellis, Art Farmer, jerry Fielding, Johnny Griffin, Toni Harper, Freddie Hubbard, Elvin Jones, Barney Kessel, Leviev, Shelly Manne, Jack Nitzsche, O´Day, Marty Paich, Previn, Buddy Rich, Shorty Rogers y Stan Kenton

Art Pepper murió de un derrame cerebral en Los Ángeles el 15 de junio de 1982, a los 56 años. Un fin triste, con una historia que se centra en las drogas y los delitos. No obstante, también es una historia de continua superación, de caer y levantarse, de lidiar con sus demonios y, de un excepcional talento nato para la música. La música de Art Pepper es bello y hermoso por las dificultades en su vida, si hubiera sido de otra manera no sería igual. Para aquellos que quieren saber más hay un libro titulado "Straight Life: The Story of Art Pepper". Es una autobiografía de Art Pepper escrita con su esposa, Laurie Pepper, y fue publicada en 1979.

Recomendar un álbum de Art Pepper es una tarea difícil. Primero hay muchos donde poder elegir y segundo, la mayoría son buenos. Sin embargo, voy a elegir dos: uno reconocido como quizás el mejor disco de su discografía, y el otro un álbum especial e introspectivo donde aparece una hermosa composición y balada de Jazz dedicado a su hija "Patricia".

ALBUM: Art Pepper Meets the Rhythm Section

La leyenda es que Art Pepper se despertó el 19 de enero de 1957 sin saber que lo habían contratado y reservado en un estudio para más tarde ese día. Art Pepper ni siquiera había tocado su saxo durante un par de semanas; el hábito de la heroína consume mucho tiempo. No sabía qué material iba a tocar, ni tampoco había tocado antes con los otros músicos. Al final se grabó una sesión extraordinaria y, se considera el mejor álbum de Art Pepper.

El disco "Art Pepper Meets the Rhythm Section" se publicó en 1957. Es la décima grabación de Art Pepper como líder y contiene a Red Garland (pianista), Paul Chambers (bajista) y Philly Joe Jones (baterista), quienes en ese momento eran la sección rítmica del quinteto de Miles Davis. El álbum se considera un hito en la carrera de Pepper. Una de las grandes joyas de toda la discografía del Jazz. Una sección de ritmo de la "costa este" funciona con un músico alto de la "costa oeste", y el resultado es simplemente mágico. El álbum contiene hermosas interpretaciones de Art Pepper en todas partes y ambos lados (este y oeste). No obstante, el saxofonista alto de 31 años estaba luchando contra la adicción a las drogas. A pesar de esto, se hizo un disco de jazz trascendente. El material y las interpretaciones son sublimes, con cada músico tocando con un alto nivel de creatividad, concentración e inspiración.

Hay "standards", "versiones" y co-composiciones que proponen ritmos bebop frenéticos hacia el latino... al swing. Momentos estelares son "Straight Life","Imagination", "Birks Works", "Tin Tin Deo" y la pista extra "The Man I Love". Aunque Art Pepper tocó con muchos tríos potentes, este lo inspira al máximo y ciertamente es una de sus grabaciones más importantes después de sus encarcelamientos iniciales y antes de su segundo gran deslizamiento hacia el abismo de la adicción.

Un disco recomendado, por lo bueno que está Art Pepper y lo magnífico que están los acompañantes Garland, Chambers y uno de los mejores bateristas de todos los tiempos, Philly Joe Jones.

En resumen, Jazz de la más alta calidad.

Video del tema "Straight Life":

Tracklist:

1."You'd Be So Nice to Come Home To" (Cole Porter) – 5:25
2."Red Pepper Blues" (Art Pepper, Red Garland) – 3:37
3."Imagination" (Jimmy Van Heusen, Johnny Burke) – 5:52
4."Waltz Me Blues" (Art Pepper, Paul Chambers) – 2:56
5."Straight Life" (Art Pepper) – 3:59
6."Jazz Me Blues" (Tom Delaney) – 4:47
7."Tin Tin Deo" (Gil Fuller, Chano Pozo) – 7:42
8."Star Eyes" (Gene de Paul, Don Raye) – 5:12
9."Birks' Works" (Dizzy Gillespie) – 4:17
10."The Man I Love" (George Gershwin, Ira Gershwin) – 6:36
[añadido al remastered recording de 2002]

ALBUM: Art Pepper Today

El otro disco que quiero recomendar es más por su carga emotiva, y principalmente porque contiene una hermosa balada que Art Pepper escribió para su hija Patricia. El álbum por consiguiente tiene "la narrativa" que hacen algunos discos muy especiales y memorables.

Sobre la balada de "Patricia". Ponerte en contexto. Ser un padre drogadicto que pasaba mucho tiempo alejado por pasar períodos en la cárcel, pasa factura a un padre y no mencionó el impacto psicológico sobre un hijo/a. Para "poder vivir" con este sufrimiento, o quizás justificar lo que es difícil poder justificar y así buscar un perdón de su hija, compone (adapta quizás es mejor) el tema "Patricia".  Volvemos al disco …

Art Pepper Today se publicó en 1978 que toca con Stanley Cowell, Cecil McBee, Roy Haynes y Kenneth Nash. Es un maravilloso álbum de Art Pepper de su época tardía. La banda es cálida y comprensiva - Cecil McBee esta impresionante; pero es Pepper como líder el que lleva la sesión. Los originales de Pepper son magníficos: el corte "Miss Who",  actualiza "Sweet Georgia Brown" (una melodía estándar de jazz y pop compuesta en 1925 por Ben Bernie y Maceo Pinkard, con letra de Kenneth Casey),  y el ahora famosa balada "Patricia" donde hace cambios sobre "Misty" (un estándar de jazz escrito en 1954 por el pianista Erroll Garner).

Un disco recomendado. Un álbum que pongo regularmente para escuchar especialmente cuando estoy en modo solitario.

Video del tema "Patricia":

Tracklist:

1."Miss Who" (Art Pepper) – 4:42
2."Mambo Koyama" (Art Pepper) – 6:40
3."Lover Come Back To Me" (Sigmund Romberg; Oscar Hammerstein II) – 6:51
4."Patricia" (Art Pepper) – 10:24
5."These Foolish Things (Remind Me of You)" (Harry Link; Jack Strachey; Holt Marvell) – 5:44
6."Chris's Blues" (Art Pepper) – 3:50 

PRINCE | Top 10 Ranking Albums

PRINCE (Músico)

Prince Rogers Nelson (7 de junio de 1958-21 de abril de 2016) fue un cantautor, músico, productor de discos, bailarín, actor y cineasta estadounidense. Es ampliamente considerado como uno de los mejores músicos de su generación. Simplemente, ningún otro artista de la era del Rock se compara con Prince. Era la combinación de un conceptualista pop visionario y un maestro músico que podía capturar los sonidos que imaginaba, una cualidad que impulsó su notable éxito en la década de 1980. Las ideas llegaron a Prince tan rápido que no podían ser contenidas en sus propios discos, con o sin su banda de apoyo "The Revolution".

No había un área de la música pop en los 80 que no tuviera su influencia: se podía escuchar en el funk y R&B sesiones, en el electro-techno y rock neo-psicodélico, y justo en la cima de las listas de éxitos. El reinado de Prince continuó hasta principios de los años 90, un momento en el que cambió "The Revolution" por el jazz-funk de "New Power Generation". 

A mediados de la década de los 90, entró en una guerra con su compañía discográfica por conseguir su "libertad", que contribuyó a una lenta caída en las listas de éxitos. Una vez que recibió la emancipación de su contrato, aprovechó la oportunidad para publicar tanta música como pudo grabar, tomándose ocasionalmente el tiempo para enfocar su objetivo en "el mainstream", anotando éxitos como el disco "Musicology" de 2004 en el proceso. Prince produjo nueva música a un ritmo frenético a lo largo de la última década de su vida El 21 de abril de 2016 se comunicó que el músico había muerto (sobredosis accidental de fentanilo, tratamiento de dolores) a la edad de 57 años.

Vendió + 130 millones de discos en todo el mundo, ubicándolo entre los artistas musicales más vendidos de todos los tiempos. Sus premios incluyen el "Grammy President 's Merit Award", los "American Music Awards" por logros y méritos, el "Billboard Icon Award", un "Academy Award" y un "Golden Globe Award". Fue incluido en el "Salón de la Fama del Rock and Roll" en 2004, en el "Salón de la Fama de la Música del Reino Unido" en 2006 y en el "Salón de la Fama de la Música Rhythm and Blues" en 2016.

La amplia discografía de álbumes (estudio y BSO) de PRINCE:

• For You (1978)
• Prince (1979)
• Dirty Mind (1980)
• Controversy (1981)
• 1999 (1982)
• Purple Rain (1984)
• Around the World in a Day (1985)
• Parade (1986)***
• Sign o' the Times (1987)
• Lovesexy (1988)
• Batman (1989)
• Graffiti Bridge (1990)
• Diamonds and Pearls (1991)
• Love Symbol Album (1992)
• Come (1994)
• The Black Album (1994)
• The Gold Experience (1995)
• Chaos and Disorder (1996)
• Emancipation (1996)
• Crystal Ball (1998)
• The Truth (1998)
• The Vault: Old Friends 4 Sale (1999)
• Rave Un2 the Joy Fantastic (1999)
• The Rainbow Children (2001)
• One Nite Alone... (2002)
• Xpectation (2003)
• N•E•W•S (2003)
• The Chocolate Invasion (2004)
• The Slaughterhouse (2004)
• Musicology (2004)
• 3121 (2006)
• Planet Earth (2007)
• Lotusflow3r (2009)
• MPLSound (2009)
• 20Ten (2010)
• Plectrumelectrum (2014)
• Art Official Age (2014)
• HITnRUN Phase One (2015)
• HITnRUN Phase Two (2015)
  
  

¿Cuáles son los mejores álbumes de Prince?

Una tarea súper difícil, cada fan tendrá sus discos favoritos, y en su particular orden. Me he lanzado al charco, al debate, para proponer los TOP 10 RANKING ÁLBUMES de Prince para mi gusto. Una lista obviamente subjetiva y personal. Ya sabes somos todos fans y aquí cada uno vive la música de su manera, y espero no molestar a los que tengan otra opinión.

Aquí un video que repasa el Top 10:

LISTA TOP 10 RANKING:

1. Sign O’ the Times (1987)
2. Purple Rain (1984)
3. 1999 (1982)
4. Controversy (1981)
5. Dirty Mind (1980)
6. Lovesexy (1988)  
7. Diamonds & Pearls (1991)
8. Around the World in a Day (1985)
9. Prince (1979)
10.The Love Symbol Album (1992)

***no incluye el soundtrack album, ejemplo; Parade: Music From the Motion Picture "Under the Cherry Moon".

Deja tus comentarios si deseas dar tu propia lista. Esta es simplemente la mia.

BOBBY RUSH | Rawer Than Raw

Bobby Rush (Músico y Bluesman)

Nacido Emmett Ellis, Jr. en Homer, Louisiana el 10 de noviembre de 1933, es músico, compositor y cantante de blues estadounidense. Su estilo incorpora elementos de blues y funk.

Bobby Rush ha ganado doce "Blues Music Awards" y en 2017, a la edad de 83 años, ganó su primer premio Grammy por el álbum "Porcupine Meat". Esta incluido en el "Salón de la Fama del Blues", el "Salón de la Fama de los Músicos de Mississippi" y el "Salón de la Fama de la Música Rhythm & Blues". Un bluesman que no ha parado de trabajar y de "patearse" el circuito de salas por todo Estado Unidos. Francamente, su energía para la música y su pasión por el blues le sitúa entre los más grandes del género. 

Es acreditado como el creador de un sonido singular al que denominó "folk-funk". Bobby Rush se encuentra entre los personajes más coloridos y perdurables del circuito, perfeccionando un estilo único que reúne una inclinación lírica agrietada con elementos de blues, soul y funk. Durante décadas, Rush fue una estrella en el circuito de clubes del sur, donde las actuaciones de soul-blues y retro-soul prosperan sin dejar apenas una impresión en los oyentes convencionales, pero eso comenzó a cambiar en 2003, cuando apareció en "The Road to Memphis", un episodio de la aclamada serie documental de PBS "The Blues (de Martin Scorsese)", que incluyó entrevistas con Rush y metraje de él trabajando con la multitud en el escenario y viajando el país. 

Rush es el hijo de Emmett y Mattie Ellis. Su padre fue un pastor cuya guitarra y armónica proporcionaron influencias musicales tempranas. Cuando era niño, comenzó a experimentar con la música usando un cubo de jarabe de caña de azúcar y un arco diddley de alambre de escoba. Alrededor de 1947, él y su familia se mudaron a Pine Bluff, Arkansas, donde su padre asumió el pastorado de una iglesia y era agricultor.

Fue aquí donde Bobby Rush se haría amigo del bluesman "Elmore James", "Boyd Gilmore" (primo de James) y el pianista Johnny "Big Moose" Walker; eventualmente formando una banda. Su banda, "Bobby Rush and the Four Jivers", estaba formada por Gilmore, Walker, Pinetop Perkins y Robert Plunkett. A través de Gilmore, Rush se hizo amigo del músico de Clarksdale, "Ike Turner".

Su familia se trasladó a Chicago en 1953, donde se convirtió en parte de la escena del blues local en la década siguiente. En Chicago, conoció y se hizo amigo de "Little Walter" y "Muddy Waters" que vivían cerca. Little Walter le consiguió un trabajo en un club llamado "Skins" donde tocaron detrás de una cortina para una audiencia blanca y comenzó a trabajar para Jimmy Reed. A través de estas conexiones, comenzó a actuar en un circuito con Etta James, Howlin 'Wolf, Muddy Waters y Jimmy Reed.

A continuación la extensa discografía de Bobby Rush:

1979 Rush Hour
1981 Sue
1983 Wearing It Out
1983 Making a Decision
1984 Gotta Have Money
1985 What's Good for the Goose Is Good for the Gander
1988 A Man Can Give It (But He Can’t Take It)
1990 Man Can Give It but He Can't Take It
1991 I Ain't Studdin' You
1992 Handy Man
1995 One Monkey Don't Stop No Show
1996 Wearing It Out
1997 It's Alright, Vol. 2
1997 Lovin' a Big Fat Woman
1999 Rush Hour... Plus
1999 The Best of Bobby Rush
2000 Hoochie Man
2003 Undercover Lover
2003 Live at Ground Zero DVD + CD
2004 Folkfunk
2005 Night Fishin
2006 Essential Recordings, Volume 1
2006 Essential Recordings, Volume 2
2007 Raw
2008 Look at What You Gettin'
2009 Blind Snake
2011 Show You a Good Time
2013 Down in Louisiana
2014 Decisions
2016 Porcupine Meat (gano el Premio Grammy)
2019 Sitting on Top of the Blues
2020 Rawer Than Raw

Es curioso, no publicó álbumes hasta finales de los años 70 (Siglo XX), y eso que llevaba tocando blues desde los años 50. Eso sí, una vez hecho, Bobby Rush no ha parado, ni su avanzada edad le esta parando. Recomendar un álbum es tarea difícil para artistas con las características de Rush: larga trayectoria y ecléctico en su estilo. No obstante, voy a dar espacio a su último álbum publicado 2020.

ALBUM: Rawer Than Raw

Publicado el 28 de agosto de 2020.

Ya bien entrado en los 80 (tiene ahora 86), Bobby Rush, el llamado "Rey del circuito de Chitlin", disminuye la velocidad con pocas señales de desaceleración. Bobby Rush rinde homenaje a los grandes músicos del blues de Mississippi en su vigésimo séptimo álbum de estudio. Este es Bobby Rush solo con su guitarra, armónica, canto y golpeteo de pies. Hay una canción de Skip James, Robert Johnson, Sonny Boy Williamson, Willie Dixon y Howlin 'Wolf. Una canción es Public Domain grabada originalmente para la Biblioteca del Congreso por Alan Lomax, pero que luego se hizo famosa por Muddy Waters (Honey Bee, Sail On). Bobby Rush también agregue cinco originales todos acreditados bajo su nombre de pila, Emmett Ellis Jr. como "Down in Mississippi", "Let Me in Your House", "Sometimes I Wonder", "Let's Make Love Again" y "Garbage Man". "

Bobby Rush tuvo la suerte de conocer a todos los músicos de blues homenajeados aquí, haciéndose amigo de algunos, compartiendo escenarios con otros. Cuando te das cuenta de que los músicos en cuestión son Robert Johnson, Skip James, Howlin ’Wolf, Sonny Boy Williamson II, Muddy Waters y Elmore James, empiezas a entender por qué Bobby quería grabar este tributo a estos maestros del blues y las grandes influencias de su carrera. Las canciones se grabaron durante varios años con el productor e ingeniero Randy Everett y una grabación lo más sencilla posible. 

La verdad es que "Rawer Than Raw" es una delicia. Si eres fan del blues te va encantar. Además la interpretación de Rush deja claro que hay mucha experiencia detrás del artista, ha viajado mucho, visto de todo y su piel está más que curtida. Dicho esto, también añado que sigue transmitiendo su pasión absoluta por la música, una energía que contagia y hace respetar.

En las notas de la libreta del CD, Bobby Rush se esfuerza por enfatizar que no son los únicos músicos de Mississippi a los que le gustaría homenajear y versionar,  y lamenta que no haya lugar para Jimmy Reed, John Lee Hooker, Son House y BB King. Quizás, si la edad no lo impide, publicara un segundo volumen.

Un disco recomendado. Un álbum exquisito de uno de los Bluesman más respetados. Es parte de la naturaleza humana que hasta que no tengamos algo no se aprecia. Algún día en un futuro, cuando Rush ya no esté entre nosotros, digamos "que leyenda, como entretenía y que bueno era". Aprovechemos que aún sigue produciendo música, ahora. ¿Ganará otro Grammy en 2021 por este álbum?

Y termino, mi única crítica es la portada, podría ser algo más a la altura de Rush. Entiendo que se quiere comunicar "lo elemental", "lo básico" y quizás "los origines"...pero Rush es más grande, su trabajo y dedicación lo demuestra. Una pequeña observación mía

Video del tema "Dust My Broom":

Tracklist del álbum "Rawer Than Raw":

1.Down in Mississippi
2.Hard Times
3.Let Me in Your House
4.Smokestack Lightning
5.Shake It for Me
6.Sometimes I Wonder
7.Don't Start Me Talkin'
8.Let's Make Love Again
9.Honey Bee, Sail On
10.Garbage Man
11.Dust My Broom

JIMMY ROGERS | Chicago Bound - Album

Jimmy Rogers (Guitarrista y Bluesman)

Cantante de blues, guitarrista y armónico de Chicago (nacido 3 de junio de 1924- murió 19 de diciembre de 1997), mejor conocido por su trabajo como miembro de la banda de Muddy Waters a principios de la década de 1950.

Rogers nació como Jay Arthur Lane en Ruleville, Mississippi. Se crió en Atlanta y Memphis. Adoptó el apellido de su padrastro. Aprendió a tocar la armónica con su amigo de la infancia Snooky Pryor, y cuando era adolescente tomó la guitarra. Tocaba profesionalmente en East St. Louis, Illinois, con Robert Lockwood, Jr., entre otros. Rogers se mudó a Chicago a mediados de la década de 1940. En 1946, fue grabado como músico y cantante de armónica para el sello discográfico "Harlem", dirigido por J. Mayo Williams. El nombre de Rogers no apareció en el registro, que fue etiquetado erróneamente como obra de "Memphis Slim and His Houserockers".

En 1947, Jimmy Rogers, Muddy Waters y Little Walter empezaron a tocar juntos, formando la primera banda de Muddy Waters en Chicago  (a veces denominados "Headcutters" o "Headhunters", debido a su práctica de robar puestos de trabajo a otras bandas locales). Los miembros de la banda grabaron y lanzaron música acreditada a cada uno de ellos como solistas. La banda definió el sonido del naciente estilo de blues de Chicago (más específicamente, el blues de South Side Chicago). Comenzó a alcanzar el éxito como solista en 1950, con la exitosa canción "That 's All Right", editada por "Chess Records", pero permaneció en la banda de Muddy Waters hasta 1954.  A mediados de la década de 1950, Chess publicó varios discos exitosos, la mayoría de ellos con Little Walter o Big Walter Horton en armónica, en particular "Walking by Myself". A finales de la década de 1950, cuando el interés por el blues disminuyó, gradualmente se retiró de la industria de la música, pero volvió a grabar y hacer giras en la década de 1970.

Fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues" en 1995. Rogers murió en Chicago en 1997.

Su discografía es extensa, mucha de ella como miembro colaborador de la banda de Muddy Waters. Los álbumes suyos, como artista en solitario, también son muchos y variados. Lo más fácil para conocer a Jimmy Rogers, o tener los temas más relevantes es proponer un disco "recopilación". El mejor sin duda es "Chicago Bound" (1970).

ALBUM: Chicago Bound

Es un álbum recopilatorio que contiene material de Jimmy Rogers grabado entre 1950 - 1956, y fue publicado en 1970. Hay más relanzamientos posteriores (vinilo, CD etc.), todos están disponibles en tiendas especializadas, por Internet y en plataformas de streaming.

Este disco es una colección de 14 canciones, que involucran prácticamente "la crème de la crème" de los artistas asociados con el blues de Chicago más intenso y dinámico. Esto incluye al ya mencionado Muddy Waters, dejando atrás su papel de líder por algunos números para agregar algunas partes de guitarra. También hay grandes músicos de la armónica, como Little Walters y Big Walter Horton. Están presentes también el pianista Otis Spann, el bajista Willie Dixon y el baterista Fred Belew, lo que significa que la sección rítmica es de primer nivel.

Escuchar este álbum es como recibir una clase magistral de Blues, Chicago Blues. Cuando la gente habla con reverencia sobre el sonido “clásico” del blues de Chicago de los 50, este álbum contiene básicamente lo que quieren decir. Conjuntos perfectamente equilibrados en los que las voces instrumentales mantienen una conversación, cada una contando su propia historia concisa, animada pero nunca gritando sobre las demás. Un equilibrio perfecto, también, de tradición y modernidad, los ganchos pegadizos de "The Last Time" o "You're The One" que conviven cómodamente con las melodías atemporales de "Chicago Bound", "Sloppy Drunk", "Goin' Away Baby", "I Used To Have A Woman" o "That’s Alright".

Un disco recomendado y fundamental para el amante del Blues. Las grabaciones afirman, y se ganan, su alto prestigio en la historia del blues, y lo mejor, están reunidas en esta colección indispensable.

Video del tema "Chicago Bound":

Tracklist del álbum "Chicago Bound" (formato vinilo):

A1       You're The One          2:38
A2       Money, Marbles and Chalk    2:16
A3       Luedella          2:51
A4       Act Like You Love Me         3:50
A5       Back Door Friend      3:20
A6       Last Time        2:42
A7       I Used To Have A Woman    3:06

B1       Sloopy Drunk 3:00
B2       Blues Leave Me Alone          3:02
B3       Out On the Road       2:51
B4       Goin' Away Baby      2:42
B5       That's Alright  2:45
B6       Chicago Bound          2:40
B7       Walking By Myself    2:48

CHARLES MUSSELWHITE | Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band

Charles Musselwhite (Bluesman)

 
Charles Douglas Musselwhite, músico americano de la armónica de blues eléctrico y uno de los músicos de blues blancos que se destacó a principios de la década de 1960, junto con Mike Bloomfield y Paul Butterfield. A menudo se le ha identificado como un "Bluesman blanco", y Musselwhite supuestamente fue la inspiración de Elwood Blues; el personaje interpretado por Dan Aykroyd en la película de 1980 The Blues Brothers.

Charles Musselwhite nació el 31 de enero de 1944 en Mississippi. Sus dos padres eran músicos aficionados: su padre dominaba la guitarra y la armonía, mientras que su madre tocaba el piano. Cuando tenía tres años, la familia de Musselwhite se mudó a Memphis, Tennessee, donde más tarde asistiría a la escuela secundaria y absorbería la rica influencia de la comunidad de blues y rock & roll de la ciudad. Aprendió a tocar la armónica y la guitarra cuando tenía 13 años, y buscó a algunos de los artistas de blues legendarios de la ciudad, aprendiendo de gente como Furry Lewis, Will Shade y Memphis Willie B. Después de unos años de perseguir trabajos ocasionales, Musselwhite siguió el ejemplo de mucha gente del sur profundo y se dirigió al norte a Chicago en 1962 con la esperanza de conseguir un trabajo más estable y mejor pagado. Al igual que hizo en Memphis, comenzó a congraciarse con la escena del blues. Trabajó a tiempo parcial en el "Jazz Record Mart", una de las mejores fuentes de música jazz y blues de la ciudad de Chicago, y se convirtió en un habitual de los clubes cercanos, donde fue asesorado por héroes como Muddy Waters, Junior Wells, Little Walter, Howlin 'Wolf y Sonny Boy Williamson. Charles Musselwhite se sumergió por completo en la vida musical y forjó una amistad de por vida con John Lee Hooker; aunque Hooker vivía en Detroit, Michigan, los dos se visitaban a menudo, y Hooker sirvió como padrino en el tercer matrimonio de Musselwhite con Henrietta Musselwhite. Poco a poco, Musselwhite se hizo muy conocido en Chicago.

Con el tiempo, Musselwhite lideró su propia banda de blues, y después del éxito de otro "Bluesman blanco", Paul Butterfield, publicó su legendario álbum debut "Stand Back!..." en 1966 con un gran éxito inmediato. Aprovechó la influencia que le dio este álbum para mudarse a San Francisco donde en lugar de ser uno de los muchos artistas de blues de Chicago en competencia , se posicionó en la costa oeste como el "rey del blues" en la escena "flower power" musical.

Desde entonces, Musselwhite ha publicado + 20 álbumes (estudio, directos, colaboraciones y recopilaciones), ganando 14 "Blues Music Awards" y ha sido nominado a seis premios Grammy. Recibió premios "Lifetime Achievement Awards" del Monterey Blues Festival y el San Javier Jazz Festival, en San Javier, España, y recibió el "Mississippi Governor’s Award for Excellence in the Arts". Sigue activo y haciendo música...A continuación su larga discografía de estudio, directos...etc. y etc. hasta ahora:

• 1967 Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band
• 1968 Stone Blues
• 1968 Louisiana Fog
• 1969 Tennessee Woman
• 1970 Memphis, Tennessee
• 1971 Takin' My Time
• 1974 Goin' Back Down South
• 1975 Leave The Blues To Us
• 1977 The Cream con John Lee Hooker
• 1978 Times Gettin' Tougher Than Tough
• 1979 The Harmonica According To Charlie Musselwhite
• 1982 Curtain Call: Charlie Musselwhite & The Dynatones 'Live'
• 1984 Where Have All the Good Times Gone?
• 1986 Mellow-Dee
• 1988 Cambridge Blues
• 1989 Memphis Charlie
• 1990 Ace Of Harps
• 1991 Signature
• 1993 In My Time
• 1994 The Blues Never Die
• 1997 Rough News
• 1999 Continental Drifter
• 1999 Super Harps (con James Cotton, Billy Branch, Sugar Ray Norcia)
• 1999 Harpin' On A Riff: The Best Of Charlie Musselwhite
• 2000 Best Of The Vanguard Years
• 2000 Up And Down the Highway: Live 1986
• 2002 One Night in America
• 2003 Darkest Hour: The Solo Recordings Of Charlie Musselwhite
• 2004 Sanctuary
• 2005 Deluxe Edition  - recopilacion
• 2006 Delta Hardware
• 2007 Black Snake Moan (Music From The Motion Picture)
• 2008 Rough Dried: Live At The Triple Door
• 2010 The Well
• 2012 Juke Joint Chapel [live]
• 2013 Get Up! (con Ben Harper)2015 I Ain't Lyin'...(live)
• 2018 No Mercy In This Land (con Ben Harper)

El disco que más pongo, casi el único de Musselwhite, es el debut de 1967...discazo.

 

ALBUM: Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band

 

Álbum debut de 1967 del músico de blues y armónica Charlie Musselwhite, líder de la Southside Band. Este disco llevó a Musselwhite a la notoriedad entre los músicos de blues y también ayudó a cerrar la brecha entre el blues y el rock and roll, musicalmente y en marketing. Con voces ásperas y grandes actuaciones en armónica, guitarra y bajo, el álbum fue muy bien recibido por la crítica. Introdujo la canción característica de Musselwhite, su versión de "Cristo Redemptor" de Duke Pearson. Como anécdota, el sello "Vanguard" escribió mal el nombre del "Bluesman", puso "Charley" (prefiere Charlie o Charles). Se corrigió, pero imagina cuánto puede costar un vinilo original con el fallo.

Este álbum ilustra que había músico de la armónica tan autentico, tan emotivo y en cierto modo tan aventurero como uno de sus contemporáneos triunfando en ese momento, Paul Butterfield. De manera similar, Charles Musselwhite lideraba una banda de Chicago con una sección rítmica negra y veterana: Fred Below en la batería (tocó con Muddy, Little waters...), Bob Anderson en el bajo y solistas influenciados por el Rock como el tecladista Barry Goldberg y el guitarrista Harvey Mandel. Musselwhite toca en este disco con una profundidad que contradecía su edad: solo tiene 22 años. Su voz ronca se vio considerablemente más afectada de lo que se volvería más tarde (más clara, más relajada), pero sus interpretaciones de las canciones "Help Me", "Early in the Morning" y su propia "Strange Land" resisten la prueba del tiempo. Dejó que su armónica sonara con más autoridad en temas instrumentales como "39th and Indiana" y "Cha Cha the Blues", y su versión del arreglista de jazz Duke Pearson "Cristo Redemptor", se ha convertido en su canción característica, asociada con Musselwhite.

Algunos críticos resaltan que quizás Musselwhite se esfuerza demasiado en sonar como "Muddy Waters" y "Junior Wells" en su canto, normal eran sus héroes y maestros. No obstante, una crítica menor (para mi es irrelevante) que nubla su banda que está estupenda. Difícil es entender cómo "Harvey Mandel" no terminó siendo un héroe del guitarra más conocido. Su aportación es espectacular. La forma de tocar de Mandel es feroz e innovadora para 1967, a menudo superando incluso a Charles Musselwhite tanto en volumen como en intensidad. 

Un disco recomendado. Este álbum debut de Charlie Musselwhite se encuentra entre los mejores discos publicados por la nueva generación de músicos de blues de la década de 1960. Contribuye en crear puentes para el "Blues" hacia un público blanco y más joven, igual que Paul Butterfield y Mike Bloomfield. Grandísimo álbum para conocer el artista, un músico que se ha ganado su sitio en la historia del Blues, y de los grandes de la "armónica". Un clásico atemporal que dará valor a tu colección de música.

Video del tema "Early in the Morning" (escucha la guitarra de Harvey Mandel):

Tracklist:

1."Baby Will You Please Help Me" (Charlie Musselwhite) – 3:20
2."No More Lonely Nights" – 5:14
3."Cha Cha the Blues" – 3:13
4."Christo Redemptor" (Duke Pearson) – 3:21
5."Help Me" (Carreras, Farver, Ed Ward) – 3:29
6."Chicken Shack" – 4:17
7."Strange Land" (Musselwhite) – 3:04
8."39th and Indiana" (Musselwhite) – 4:12
9."My Baby" – 2:46
10."Early in the Morning" – 4:31
11."4 P.M." (Harvey Mandel) – 3:17
12."Sad Day" (Barry Goldberg) – 5:04