RON CARTER | Uptown Conversation

Este músico tiene más de 2.000 referencias acreditadas de grabaciones musicales a su nombre. Es el bajista que más ha grabado en la historia del jazz, segun el libro "Guinness World Records". Hablo de...

Ron Carter (Músico de jazz)

Qué más puedo añadir que aún no se haya escrito sobre este excepcional músico. Solo espero poder darte una breve historia del hombre, sus logros e importancia para la historia del jazz, y guiarte hacia un álbum (o varios álbumes) para descubrir su música.

Está reconocido como uno de los bajistas más talentosos e influyentes de la historia del jazz, gracias a su facilidad técnica, swing y melodía natural. Bajista y violonchelista de talla mundial desde los años 60, se hizo mundialmente famoso como miembro del segundo gran quinteto de Miles Davis. Su carrera continuó a mayores alturas después de Miles Davis publicando regularmente sus propios álbumes (como líder de banda). Además, nunca ha dejado de trabajar, ya que Ron Carter también se ha unido a otros músicos en muchos proyectos a dúo y/o trío. Se le ha escuchado en un gran número de grabaciones; algunas fuentes afirman que ha participado en más de 500, otras han estimado que llegan a 1.000. La lista de personas con las que ha tocado es simplemente demasiado grande para ser citada de manera precisa y completa. El libro "Guinness World Records" tiene la cifra registrada en 2,221 grabaciones.

Una breve historia:

Ron Carter nació en Ferndale, Michigan en 1937. Comenzó a tocar el violonchelo a la edad de 10 años y cambió al bajo mientras estaba en la escuela secundaria. Obtuvo una licenciatura en música de la "Eastman School of Music" (1959) y una master en música de la "Manhattan School of Music" (1961). 

Los primeros trabajos de Carter como músico de jazz fueron tocando el bajo con "Chico Hamilton" en 1959, seguido por el trabajo de "freelance" con "Jaki Byard", "Cannonball Adderley", "Randy Weston", "Bobby Timmons" y "Thelonious Monk". Una de sus primeras apariciones grabadas fue en el famoso álbum de "Eric Dolphy", "Out There", grabado en 1960. A principios de octubre de 1960, Carter grabó "How Time Passes" con Don Ellis, y el 20 de junio de 1961, grabó "Where?", su primer álbum como líder de banda, con Eric Dolphy.

En 1963, la carrera de Ron Carter despegó en serio al convertirse en miembro de la famosa "banda de Miles Davis". Carter permaneció con Davis hasta 1968, haciendo equipo con sus compañeros de banda Herbie Hancock y Tony Williams para crear un nuevo sonido de sección rítmica más libre. Juntos, aparecieron en cada una de las grabaciones cruciales del trompetista de mediados de los 60, incluidos los álbumes "E.S.P.", "Miles Smiles", "Nefertiti" y otras. El trabajo de alto perfil cimentó la reputación de Carter y se convierten después en el bajista más grabado en la historia del jazz. El bajista tenía una gran demanda, todos querían a Carter y el trabajo nunca fue un problema.

Después de Miles, Ron Carter ha dirigido sus propias bandas en varios intervalos desde 1972, utilizando un segundo bajista para mantener el ritmo y establecer la armonía, por lo que le "permite" proporcionar sus solos. Carter incluso inventó su propio instrumento, un "bajo Piccolo", que incluyó en su álbum "Piccolo" (1977). Continuó contribuyendo a muchos arreglos y composiciones tanto para sus grupos como para otras bandas. En 1987, ganó un premio Grammy a la "Mejor composición instrumental" por la canción "Call Sheet Blues", del álbum de la banda sonora "The Other Side of Round Midnight". Carter obtuvo un segundo premio Grammy en 1994 por sus contribuciones al álbum "A Tribute to Miles". Ha grabado para muchos sellos discográficos, incluidos Embryo / Atlantic, CTI, Milestone, Timeless, EmArcy, Galaxy, Elektra y Concord, y finalmente aterrizó en Blue Note para los LPs, "The Bass and I" de 1997, "So What" de 1998, y "Orfeu" de 1999.

Desde 2000 en adelante, Ron Carter se ha mantenido como un artista activo y muy solicitado, lanzando un flujo constante de álbumes y manteniendo una apretada agenda en directo. Carter es un profesor emérito distinguido del departamento de música del "City College of New York", después de haber enseñado allí durante 20 años, y recibió un doctorado honorario del "Berklee College of Music" en la primavera de 2005. Se unió a la facultad de " Juilliard School "en la ciudad de Nueva York en 2008, enseñando bajo el programa de estudios de jazz de la escuela. Carter forma parte del comité asesor de la junta directiva de "The Jazz Foundation of America" y del Comité de Fundador Honorario.

En 2010 Carter fue honrado con el premio cultural más importante de Francia, el medallón y el título de "Comandante de la Ordre des Arts et des Lettres". Carter fue elegido para el "Salón de la Fama del Jazz" de Down Beat en 2012.

Como se puede leer, una carrera excepcional para este músico de jazz muy respetado y extremadamente talentoso. Un virtuoso, un genio.

Su discografía es demasiado larga para exponerla aquí, de hecho, no sabemos realmente todos los álbumes que Carter ha contribuido y / o colaborado. La siguiente es una lista seleccionada de álbumes de estudio / en directo como solista (y líder de banda) que son bien conocidos, y especialmente su período con Miles Davis.

Discografía seleccionada:

con Miles Davis (1962-68):

•  Quiet Nights
• Live at the 1963 Monterey Jazz Festival
• Four & More
• My Funny Valentine
• Live in Milan 1964
• Miles Davis in Europe
• Miles in Berlin
• Live at the Plugged Nickel
• Miles Smiles
• ESP
• Miles in the Sky
• Seven Steps to Heaven
• Sorcerer
• Filles de Kilimanjaro
• Water Babies
• Nefertiti
• Miles in Tokyo
• Live-Evil
• Big Fun
• Circle in the Round
• Direction

 como líder/co-líder (estudio y en directo):

•  1961: Where?
• 1969: Uptown Conversation
• 1972: Alone Together con Jim Hall
• 1973: Blues Farm
• 1973: All Blues
• 1974: Spanish Blue
• 1975: Anything Goes
• 1976: Yellow & Green
• 1976: Pastels
• 1977: Piccolo
• 1977: Third Plane
• 1978: Peg Leg
• 1978: A Song for You
• 1978: 1 + 3  trio live con Hank Jones, Herbie Hancock y Tony Williams
• 1978: Carnaval  quartet live con Sadao Watanabe, Hank Jones y Tony Williams -
• 1978: Pick 'Em
• 1979: Parade
• 1979: New York Slick
• 1980: Patrão
• 1980: Parfait
• 1980: Empire Jazz
• 1981: Super Strings
• 1981: Heart & Soul con Cedar Walton
• 1982: Etudes
• 1982: Live at Village West con Jim Hall
• 1984: Telephone  con  Jim Hall
• 1985: Ron Carter Plays Bach
• 1986: The Puzzle (
• 1987: Very Well
• 1988: All Alone
• 1989: Something in Common con Houston Person
• 1989: Duets con Helen Merrill
• 1990: Now's the Time con Houston Person
• 1990: Eight Plus
• 1990: Panamanhattan con Richard Galliano
• 1991: Meets Bach
• 1992: Friends
• 1994: Jazz, My Romance
• 1995: Mr. Bow-tie
• 1995: Brandenburg Concerto
• 1997: The Bass and I
• 1998: So What?
• 1999: Orfeu
• 2000: Holiday in Rio
• 2000: When Skies Are Grey
• 2000: Dialogues con Houston Person
• 2001: Stardust
• 2003: The Golden Striker
• 2005: Just Between Friends con Houston Person
• 2007: Dear Miles
• 2007: It's the Time
• 2008: Jazz & Bossa
• 2009: The World Of Ron Carter
• 2011: Ron Carter's Great Big Band
• 2013: Cocktails At The Cotton Club
• 2014: In Memory of Jim con Larry Coryell y Peter Bernstein
• 2015: Chemistry con Houston Person
• 2017: An Evening with Ron Carter y Richard Galliano
• 2018: Remember Love con Houston Person
• 2019: The Brown Beatnik Tomes con Danny Simmons

Seleccionar un álbum para recomendarte es una tarea francamente abrumadora. Sin embargo, elegiré uno que me guste personalmente y que pueda servirte para presentarte al músico de jazz si no lo conoces.

ALBUM: Uptown Conversation

El segundo álbum de Ron Carter como líder de su propia banda, grabado en 1969 y publicado por primera vez en 1970.

El álbum fue grabado tras la desaparición del segundo quinteto de Miles Davis en 1968. Este álbum es quizás uno de los más desafiantes de los muchos que Carter ha grabado a lo largo de los años como líder de una banda. La música es aventurera y atmosférica, pero al mismo tiempo melódica y bien estructurada, con mucho espacio para sus solos mágicos. El bajo de Carter es, por supuesto, irreprochable en este álbum; su virtuosismo es claramente evidente, y añado yo, incuestionable. Las selecciones de canciones muestran a Ron Carter con socios en los primeros escenarios creativos improvisados, con un toque de R & B y algo de la música directa y dura que él es más conocido. Con el apoyo de un gran elenco de músicos, que incluye al flautista Hubert Laws, el guitarrista Sam Brown, el pianista Herbie Hancock y los bateristas Billy Cobham y Grady Tate, Carter presenta un conjunto de sus composiciones originales. El hecho es, que si no eres un fan de jazz este álbum gusta por su aspecto universal de la melodía y ritmo.

Un disco recomendado. Un muy buen álbum para introducirte al maestro del bajo. Teniendo en cuenta la música que Ron Carter tocaba antes y después de este disco, sería difícil encontrar una declaración musical más diversa, estimulante, animada y especialmente sin restricciones en su larga y duradera carrera.  Un disco esencial especialmente para los entusiastas del bajo.

Y terminó, una vez descubierto a Ron Carter y su música, busca los discos de Miles Davis cuando Ron Carter era una pieza esencial. Los álbumes "E.S.P" y "Nefertiti" son ya clásicos, además también disfrutarás de otros gigantes del jazz; Wayne Shorter, Tony Williams, Herbie Hancock y por supuesto Miles.

Video del tema "Little Waltz":

Tracklist:

1."Uptown Conversation" - 6:06
2."Ten Strings" - 5:35
3."Half a Row" - 10:13
4."R.J." - 2:46
5."Little Waltz" - 8:29
6."Einbahnstrasse" (First trip) - 8:04
7."Doom" - 7:07
8."Einbahnstrasse" [Alternate Take] - 7:15 Bonus track con CD reissue
9."Doom" [Alternate Take] - 6:34 Bonus track con CD reissue

Detalles CD:

• Género: Jazz / Free Jazz
• Formato: CD
• Discográfica: Atlantic / Embryo
• Tiempo total del CD: 62:14

Lista de artistas:

• Ron Carter - bajo
• Hubert Laws - flauta (1,2,4,5)
• Sam Brown - guitarra (1,2,4)
• Herbie Hancock - piano, el. piano
• Grady Tate - batería (1,2,4,5)
• William Cobham - batería

PLACEBO | Without You I'm Nothing

Placebo (Banda)

Banda de rock inglesa, formada en Londres en 1994. Debido a su atuendo y maquillaje andrógino, sus riffs de guitarra estilo punk, "Placebo" han sido descrito por algunos como una versión glam de la banda americana "Nirvana". Verás esta comparación escrito en muchas fuentes dedicado a la banda, una observación que me parece exagerado aunque la banda "bebe de la fuente" del grupo de Kurt Cobain.

La música de Placebo se ha etiquetado típicamente como rock alternativo. Sin embargo, también han incorporado diferentes sonidos en su música a lo largo de su carrera. Los críticos también han descrito el sonido de la banda como pop punk, rock industrial, glam rock, rock gótico, rock electrónico, resurgimiento post-punk y rock experimental. Tanta etiqueta solo demuestra que su sonido es difícil de determinar con precisión. Son un híbrido de estilos modernos que les hacen diferentes, y en cierto modo únicos en la escena del rock. Líricamente, la música de Placebo contiene muchas referencias a las drogas ilícitas y legales y sobres temas LGBT y la sexualidad. Es bien conocido las experimentaciones con substancias toxicas de Brian Molko (ya su pasado), su homosexualidad y su condición de "bi-polar"; contextos que se plasman en las canciones del grupo. Como anécdota, Placebo era una de las bandas favoritas de David Bowie. Bowie ha colaboro con la banda en muchas ocasiones, especialmente en directo.

Una breve historia:

Es una banda muy multinacional. Formada por el cantante y guitarrista Brian Molko (en parte de ascendencia escocesa y estadounidense, pero criado en Inglaterra) y el bajista sueco Stefan Olsdal. Ambos habían asistido anteriormente a la misma escuela en Luxemburgo, pero no se cruzaron adecuadamente hasta 1994 en Londres. Brevemente llamados "Ashtray Heart" e influenciados por bandas como Sonic Youth, Pixies, Smashing Pumpkins y Nirvana, invitaron percusionistas como Robert Schultzberg y Steve Hewitt (este último es el único miembro del grupo de origen inglés). Aunque Brian Molko y Stefan Olsdal prefirieron a Steve Hewitt como su baterista principal (fue esta formación la que grabó varios demos iniciales), Hewitt optó por volver a su otra banda en ese momento, "Breed". Con Schultzberg de nuevo a bordo en su lugar, Placebo firmó un contrato de grabación con "Caroline Records" y lanzó un debut homónimo en 1996. A pesar del éxito inicial del grupo, Schultzberg no estaba de acuerdo con los otros miembros de la banda, que en ese momento eran capaces para convencer a Steve Hewitt de que se reincorporará a la formación, lo que provocó la salida de Schultzberg de la banda en septiembre de 1996. Steven Hewitt dejó Placebo en el otoño de 2007 debido a diferencias personales y musicales y fue reemplazado por Steve Forrest.

Hasta la fecha, Placebo ha lanzado siete álbumes de estudio, todos los cuales han alcanzado el Top 20 en el Reino Unido y han vendido alrededor de 11 millones de discos en todo el mundo. A continuación la discografía de Placebo hasta el momento:

• Placebo (1996)
• Without You I'm Nothing (1998)
• Black Market Music (2000)
• Sleeping with Ghosts (2003)
• Meds (2006)
• Battle for the Sun (2009)
• Loud Like Love (2013)
• TBA (2021)

La banda anunció en sus redes sociales que estaban trabajando en un nuevo álbum que verá luz en 2021. Estamos esperando saber más noticias (fecha de lanzamiento y título etc.).

El álbum que más me gusta es el segundo trabajo, "Without You I'm Nothing". Debo ser sincero, no soy un loco fan de la banda, pero si pongo para escuchar con regularidad este disco.

ALBUM: Without You I'm Nothing

El segundo álbum de estudio grabado a mediados y finales de 1998, fue publicado el 12 de octubre de 1998.

El disco fue un éxito comercial y de crítica, llegando al #7 en la lista de álbumes del Reino Unido y al #20 en la lista de álbumes de "Billboard Heatseekers" de Estados Unidos. Without You I'm Nothing fue platino en el Reino Unido y oro en Francia y ha vendido más de un millón de copias hasta la fecha. El álbum generó cinco singles, incluidos "Every You Every Me", "Pure Morning" y "You Don't Care About Us".

Es una obra llena de energía, vibraciones emocionales, angustia y de ganchos y riffs melódicos. Un álbum oscuro pero accesible y aclaran sus intenciones desde el primer momento. Para mí, es sin duda uno de los discos más interesantes de las últimas décadas y que todavía suena bien hoy.

Dicho esto, este álbum es más personal que su debut y parece reflejar el pasado del cantante Brian Molko. Los temas del disco tratan de la celebración de la amistad, el romance, las drogas y la sexualidad-homosexualidad …narrativas que continuaran en los futuros álbumes. En general, como ya mencionado, es un viaje oscuro, introspectivo y melancólico que quizás no sea apto para personas con tendencias depresivas. Sin embargo, la mayoría de las canciones son bastante fáciles de digerir y los elementos rock te darán un subidón.

Musicalmente el álbum está lleno de referencias al glam rock y punk de los 70. La sección rítmica de Stefan Olsdal (bajo) y Steve Hewitt (batería) es impresionantemente solida; pero la atracción es sin duda el cantante y guitarrista "andrógino" Brian Molko. Mientras que el debut fue compuesto únicamente por Molko, este segundo trabajo es un esfuerzo de grupo, aunque con Molko todavía manejando la escritura de letras. El himno que abre el álbum, "Pure Morning", es una autoproclamada "celebración de la amistad con las mujeres", mientras que "Brick Shithouse" fusiona el electro-rock de los 90 con las guitarras punk de Sonic Youth. "You Don't Care About Us" muestra que Molko puede recrear fácilmente los tonos de guitarra de finales de los 80, y "Scared of Girls" contiene voces que modifican el género de Molko y un acompañamiento de rock tribal. Una obra diversa que es acompañado por "esa voz" tan particular de Molko que gusta o la odias. En este caso es un complemento perfecto al sonido glam y post punk de Placebo. Una pequeña critica, el disco se hace algo largo, aunque también depende de cómo te encuentras anímicamente cuando lo escuchas. 

Los momentos para destacar para mi son, ""Without You I'm Nothing", "Brick Shithouse", "Pure Morning", "Every You Every Me", "Ask for Answers", "Burger Queen" y "Evil Dildo" (hidden track)…aunque es un disco bastante completo.

Un disco recomendado. Un gran álbum, y una introducción a Placebo tan buena como cualquier otra. Este trabajo probablemente muestra la mejor hora y obra de Placebo. Un disco lleno de ganchos melódicos épicos, con un trabajo de guitarra increíble y con voces únicas.

Video del tema “Without You I´m Nothing” (Live Paris 2003):

Tracklist:

1.         "Pure Morning"                     4:14
2.         "Brick Shithouse"                  3:18
3.         "You Don't Care About Us"             3:58
4.         "Ask for Answers"                5:19
5.         "Without You I'm Nothing"             4:08
6.         "Allergic (To Thoughts of Mother Earth)" 3:49
7.         "The Crawl"               2:59
8.         "Every You Every Me"          3:33
9.         "My Sweet Prince"                5:45
10.       "Summer's Gone"                  3:05
11.       "Scared of Girls"                   3:01
12.       "Burger Queen"  6:14

Tema oculto (Hidden track): "Evil Dildo"

EARL HOOKER | 2 Bugs and a Roach

Fue un bluesman muy respetado. Considerado dentro del "gremio" como el "músico de los músicos". Su forma de tocar la guitarra ha sido admirada por muchos de sus compañeros. Con un toque de diapasón tan suave y limpio que cada nota sonaba con precisión. Habría sido una estrella si la voz hubiera igualado su destreza instrumental. El gran bluesman B.B. King, comentó, "para mí es el mejor de los guitarristas modernos. Punto. Con el "slide" fue el mejor. No había nadie más como él, era único en su clase". La tuberculosis terminó una brillante carrera a la edad de 41 años. Habló de...

Earl Hooker (Bluesman)

Earl Zebedee Hooker, era un guitarrista de blues de Chicago conocido por tocar la guitarra estilo "slide". Actuó con músicos de blues como "Sonny Boy Williamson II", "Junior Wells" y "John Lee Hooker"(su primo), y también encabezó sus propias bandas.

Earl Hooker, fue uno de los primeros en tocar la guitarra eléctrica, fue influenciado por los estilos urbanos y modernos de "T-BoneWalker" y "Robert Nighthawk". Hooker era un showman extravagante y vestía ropa llamativa y tocaba la guitarra con los dientes o los pies o la tocaba detrás del cuello o entre las piernas (recordamos a Jimi Hendrix). También tocaba una guitarra de doble mástil (recuerda a Jimmy Page); al principio una guitarra de seis cuerdas y una de cuatro, combinación de cuerda bajo y más tarde una combinación de doce y seis cuerdas. Un verdadero virtuoso del instrumento.

A diferencia de sus contemporáneos "Elmore James" y "Muddy Waters", Earl Hooker usó la afinación estándar en su guitarra para tocar "slide". Usó una "slide" de acero corta, lo que le permitió cambiar entre "slides" y tocar contrastes durante una canción con mayor facilidad. Parte de su sonido de deslizamiento se ha atribuido a su toque ligero, una técnica que aprendió de su maestro "Robert Nighthawk". Además de su dominio de la "guitarra slide", Hooker también era un guitarrista solista y rítmico.

Una breve historia:

Nacido en el Delta del Mississippi en 1930, Hooker llegó a Chicago cuando era niño. Allí fue influenciado por otro guitarrista y músico de blues, "Robert Nighthawk". Pero Hooker nunca se quedó quieto por mucho tiempo. Se escapó de casa a los 13 años, viajando de vuelta a Mississippi. Después regresó y pasó otra temporada en Chicago, pero de nuevo regresó al Delta, tocando con "Ike Turner" y "Sonny Boy Williamson". Earl Hooker hizo sus primeras grabaciones en 1952 y 1953 para los sellos Rockin ', King y Sun. En este último, grabó algunos grandes temas con el pianista "Pinetop Perkins".

De vuelta en Chicago, la destreza de Hooker se mostró intermitentemente en singles con los sellos discográficos Argo, CJ y Bea & Baby a mediados y finales de los 50 antes de unir fuerzas con el productor Mel London (propietario de los logotipos Chief y Age) en 1959. Para los siguientes cuatro años, grabó como acompañante y líder del productor, respaldando a "Junior Wells", "Lillian Offitt", "Ricky Allen" y "AC Reed" y grabando sus propios temas instrumentales ("Blue Guitar", "Blues in D-Natural"...). También contribuyó con un trabajo de "slide" en el single de "Muddy Waters" en Chess "You Shook Me".

El mejor período de Earl Hookers fue a finales de los años 60, obteniendo más exposición fuera de Chicago y en otros lugares a través de la radio, mayores contratos y distribución de discos y giras. Pero la tuberculosis detuvo su carrera en 1970.

Hooker no recibió tanto reconocimiento público como algunos de sus contemporáneos, pero fue muy apreciado. Muchos lo consideran uno de los mejores guitarristas de blues moderno junto con Albert Collins, Willie Dixon, Ronnie Earl, Buddy Guy, John Lee Hooker, Albert King, BB King, Lucky Peterson, Otis Rush, Joe Louis Walker y Junior Wells. En 2013, Earl Hooker fue incluido en el "Salón de la Fama del Blues", que señaló que "Earl Hooker era el guitarrista de los 'guitarristas de blues', el mago de seis cuerdas más respetado en los círculos de músicos de blues de Chicago durante las décadas de 1950 y 1960".

A continuación, una lista de muy buenos discos que sirven para introducirte a este maestro de la guitarra:

• 1968    The Genius of Earl Hooker
• 1969    2 Bugs and a Roach  
• 1969    Sweet Black Angel   
• 1969    Don't Have to Worry
• 1970    If You Miss 'Im...I Got 'Im con John Lee Hooker
• 1970    Hooker and Steve     
• 1972    Funk: The Last of the Great Earl Hooker           
• 1972    His First and Last Recordings: recordings, 1968–69
• 1972    There's a Fungus Among Us - Cuca recordings, 1964–67
• 1973    I Couldn't Believe My Eyes con Brownie McGhee y Sonny Terry
• 1985    Play Your Guitar, Mr. Hooker!        
• 1998    The Moon Is Rising live recordings, 1968–69
• 1999    Simply the Best: Earl Hooker Collection
• 2003    Blue Guitar: The Chief and Age Sessions 1959–63
• 2006    An Introduction to Earl Hooker       
• 2020    Rockin' Wild: 1952-1963 Recordings          

Cualquiera de estos trabajos son excelentes. Personalmente me gusta mucho el disco de 1969 titulado "Two Bugs and a Roach".

ALBUM: 2 Bugs and a Roach

Es un álbum de blues de Earl Hooker publicado por el sello "Arhoolie" en 1969. El guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page, quería una guitarra "Gibson EDS-1275", después de ver la portada de este disco.

Este podría haber sido uno de los mejores discos de blues de guitarra eléctrica de todos los tiempos, si Earl Hooker hubiera tenido una voz al mismo nivel que su forma de tocar la guitarra. Esto es algo que sigue apareciendo en muchas críticas de sus trabajos..."si hubiese tenido voz". Por favor, aunque puede ser una observación válida, no nos quedemos estancados en este punto. Enfócate y concéntrate en su increíble forma de tocar la guitarra, que a veces precede a las hazañas posteriores de los héroes de la guitarra como Jimi Hendrix por el uso de pedales wah-wah. Además compensa sus limitaciones vocales en este disco dejando a los "invitados" cantar por/con él.

Es uno de los imprescindibles en la pequeña discografía de este artista. Una buena muestra representativa del maestro de la guitarra eléctrica de Chicago. El disco abre con la lenta atmósfera del tema "Anna Lee", una oportunidad para que Earl rinda homenaje a uno de sus mentores, "Robert Nighthawk". Los músicos Louis Myers (arpa) y Freddy Roulette contribuyen a la atmósfera con la guitarra "steel". El corte "Off The Hook" es un instrumental de swing que muestra el lado más "jazzy" de Hooker. "Love Ain't A Plaything" presenta a "Carey Bell" en la voz y el arpa y está bien apoyado por el trabajo de acordes y ritmos de Earl. "You Don’t Want Me" es un ritmo aleatorio que muestra el uso que hace Hooker del pedal wah-wah. La canción que da nombre al disco "Two Bugs And A Roach" (sobre la tuberculosis de Earl) es un corte de ritmo funky con una conversación afable entre Earl y Andrew" B.B. Jr. ’Odom. "Wah Wah Blues" tiene a Earl combinando el plomo recto deslizante y el pedal wah wah para crear una reelaboración única de su anterior "Blues In D Natural". Esta bien podría ser la obra maestra de este disco. "You Don’t Love Me" muestra la voz de B.B. Jr. y hace honor a su nombre. La forma de tocar de Earl muestra una influencia de "Guitar Slim". El último corte, "Earl Hooker Blues" es un shuffle estilo country con la sensación suelta de una "jam session".  Y finalizo el resumen, una mención especial a los otros magníficos músicos que acompañan a Earl Hooker en este álbum. La sección rítmica de "Joe Willie "Pinetop" Perkins", piano y órgano; "Geno Skaggs" con bajo; y la batería de "Levi Warren" o "Willie Williams" están magníficos.

Un disco recomendado. Gran álbum para introducirte a Earl Hooker y su increíble talento como guitarrista. Una obra que gustara al fan del blues y de la guitarra. Un disco de bluesman y de maestro.

Video del tema "Wah Wah Blues":

Tracklist (formato LP de 1969):

1."Anna Lee" (McCoy, Hooker) – 6:30
2."Off the Hook" – 3:54
3."Love Ain't a Plaything" (Carey Bell) – 4:58
4."You Don't Want Me" – 5:16
5."Two Bugs and a Roach" – 4:19
6."Wah Wah Blues" – 4:36
7."You Don't Love Me" (Andrew Odom) – 5:37
8."Earl Hooker Blues" – 5:14

Músicos (ficha):

•  Earl Hooker - guitarra y voz
• Joe Willie Perkins - piano y órgano
• Fred Roulette - guitarra "steel"
• Geno Skaggs - bajo
• Levi Warren (pistas 2, 4, 7 y 8), Fred Williams (pistas 1, 3, 5 y 6) - batería
• Louis Myers - armónica (pista 1)
• Carey Bell - voz principal y armónica (pista 3)
• Andrew "B.B. Jr." Odom - voz principal (pista 7) y coros (pista 5)