STING - Ten Summoner 's Tales - Album

Introducción:

En el ámbito de la maestría musical, pocos artistas pueden presumir de una carrera tan ilustre como la de Sting (ex Police). Conocido por sus talentos multifacéticos como compositor, vocalista e instrumentista, el álbum en solitario de Sting de 1993, "Ten Summoner 's Tales", es un testimonio de su destreza como músico. Con su profundidad lírica, riqueza melódica y maestría musical excepcional, este disco muestra a Sting en el apogeo de sus poderes creativos.

En este post explicaré un poco el disco "Ten Summoner 's Tales", para mí el mejor trabajo que Sting ha producido como solista.

ALBUM: Ten Summoner's Tales

El cuarto álbum de estudio en solitario del músico de inglés Sting. El título es un juego de palabras combinado de su apellido, "Sumner", y un personaje de "The Canterbury Tales" de Geoffrey Chaucer, el invocador. Publicado en 1993, explora temas de amor y moralidad. La portada del álbum fue fotografiada en "Wardour Old Castle" en Wiltshire, con Hrímnir, un caballo islandés que Sting tuvo durante un período.

Sting crea su primer álbum de pop desde "The Police" con "Ten Summoner 's Tales", una colección de 12 canciones "easy listening", sin presunciones musicales ni conceptos líricos que las vinculen. Los temas líricos del álbum tocan emociones y experiencias universales, lo que te permite conectarte con la música a un nivel personal. La habilidad de Sting para tejer historias vívidas y explorar temas profundos de amor, fe, introspección y la condición humana es encomiable.

El resultado final es el mejor álbum en solitario de Sting hasta la fecha. No hay canciones realmente malas en este disco, y algunas de las mejores canciones de Sting, como "If I Ever Lose My Faith of You" y "Shape Of My Heart", se encuentran aquí. Además, también está un favorito personal, "Fields of Gold".

Otro rasgo destacado de este disco son los colaboradores. La banda que acompaña Sting es excelente, y especialmente buena en "Seven Days", donde el baterista Vinnie Colaiuta ofrece un increíble ritmo de 5/4 junto con algunos rellenos impresionantes. Además, hay algunas canciones subestimadas en este álbum, como "Saint Augustine In Hell" y "Something The Boy Said", que son realmente sobresalientes.

En general, "Ten Summoner 's Tales" se destaca como un logro notable en la carrera en solitario de Sting, destacando su capacidad para crear música que es tanto musicalmente cautivadora como emocionalmente resonante. La composición de canciones de Sting brilla en todo el álbum, junto con su voz distintiva, letras poéticas y atención meticulosa a los detalles musicales.

La producción del álbum está magistralmente ejecutada, con cada instrumento y capa vocal sirviendo a su propósito de mejorar el panorama sonoro general. La combinación de géneros, incluidos rock, pop, blues y jazz, exhibe la versatilidad de Sting y su voluntad de explorar diferentes territorios musicales.

Disco recomendado

Un disco maravilloso que está más orientado al oyente "veterano" y amante de la música más melódica ("mainstream"). No espero que el lector joven se sienta abrumado por este disco, ya que se encuentra fuera de los estilos musicales dominantes de la generación actual. Aunque dicho esto, animo que lo escuche si solo es por su construcción y ejecución de las canciones y la producción.

En fin, dejando a un lado las tendencias y estilos, este álbum está lleno de hermosas canciones que están bellamente elaboradas con magníficas melodías, con ganchos pegadizos y letras inteligentes. Sting hace que escribir canciones parezca fácil. Para los lectores que son fans de Police y/o Sting, no busquen más, este es tu disco.

Video del tema "Fields of Gold":

Tracklist:

1.         "Prologue (If I Ever Lose My Faith in You)"           4:30
2.         "Love Is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)"    5:12
3.         "Fields of Gold"         3:42
4.         "Heavy Cloud No Rain"        3:39
5.         "She's Too Good for Me"      2:30
6.         "Seven Days"  4:40
7.         "Saint Augustine in Hell"       5:05
8.         "It's Probably Me"      4:57
9.         "Everybody Laughed but You"         3:53
10.       "Shape of My Heart"  4:38
11.       "Something the Boy Said"     5:13
12.       "Epilogue (Nothing 'Bout Me)"         3:39

999 - The Biggest Prize in Sport - Album

Una banda que lleva el nombre del número de teléfono de emergencia del Reino Unido, 999, merece atención.

Introducción:

En la era vibrante y rebelde del punk rock, la escena musical británica se elevó con el lanzamiento de "The Biggest Prize in Sport" en 1980 por la ahora icónica banda británica de punk rock "999". Con su energía y ganchos infecciosos, este disco captura la esencia del punk y es un testimonio de la influencia perdurable de la banda en el género.

Daré espacio aquí a esta pequeña y relativamente olvidada obra maestra del punk rock y miraré los elementos que ayudan a que "The Biggest Prize in Sport" sea una verdadera y pequeña joya de su tiempo.

 

¿Quiénes son 999?

 
Banda inglesa de punk rock formada en Londres en diciembre de 1976. El grupo 999 fue una de las primeras bandas de punk que surgieron en el Reino Unido. 

De 1976 a 1985, su formación estuvo formada por Nick Cash (voz, guitarra), Guy Days (guitarra principal), Jon Watson (bajo) y Pablo LaBritain (batería). LaBritain fue reemplazado temporalmente en 1980 por el baterista Paul Edward (también conocido como 'Ed Case') mientras se recuperaba de un accidente automovilístico. El bajista Jon Watson dejó la banda en 1985 y fue reemplazado por Danny Palmer, quien fue sucedido por Arturo Bassick en 1991.

Entre 1978 y 2007, 999 lanzó numerosos sencillos y más de 10 álbumes de estudio. A pesar de haberse formado en 1976, 999 ha experimentado dos cambios permanentes en su formación original y han seguido grabando y tocando en directo, lo que ha llevado a los críticos de la prensa musical a describirlos como uno de los grupos más longevos de la era punk.

Algunos títulos de álbumes de "999" para tener en cuenta:

• 999 (March 1978, United Artists)
• Separates (September 1978, United Artists)
• Concrete (April 1981, Albion)
• 13th Floor Madness (1983, Albion)
• Face to Face (1985, LaBritain)
• You Us It! ( 1993, Anagram)
• Takeover ( 1998, Get Back)
• Death in Soho (2007, Overground)
• Bish! Bash! Bosh! (2020, Cleopatra Records)
  
  

ALBUM: The Biggest Prize in Sport

Los "999" (Nine Nine Nine) firmaron un contrato con Polydor, después de sus dos primeros discos fueran bajo "United Artists", y publicaron este tercer disco el 18 de enero de 1980 el que ahora se considera su mejor disco, "The Biggest Prize In Sport". Alcanzó el puesto 177 en la lista de álbumes de Billboard de EE.UU.

Al escuchar este tercer álbum, te sorprenderá descubrir que "999" es una gran banda de rock and roll, punk o no punk. Los bordes están presentes, pero son más completos y accesibles gracias al productor Vic Maile (Maile trabajó con algunos de los nombres más importantes de la industria de la música, como Fleetwood Mac, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Eric Clapton, Hawkwind, Motörhead , The Godfathers, The Kinks, The Small Faces, The Inmates, Dr. Feelgood, The Screaming Blue Messiahs, The Lords of the New Church …etc.). La banda continúa con la tradición de gran maestría musical y ofrece algunas canciones realmente buenas de 'power pop' (junto con elementos de "new wave", cosa sorprendente).

Canciones:

"Boys In The Gang" comienza con estilo y "Inside Out" con el retorcido riff de guitarra de Guy Days, acelera el ritmo. Aunque "Trouble" ralentiza las cosas con su ritmo de reggae, es un gran cambio. "Fun Thing" tiene un gran gancho y un poderoso solo de guitarra. "Hollywood", sobre su primer viaje a California, se ha mantenido como un clásico del 999. "Stop! Stop!" es una joya del punk y el LP termina con el movido "Boiler".

En general, prácticamente cada canción mola, y para mi, son muy entretenidas.

Disco recomendado

"The Biggest Prize in Sport" es un sólido álbum de punk rock que combina energía pura con ganchos pegadizos y grandes letras. Es más, voy más allá y comentó que es más rock n roll que punk.

Un muy buen álbum para cualquier persona interesada en la escena punk rock de finales de los 70 y principios de los 80. Un "álbum perdido" que merece ser redescubierto. Búscalo y escúchalo, y por lo menos será divertido.

Video del tema "Boys In The Gang":

Tracklist (formato LP original):

Cara A: 

1.         "Boys in the Gang"    2:45
2.         "Inside Out"              2:02
3.         "Trouble"                   2:32
4.         "So Long"                  2:44
5.         "Fun Thing"               3:35
6.         "The Biggest Prize in Sport"              3:00

Cara B:

1.         "Hollywood"             3:01
2.         "Stranger"                  3:13
3.         "Stop! Stop!"             2:04
4.         "English Wipeout"      3:27
5.         "Shake"                                  2:26
6.         "Boiler"                       3:47

Banda:

•  Nick Cash - voz principal, guitarra
• Guy Days - guitarra, coros
• Jon Watson - bajo, coros
• Eddie Case - batería, coros
• Pablo Labritain - compositor

Producción:

• Vic Maile - productor (LP original)

BOSTON - Boston - Album (1976)

Introducción:

El álbum titulado "Boston" - de la banda con el mismo nombre" -  es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Ha vendido al menos 17 millones de copias solo en los Estados Unidos, y al menos 20 millones en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los debuts más vendidos.

En este post, doy espacio brevemente a la historia de la banda Boston y sus miembros, el disco, el género Hard Rock y las canciones. Espero al final crear curiosidad para animarte a buscarlo y escucharlo si aún no lo conoces.

ALBUM: Boston (1976)

Cuando se habla de bandas de rock icónicas de los años 70 (Siglo XX), Boston siempre ocupa un lugar destacado en la lista. Su primer álbum autotitulado, "Boston" se publicó el 25 de agosto de 1976 y fue producido por el guitarrista Tom Scholz y John Boylan.

El estilo del álbum, es denominado "Boston sound" (también "Hard Rock"), se desarrolló a través del amor de Tom Scholz por la música clásica, los ganchos melódicos y los primeros grupos de rock con mucha guitarra como "Kinks" y "Yardbirds", así como una serie de efectos electrónicos analógicos desarrollados por el mismo en el estudio de su casa. Además de Scholz, que tocó la mayoría de los instrumentos en casi todas las canciones, está el cantante Delp, además de los otros músicos como el baterista Sib Hashian (Jim Masdea), el guitarrista Barry Goudreau y el bajista Fran Sheehan. Todos excepto Masdea se convirtieron en miembros de la banda a tiempo completa.

Al salir este disco rompió récords de ventas, convirtiéndose en el LP debut más vendido en los EE. UU. en ese momento y ganando el premio RIAA Century Award como álbum debut más vendido. Los singles del álbum, "More Than a Feeling", "Peace of Mind" y "Foreplay/Long Time", fueron grandes éxitos de radio. El álbum se conoce como un elemento básico en el rock de los 70 y se ha incluido en muchas listas de álbumes esenciales.

La historia de la banda BOSTON:

La banda Boston se formó en la ciudad de Boston, Massachusetts, en 1976. Fue fundada por el músico y compositor Tom Scholz, quien se convirtió en el líder y cerebro musical del grupo. El grupo también estaba compuesto por Brad Delp como voz principal, Barry Goudreau en la guitarra, Fran Sheehan en el bajo y Sib Hashian en la batería. Juntos, estos talentosos músicos crearon un sonido único que se convertiría en la marca registrada de Boston.

En total, el grupo ha lanzado seis álbumes de estudio en una carrera de más de 48 años. A continuación la discografía de Boston:

• Boston (1976)
• Don't Look Back (1978)
• Third Stage (1986)
• Walk On (1994)
• Corporate America (2002)
• Life, Love & Hope (2013)

El cantante original y principal Brad Delp murió en 2007, y desde 20213 canta Tommy DeCarlo.

Visión general del género Hard Rock:

Antes de entrar más a fondo sobre el álbum "Boston", es interesante poder conocer el contexto del género musical al que pertenece. El "Hard Rock" es un subgénero del rock que se caracteriza por su sonido pesado, distorsionado y enérgico. Incorpora elementos del blues, el rock and roll y, en ocasiones, del heavy metal. El "Hard Rock" se hizo popular en la década de 1970 y Boston se destacó como una de las bandas líderes en este estilo. Además el grupo combinaba elementos de rock progresivo en su música dando su interpretación de "Hard Rock" un sabor distinto.

Arte de la portada - el tema de la nave espacial:

Un tema destacado en las portadas de los álbumes de la banda Boston es la presencia de una nave espacial con forma de guitarra, ostensiblemente una generación o nave colonial que transportaba la ciudad de Boston dentro de una cúpula transparente, con el nombre de la ciudad estampado en el frente. La nave espacial original fue diseñada en 1976 por Paula Scher e ilustrada por Roger Huyssen con letras de Gerard Huerta para Epic Records.

Todas las portadas de los disco de Boston tienen el tema "nave espacial".

 

El estilo musical del álbum "Boston":

 
El LP se destaca por su sonido distintivo y su producción impecable. Tom Scholz, quien también era ingeniero de sonido, trabajó arduamente en su sótano para perfeccionar cada detalle musical. El álbum combina riffs de guitarra potentes, armonías vocales melódicas y una sección rítmica sólida. La combinación de guitarras eléctricas y acústicas, teclados y sintetizadores crea una atmósfera épica y grandiosa ("arena sound") que se ha convertido en la firma de Boston.

Tom Scholz era tan genio que creó equipos de sonidos propios, como dispositivos de grabación de 12 pistas, para crear un sonido de "arena rock" antes de que se acuñara el término.

Las canciones del álbum "Boston":

Casi todas las canciones del álbum todavía se escuchan en la radio de rock clásico décadas después debido a la fuerte voz de Brad Delp y el sonido de guitarra único de Tom Scholz. 

El álbum debut consta de ocho canciones. Comienza con "More Than a Feeling", una canción emblemática que combina una melodía pegadiza con letras emocionales. Le sigue "Peace of Mind", una canción introspectiva que se ha convertido en un himno para los fans de Boston. "Foreplay/Long Time" es una epopeya musical de casi ocho minutos que muestra la destreza instrumental de la banda. Otras canciones notables incluyen "Rock & Roll Band", "Smokin'", "Hitch a Ride", "Something About You" y "Let Me Take You Home Tonight". Cada una de estas canciones tiene su propio encanto y contribuye a la experiencia auditiva global que ofrece el álbum.

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "More Than a Feeling"           4:44
2.         "Peace of Mind"         4:55
3.         "Foreplay/Long Time"            7:56

Cara B:

4.         "Rock & Roll Band"  2:59
5.         "Smokin'"        4:44
6.         "Hitch a Ride"            3:18
7.         "Something About You"        4:19
8.         "Let Me Take You Home Tonight"   4:12

Las letras de las canciones:

Una de las características distintivas del álbum "Boston" es la calidad de sus letras. Las canciones exploran temas universales como el amor, la nostalgia y la búsqueda de la felicidad. "More Than a Feeling" habla de la nostalgia y la esperanza de encontrar un amor veraniego perdido. "Peace of Mind" reflexiona sobre la importancia de encontrar la paz interior en un mundo agitado. "Hitch a Ride" habla de la búsqueda de la libertad y la autenticidad, mientras "Rock and Roll Band" habla de su ascenso de una banda de bar. Estas letras son parte importante de lo que hace que el álbum haya sido tan bien acogido en su momento, y porque sigue ganando fans hoy.

Miembros de la banda Boston:

 
Los miembros de la banda Boston también dejaron una marca en la historia del rock. Tom Scholz, como líder de la banda y principal compositor, demostró su talento tanto en la guitarra como en los teclados. Brad Delp, con su voz distintiva y poderosa, se convirtió en uno de los vocalistas más queridos del rock. Barry Goudreau, Fran Sheehan y Sib Hashian aportaron su habilidad y pasión a la banda, creando una química musical única. Juntos, estos músicos talentosos formaron uno de los conjuntos más influyentes de la época.

Impacto y legado del álbum "Boston":

El primer álbum de la banda estadounidense Boston tuvo un impacto significativo en la música y en la cultura popular. Ha sido descrito como un eje en la transición de la corriente principal del rock estadounidense del proto-metal basado en el blues al power pop.

Fue un éxito comercial, un bombazo vendiendo más de 20 millones de copias en todo el mundo. Además de su éxito comercial, el álbum también influyó en generaciones posteriores de músicos y bandas de rock. Su sonido distintivo y su estilo único han dejado un legado duradero en la música.

Tener en cuenta, que en 1976, la música "disco" y el "punk rock" dominaban al público joven-adulto. Pero también había todo un grupo (millones) más "mainstream" que buscaba algo más accesible y comercial. Este álbum era suficientemente rock sin ser duro, y vino a la radio FM como un regalo del cielo (pasaba lo mismo con "Eagles" y "Fleetwood Mac"). De aquí, los temas del LP "Boston" sonaron por todas partes llegando a todo el mundo.

 

Disco Recomendado: 

 
El álbum "Boston" es un hito en la historia del rock. Su sonido distintivo en su época, sus letras y su impacto lo convierten en una joya musical que merece ser redescubierta por fans de la música rock. Su combinación de melodías pegadizas y su producción impecable lo convierten en una auténtica experiencia auditiva. Ya sea que te guste el Hard Rock o simplemente disfrutes de buena música, este álbum tiene algo para ti.

En definitiva, la combinación de una producción perfecta, voces, un trabajo de guitarra increíble y un ligero tirón en las cuerdas del corazón colocan el disco "Boston" como uno de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. Hay que tenerlo en tu colección de música rock, si aún no está.

Video del tema "More Than A Feeling":

Ficha técnica:

Miembros de Boston:

• Tom Scholz: guitarra solista y rítmica, guitarra acústica, efectos especiales de guitarra, bajo, órgano, clavinet, percusión,
• Brad Delp: voz principal y armonía, guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarra rítmica, percusión
• Barry Goudreau - guitarra solista y rítmica
• Fran Sheehan - bajo
• Sib Hashian - batería, percusión

Personal técnico:

• John Boylan y Tom Scholz - productores
• Warren Dewey y Tom Scholz– ingeniero de sonido

DAVID CROSBY - If I Could Only Remember My Name - Album

Introducción:

El álbum "If I Could Only Remember My Name" de David Crosby es - finalmente - considerado una obra maestra del folk psicodélico. Lanzado en 1971, este disco es una joya musical que ha dejado huella. En este post, miró brevemente la historia detrás del álbum, sus temas, su recepción y éxito crítico, su influencia en la música y cómo se compara con otras obras maestras del folk psicodélico. Además, descubriremos por qué "If I Could Only Remember My Name" es considerado el mejor trabajo en solitario de David Crosby.

Para mi es un álbum que no debe ser ignorado por melómanos o amantes de música que se confiesan ser serios.

David Crosby - El hombre detrás de la música:

David Van Cortlandt Crosby (Los Ángeles, California, 14 de agosto de 1941-19 de enero de 2023) fue un conocido guitarrista y cantautor. Fue miembro fundador del grupo "The Byrds" y de "Crosby, Stills, Nash & Young (CSNY)". Es miembro del Rock and Roll Hall of Fame por su trabajo con The Byrds y con Crosby, Stills, Nash & Young. David Crosby es un músico legendario.

Como miembro de la banda "Crosby, Stills, Nash & Young, Crosby" ya había demostrado su talento y habilidad para componer canciones memorables. Sin embargo, fue con "If I Could Only Remember My Name" que Crosby se sumergió por completo en su propio viaje musical. Este álbum fue su primer trabajo en solitario y le permitió explorar su creatividad de una manera completamente nueva. Crosby se convirtió en un narrador de historias, capturando la esencia de la época y compartiendo sus pensamientos más profundos a través de la música.
 

ALBUM: If I Could Only Remember My Name

Es el álbum debut en solitario del cantautor estadounidense David Crosby, publicado en febrero de 1971. Fue uno de los cuatro álbumes de alto perfil lanzados por cada miembro de "Crosby, Stills, Nash & Young" a raíz de su álbum "Déjà Vu" de 1970, que encabezó las listas de éxitos. Inicialmente recibió críticas negativas de los críticos, pero luego logró el "estatus" de culto y los elogios de los críticos.

Todos, desde los miembros de "The Grateful Dead" y "Jefferson Airplane" hasta los compañeros de Crosby en CSNY; Neil Young y Graham Nash, además de Joni Mitchell ... Michael Shrieve; todos pasaron por el estudio para hacer contribuciones significativas a los procedimientos de grabación: Jerry García, Phil Lesh y Bill Kreutzman, principalmente, actúan como la banda de estudio ad hoc, con los otros notables agregando partes a las canciones. Este conjunto suelto de músicos recibió el apodo informal de "The Planet Earth Rock and Roll Orchestra" por el líder de la banda de Jefferson Airplane, socio de Crosby desde hace mucho tiempo y compañero fanático de la ciencia ficción, "Paul Kantner". Pero David Crosby es el líder de todo el disco. Con su voz resonante y aterciopelada y su composición inspirada, convierte "If I Could Only Remember My Name" en una maravilla del ambiente soñador pero "oscuro" de los últimos coletazos de toda una era (los 60).

La recepción y el éxito crítico del álbum:

Cuando "If I Could Only Remember My Name" fue lanzado, recibió críticas mixtas. Algunos elogiaron la audacia y la experimentación de Crosby, mientras que otros encontraron el álbum confuso y poco convencional. Sin embargo, con el paso del tiempo, el álbum ha sido reconocido como una de las obras maestras del género. La combinación fascinante de folk, rock y elementos psicodélicos ha sido alabada por su originalidad y visión artística. La música de Crosby ha resistido la prueba del tiempo y ha encontrado un lugar especial en los corazones de los amantes de la música: "melómanos".

 

Temas y letras de "If I Could Only Remember My Name":

El álbum es un viaje musical que aborda una amplia gama de temas. Las letras profundas y reflexivas de las canciones capturan la esencia de la época y reflejan los pensamientos y sentimientos de Crosby en ese momento. El amor, la pérdida, la espiritualidad y la búsqueda de significado son algunos de los temas recurrentes en el álbum. Las canciones como "Music Is Love" y "Laughing" transmiten un sentido de unidad y conexión con el mundo, mientras que otras como "Cowboy Movie" y "Tamalpais High (At About 3)" exploran la introspección y la búsqueda de la verdad personal. El álbum es una experiencia emocionalmente profunda que invita al oyente a reflexionar y sumergirse en la complejidad de la vida.

Tracklist (formato LP original): 

Cara A: 

1."Music Is Love" (Graham Nash, Neil Young, David Crosby) – 3:16
2."Cowboy Movie" – 8:02
3."Tamalpais High (At About 3)" – 3:29
4."Laughing" – 5:20

Cara B:

1."What Are Their Names" (Neil Young, Jerry Garcia, Phil Lesh, Michael Shrieve, David Crosby) – 4:09
2."Traction in the Rain" – 3:40
3."Song with No Words (Tree with No Leaves)" – 5:53
4."Orleans" (traditional, arranged by David Crosby) – 1:56
5."I'd Swear There Was Somebody Here" – 1:19

Track por Track:

1. "Music Is Love": una colaboración entre Crosby, Nash y Young. Es un testimonio del poder de la música como lenguaje universal y fuerza curativa. La letra simple y repetitiva de la canción y la melodía armoniosa crean una sensación de unidad y paz, lo que refleja el espíritu comunitario de la época.

2. "Cowboy Movie": una narrativa que cuenta una historia similar a una película de vaqueros, pero en realidad es una alegoría apenas velada de la disolución de CSNY. La duración extendida de la canción permite una calidad de improvisación en expansión, con un borde crudo y arenoso que refleja las tumultuosas relaciones dentro de la banda.

3."Tamalpais High (At About 3)": llamada así por una escuela secundaria en el condado de Marin, California; una pieza hermosa y atmosférica. La falta de letras permite que el oyente se concentre en las armonías exuberantes y en capas y el evocador trabajo de la guitarra, creando una sensación de añoranza y nostalgia.

4. "Laughing": conmovedora reflexión sobre la búsqueda espiritual y la sabiduría de los niños. Es una canción suave e introspectiva que muestra la capacidad de Crosby para transmitir emociones profundas a través de su música.

5. "What Are They Names": un poderoso comentario sobre los problemas políticos y sociales de la época. La música es un "jam", espontáneo y fluido, que refleja el espíritu colectivo de los músicos involucrados.

6. "Traction in the Rain": una de las composiciones más bellas de Crosby. El trabajo de guitarra delicado e intrincado de la canción y la letra conmovedora crean una sensación de melancolía e introspección.

Video del tema "Traction in the Rain":

7. "Song with No Words (Tree with No Leaves)": un testimonio del enfoque innovador de Crosby hacia la música. A pesar de la falta de letra, la canción transmite una fuerte resonancia emocional a través de sus armonías vocales superpuestas.

8. "Orleans": una canción tradicional que el mismo Crosby arregló. La pista muestra el rango vocal de Crosby y su habilidad para crear un sonido rico y texturizado solo con su voz.

9. "I'd Swear There Was Somebody Here": tema de cierre del álbum, una pieza inquietante a capella. Es una expresión cruda y emocional del dolor de Crosby y sirve como una conclusión poderosa para el álbum.

En general, canciones profundamente personales e introspectivas que muestran la visión musical de David Crosby.

Por qué "If I Could Only Remember My Name" se considera la obra maestra en solitario de David Crosby:

Entre los numerosos proyectos en solitario de David Crosby, "If I Could Only Remember My Name" se destaca como su obra maestra. Este álbum captura la esencia de Crosby como artista y lo lleva a nuevas alturas creativas. La experimentación musical, las letras profundas y la pasión desbordante se combinan para crear una experiencia auditiva única. "If I Could Only Remember My Name" es un testimonio del talento y la visión artística de David Crosby, y sigue siendo su logro más destacado hasta la fecha.

Fue una lastima que Crosby siguiera descendiendo durante el resto de la década y el comienzo de la siguiente en una adicción con las drogas sin rumbo, y que no sacara otro álbum en solitario hasta 18 años después de este. No obstante, sirve como un comentario, no quiero desviar el foco de la música.

Comparación de "If I Could Only Remember My Name" con otras obras maestras del folk psicodélico:

El folk psicodélico es un género musical que ha producido numerosas obras maestras a lo largo de los años. "If I Could Only Remember My Name" se destaca como una de las contribuciones más significativas a este género. Comparado con álbumes como "After the Gold Rush" de Neil Young y "Harvest" de Neil Young, "If I Could Only Remember My Name" presenta una estética musical y lírica única. La combinación de la voz distintiva de Crosby, las armonías celestiales y la instrumentación evocadora hacen de este álbum una experiencia auditiva hermosa e inolvidable.

Disco recomendado

Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar "If I Could Only Remember My Name" te recomiendo que lo hagas. Las armonías celestiales, las letras introspectivas y la instrumentación evocadora se combinan para crear una obra maestra del folk rock y psicodélico.

Un disco atemporal y casi olvidado: es una celebración de una era - los años 60 - con esperanzas perdurables que terminaron. Al igual que una hermosa puesta de sol, es un trabajo nostálgico, bello y especial.

Video del tema "What Are Their Names":

Ficha técnica.

Músicos:

• David Crosby - voz, guitarras
• Graham Nash - guitarra, voz (en "Music Is Love", "Tamalpais High", "Laughing", "What Are Their Names", "Traction in the Rain" y "Song with No Words")
• Jerry Garcia - guitarra eléctrica (en "Cowboy Movie", "Tamalpais High", "What Are Their Names" y "Song with No Words"); guitarra de pedal de acero (en "Laughing"); guitarras (en "Kids and Dogs"); vocal (en "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Neil Young - guitarras, voz (en "Music Is Love" y "What Are Their Names"); bajo, vibráfono, congas (en "Music Is Love")
• Jorma Kaukonen - guitarra eléctrica (en "Tamalpais High" y "Song with No Words")
• Laura Allan - autoharp, voz (en "Traction in the Rain")
• Gregg Rolie - piano (en "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Phil Lesh - bajo (en "Cowboy Movie", "Tamalpais High", "Laughing" y "What Are Their Names"); vocal (en "What Are Their Names")
• Jack Casady - bajo (en "What Are Their Names")
• Bill Kreutzmann - batería (en "Tamalpais High" y "Laughing"); pandereta (en "Cowboy Movie")
• Michael Shrieve - batería (en "What Are Their Names" y "Song with No Words (Tree with No Leaves)")
• Mickey Hart - batería (en "Cowboy Movie")
• Joni Mitchell - voz (en "Laughing" y "What Are Their Names")
• David Freiberg, Paul Kantner, Grace Slick - voces (en "What Are Their Names")

Producción:

• David Crosby - productor
• Stephen Barncard - ingeniero de sonido. 

JAMES BROWN - Live at the Apollo - Album

Introducción:

Hace mucho que no dedico espacio para el melómano de la música soul y funk. En este post, exploró la importancia de uno de los más grandes intérpretes del estilo, James Brown, la evolución de los géneros soul y funk, y el legado duradero de la obra "James Brown Live at the Apollo”. Uno de los grandes discos en directo del soul-funk y de Brown.

¿Quién era James Brown?

Considerado a base de su talento y duro trabajo el progenitor central de la música funk y una figura importante de la música del siglo XX, es también conocido con varios apodos honoríficos, algunos de los cuales incluyen "el hombre más trabajador en el mundo del espectáculo", "El padrino del soul", "Mr. Dynamite " y "Soul Brother No. 1". En una carrera de más de 50 años, influyó en el desarrollo de varios géneros musicales: soul, funk, rap y hip hop. James Brown fue uno de los primeros 10 miembros del "Salón de la Fama del Rock and Roll" en su inducción inaugural en Nueva York el 23 de enero de 1986.

Murió el 25 de diciembre de 2006. 

La importancia de James Brown en la historia de la música:

James Brown, fue un revolucionario en la industria de la música. Su estilo único y enérgico, combinado con su talento vocal y su presencia magnética en el escenario, lo convirtieron en una fuerza imparable en la música popular. James Brown rompió barreras raciales y sociales con su música, y su influencia aún se puede sentir en generaciones posteriores de artistas.

Uno de los géneros donde más impacto tuvo, y tiene, es el Hip Hop. El tema de 1970 "Funky Drummer" sigue siendo una de las canciones más sampleadas del hip-hop. La batería "sample" ha sido la columna vertebral de muchas canciones de artistas como Nas, Dr. Dre y Public Enemy. Cuando se trata de hip-hop, James Brown es el núcleo musical sobre el que se construyeron casi todos los ritmos del rap y también se convierto en el padrino del hip-hop.

Introducción al álbum "James Brown Live at the Apollo":

El álbum "James Brown Live at the Apollo" es una joya musical que captura la esencia y el poder del legendario James Brown en su apogeo. Grabado en el icónico teatro "Apollo" de Harlem en 1962, este disco en directo se convirtió en un hito en la historia de la música y estableció a James Brown como uno de los artistas más influyentes de su tiempo.

ALBUM: James Brown Live at the Apollo

Es el primer álbum en vivo de "James Brown and the Famous Flames" grabado en 1962 y publicado en mayo de 1963. Capturando el popular espectáculo teatral de Brown por primera vez, el álbum fue un gran éxito comercial y de crítica y consolidó su estatus como una estrella líder del Soul-R & B.

En 2004, fue una de las 50 grabaciones elegidas ese año por la Biblioteca del Congreso para ser añadidas al Registro Nacional de Grabaciones. En 1998, el álbum fue incluido en el "Salón de la Fama de los Grammy".

Exploración de los géneros soul y funk:

"James Brown Live at the Apollo" es un testimonio del poder del soul y el funk. Estos géneros musicales surgieron en la década de 1960, fusionando elementos del rhythm and blues, el jazz y la música gospel. El soul se caracteriza por su emotividad y pasión, mientras que el funk se define por su ritmo contagioso y su enfoque en la sección rítmica. James Brown fue un pionero en la creación y popularización de estos estilos, y su música sentó las bases para futuras innovaciones en el género.

Una mirada a "James Brown Live at the Apollo":

"James Brown Live at the Apollo" es un álbum que captura la energía y la emoción de las actuaciones en vivo de James Brown. El álbum presenta una selección de sus mayores éxitos, como "I Got You (I Feel Good)" y "Please, Please, Please". Cada canción es interpretada con una pasión desenfrenada y un ritmo contagioso que hace que sea imposible no moverse al compás de la música.

Canciones clave del álbum:

El álbum "James Brown Live at the Apollo" aborda una variedad de temas que reflejan la experiencia humana y la lucha por la igualdad. Las canciones transmiten mensajes de empoderamiento y autoafirmación en medio de la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos. Estas canciones resonaron profundamente en la comunidad afroamericana y se convirtieron en himnos de resistencia y orgullo.

A continuación el Tracklist (formato LP original):

A1. Introduction and Theme
A2. I'll Go Crazy
A3. Try Me / Theme
A4. Think / Theme
A5. I Don't Mind / Theme
A6. Song Titles Interlude
A7. Lost Someone Part 1

B1. Lost Someone Part 2
B2. Medley:

a. Please, Please, Please
b. You've Got the Power
c. I Found Someone (I Know It's True)
d. Why Do You Do Me
e. (You Made Me Love You) I Want You So Bad
f. I Love You, Yes I Do
g. Why Does Everything Happen to Me (Strange Things Happen)
h. Bewildered
i. Please, Please, Please

B3. Night Train

Track por Track:

 
1 - Introduction and Theme: este es el comienzo del álbum, donde el MC "Fats Gonder" presenta a James Brown y su banda, "The Famous Flames". La introducción crea una sensación de anticipación y emoción.

2 - I'll Go Crazy: un número de R & B enérgico y pegadizo que muestra la habilidad de Brown para entregar voces poderosas y emocionales. La interacción con la audiencia es palpable.

3 - Try Me / Theme: un cambio de ritmo, una balada más tranquila que muestra la versatilidad de Brown. Su interpretación emocional realmente brilla.

4 - Think / Theme: un número de R & B enérgico, con un ritmo frenético y una interpretación vocal apasionada de Brown.

5 - I Don't Mind / Theme: otra balada, con una interpretación vocal más suave pero igualmente emocional.

6 - Song Titles Interlude: un breve interludio en el que se mencionan los títulos de las canciones que se van a interpretar a continuación.

7 - Lost Someone Part 1: la primera parte de una canción de blues soul de diez minutos. La interacción con la audiencia es intensa.

8 - Lost Someone Part 2:  la misma intensidad emocional y la interacción con la audiencia.

9 - Medley: Este es un popurrí de varias canciones de Brown, todas interpretadas con gran energía y emoción. Cada canción se mueve rápidamente a la siguiente, creando una sensación de ritmo y flujo.

10 - Night Train: Este es el cierre del álbum, una canción de R & B clásica con una parte de latón inmediatamente reconocible y una interpretación vocal emocionante de Brown. La energía de la canción y la interacción con la audiencia hacen que sea un final memorable para el álbum.

Es importante recordar que una de las cosas que hace que este álbum sea tan especial es la energía de la actuación en vivo de Brown y la interacción con la audiencia. La pasión y la emoción en la voz de Brown, junto con la respuesta de la audiencia, realmente capturan la experiencia de un concierto en directo de James Brown.

Disco Recomendado

"James Brown Live at the Apollo" es un álbum legendario que captura la esencia y el poder de James Brown en su mejor momento. Este disco en directo no solo definió una época, sino que dejó una huella imborrable en la historia de la música. A través de su música, James Brown rompió barreras y abrió el camino para futuras generaciones de artistas. Su legado perdura en la industria musical y su influencia sigue siendo relevante hasta el día de hoy. No hay duda de que "James Brown Live at the Apollo" es un tesoro musical que merece ser apreciado y celebrado por su impacto y su contribución al mundo de la música.

Escucha este álbum legendario y sumergirte en el poder de James Brown. Uno de los mejores álbumes de Soul de todos los tiempos e imprescindible para todos los fans del R & B. 

Video del tema "Night Train":

Banda: James Brown and The Famous Flames:

• James Brown - voz principal
• Bobby Byrd - barítono/voz de bajo (y teclados en "Lost Alguien")
• Bobby Bennett - primera voz de tenor
• Lloyd Stallworth - segunda voz de tenor

Músicos extras:

• Lewis Hamlin - director musical, trompeta
• Hubert Perry - bajo
• Clayton Fillyau – batería
• Les Buie - guitarra, 
• Lucas "Fats" Gonder - órgano, Maestro de Ceremonia
• Clifford MacMillan - saxofón tenor
• St. Clair Pinckney - saxofón tenor
• Al "Brisco" Clark - saxofón tenor, saxofón barítono
• William Burgess - saxofón alto
• Dickie Wells - trombón
• Roscoe Patrick - trompeta
• Teddy Washington - trompeta

Recomendaciones de escucha: otros álbumes icónicos de soul y funk:

Te recomiendo explorar otros álbumes icónicos de soul y funk que han dejado una huella duradera en la historia de la música. Algunos de estos álbumes incluyen:

• "What 's Going On" de Marvin Gaye: Este álbum emblemático aborda temas sociales y políticos importantes con una mezcla única de soul, jazz y música de Motown.

• "Superfly" de Curtis Mayfield: La banda sonora de esta película de culto es un clásico del funk, con letras profundas y arreglos musicales innovadores.

• "Off the Wall" de Michael Jackson: Este álbum marcó el inicio de la carrera en solitario de Michael Jackson y presenta una mezcla de soul, funk y pop que lo convirtió en un fenómeno mundial.
  
  
  

NINE INCH NAILS - Pretty Hate Machine - Album

Introducción:

Descubrí a "Nine Inch Nails" (NIN, aka Trent Reznor) precisamente con "Pretty Hate Machine". Este post explorará este fascinante y revolucionario disco con la esperanza de poder despertar tu curiosidad para motivarte a descubrirlo.

 

ALBUM: Pretty Hate Machine

El álbum "Pretty Hate Machine" es el estudio debut publicado el 20 de octubre de 1989 de la banda estadounidense de rock industrial "Nine Inch Nails" (NIN). La producción del disco estuvo a cargo del líder de NIN "Trent Reznor" y el productor inglés Flood, entre otros colaboradores como Keith LeBlanc, Adrian Sherwood y John Fryer. Reznor se negó a grabar este álbum con una banda convencional, grabando "Pretty Hate Machine" en su mayoría solo.

El álbum presenta un sonido electrónico duro (metálico) impulsado por sintetizadores mezclado con elementos industriales y de rock. Las letras del álbum contiene temas de angustia, traición, dios y desamores.

"Pretty Hate Machine" se convirtió gradualmente en un favorito de culto gracias al boca-oreja; inicialmente fue relativamente mal recibido por la crítica y consiguió poco éxito comercial, su estatura e importancia histórica creció en retrospectiva. Fue un disco adelantado a su tiempo. Ahora se considera una obra fundamental en el género del rock industrial. Es un disco que es tanto un producto de su tiempo como una exploración de la emoción humana y los rincones más oscuros de la psique.

Además, "Pretty Hate Machine" fue algo único en el género de la música industrial. En lugar de adormecer al oyente con repeticiones mecánicas, la sombría electrónica de este disco estaba subordinada a riffs pegadizos y estructuras de canciones de verso-estribillo, razón por la cual logró tantos seguidores con tan poca publicidad. Esa innovación fue el paso más importante para llevar la música industrial a un público más amplio, como lo demuestra la frecuencia con la que las bandas de metal alternativo de finales de los 90 (Siglo XX) copiaron las texturas entretejidas de guitarra y sintetizador de NIN.

Este álbum se convirtió en la nueva banda sonora de la ira adolescente; ruidosamente agresivos y fríamente distantes, unidos por una personalidad musical dominante. Trent Reznor le dio a la música industrial una voz humana. Y como anécdota, se rumorea que el nombre de la formación hace referencia a la crucifixión de Jesús con púas de nueve pulgadas (inches).

Nine Inch Nails con "Pretty Hate Machine" hizo evolucionar géneros como el rock alternativo, el rock industrial, el dance industrial, el electro-industrial y el metal industrial. La palabra clave aquí es obviamente "industrial".

 

Uso de "samples" en "Pretty Hate Machine":

El uso de cajas de ritmos, sintetizadores y técnicas de "sampling" le da al álbum un sonido único que es a la vez futurista y profundamente arraigado en las tradiciones musicales del pasado. 

Prince, Jane 's Addiction y Public Enemy se enumeran en las notas del LP como artistas cuya música se ha sampleado en el álbum. Segmentos de "Alphabet St." de Prince y "Had a Dad" de Jane 's Addiction se puede escuchar en la canción "Ringfinger". Otros samples fueron editados o distorsionados para que fueran irreconocibles, como la introducción al corte "Kinda I Want To". "Something I Can Never Have" presenta pistas de acompañamiento sin usar creadas por John Fryer para "This Mortal Coil". Se sampleo un discurso de la película "Midnight Express" a bajo volumen durante la pausa en la canción "Sanctified". En la reedición del álbum de 2010, este sample no está presente, probablemente debido a problemas de autorización.

Arte (Portada del álbum):

 
La portada fue diseñada por Gary Talpas y es una foto de las palas de una turbina estiradas verticalmente para crear la ilusión de una caja torácica.

Las canciones de "Pretty Hate Machine":

 
Tracklist (formato original):

1.         "Head Like a Hole"    4:59
2.         "Terrible Lie"  4:39
3.         "Down in It"   3:45
4.         "Sanctified"    5:48
5.         "Something I Can Never Have"        5:56
6.         "Kinda I Want To"     4:36
7.         "Sin"    4:04
8.         "That's What I Get"    Fryer   4:32
9.         "The Only Time"        4:50
10.       "Ringfinger"   5:41

 

Track por Track:

 
1. "Head Like a Hole" - una de mis favoritas con un ritmo agresivo y voces crudas. Las letras exploran temas de control y rebelión, haciendo una fuerte declaración de principios desde el principio.

2. "Terrible Lie" - continúa la exploración de temas oscuros con sus inquietantes líneas de sintetizador y voces angustiadas. La letra expresa un profundo sentimiento de traición y desilusión, mostrando la habilidad de Trent Reznor para articular emociones complejas.

3. "Down in It" - destaca por su ritmo bailable y gancho pegadizo. El uso innovador de elementos electrónicos y la calidad atmosférica hacen que la canción destaque.

4. "Sanctified" - una pieza más lenta e introspectiva. Las intrincadas capas de sonidos y la calidad atmosférica de la canción la convierten en otra canción destacada.

5. "Something I Can Never Have" - quizás el más emocionalmente resonante del álbum. La instrumentación escasa y la interpretación vocal vulnerable crean una sensación de emoción cruda y sin filtrar. La letra habla de amor no correspondido y anhelo.

Video del tema "Something I Can Never Have":

6. "Kinda I Want To" - combina elementos industriales y de synth-pop. El ritmo palpitante y el gancho pegadizo la convierten en una de las canciones más accesibles del álbum, mientras que la letra expresa una sensación de deseo y confusión.

7. "Sin" - Esto muestra el lado más oscuro y agresivo del álbum. El ritmo de conducción, las guitarras distorsionadas y las voces intensas crean una sensación de urgencia y tensión. La letra explora temas de culpa y tentación.

8. "That 's What I Get" - el tempo lento y las líneas atmosféricas del sintetizador crean una sensación de melancolía, que se amplifica con la emotiva interpretación vocal de Reznor.

9. "The Only Time" - destaca por su fusión de elementos industriales y funk. La línea de bajo maravillosa y el estribillo pegadizo lo convierten en uno de los temas más bailables del álbum.

10. "Ringfinger": este cierre del álbum crea una sensación de anticipación con sus intrincadas capas de sonidos y su lenta acumulación. El poderoso coro proporciona una conclusión adecuada para el álbum. Las letras exploran temas de compromiso y sacrificio, completando la exploración del álbum de temas oscuros.

Influencias en NIN y "Pretty Hate Machine":

 
Puedes escuchar a la banda de punk rock "The Clash"; Reznor afirmó que comenzó tratando de imitarlos directamente, solo para abandonar esa dirección debido a su falta de mensaje político. Otras influencias incluyen "Ministry" y "Skinny Puppy", que ayudaron a dar forma a "Pretty Hate Machine". Las notas del álbum también rindieron homenaje a Public Enemy y Prince. Otra gran influencia es Gary Numan, lo cual es evidente ya que Reznor dijo una vez que ... "después de escuchar 'Cars' supe que quería hacer música con sintetizadores". Otros artistas de gran influencia son Joy Division, los primeros años de Depeche Mode, King Crimson, David Bowie, Pink Floyd, Devo, The Cure, Joy Division, Bauhaus, Adam Ant y Soft Cell.

 

La discografía Nine Inch Nail (studio albums) hasta ahora:

 
Aparte de "Pretty Hate Machine", otros discos destacados de NIN son "The Downward Spiral" y "The Fragile". Aquí hay una lista de los álbumes de estudio de NIN para escuchar también:

• Pretty Hate Machine (1989)
• The Downward Spiral (1994)
• The Fragile (1999)
• With Teeth (2005)
• Year Zero (2007)
• Ghosts I–IV (2008)
• The Slip (2008)
• Hesitation Marks (2013)
• Bad Witch (2018)
• Ghosts V: Together (2020)
• Ghosts VI: Locusts (2020) 

Legado:

 
"Pretty Hate Machine" fue un lanzamiento revolucionario. Ayudó a popularizar el género del rock industrial y allanó el camino para el posterior éxito de "Nine Inch Nails". Los temas de alienación, desilusión y rebelión del álbum resonaron en una generación de oyentes, y su influencia todavía se puede sentir en la música de muchos artistas contemporáneos.

David Bowie comparó el impacto de Trent Reznor con el de "The Velvet Underground". El cantante de Guns N' Roses, Axl Rose, fue fuertemente influenciado por Nine Inch Nails para cambiar el sonido de su banda a un estilo industrial a mediados de los 90. Bob Ezrin, productor de Pink Floyd, Kiss, Alice Cooper y Peter Gabriel, describió a Reznor como un "verdadero visionario". En 2020, Nine Inch Nails fue incluido en el "Salón de la fama del rock and roll".

A Nine Inch Nails se le atribuye en gran medida la popularización de la música industrial.

Disco Recomendado

 
Uno de los mejores y más influyentes álbumes rock industrial de todos los tiempos.

Una obra maestra de sintetizadores melódicos, guitarras y paisajes sonoros electrónicos. El mayor logro de "Pretty Hate Machine" es que trajo extravagancia emocional a un género cuyo tema principal casi siempre había sido la deshumanización.

Un disco imprescindible para los amantes de la música electrónica, synth-pop e industrial. Si aún no lo conoces, buscarlo.

Video del tema "Head Like a Hole":

Algunos créditos del disco "Pretty Hate Machine":

• Trent Reznor: voz, arreglo, continuidad, edición digital, programación (todas las pistas); producción (pistas 1–7, 9, 10); mezcla (pistas 2, 6, 7, 10); ingeniería audio (pistas 3)
• Flood: ingeniería audio, producción (pistas 1, 2); programación de sintetizador adicional (pistas 2, 6)
• John Fryer - ingeniería (pistas 2, 4–10); mezcla (pistas 2, 4–6, 8–10); producción (pistas 4-10)
• Keith LeBlanc: producción adicional de remezclas (pista 1); ingeniería audio (pistas 1, 3, 6, 7, 9); mezcla (pistas 1, 6, 7, 9); producción (pistas 3, 9); remezcla (pista 7) 
• Tim Niemi - programación de sintetizador adicional (pistas 2, 6)
• Richard Patrick - guitarra drone al final (pista 4)
• Adrian Sherwood - ingeniería audio, mezcla, producción (pista 3)

SIGUR ROS - Agætis Byrjun - Album

Introducción:

 
¿El disco más hermoso jamás grabado?

En el ámbito de la música moderna, hay pocos álbumes que posean una cualidad de otro mundo capaz de trascender el tiempo y el espacio. Una de esas obras maestras que continúa cautivando a los oyentes (melómanos) con su belleza etérea y profundidad emocional es "Ágætis byrjun" de la banda islandesa Sigur Rós.

Este post explora este hermoso, maravilloso y fascinante disco con la esperanza de poder despertar tu curiosidad para motivarte a descubrirlo.

 

ALBUM Ágætis byrjun

(Significado en islandés: "Un buen comienzo")

Es el segundo álbum de estudio de la banda islandesa de post-rock Sigur Rós, publicado el 12 de junio de 1999. El disco fue grabado con el productor Ken Thomas (también trabajó con Wire, Dave Gahan y M83). "Ágætis byrjun" representa una desviación del primer álbum de la banda "Von", con los paisajes sonoros ambientales extendidos de ese álbum reemplazados por la guitarra y la orquestación con arco de violonchelo de Jónsi Birgisson, utilizando un octeto de doble cuerda entre otros elementos de cámara. "Ágætis byrjun" se convirtió en el álbum revelación de "Sigur Rós", tanto comercial como críticamente. Dicho de otra manera, se convirtió en su "obra maestra".

"Ágætis byrjun" es el primer álbum de la banda que presenta al teclista Kjartan Sveinsson, y el último que presenta el baterista Ágúst Ævar Gunnarsson, quien dejó la formación varios meses después del lanzamiento del álbum. Gunnarsson fue reemplazado por Orri Páll Dýrason en el mismo año. 

Este disco consta de 72 minutos de hermosa emoción y belleza, está hombro con hombro con otro trabajo similar y clásico, "Kid A" de Radiohead. Este álbum es casi perfecto de principio a fin. La obra completa cuenta una historia intrincada aunque la mayoría de las letras son en lenguaje galimatías "Vonlenska". Jonsi, el vocalista principal, canta la mayoría de las canciones en un idioma que inventó llamado "Hopelandic", derivado del islandés. La combinación de la voz de falsete de Jonsi con la instrumentación reverberada, la enorme sección rítmica y los gruesos arreglos de cuerdas dan como resultado un paisaje rítmica, felicidad melódica y armónica.

Estilo de música:

 
El estilo musical de Sigur Rós en "Ágætis byrjun" se puede describir como una mezcla de post-rock, ambient y dream pop. El sonido característico de la banda se caracteriza por el uso de la guitarra con arco, arreglos de cuerdas exuberantes y la voz de falsete del cantante principal Jónsi Birgisson. El álbum está lleno de paisajes sonoros atmosféricos, crescendos de construcción lenta y una sensación de belleza de otro mundo. El uso que hace la banda del lenguaje inventado "Hopelandic" se suma a la naturaleza enigmática y soñadora de la música.

Canciones- track por track:

Cada canción se desarrolla de manera brillante, las melodías son hermosas, la instrumentación es impactante y los crescendos son impresionantes. Es simplemente hermosa música que te deja boquiabierto. A continuación el tracklist:

1. "Intro": el álbum comienza con una introducción inquietante y atmosférica que prepara el escenario para el viaje sonoro que se avecina. La delicada melodía del piano y los sutiles sonidos ambientales establecen una sensación inmediata de misterio e intriga, atrayendo al oyente al universo sonoro de "Sigur Ros".

2. "Svefn-g-englar": un viaje sonoro. Comienza con una construcción ambiental lenta, con la voz de falsete de Jónsi y el sonido característico de la guitarra con arco de la banda creando una atmósfera de ensueño. El crescendo de la canción es una clase magistral de tensión y liberación.

3. "Starálfur": una hermosa mezcla de elementos orquestales y electrónicos. El uso de cuerdas por parte de la banda agrega una capa de calidez a la canción, mientras que los ritmos electrónicos le dan un toque moderno. La voz de Jónsi es especialmente emotiva en este tema.

4. "Flugufrelsarinn": esta canción muestra la capacidad de la banda para crear una sensación de drama y tensión. El uso de instrumentos de metal añade una textura.

5. "Ný batterí": de carácter experimental. La banda usa una variedad de instrumentos no convencionales, incluyendo una caja de música y un glockenspiel, para crear un paisaje sonoro inquietante y atmosférico.

6. "Hjartað hamast (bamm bamm bamm)": un testimonio de la capacidad de la banda para crear paisajes sonoros épicos y cinematográficos.

7. "Viðrar vel til loftárása": una de las más destacadas canciones del álbum. Es una epopeya de combustión lenta que muestra la capacidad de la banda para crear una sensación de drama y emoción a través de su música.

8. "Olsen Olsen": una hermosa combinación del sonido característico de la banda y elementos folclóricos islandeses más tradicionales. El uso de un coro agrega una capa de profundidad y riqueza a la canción.

9. "Ágætis byrjun": La canción principal es una hermosa canción de ritmo lento que resume el tema y el sonido general del álbum.

10. "Avalon": cierra el álbum una pieza tranquila e introspectiva. Es un final apropiado para el álbum, dejando al oyente con una sensación de calma y reflexión.

Si no estás familiarizado con "Sigur Rós" o este álbum, recomendaría comenzar con "Svefn-g-englar" y "Starálfur" para tener una idea del sonido de la banda. A partir de ahí, "Flugufrelsarinn" y "Viðrar vel til loftárása" brindan una inmersión más profunda en el lado más experimental y épico de la banda. Finalmente, la canción principal "Ágætis byrjun" es imprescindible por su hermosa representación del tema y el sonido general del álbum.

Proceso de grabación:

El proceso de grabación de "Ágætis byrjun" tuvo lugar en la Islandia natal de la banda, y los miembros de la banda experimentaron con varios instrumentos y técnicas de grabación para crear su sonido único. El álbum fue producido por la propia banda, junto con Ken Thomas, quien los ayudó a capturar el delicado equilibrio entre el ambiente y la épica. El uso de instrumentos no convencionales, como la guitarra con arco y el glockenspiel, así como la incorporación de elementos orquestales, contribuyeron a la identidad sonora distintiva del álbum.

Recepción de la crítica:

"Ágætis byrjun" recibió elogios generalizados de la crítica tras su lanzamiento. Los críticos elogiaron el álbum por su sonido innovador, profundidad emocional y la capacidad de la banda para crear una sensación de asombro y belleza a través de su música. Desde entonces, el álbum ha sido considerado como un hito en el género post-rock y ha influido en innumerables artistas en los años siguientes.

Disco Recomendado

Sigur Ros ha creado una obra maestra de proporciones revolucionarias que será difícil de superar. ¿Cómo se describe el sonido de los glaciares que se separan lentamente; una cinta solitaria de carretera; la locura y la maravilla de un planeta en un sistema solar que quizás esté más allá del alcance de la razón o el cielo?

Las experimentaciones sonoras del grupo transmutan hacia el exterior, Sigur Rós es un combo cerebral y extático que celebra la densidad de ejecución y la ligereza hipnótica. Ridículamente conmovedor.

En conclusión, "Ágætis byrjun" es un álbum innovador e influyente que muestra la mezcla única de post-rock, ambient y dream pop de Sigur Rós. Su sonido innovador, su profundidad emocional y su belleza cautivadora lo convierten en una pieza imprescindible para los melómanos y fans de la música experimental y atmosférica. Es más, da igual que género de música te gusta, este álbum trasciende estilos y está universalmente situado para ser escuchado por todos que realmente aman la música.

Video del tema "Viðrar vel til loftárása":     

Músicos:

•  Jón Þór Birgisson – voz, guitarra
• Kjartan Sveinsson – teclado
• Georg Hólm - bajo
• Ágús Ævar Gunnarsson – batería