SLY & THE FAMILY STONE - Stand! (1969)

ALBUM: Stand!

Un brillante ejemplo de los primeros trabajos de "Sly & the Family Stone", un disco que representa la culminación de la visión y los logros musicales del grupo. Podría decirse que es uno de los álbumes de R & B más significativos, innovadores, influyentes y emocionantes jamás producidos. "Stand!" de Sly & The Family Stone es una aventura salvaje y alucinante, una mezcla explosiva de soul, funk, gospel y rock psicodélico, que allanó el camino para un nuevo sonido, el funk "progresivo".

Uno de los elementos claves de la popularidad de este disco es el toque pop; la genialidad de hacer música reivindicativa y en muchos sentidos experimental, tan accesible y fácil de digerir.

Por lo tanto, es un trabajo contagioso, informativo, entretenido y estimulante. Pocos discos de su época lograron esto.

¿Quiénes eran Sly and The Family Stone?

 
Fue una banda estadounidense de funk rock originaria de San Francisco, California formada en 1966. Activa desde 1966 hasta 1983, fue fundamental en el desarrollo de la música funk, soul y psicodélica. Su formación principal (clásica) estaba encabezada por el cantautor, multi-instrumentista y productor Sly Stone, e incluía al hermano de Stone y el cantante y guitarrista Freddie Stone, a la hermana y cantante y teclista Rose Stone, a la trompetista Cynthia Robinson, al baterista Greg Errico, al saxofonista Jerry Martini y el bajista Larry Graham. La banda fue el primer grupo de rock estadounidense importante en tener una formación de hombres y mujeres racialmente integrada.

Su música sintetizó una variedad de géneros musicales y ayudaron a ser pioneros en el sonido emergente del "funk psicodélico". El trabajo de Sly and the Family Stone fue una influencia significativa en la música de Michael Jackson y The Jackson 5, George Clinton y Parliament-Funkadelic, Arrested Development, Miles Davis, Stevie Wonder, Prince, Outkast, Chuck D, John Legend, Red Hot Chili Peppers, John Mayer... y muchos más.

Lanzaron 10 álbumes, aquí está su discografía:

•  A Whole New Thing (1967)
• Dance to the Music (1968)
• Life (1968)
• Stand! (1969)
• There's a Riot Goin' On (1971)
• Fresh (1973)
• Small Talk (1974)
• Heard Ya Missed Me, Well I'm Back (1976)
• Back on the Right Track (1979)
• Ain't but the One Way (1982)

Sly and the Family Stone influyeron en gran medida en el sonido de la música funk, pop, soul, R&B y hip hop estadounidense posterior. La banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993.

Para mi gusto, hay tres discos sobresalientes de "Sly and The Family Stone", mi favorito de todos los tiempos "There´s a Roit Goin´On (1971), "Dance to the Music" (1968) y el ya mencionado "Stand!" (1969). Me concentraré en este último, además de ser un gran disco, sienta las bases para el próximo "There's a Riot Goin' On".

ALBUM: Stand! - una crítica

 
Es el cuarto álbum de "Sly and the Family Stone", publicado el 3 de mayo de 1969. Escrito y producido por el cantante principal y multi-instrumentista Sly Stone, Stand! es un punto culminante artístico de la carrera de la banda, además se convirtió en el álbum de mayor éxito comercial de la banda hasta la fecha.

Su importancia no puede ser subestimada. En 2015, el álbum fue considerado "cultural, histórica o estéticamente significativo" por la "Biblioteca del Congreso" de los Estados Unidos y seleccionado para su inclusión en el "Registro Nacional de Grabaciones".

Stand! : Canciones:

Las cosas comienzan con una nota muy emocionante con la canción principal y un himno de funk psicodélico explícitamente político que te hará querer bailar. A esto le sigue el igualmente impresionante pero mucho más ácido teñido de rock "Don't Call Me N-----, Whitey", que no es menos político y conflictivo en sonido y letra. Sigue "I Want to Take You Higher" y, como la canción principal, es funk psicodélico tremendamente explosivo. Sigue "Sing a Simple Song" un número de tempo de ritmo constante con un trabajo de batería funky atronador (y muy sampleado, por cierto).

Las cosas continúan con un "Everyday People" sincero y ahora clásico, un número de medio tiempo influenciado por el soul de Stax (la canción más orientada al pop en todo el álbum) que es un himno a la tolerancia e inclusión racial y étnica. A partir de aquí, el LP pierde un poco de fuerza con "Sex Machine", un largo instrumental de funk psicodélico, y "You Can Make if you Try", que termina el álbum de una manera funky pero descolocado relativamente comparado con la fuerza del principio.

A pesar de ello, es un brillante álbum alimentado por el funk y soul. La música popular negra nunca sonó igual después de "Stand!". Sus letras políticas son tan relevantes ahora como lo fueron en los revolucionarios años 60 (Siglo XX).
 

Un himno para el cambio:

El álbum "Stand!" de Sly and The Family Stone se considera un himno para el cambio debido a sus poderosos mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social. Los temas y las letras del álbum resonaron con el clima social y político de finales de la década de 1960, en particular el movimiento de derechos civiles, el movimiento contra la guerra de Vietnam y la contracultura.

Varios elementos contribuyen al estatus del álbum como un himno para el cambio:

• Formación de bandas diversas: Sly and the Family Stone fue una de las primeras bandas estadounidenses importantes en presentar una formación integrada racial y de género. Esta diversidad fue una poderosa declaración en sí misma, ya que demostró el compromiso de la banda de derribar barreras y promover la unidad.

• Mensajes edificantes y de empoderamiento: la canción principal del álbum, "Stand!", alienta a los oyentes a defender sus creencias y luchar por el cambio. Otras canciones como "Everyday People" y "You Can Make It If You Try" promueven mensajes de unidad, tolerancia y auto-empoderamiento.

• Letras con conciencia social: el álbum aborda varios problemas sociales, como la desigualdad racial, la pobreza y la guerra. La combinación única de funk, soul, rock y psicodelia de Sly and the Family Stone ayudó a derribar las barreras musicales y unir a las personas. Su sonido innovador influyó en numerosos artistas y géneros, incluidos el funk, el R & B y el hip-hop.

En resumen, "Stand!" es considerado un himno para el cambio por sus poderosos mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social, así como por su estilo musical innovador y su influencia duradera en la cultura popular.

El impacto de Stand! sobre la industria de la música:

El álbum no solo influyó en el sonido y el estilo de numerosos artistas y géneros, sino que también contribuyó a dar forma al enfoque de la industria sobre los problemas sociales y la diversidad.

Estos son algunos elementos clave:

1. Pioneros en un nuevo sonido: "Stand!" jugó un papel importante en el desarrollo de la música funk, que se convertiría en un género dominante en la década de 1970. Este sonido sería desarrollado aún más por artistas como Parliament-Funkadelic, James Brown y Prince.
   
   
2. Promoción de la diversidad y la inclusión: la formación integrada racial y de género de Sly and the Family Stone fue innovadora en ese momento y sentó un precedente para futuras bandas. Su éxito demostró que diversos grupos podían lograr una gran popularidad, allanando el camino para otras bandas mixtas raciales y de género como Earth, Wind & Fire y The B-52's.
   
   
3. Abordar problemas sociales a través de la música: "Stand!" mostró que la música popular podría ser una poderosa plataforma para abordar cuestiones sociales y políticas. Las letras con conciencia social del álbum inspiraron a otros artistas a abordar temas similares en su trabajo, lo que contribuyó al surgimiento de música de protesta y canciones con conciencia social en varios géneros, incluidos R & B, hip-hop y rock.
   
   
4. Rompiendo barreras de género: La mezcla ecléctica de estilos musicales en "Stand!" ayudó a romper las barreras de género y fomentar la experimentación en la música popular. La influencia del álbum se puede escuchar en el trabajo de numerosos artistas que mezclan diferentes estilos y géneros, como Michael Jackson, Prince y Stevie Wonder.
   
   
5. Legado e influencia en las generaciones futuras: Los mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social en "Stand!" han seguido resonando entre los oyentes e inspirando a artistas a lo largo de generaciones. Los temas del álbum y el sonido innovador han sido citados como influencia por numerosos músicos, incluidos Lenny Kravitz, OutKast y Kendrick Lamar.

Como se puede apreciar, "Stand!" de Sly and the Family Stone tuvo un profundo impacto en la industria de la música, influyendo en el sonido y el estilo de varios artistas y géneros, promoviendo la diversidad y la inclusión, y demostrando el poder de la música como plataforma para abordar problemas sociales. El legado del álbum continúa inspirando y dando forma a la música popular actual.

Disco recomendado

Una obra maestra, llena de canciones innovadoras que puedes bailar, inteligente, social y política concienciada, y lo más importante, su musical afirma la vida. Un disco que contiene la mayoría de sus famosas canciones, con su sonido coral y súper lleno de soul-funk.

"Stand!" tuvo un profundo impacto en la música (funk, soul y hip hop), influyendo en el sonido y el estilo de varios artistas y géneros, promoviendo la diversidad y la inclusión, y demostrando el poder de la música como plataforma para abordar problemas sociales. El legado del álbum continúa inspirando y dando forma a la música popular actual.

Y por último, este disco sentó las bases para su próximo LP, y en mi opinión incluso mejor, There's a Riot Goin' On (1971), un trabajo que también recomiendo que busques y escuches después de "Stand!".

Video del tema "Everyday People":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1."Stand!" – 3:08
2."Don't Call Me Nigger, Whitey" – 5:58
3."I Want to Take You Higher" – 5:22
4."Somebody's Watching You" – 3:20
5."Sing a Simple Song" – 3:56

Cara B:

1."Everyday People" – 2:21
2."Sex Machine" – 13:45
3."You Can Make It If You Try" – 3:37

Sly and the Family Stone (miembros):

• Sly Stone: voz, órgano, guitarra, piano, armónica, codificador de voz; bajo en "Puedes lograrlo si lo intentas"
• Rose Stone - voz, piano, teclados
• Freddie Stone - voz, guitarra
• Larry Graham - voz, bajo (excepto en "You Can Make it if You Try")
• Greg Errico - batería, coros en "I Want to Take You Higher"
• Cynthia Robinson - trompeta, improvisaciones vocales; coros en "I Want to Take You Higher"
• Jerry Martini – saxofón; coros en "I Want to Take You Higher"
• Little Sister (Vet Stone, Mary McCreary, Elva Mouton): coros en "Stand!", "Sing a Simple Song", "Everyday People" y "I Want to Take you Higher"

SWANS - The Seer - Album

El siguiente álbum que voy a recomendar al lector en este blog de música tiene una reseña al respecto que leí en alguna parte que decía: "Este es el tipo de cosas en las que alguien debería construir una película o una religión". ¡Vaya declaración!

Hablo del álbum "The Seer" (2012) del grupo de rock SWANS.

¿Quiénes son Swans?

 
Banda estadounidense de rock experimental formada en 1982 por el cantante, compositor y multi-instrumentista Michael Gira. Swans, es uno de los pocos grupos que surgió de la escena "no wave" de la ciudad de Nueva York y permaneció intacto en la siguiente década, ha sido reconocido por explorar géneros como el noise rock, el post-punk, industrial y el post-rock. La banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, demasiados para destacar individualmente aquí. Sin embargo, solo por mencionar, Thurston Moore de "Sonic Youth" fue parte de la primera etapa de "Swans".

Inicialmente, su música era conocida por su brutalidad sonido y letras misantrópicas. Tras la incorporación del cantante, compositor y teclista Jarboe en 1986, Swans comenzó a incorporar melodía y complejidad en su música. Jarboe siguió siendo el único miembro constante de la banda, excepto Gira y el guitarrista semi-constante Norman Westberg hasta su disolución en 1997.

En 2010, Michael Gira volvió a formar la banda sin Jarboe, estableciendo una formación estable de músicos que realizó giras por todo el mundo y lanzó más álbumes con gran éxito de crítica. La banda sigue activa bajo la dirección de Michael Gira.

Swans: estilo musical y legado

El estilo musical de "Swans" se ha transformado mucho a lo largo de las décadas, pero es típicamente oscuro y "apocalíptico", a menudo centrado en temas de poder, religión, sexo y muerte, y generalmente se ha asociado con el rock experimental. También se han utilizado las siguientes etiquetas para describir su música: post-punk, industrial, doom metal, minimalismo, gótico, psicodélico e incluso "blues". Yo agregaría las etiquetas, "espiritual" y "cerebral".

Swans ha sido citado como una influencia por una variedad de músicos de rock y metal, incluidos miembros de Napalm Death, Godflesh, Melvins, Nirvana, Tool, Isis y Car Seat Headrest, por mencionar algunos.

Swans: discografía hasta la fecha:

• Filth (1983)
• Cop (1984)
• Greed (1986)
• Holy Money (1986)
• Children of God (1987)
• The Burning World (1989)
• White Light from the Mouth of Infinity (1991)
• Love of Life (1992)
• The Great Annihilator (1995)
• Soundtracks for the Blind (1996)
• My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky (2010)
• The Seer (2012)
• To Be Kind (2014)
• The Glowing Man (2016)
• Leaving Meaning (2019)
• The Beggar (2023)

De los 16 discos hasta la fecha, quiero destacar su increíble lanzamiento de 2012 titulado "The Seer".

ALBUM: The Seer

 
El duodécimo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock experimental Swans publicado el 28 de agosto de 2012. El líder (y productor) Michael Gira financió "The Seer" con las ventas del doble álbum en directo "We Rose from Your Bed with the Sun in Our Head". "The Seer" es la grabación más extensa, ambiciosa, cuidadosamente concebida y bien interpretada del catálogo de la banda; dos discos, dos horas y 11 temas. Un álbum conceptual que en realidad va más allá del término "conceptual" y hacia un espacio musical desconocido.

Este disco es muy diferente de los trabajos anteriores de "Swans"; centrado en paisajes sonoros, en general es menos accesible. Con un tiempo total de dos horas, esto puede ser demasiado intenso para muchas personas. Tenga en cuenta que Michael Gira ha moldeado un disco para reflejar 30 años de experiencias (musicales), quién sabe qué apareció en su mente durante la composición y la grabación en estudio. En general, esto no es algo malo, significa que "The Seer" requiere del oyente paciencia, entusiasmo y curiosidad por descubrir lo desconocido, una escucha atenta y una mente musical abierta. Es cerebral en su fabricación, espiritual en la ejecución.

El álbum presenta una variedad de instrumentación y una larga lista de músicos invitados (ver más abajo lista), incluida la vocalista de la banda post-punk "Yeah Yeah Yeahs" Karen O ("Song for a Warrior") y el ex miembro de Swans Jarboe ("Piece of the Cielo.").

"The Seer" está construido con canciones de larga duración, particularmente su canción principal de más de 30 minutos, así como su experimentación con elementos de drone y noise. "The Seer" se considera la primera parte de una "trilogía" de tres álbumes, los otros álbumes son "To Be Kind", que siguió, y "The Glowing Man", que siguió a To Be Kind.

La portada del álbum "The Seer":

 
El arte de la portada de "The Seer" es impactante y se basa en una pintura de lobo de Simon Henwood y presenta los dientes de Michael Gira.

ALBUM: The Seer ("El Vidente"): + review

 
Abstracto, místico y poco convencional, lleno de suspenso e intensidad. Pero no te dejes engañar, la banda tiene el control total. "The Seer" combina casi por igual elementos de ruido y zumbido, tocando en un estilo post-rock con un toque de hard rock. La maestría musical es absolutamente sobresaliente.

Este disco se "repite" sin descanso tanto que agota hipnotizando. Una paliza severa que recompensa cuando hace absolutamente nada. Te cansa sólo para despertarte violentamente. Te envía por el camino equivocado solo para gritarte por hacerlo. No escuchas este álbum, lo asumes. Nunca podrías prepararte para ello, y si sobrevives, nunca lo olvidarás. Esta es una experiencia musical total, casi ceremonial en la aceptación, transformadora en su final.

Track por Track review:

• "Lunacy" (6:09)

Abre el álbum con inquietantes armonías vocales y un riff de guitarra repetitivo. El corte aumenta en intensidad, con la voz dominante de Michael Gira y la adición de percusión. La canción establece el tono del álbum, creando una atmósfera oscura e inmersiva.

• "Mother of the World" (9:57)

Cuenta con un patrón de batería hipnótico y repetitivo y un riff de guitarra monótono. La voz de Gira es más restringida aquí, lo que se suma a la atmósfera inquietante de la canción.

• "The Wolf" (1:35)

Un breve interludio, presenta un arreglo minimalista con una melodía de guitarra simple y la voz susurrada de Gira. La pista sirve como un momento de respiro antes de los momentos más intensos del álbum.

• "The Seer" (32:14)

Una epopeya extensa de 32 minutos que destaca la capacidad de Swans para crear un paisaje sonoro denso e inmersivo. La canción comienza con una introducción lenta y monótona antes de convertirse en una mezcla caótica de percusión, guitarras con la poderosa voz de Gira. Utiliza todas las herramientas del arsenal de Swans, como un martillo, desde la repetición casi enloquecedora y la disonancia estruendosa hasta el espacio matizado; dinámica a texturas electrónicas multivalentes en capas

• "The Seer Returns" (6:17)

Una pista de rock más sencilla, con un ritmo de conducción. La canción tiene un sentido de urgencia, con la intensidad característica de la banda.

• "93 Ave. B Blues" (5:21)

Esta pista instrumental es una cacofonía de ruido, con guitarras disonantes y percusión caótica creando una atmósfera inquietante.

• "The Daughter Brings the Water" (2:40)

Una canción más tranquila y melódica, presenta una melodía de guitarra simple y la voz tenue de Gira. La canción proporciona un momento de calma.

• "Song for a Warrior" (3:58)

Con la voz invitada de "Karen O" de los "YeahYeah Yeahs", es una balada inquietante con una delicada melodía de piano. La pista se destaca por su resonancia emocional y muestra la versatilidad de Swans como banda.

• "Avatar" (8:51)

Un tema de construcción lenta que presenta un riff de guitarra repetitivo y la voz imponente de Gira. La canción aumenta gradualmente en intensidad, con capas de instrumentación agregadas a medida que avanza.

• "A Piece of the Sky" (19:10)

Esta canción de casi 20 minutos comienza con un paisaje sonoro de grabaciones de campo y ruido ambiental antes de pasar a una melodía de guitarra lenta y monótona. La voz de Gira es más restringida aquí, lo que se suma a la atmósfera hipnótica de la canción. La pista aumenta en intensidad, con capas de instrumentación agregadas a medida que avanza, antes de terminar con un regreso al paisaje sonoro ambiental.

• "The Apostate" (23:01)

El tema de cierre del álbum es otra epopeya, que presenta una mezcla de guitarras zumbantes, percusión retumbante y la poderosa voz de Gira. La canción pasa por múltiples movimientos, con momentos de calma intercalados con intensos crescendos. La pista termina con una cacofonía caótica de ruido, llevando el álbum a una conclusión apropiadamente intensa. 

Disco recomendado

"The Seer" es una experiencia musical. No hay muchas bandas que yo sepa que tomen música en este estilo y escala. De ninguna manera es el primer álbum experimental oscuro, pero el impacto aquí es diferente. Tiene una cualidad teatral (cinematográfica); puedes escucharlo atentamente y seguir cautivado durante dos horas seguidas. Habiendo dicho eso, muchos no pasarán del primer tema titulado acertadamente "Lunacy". Para aquellos que den al disco toda su atención, probablemente tengan experiencias únicas; como todas las mejores epopeyas, "The Seer" es un clásico en parte porque está completamente abierto a la interpretación.

"The Seer" es definitivamente desafiante y es una de las experiencias auditivas más inmersivas que se pueden ofrecer. La mezcla del álbum de elementos de post-rock, drone y noise rock, combinados con la voz dominante de Michael Gira, lo convierten en un lanzamiento destacado en la discografía de la banda. Emoción de suspenso con los nudillos blancos, con giros alucinantes, y con una musicalidad excepcional.

Si aceptas el desafío de "The Seer", será la pieza musical más impactante, apasionante y posiblemente la más original que escucharás. Te recomiendo enfrentarte a "The Seer", aceptar su provocación, mantenerte firme, dejarlo entrar y permitir que transforme tus ideas musicales hasta ahora establecidas. Será un viaje desconocido a través de la originalidad musical y lírica sin diluir y de imaginería cruda y evocadora, entrando en un túnel oscuro sin luz al final, o eso parece al principio.

Video del tema "Lunacy":

Tracklist:

Disc 1:

1.         "Lunacy" (con Alan Sparhawk and Mimi Parker)     6:09
2.         "Mother of the World"                      9:57
3.         "The Wolf"                 1:35
4.         "The Seer"                  32:14
5.         "The Seer Returns" (con Jarboe)                    6:17
6.         "93 Ave. Blues"                     5:21
7.         "The Daughter Brings the Water"                 2:40

Disc 2:

1.         "Song for a Warrior" (con Karen O)             3:58
2.         "Avatar"                     8:51
3.         "A Piece of the Sky" (con Jarboe and Akron/Family)                     19:10
4.         "The Apostate"                       23:01

 

Swans (miembros):

•  Michael Gira: voz principal, guitarra acústica, guitarra eléctrica, armónica, Casio, sonidos
• Kristof Hahn - lap steel guitar, guitarras eléctricas, voces adicionales
• Thor Harris: batería, percusión, campanas orquestales, dulcimer martillado, vibráfono, piano, clarinete, violín hecho a mano.
• Christopher Pravdica: bajo, voces adicionales, increíble apretón de manos
• Phil Puleo - batería, percusión, dulcimer martillado, voces adicionales
• Norman Westberg - guitarra eléctrica, voces adicionales

Músicos invitados:

• Bill Rieflin: piano, órgano, guitarra eléctrica, guitarra acústica, batería, percusión, Casio, sintetizador, bajo, voces adicionales, idea de pájaro; acreditado como "cisne honorario"
• Karen O - voz principal en "Song for a Warrior"
• Alan Sparhawk y Mimi Parker - co-voces en "Lunacy"
• Jarboe: coros en "The Seer Returns" y "A Piece of the Sky", collage de voces en "A Piece of the Sky"
• Seth Olinsky, Miles Seaton y Dana Janssen: coros en "A Piece of the Sky"
• Caleb Mulkerin y Colleen Kinsella: acordeón, voces adicionales, dulcimer, guitarra, piano y otros instrumentos en "The Seer Returns"
• Sean Mackowiak - mandolina acústica y eléctrica, clarinete
• Ben Frost - sonidos de fuego (acústicos y sintéticos) en "A Piece of the Sky"
• Iain Graham - gaita en "The Seer"
• Bruce Lamont - cuernos en "The Seer"
• Bob Rutman - violonchelo de acero en "The Seer"
• Cassis Staudt - acordeón
• Eszter Balint: violín
• Jane Scarpantoni – violonchelo
• Kevin McMahon: batería adicional en "The Seer Returns" y "Avatar", guitarras adicionales en "Song for a Warrior" y "Avatar"
• Bryce Goggin - piano en "Canción para un guerrero"
• Bill Tobin – Oboe en “Avatar”
• Stefan Rocke - contrabajo en "The Seer"
  

Técnico:
Michael Gira - productor

LED ZEPPELIN - Led Zeppelin I - Album (1969)

Album:(Led Zeppelin)"Led Zeppelin I"

El álbum debut de la banda inglesa de rock Led Zeppelin. Fue publicado el 12 de enero de 1969 en los Estados Unidos y el 31 de marzo en el Reino Unido. 

El disco fue grabado en "Olympic Studios" (Londres) en 1968, poco después de la formación de la banda. Contiene una mezcla de material original elaborado en los primeros ensayos, y "remakes" y arreglos de blues contemporáneo y canciones populares.

El álbum fue producido por Jimmy Page, junto con el los miembros de la banda Robert Plant (voz principal, armónica), John Paul Jones (bajo, teclados) y John Bonham (batería). El percusionista Viram Jasani aparece como invitado en una de las canciones "Black Mountain Side". El disco fue posteriormente mezclado por Glyn Johns, y la icónica portada del álbum que muestra el "desastre de Hindenburg" fue diseñada por George Hardie.

Fecha de lanzamiento de "Led Zeppelin I" y, su período histórico:

Tienes que ponerte en el momento histórico del lanzamiento del álbum (1969), o al menos intentar imaginarlo. El reinado de "The Beatles" estaba terminando junto con la era de "paz y amor", una nueva actitud estaba hirviendo con el rock duro y heavy que comenzaba a despegar. El atronador volumen de los números más pesados de "Led Zeppelin I" igualó fácilmente, y a menudo superó, la intensidad de la mayoría de sus contemporáneos en 1969. Al mismo tiempo, sus canciones eran bastante dinámicas y estaban inspiradas en muchos géneros diferentes, incluido el folk y el blues. Esto le dio a todo un efecto novedoso, una sensación de presenciar lo nada antes visto en el rock and roll. Era como si la multitud "huérfana" de paz y amor hubiera encontrado un medio más duro, sexy, rebelde y explosivo para expresar sus nuevas ideas emergentes. Este disco (junto con otros) abrió la puerta al mundo de la música de los 70 (Siglo XX).

Impacto inmediato del disco "Led Zeppelin I":

 
La interpretación de Led Zeppelin sobre el sonido emergente del hard rock tuvo un éxito comercial inmediato tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, alcanzando el top 10 en las listas de álbumes de ambos países, así como varios otros. Muchas de las canciones eran más largas y no se adaptan bien para ser lanzadas como sencillos para la radio; Page se mostró reacio a lanzar "singles", por lo que solo "Good Times Bad Times", respaldado por "Communication Breakdown", se lanzó fuera del Reino Unido. Esto no fue una desventaja, ya que la exposición en las estaciones de radio de rock orientadas al álbum y el crecimiento de la popularidad de la banda, muchas de las canciones del álbum se han convertido en elementos básicos de la radio de rock clásico.

La portada del álbum de "Led Zeppelin I":

Jimmy Page eligió la ahora famosa portada del disco "Led Zeppelin I", que presenta una imagen en blanco y negro del dirigible Hindenburg en llamas, fotografiada por Sam Shere el 6 de mayo de 1937, durante el "desastre del Hindenburg". 

La leyenda dice (historia popular) que la portada del álbum se refiere al origen del nombre de la banda. Cuando Jimmy Page, Jeff Beck y los miembros de The Who, el baterista Keith Moon y el bajista John Entwistle, discutían la idea de formar un grupo, Moon bromeó: "Probablemente se desplomaría como un globo de plomo", y Entwistle respondió, "¡como un zepelín de plomo!" ("Like a Led Zeppelin").

La portada del álbum ahora es legendaria, y en 2001, el periodista musical y autor estadounidense Greg Kot escribió en "Rolling Stone Magazine" que el "Led Zeppelin I" muestra la aeronave Hindenburg, en toda su gloria fálica, cayendo en llamas. La imagen hizo un buen trabajo al encapsular la música en el interior: sexo, catástrofe y cosas que explotan".

La novedad de "Led Zeppelin I" álbum:

 
Llevando el blues eléctrico heavy y distorsionado de Jimi Hendrix, Jeff Beck y Cream al extremo, Led Zeppelin creó una poderosa marca de rock de guitarra construida alrededor de riffs y ritmos simples memorables. Pero no era todo un ataque directo, había sutileza: la oferta musical estaba sombreada y texturizada, llena de dinámicas alternas y tempos que presentaban música de múltiples capas.

Sus versiones extendidas de blues psicodélico con "Dazed and Confused", "You Shook Me" y "I Can't Quit You Baby" captan la mayor parte de la atención, pero el resto del álbum indica en qué evolucionaría la banda más adelante. "Babe I'm Gonna Leave You" cambia de versos folklóricos a estribillos contundentes; "Good Times Bad Times" y "How Many More Times" tienen mezclas de blues; "Your Time Is Gonna Come" es un himno de rock duro; "Black Mountain Side" es puro folk inglés; y "Communication Breakdown" es un tema casi punk.
 

Las canciones de "Led Zeppelin I":

 
Nunca ha sido un gran secreto que Led Zeppelin "tomó prestadas" muchas de sus ideas de otros compositores. Aunque hay otros compositores que están acreditados en el álbum "Led Zeppelin I" (incluido Willie Dixon, quien más tarde los demandó por "Whole Lotta Love"), hay algunos que no lo están. Un ejemplo sería "Dazed And Confused", que se inspiró en un desconocido cantante de folk llamado Jake Holmes. Al escuchar es álbum, también parece que Jimmy Page había estado prestando mucha atención al disco debut de Jeff Beck, "TRUTH", mientras creaba el sonido de su nueva banda, llegando incluso a hacer una versión de "You Shook Me". Independientemente, y dejando de lado este aspecto controvertido del grupo, Led Zeppelin fueron increíbles intérpretes que remodelaron ideas "prestadas" y las elevaron a otro nivel.

 

Track-por-track review:

• "Good Times Bad Times":

El álbum arranca con un ritmo potente y dinámico y destaca las excepcionales habilidades de percusión de John Bonham. La voz distintiva de Robert Plant y el innovador trabajo de guitarra de Jimmy Page hacen de este una gran canción para comenzar el disco.

• "Babe I'm Gonna Leave You":

Esta inquietante balada presenta una hermosa introducción de guitarra acústica, seguida de una acumulación gradual de un sonido más pesado e intenso. La voz emotiva de Plant y el intrincado trabajo de guitarra de Page crean la atmósfera.

• "You Shook Me":

Un número de blues con un riff pesado y estridente destaca la capacidad de la banda para reinterpretar las canciones tradicionales de blues en su propio estilo. La voz apasionada de Plant y el trabajo de guitarra slide de Page son elementos destacados.

• "Dazed and Confused":

Posiblemente una de las canciones más icónicas de Led Zeppelin, una obra maestra psicodélica. La línea de bajo descendente, combinada con el uso innovador de Page de un arco de violín en su guitarra, crea un paisaje sonoro oscuro.

• "Your Time Is Gonna Come":

Tiene una introducción de órgano pegadiza y edificante de John Paul Jones, seguida de un ritmo de conducción y voces poderosas de Plant. El mensaje optimista de la canción y su melodía memorable la hacen sobresalir.

• "Black Mountain Side":

Una pista instrumental, puedes escuchar las excepcionales habilidades de Page con los dedos en la guitarra acústica. Inspirándose en la música folclórica tradicional británica e india, esta canción le da al disco un toque diferenciador.

• "Communication Breakdown":

Una canción de rock de ritmo rápido y alta energía, presenta un riff pegadizo y las voces de gemidos características de Plant. La energía implacable de la pista y la musicalidad ajustada la convierten en un clásico.

• "I Can't Quit You Baby":

Otra versión de blues demuestra la capacidad de la banda para infundir blues tradicional con su propio sonido de rock duro. La voz conmovedora de Plant y el expresivo trabajo de guitarra de Page crean una poderoso ambiente emocional.

• "How Many More Times":

El corte de cierre del álbum es una composición épica y extensa. Con sus tempos cambiantes, cambios dinámicos e impresionantes secciones instrumentales, esta canción es una buena conclusión.

En resumen, un gran debut que presentó al mundo a una banda que se convertiría en uno de los grupos de rock más influyentes y exitosos de la historia. La innovadora fusión del álbum de elementos de blues, hard rock y folk de la época, combinada con la excepcional maestría musical y las poderosas interpretaciones de la banda, hacen de "Led Zeppelin I" sea un clásico atemporal que continúa cautivando a los oyentes en la actualidad.

El legado del álbum "Led Zeppelin I":

 

Este disco ha influido en innumerables músicos y bandas en las décadas siguientes. A continuación algunos aspectos del legado perdurable del álbum:

• Pioneros en un nuevo sonido: "Led Zeppelin I" fue innovador en su fusión de elementos de blues, hard rock y folk, creando un sonido único y poderoso que definiría a la banda e inspirará a las futuras generaciones de músicos. El enfoque innovador del álbum para la composición y los arreglos ayudó a allanar el camino para el desarrollo del heavy metal y el rock progresivo.
  
  
• Dominio musical excepcional: los talentos individuales de cada miembro de la banda se exhibieron por completo en "Led Zeppelin I", mostrando su destreza técnica y habilidades creativas. Las innovadoras técnicas de guitarra de Jimmy Page, la poderosa y emotiva voz de Robert Plant, la versatilidad musical de John Paul Jones y la estruendosa percusión de John Bonham contribuyeron al impacto duradero del álbum.

• Presentaciones en vivo: los legendarios shows en directo de Led Zeppelin fueron una parte crucial de su atractivo, y las canciones de "Led Zeppelin I" jugaron un papel importante en sus primeros conciertos. Temas como "Dazed and Confused" y "Communication Breakdown" se convirtieron en elementos básicos de sus presentaciones en vivo. El éxito y el sonido de "Led Zeppelin I" tuvieron un profundo impacto en el mundo de la música, inspirando a bandas y artistas de varios géneros. Grupos como Black Sabbath, Deep Purple, Aerosmith y, más tarde, Guns N' Roses, Nirvana y Pearl Jam, han citado a Led Zeppelin como una gran influencia en su música.

• Popularidad perdurable: Mucho después de su lanzamiento, "Led Zeppelin I" continúa siendo celebrado por fans y críticos por igual. El atractivo atemporal del álbum es un testimonio de la perdurable relevancia de la banda y el impacto duradero de su música en el panorama del rock.
  
  

Disco recomendado

Aunque el álbum no es tan variado como algunos de sus trabajos posteriores (mi álbum favorito de todos los de Led Zeppelin es "Physical Graffiti"), marcó un punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal.

También es sin duda uno de los grandes discos debut en la historia del rock; el homónimo de Led Zeppelin es la primera de sus muchas obras maestras y uno de los álbumes más rompedores e influyentes en la historia del rock y el metal.

En definitiva, siempre un placer y una experiencia escuchar este disco.

Video del tema "Babe I'm Gonna Leave You":

Tracklist - canciones (formato LP original) :

Cara A:

1.         "Good Times Bad Times"                  2:43
2.         "Babe I'm Gonna Leave You"      6:40
3.         "You Shook Me"        (Willie Dixon, J. B. Lenoir) 6:30
4.         "Dazed and Confused"          (Jake Holmes) 6:27

Cara B:

1         "Your Time Is Gonna Come" 4:41
2.         "Black Mountain Side"          Page    2:06
3.         "Communication Breakdown"           2:26
4.         "I Can't Quit You Baby"       (Willie Dixon) 4:42
5.         "How Many More Times"      8:28