DEVO: Q: Are We Not Men? A: We Are Devo! - Debut clave new wave

Antes de que la new wave se convirtiera en un sonido reconocible y antes de que el atuendo musical DEVO se hiciera mundialmente famoso con la canción "Whip It", la banda ya había dejado grabado un debut extraño, incisivo y sorprendentemente divertido. "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" apareció en 1978 como una especie de experimento pop lleno de guitarras nerviosas, humor ácido y una idea central tan absurda como provocadora: tal vez la humanidad no está evolucionando, sino retrocediendo. Para quienes solo conocen a DEVO por su etapa más popular, este disco es una puerta fascinante a una banda mucho más inquieta, irónica y creativa de lo que suele recordarse. A continuación quiero detenerme en dicho álbum y en lo que lo hace tan especial dentro de la historia del rock.

ALBUM: Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

Hay nombres que el tiempo reduce a una sola imagen. En el caso de DEVO, para mucha gente esa imagen sigue siendo "Whip It", del video, los sombreros rojos, raro, la sensación de estar ante una banda inteligente pero un poco freaky. Todo eso forma parte de su historia, claro, pero quedarse ahí es perderse lo mejor. Antes de convertirse en un símbolo reconocible de la new wave, DEVO había grabado un debut que todavía hoy conserva algo inquietante, algo juguetón y algo profético. "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!", publicado en 1978, no es solo el primer disco de la banda. Es también una manera de mirar el mundo, una forma de convertir la ansiedad social en canciones cortantes, memorables y extrañamente adictivas.

Para quien no conozca a DEVO, este álbum funciona muy bien como primera toma de contacto, aunque conviene entrar en él con la mente abierta. No es un disco amable en el sentido convencional (jajajaja). No busca gustar de inmediato con melodías cálidas o una energía heroica. Lo suyo es otra cosa. Aquí hay humor, sí, pero un humor envenenado. Hay ritmos que invitan a moverse, pero también te obligan a caminar de lado. Hay estribillos pegadizos, aunque a veces suenen como si los hubiera escrito una sociedad secreta de escolares mutantes, oficinistas neuróticos y científicos chiflados. Y, sin embargo, todo encaja.

Eso es lo primero que me interesa transmitir en este blog post pensada como introducción a los lectores que no los conozcan. DEVO no era una extravagancia vacía. No era una banda rara porque sí. Detrás de su apariencia absurda había una idea muy clara del ser humano, de la cultura de masas y de la estupidez organizada de la vida moderna.

La teoría de la de-evolución:

Para entender por qué "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" suena como suena, conviene detenerse un momento en su origen. Las canciones fueron escritas entre 1974 y 1977, y varias ya habían sido tocadas en directo bastante antes de la grabación del álbum. "Jocko Homo", por ejemplo, existía desde 1974 y se interpretó en directo en 1975. En 1977, DEVO ya había presentado en concierto prácticamente todo el repertorio que acabaría formando el disco. No estamos, por tanto, ante un debut improvisado, sino ante la cristalización de una idea que llevaba tiempo tomando forma.

Pero la historia del grupo no se puede separar del contexto del que salió. Mark Mothersbaugh y Gerald Casale habían sido estudiantes en Kent State University, una universidad marcada para siempre por la matanza de 1970, cuando la Guardia Nacional mató a cuatro estudiantes durante una protesta contra la guerra. Ese episodio no explica por sí solo la filosofía de DEVO, pero ayuda a entender su mirada. Ellos veían un mundo que no avanzaba de manera racional o luminosa, sino uno que parecía degradarse entre violencia, propaganda, conformismo y consumo automático. De ahí nació su famosa teoría de la de-evolución, no como doctrina científica, sino como una sátira seria, una forma de decir que quizá la especie humana no iba exactamente hacia arriba.

En ese sentido, el título del disco ya es toda una declaración. "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" juega con la idea de identidad, de especie, de tribu y de degradación. Hay algo teatral en esa pregunta y esa respuesta, algo entre el eslogan político, el mantra absurdo y el canto de secta pop. Y eso define muy bien el tono del álbum, que siempre está moviéndose entre lo ridículo y lo perturbador.

Brian Eno:

El disco se grabó entre octubre de 1977 y febrero de 1978, sobre todo en Colonia, Alemania Occidental, y fue producido por Brian Eno. A veces se cita su nombre como si bastara para explicar el sonido del álbum, pero aquí lo importante es cómo Eno entendió a la banda. No intentó convertirla en algo elegante ni suavizar sus aristas. Lo que hizo fue dar claridad a una propuesta que ya era filosa de por sí. El resultado suena limpio, pero no pulido en exceso. Preciso, pero nunca cómodo.

Quien llegue esperando el DEVO más sintetizado de años posteriores se va a encontrar con una banda todavía muy aferrada a la guitarra, al bajo y a la batería. Los sintetizadores están ahí, claro, pero más como textura, como baba electrónica, como interferencia, que como elemento dominante. Eso le da al álbum una posición muy interesante dentro de la pop culture de finales de los setenta. No es del todo punk, no es del todo art rock, no es del todo synth pop. Parece estar empujando varias puertas a la vez.

Lo que más me impresiona cada vez que lo escucho es su sentido del ritmo. Muchas canciones parecen funcionar como máquinas mal calibradas, a punto de desarmarse, pero nunca pierden la cohesión. Alan Myers, en la batería, tiene mucho que ver con eso. Su forma de tocar sostiene los cambios bruscos, las aceleraciones, los cortes y esos patrones que hacen que el cuerpo quiera seguir la canción pero la cabeza tarde un segundo más en entender por dónde va. Gerald Casale, por su parte, construye líneas de bajo fundamentales, tensas, elásticas, a menudo más importantes de lo que parece en una primera escucha. Encima de todo eso, las guitarras de Bob Mothersbaugh y Bob Casale entran con riffs oblicuos, punzantes, casi caricaturescos, pero muy eficaces.

Y luego está Mark Mothersbaugh, que no canta como un frontman tradicional ni falta que hace. Recita, espeta, declama, se burla, se acelera, aúlla. Hay algo de David Byrne en ciertos gestos, aunque Mark tiene una vena más de científico loco y menos de urbanita elegante. Su voz es clave porque convierte cada canción en una pequeña escena.

Reírse con incomodidad:

"Uncontrollable Urge" abre el álbum con una energía que me sigue pareciendo desarmante. No entra, irrumpe. Todo en ella transmite urgencia física y nerviosa. Las guitarras se abalanzan, la base rítmica cambia de intensidad, la voz de Mark parece empujar el tema hacia delante con una mezcla de deseo, ansiedad y comicidad. Como presentación de la banda resulta perfecta, porque ahí ya está casi todo, la tensión, el gancho, el sarcasmo, el componente corporal, la sensación de que el impulso humano más básico puede ser al mismo tiempo ridículo y peligroso.

Después llega la versión de "(I Can’t Get No) Satisfaction", que sigue siendo una de las decisiones más brillantes del álbum. En lugar de reverenciar el clásico de los Rolling Stones, DEVO lo desmonta y lo reconstruye como si fuera un objeto industrial defectuoso. La sensualidad desaparece, la soltura también. Queda una versión rígida, espasmódica, casi anti sexual. Y precisamente por eso funciona. Donde Mick Jagger convertía la frustración en carisma, DEVO la transforma en alienación real, en desconexión, en torpeza social. Es una gran lección sobre cómo una versión puede reinterpretar el sentido de una canción sin perder su núcleo.

"Praying Hands" es otro de los momentos centrales para entender la propuesta del grupo. En ella, DEVO mezcla instrucciones cotidianas, rituales religiosos y obediencia automática con una melodía casi infantil y una estructura que roza la opereta deformada. Aquí se ve muy bien uno de sus grandes talentos, decir cosas incómodas sin ponerse solemnes. La canción se ríe de los hábitos, de la moral aprendida, de la fe repetida sin reflexión, pero lo hace desde una forma lúdica, pegadiza, nada sermoneadora.

"Space Junk" introduce otra tonalidad. Siempre me ha gustado mucho porque, debajo de su apariencia casi juguetona, hay una tristeza rara. Parte de una idea absurda, la muerte causada por basura espacial, y la convierte en un retrato de la paranoia moderna. La canción avanza entre ironía y fatalismo, como si el desastre contemporáneo pudiera llegar en forma de noticia extravagante, estadística ridícula o miedo amplificado por la imaginación. Ahí DEVO toca algo muy contemporáneo, nuestra capacidad para vivir rodeados de amenazas improbables y aun así sentir que todas son inminentes.

"Mongoloid", quizá una de sus composiciones más polémicas en apariencia, ha sido a menudo malinterpretada si se toma de forma literal o superficial. Lo que hace la canción, en realidad, es ridiculizar la arrogancia de la supuesta normalidad, esa comodidad del ciudadano medio que trabaja, encaja y presume de superioridad moral o intelectual mientras se comporta como un autómata. Musicalmente es irresistible. El bajo sostiene todo con una firmeza magnífica y los pequeños gestos del sintetizador deforman el paisaje como un espejo torcido.

Y luego está "Jocko Homo", el gran manifiesto del álbum, una de esas canciones que explican por sí solas por qué DEVO fue una banda tan singular. El famoso estribillo en forma de pregunta y respuesta es brillante porque suena a juego de patio de colegio, a canto de hinchada, a consigna política y a ritual de iniciación al mismo tiempo. El riff en compás irregular contribuye a esa sensación de extrañeza. No es una canción pensada para acomodarte, sino para descentrarte. Y, sin embargo, tiene un poder de convocatoria enorme. Uno la escucha y entiende enseguida por qué debió de funcionar tan bien en directo.

En la segunda mitad del disco, "Too Much Paranoias" lleva la tensión a un terreno casi histérico, con guitarras que parecen sirenas de alarma y una atmósfera de saturación consumista. "Gut Feeling" me parece uno de los grandes logros ocultos del álbum, porque construye una progresión magnífica, lenta y absorbente, antes de desembocar en algo más brusco y febril. "Come Back Jonee" aporta un giro más de rock torcido, con un punto casi paródico en sus adornos de guitarra. "Sloppy" refuerza la veta humorística del grupo, y "Shrivel Up" cierra el disco de una manera menos explosiva, más insidiosa, como si la locura no terminara con una detonación sino con una mueca helada.

Un disco entre el punk, la sátira y el laboratorio pop:

Una de las cosas más valiosas de este álbum es que no se deja reducir fácilmente. Se suele hablar de DEVO como una banda de new wave, y lo es, claro, pero aquí todavía se nota mucho el empuje del punk, aunque pasado por un filtro más cerebral y más raro. Si uno piensa en Blondie o en The Clash, ve de inmediato una conexión con la época. Si piensa en Talking Heads o XTC, encuentra también parentescos en el nervio y la ironía. Pero DEVO va por otro camino. Tiene algo de los Mothers of Invention en la sátira absurda, algo de Kraftwerk en la idea de lo mecánico, algo de la tradición experimental estadounidense y algo, incluso, de música infantil deformada para adultos desencantados.

Esa mezcla es lo que hace que el disco conserve tanta personalidad. No suena a imitación de nadie. Ni siquiera cuando uno detecta referencias, el resultado parece derivativo. Más bien parece el trabajo de una banda que había entendido que el final de los setenta exigía nuevos lenguajes para describir un mundo saturado de mensajes, productos, consignas y comportamientos automáticos.

Lo que el álbum sigue diciendo:

Lo fascinante de "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" es que su crítica no ha perdido filo. Cuando DEVO hablaba de de-evolución no estaba haciendo una teoría científica, sino una sátira del conformismo, de la estupidez organizada, del ser humano manipulado por su entorno cultural. Eso, escuchado hoy, no suena antiguo. Al contrario. Suena incómodamente vigente.

El disco habla de obediencia, consumo, paranoia, identidad, deseo y alienación. Habla de gente que repite, compra, acata, se asusta, se integra y se deshumaniza. Pero no lo hace desde un tono lúgubre o grandilocuente, sino con humor negro, con teatralidad, con una energía casi caricaturesca. Esa es una de sus mayores virtudes. No pontifica. No da lecciones. Te invita a bailar mal mientras te deja una idea inquietante zumbando en la cabeza.

Y quizá por eso funciona tan bien hoy. Porque suena como una advertencia, sí, pero también como un placer genuino. No hace falta estudiar el contexto al detalle para disfrutarlo. Basta con dejarse arrastrar por sus ritmos nerviosos, sus coros extraños, sus letras aparentemente tontas y su manera tan singular de juntar diversión y desasosiego.

Por qué sigue gustando hoy:

Si alguien me preguntara por dónde entrar en DEVO, yo diría que este disco es la mejor puerta posible si lo que busca no es solo una colección de canciones pegadizas, sino una personalidad artística completa. Aquí ya están sus obsesiones, su humor, su rareza y su capacidad para retratar el absurdo del mundo moderno sin perder nunca el pulso musical.

No es un álbum perfecto en el sentido académico, ni falta que le hace. Tiene algo mejor, identidad, riesgo y una visión que atraviesa todo el repertorio. Además, muchas de sus mejores ideas han envejecido con una naturalidad sorprendente. Lo que en 1978 pudo parecer una excentricidad de culto, hoy se escucha como uno de esos discos que supieron encontrar un lenguaje propio para hablar de la vida contemporánea.

Disco recomendado

Así que mi recomendación para los lectores del blog es muy clara. Si solo conoces a DEVO por "Whip It", escucha "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!" con paciencia y curiosidad. Entra en él como quien se adentra en una feria de espejos deformantes, donde cada reflejo hace gracia al principio y da un poco de miedo después. Puede que al terminar no salgas tarareando una melodía bonita al uso, pero sí con la sensación de haber descubierto una banda que entendió muy pronto que el mundo moderno no iba a sonar redondo, iba a sonar torcido, eléctrico, neurótico y brillantemente humano.

Video de tema "(I Can't Get No) Satisfaction":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1. "Uncontrollable Urge" 3:09
2. "(I Can't Get No) Satisfaction" Mick Jagger, Keith Richards 2:40
3. "Praying Hands" 2:47
4. "Space Junk" 2:14
5. "Mongoloid" 3:44
6. "Jocko Homo" 3:40

Cara B:

1. "Too Much Paranoias" 1:57
2. "Gut Feeling" / "(Slap Your Mammy)" 4:54
3. "Come Back Jonee" 3:47
4. "Sloppy (I Saw My Baby Gettin')" 2:40
5. "Shrivel-Up" 3:05

Devo:

• Mark Mothersbaugh – voz, teclados, guitarra
• Gerald Casale – voz, bajo, teclados
• Bob Mothersbaugh – guitarra principal, voz
• Bob Casale – guitarra rítmica, teclados, voz
• Alan Myers – batería

Técnica:

Brian Eno – productor, sintetizador, coros

VIAGRA BOYS - Viagr Aboys - Album

Antes de entrar canción por canción, antes incluso de hablar de estilos, influencias o contexto, conviene detenerse un momento en la sensación que deja Viagr Aboys al terminar la escucha. No es un disco que se imponga de inmediato ni que busque convencerte con grandes gestos. Más bien se queda rondando, como una conversación incómoda escuchada en la mesa de al lado, como una risa fuera de lugar en un momento serio. Viagra Boys no regresan para dar respuestas ni para señalar culpables con el dedo, sino para observar el desorden con una mezcla de ironía, cansancio y lucidez. Desde ahí, desde ese punto intermedio entre el chiste y la confesión, se despliega un álbum que merece ser recorrido con calma, atención y cierta disposición a aceptar que no todo tiene que estar claro para resultar revelador.

ALBUM: Viagr Aboys 

El primer sonido que me salta de "Viagr Aboys" no es una guitarra ni un sintetizador, es un eructo. Un eructo seco, incómodo, casi agresivo, que Sebastian Murphy suelta antes de empezar a hablar de carne, internet y pies. No es solo una broma escatológica, es una declaración de intenciones. Viagra Boys regresan en 2025 sin pedir permiso, sin limpiar nada, sin disculparse por existir. Y lo hacen desde un lugar curioso, menos rabioso que antes, más cansado, quizá más honesto.

Este cuarto álbum llega tras "Cave World", un disco escrito en pleno encierro pandémico, atravesado por paranoia, teorías conspirativas y una sensación de mundo al borde del colapso. Aquello era un espejo deformado pero brutalmente reconocible. "Viagr Aboys" no abandona ese mundo, pero cambia la manera de habitarlo. Si antes la banda gritaba contra el ruido, ahora parece observarlo con una media sonrisa, entre el asco y la resignación. No es optimismo. Es otra forma de supervivencia.

Cómo se hizo:

Hay algo importante en el contexto de este disco. "Viagr Aboys" es el primer lanzamiento de Viagra Boys a través de su propio sello, Shrimptech Enterprises, tras separarse de Year0001 en 2024. Puede parecer un detalle técnico, pero se nota. El disco suena más libre, más errático y, paradójicamente, más controlado. Pelle Gunnerfeldt, productor habitual y figura clave del punk sueco, vuelve a estar detrás de la mesa, afinando un sonido que ya no necesita probar nada, solo afilarse.

Murphy ha dicho en entrevistas que estaba cansado de la carga política explícita, que quería hacer algo "simple y estúpido". Pero esa simplicidad es engañosa. Como casi todo en Viagra Boys, la estupidez funciona como máscara. Debajo hay ansiedad, síndrome del impostor, desgaste físico, miedo a la irrelevancia y una obsesión constante con el cuerpo, la salud y la identidad en un mundo que reduce todo a consumo.

El arte de sonar sucios sin serlo:

Musicalmente, "Viagr Aboys" es uno de los discos mejor producidos de la banda. No en el sentido pulido, sino en el uso del caos. El bajo sigue siendo el eje, grueso, amenazante, casi obsceno. Las guitarras entran como cuchilladas cortas o se arrastran con un tono noventero que recuerda tanto al grunge más sucio como al post punk europeo. Los sintetizadores y efectos electrónicos no decoran, incomodan.

"Man Made of Meat" avanza con un groove lento, casi aplastante, mientras Murphy escupe imágenes de supermercados infernales y cuerpos convertidos en productos. "Uno II" acelera el pulso con una energía nerviosa, casi new wave, y detalles inesperados, como flautas que evocan a la australianos Men at Work y convierten la paranoia doméstica en algo extrañamente bailable. "The Bog Body" mezcla texturas frías, casi arqueológicas, con un bajo que suena húmedo, como si estuviera enterrado en turba.

Hay momentos donde el grupo se permite romper su propio molde. "Medicine for Horses" es una balada triste, de una tristeza sin ironía, con guitarras que recuerdan a Pixies y un paisaje emocional amplio, casi americano. "River King", el cierre, apuesta por piano y silencio, por una fragilidad que nunca había estado tan expuesta en un disco de Viagra Boys.

La trampa de no tomarse en serio:

Sebastian Murphy siempre ha sido un narrador peculiar. Aquí sigue jugando al monólogo absurdo, al flujo de conciencia que parece improvisado pero está medido al milímetro. La diferencia es el tono. En "Viagr Aboys" hay menos rabia directa y más auto burla. "My personality is based on food now", canta en "Uno II", y uno se ríe hasta que se da cuenta de que no es solo un chiste, es una confesión.

"Man Made of Meat" podría parecer una caricatura grotesca del consumismo, pero también es una canción profundamente cansada, alguien que no quiere pagar por nada porque ya está agotado de existir dentro del sistema. "Pyramid of Health" se adentra en la obsesión contemporánea por el bienestar, los retiros espirituales, los remedios alternativos. No lo hace desde el desprecio, sino desde la confusión. Como si Murphy se preguntara si ahí hay alguna salida, aunque sepa que probablemente no.

"Dirty Boyz" retoma uno de los temas clásicos del grupo, la masculinidad tóxica, los grupos de chicos perdidos que se convierten en amenaza. No es la canción más novedosa del disco, pero sigue funcionando como retrato incómodo de una violencia heredada. "Waterboy", en cambio, baja la intensidad y muestra a un narrador roto, cansado, medicado, atrapado entre la nostalgia y la autodestrucción cotidiana.

"You N33d Me" es una sorpresa. Bajo su fachada de rock sucio hay una canción de amor torpe, casi tierna, sobre la necesidad de ser visto por alguien, aunque sea haciendo un baile ridículo. Es uno de esos momentos donde el humor se cae y aparece algo genuino.

Referencias:

Viagra Boys siempre han dialogado con el pasado sin sonar nostálgicos. Aquí hay ecos claros de Devo, no solo en la estética absurda, sino en la idea de la humanidad como especie en regresión. Hay algo de Talking Heads en la manera de observar la vida moderna como un espectáculo extraño. También hay rastros del rock alternativo de los noventa, del cinismo cansado de bandas como Pavement o del nihilismo cotidiano del grunge menos épico.

Al mismo tiempo, el grupo sigue siendo profundamente europeo. Su manera de usar el humor, de incomodar sin explicar demasiado, conecta con una tradición más cercana al teatro absurdo que al rock clásico. En "Viagr Aboys", esa mezcla alcanza un equilibrio extraño pero efectivo.

Qué dice Viagr Aboys sobre nuestro tiempo:

Este disco no intenta explicar el mundo, ni denunciarlo de forma grandilocuente. Más bien lo retrata como un lugar agotador, confuso, lleno de estímulos contradictorios. Ya no hay grandes villanos claros. Todo es más difuso. El enfado ha dejado paso al cansancio. Y en ese cansancio, Viagra Boys encuentran una forma de honestidad.

Hay desesperanza, sí, pero también pequeños gestos de humanidad. "River King" es clave en ese sentido. La escena de una comida china mediocre en un lunes cualquiera, con ruido de platos de fondo, se convierte en un momento de paz real. No hay redención épica. Solo la sensación de que, por un instante, todo es más fácil.

Por qué Viagr Aboys te puede interesar:

"Viagr Aboys" no es un disco cómodo. Tampoco intenta ser el mejor álbum de la banda de forma evidente. Pero sí es, probablemente, el más humano. Donde antes había sátira afilada, ahora hay dudas. Donde antes había gritos, ahora hay silencios. Eso no significa que Viagra Boys se hayan domesticado. Siguen siendo ruidosos, desagradables cuando quieren, y profundamente incómodos. Pero también han aprendido a bajar el volumen para decir cosas que antes se escondían tras el chiste.

Disco recomendado

Recomiendo Viagr Aboys a quien quiera escuchar rock contemporáneo que no subestime a su oyente. A quien disfrute del humor extraño, de las canciones que hacen reír y luego incomodan. A quien haya seguido a Viagra Boys desde Street Worms o Welfare Jazz, pero también a quien llegue por primera vez. Este disco no ofrece respuestas claras, pero sí compañía en el desconcierto. Y en estos tiempos, eso ya es bastante.

Video del tema "Dirty Boyz":

Tracklist:

1. "Man Made of Meat" 3:09
2. "The Bog Body" 2:53
3. "Uno II" 2:15
4. "Pyramid of Health" 3:15
5. "Dirty Boyz" 3:44
6. "Medicine for Horses" 2:55
7. "Waterboy" 2:58
8. "Store Policy" 3:35
9. "You N33d Me" 3:53
10. "Best in Show Pt. IV" 5:28
11. "River King" 3:16

Viagra Boys (Banda)

• Oskar Carls – producción (todas las pistas), guitarra (pistas 1, 2, 4, 5, 7, 9), saxofón (2-4, 6, 8-10), flauta (3, 8), coros (5, 7), clarinete bajo (11)
• Linus Hillborg – producción (todas las pistas), guitarra (pistas 1-10)
• Henrik Höckert – producción (todas las pistas), bajo (pistas 1-10)
• Elias Jungqvist – producción (todas las pistas), sintetizador (pistas 1-10), piano (6, 10), coros (7), sampler (11)
• Sebastian Murphy – voz, producción
• Tor Sjödén – producción (todas las pistas), batería (pistas 1-10), percusión (2, 3, 5, 10), coros (7)

Colaboradores adicionales:

• Pelle Gunnerfeldt – producción (todas las pistas), mezcla (todas las pistas), percusión (pistas 4, 7-10), guitarra eléctrica (4, 8); guitarra acústica, piano (4); sintetizador (8-10)
• Klara Keller – coros (pistas 3, 6)
• Anneli Törnkvist – coros (pista 10)
• Ellinor Lindahl – coros (pista 10)
• Lovisa Birgersson – coros (pista 10)
• Lalo Cissohko – percusión (pista 10)

BLACK COUNTRY, NEW ROAD - Forever Howlong - Album

La banda británica Black Country, New Road nunca ha seguido un camino predecible, y "Forever Howlong" no es la excepción. Su tercer álbum de estudio marca un antes y un después, no solo en sonido, sino también en espíritu. Con nuevas voces que marcan el camino y una renovada profundidad emocional, la banda ofrece algo inesperado y profundamente resonante. Expongo por qué este disco merece toda tu atención.

ALBUM: Forever Howlong 

El grupo británico Black Country, New Road (BCNR) regresa con "Forever Howlong", su tercer álbum de estudio, y posiblemente el más audaz hasta la fecha. Publicado el 4 de abril de 2025 a través de Ninja Tune, marca el primer álbum de larga duración de la banda sin el vocalista fundador Isaac Wood. Sin embargo, en lugar de refugiarse en la nostalgia o reinventarse a la fuerza, BCNR ha evolucionado con delicadeza hacia algo nuevo y, de alguna manera, aún más personal.

Ahora liderado por tres de los miembros originales de la banda: Tyler Hyde (bajo), Georgia Ellery (violín) y May Kershaw (teclados), "Forever Howlong" no solo retoma lo que "Ants From Up There" dejó. Reimagina el terreno emocional por completo. Si su disco en vivo de 2023, "Live at Bush Hall", fue un mapa tentativo del futuro, "Forever Howlong" es el camino recorrido.

De survival una sinfonía:

La salida de Wood en 2022 podría haber sido un punto. En cambio, fue una coma. La banda se reestructuró rápidamente y compuso un set en directo completamente nuevo, que finalmente se grabó como "Live at Bush Hall". Pero "Forever Howlong", producido por James Ford (conocido por su trabajo con Blur y Fontaines D.C.), es el verdadero testimonio de esa transición: cohesivo, intrincado y emocionalmente más rico que nunca.

Lo sorprendente del álbum es la naturalidad con la que se comparten las tareas de composición. Cada uno de los nuevos vocalistas aporta un tono distintivo, pero ninguno domina. En cambio, funcionan como movimientos en una conversación. Las extravagantes inclinaciones folk de Ellery, la densidad narrativa de Hyde y el minimalismo agridulce de Kershaw giran en torno a un tema central: cómo nos aferramos al amor y cómo permitimos que nos cambie.

Suena a la vez familiar y extraño:

Este no es el mismo BCNR que surgió del resurgimiento del post-punk en 2021. Atrás quedaron los bordes irregulares y los crescendos de la palabra hablada. En su lugar, se percibe un sonido más cálido y espacioso que se inclina hacia el pop barroco, el folk y las delicadas florituras orquestales. Clavicordios, banjos, timbales e incluso flautas dulces llenan el ambiente; sin embargo, el álbum nunca se siente recargado.

"Besties", el tema inicial, marca el tono: brillante, original y emocionalmente generoso. Lo que comienza como un remolino de saxofón y clavicémbalo se convierte en una cálida meditación sobre la amistad, cantada al unísono como un canto de patio convertido en gospel. Es una forma discreta y radical de abrir un álbum: no con un rugido, sino con un abrazo.

Más adelante, en "For the Cold Country", Kershaw susurra letras sobre microbiomas y frijoles sobre cuerdas que se hinchan. Suena extraño en teoría, pero en la práctica, es desgarrador. La mundanidad del autocuidado (tomar suficiente sol, prepararse una taza de café) se convierte en un sustituto de las formas en que intentamos seguir adelante cuando nuestro mundo interior flaquea.

Tres voces, un hilo:

El mayor triunfo del álbum reside en la interacción entre sus tres vocalistas. En lugar de competir por el espacio, tejen sus historias en un tapiz colectivo. "Two Horses" de Ellery comienza con un trote inocente antes de galopar hacia la tensión, una historia de traición envuelta en un vals de folk-rock. "Nancy Tries to Take the Night" de Hyde es más críptica, una fábula contada en fragmentos que nunca se resuelve del todo. El tema principal de Kershaw, "Forever Howlong", es una meditación minimalista — principalmente silencio, respiración y piano —, pero llega a lo más profundo.

Incluso los instrumentistas de la banda, con Charlie Wayne (batería), Lewis Evans (saxofón) y Luke Mark (guitarra) como pilares, aportan más que un simple acompañamiento. Su presencia es sutil pero vital. Los toques de charles de Wayne animan "Two Horses", los duetos de saxo de Evans con el piano de Kershaw, y la guitarra acústica de Mark, con sus dedos, suaviza los matices de "Goodbye (Don't Tell Me)" y "Mary".

Temas líricos: corazón, hueso y distancia:

Si bien el sonido puede haber cambiado, la esencia emocional de BCNR permanece intacta. Este es un álbum sobre la intimidad, no solo romántica, sino comunitaria. Sus canciones exploran cómo los vínculos evolucionan, se rompen o se fortalecen bajo presión.

En "Mary", los tres vocalistas cantan en una armonía casi perfecta, no como solistas, sino como testigos el uno del otro. Es un himno tranquilo a la unión. Por su parte, "Happy Birthday" aborda el tema de la inocencia perdida, con una estructura lírica que omite los coros tradicionales en favor de estribillos susurrados como "Cheer up, child".

Hay una sensación, a lo largo de todo el disco, de mirar la vida desde una perspectiva. De notar las cosas silenciosas que unen a las personas. Incluso cuando la letra roza lo surrealista (frijoles hirviendo, desayunos silenciosos, caballos huyendo), el sentimiento es clarísimo.

El arco emocional:

La estructura de "Forever Howlong" refleja un ciclo vital. Temas como Besties y Salem Sister abren la puerta con ligereza y humor, pero cada tema profundiza en el campo emocional. Para cuando llegamos a "For the Cold Country", el álbum está en su máximo esplendor: las cuerdas se intensifican, las voces se superponen, el dolor y la belleza se encuentran en el centro.

Las canciones finales — "Nancy Tries to Take the Night" y "Goodbye (Don't Tell Me)" — marcan el comienzo del ocaso. Hay melancolía, sí, pero no derrota. De hecho, los versos finales de Ellery, «Me he enamorado de un sentimiento», caen como un bálsamo. Nos recuerdan que incluso en la angustia, hay conexión. Incluso cuando algo termina, es solo parte de un ciclo mayor.

Reinvención sin desaparición:

Lo que hace a "Forever Howlong" tan poderoso no es que reinvente el Black Country, New Road, sino que los expande. El álbum no es una despedida del pasado de la banda, sino una continuación, reflejada a través de diferentes voces y texturas.

Quienes añoran el caos de sus inicios pueden sentir cierta ausencia. La ansiedad frenética de "For the First Time" ya no está presente. Pero en su lugar hay una tensión diferente: una arraigada en la moderación, el respeto mutuo y el compromiso con la expresión colectiva.

Este disco no grita para ser escuchado. Habla suavemente, confiando en que sus oyentes estén dispuestos a encontrarle un punto medio.

Disco recomendado

Absolutamente. Tanto si ya eres fan del Black Country, New Road como si los descubres por primera vez, "Forever Howlong" es un álbum excepcional, uno que crece con cada escucha. Es emocionalmente generoso sin ser sentimental, musicalmente aventurero sin ser alienante. Y lo más importante, se siente honesto.

En un mundo de ruido y espectáculo, "Forever Howlong" elige la valentía silenciosa. No impresiona con prisa, pero perdura, como el resplandor de una conversación que cambió algo profundo en ti.

Recomendado para quienes buscan sinceridad, intimidad y una banda que no teme transformarse.

Video del tema "Besties":

Tracklist:

1. "Besties" 3:36
2. "The Big Spin" 2:31
3. "Socks" 6:07
4. "Salem Sisters" 3:10
5. "Two Horses" 6:26
6. "Mary" 4:06
7. "Happy Birthday" 4:06
8. "For the Cold Country" 6:27
9. "Nancy Tries to Take the Night" 6:36
10. "Forever Howlong" 4:48
11. "Goodbye (Don't Tell Me)" 4:17

DEVO - Freedom of Choice - Album

A veces, la mejor estrategia para comunicar (expresar) una crítica a los "poderes existentes" y del "pensamiento" dominante de la sociedad es a través del humor, y si eso se puede combinar con la música, aún mejor. El grupo americano "DEVO" lo hizo bien, y quiero destacar en este blog de música uno de sus discos que es particularmente bueno en hacer todo esto, "Freedom of Choice".

 

¿Quiénes son la banda DEVO?

 

Grupo estadounidense de música new wave de Akron, Ohio, formada en 1973. Su alineación clásica estaba formada por dos grupos de hermanos, los Mothersbaughs (Mark y Bob) y los Casales (Gerald y Bob), junto con Alan Myers.

La música y la presentación visual de DEVO (incluidos espectáculos teatrales y vestuario) tocaron temas kitsch de ciencia ficción, humor surrealista y comentarios sociales mordazmente satíricos. Sus primeros trabajos están marcados por el art punk experimental y disonante que fusionaba la música rock con la electrónica.

Su producción a finales de la década de 1980 abrazó más el synth-pop y el "mainstream", con un estilo menos conceptual, aunque el humor satírico y peculiar de la banda permaneció intacto. Su música demostró ser influyente en los movimientos posteriores, particularmente en los artistas de rock alternativo, industrial y de new wave.

El disco debut de la banda de 1978 "Q: Are We Not Men?A: We Are Devo!" es mi favorito. Sin embargo, se acerca mucho su tercer LP, "Freedom of Choice".

 

ALBUM: Freedom of Choice

 
Es el tercer trabajo de estudio de la banda estadounidense de new wave "DEVO" publicado el 14 de mayo de 1980. El álbum contiene su mayor éxito, "Whip It!", un éxito en las listas de radio, videos y ventas. Otras canciones también destacadas son "Girl U Want", "Freedom of Choice" y "Gates of Steel".

Este LP destaca la transición a un grupo de synth-pop de pleno derecho, produciendo posiblemente su obra más cohesiva musicalmente. Los sintetizadores están completamente integrados en el sonido de la banda, frecuentemente dominan los arreglos y al menos comparten el mismo tiempo con las guitarras. DEVO recluta al legendario productor de soul y funk, Robert Margouleff (que se hizo famoso por su trabajo con "Stevie Wonder"). Este fue uno de esos raros álbumes que irrumpieron en el "mainstream" y atrajeron al mundo del arte. Sin mencionar que empoderó a los "nerds" de todo el mundo.

Todo se realiza con una precisión fresca y pulida que refleja la uniformidad estilizada de las imágenes satíricas de la banda; la disonancia es más tenue que en el pasado, y los ritmos tensos ya no son discordantes, sino que bloquean a la banda en un flujo rígidamente uniforme.

También encontrarás en este álbum la estética distintiva de DEVO, caracterizada por sus característicos sombreros de cúpula de energía rojos y sus imágenes deconstruidas, que sirve como contraparte visual de su música. Es un recordatorio de que DEVO no es sólo una banda, sino un proyecto de arte multimedia que desafía las nociones preconcebidas.

Para mí, "Freedom of Choice" ayudó a llevar la música popular a otro nivel, mostrando que la música electrónica podía combinarse con las guitarras para producir algo completamente nuevo. Un álbum atemporal, pegadizo, retorcido y divertido. Dicho de otro modo, es un gran trabajo de art rock inteligente. DEVO hace ingeniosos intentos de "devolución" social con interesantes críticas y comentarios sociales. La mayoría de estas "críticas" pueden haber pasado desapercibidas para muchos oyentes, como lo hicieron los bufones medievales de la corte que camuflaban sus agudas observaciones bajo la apariencia del ridículo.

 

Legado:

 
El legado de "Freedom of Choice" de DEVO es multifacético y de gran alcance, y se extiende más allá de su lanzamiento inicial en 1980 para influir en las generaciones posteriores de músicos, artistas y movimientos culturales.

•  Pioneros en el Synth-Pop y la New Wave: "Freedom of Choice" jugó un papel fundamental en la configuración del sonido del synth-pop y la música new wave de los años 80. El uso innovador de sintetizadores y efectos electrónicos por parte de DEVO ayudó a allanar el camino para bandas como Depeche Mode, New Order y The Human League.

• Innovación artística: "Freedom of Choice" mostró el enfoque intrépido de DEVO hacia la experimentación y la superación de límites. Al combinar elementos de punk rock, new wave y música electrónica, el álbum desafió las nociones convencionales de cómo podría sonar la música pop, allanando el camino para una nueva ola de artistas alternativos y underground.

• Comentario social: la letra de "Freedom of Choice" ofrece comentarios incisivos sobre la cultura del consumo, la conformidad y los efectos deshumanizadores de la tecnología. Su visión satírica de los problemas sociales resonó en el público de entonces y continúa resonando hoy, destacando la perdurable relevancia del álbum.

• Estética visual: las imágenes icónicas, como sus sombreros rojos con forma de cúpula energética y los visuales deconstruidos, son sinónimos de la identidad de la banda. La estética visual de "Freedom of Choice" contribuyó al impacto del álbum y ayudó a establecer a DEVO como pioneros del arte y la performance multimedia.

 

Disco recomendado

Escucha esto si aún no lo has hecho. Hay que disfrutar y admirar este álbum, aunque sólo sea por el hecho de que ofrece doce canciones divertidas, todas ellas realmente fáciles de escuchar.

Luego, una vez experimentado, busca y escucha su disco debut "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!", mi favorito personal de DEVO.

Video del tema "Whip It!":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Girl U Want"            2:55
2.         "It's Not Right"          2:20
3.         "Whip It"                    2:37
4.         "Snowball"                 2:28
5.         "Ton o' Luv"               2:29
6.         "Freedom of Choice" 3:28 

Cara B:

1.         "Gates of Steel"          3:26
2.         "Cold War"                 2:30
3.         "Don't You Know"    2:14
4.         "That's Pep!"               2:17
5.         "Mr. B's Ballroom"     2:45
6.         "Planet Earth"             2:45

Devo (músicos):

•  Mark Mothersbaugh – vocals, keyboards, guitar
• Gerald Casale – vocals, bass guitar, keyboards
• Bob Mothersbaugh – lead guitar, vocals
• Bob Casale – rhythm guitar, keyboards, vocals
• Alan Myers – drums 

Technical:

Devo – producción.

Video del tema "Freedom of Choice":

PUBLIC IMAGE LTD. - Metal Box

ALBUM: Metal Box

Segundo álbum de estudio de Public Image Ltd (PiL), publicado el 23 de noviembre de 1979. El álbum se empaquetó originalmente en un bote de película metálica, de ahí el nombre "Metal Box". Posteriormente se reeditó en un empaque de vinilo estándar como "Second Edition" en febrero de 1980. 

El álbum es una desviación del debut de PiL en 1978, "First Issue", con la banda moviéndose hacia un sonido más vanguardista, ritmos inspirados en el dub liderados por el bajista Jah Wobble y un sonido de guitarra abrasivo y "metálico" desarrollado por el guitarrista Keith Levene. "Metal Box" es ampliamente considerado como un hito del género post-punk.

El disco fue grabado en el apogeo del movimiento post-punk y presenta una combinación única de dub reggae, ruido industrial y experimentación. El álbum muestra el talento de la formación principal de la banda, que estaba formada por el vocalista principal John Lydon (anteriormente conocido como Johnny Rotten de "Sex Pistols"), el guitarrista Keith Levene, el bajista Jah Wobble y el baterista Martin Atkins. Personalmente, este es mi disco favorito de Jah Wobble, incluso siendo solo un miembro y no su grupo.

Si conoces la discografía de PiL "Metal Box" es sin duda su ápice. Es un sello distintivo del post-punk intransigente y desafiante, que apenas suena como algo del pasado, presente o futuro. Lo que consiguieron con este disco es una hora completamente única del "noise" vanguardista.

La canción de apertura, "Albatross", establece el tono con su ominosa línea de bajo, un riff de guitarra distorsionado y la inquietante voz de Lydon. La historia cuenta que el guitarrista Keith Levene, el bajista Jah Wobble y el baterista David Humphrey inventaron la canción sobre la marcha y la grabaron en una sola toma. El álbum continúa con "Memories", que presenta un intenso ritmo de batería y la voz gutural de Lydon. La tercera pista, "Swan Lake", es una reelaboración del tema del ballet clásico, con un paisaje sonoro atmosférico y espeluznante que incorpora elementos de dub reggae. El corte "No Birds Do Sing" (también enumerado simplemente como "No Birds") presenta una línea de "La Belle Dame sans Merci", un poema de John Keats que Lydon "tomó prestado".

La segunda mitad del álbum es un viaje punk rock más sencillo, con una sección rítmica de conducción y el riff de guitarra angular de Levene. "Careering" (la favorita de Jah Wobble) y "Graveyard" son melancólicas y atmosféricas que presentan líneas de bajo y efectos de sonido repetitivos. Todo termina con las melodías fantasmales de "Socialist/Chant/Radio 4" (en el formato original) de poco más de 12 minutos que es alucinante. El baterista que colaboraba Richard Dudanski citó a "Chant" como uno de sus favoritos.

En pocas palabras, "Metal Box" es un logro para su época, tanto sonora como artísticamente. La fusión única del álbum de dub reggae, ruido industrial y experimentación vanguardista sentó las bases para una generación de bandas post-punk e industriales. La voz de Lydon se destaca, con su entrega distintiva y gutural que proporciona un contrapunto perfecto para el sonido anguloso y austero de la banda. Los valores de producción del álbum también son excepcionales, con un sonido crudo y pulido. Se puede decir con seguridad que cambió el juego y reescribió las reglas, o mejor dicho, las arrojó por la ventana. Apareció en el momento y lugar adecuado para tener un impacto que todavía resuena hasta el día de hoy en lo profundo del subsuelo como el estruendo del bajo de Wobble o la guitarra destrozada de Keith o los susurros hablados de la voz de Lydon.

Disco recomendado. La energía del punk con un ritmo embriagador y, de hecho, podría ser lo mejor a lo que John Lydon haya prestado su voz, mientras que PiL nunca volvió a acercarse a este nivel. "Metal Box" ahora se considera un álbum seminal que sigue siendo un lanzamiento histórico en el género post-punk, lo que lo convierte en una escucha obligada para cualquier persona interesada en la historia del post-punk y la música experimental. Además, si estás aprendiendo o eres bajista, debes escuchar este disco solo para seguir (aprender) a Jah Wobble, uno de los grandes bajistas.

Video del "Swan Lake":

Tracklist (formato LP de 1979):

Side A

1.         "Albatross"     10:34 

Side B

1.         "Memories"     5:05
2.         "Swan Lake"   4:11

Side C

1.         "Poptones"      7:46
2.         "Careering"     4:32

Side D

1.         "No Birds"      4:41
2.         "Graveyard"    3:07

Side E

1.         "The Suit"       3:29
2.         "Bad Baby"    4:30 

Side F

1.         "Socialist/Chant/Radio 4"      12:34

 

Public Image Limited (Personal):

• John Lydon - voz, piano ("No Birds" y "Bad Baby")
• Keith Levene - guitarra, sintetizadores, batería ("Poptones" y "Radio 4"), bajo ("Radio 4")
• Jah Wobble - bajo (excepto "Radio 4"), batería ("Careering" y "The Suit"), piano ("The Suit")
• David Humphrey - batería ("Albatross" y "Swan Lake")
• Richard Dudanski - batería ("Memories", "No Birds", "Graveyard", "Socialist" y "Chant")
• Martin Atkins - batería ("Bad Baby")

ICEAGE - Beyondless - Album

Iceage (Banda)

Grupo danesa de punk rock de Copenhague. La banda se formó en 2008 y ha lanzado seis álbumes hasta la fecha.

Componentes:

• Elias Bender Rønnenfelt – voz, guitarra,
• Johan Surrballe Wieth – guitarra, coros,
• Jakob Tvilling Pless – bajo,
• Dan Kjær Nielsen – batería,
• Casper Morilla – guitarra y se unió en 2019.

Inicialmente, la banda comenzó como un cuarteto de punk rock abrasivo antes de explorar un enfoque más multifacético de la composición de canciones. El sonido frío y abrasivo de los primeros álbumes como su debut de 2011, "New Brigade", creció rápidamente a medida que la banda expandió sus conceptos de instrumentación, arreglos y atmósfera en trabajos más sofisticados como "Seek Shelter" (2021).

Doy espacio al cuarto disco "Beyondless", el mejor hasta la fecha en mi humilde opinión.

ALBUM: Beyondless

El cuarto álbum de estudio fue publicado el 4 de mayo de 2018.

Este disco presenta una desviación de su anterior sonido inspirado en el punk e incorpora elementos de post-punk, new wave y rock gótico. Se puede decir que es más "punk" en espíritu que "punk" en género, prefiriendo guitarras tintineantes y "toques" de jazz. Con una mejor composición viene la accesibilidad y una audiencia más amplia, por no decir comercial. Dicho esto, las canciones son más complejas en casi todos los niveles y una cosa que permanece es que es un disco de rock con un trabajo de guitarra impresionante.

La calidad de la producción es excelente, con un sonido claro que destaca la maestría musical de la banda. La percusión es sólida, proporcionando una base para el resto de la instrumentación. El trabajo de guitarra es excepcional, con una mezcla de riffs inspirados en el punk y texturas atmosféricas que crean una atmósfera inquietante. Uno puede escuchar ecos de "Nick Cave", quizás "The Horrors" y toques de "Primal Scream" con el uso de la sección de metales.

La voz del cantante principal Elias Bender Rønnenfelt es única, y su entrega emotiva complementa el panorama musical oscuro y melancólico. Las letras son introspectivas y, a menudo, existenciales, y exploran temas de amor, pérdida y la búsqueda de sentido en un mundo que parece cada vez más incierto.

Canciones destacadas del álbum incluyen la que abre, "Hurrah", que establece el estado de ánimo para el resto del álbum y "Pain Killer", que cuenta con la voz invitada de "Sky Ferreira". Otros temas destacados incluyen "Under the Sun", que presenta un hermoso solo de violín y "The Day the Music Dies", una meditación sombría e inquietante sobre el fin del mundo.

Un disco recomendado, poderoso y conmovedor que muestra el crecimiento y la madurez de Iceage como músicos y compositores. Los fans del punk, el post-punk y el rock gótico encontrarán mucho para disfrutar en este álbum. Buscarlo si no lo conoces.

Video del tema "Hurrah":

Tracklist:

1.         "Hurrah"         4:15
2.         "Pain Killer" (featuring Sky Ferreira) 3:39
3.         "Under the Sun"         4:31
4.         "The Day the Music Dies"     3:48
5.         "Plead the Fifth"        3:11
6.         "Catch It"       5:46
7.         "Thieves Like Us"      3:50
8.         "Take It All"   3:50
9.         "Showtime"    4:06
10.       "Beyondless"  4:02

THE VELVET UNDERGROUND - The Velvet Underground & Nico - Album

Muy poco puedo añadir a lo que ya se ha expresado, escrito y debatido sobre el siguiente álbum. Además de ser uno de los discos más famosos de la historia del rock, si no "el más", también es revolucionario en el verdadero sentido de la palabra. Sin embargo, siendo este un blog mayormente cuyo objetivo es sugerir y poner frente a los ojos de los jóvenes amantes de la música álbumes que todavía no han descubierto, estoy casi obligado a escribir un post sobre la siguiente obra maestra de la música rock.

Hablo de...

ALBUM: The Velvet Underground & Nico

Es el álbum debut de la banda de rock estadounidense "The Velvet Underground" y la cantante alemana "Nico", publicado en marzo de 1967. El álbum presenta sensibilidades de interpretación experimental y temas líricos controvertidos, que incluyen abuso de drogas, prostitución, sadomasoquismo y desviación sexual. Temas que fueron controvertidos en su momento. En 2006, fue incluido en el "Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso".

Muy pocos álbumes de rock que han tenido una influencia tan amplia y generalizada como "The Velvet Underground & Nico". Los géneros de rock glam, punk, new wave, goth, noise y casi todos los demás movimientos de rock de "izquierda" tienen una deuda audible con este disco. Todo lo que fue adoptado más tarde por el punk inglés y el público indie estadounidense se puede encontrar en etapas embrionarias aquí en este disco. Para dar aún más un contexto contemporáneo, la mayoría de los innovadores notables de la música rock como David Bowie, Public Enemy, Patti Smith, Slint, The Stooges, Suicide, Talking Heads, King Crimson, Pixies, R.E.M., Sonic Youth, Joy Division, Can, John Zorn, Brian Eno... la lista sigue y sigue - le debe algo a este disco. Además, la portada del álbum de "la banana" diseñada por ANDY WARHOL puede colgarse cómodamente en cualquier museo de arte importante, ya que ahora es un ícono universal cultural y del pop.

The Velvet Underground era una banda con un sonido distintivo, y lo que destaca de este álbum es su diversidad. La banda presenta canciones de dream-pop ("Sunday Morning"), garage rock ("Waiting for the Man"), R&B ("There She Goes Again") e incluso canciones de amor ("I'll Be Your Mirror") cuando no estaban ocupados creando sonidos sin precedentes.

Ofreciendo una instantánea detallada e implacable de la cultura basura y la decadencia de Nueva York, la exploración lírica de las drogas y el sexo de Lou Reed recibió la atención más de la crítica, pero la música que tocaron Reed, John Cale, Sterling Morrison y Maureen Tucker fue radical para el período. Los temas "European Son", "All Tomorrow 's Parties" y "Heroin" siguen siendo tan convincentes como el día en que se grabaron.

La incorporación de la cantante alemana "Nico" a este álbum (agregada por Warhol) y sus contribuciones han sido debatidas a lo largo de los años, ella no suena como una típica vocalista de rock, y la presencia de Andy Warhol como productor fue más una cuestión financiera (inversor), sin embargo la notoriedad del artista permitió a "The Velvet Underground" grabar su material sin compromiso (una carta blanca a la creatividad) lo que hubiera sido imposible. De ahí, quizás, la importancia de Warhol.

Un disco recomendado. Si aún no has descubierto "The Velvet Underground" y a este disco en particular, hazlo, al menos escúchalo con atención. Pocos álbumes de rock son tan importantes, y menos aún han perdido tan poco de su poder de sorpresa e intriga. No es una exageración decir que todas las bandas de rock que surgieron tras el lanzamiento de este álbum han sido influenciadas por su música. Muchos dicen que es el mayor debut de la música rock de todos los tiempos (por cierto, un título que también compite con otros discos).

Por último, para los oídos del lector más joven, descubrir y escuchar este álbum puede ser una tarea ardua. Pero, será una experiencia gratificante si le das una oportunidad, además de dar un contexto histórico y una perspectiva al rock que estás escuchando actualmente. En definitiva (y mi opinión) todo fan serio de la música debería tener una copia de este álbum en su colección.

Video del tema "I'm Waiting for the Man":

Tracklist (LP formato original):

Cara A:

1.         "Sunday Morning"     Reed   2:53
2.         "I'm Waiting for the Man"     Reed   4:37
3.         "Femme Fatale"          Nico    2:35
4.         "Venus in Furs"          Reed   5:07
5.         "Run Run Run"          Reed   4:18
6.         "All Tomorrow's Parties"       Nico    5:55

Cara B:

1.         "Heroin"          Reed   7:05
2.         "There She Goes Again"        Reed   2:30
3.         "I'll Be Your Mirror"  Nico    2:01
4.         "The Black Angel's Death Song" (Reed, John Cale) Reed   3:10
5.         "European Son" (Reed, Cale, Sterling Morrison, Maureen Tucker) Reed   7:40

Créditos:

Banda:

• Lou Reed - voz, guitarra principal, 
• John Cale - viola eléctrica, bajo, piano
• Sterling Morrison - guitarra rítmica, bajo
• Maureen Tucker – batería
• Nico- voz.

Producción:

• Andy Warhol - productor
• Tom Wilson - productor
• Norman Dolph - ingeniero
• Omi Haden - ingeniero
• John Licata - ingeniero

PERE UBU | The Modern Dance - Album

Pere Ubu (Banda)

Grupo de rock experimental formado en Cleveland (Ohio) en 1975. El único miembro constante en la larga historia del grupo es el cantante David Thomas. Si bien la banda logró poco éxito comercial, ha ejercido una gran influencia posterior en la música underground.

Las raíces de la banda provienen de "Rocket from the Tombs", un grupo con sede en Cleveland que eventualmente se fragmentó: algunos miembros formaron "Dead Boys" y otros "The Saucers", mientras que David Thomas y el guitarrista Peter Laughner (murió en 1977) se unieron con el guitarrista Tom Herman, el bajista Tim Wright, el baterista Scott Krauss y el sintetista Allen Ravenstine para formar Pere Ubu. El nombre del grupo es una referencia a "Ubu Roi", una obra de teatro vanguardista del escritor francés Alfred Jarry.

Liderados por el carismático David Thomas, Pere Ubu se convierte en una de las bandas más influyentes del underground estadounidense. El sencillo debut de Ubu de 1975, "30 Seconds Over Tokyo", y su álbum debut de 1978, The Modern Dance, introdujeron las melodías autodestructivas, los ritmos dispersos y la disonancia de fuerza industrial que usaron para capturar la angustia y el caos de su época con tanto el fervor destructivo como la humanidad. Un producto de su tiempo en un medio-oeste americana industrial buscando "alternativas".

La música de Pere Ubu se inspiró en fuentes como el rock de los 60, las artes escénicas y los entornos industriales. Es en parte Garage rock influenciado por el blues. Los críticos también han descrito su música como art punk y post-punk.

Discografía:

• The Modern Dance (1978)
• Dub Housing (1978)
• New Picnic Time (1979)
• The Art of Walking (1980)
• Song of the Bailing Man (1982)
• The Tenement Year (1988)
• Cloudland (1989)
• Worlds in Collision (1991)
• Story of My Life (1993)
• Ray Gun Suitcase (1995)
• Pennsylvania (1998)
• St. Arkansas (2002)
• Why I Hate Women (2006)
• Long Live Père Ubu! (2009, con Sarah Jane Morris)
• Lady from Shanghai (2013)
• Carnival of Souls (2014)
• 20 Years in a Montana Missile Silo
• The Long Goodbye (2019)

Dos discos destacan del resto, "The Modern Dance" y "Dub Housing", siendo el primero el más grande.

ALBUM: The Moden Dance

Es el álbum debut publicado en enero de 1978. Este álbum no se parecía a nada antes y después desde entonces. Libre experimentación del noise en dos temas, y del punk cegador en los otros ocho. Un álbum monumental que reúne muchos elementos desafiantes del rock. La cuidadosa planificación del cantante David Thomas requiere muchas escuchas para descifrar sus letras, pero para aquellos que escuchan atentamente, la recompensa vale el esfuerzo. Es a la vez un trabajo simple y complejo, inteligente y sin sentido, ensordecedor e inmediatamente escuchable.

El sello discográfico "Mercury" no tenía idea de lo que tenían en sus manos cuando lanzaron esto como parte de su sello de punk rock, "Blank", pero sigue siendo una porción clásica de art-punk. Se anuncia a sí mismo con bastante audacia: el primer sonido que escuchas es un gemido dolorosamente agudo de retroalimentación, pero luego los riffs postmodernos de Chuck Berry de Tom Herman dan inicio al brillante "Non-Alignment Pact", y pronto te das cuenta de que esto es punk rock a diferencia de cualquiera que hayas escuchado. A través de las locuras de "Life Stinks" y "Street Waves" al más "folk" sonido de  "Chinese Radiation", y que lleva a la paranoia de "Real World" y al resumen de "Humor Me", realmente nunca hay un momento aburrido. Hay algunas canciones experimentales, y sin "Over my Head" y "Sentimental Journey", esto sería solo música rara y rápida, pero con ellas la banda demuestra que realmente están tratando de crear algo diferente. "Over my Head" funciona un poco mejor que "Sentimental Journey", pero ambos son un desafío. Todo es de alguna manera accesible porque la banda encuentra un equilibrio único en los ritmos de Krauss y los lamentos de Dave Thomas que acuñan un tipo de música completamente nuevo.

Los momentos destacables para mi son: "Non-Alignment Pact"," The Modern Dance", "Street Waves", "Over My Head", "Sentimental Journey" & "Humor Me". En general es una obra redonda.

Un disco recomendado. El álbum divide a los que escuchan esto en dos: amantes y enemigos. Si normalmente te escondes cuando algo se describe como "esto no es para todos", entonces conoce a tu nuevo grupo favorito. The Moden Dance sigue siendo hoy una escucha imprescindible. Es el sonido característico del avant-garage: art rock, punk rock y garage rock mezclados con alegría y sin miedo. Hay muchos - sus amantes - que consideran este disco como uno de los mejores discos del post-punk. 

Video del tema "Non-Alignment Pact":

Tracklist: 

1.Non-Alignment Pact 3:19
2.The Modern Dance 3:30
3.Laughing 4:37
4.Street Waves 3:06
5.Chinese Radiation 3:29
6.Life Stinks 1:53
7.Real World 4:00
8.Over My Head 3:51
9.Sentimental Journey 6:08
10. Humor Me 2:44