BIG AUDIO DYNAMITE - This Is Big Audio Dynamite - Album

Big Audio Dynamite (Banda)

Big Audio Dynamite (más tarde conocido como Big Audio Dynamite II y Big Audio, y a menudo abreviado BAD) fue una banda inglesa, formada en Londres en 1984 por Mick Jones, ex guitarrista principal y co-vocalista principal de The Clash. Mike Jones fue expulsado de "The Clash" (demasiado experimentalista) y comenzó su carrera en solitario. La banda mezcló varios estilos musicales, incorporando elementos de punk rock, música dance, hip hop, reggae y funk.

Big Audio Dynamite se separó en 1997. Se reunieron en 2011 para una gira.

 

ALBUM: This Is Big Audio Dynamite

 
Este es el álbum de estudio debut de la banda inglesa "Big Audio Dynamite", dirigida y producida por Mick Jones, ex guitarrista principal y co-vocalista principal de "The Clash". Fue publicado el 1 de noviembre de 1985. Se lanzaron tres sencillos del álbum: "The Bottom Line", "E=MC²" y "Medicine Show". La portada del álbum muestra a la mayor parte de la banda vestida con ropa de vaquero como una banda de cuatro integrantes, menos el tecladista Dan Donovan, quien tomó y diseñó la foto.

El disco retoma los hilos que quedaron pendientes del rap de la canción "The Magnificent Seven", los experimentos de estudio que se encuentran en gran parte de los álbumes de los "Clash", como en Sandinista y Combat Rock, y los avances pop de los sencillos del último período "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go".

Muchos críticos consideran "This Is Big Audio Dynamite" uno de los discos más innovadores de la época. Su enfoque modernista de reciclar o reintroducir samples era completamente nuevo en el formato rock-pop de mediados de los 80. Este disco es ahora una obra maestra de cortar y pegar de finales de los 80 y principios de los 90 en la música rock, que utiliza bien la técnica de sampling con la tecnología existente en la época. De hecho, la fuerza de este disco no es la maestría musical sino el arte de las canciones y el impacto de la producción. Teclados, loops y samples de todo tipo, desde informes de noticias hasta partituras de Westerns de Sergio Leone, se destacaron en gran medida, al igual que la guitarra "Bond Electraglide" de última generación.

A raíz de este y los discos posteriores de "BAD", surgieron otras bandas cruzando el rock-dance como The Shamen, Jesus Jones y Pop Will Eat Itself hasta Klaxons, Gorillaz y otros.

 

Algos samples usados en "This Is Big Audio Dynamite":

Mike Jones era fan de utilizar samples de películas, principalmente en este caso de Westerns. Aquí están las pistas y samples utilizadas:

 Medicine Show:

•  "Get three coffins ready". (Clint Eastwood de "Por un puñado de dólares", 1964)
• "¿Quién diablos es ese? Un bastardo entra y otro sale... ¡Soy inocente de todo!" (Eli Wallach de "El bueno, el feo y el malo" de 1966)
• "¿Estás haciendo alguna broma?" (Un puñado de dólares)
• "No creo que sea agradable que te rías". (Eastwood de "Por un puñado de dólares"")
• "Buscado en catorce condados de este Estado, el condenado es declarado culpable de delitos de asesinato, robo a mano armada a ciudadanos, bancos estatales y oficinas de correos, robo de objetos sagrados, incendio provocado en una prisión estatal, perjurio, bigamia, abandono de su esposa y niños, incitación a la prostitución, secuestro, extorsión, recepción de bienes robados, venta de bienes robados, transferencia de dinero falso y, contrariamente a las leyes de este Estado, el condenado es culpable de utilizar tarjetas marcadas... Por lo tanto, según las facultades que nos han sido conferidas , sentenciamos al acusado que tenemos ante nosotros, Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez ('Conocido como La Rata') y cualquier otro alias que pueda tener, a ser colgado del cuello hasta la muerte. Que Dios tenga piedad de su alma. Proceda." (El bueno, el malo y el feo; "Conocida como La Rata" fue pronunciada por Eastwood).
• Tema principal de Ennio Morricone para "El bueno, el feo y el malo".
• "¡Pato, tonto!" (James Coburn de Duck, You Sucker! de 1971)
• "¡No tengo que mostrarte ninguna placa apestosa!" (Alfonso Bedoya de "El tesoro de la Sierra Madre" de 1948)
• Risas de "El Tesoro de la Sierra Madre".

Sony:

• Joe Strummer alardeando de la canción de 1979 de The Clash "London Calling"

E=MC²:

• Varios samples de la película de culto "Performance" (1970) dirigida por Donald Cammell y Nicolas Roeg.

Sudden Impact:

• El motivo coral de dos notas (Aaah aaah) que se escucha a lo largo de la canción es un sample de la banda sonora de la película "Close Encounters of the Third Kind" (1977).
  

 

El legado de "This Is Big Audio Dynamite":

 
En el ámbito de los álbumes influyentes, "This Is Big Audio Dynamite" se destaca ya que se niega a limitarse a ningún género o época específica. Su fusión de punk, reggae, rock y dance sigue siendo tan cautivadora como siempre. Mick Jones, con su arte y creatividad, se estableció como un inconformista e influyó en generaciones de músicos para traspasar los límites musicales. Ya sea que esté buscando una aventura auditiva, una dosis de comentario social o una cápsula del tiempo musical, "This Is Big Audio Dynamite" sigue siendo una recomendación atemporal.

 

Disco recomendado

 
En resumen, "This Is Big Audio Dynamite" se considera el mejor álbum de la banda y un trabajo histórico en el uso del sampleo en la música rock. Si bien los álbumes posteriores de la banda continuaron incorporando estilos musicales y elementos multimedia similares, generalmente no se los considera tan bien como "This Is Big Audio Dynamite".

Para aquellos nuevos en Big Audio Dynamite, "This Is Big Audio Dynamite" sirve como una buena introducción, mostrando la capacidad de la banda para crear letras que cautivan y desafían a los oyentes mientras combinan estilos musicales aparentemente dispares.

Video del tema "The Bottom Line":

Tracklist (formato LP vinilo): 

Cara A:

1.         "Medicine Show"                  6:29
2.         "Sony"                        4:30
3.         "E=MC²"                               5:54
4.         "The Bottom Line"     4:35

Cara B:

5.         "A Party"                    6:40
6.         "Sudden Impact!"      5:03
7.         "Stone Thames"                      4:05
8.         "BAD"                                   5:54

LOS SAICOS - ¡Demolición!: The Complete Recordings - Album

La siguiente banda y álbum pueden sorprender a los melómanos. Si bien el pensamiento popular dice -con razón- que los pioneros del garage rock y el punk rock comenzaron a finales de los años 50 y 60 (Siglo XX) en los Estados Unidos (Link Wray, The Sonics, MC5, The Stooges...) y que más tarde se desarrolló en los años 70 en la escena neoyorquina (Ramones, New York Dolls, Dead Boys...) y británica (The Clash, The Adverts, The Damned...), pocos saben que uno de los grandes grupos pioneros e innovadores de estos géneros estaba en Perú.

"Los Saicos", que estuvieron activos a mediados de los 60, hacían garage y punk rock mucho antes que muchos de los mencionados anteriormente y, como era de esperar, estaban influenciados por los peruanos. Su oferta combinada de influencias del pop británico con un agresivo surf rock y una vibra punk asombraron a todo el país. Francamente, se adelantaron a su tiempo.

Aquí tenéis una recopilación en LP que es perfecta como introducción.

ALBUM: ¡Demolición!: The Complete Recordings

 
Publicado en 2010 por el sello discográfico español "Munster Records", esta es una recopilación de la producción completa de "Los Saicos". Los Saicos eran agresivos y primitivos, incluso para los estándares del garage rock. Grabaron canciones de amor ("Ana" y "Te Amo"), pero sus títulos acelerados como "Intensamente", "Fugitivo de Alcatraz" y "Salvaje" emocionará a los oyentes. Sus guitarras suenan punk, la batería tiene una melodía tribal de surf y las voces son positivamente desquiciadas, yendo más allá incluso de los límites de las bandas de garage rock contemporáneas.

¿Quiénes son Los Saicos?

 
Los Saicos (pronunciado "psychos") es una banda de rock formada en 1964 en Lima, Perú (Erwin Flores - voz y guitarra, Rolando "El Chino" Carpio - guitarra, César "Papi" Castrillón - voz y bajo y Francisco "Pancho" Guevara - batería y voz). Su uso de tempos rápidos, voces gritadas y riffs agresivos ha llevado a muchos a acreditarlos retrospectivamente como los pioneros del punk rock.

En poco tiempo durante la década de 1960, se convirtieron en uno de los grupos más exitosos del Perú, ofreciendo un sonido garage único con influencias surferas, que anticipará ciertos aspectos del movimiento punk rock posterior de los años 70.

Se separaron en 1966, pero Los Saicos se reunieron en 2006 y desde entonces han seguido tocando en lugares ocasionales.

 

El legado de Los Saicos:

Toda la producción grabada de "Los Saicos" ha sido reeditada oficialmente por el sello español Munster Records en varios formatos, gestionando las grabaciones de Los Saicos en todo el mundo como exclusivas y ocupándose de solicitudes de licencia y sincronización desde 2012. La banda americana de garage, "The Black Lips", ha reconocido a Los Saicos como una importante influencia. Muchas bandas como "The Cramps" han versionado temas de "Los Saicos".

Una de las grabaciones editadas, "¡Demolición! - The Complete Recordings" (2010), es un "hay que tener".

Al escuchar "¡Demolición!: The Complete Recordings" te das cuenta de que eran una banda de punk rock, incluso si nadie fuera de Lima lo sabía en ese momento, y los 12 temas de esta colección harán sonreír de alegría a cualquier fanático del rock.

 

Contenido:

 
El LP incluye todas las canciones que "Los Saicos" grabaron durante su carrera, convirtiéndo en una colección completa de su trabajo. La compilación incluye 12 temas de los seis sencillos de la banda lanzados entre 1965 y 1966. Algunos de los temas más destacados son "Come On (Ven Aquí)", "Ana", "Demolición", "Lonely Star (Estrella Solitaria)", "Camisa De Fuerza", "Cementerio", "Te Amo", "Fugitivo De Alcatraz", "Salvaje" y "El Entierro De Los Gatos". El sonido de la banda ha sido comparado con artistas como The Sonics, The Cramps y The Black Lips, y su música ha sido influyente para muchos artistas, incluido Café Tacvba, quien hizo un cover de su exitosa canción "Demolición".

El álbum está disponible en diferentes formatos, incluido un box set de seis EP que incluye un folleto a color de 56 páginas con notas extensas en español e inglés.

En general, ¡Demolición!: The Complete Recordings ofrece una mirada completa a la música rompedora de Los Saicos, una banda verdaderamente adelantada a su tiempo y que dejó un impacto duradero en la escena del garage rock y el punk.

 

Disco recomendado

 
En resumen, "¡Demolición!: The Complete Recordings" es una obra imprescindible para los fans del garage rock y el proto-punk, así como para aquellos interesados en la historia de la música rock latinoamericana. El álbum ofrece una colección completa del trabajo de "Los Saicos", con buena calidad de sonido y notas extensas que brindan contexto e información de fondo sobre la banda y su música. Aquí encontrará algunas melodías realmente geniales, una verdadera joya relativamente desconocida pero con canciones históricamente impactantes que ayudan a dar forma a la música rock

Video del tema "Demolición":

Tracklist (formato vinilo):

A1. Come On (Ven aquí) 2:45
A2. Ana 2:00
A3. Demolición 2:57
A4. Lonely Star (Estrella solitaria) 2:45
A5. Camisa de fuerza 2:51
A6. Cementerio 2:19

B1. Te amo 2:21
B2. Fugitivo de Alcatraz 2:51
B3. Salvaje 2:40
B4. El entierro de los gatos 3:23
B5. Besando a otra 2:40
B6. Intensamente 3:17

VIDEO: Documentario - Was Punk Rock Born in Peru? - Los Saicos:

EDDIE HAZEL - Game, Dames and Guitar Thangs - Album

La siguiente obra es una recomendación para aquellos melómanos a los que realmente les gusta la guitarra. Todos conocemos la retahíla de nombres populares: Hendrix, Clapton, Eddie Van Halen, Rory Gallagher, Stevie Ray Vaugh, Jeff Beck, Jimmy Page, Dave Gilmour etc y etc. Sin embargo, pocos conocen a Eddie Hazel, un grandísimo guitarrista que merece más atención y elogios, especialmente entre los músicos más jóvenes y seguidores del rock.

Su álbum debut en solitario "Game, Dames and Guitar Thangs" es el punto de partida para conocer este excepcional músico.

ALBUM: Game, Dames and Guitar Thangs

Es el álbum debut del guitarrista principal de Parliament-Funkadelic, Eddie Hazel. El LP fue publicado el 29 de julio de 1977. Fue el único álbum de Hazel hasta su muerte en 1992, cuando le siguieron varios lanzamientos póstumos. Este disco presenta una mezcla de soul psicodélico, funk y hard rock, con la guitarra de Hazel como punto culminante. Fue coproducida por George Clinton y cuenta con el equipo completo de "Mothership".

Tres canciones del álbum son versiones: "I Want You (She's So Heavy)" (grabada originalmente por The Beatles), "California Dreamin'" (grabada por primera vez por The Mamas & the Papas) y "Physical Love" (grabada originalmente por la banda de goma de Bootsy). "What About It?" es una nueva versión instrumental de "Wars of Armageddon", originalmente del LP "Maggot Brain".

Con poco más de 30 minutos de duración, carece de cuerpo con sus versiones y sesiones improvisadas, sin embargo, Hazel lo compensa con creces con su forma de tocar la guitarra. Esta es la razón por la que este disco es imprescindible: su virtuosidad con la guitarra.

¿Quién era Eddie Hazel?

 
Edward Earl Hazel fue un guitarrista y cantante estadounidense de música funk que tocaba la guitarra como solista con las bandas "Parliament-Funkadelic". Hazel fue miembro póstumo del "Salón de la Fama del Rock and Roll", incluido en 1997 con otros quince miembros del Parlamento-Funkadelic. Su solo de guitarra de diez minutos en la canción de Funkadelic "Maggot Brain" es aclamado como "uno de los mejores solos de todos los tiempos en cualquier instrumento", algo que recomiendo al lector que escuche.

Eddie Hazel tocó al estilo de Jimi Hendrix. Usaba mucha reverberación y era un gran guitarrista rítmico, además de un solista excepcional con "solistas llenos de fuzz". Tocó una variedad de guitarras, incluidas Gibson, pero es más conocido como guitarrista de Fender Stratocasters.

El 23 de diciembre de 1992, Hazel murió a causa de una hemorragia interna e insuficiencia hepática. En su funeral se tocó la canción "Maggot Brain".

Volviendo al disco...

El álbum comienza con la versión más conmovedora de "California Dreamin" que jamás hayas escuchado. Hazel hace suya totalmente la canción ralentizando y dándole alma; luego están los fabulosos solistas de guitarra. "Frantic Moment" y "So Goes the Story" son poco más que improvisaciones, pero la versión épica de "I Want You (She 's So Heavy)" de The Beatles es simplemente magistral. "Physical Love" y "What About It?" son instrumentales sólidos que le permiten a Hazel hacer lo suyo antes de que la repetición de "California Dreamin'" (reprise) que cierra el LP.

Cada nota en "Game, Dames and Guitar Thangs" es magistral y es una pena que este álbum no se destaque tanto como debería. Eddie Hazel rinde homenaje a su héroe, Hendrix, y lo hace de una forma espectacular. Este disco es excelente y Hazel merece estar entre los grandes de la guitarra.

En general, "Game, Dames and Guitar Thangs" se considera ahora un clásico de culto entre los entusiastas del funk y ha influido en muchos músicos del género. La innovadora forma de tocar la guitarra de Hazel y su capacidad para combinar diferentes estilos musicales han hecho de este álbum una pieza musical atemporal, ya sea rock o funk.

Disco recomendado

Eddie Hazel era un genio innegable de la guitarra. Afortunadamente, este clásico perdido está disponible nuevamente, lo que vuelve a poner la atención en un guitarrista pionero y relativamente poco reconocido. "Game, Dames & Guitar Thangs" es una auténtica joya para descubrir.

Video del tema "California Dreamin'":

Tracklist:

1. "California Dreamin'" (John Phillips, Michelle Phillips) - 6:20
2. "Frantic Moment" (George Clinton, Bootsy Collins, Bernie Worrell) - 3:43
3. "So Goes the Story" (Clinton, Collins, Eddie Hazel) - 3:57
4. "I Want You (She's So Heavy)" (John Lennon, Paul McCartney) - 9:26
5. "Physical Love" (Clinton, Collins, Gary Cooper, Garry Shider) - 5:33
6. "What About It?" (Clinton, Hazel) - 3:45
7. "California Dreamin' (Reprise)"(J. Phillips, M. Phillips) - 1:40

Bonus tracks

"Smedley Smorganoff" (Hazel) - 3:06
"Lampoc Boogie" (Hazel) - 11:46
"From the Bottom of My Soul" (Hazel) - 12:34
"Unkut Funk" (Hazel) - 2:02

Musicos:

• Eddie Hazel, Michael Hampton, Garry Shider, Glenn Goins - guitarra
• Bootsy Collins, Billy Bass Nelson, Cordell Mosson - bajo
• Jerome Brailey, Bootsy Collins, Tiki Fulwood - batería
• Bernie Worrell - teclados
• Doug Duffey - teclados en "I Want You"
• Lynn Mabry, Dawn Silva, Gary Cooper - voz

THE ERIC BURDON BAND - Sun Secrets (1974)

ALBUM: Sun Secrets

Es un disco de "The Eric Burdon Band" grabado en 1973 y lanzado en diciembre de 1974. Incluye algunas re-grabaciones de canciones con las que el cantante Eric Burdon encabezó las listas unos años antes. La banda incluye a Aalon Butler a la guitarra, Randy Rice al bajo y Alvin Taylor a la batería.

 

The Eric Burdon Band

The Eric Burdon Band se formó en 1973 y esta formación grabó y lanzó dos álbumes exitosos, este mismo "Sun Secrets" y "Stop" en 1975. La banda mostró un sonido de hard rock y heavy metal durante sus años activos. Vale la pena recordar, especialmente a los lectores más jóvenes, que Eric Burdon tuvo proyectos musicales anteriores, incluido el de ser el cantante principal del grupo original "The Animals", que se formó en 1962.

Volviendo al disco "Sun Secrets"...

 
Publicado sin la autorización de Eric Burdon, "Sun Secrets" es un disco muy bien ejecutado. Según la biografía del cantante, "Don't Let Me Be Misunderstood de Eric Burdon" con J. Marshall Craig, Burdon no quería que este material saliera a la luz. Las cintas fueron firmadas con Capitol Records y publicadas sin su permiso. Producidas por Jerry Goldstein, el cantante las llama "cintas de ensayo" y presentan la formación original de lo que él dice en su libro que es "La primera de una larga serie de bandas de Eric Burdon".

Es en esencia una reinvención innovadora, escucharas reelaboraciones y reinterpretaciones de clásicos de Animals como "When I Was Young", "It's My Life", y la versión cargada de riffs de "Don't Let Me Be Misunderstood". Cada corte aquí está lleno de emoción e intensidad, un conjunto completamente pesado de canciones con graves brillantes, voces y músicos que están llenos de pasión. La grabación es densa y dinámica y parte de las "improvisaciones" son mágicas.

 

Momentos a destactar:

 
El álbum incluye reelaboraciones y tres números de la banda "Animals", que están interpretados con gran habilidad y maestría musical. Destaca especialmente el trabajo de guitarra de Aalon Butler, que muestra sus magníficas habilidades. Las canciones de "Sun Secrets" son enérgicas y transmiten interpretaciones cautivadoras, lo que lo convierte en un álbum destacado en la discografía de Eric Burdon.

 

Disco recomendado

 
No es el mejor disco de la discografía de Eric Burdon. Sin embargo, es un gran trabajo de hard rock de mediados de los 70 con más toque metal de lo que uno podría esperar de Eric Burdon. Tiene un montón de versiones y remakes de canciones principalmente de los "Animales" con el apoyo de una banda de primer nivel. El guitarrista principal Aalon Butler destaca por su interpretación creativa y Randy Rice destaca en el bajo. De hecho, vale la pena escuchar este disco sólo para la banda de acompañamiento. El álbum también se destaca por agregar un sonido de guitarra heavy similar al de "Jimi Hendrix" al repertorio de Burdon. En general, "Sun Secrets" muestra la poderosa voz de Eric Burdon y la fuerte musicalidad de la banda, lo que lo convierte en una excelente escucha para los fans de Eric Burdon y los seguidores del estilo hard rock y hard blues.

Video del tema Medley: Don't Let Me Be Misunderstood / Nina's School:

Tracklist (formato original):

1."It’s My Life" (4:43)
2."Ring of Fire" (6:11)
3."Medley: When I Was Young / War Child" (8:30)
4."The Real Me" (3:34)
5."Medley:Don’t Let Me Be Misunderstood / Nina’s School" (8:25)
6."Letter from the County Farm" (13:05)
7."Sun Secrets" (3:02)

Músicos:

• Eric Burdon - voz
• Aalon Butler - guitarra
• Randy Rice - bajo
• Alvin Taylor - batería

THE BAD PLUS - Suspicious Activity? - Album

Quiero llamar la atención sobre una banda de "jazz" relativamente poca conocida y uno de sus discos. Un álbum que espero sea de interés y quizás un descubrimiento para el lector. La banda es THE BAD PLUS y el disco "Suspicious Activity?"

THE BAD PLUS (Jazz Band)

Un cuarteto de jazz estadounidense, anteriormente un trío, de Minneapolis, Minnesota, Estados Unidos, formado por el bajista fundador Reid Anderson y el baterista David King, así como el guitarrista Ben Monder y el saxofonista tenor Chris Speed. La música del trío combina elementos del jazz de vanguardia moderno con influencias del rock y el pop.

Tienen una docena de álbumes de estudio en su discografía, todos interesantes. Sin embargo, deseo llamar tu atención sobre " Suspicious Activity?"

 

ALBUM: Suspicious Activity?

 
El cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense de jazz "The Bad Plus" lanzado el 20 de septiembre de 2005 y producido por Tchad Blake (también ha trabajado con Al Green, American Music Club, Arctic Monkeys, Bonnie Raitt, Crowded House, Elvis Costello, Fiona Apple, Gomez, Los Lobos, Pearl Jam, Peter Gabriel, The Black Keys, The Dandy Warhols, The Pretenders, Tom Waits, Tracy Chapman, Travis, U2...entre muchos otros). "The Bad Plus" había llamado la atención anteriormente por hacer versiones de conocidas canciones de rock (Nirvana, Queen, Radiohead... etc) en un estilo de "trío de poder acústico". Este álbum se centra más en la música original de la banda, incluida la canción "O.G. (Original Gentleman)", que es un tributo al legendario baterista de jazz Elvin Jones.

La portada del álbum es engañosa. A primera vista puede interpretarse como un disco de música punk o hardcore. Sin embargo, el estilo de música es Jazz, ya sea que esté fusionado con elementos de la música rock.

The Bad Plus ha causado debate en el mundo del jazz con su mezcla de elementos post-bop influenciados por el rock y la actitud "Do It Yourself" (DIY).  "Suspicious Activity?" mantiene vivo este debate. Con su versión funky y deconstruccionista de ("Theme from) Chariots of Fire" de Vangelis y sus originales que cambian de forma, "The Bad Plus" está lleno de sorpresas, tanto que los tradicionalistas del jazz pueden sentirse "ofendidos". Para mí esto es perfecto, ya que nada es sagrado, mientras yo siempre busco que me sorprendan.

La banda sobresale con composiciones de conducción ("Anthem for the Earnest") que se basan en el rock alimentado por el bajo como el poético "Knows the Difference". El baterista David King toca un cruce entre Elvin Jones y John Bonham, mientras que el pianista Ethan Iverson barre todo el teclado con florituras clásicas y agresión punk. El grupo tiene tanto talento que este disco es una alegría. Quizás no sea el mejor de la formación, pero el virtuosismo es innegable.

Estilo de música:

 
The Bad Plus es conocido por su combinación de jazz, rock e influencias clásicas.  "Suspicious Activity?" muestra su estilo característico, caracterizado por arreglos intrincados y dinámicos, improvisación y una fusión de géneros.

 

Composición y actuación:

 
Las composiciones sobre "Suspicious Activity?" son diversos y atractivos. El trío demuestra su excepcional maestría musical y su estrecha interacción a lo largo del álbum. Cada miembro aporta su estilo individual e ideas musicales, dando como resultado un sonido cohesivo y cautivador. Los arreglos son complejos y estratificados, con momentos de intensidad e introspección.

 

Tematica:

En este álbum "The Bad Plus" se destacan una variedad de temas y motivos que contribuyen al sonido general:

1. Ritmos complejos: como en "The Empire Strikes Backwards", que muestra ritmos intrincados y complejos que resaltan la competencia técnica de la banda y su capacidad para traspasar los límites.

2. Momentos melódicos: "Anthem For The Earnest" y "Lost Of Love" presentan melodías hermosas y emotivas que destacan la capacidad de la banda para crear momentos líricos y expresivos dentro de su música.

3. Improvisación: "Knows The Difference" es una pieza dinámica y enérgica que muestra las habilidades de improvisación del trío y su capacidad para crear tensión y liberación dentro de su música.

4. Cambios de género: Todos los temas destacados de "Suspicious Activity?" muestra la combinación única de influencias clásicas, jazz y rock de la banda. El álbum en su conjunto traspasa los límites del jazz e incorpora elementos de una variedad de géneros.

 

Canciones destacados:

•  "Anthem For The Earnest": Una hermosa y melódica composición que resalta la capacidad del trío para crear momentos emotivos y líricos dentro de su música.
  
  
• "The Empire Strikes Backwards": esta canción presenta una combinación cautivadora de ritmos intrincados, poderosas líneas de bajo y virtuosa interpretación del piano. Demuestra la capacidad de la banda para empujar los límites y experimentar con estructuras no convencionales.
  
  
• "Knows The Difference": una pieza dinámica y enérgica que muestra las habilidades de improvisación del trío y su capacidad para crear tensión y liberación dentro de su música.
  
  
• "(Theme from) Chariots of Fire": interpretación innovadora y divertida de este tema clásico de Vangelis, la única de versión del álbum.

Disco recomendado:

 
"Suspicious Activity?" de The Bad Plus es un álbum cautivador e innovador que destaca la combinación especial del trío de influencias de jazz, rock e influencias clásicas. Con sus composiciones intrincadas, musicalidad excepcional e interpretaciones dinámicas, es una obra recomendada para los fans de la música aventurera y experimental.

Ya sea que "The Bad Plus" se ajuste o no a tu idea del Jazz (para los tradicionalistas no), "Suspicious Activity?" es una escucha intrigante. Además pocos conocen THE BAD PLUS o este disco y estoy seguro que sorprenderá.

Video del tema "Anthem For The Earnest":

Tracklist (original):

1."Prehensile Dream"  – 8:12
2."Anthem for the Earnest"  – 6:38
3."Let Our Garden Grow"  – 6:57
4."The Empire Strikes Backwards" – 5:38
5."Knows the Difference"  – 6:58
6."Lost of Love"  – 8:38
7."Rhinoceros Is My Profession"  – 5:44
8."O.G. (Original Gentleman)"  – 6:37
9."(Theme from) Chariots of Fire" (Vangelis) – 4:57
10."Forces" Anderson) – 7:43

Musicos:

•  Ethan Iverson – piano
• Reid Anderson - bajo
• David King - batería

EVERYTHING BUT THE GIRL - Fuse (2023)

ALBUM: Fuse 

El undécimo álbum de estudio del dúo británico Everything but the Girl (EBTG), publicado el 21 de abril de 2023. Es su primer álbum de estudio en casi 24 años después de "Temperamental" (1999).

Un gran regreso de este equipo (Tracey Thorn y Ben Watt), después de centrarse en formar una familia juntos y dejar la música de lado por un tiempo. Con "Fuse", el primer álbum de EBTG en 24 años, el dúo deja claro que no les interesa el pasado y están más centrados en el presente.

Sin embargo, este dúo siempre parece encontrar ese punto ideal entre la melancolía y la alegría, el placer y el dolor, el arrepentimiento y el deleite, tanto en la música como en sus letras. La letra se siente universal y personal.

El álbum contiene una mezcla de canciones electrónicas y acústicas. Los temas "When You Mess Up" e "Interior Space" comenzaron como "baladas de piano improvisadas" que Watt grabó en su iPhone. Típico de este hombre, ya que es un genio de la producción musical.

Al escuchar "Fuse" lo percibo como un disco muy gratificante. Aquí hay algunas razones de por qué:

1. Estilo y sonido: "Fuse" muestra el sonido pop electrónico característico de Everything But The Girl, con texturas y ritmos electrónicos suaves y elegantes. El álbum combina letras alfabetizadas, música evocadora y ritmos contemporáneos, creando una mezcla convincente.

2. Composición y voz: la voz de Tracey Thorn es más profunda y experimentada, lo que agrega una sensación de madurez al álbum. La voz de Thorn se vuelve más vivaz y ronca, lo que, junto con incursiones inesperadas de cambio de tono y Auto-Tune, sugiere un deseo belicoso de no permanecer preservado en ámbar. Sin embargo, como siempre, sigue siendo excepcional. La composición del dúo es toda sofisticación con la capacidad de contar historias sobre la recuperación de la inocencia.

3. Viaje musical: Everything But The Girl ha tenido un viaje musical impresionante, transformándose en diferentes estilos a lo largo de los años. Desde sus inicios en el neo-jazz a principios de los 80 hasta su exploración de elementos electrónicos en los 90, "Fuse" continúa donde lo dejaron, destacando su crecimiento y evolución como artistas.

4. Canciones destacadas: El álbum incluye algunos temas destacados como "Run a Red Light", que se describe como una fantasía asombrosamente hermosa de discotecas nocturnas. El tramo de mitad del álbum que comprende "Time and Time Again", "Lost" y "No One Knows We're Dancing" también muestra la facilidad con la que "Fuse" combina un sentido moderno del sonido.

En general, "Fuse" de Everything But The Girl es un álbum elegante y convincente que combina pop electrónico, letras alfabetizadas y ritmos contemporáneos. Muestra el crecimiento y la evolución del dúo como artistas mientras se mantienen fieles a su sonido característico. El álbum también ha sido bien recibido por la crítica, que aprecia su capacidad para trascender las tendencias y crear música que resiste el paso del tiempo.

 

Disco recomendado

"Fuse" no es tan amigable para los clubes ni tan sencillo como los ahora clásicos "Walking Wounded" y "Temperamental", pero contiene la producción más aventurera que EBTG haya intentado jamás, lo que demuestra que el dúo no ha perdido su toque para emparejar música actualizada con temas relevantes y conmovedores.

A cualquiera a quien le guste la música sofisticada, suave y escuchable, esto le servirá muy bien. Presenta un conjunto de letras más serias y maduras y un nuevo desarrollo más electrónico en el sonido, que debería traer mucho placer a tus oídos y mentes.

Mi álbum favorito de EBTG sigue siendo "Walking Wounded" (1996), pero "Fuse" es un disco muy bueno, cool y placentero. Uno de los mejores lanzamientos del 2023.

Video del tema "Run a Red Light" (Live for 6 Music BBC):

Tracklist:

1.         "Nothing Left to Lose"          3:44
2.         "Run a Red Light"     3:39
3.         "Caution to the Wind"           4:06
4.         "When You Mess Up"           3:48
5.         "Time and Time Again"         2:51
6.         "No One Knows We're Dancing"      4:09
7.         "Lost"  3:25
8.         "Forever"        3:41
9.         "Interior Space"          2:24
10.       "Karaoke"       3:51

DAISY CHAINSAW - Eleventeen

ALBUM: Eleventeen

El disco debut de la banda británica de rock alternativo Daisy Chainsaw, y su único álbum con Katie Jane Garside como vocalista principal, editado el 6 de octubre de 1992. Las canciones presentan una locura chirriante y fuera de lo común con un trabajo de guitarra de locos. La energía ruidosa y catártica surge a través de los primeros cuatro temas antes de dar paso a un medio más suave, pero no menos loco, con voces duras pero caprichosas que anclan las canciones. En pocas palabras, una obra bizarro, oscura y abstracta; un gran disco de rock grunge-trash.

¿Quiénes eran Daisy Chainsaw?

 
Fueron un grupo de rock inglés que estuvo activo entre 1989 y 1994 iniciado por el guitarrista y compositor Crispin Gray. La vocalista principal original del grupo, Katie Jane Garside, apareció en los primeros EP de la banda y en el álbum debut de 1992, Eleventeen, antes de partir en 1993.

Los miembros de Daisy Chainsaw:

• KatieJane Garside: vocalista principal original
• Crispin Gray: guitarrista y compositor.
• Richard Adams: bajista.
• Vince Johnson: baterista.
  
  

¿Cuál es el estilo musical de Daisy Chainsaw?

Aquí hay un desglose de su variado estilo musical:

1. Noise rock: a Daisy Chainsaw a menudo se le atribuye el mérito de ser pionera en el género del noise rock y llevarlo a una audiencia más generalizada. Su música se caracteriza por su sonido crudo, abrasivo y caótico, incorporando riffs de guitarra disonantes, percusión agresiva y estructuras de canciones poco convencionales.
   
   
2. Rock alternativo: La música de la banda también se clasifica en el género de rock alternativo. Combinan elementos de punk, grunge y glam rock para crear un sonido distinto y ecléctico. Sus canciones suelen presentar melodías pegadizas y actuaciones enérgicas.
   
   
3. Grunge: Si bien no es estrictamente una banda de grunge, la música de Daisy Chainsaw se ha asociado con el movimiento grunge de principios de los noventa. Comparten algunas similitudes con los grupos grunge en términos de su sonido crudo y agresivo, así como su espíritu de bricolaje.
   
   
4. Influencias góticas y glam: la música de Daisy Chainsaw ha sido descrita como una versión "gloth" (gótica + glam) del rock alternativo. Incorporan elementos de rock gótico y glam rock en su sonido, creando una atmósfera oscura y teatral.

Su estilo único y sus enérgicas actuaciones los diferencian de sus contemporáneos, convirtiéndolos en una banda destacada de la escena musical alternativa de los noventa.

Daisy Chainsaw, video:

Volviendo al álbum...

Siguiendo el ejemplo de proto-punk bandas como The Stooges y Pussy Galore, Daisy Chainsaw es (era) un brutal proyecto de asalto de guitarra basado en voces increíbles y retorcidas; Katie Jane Garside es simplemente perfecta y "Eleventeen" es el paquete completo.

Desde el impactante primer corte "I Feel Insane" hasta "Use Me Use You", demuestran que son expertos en muchos estilos diferentes sin dejar de conservar su sonido único. Algunas canciones, como "Dog With Sharper Teeth", son pop con sus melodías pegadizas y su sensación de ritmo rápido. Pero es la guitarra ensordecedora la que aporta a esta música su intenso poder. Por ejemplo, con la canción "Hope Your Dreams Come True" con sus riffs fundidos, voces locas y un final poderoso. Lo más cercano que tuvo Daisy Chainsaw a un single exitoso fue "Love Your Money", que rebotó y encadenó su ruido salvaje el tiempo suficiente para producir una alegre canción pop de tres minutos que fue dulce.

Tema para destacar: I Feel Insane, Dog With Sharper Teeth and Love Your Money.

 

Disco recomendado

 
"Eleventeen" no se compara con ningún otro álbum antes o después de su lanzamiento. Al igual que la música misma, las letras de este álbum son, para decirlo ligeramente, los desvaríos de una chica artísticamente "ida de la olla" y salvaje. A veces, puede resultar un poco extraño, pero este es uno de los principales puntos focales de la máquina "Daisy Chainsaw". Necesita un par de escuchas para entenderlo, sin embargo, es un disco único y ecléctico.

El álbum es una mezcla de locura, pop, rock e industrial, y es imprescindible para los fans de la música alternativa, el grunge y el noise rock. Definitivamente vale la pena echarle un vistazo, y es una joya criminalmente pasada por alto. El tiempo ha sido muy amable con su música, haciendo de "Daisy Chainsaw" un regalo excepcional, un sólido grupo de rock alternativo y adelantado a su tiempo. Si te gusta el punk de la vieja escuela y el lado más extraño del indie, lo disfrutarás. Casi impecable desde esta perspectiva.

Video del tema "Love Your Money":

Tracklist (original):

1.         "I Feel Insane"            2:41
2.         "You Be My Friend"  2:52
3.         "Dog With Sharper Teeth"     3:06
4.         "Hope Your Dreams Come True"      4:46
5.         "Natural Man" 2:46
6.         "Love Your Money"   2:41
7.         "Lovely Ugly Brutal World"  2:40
8.         "Use Me Use You"     3:29
9.         "The Future Free"       1:52
10.       "Pink Flower" 4:09
11.       "Waiting For The Wolves"     5:34
12.       "Everything Is Weird"           4:18 

LOS PLANETAS - La Leyenda del Espacio - Album

No publico mucho sobre la música española en este blog. Eso no quiere decir que esté prohibido, pero necesito escuchar algo realmente sobresaliente o sentirme lo suficientemente inspirado como para querer que otros melómanos de fuera de España descubran algo que para mi parecer es especial (siempre bajo mi humilde y personal opinión).

Uno de esos discos y bandas es "La leyenda del espacio" de LOS PLANETAS. Un clásico del indie rock español, del shoegaze, del noise rock... y en este caso concreto de la fusión con la música tradicional española:el flamenco.

Pero antes de adentrarnos en el disco "La leyenda del espacio", será bueno responder a la posible pregunta que pueda hacerse un lector internacional: ¿Quiénes son "LOS PLANETAS"?

 

Los Planetas (Banda)

 

Grupo español de indie rock de la ciudad de Granada, que desarrolla su actividad a partir de 1993, y que sigue activa en la actualidad. Los Planetas recogen la influencia de grupos internacionales de guitarras como "Mercury Rev" de la primera época, o los británicos "Spacemen 3" y "Joy Division".

Juan Rodríguez (Jota) y Florent Muñoz se conocen a principios de los 90 en la Universidad de Granada. Descubriendo sus afinidades musicales deciden formar el grupo "Los Subterráneos" como voz y guitarra respectivamente, uniéndose May Oliver al bajo y, más tarde, Paco Rodríguez en la batería.

Existen otros "Los Subterráneos" lo que Jota y compañía deciden cambiar su nombre al definitivo Los Planetas. Desde entonces han editado numerosas obras ganando prestigio e innovando con cada álbum. A continuación su discografia hasta ahora (al menos los trabajos de interés):

• Super 8 (1994)
• Pop (1996)
• Una semana en el motor de un autobús (1998)
• Unidad de desplazamiento (2000)
• Encuentros con entidades (2002)
• Los Planetas contra la ley de la gravedad (2004)
• La leyenda del espacio (2007)
• Una ópera egipcia (2010)
• Zona temporalmente autónoma (2017)
• Las canciones del agua (2022)

Uno de los álbumes que más me gusta y que merece ser destacado es "La leyenda del espacio" de 2007. Los Planetas siempre han ido por delante de crítica y público, y este disco fue (es) una pieza visionaria dentro del panorama nacional, fusionando lo tradicional con lo más moderno.

ALBUM: La leyenda del espacio

Es el séptimo álbum de estudio de la banda española Los Planetas, publicado el 10 de abril de 2007. Un disco que se inspira en la tradición musical andaluza del flamenco. El título del disco es un homenaje a "La leyenda del tiempo" de Camarón de la Isla, álbum que la banda considera que fue el que abrió el flamenco a la música rock dando un impulso decisivo al flamenco moderno.

Cada tema es una adaptación de un palo flamenco, tomando muchas veces directamente letras de cantes tradicionales. Todo es sutil, no escuchas palmas, ni quejíos, ni rastro de los rasgos distintivos del flamenco, pero la rítmica de los palos, las estructuras de los temas, la métrica, todo está estudiado al milímetro para que funcione.

Y para engrandecer la obra cuenta con la colaboración del maestro y cantaor Enrique Morente, que presta su voz para el tema "Tendrá que haber un camino", homenaje póstumo escrito por Jota, vocalista de la banda, en memoria de Aleix Vergés también conocido como Sideral (componente del desaparecido grupo barcelonés Peanut Pie y Dj), y amigo personal del mismo.

Sobre la incorporación del flamenco a la música de Los Planetas, Jota dirá, años después, que ... "el rock’n’roll es un palo flamenco. Y lo hacemos sin que la gente lo note. El público cree que es pop normal, pero son canciones que están en la cultura granadina desde siglos atrás. Lo único que variamos es la armonía. La diferencia entre el flamenco y las músicas populares europeas está en un acorde".

Este álbum cuenta con una producción impecable, con un sonido que combina elementos del rock, el indie, el pop y la música psicodélica. Los Planetas logran crear un ambiente espacial y misterioso que se mantiene a lo largo de todo el disco. Las letras de "La leyenda del espacio" son poéticas y evocadoras, con una temática que gira en torno al folklore. Las canciones son introspectivas y melancólicas, pero también tienen momentos de energía y euforia.

El álbum cuenta con varios temas destacados, como "Tendrá que haber un camino", "La verdulera", "Ya No Me Asomo A La Reja" y "Si Me Diste La Espalda". Estas canciones , aunque un escueto sample, muestran la habilidad de Los Planetas para crear melodías mágicas dentro del rock psicodélico.

A continuación, te presento algunos de los comentarios más destacados de la crítica española de fuentes locales:

1. El álbum es "una obra maestra de la música española" que combina "la esencia del rock con la poesía y la psicodelia".

2. Destaca la madurez de Los Planetas en este trabajo. La crítica señala que el disco es "una obra de arte" que combina "la energía del rock con la profundidad de la poesía".

3. Destaca la colaboración con el cantaor Enrique Morente, que le da al álbum un toque flamenco y folclórico. La crítica describe el álbum como "el disco más maduro de unos Los Planetas que junto al cantaor y en homenaje al espacio, han creado una obra de arte".

La verdad es que este disco es algo mucho más de una obra local y salta fronteras. Para un oyente internacional puede que sea un disco muy bueno de indie, psicodelia o noise rock, pero para el oyente nacional fue algo fuera de serie en su momento.

Disco recomendado

 
En resumen, "La leyenda del espacio" es un disco que demuestra la evolución artística de Los Planetas. Con su producción impecable, letras introspectivas y variedad de estilos musicales, el álbum ofrece una experiencia auditiva cautivadora.

Una obra de rock español que - para mi - trasciende lo local y lo convierte en un serio candidato para el oyente y melómano internacional a descubrir. No solo es un disco imprescindible para los fans de Los Planetas, es super interesante para cualquier amante de la música rock y psicodélica en general.

Buscarlo! 

Video del tema "Ya No Me Asomo A La Reja":

Tracklist:

1. El canto del Bute (Tientos) 4:51
2. Si estaba loco por ti (Verdiales) 6:19
3. Reunión en la cumbre 3:11
4. La verdulera (Mirabrás) 3:09
5. Ya no me asomo a la reja (Fandangos) 6:36
6. Negras las intenciones (Soleares) 7:36
7. Si me diste la espalda 3:27
8. Deseando una cosa (Cantiñas) 2:56
9. Entre las flores del campo (Caracoles) 2:45
10. La que vive en la carrera (Granainas) 2:37
11. Alegrías del incendio (Alegrías) 3:50
12. Sol y sombra 4:20
13. Tendrá que haber un camino (Cañas) 5:00

Músicos:

•  Guitarra, sintetizador y voz: Jota
• Guitarra eléctrica: Florent Muñoz
• Guitarra y sintetizador: Banin
• Bajo: Miguel López
• Batería y percusión: Eric Jiménez

ARNOLD - Hillside - Album

Arnold (Banda)

 
Eran un grupo de rock alternativo de tres integrantes de Londres, Inglaterra, formado en 1996, que lanzó un EP y dos álbumes de estudio. Arnold presentó una mezcla de música pop que es, en última instancia, singular: sus letras son incisivas, su música es suelta y exuberante. En otras palabras, tocaron música basada en la guitarra influenciada por Pink Floyd, Big Star, Crosby, Stills, Nash and Young, etc.

La banda estaba compuesta por Phil Morris (voz principal, batería), Mark Saxby (guitarra, voz) y Phil Payne (bajo, voz). Originalmente miembros de la banda "Patio", se convirtieron en Arnold después de la muerte del ex cantante de la banda, la nueva banda se llamó después del perro del bajista Payne.

Firmaron para "Creation Records" en 1997 lanzando The Barn Tapes EP (1997), Hillside (1998) y Bahama (2001), este último bajo el sello "Poptones".

Para mí, el mejor disco es su debut de estudio "Hillside".

 

ALBUM: Hillside

 
Un disco hermoso y soñador que resalta el sonido único de la banda. El álbum fue publicado el 13 de julio de 1998 y presenta una mezcla de dream pop, britpop y post-britpop. El álbum consta de 14 pistas (más 2 ocultas) y tiene una duración de 53 minutos. Este trabajo ha sido elogiado por su sonido hermoso y "dream", instrumentación, voces y letras introspectivas. El álbum ha recibido muchas críticas positivas tanto de los críticos como de los oyentes, lo que lo convierte en una escucha obligada para los fans del género.

Desde las primeras notas de la apertura fantasmal de "Fleas Don't Fly", la intrigante mezcla de Arnold de la atmósfera de Pink Floyd, el estilo de Robert Wyatt y la diversidad estilística post-punk hacen de "Hillside" un álbum debut muy ambicioso y delicioso. Con canciones de desarrollo lento, en su mayoría en clave menor, combinan guitarras acústicas, sintetizadores antiguos, efectos de cinta y sonido encontrado en una forma de psych pop lo-fi acogedor. Cabe destacar que el canto del baterista Phil Morris con su voz entrecortada y la guitarra texturizada de Mark Saxby elevan las melodías más allá de lo meramente inteligente o alucinante.

 

Canciones:

 
A continuación están las canciones más destacadas de "Hillside" de ARNOLD, junto con una breve reseña de las pistas: 

1. Fishsounds: una hermosa y soñadora canción. El riff de guitarra lento y melódico se acompaña de voces suaves y soñadoras, y las letras son poéticas e introspectivas.

2. Hillside: la canción que da título al álbum es una pieza corta pero dulce que muestra el sonido y el estilo únicos de la banda. Presenta una mezcla de dream pop y britpop, y la instrumentación es de primer nivel.

3. Windsor Park: una canción lenta y atmosférica que presenta una melodía inquietante y una letra introspectiva. Las voces se entregan con una sensación de vulnerabilidad y emoción, y la instrumentación es hermosa y soñadora. Una de mis canciones favoritas de este disco.

4. Rabbit: canción de palabra hablada (spoken word) que presenta sonidos atmosféricos y de ensueño. En muchos sentidos un mensaje de la banda o una "charla".

5. Catherine Day: el tema final del álbum es una canción hermosa y soñadora que presenta una mezcla de dream pop y post-Britpop. Es lenta y atmosférica, y las voces se entregan con una sensación de emoción y vulnerabilidad.

Otras menciones destacados son "Fleas Don't Fly", "Goodbye Grey" y "Face".

 

Disco recomendado

 
Un álbum hermoso y de ensueño. Perfecto para los fans de los géneros dream pop, britpop e indie rock. La instrumentación y las voces son geniales, y las letras son poéticas e introspectivas. Recomiendo encarecidamente este álbum a cualquiera que busque una experiencia auditiva hermosa. Un disco "perdido" del indie rock británico de los años 90 que merece volver a ver la luz y ser apreciado por un nuevo público.

Ir a investigar más, no te decepcionará.

Video del tema "Windsor Park":

Tracklist: 

1. Fleas Don't Fly 3:11
2. Ira Jones Goes to the Country 3:32
3. Hillside 2:37
4. Fishsounds 4:56
5. Country Biscuit 1:03
6. Windsor Park 4:19
7. Curio 2:47
8. Rabbit 4:56
9. Goodbye Grey 3:15
10.Face 5:18
11.Rubber Duck (Parts One, Two and Three) 2:36
12.Mickey's Mother 2:22
13.Moroccan Roll (Part Two) 4:00
14.Catherine Day 8:03
15.Best Medicine [Hidden Track]
16.One Tree Hill [Hidden Track]

THE LA'S - The La's - Album

ALBUM: The La's

El único álbum de estudio de la banda de rock inglesa The La 's, publicado el 1 de octubre de 1990. Incluye los singles "There She Goes", el mayor éxito del grupo y "Timeless Melody". Una edición de lujo de The La 's fue lanzada el 7 de abril de 2008.

¿Quiénes eran The LA´s?

 
The La 's fue una banda de Liverpool (UK), originalmente activa desde 1983 hasta 1992. El grupo fue formada por Mike Badger en 1983 y Lee Mavers se unió al año siguiente, aunque durante la mayor parte de la historia del grupo, la formación que cambiaba con frecuencia giraba en torno a la dúo principal de Lee Mavers (voz, guitarra) y John Power (bajo, coros) junto con muchos otros guitarristas y bateristas, incluidos Paul Hemmings, John "Timmo" Timson, Peter "Cammy" Cammell, Iain Templeton, John "Boo" Byrne , Chris Sharrock, Barry Sutton y Neil Mavers.

 

Después de su debut LP del mismo nombre, John Power dejó The La 's para formar la banda "Cast" y THE LA' S entró en una pausa prolongada en 1992. El grupo luego se reformó brevemente a mediados de la década de 1990, 2005 y 2011. Sin embargo, no hay nuevas grabaciones.

El miembro fundador Mike Badger ha nombrado a Captain Beefheart como la principal influencia de La's; la banda también ha citado a artistas como Bo Diddley, Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks, Pink Floyd, Jimi Hendrix,... como influencias.

The La's han sido citados como influencias de Oasis, The Courteeners, The Stone Roses, The Charlatans, The Libertines y The 1975.

 

Volviendo a su único álbum....

 
Esta es una obra especial. Algunos álbumes logran existir fuera de tiempo o lugar. De esos, el único disco de "The La's" es tal caso.

El sonido sugiere los años 60 en sus arreglos simples, melodiosos e impulsados por la acústica, pero parece moderno en su enfoque abierto y espacioso.

Por ejemplo, la canción más conocida de la banda, "There She Goes", es indicativa del material de La 's en su fuerza melódica; con el resto del álbum mostrando un poco más de poder. Desde aquí puedes rastrear los inicios del Britpop y el nacimiento de Blur, Oasis y The Stone Roses. Vayamos más allá, tiene sentido pensar en este álbum como una especie de relleno entre dos períodos de la música conocidos como la "invasión británica": el primero es el de bandas como The Beatles, The Stones, The Kinks y The Who. , el segundo con Blur, Oasis, etc.

 

Estilo de música:

 
El álbum se caracteriza por su sonido de guitarra jange, melodías pegadizas y ganchos pop infecciosos. Las influencias se remontan a las bandas de rock británicas de la década de 1960 como The Beatles y americanas como The Byrds, así como al sonido Merseybeat de su ciudad natal, Liverpool. El álbum presenta una mezcla de temas alegres y melódicos, que muestran la habilidad de la banda para crear canciones pop memorables.

 

Momentos destacados-canciones:

 
1. "There She Goes": esta canción es la más destacada del álbum y se ha convertido en una de las canciones más conocidas de la banda. Cuenta con un riff de guitarra pegadizo, una melodía contagiosa y un coro para cantar. Una canción eterna.

2. "Timeless Melody": Otro destacado, muestra la capacidad de la banda para crear canciones pop melódicas y atemporales. Cuenta con un riff de guitarra memorable y un coro pegadizo.

3. "Son of a Gun": abre el álbum con su sonido enérgico y optimista. Establece el tono para el resto del álbum y muestra el sonido tintineante de guitarra de la banda.

 

Legado:

A pesar de ser el único álbum de estudio de la banda, "The La 's" ha tenido un impacto duradero en la industria de la música. El sencillo principal del álbum, "There She Goes", se ha convertido en un clásico pop atemporal y ha sido versionado por numerosos artistas (un ejemplo, por "Sixpence None the Richer") . El álbum en sí a menudo se considera un clásico de culto y ha influido en las generaciones posteriores de músicos.

Disco recomendado

 
Un álbum fascinante de "jangle", "The La 's" de The La' s es un debut de gran prestigio que muestra el sonido tintineante de guitarra pop y la composición pegadiza de la banda. Ha resistido la prueba del tiempo y continúa siendo celebrado como un clásico en el género jangle pop. Uno de los grandes álbumes de rock pop británico de todos los tiempos.

Video del tema "There She Goes":

Tracklist (formato original):

1.         "Son of a Gun"           1:55
2.         "I Can't Sleep"            2:37
3.         "Timeless Melody"     3:01
4.         "Liberty Ship" 2:31
5.         "There She Goes"       2:42
6.         "Doledrum"    2:50
7.         "Feelin'"          1:45
8.         "Way Out"      2:32
9.         "I.O.U."          2:13
10.       "Freedom Song"         2:23
11.       "Failure"          2:54
12.       "Looking Glass"         7:51

The La's:

• Lee Mavers - voz principal y coros, guitarras
• John Power - bajo y coros
• Peter "Cammy" Camell - guitarras principales
• Neil Mavers - batería y pandereta
• John "Boo" Byrne - guitarra eléctrica (en "There She Goes")
• Chris Sharrock - batería y pandereta (en "There She Goes")
• Paul Hemmings - guitarra eléctrica (en "Way Out")
• John "Timmo" Timson - batería, pandereta y campanas (en "Way Out")

Producción:

• Steve Lillywhite - productor, mix
• Mark Wallis - productor adicional, ingeniero de sonido. 

TV ON THE RADIO - Dear Science

ALBUM: Dear Science

El tercer álbum de estudio de la banda americana "TV on the Radio". Fue publicado el 16 de septiembre de 2008, digitalmente, y el lanzamiento físico se produjo una semana después. Musicalmente, el disco ha sido descrito como indie rock, art rock y post-punk (salpicado de funk y soul). TV On The Radio ha tomado un pellizco y de otros como Talking Heads, Prince, Funkadelic y Radiohead, con una voz que fusiona a Billy MacKenzie de The Associates con David Bowie y produjo un álbum de delicias.

¿Quiénes son la TV en la Radio?

 
TV on the Radio (TVOTR) es un grupo de rock estadounidense de Brooklyn, Nueva York, formado en 2001. La banda está formada por Tunde Adebimpe (voz, loops), David Andrew Sitek (guitarras, teclados, loops), Kyp Malone (voz, guitarras, bajo, loops) y Jaleel Bunton (batería, bajo, voz, loops, guitarras). Gerard Smith (bajo, teclados, loops) fue miembro de la banda desde 2005 hasta su muerte en 2011.

TVOTR ha lanzado cinco álbumes de estudio hasta la fecha: Desperate Youth, Blood Thirsty Babes (2004), Return to Cookie Mountain (2006), Dear Science (2008), Nine Types of Light (2011) y Seeds (2014), junto con varios EP.

 

Volviendo al álbum "Dear Science"...

 
Lo que distingue a "Dear Science" de los demás es su devoción por la coherencia. La banda ha suavizado muchas de sus asperezas y ofrece los 11 temas completamente desarrollados y producidos de calidad, sin mencionar que son canciones muy accesibles. Los temas se mueven a través de guitarras resonantes, electrónica, riffs funky, influencias soul, cuerdas exuberantes y estilo hip-hop. El otro aspecto a destacar de "Dear Science" reside en los pequeños detalles.

 

Canciones:

 
Aquí hay una breve reseña track por track del álbum "Dear Science" de TV on the Radio:

1. "Halfway Home": sirve como una fuerte apertura del álbum con su ritmo de conducción y riffs de guitarra pegadizos. Establece el tono para el resto del álbum.

2. "Crying": más lento, más introspectivo que muestra la emotiva voz de Tunde Adebimpe. La melodía de piano y el poderoso clímax lo convierten en una canción destacada.

3. "Dancing Choose": este tema lleno de energía presenta una línea de bajo funky y un estribillo pegadizo. La sección de palabras habladas se suma a su sonido único.

4. "Stork & Owl": tema más lento y soñador con voces superpuestas y una melodía inquietante.

5. "Golden Age": uno de los cortes destacados del álbum, presenta un ritmo de conducción, riffs de guitarra pegadizos y un coro altísimo. Es una celebración de la vida y el amor.

6. "Family Tree": más lento e introspectivo, destaca la voz de Adebimpe y presenta una melodía de piano simple.

7. "Red Dress": una canción llena de energía con una línea de bajo funky y un estribillo pegadizo.

8. "Love Dog": esta canción más lenta y soñadora presenta voces superpuestas y una melodía inquietante.

9. "Shout Me Out": otra canción llena de energía con una línea de bajo funky y un estribillo pegadizo.

10. "DLZ" - otro destacado en el álbum. Cuenta con un ritmo de conducción, riffs de guitarra pegadizos y un coro altísimo. La letra lo convierte en un poderoso himno.

11. "Lover 's Day": el corte final del álbum es una canción más lenta e introspectiva. Muestra la voz de Adebimpe y presenta una melodía inquietante.

En resumen, un álbum diverso y cohesivo que muestra el sonido único y las habilidades de composición de "TV on the Radio". El disco presenta una mezcla de temas de alta energía y canciones más lentas e introspectivas, creando una experiencia auditiva dinámica.

 

El Sonido de "Dear Science" por TV en la Radio:

Se puede describir esta obra como una mezcla de varios géneros, creando una experiencia sonora única y distinta. Aquí hay un breve desglose:

1. El álbum ofrece una iluminación de las texturas musicales y las letras del grupo, con un mayor enfoque en los ritmos de hip-hop y las melodías en clave mayor.

2. Las canciones son sofisticadas y densas en sonido, a menudo descritas como atmósferas nebulosas que suenan como transmisiones de "radio alienígenas".

3. El disco también muestra una mezcla de ritmos afro-beat, sonidos orquestales fluidos y letras inquietantemente poéticas.

4. El álbum carece del ruido y el filo que hicieron que su álbum anterior, "Return to Cookie Mountain", fuera tan también genial, pero la fuerte composición de las canciones lo compensa.

"Dear Science" ofrece un sonido diverso y ecléctico que combina diferentes géneros y elementos musicales. Muestra la capacidad de "TV on the Radio" para crear un paisaje sonoro único que es a la vez sofisticado y accesible. El gran mérito del álbum son sus texturas musicales, letras y composición.

 

Disco recomendado

 

TV on the Radio es una de las bandas más interesantes y consistentes de los últimos 20 años, y "Dear Science" resume la mayoría de las razones. Por lo tanto, la fusión y la mezcla (experimentación) pueden requerir que escuches este disco unas veces antes de asimilarlo. La combinación ecléctica de voces únicas, producción jazzística y funky, y melodías diversas hacen que este álbum se mantenga firme. Buscarlo y dale una escucha.

Video del tema "DLZ":

Tracklist:

1.         "Halfway Home"        5:31
2.         "Crying"                     4:10
3.         "Dancing Choose"      2:56
4.         "Stork & Owl"            4:01
5.         "Golden Age"             4:11
6.         "Family Tree"             5:33
7.         "Red Dress"                4:25
8.         "Love Dog"                5:36
9.         "Shout Me Out"          4:15
10.       "DLZ"                        3:48
11.       "Lover's Day"             5:54

Banda:

•  Tunde Adebimpe – voz
• Kyp Malone – voz, guitarras, bajo, sintetizadores, arreglos de cuerdas
• David Andrew Sitek: programación, guitarras, muestras, bajo, sintetizadores, arreglos de trompeta
• Gerard A Smith – bajo, órgano, sintetizadores, samples, Rhodes
• Jaleel Bunton: batería, guitarras, Rhodes, órgano, sintetizador, bajo, programación, arreglos de cuerdas.

Músicos adicionales:

• Katrina Ford - voz, coros
• Eleanore Everdell – voz
• David Bergander: batería
• Yoshi Takamasa – maraca, congas, campanas, percusión
• Stuart D. Bogie - saxo, arreglos de trompa, saxo tenor
• Colin Stetson - saxo, saxo barítono
• Matana Roberts - saxo alto, clarinete
• Leah Paul - cuernos
• Eric Biondo - trompeta
• Aaron Johnson - trombón
• Martin Perna - saxofones, flautas
• Claudia Chopek – violín, arreglos de cuerdas
• Janis Shen - violín, arreglos de cuerdas
• Perry Serpa - arreglos de cuerdas adicionales
• Lara Hicks: viola
• Eleanor Norton – violonchelo

Producción:

• David Andrew Sitek – producción; mix
• Dan Huron - ingeniero de sonido.