MOTLEY CRUE - Shout at the Devil - Album

Dedicó espacio a una banda que ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. También han obtenido siete certificaciones de platino o multi platino, nueve álbumes Top 10 en la lista Billboard 200 (incluido un número 1 por su disco de 1989), veintidós éxitos de rock Top 40 y seis sencillos Top 20 de pop.

Introdujeron el aspecto de personaje andrógino de la "strip" de Los Ángeles junto con su rock "Metal Glam". Sus exageradas declaraciones de moda y su salvaje comportamiento hedonista a menudo ensombrecen su música. Sin embargo, dejando de lado las resacas, el consumo masivo de drogas y las orgías salvajes, la banda tocó un poco rock metal, y muy bien.

Hablo de Mötley Crüe... y según sus declaraciones; "La banda de rock más notoria del mundo" ("The World 's Most Notorious Rock Band").

¿Quienes son Mötley Crüe?

 
Banda estadounidense de heavy metal formada en Hollywood, California en 1981. El grupo fue fundado por el bajista Nikki Sixx, el baterista Tommy Lee y el guitarrista y vocalista principal Greg Leon. Después de un tiempo, Leon fue reemplazado por el guitarrista Mick Mars y el vocalista principal Vince Neil, respectivamente.

La banda experimentó varios cambios de formación a corto plazo en las décadas de 1990 y 2000; estos incluyeron la presentación del vocalista John Corabi (quien fue el reemplazo de Neil de 1992 a 1996) y los bateristas Randy Castillo y Samantha Maloney, quienes reemplazaron a Tommy Lee después de su partida de Mötley Crüe en 1999; Lee regresó a la banda en 2004. En 2022, el guitarrista Mick Mars anunció su retiro de las giras con la banda, y el ex guitarrista de Marilyn Manson y Rob Zombie, John 5, tomó su lugar.

Sus espectáculos en directo fueron (son) notorios, con guitarras lanzallamas, kits de batería de montaña rusa y un uso intensivo de pirotecnia (fuegos artificiales).

Vince Neil anunció en septiembre de 2018 que Mötley Crüe se había reunido y estaba trabajando en nuevo material. Mötley Crüe se ha embarcado en su primera gran gira en siete años en el verano y otoño de 2022, encabezando conjuntamente una gira por América del Norte con Def Leppard. Llevarán esta gira a Europa para 2023 - tocarán en Madrid el 24 de Junio.

Estilo de música:

El estilo musical de Mötley Crüe ha sido descrito como heavy metal, glam metal, hard rock, glam rock y power pop. Tienen el talento para mezclar ganchos pop con heavy metal con lo cual les abre mucho el público objetivo.

La discografía (álbumes de estudio) de Mötley Crüe hasta ahora:

• Too Fast for Love (1981)
• Shout at the Devil (1983)
• Theatre of Pain (1985)
• Girls, Girls, Girls (1987)
• Dr. Feelgood (1989)
• Mötley Crüe (1994)
• Generation Swine (1997)
• New Tattoo (2000)
• Saints of Los Angeles (2008)

Hay unos álbumes que son realmente buenos, el disco "Dr.Feelgood" mola mucho, pero mi favorito es el segundo "Shout at the Devil" de 1983. Este último contiene el sonido auténtico de la banda y les lanzó al mundo como una "amenaza mundial" para la juventud con su imagen, mala comportamiento y su música. Dicho esto con humor, "amenaza mundial", todo lo contrario, fueron unos verdaderos revolucionarios que vivieron la filosofía y el "tren" del rock n roll viajando a la máxima velocidad.

ALBUM: Shout At The Devil

 
El segundo álbum de estudio publicado el 23 de septiembre de 1983. Fue el disco "revolucionario" de la banda, estableciendo a Mötley Crüe como uno de los grupos de heavy metal más vendidos de la década de 1980. Los sencillos "Looks That Kill" y "Too Young to Fall in Love" ayudaron a abrir el mercado y aumentar su popularidad. Producido por Tom Werman (también con Blue Öyster Cult, Mother 's Finest, Molly Hatchet, Twisted Sister, Stryper, Hawks, Kix, L.A. Guns y Poison) el álbum destaca la energía pura de la banda, mezclando elementos de heavy metal, glam rock y hard rock. El disco tiene una mezcla de canciones agresivas e icónicas y baladas melódicas, con poderosos riffs de guitarra, tambores fuertes y estribillos memorables.

Polémica portada y título del disco:

El título del álbum y el uso de un pentagrama por parte de la banda causaron una gran controversia en su lanzamiento en 1983, ya que grupos cristianos y conservadores afirmaron que la banda estaba animando a sus oyentes a adorar a Satanás. El Pentagram fue algo que Nikki Sixx trajo consigo del grupo "Sister", una banda muy teatral de la que había sido miembro (junto con el futuro vocalista de W.A.S.P. Blackie Lawless) a fines de la década de 1970 antes de la formación de Mötley Crüe. Con su imaginería satánica, "Shout At The Devil" fue una afrenta a la decencia moral existente en ese momento. Sin embargo, el disco también muestra el sonido metal sórdido y notorio de Mötley Crüe en su mejor momento.

Las canciones:

 
El disco presenta canciones pegadizas y de rock duro, además de incluir un instrumental ("God Bless the Children of the Beast") y una poderosa versión de "Helter Skelter" de "The Beatles". "Shout At The Devil" también captura el espíritu de la escena de Los Ángeles de principios a mediados de los 80 y lo hace con éxitos, demostrando un brillante arte de composición.

Track-por-track review:

•  "In the Beginning":

Este intro establece el tono del álbum con un pasaje hablado acompañado de efectos de sonido espeluznantes y música siniestra. Sirve como un preludio apropiado para la explosiva canción principal.

• "Shout at the Devil":

La canción principal es un himno metal y agresivo con un estribillo pegadizo y poderosos riffs de guitarra. La letra rebelde y el ritmo de conducción de la canción la convierten en un tema destacado del álbum y una de las favoritas de los fans.

• "Looks That Kill":

Cuenta con un riff de guitarra memorable y un coro pegadizo para cantar. La letra se centra en el poder de la atracción y los peligros de enamorarse de alguien con "miradas que matan". La energía contagiosa y los ganchos memorables de la canción la convierten en una canción destacada.

• "Bastard":

Agresiva y de ritmo rápido con un toque de punk rock, muestra la energía y la actitud de la banda. La letra de la canción está llena de ira y desafío, lo que la convierte en una canción poderosa y memorable.

• "God Bless the Children of the Beast":

Este instrumental sirve como un breve interludio, destacando la interpretación melódica del guitarrista Mick Mars y brindando un momento de respiro antes de la segunda mitad del álbum.

• "Helter Skelter":

Una versión del clásico de "The Beatles", la versión de Mötley Crüe es más pesada y agresiva, con poderosos riffs de guitarra y tambores fuertes. La interpretación de la banda añade una nueva dimensión a la original. Gran canción.

• "Red Hot":

Cuenta con riffs de guitarra de ritmo rápido y un ritmo de conducción. La letra se centra en la intensidad de la pasión y el deseo.

• "Too Young to Fall in Love":

Una canción melódica, de tiempo medio, con letras que exploran las complejidades del amor y las relaciones, haciéndola identificable y entretenida.

• "Knock 'Em Dead, Kid":

Otra canción de alta energía, presenta riffs de guitarra agresivos y un ritmo de conducción. La letra de la canción se centra en la importancia de defenderse y luchar contra la adversidad, lo que la convierte en un número de empoderamiento.

• "Ten Seconds to Love":

La letra se centra en la naturaleza fugaz de la pasión y el deseo.

• "Danger":

La canción de cierre del álbum, es más lenta, más introspectiva y muestra la versatilidad de la banda. La letra se enfoca en los riesgos e incertidumbres de la vida, brindando una buena conclusión.

En general, la lista de canciones lo convierte en un álbum poderoso y memorable. Su mezcla de canciones agresivas e icónicas y baladas melódicas, combinadas con sus memorables ganchos y poderosos riffs de guitarra, lo convierten en un lanzamiento destacado en la discografía de la banda y en un clásico del género heavy rock.

El legado del álbum "Shout At The Devil" de Mötley Crüe:

1. Álbum icónico: Como uno de los álbumes definitivos de la escena glam metal de los 80, "Shout at the Devil" desempeñó un papel importante en la configuración del género. Es una escucha esencial para cualquier persona interesada en la historia del heavy rock y el glam metal.
   
   
2. Repertorio: El álbum está completo; "Shout at the Devil", "Looks That Kill" y "Too Young to Fall in Love". Estas canciones resaltan la capacidad de la banda para crear melodías pegadizas e icónicas con poderosos riffs de guitarra y energía contagiosa.
   
   
3. Energía y talento: "Shout at the Devil" captura la energía y el talento de Mötley Crüe, mezclando elementos de heavy metal, glam rock y hard rock. Puedes escuchar la maestría musical de la banda, con el gran trabajo de guitarra de Mick Mars, la poderosa voz de Vince Neil y una sólida sección rítmica con Nikki Sixx en el bajo y Tommy Lee en la batería.
   
   
4. Versatilidad: La mezcla de temas agresivos y contundentes y baladas melódicas hace que el álbum sea atractivo para un público amplio, desde fans del heavy metal hasta aquellos que disfrutan del rock más melódico.
   
   
5. Impacto cultural: "Shout at the Devil" tuvo un impacto cultural significativo, influenciando a innumerables bandas y músicos en los géneros heavy rock y glam metal.

En definitiva, "Shout at the Devil" es un álbum ya clásico del género heavy rock y glam metal.

Disco recomendado

 
"Shout At The Devil" es unos de los álbumes definitivos de glam metal de los 80 y una obra maestra de Mötley Crüe. Si bien los álbumes posteriores como "Dr. Feelgood" lograrían una mayor cantidad de elogios de la crítica, en mi opinión, ningún álbum de Mötley Crüe supera la calidad de "Shout at the Devil". "Shout at the Devil" presenta la mayoría de las mejores canciones de Motley Crue y no tiene relleno. Este es uno de los mejores álbumes de heavy metal que se han hecho, y debería estar en la colección de cualquier amante del metal.

Y término, deja de lado las travesuras de comportamiento, los "looks" y moda, solo concéntrate en la música.

Video del tema "Shout at the Devil":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "In the Beginning"                            1:13
2.         "Shout at the Devil"                          3:16
3.         "Looks That Kill"                              4:07
4.         "Bastard"                               2:54
5.         "God Bless the Children of the Beast"         (Instrumental)             1:33
6.         "Helter Skelter" (John Lennon, Paul McCartney)                 3:09

Cara B:

7.         "Red Hot"                              3:20
8.         "Too Young to Fall in Love"            3:34
9.         "Knock 'Em Dead, Kid"                   3:43
10.       "Ten Seconds to Love"                     4:17
11.       "Danger"                                3:51

ICEHOUSE - Primitive Man - Album

Icehouse (Banda)

 
Formación australiana de rock-synth, formada en Sydney en 1977, inicialmente llamados "Flowers". Conocidos en sus inicios por su estilo pub rock, la banda logró más tarde el éxito comercial mundialmente tocando música new-wave y synthpop y alcanzando el éxito de las listas Top 10 a nivel local, y tanto en Europa como en los EE. UU. "Icehouse" es una de las bandas australianas más exitosas de los años 80 y 90 (Siglo XX).

La persona principal de "Flowers" como de "Icehouse" es Iva Davies (cantautor, productor, guitarrista, bajo, teclados, oboe...) que proporciona músicos adicionales según sea necesario. El nombre "Icehouse", adoptado en 1981, proviene de un piso antiguo y frío en el que vivía Davies y del extraño edificio al otro lado de la calle poblado por personas itinerantes.

Iva Davies e "Icehouse" ampliaron el uso de sintetizadores, en particular el Sequential Circuits Prophet-5 (canción "Love in Motion", 1981), la caja de ritmos Linn (canción "Hey Little Girl", 1982) y Fairlight CMI (tráiler de la canción Razorback, 1983) en la música popular australiana. Sus singles más conocidos incluyen "Great Southern Land", "Hey Little Girl", "Crazy", "Electric Blue"... por mencionar algunos.

La discografía de Icehouse:

• Icehouse (1980) (como Flowers)
• Primitive Man (1982)
• Sidewalk (1984)
• Measure for Measure (1986)
• Man of Colours (1987)
• Code Blue (1990)
• Big Wheel (1993)
• The Berlin Tapes (1995) (como Iva Davies and Icehouse)

El mejor disco para mí es "Primitive Man" de 1982.

ALBUM: Primitive Man

 
Segundo álbum de estudio publicado el 20 de septiembre de 1982. Fue coproducido con Keith Forsey, quien luego trabajó con Simple Minds y Billy Idol. Forsey proporcionó percusión adicional; Davies proporcionó la voz, la guitarra principal, los teclados (Sequential Circuits Prophet-5), el bajo y programó la caja de ritmos Linn.

"Primitive Man" alcanzó el puesto #3 en las listas australianas y proporcionó su sencillo de éxito internacional, "Hey Little Girl", que alcanzó el Top 10 en toda Europa y el puesto #31 en la lista Billboard Mainstream Rock de EE.UU. El otro single, "Great Southern Land", también llegó alto en las listas y sigue siendo su canción más popular según muchos fans.

Para promocionar el álbum "Primitive Man" en la gira, Iva Davies formó una banda con Michael Hoste (teclados) y John Lloyd (batería), y nuevos miembros: Bob Kretschmer (guitarra, coros), Guy Pratt (bajo, coros) voz) y Andy Qunta (teclados, coros). 

El disco "Primitive Man" se aparta del material anterior de Iva Davies y pasa de un estilo basado en el rock de su primer álbum titulado "Icehouse" - bajo el nombre de la banda "Flowers"- a un sonido más atmosférico basado en sintetizadores. De hecho, salta directamente al género del "new wave" complementado con hermosas melodías de sintetizador y voces.

Encontrarás elementos de Roxy Music, Bowie y Kraftwerk en "Primitive Man" mezclados en una gran combinación de sonidos Synth-Pop y New Wave, lo que hace del disco una experiencia auditiva placentera.

Pienso que la mejor manera de brindarte una mayor "review" de este disco es examinar por separado sus tres elementos más fuertes: la composición, producción y maestría musical.

Composición de las canciones:

El álbum destaca las habilidades de composición de Iva Davies, con canciones que exploran temas de amor, pérdida e introspección. Las letras son a menudo poéticas y provocadoras, pero a veces pueden ser crípticas. Canciones destacadas como "Hey Little Girl" y "Great Southern Land" demuestran la capacidad de Davies para crear estribillos memorables, mientras que otros temas como "Trojan Blue" muestran su lado más experimental.

Track-por-track review:

• "Great Southern Land":

Posiblemente la canción más icónica del álbum, un poderoso himno que rinde homenaje a los vastos paisajes y la cultura única de Australia. La canción presenta un ritmo de conducción, sintetizadores atmosféricos y un coro altísimo que muestra el rango vocal de Davies. La letra evocadora de la canción y su fuerte sentido del lugar hacen que se destaque en el álbum y sea un clásico en la discografía de "Icehouse".

• "Uniform":

Tema optimista impulsado por sintetizadores que sigue con una fuerte sensación de energía. La letra de la canción toca temas de conformidad y expectativas sociales, con Iva Davies cuestionando la necesidad de encajar en un molde predeterminado. El estribillo pegadizo y el ritmo de conducción hacen que esta pista también sea memorable.

• "Street Cafe":

Un enfoque más relajado y melódico, con una línea de bajo prominente y sintetizadores atmosféricos. La letra cuenta la historia de un individuo solitario que busca consuelo en un café de la calle, reflexionando sobre su vida y sus relaciones.

• "Hey Little Girl":

Una de las canciones más conocidas del álbum, y mi favorita, es una joya del synth-pop con un estribillo pegadizo para cantar. La letra de la canción explora las complejidades del amor y la atracción, con la emotiva voz de Davies añadiendo profundidad a la narración.

• "Glam":

Pegadiza y optimista con un ritmo de conducción y una línea de bajo prominente.

• "Trojan Blue":

Atmosférica con un tempo más lento y una melodía de sintetizador inquietante. La letra toca temas de engaño y traición, con una sensación de melancolía que impregna la pista. El intrincado trabajo de sintetizador y la voz emotiva de Davies hacen de esta canción una escucha cautivadora.

• "One by One":

Un ritmo de conducción y una melodía pegadiza impulsada por la guitarra. La letra toca temas de aislamiento y el paso del tiempo, con una sensación de añoranza transmitida a través del emotivo coro.

• "Break These Chains": 

Enérgica con un ritmo de conducción y una melodía pegadiza impulsada por la guitarra. Las letras tocan temas de liberarse de las limitaciones y abrazar la individualidad de uno. El mensaje edificante y el ritmo infeccioso de la canción la convierten en una buena adición al álbum.

• "Mysterious Thing":

Más lenta e introspectiva que profundiza en temas de autodescubrimiento y crecimiento personal. El escaso arreglo de la canción y los inquietantes sintetizadores crean un telón de fondo atmosférico para la letra introspectiva de Davies.

• "Goodnight, Mr. Matthews":

El álbum se cierra con esta balada introspectiva, que presenta un arreglo simplificado y un enfoque en la voz emotiva de Davies. La letra cuenta la historia de un hombre que reflexiona sobre su vida y las decisiones que ha tomado, con una sensación de melancolía y arrepentimiento.

En general, la composición ayudó al éxito comercial del álbum al combinar ganchos memorables, letras que invitan a la reflexión.

Producción:

"Primitive Man" es un paso significativo desde el álbum debut. El uso de sintetizadores y elementos electrónicos es más destacado, lo que le da al álbum un sonido futurista e innovador para su época. La producción es limpia y pulida, con cada instrumento y parte vocal dando un amplio espacio en la mezcla.

Musicalidad:

La maestría musical de Iva Davies es lo más destacado del álbum, con su voz distintiva y sus habilidades multi-instrumentales a la vista. Su voz tiene una calidad única que agrega profundidad y emoción a las canciones, y su trabajo de guitarra es melódico e inventivo. Los músicos de apoyo también contribuyen al sonido general del álbum, con actuaciones sólidas en los teclados, el bajo y la batería.
 

Legado:

 
El álbum "Primitive Man" fue un éxito comercial para "Icehouse", particularmente en su Australia natal, donde alcanzó la cima de las listas y generó varios sencillos exitosos. El sonido innovador y la sólida composición del álbum ayudaron a establecer a la banda como una fuerza importante en la escena musical australiana y atrajeron la atención internacional. Fue y sigue siendo un lanzamiento importante e influyente en la historia de la música rock australiana.

Disco recomendado

Para mí es la obra maestra de "Icehouse". Aquí es donde se unieron todos los elementos, y el resultado es un álbum verdaderamente magnífico. Con una composición inspiradora e interpretación, arreglos y producción de manera que forma un todo sólido.

El álbum destaca el uso innovador de sintetizadores e instrumentación electrónica para la época, lo que ayudó a definir el sonido de la banda. Las canciones del álbum tienen cualidades atmosféricas, con letras que a menudo exploran temas de aislamiento, alienación y búsqueda de significado.

"Primitive Man" ahora se considera una obra clásica de los géneros new wave y synthpop de la década de 1980, y es ampliamente considerado como uno de los mejores trabajos de "Icehouse" por la crítica.

Si no estás familiarizado con "Icehouse" o con este disco, búscalo y escúchalo. Iva Davies escribió hermosas canciones pop a lo largo de los años y este es el álbum con más. Es una auténtica joya de los 80 del "new wave y synth pop australiano".

Video del tema "Hey Little Girl":

Tracklist:

1.         "Great Southern Land"          5:19
2.         "Uniform"       4:14
3.         "Street Café"  4:13
4.         "Hey Little Girl"         4:25
5.         "Glam" (Instrumental)            3:27
6.         "Trojan Blue"  5:03
7.         "One by One" 4:02
8.         "Break These Chains" 3:43
9.         "Mysterious Thing"    4:26
10.       "Goodnight Mr. Matthews" 4:00

CANNED HEAT - Boogie with Canned Heat (1968)

ALBUM: Boogie with Canned Heat 

El segundo álbum de estudio de la banda estadounidense de blues y rock "Canned Heat". Publicado en 1968, contiene principalmente material original, a diferencia de su álbum debut. Fue el LP de mayor éxito comercial de la banda, alcanzando el #16 en los EE. UU y el #5 en el Reino Unido. "Boogie with Canned Heat", certifica la mezcla ofrecida por la banda de rhythm y blues eléctrico amplificado de finales de los 60 (Siglo XX), con énfasis en el boogie-woogie.

El quinteto, compuesto por Alan "Blind Owl" Wilson (guitarra/armónica/voz), Larry "The Mole" Taylor (bajo), Henry "Sunflower" Vestine (guitarra), Aldolfo "Fido" Dela Parra (batería) y Bob "The Bear" Hite (voz) hacen un gran labor con interpretaciones auténticas, aumentadas por su propia instrumentación excepcional.

¿Quiénes son Canned Heat?

 
La banda "Canned Heat" fue  formada en Los Ángeles en 1965. El grupo hizo verdaderos esfuerzos para promover el interés por la música blues y sus artistas originales. Fue formado por dos entusiastas del blues, Alan Wilson y Bob Hite, quienes tomaron el nombre de "Canned Heat Blues" de Tommy Johnson de 1928, una canción sobre un alcohólico que había recurrido desesperadamente a beber "Sterno"* (*marca de alcohol desnaturalizado en compuesto de etanol y alcohol gelatinoso. Fue creado en 1920), genéricamente llamado "Canned Heat". Después de apariciones en los festivales de Monterey y Woodstock a fines de la década de 1960, la banda adquirió fama mundial con la formación clásica de Hite (voz), Wilson (guitarra, armónica y voz), Henry Vestine y más tarde Harvey Mandel (guitarra principal), Larry Taylor (bajo), y Adolfo de la Parra (batería).

Canned Heat atrajo a muchos seguidores y estableció a la banda como uno de los grupos populares de la era hippie. Canned Heat apareció en la mayoría de los principales eventos musicales a fines de la década de 1960, interpretando estándares de blues junto con su propio material y disfrutando de largos solos "psicodélicos". Tres de sus canciones, "Going Up the Country", "On the Road Again" y "Let 's Work Together", se convirtieron en éxitos internacionales y ahora son clásicos.

Desde principios de la década de 1970, tras la temprana muerte de Wilson, se han producido numerosos cambios de personal. El bajista Taylor murió en 2019 dejando al baterista de la Parra como el único miembro original.

Influencias musicales:

El estilo musical de "Canned Heat" abarca ante todo el blues, además del blues rock, el rhythm and blues, el boogie-woogie, la psicodelia y el rock and roll.

La discografía de Canned Heat:

• Canned Heat (1967)
• Boogie with Canned Heat (1968)
• Living the Blues (1968)
• Hallelujah (1969)
• Future Blues (1970)
• Vintage (1970)
• Historical Figures and Ancient Heads (1971)
• The New Age (1973)
• One More River to Cross (1973)
• Human Condition (1978)
• Kings of the Boogie (Dog House Blues) (1981)
• Reheated (1988)
• Internal Combustion (1994)
• Canned Heat Blues Band (1996)
• Boogie 2000 (1999)
• Friends in the Can (2003)
• Christmas Album (2007)

El álbum que más me gusta es el segundo "Boogie with Canned Heat", me parece el más solido y coherente. Aparte creo que tienes todo lo que necesitas saber del grupo en un solo sitio.

Disco: Boogie with Canned Heat (1968)

 
Este álbum destaca composiciones originales sólidas, lo que reduce la dependencia de las versiones (covers) de su disco debut un año antes. La canción "On the Road Again", se convirtió en el primer y posiblemente el éxito más importante del grupo, así como el himno contra "el speed" (droga), "Amphetamine Annie", que fueron grandes éxitos de radio en su momento. En "Boogie with Canned Heat" también encontrarás auténticos números de R&B, "World in a Jug", el oscuro "Turpentine Blues" y la actualización de Hite de "Whiskey Headed Woman" de Tommy McClennan. El himno criollo "Marie Laveau" es un buen tema para cerrar al álbum matizando la solidez del LP. 

Creo que este disco es un gran lugar para comenzar si no estás familiarizado con "Canned Heat"; lo tiene todo para los curiosos, y para mi es su mejor disco.

Track-por-Track : review

El álbum presenta una buena mezcla de estándares de blues y composiciones originales. Aquí hay un breve análisis canción por canción del álbum:

• "Evil Woman"

Esta canción es una versión de un estándar de blues escrito originalmente por Larry Weiss. La versión de Canned Heat presenta un ritmo de conducción y voces poderosas de Bob Hite.

• "My Crime"

Una composición original de la banda, blues-rock con un riff pegadizo y una letra que cuenta la historia de un hombre que ha sido acusado falsamente de un crimen.

• "On the Road Again"

Una de las canciones más famosas de Canned Heat, esta es una canción psicodélica de blues que presenta la distintiva voz aguda y la armónica de Alan Wilson. El ritmo hipnótico y la melodía memorable de la canción la ayudaron a convertirse en un éxito y en un elemento básico de las presentaciones en vivo de la banda.

• "World in a Jug"

Esta composición original es un número de blues lento y malhumorado con un fuerte énfasis en la sección rítmica. La letra toca temas de soledad y aislamiento, mientras que la música crea un telón de fondo oscuro y atmosférico.

• "Turpentine Moan"

Animada y optimista muestra la capacidad de la banda para combinar el blues tradicional con un sonido de rock más moderno. La canción presenta una armónica enérgica y un coro pegadizo.

• "Whiskey Headed Woman No. 2"

Una reelaboración de un estándar de blues, con Canned Heat agregando su propio toque único. La canción cuenta la historia de un hombre que lucha con su amor por una mujer que bebe whisky y presenta un ritmo de conducción y una voz poderosa.

• "Amphetamine Annie"

Una historia de advertencia sobre los peligros del abuso de drogas, "Amphetamine Annie" es una pista de blues-rock de alta energía con un mensaje fuerte. El tempo rápido y el riff pegadizo de la canción hacen que se destaque en el álbum.

• "An Owl Song"

Esta composición original es una pista más lenta e introspectiva que muestra la versatilidad de la banda. La canción presenta voces inquietantes y una melodía melancólica, creando una experiencia auditiva única y memorable.

• "Marie Laveau"

Inspirada en la legendaria reina del vudú de Nueva Orleans, "Marie Laveau" es blues atmosférico y pantanoso (swamp) con un fuerte sentido del lugar. El ambiente espeluznante de la canción y la letra evocadora hacen que se destaque en el álbum.

• "Fried Hockey Boogie"

Cierre del álbum, este es un escaparate instrumental de la maestría musical de la banda. La canción presenta solos extendidos de cada miembro, destacando sus talentos individuales y demostrando su capacidad para crear un sonido cohesivo y atractivo.

En resumen, la mezcla de composiciones originales y estándares de blues reelaborados destaca su versatilidad y musicalidad, lo que hace que este disco sea una oferta muy sólida.

Disco recomendado:

Excelente obra de una gran banda. Muestra la mejor manera de adaptar el country blues de los años 20 y 30 al formato de rock psicodélico de la costa oeste de los años 60 (Siglo XX).

El álbum ha envejecido muy bien y sigue siendo un ejemplo clásico del blues-rock. Tanto para los entusiastas como para los lectores curiosos sobre "Canned Heat", este LP es un gran punto de entrada para descubrir su música. Para los fans del blues y el R & B, este es un disco "imprescindible", o al menos "se debe escucharlo".

Video del tema "On the Road Again":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1."Evil Woman" (Larry Weiss) – 2:59
2."My Crime" (Canned Heat) – 3:57
3."On the Road Again" (Floyd Jones, Alan Wilson) – 5:01
4."World in a Jug" (Canned Heat) – 3:29
5."Turpentine Moan" (Canned Heat) – 2:56
6."Whiskey Headed Woman No. 2" (Bob Hite) – 2:57

Cara B:

1."Amphetamine Annie" (Canned Heat) – 3:36
2."An Owl Song" (Alan Wilson) – 2:43
3."Marie Laveau" (Henry Vestine) – 5:18
4. "Fried Hockey Boogie" (Larry Taylor) - 11:07

SLY & THE FAMILY STONE - Stand! (1969)

ALBUM: Stand!

Un brillante ejemplo de los primeros trabajos de "Sly & the Family Stone", un disco que representa la culminación de la visión y los logros musicales del grupo. Podría decirse que es uno de los álbumes de R & B más significativos, innovadores, influyentes y emocionantes jamás producidos. "Stand!" de Sly & The Family Stone es una aventura salvaje y alucinante, una mezcla explosiva de soul, funk, gospel y rock psicodélico, que allanó el camino para un nuevo sonido, el funk "progresivo".

Uno de los elementos claves de la popularidad de este disco es el toque pop; la genialidad de hacer música reivindicativa y en muchos sentidos experimental, tan accesible y fácil de digerir.

Por lo tanto, es un trabajo contagioso, informativo, entretenido y estimulante. Pocos discos de su época lograron esto.

¿Quiénes eran Sly and The Family Stone?

 
Fue una banda estadounidense de funk rock originaria de San Francisco, California formada en 1966. Activa desde 1966 hasta 1983, fue fundamental en el desarrollo de la música funk, soul y psicodélica. Su formación principal (clásica) estaba encabezada por el cantautor, multi-instrumentista y productor Sly Stone, e incluía al hermano de Stone y el cantante y guitarrista Freddie Stone, a la hermana y cantante y teclista Rose Stone, a la trompetista Cynthia Robinson, al baterista Greg Errico, al saxofonista Jerry Martini y el bajista Larry Graham. La banda fue el primer grupo de rock estadounidense importante en tener una formación de hombres y mujeres racialmente integrada.

Su música sintetizó una variedad de géneros musicales y ayudaron a ser pioneros en el sonido emergente del "funk psicodélico". El trabajo de Sly and the Family Stone fue una influencia significativa en la música de Michael Jackson y The Jackson 5, George Clinton y Parliament-Funkadelic, Arrested Development, Miles Davis, Stevie Wonder, Prince, Outkast, Chuck D, John Legend, Red Hot Chili Peppers, John Mayer... y muchos más.

Lanzaron 10 álbumes, aquí está su discografía:

•  A Whole New Thing (1967)
• Dance to the Music (1968)
• Life (1968)
• Stand! (1969)
• There's a Riot Goin' On (1971)
• Fresh (1973)
• Small Talk (1974)
• Heard Ya Missed Me, Well I'm Back (1976)
• Back on the Right Track (1979)
• Ain't but the One Way (1982)

Sly and the Family Stone influyeron en gran medida en el sonido de la música funk, pop, soul, R&B y hip hop estadounidense posterior. La banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993.

Para mi gusto, hay tres discos sobresalientes de "Sly and The Family Stone", mi favorito de todos los tiempos "There´s a Roit Goin´On (1971), "Dance to the Music" (1968) y el ya mencionado "Stand!" (1969). Me concentraré en este último, además de ser un gran disco, sienta las bases para el próximo "There's a Riot Goin' On".

ALBUM: Stand! - una crítica

 
Es el cuarto álbum de "Sly and the Family Stone", publicado el 3 de mayo de 1969. Escrito y producido por el cantante principal y multi-instrumentista Sly Stone, Stand! es un punto culminante artístico de la carrera de la banda, además se convirtió en el álbum de mayor éxito comercial de la banda hasta la fecha.

Su importancia no puede ser subestimada. En 2015, el álbum fue considerado "cultural, histórica o estéticamente significativo" por la "Biblioteca del Congreso" de los Estados Unidos y seleccionado para su inclusión en el "Registro Nacional de Grabaciones".

Stand! : Canciones:

Las cosas comienzan con una nota muy emocionante con la canción principal y un himno de funk psicodélico explícitamente político que te hará querer bailar. A esto le sigue el igualmente impresionante pero mucho más ácido teñido de rock "Don't Call Me N-----, Whitey", que no es menos político y conflictivo en sonido y letra. Sigue "I Want to Take You Higher" y, como la canción principal, es funk psicodélico tremendamente explosivo. Sigue "Sing a Simple Song" un número de tempo de ritmo constante con un trabajo de batería funky atronador (y muy sampleado, por cierto).

Las cosas continúan con un "Everyday People" sincero y ahora clásico, un número de medio tiempo influenciado por el soul de Stax (la canción más orientada al pop en todo el álbum) que es un himno a la tolerancia e inclusión racial y étnica. A partir de aquí, el LP pierde un poco de fuerza con "Sex Machine", un largo instrumental de funk psicodélico, y "You Can Make if you Try", que termina el álbum de una manera funky pero descolocado relativamente comparado con la fuerza del principio.

A pesar de ello, es un brillante álbum alimentado por el funk y soul. La música popular negra nunca sonó igual después de "Stand!". Sus letras políticas son tan relevantes ahora como lo fueron en los revolucionarios años 60 (Siglo XX).
 

Un himno para el cambio:

El álbum "Stand!" de Sly and The Family Stone se considera un himno para el cambio debido a sus poderosos mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social. Los temas y las letras del álbum resonaron con el clima social y político de finales de la década de 1960, en particular el movimiento de derechos civiles, el movimiento contra la guerra de Vietnam y la contracultura.

Varios elementos contribuyen al estatus del álbum como un himno para el cambio:

• Formación de bandas diversas: Sly and the Family Stone fue una de las primeras bandas estadounidenses importantes en presentar una formación integrada racial y de género. Esta diversidad fue una poderosa declaración en sí misma, ya que demostró el compromiso de la banda de derribar barreras y promover la unidad.

• Mensajes edificantes y de empoderamiento: la canción principal del álbum, "Stand!", alienta a los oyentes a defender sus creencias y luchar por el cambio. Otras canciones como "Everyday People" y "You Can Make It If You Try" promueven mensajes de unidad, tolerancia y auto-empoderamiento.

• Letras con conciencia social: el álbum aborda varios problemas sociales, como la desigualdad racial, la pobreza y la guerra. La combinación única de funk, soul, rock y psicodelia de Sly and the Family Stone ayudó a derribar las barreras musicales y unir a las personas. Su sonido innovador influyó en numerosos artistas y géneros, incluidos el funk, el R & B y el hip-hop.

En resumen, "Stand!" es considerado un himno para el cambio por sus poderosos mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social, así como por su estilo musical innovador y su influencia duradera en la cultura popular.

El impacto de Stand! sobre la industria de la música:

El álbum no solo influyó en el sonido y el estilo de numerosos artistas y géneros, sino que también contribuyó a dar forma al enfoque de la industria sobre los problemas sociales y la diversidad.

Estos son algunos elementos clave:

1. Pioneros en un nuevo sonido: "Stand!" jugó un papel importante en el desarrollo de la música funk, que se convertiría en un género dominante en la década de 1970. Este sonido sería desarrollado aún más por artistas como Parliament-Funkadelic, James Brown y Prince.
   
   
2. Promoción de la diversidad y la inclusión: la formación integrada racial y de género de Sly and the Family Stone fue innovadora en ese momento y sentó un precedente para futuras bandas. Su éxito demostró que diversos grupos podían lograr una gran popularidad, allanando el camino para otras bandas mixtas raciales y de género como Earth, Wind & Fire y The B-52's.
   
   
3. Abordar problemas sociales a través de la música: "Stand!" mostró que la música popular podría ser una poderosa plataforma para abordar cuestiones sociales y políticas. Las letras con conciencia social del álbum inspiraron a otros artistas a abordar temas similares en su trabajo, lo que contribuyó al surgimiento de música de protesta y canciones con conciencia social en varios géneros, incluidos R & B, hip-hop y rock.
   
   
4. Rompiendo barreras de género: La mezcla ecléctica de estilos musicales en "Stand!" ayudó a romper las barreras de género y fomentar la experimentación en la música popular. La influencia del álbum se puede escuchar en el trabajo de numerosos artistas que mezclan diferentes estilos y géneros, como Michael Jackson, Prince y Stevie Wonder.
   
   
5. Legado e influencia en las generaciones futuras: Los mensajes de unidad, empoderamiento y conciencia social en "Stand!" han seguido resonando entre los oyentes e inspirando a artistas a lo largo de generaciones. Los temas del álbum y el sonido innovador han sido citados como influencia por numerosos músicos, incluidos Lenny Kravitz, OutKast y Kendrick Lamar.

Como se puede apreciar, "Stand!" de Sly and the Family Stone tuvo un profundo impacto en la industria de la música, influyendo en el sonido y el estilo de varios artistas y géneros, promoviendo la diversidad y la inclusión, y demostrando el poder de la música como plataforma para abordar problemas sociales. El legado del álbum continúa inspirando y dando forma a la música popular actual.

Disco recomendado

Una obra maestra, llena de canciones innovadoras que puedes bailar, inteligente, social y política concienciada, y lo más importante, su musical afirma la vida. Un disco que contiene la mayoría de sus famosas canciones, con su sonido coral y súper lleno de soul-funk.

"Stand!" tuvo un profundo impacto en la música (funk, soul y hip hop), influyendo en el sonido y el estilo de varios artistas y géneros, promoviendo la diversidad y la inclusión, y demostrando el poder de la música como plataforma para abordar problemas sociales. El legado del álbum continúa inspirando y dando forma a la música popular actual.

Y por último, este disco sentó las bases para su próximo LP, y en mi opinión incluso mejor, There's a Riot Goin' On (1971), un trabajo que también recomiendo que busques y escuches después de "Stand!".

Video del tema "Everyday People":

Tracklist (formato LP original): 

Cara A:

1."Stand!" – 3:08
2."Don't Call Me Nigger, Whitey" – 5:58
3."I Want to Take You Higher" – 5:22
4."Somebody's Watching You" – 3:20
5."Sing a Simple Song" – 3:56

Cara B:

1."Everyday People" – 2:21
2."Sex Machine" – 13:45
3."You Can Make It If You Try" – 3:37

Sly and the Family Stone (miembros):

• Sly Stone: voz, órgano, guitarra, piano, armónica, codificador de voz; bajo en "Puedes lograrlo si lo intentas"
• Rose Stone - voz, piano, teclados
• Freddie Stone - voz, guitarra
• Larry Graham - voz, bajo (excepto en "You Can Make it if You Try")
• Greg Errico - batería, coros en "I Want to Take You Higher"
• Cynthia Robinson - trompeta, improvisaciones vocales; coros en "I Want to Take You Higher"
• Jerry Martini – saxofón; coros en "I Want to Take You Higher"
• Little Sister (Vet Stone, Mary McCreary, Elva Mouton): coros en "Stand!", "Sing a Simple Song", "Everyday People" y "I Want to Take you Higher"

SWANS - The Seer - Album

El siguiente álbum que voy a recomendar al lector en este blog de música tiene una reseña al respecto que leí en alguna parte que decía: "Este es el tipo de cosas en las que alguien debería construir una película o una religión". ¡Vaya declaración!

Hablo del álbum "The Seer" (2012) del grupo de rock SWANS.

¿Quiénes son Swans?

 
Banda estadounidense de rock experimental formada en 1982 por el cantante, compositor y multi-instrumentista Michael Gira. Swans, es uno de los pocos grupos que surgió de la escena "no wave" de la ciudad de Nueva York y permaneció intacto en la siguiente década, ha sido reconocido por explorar géneros como el noise rock, el post-punk, industrial y el post-rock. La banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, demasiados para destacar individualmente aquí. Sin embargo, solo por mencionar, Thurston Moore de "Sonic Youth" fue parte de la primera etapa de "Swans".

Inicialmente, su música era conocida por su brutalidad sonido y letras misantrópicas. Tras la incorporación del cantante, compositor y teclista Jarboe en 1986, Swans comenzó a incorporar melodía y complejidad en su música. Jarboe siguió siendo el único miembro constante de la banda, excepto Gira y el guitarrista semi-constante Norman Westberg hasta su disolución en 1997.

En 2010, Michael Gira volvió a formar la banda sin Jarboe, estableciendo una formación estable de músicos que realizó giras por todo el mundo y lanzó más álbumes con gran éxito de crítica. La banda sigue activa bajo la dirección de Michael Gira.

Swans: estilo musical y legado

El estilo musical de "Swans" se ha transformado mucho a lo largo de las décadas, pero es típicamente oscuro y "apocalíptico", a menudo centrado en temas de poder, religión, sexo y muerte, y generalmente se ha asociado con el rock experimental. También se han utilizado las siguientes etiquetas para describir su música: post-punk, industrial, doom metal, minimalismo, gótico, psicodélico e incluso "blues". Yo agregaría las etiquetas, "espiritual" y "cerebral".

Swans ha sido citado como una influencia por una variedad de músicos de rock y metal, incluidos miembros de Napalm Death, Godflesh, Melvins, Nirvana, Tool, Isis y Car Seat Headrest, por mencionar algunos.

Swans: discografía hasta la fecha:

• Filth (1983)
• Cop (1984)
• Greed (1986)
• Holy Money (1986)
• Children of God (1987)
• The Burning World (1989)
• White Light from the Mouth of Infinity (1991)
• Love of Life (1992)
• The Great Annihilator (1995)
• Soundtracks for the Blind (1996)
• My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky (2010)
• The Seer (2012)
• To Be Kind (2014)
• The Glowing Man (2016)
• Leaving Meaning (2019)
• The Beggar (2023)

De los 16 discos hasta la fecha, quiero destacar su increíble lanzamiento de 2012 titulado "The Seer".

ALBUM: The Seer

 
El duodécimo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock experimental Swans publicado el 28 de agosto de 2012. El líder (y productor) Michael Gira financió "The Seer" con las ventas del doble álbum en directo "We Rose from Your Bed with the Sun in Our Head". "The Seer" es la grabación más extensa, ambiciosa, cuidadosamente concebida y bien interpretada del catálogo de la banda; dos discos, dos horas y 11 temas. Un álbum conceptual que en realidad va más allá del término "conceptual" y hacia un espacio musical desconocido.

Este disco es muy diferente de los trabajos anteriores de "Swans"; centrado en paisajes sonoros, en general es menos accesible. Con un tiempo total de dos horas, esto puede ser demasiado intenso para muchas personas. Tenga en cuenta que Michael Gira ha moldeado un disco para reflejar 30 años de experiencias (musicales), quién sabe qué apareció en su mente durante la composición y la grabación en estudio. En general, esto no es algo malo, significa que "The Seer" requiere del oyente paciencia, entusiasmo y curiosidad por descubrir lo desconocido, una escucha atenta y una mente musical abierta. Es cerebral en su fabricación, espiritual en la ejecución.

El álbum presenta una variedad de instrumentación y una larga lista de músicos invitados (ver más abajo lista), incluida la vocalista de la banda post-punk "Yeah Yeah Yeahs" Karen O ("Song for a Warrior") y el ex miembro de Swans Jarboe ("Piece of the Cielo.").

"The Seer" está construido con canciones de larga duración, particularmente su canción principal de más de 30 minutos, así como su experimentación con elementos de drone y noise. "The Seer" se considera la primera parte de una "trilogía" de tres álbumes, los otros álbumes son "To Be Kind", que siguió, y "The Glowing Man", que siguió a To Be Kind.

La portada del álbum "The Seer":

 
El arte de la portada de "The Seer" es impactante y se basa en una pintura de lobo de Simon Henwood y presenta los dientes de Michael Gira.

ALBUM: The Seer ("El Vidente"): + review

 
Abstracto, místico y poco convencional, lleno de suspenso e intensidad. Pero no te dejes engañar, la banda tiene el control total. "The Seer" combina casi por igual elementos de ruido y zumbido, tocando en un estilo post-rock con un toque de hard rock. La maestría musical es absolutamente sobresaliente.

Este disco se "repite" sin descanso tanto que agota hipnotizando. Una paliza severa que recompensa cuando hace absolutamente nada. Te cansa sólo para despertarte violentamente. Te envía por el camino equivocado solo para gritarte por hacerlo. No escuchas este álbum, lo asumes. Nunca podrías prepararte para ello, y si sobrevives, nunca lo olvidarás. Esta es una experiencia musical total, casi ceremonial en la aceptación, transformadora en su final.

Track por Track review:

• "Lunacy" (6:09)

Abre el álbum con inquietantes armonías vocales y un riff de guitarra repetitivo. El corte aumenta en intensidad, con la voz dominante de Michael Gira y la adición de percusión. La canción establece el tono del álbum, creando una atmósfera oscura e inmersiva.

• "Mother of the World" (9:57)

Cuenta con un patrón de batería hipnótico y repetitivo y un riff de guitarra monótono. La voz de Gira es más restringida aquí, lo que se suma a la atmósfera inquietante de la canción.

• "The Wolf" (1:35)

Un breve interludio, presenta un arreglo minimalista con una melodía de guitarra simple y la voz susurrada de Gira. La pista sirve como un momento de respiro antes de los momentos más intensos del álbum.

• "The Seer" (32:14)

Una epopeya extensa de 32 minutos que destaca la capacidad de Swans para crear un paisaje sonoro denso e inmersivo. La canción comienza con una introducción lenta y monótona antes de convertirse en una mezcla caótica de percusión, guitarras con la poderosa voz de Gira. Utiliza todas las herramientas del arsenal de Swans, como un martillo, desde la repetición casi enloquecedora y la disonancia estruendosa hasta el espacio matizado; dinámica a texturas electrónicas multivalentes en capas

• "The Seer Returns" (6:17)

Una pista de rock más sencilla, con un ritmo de conducción. La canción tiene un sentido de urgencia, con la intensidad característica de la banda.

• "93 Ave. B Blues" (5:21)

Esta pista instrumental es una cacofonía de ruido, con guitarras disonantes y percusión caótica creando una atmósfera inquietante.

• "The Daughter Brings the Water" (2:40)

Una canción más tranquila y melódica, presenta una melodía de guitarra simple y la voz tenue de Gira. La canción proporciona un momento de calma.

• "Song for a Warrior" (3:58)

Con la voz invitada de "Karen O" de los "YeahYeah Yeahs", es una balada inquietante con una delicada melodía de piano. La pista se destaca por su resonancia emocional y muestra la versatilidad de Swans como banda.

• "Avatar" (8:51)

Un tema de construcción lenta que presenta un riff de guitarra repetitivo y la voz imponente de Gira. La canción aumenta gradualmente en intensidad, con capas de instrumentación agregadas a medida que avanza.

• "A Piece of the Sky" (19:10)

Esta canción de casi 20 minutos comienza con un paisaje sonoro de grabaciones de campo y ruido ambiental antes de pasar a una melodía de guitarra lenta y monótona. La voz de Gira es más restringida aquí, lo que se suma a la atmósfera hipnótica de la canción. La pista aumenta en intensidad, con capas de instrumentación agregadas a medida que avanza, antes de terminar con un regreso al paisaje sonoro ambiental.

• "The Apostate" (23:01)

El tema de cierre del álbum es otra epopeya, que presenta una mezcla de guitarras zumbantes, percusión retumbante y la poderosa voz de Gira. La canción pasa por múltiples movimientos, con momentos de calma intercalados con intensos crescendos. La pista termina con una cacofonía caótica de ruido, llevando el álbum a una conclusión apropiadamente intensa. 

Disco recomendado

"The Seer" es una experiencia musical. No hay muchas bandas que yo sepa que tomen música en este estilo y escala. De ninguna manera es el primer álbum experimental oscuro, pero el impacto aquí es diferente. Tiene una cualidad teatral (cinematográfica); puedes escucharlo atentamente y seguir cautivado durante dos horas seguidas. Habiendo dicho eso, muchos no pasarán del primer tema titulado acertadamente "Lunacy". Para aquellos que den al disco toda su atención, probablemente tengan experiencias únicas; como todas las mejores epopeyas, "The Seer" es un clásico en parte porque está completamente abierto a la interpretación.

"The Seer" es definitivamente desafiante y es una de las experiencias auditivas más inmersivas que se pueden ofrecer. La mezcla del álbum de elementos de post-rock, drone y noise rock, combinados con la voz dominante de Michael Gira, lo convierten en un lanzamiento destacado en la discografía de la banda. Emoción de suspenso con los nudillos blancos, con giros alucinantes, y con una musicalidad excepcional.

Si aceptas el desafío de "The Seer", será la pieza musical más impactante, apasionante y posiblemente la más original que escucharás. Te recomiendo enfrentarte a "The Seer", aceptar su provocación, mantenerte firme, dejarlo entrar y permitir que transforme tus ideas musicales hasta ahora establecidas. Será un viaje desconocido a través de la originalidad musical y lírica sin diluir y de imaginería cruda y evocadora, entrando en un túnel oscuro sin luz al final, o eso parece al principio.

Video del tema "Lunacy":

Tracklist:

Disc 1:

1.         "Lunacy" (con Alan Sparhawk and Mimi Parker)     6:09
2.         "Mother of the World"                      9:57
3.         "The Wolf"                 1:35
4.         "The Seer"                  32:14
5.         "The Seer Returns" (con Jarboe)                    6:17
6.         "93 Ave. Blues"                     5:21
7.         "The Daughter Brings the Water"                 2:40

Disc 2:

1.         "Song for a Warrior" (con Karen O)             3:58
2.         "Avatar"                     8:51
3.         "A Piece of the Sky" (con Jarboe and Akron/Family)                     19:10
4.         "The Apostate"                       23:01

 

Swans (miembros):

•  Michael Gira: voz principal, guitarra acústica, guitarra eléctrica, armónica, Casio, sonidos
• Kristof Hahn - lap steel guitar, guitarras eléctricas, voces adicionales
• Thor Harris: batería, percusión, campanas orquestales, dulcimer martillado, vibráfono, piano, clarinete, violín hecho a mano.
• Christopher Pravdica: bajo, voces adicionales, increíble apretón de manos
• Phil Puleo - batería, percusión, dulcimer martillado, voces adicionales
• Norman Westberg - guitarra eléctrica, voces adicionales

Músicos invitados:

• Bill Rieflin: piano, órgano, guitarra eléctrica, guitarra acústica, batería, percusión, Casio, sintetizador, bajo, voces adicionales, idea de pájaro; acreditado como "cisne honorario"
• Karen O - voz principal en "Song for a Warrior"
• Alan Sparhawk y Mimi Parker - co-voces en "Lunacy"
• Jarboe: coros en "The Seer Returns" y "A Piece of the Sky", collage de voces en "A Piece of the Sky"
• Seth Olinsky, Miles Seaton y Dana Janssen: coros en "A Piece of the Sky"
• Caleb Mulkerin y Colleen Kinsella: acordeón, voces adicionales, dulcimer, guitarra, piano y otros instrumentos en "The Seer Returns"
• Sean Mackowiak - mandolina acústica y eléctrica, clarinete
• Ben Frost - sonidos de fuego (acústicos y sintéticos) en "A Piece of the Sky"
• Iain Graham - gaita en "The Seer"
• Bruce Lamont - cuernos en "The Seer"
• Bob Rutman - violonchelo de acero en "The Seer"
• Cassis Staudt - acordeón
• Eszter Balint: violín
• Jane Scarpantoni – violonchelo
• Kevin McMahon: batería adicional en "The Seer Returns" y "Avatar", guitarras adicionales en "Song for a Warrior" y "Avatar"
• Bryce Goggin - piano en "Canción para un guerrero"
• Bill Tobin – Oboe en “Avatar”
• Stefan Rocke - contrabajo en "The Seer"
  

Técnico:
Michael Gira - productor

LED ZEPPELIN - Led Zeppelin I - Album (1969)

Album:(Led Zeppelin)"Led Zeppelin I"

El álbum debut de la banda inglesa de rock Led Zeppelin. Fue publicado el 12 de enero de 1969 en los Estados Unidos y el 31 de marzo en el Reino Unido. 

El disco fue grabado en "Olympic Studios" (Londres) en 1968, poco después de la formación de la banda. Contiene una mezcla de material original elaborado en los primeros ensayos, y "remakes" y arreglos de blues contemporáneo y canciones populares.

El álbum fue producido por Jimmy Page, junto con el los miembros de la banda Robert Plant (voz principal, armónica), John Paul Jones (bajo, teclados) y John Bonham (batería). El percusionista Viram Jasani aparece como invitado en una de las canciones "Black Mountain Side". El disco fue posteriormente mezclado por Glyn Johns, y la icónica portada del álbum que muestra el "desastre de Hindenburg" fue diseñada por George Hardie.

Fecha de lanzamiento de "Led Zeppelin I" y, su período histórico:

Tienes que ponerte en el momento histórico del lanzamiento del álbum (1969), o al menos intentar imaginarlo. El reinado de "The Beatles" estaba terminando junto con la era de "paz y amor", una nueva actitud estaba hirviendo con el rock duro y heavy que comenzaba a despegar. El atronador volumen de los números más pesados de "Led Zeppelin I" igualó fácilmente, y a menudo superó, la intensidad de la mayoría de sus contemporáneos en 1969. Al mismo tiempo, sus canciones eran bastante dinámicas y estaban inspiradas en muchos géneros diferentes, incluido el folk y el blues. Esto le dio a todo un efecto novedoso, una sensación de presenciar lo nada antes visto en el rock and roll. Era como si la multitud "huérfana" de paz y amor hubiera encontrado un medio más duro, sexy, rebelde y explosivo para expresar sus nuevas ideas emergentes. Este disco (junto con otros) abrió la puerta al mundo de la música de los 70 (Siglo XX).

Impacto inmediato del disco "Led Zeppelin I":

 
La interpretación de Led Zeppelin sobre el sonido emergente del hard rock tuvo un éxito comercial inmediato tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, alcanzando el top 10 en las listas de álbumes de ambos países, así como varios otros. Muchas de las canciones eran más largas y no se adaptan bien para ser lanzadas como sencillos para la radio; Page se mostró reacio a lanzar "singles", por lo que solo "Good Times Bad Times", respaldado por "Communication Breakdown", se lanzó fuera del Reino Unido. Esto no fue una desventaja, ya que la exposición en las estaciones de radio de rock orientadas al álbum y el crecimiento de la popularidad de la banda, muchas de las canciones del álbum se han convertido en elementos básicos de la radio de rock clásico.

La portada del álbum de "Led Zeppelin I":

Jimmy Page eligió la ahora famosa portada del disco "Led Zeppelin I", que presenta una imagen en blanco y negro del dirigible Hindenburg en llamas, fotografiada por Sam Shere el 6 de mayo de 1937, durante el "desastre del Hindenburg". 

La leyenda dice (historia popular) que la portada del álbum se refiere al origen del nombre de la banda. Cuando Jimmy Page, Jeff Beck y los miembros de The Who, el baterista Keith Moon y el bajista John Entwistle, discutían la idea de formar un grupo, Moon bromeó: "Probablemente se desplomaría como un globo de plomo", y Entwistle respondió, "¡como un zepelín de plomo!" ("Like a Led Zeppelin").

La portada del álbum ahora es legendaria, y en 2001, el periodista musical y autor estadounidense Greg Kot escribió en "Rolling Stone Magazine" que el "Led Zeppelin I" muestra la aeronave Hindenburg, en toda su gloria fálica, cayendo en llamas. La imagen hizo un buen trabajo al encapsular la música en el interior: sexo, catástrofe y cosas que explotan".

La novedad de "Led Zeppelin I" álbum:

 
Llevando el blues eléctrico heavy y distorsionado de Jimi Hendrix, Jeff Beck y Cream al extremo, Led Zeppelin creó una poderosa marca de rock de guitarra construida alrededor de riffs y ritmos simples memorables. Pero no era todo un ataque directo, había sutileza: la oferta musical estaba sombreada y texturizada, llena de dinámicas alternas y tempos que presentaban música de múltiples capas.

Sus versiones extendidas de blues psicodélico con "Dazed and Confused", "You Shook Me" y "I Can't Quit You Baby" captan la mayor parte de la atención, pero el resto del álbum indica en qué evolucionaría la banda más adelante. "Babe I'm Gonna Leave You" cambia de versos folklóricos a estribillos contundentes; "Good Times Bad Times" y "How Many More Times" tienen mezclas de blues; "Your Time Is Gonna Come" es un himno de rock duro; "Black Mountain Side" es puro folk inglés; y "Communication Breakdown" es un tema casi punk.
 

Las canciones de "Led Zeppelin I":

 
Nunca ha sido un gran secreto que Led Zeppelin "tomó prestadas" muchas de sus ideas de otros compositores. Aunque hay otros compositores que están acreditados en el álbum "Led Zeppelin I" (incluido Willie Dixon, quien más tarde los demandó por "Whole Lotta Love"), hay algunos que no lo están. Un ejemplo sería "Dazed And Confused", que se inspiró en un desconocido cantante de folk llamado Jake Holmes. Al escuchar es álbum, también parece que Jimmy Page había estado prestando mucha atención al disco debut de Jeff Beck, "TRUTH", mientras creaba el sonido de su nueva banda, llegando incluso a hacer una versión de "You Shook Me". Independientemente, y dejando de lado este aspecto controvertido del grupo, Led Zeppelin fueron increíbles intérpretes que remodelaron ideas "prestadas" y las elevaron a otro nivel.

 

Track-por-track review:

• "Good Times Bad Times":

El álbum arranca con un ritmo potente y dinámico y destaca las excepcionales habilidades de percusión de John Bonham. La voz distintiva de Robert Plant y el innovador trabajo de guitarra de Jimmy Page hacen de este una gran canción para comenzar el disco.

• "Babe I'm Gonna Leave You":

Esta inquietante balada presenta una hermosa introducción de guitarra acústica, seguida de una acumulación gradual de un sonido más pesado e intenso. La voz emotiva de Plant y el intrincado trabajo de guitarra de Page crean la atmósfera.

• "You Shook Me":

Un número de blues con un riff pesado y estridente destaca la capacidad de la banda para reinterpretar las canciones tradicionales de blues en su propio estilo. La voz apasionada de Plant y el trabajo de guitarra slide de Page son elementos destacados.

• "Dazed and Confused":

Posiblemente una de las canciones más icónicas de Led Zeppelin, una obra maestra psicodélica. La línea de bajo descendente, combinada con el uso innovador de Page de un arco de violín en su guitarra, crea un paisaje sonoro oscuro.

• "Your Time Is Gonna Come":

Tiene una introducción de órgano pegadiza y edificante de John Paul Jones, seguida de un ritmo de conducción y voces poderosas de Plant. El mensaje optimista de la canción y su melodía memorable la hacen sobresalir.

• "Black Mountain Side":

Una pista instrumental, puedes escuchar las excepcionales habilidades de Page con los dedos en la guitarra acústica. Inspirándose en la música folclórica tradicional británica e india, esta canción le da al disco un toque diferenciador.

• "Communication Breakdown":

Una canción de rock de ritmo rápido y alta energía, presenta un riff pegadizo y las voces de gemidos características de Plant. La energía implacable de la pista y la musicalidad ajustada la convierten en un clásico.

• "I Can't Quit You Baby":

Otra versión de blues demuestra la capacidad de la banda para infundir blues tradicional con su propio sonido de rock duro. La voz conmovedora de Plant y el expresivo trabajo de guitarra de Page crean una poderoso ambiente emocional.

• "How Many More Times":

El corte de cierre del álbum es una composición épica y extensa. Con sus tempos cambiantes, cambios dinámicos e impresionantes secciones instrumentales, esta canción es una buena conclusión.

En resumen, un gran debut que presentó al mundo a una banda que se convertiría en uno de los grupos de rock más influyentes y exitosos de la historia. La innovadora fusión del álbum de elementos de blues, hard rock y folk de la época, combinada con la excepcional maestría musical y las poderosas interpretaciones de la banda, hacen de "Led Zeppelin I" sea un clásico atemporal que continúa cautivando a los oyentes en la actualidad.

El legado del álbum "Led Zeppelin I":

 

Este disco ha influido en innumerables músicos y bandas en las décadas siguientes. A continuación algunos aspectos del legado perdurable del álbum:

• Pioneros en un nuevo sonido: "Led Zeppelin I" fue innovador en su fusión de elementos de blues, hard rock y folk, creando un sonido único y poderoso que definiría a la banda e inspirará a las futuras generaciones de músicos. El enfoque innovador del álbum para la composición y los arreglos ayudó a allanar el camino para el desarrollo del heavy metal y el rock progresivo.
  
  
• Dominio musical excepcional: los talentos individuales de cada miembro de la banda se exhibieron por completo en "Led Zeppelin I", mostrando su destreza técnica y habilidades creativas. Las innovadoras técnicas de guitarra de Jimmy Page, la poderosa y emotiva voz de Robert Plant, la versatilidad musical de John Paul Jones y la estruendosa percusión de John Bonham contribuyeron al impacto duradero del álbum.

• Presentaciones en vivo: los legendarios shows en directo de Led Zeppelin fueron una parte crucial de su atractivo, y las canciones de "Led Zeppelin I" jugaron un papel importante en sus primeros conciertos. Temas como "Dazed and Confused" y "Communication Breakdown" se convirtieron en elementos básicos de sus presentaciones en vivo. El éxito y el sonido de "Led Zeppelin I" tuvieron un profundo impacto en el mundo de la música, inspirando a bandas y artistas de varios géneros. Grupos como Black Sabbath, Deep Purple, Aerosmith y, más tarde, Guns N' Roses, Nirvana y Pearl Jam, han citado a Led Zeppelin como una gran influencia en su música.

• Popularidad perdurable: Mucho después de su lanzamiento, "Led Zeppelin I" continúa siendo celebrado por fans y críticos por igual. El atractivo atemporal del álbum es un testimonio de la perdurable relevancia de la banda y el impacto duradero de su música en el panorama del rock.
  
  

Disco recomendado

Aunque el álbum no es tan variado como algunos de sus trabajos posteriores (mi álbum favorito de todos los de Led Zeppelin es "Physical Graffiti"), marcó un punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal.

También es sin duda uno de los grandes discos debut en la historia del rock; el homónimo de Led Zeppelin es la primera de sus muchas obras maestras y uno de los álbumes más rompedores e influyentes en la historia del rock y el metal.

En definitiva, siempre un placer y una experiencia escuchar este disco.

Video del tema "Babe I'm Gonna Leave You":

Tracklist - canciones (formato LP original) :

Cara A:

1.         "Good Times Bad Times"                  2:43
2.         "Babe I'm Gonna Leave You"      6:40
3.         "You Shook Me"        (Willie Dixon, J. B. Lenoir) 6:30
4.         "Dazed and Confused"          (Jake Holmes) 6:27

Cara B:

1         "Your Time Is Gonna Come" 4:41
2.         "Black Mountain Side"          Page    2:06
3.         "Communication Breakdown"           2:26
4.         "I Can't Quit You Baby"       (Willie Dixon) 4:42
5.         "How Many More Times"      8:28