MDOU MOCTAR | Afrique Victime - Album

Es un cantante virtuoso, autodidacta y guitarrista tuareg especializado en assouf o "desierto blues" (termino periodístico), que mezcla los elementos más melódicos del blues eléctrico americano con sonidos tradicionales africanos. Hablo de...

Mdou Moctar (Músico)

Mahamadou Souleymane, conocido profesionalmente como "Mdou Moctar", es un compositor y músico tuareg con sede en Agadez, Níger, que realiza adaptaciones modernas de la música de guitarra tuareg. Toca la guitarra en los estilos takamba y assouf.

Breve historia:

Criado en un pequeño pueblo religioso en el centro de Níger donde la música secular era mal vista, Moctar construyó su propia guitarra básica y casera en secreto y comenzó a aprender a tocar por sí mismo. Cuando adquirió una guitarra de verdad, aprendió rápidamente y comenzó a escribir canciones que mezclaban la música de guitarra tuareg del Sahara con sus propias innovaciones inusuales y letras poéticas. Viajando a la ciudad nigeriana de Sokoto en 2008, grabó su primer álbum, "Anar", que presentaba una mezcla de espacios, voces de Auto-Tune, sintetizadores, cajas de ritmos y sus riffs de guitarra acústica originales.

Ha lanzado cinco álbumes en solitario y canta en el idioma "tamasheq". Su discografía hasta ahora:

• Anar (2008)
• Akounak Tedalat Taha Tazoughai (original soundtrack) (2015)
• Sousoume Tamachek (2017)
• Ilana: The Creator (2019)
• Afrique Victime (2021)

El quinto y último álbum "Afrique Victime" es simplemente excelente. Quién hubiera pensado que uno de los mejores discos de rock psicodélico de los últimos años vendría del corazón del desierto del Sahara.

ALBUM: Afrique Victime

Publicado el 21 de mayo de 2021, este disco fusiona influencias africanas con psicodelia y rock & roll. Mdou nos adentra en un contexto político, con una guitarra ruidosa y áspera con una clara inspiración del rock de los años 70 sin perder nunca el "estilo del desierto". Un sonido que también respira "blues", que demuestra una vez más la universalidad de la música. Grabado en trazos durante las pausas de las giras, el álbum captura la química y la energía del grupo.

Lanzado por el estadounidense independiente "Matador Records", Mdou actualiza el "desert blues-rock" con un potente rock & roll contrapuesto por afirmaciones sobre la aceptación y la tristeza de un corazón roto. Por otra parte, él y su banda exploran texturas acústicas más suaves en las dulces canciones devocionales, mientras inyectan algunos temas sociales y políticos.

Las canciones "Chismiten" y "Taliat" comienzan el disco energía, lo que lleva a cortes acústicos más discretos con "Ya Habibti" y "Tala Tannam". La pista "Layla" se remonta a los días del "delta blues" y es otra excelente oferta. La canción principal, "Afrique Victime" es una declaración política poderosa que le da al álbum un tema social. Es una condena de la brutalidad colonial de siete minutos y medio de duración que es a la vez sónica y emocional. El álbum se cierra con la canción acústica "Bismilahi Atagah" que transmite y mantiene la energía contagiosa general a lo largo del disco.

Una mención especial para la formación. Los músicos Michael Coltun (bajo), Ahmoudou Madassane (guitarra rítmica), y particularmente Souleymane Ibrahimshines con una notable actuación a la batería están magníficos.

Disco recomendado. Un gran disco africano (y universal) con rock psicodélico. Uno de los discos más interesantes y emocionantes publicados este año. Sus nueve temas pasan en un suspiro.

Video del tema  "Afrique Victime ":

Tracklist:

1.Chismiten 4:58
2.Taliat 3:48
3.Ya Habibti 3:31
4.Tala Tannam 5:38
5.Untitled 1:25
6.Asdikte Akal 4:31
7.Layla 4:26
8.Afrique Victime 7:25
9.Bismilahi Atagah 5:36

KORELESS | Agor - Album

Koreless (Lewis Roberts)

Productor de música electrónica que graba música donde rara vez incorpora ritmos, en su lugar construye "samples" en bucle y voces cortadas en patrones rítmicos hipnóticos. Influenciado por escritores de ciencia ficción como "J.G. Ballard" y compositores minimalistas como "Steve Reich", su música está destinada a ser artificial y basada en procesos, sin dejar de expresar emociones.

 

Breve historia:

Lewis Roberts, con nombre artístico "Koreless", nació en Bangor, Gales (UK). Después de mudarse a Glasgow, Roberts se involucró en la escena local de la música electrónica. Incluso antes de firmar con un sello, las primeras producciones de Roberts estaban siendo interpretadas y reproducidas por personas como James Blake, Benji B y Gilles Peterson, tanto en clubes como en la radio nacional británica.

Colaboró con "Sampha" como el dúo "Short Stories" y también ha trabajado con David Byrne, FKA twigs y otros. Una década después del lanzamiento de su primer single, "4D / MTI", emitido por Pictures Music en 2011, su debut de larga duración "Agor" se ha publicado este año.

Descubrí el álbum "Agor" recientemente después de leer un blog. Me ha sorprendido gratamente.
  

ALBUM: Agor

Es el álbum debut de "Koreless" y fue publicado el 9 de julio de 2021. Es una muestra clara de una obra desafiante. La música es grande, brillante y pulida. El título, "Agor" es la palabra galesa para "abrir", que capta la sensación que siente el oyente al sumergirse en este álbum.

Los puntos fuertes son sus ganchos y secciones donde la música parece "abrirse" y florecer desde sus cimientos más discretos y atmosféricos. Las canciones "Black Rainbow", el increíble "Joy Squad", "Frozen" y "Shellshock" son destacables. La composición es simple y única, pegadiza y mística, donde cada sonido tiene su propósito.

Este trabajo parece acercar a "Koreless" a la composición musical como un vehículo para crear paisajes sonoros texturizados y detallados. Hay un par de "conceptos" en los que siempre recurre: el corte vocal alienígeno, la yuxtaposición de sintetizadores, el propósito general de la progresión en su música y una paleta de sonidos que logran ser muy minimalista y maximalista al mismo tiempo. Todo lo que se escucha tiene una función clara, y suceden muchas cosas durante los 32 minutos de duración; hay IDM minimalista, secciones de sintetizador de trance, manipulación de sonido e incluso una influencia distinta de sintetizador casi siniestra en algunos temas.

Disco recomendado. Hay algo reconfortante en este álbum, incluso en medio de toda su "rareza", y por esa razón pienso que conecta con personas que normalmente no buscan álbumes etiquetados como "ambient", "experimental" o "electrónica de-construida". Es crudo, rural, aterrador, poco convencional y difícil de categorizar, lo que lo hace tan diferente y sobresaliente. Tanto es así, que este álbum está apareciendo en muchas listas de "Best of..." de fin de año. 

Video del tema "Joy Squad":

Tracklist:

1.Yonder - 1:41
2.Black Rainbow - 4:32
3.Primes - 0:59
4.White Picket Fence - 2:58
5.Act(s) - 1:42
6.Joy Squad - 4:31
7.Frozen - 3:23
8.Shellshock - 4:58
9.Hance - 1:31
10.Strangers -5:45

TURNSTILE | Glow On - Album

Turnstile (Banda)

Grupo estadounidense de hardcore punk de Baltimore, Maryland, que se formó en 2010. Una formación atrevida y contundente. Su mezcla de vintage hardcore americano y metalcore es tanto melódica como ideológicamente sólida. Para los fans del rock más veterano recuerdan musicalmente a "Jane 's Addiction" y actualmente son la banda destacada de la nueva escena hardcore punk.

Turnstile se formó dentro de la escena hardcore local emergente. Formados alrededor del vocalista Brendan Yates, los guitarristas Brady Ebert y Sean Cullen, el bajista Franz Lyons y el baterista Daniel Fang, firmaron inicialmente con "Reaper Records". Lanzaron su EP debut, titulado "Pressure to Succeed", en 2011 y su segundo EP, "Step 2 Rhythm", en 2013. En 2015, publican su álbum debut de larga duración "Nonstop Feeling". Desde entonces, han construido una sólida base de fans con giras, innovadores sonidos de rock y dos álbumes de estudio más.

Discografía hasta ahora:

•  Nonstop Feeling         2015
• Time & Space 2018
• Glow On   2021

Su último disco "Glow On" ha expandido su popularidad más allá de las fronteras americanas. Es su mejor trabajo hasta la fecha, y la crítica ya lo coloca como uno de los mejores álbumes de 2021. Estoy de acuerdo, me gusta mucho.
 

ALBUM: Glow On

El tercer álbum de estudio fue publicado el 27 de agosto de 2021, a través de "Roadrunner Records", un sello relativamente mayor y con más recursos que les ha abierto más las puertas. Este álbum ha sido elogiado por hacer del hardcore un "género fluido" y mostrar lo innovador que puede ser (el género). También ilustra la expansión del hardcore melódico de los 90s, incorporando elementos de sonidos grunge, post-punk y shoegaze.

El álbum fue grabado por el productor Mike Elizondo (Mastodon, Twenty One Pilots … cuyos créditos de co-compositor incluyen "In Da Club" de 50 Cent, "Just Lose It" de Eminem y "Family Affair" de Mary J Blige) y el disco también cuenta con la aparición como invitado al cantante, compositor y productor británico, Blood Orange (para los temas "Alien Love Call" y "Lonely Dezires"). Este álbum no tiene puntos débiles. La producción es excelente, lo que te deja esperando por saber lo que sucederá siguiente. Todas y cada una de las canciones de este disco fluyen juntas, a veces ni siquiera sabes que la canción ha cambiado.

Una obra de 15 canciones que se mantiene fiel a las raíces punk mientras crea una impresionante franja de sonidos retro, nuevos y prestados. Comenzando con un arpegio de sintetizador, el primer corte, "Mystery", prepara el escenario con una fuerte explosión de rock alternativo de los 90. Le siguen un montón de grandes temas como "Blackout", "Underwater Boi", "Holiday", "New Heart Design" y "T.L.C." (Turnstile Love Connection) que también son potentes. De hecho, hay mucho para elegir del repertorio que se adaptará a todo tipo de fans del rock. Hay sonidos que te recuerdan a Jane's Addiction, Rage Against the Machine … Fugazi; hay algo para ti.

Disco recomendado. Un tremendo álbum que lleva el Hardcore a nuevas y emocionantes alturas. Este álbum se afirma con razón como uno de los mejores álbumes de 2021. Buscarlo.

Video del tema "Blackout":

Tracklist:

1.         "Mystery"                  2:35
2.         "Blackout"                 2:53
3.         "Don't Play"               2:13
4.         "Underwater Boi"      3:04
5.         "Holiday"                   2:52
6.         "Humanoid / Shake It Up"                1:09
7.         "Endless"        1:58
8.         "Fly Again"                2:31
9.         "Alien Love Call" (con Blood Orange) 2:56
10.       "Wild World"            2:54
11.       "Dance-Off"              2:09
12.       "New Heart Design"             2:27
13.       "T.L.C. (Turnstile Love Connection)"                      1:42
14.       "No Surprise"             0:45
15.       "Lonely Dezires" (con Blood Orange)             2:43

COLD BEAT | War Garden - Album

Cold Beat (Banda)

Este es un proyecto musical impulsado por Hannah Lew. Cold Beat empezaron su carrera metiéndose de lleno en un post-punk lleno de guitarras potentes y oscuras, pero poco a poco su sonido ha ido evolucionando hasta centrarse en un sonido totalmente electrónico.

Cold Beat combina una instrumentación contundente que combina la fuerte composición de canciones de coldwave y post-punk. También hay corrientes de pop tintineante y sintetizadores en el repertorio.

Una breve historia:

Hannah Lew comenzó a escribir canciones bajo "Cold Beat" a fines de la década de 2000 mientras tocaba con el trío de San Francisco "Grass Widow" y se estableció como cineasta y artista visual. Cuando la banda - "Grass Widow" - hizo una pausa después de publicar "Internal Logic" en 2012, Lew se centró en Cold Beat en serio.

La formación y el sonido de Cold Beat evoluciona rápidamente. Poco más de un año después de publicar su álbum debut "Over Me", la banda regresó con "Into the Air" en 2015, que contó con la baterista Susi Leni y el guitarrista Jackson Blumgart junto a Hannah Lew y King. El álbum contaba con un sonido más basado en la electrónica que avisó sobre los álbumes de Cold Beat que llegarían  posteriormente. Lew escribió y grabó la mayor parte de "Chaos by Invitation" de 2017 por su cuenta, y trajo a Manley, Young, King y Blumgart.

En 2018, Cold Beat amplió la formación del grupo para incluir el guitarrista Sean Monaghan y el tecladista Luciano Talpini Aita. La banda incorporó sonidos más exuberantes, impulsados por sintetizadores, sentando las bases musicales actuales.

Discografía hasta ahora:       

• Over Me  2014                                  
• Into The Air 2015                             
• Chaos By Invitation  2017                          
• Mother  2020
• War Garden 2021      

Si se investiga sobre la banda, los fans hablan muy bien del primer disco "Over Me". Personalmente no les presté mucha atención hasta escuchar el último álbum "War Garden", me mola. Quizás es su sonido "bubble-sintetizador" y ritmos bailables lo que me engancha. No lo sé, pero sí que es un disco diferente dentro de la actual panorama musical.

ALBUM: War Garden

Es su quinto álbum publicado el 17 de septiembre de 2021 y me ha llamado la atención gratamente. No digo que sea "la bomba", pero sí que me parece un disco distinto, al menos llamativo e interesante.

El zoom, es el protagonista, y esto ha terminado influyendo en la temática y el sonido del disco.  Al igual que en sus anteriores trabajos, la pista de baile también cuenta con algo de protagonismo en esta obra. Además, musicalmente, se escucha por partes las influencias de la formación francesa de Air, y sonidos de "Yellow Magic Orchestra".

Se inspira en gran medida en las influencias de los sintetizadores de la década de 1980, y se hizo la composición de los temas en "FaceTime" durante el período de cuarentena por el Co-vid 19; lo que lo convierte literalmente en un álbum "virtual". La banda ha comentado en los medios que "War Garden" explora el mundo virtual y las formas en que ha cambiado sus propias vidas. Este álbum documentó una época como ninguna otra. Es una reflexión sobre cómo la tecnología ha afectado nuestras vidas a lo largo de la pandemia, y Cold Beat explora este momento único en la historia con este disco.

Un disco recomendado. Sonidos retro actualizados para sonar para hoy, y todo bajo ritmos bailables que agradan. Si, hay una narrativa detrás del disco, algo profundo e importante para saber, pero en el mundo no anglo-sajón la letra se pierde (y el mensaje) y solo queda el sonido. Y la música mola!

Video del tema "See You Again":

Tracklist:

1.Mandelbrot Fall - 3:45
2.SOS - 3:57
3.Tumescent Decoy - 2:59
4.Weeds - 3:37
5.See You Again - 5:06
6.Arms Reach - 2:43
7.Year Without a Shadow - 4:05
8.Rubble Ren - 1:23
9.Part the Sea - 2:53
10.Leaves and Branches - 3:18
11.New World - 3:49

SEAL | Seal - Album

Seal (Cantante)

Henry Olusegun Adeola Samuel, también conocido profesionalmente como "Seal", es un cantautor británico. Ha vendido +20 millones de discos en todo el mundo, con éxitos como "Crazy" y "Killer". Seal emergió de la escena de la "música house" de Inglaterra en 1990 para convertirse en el vocalista de soul británico más popular de esa década. Su material más temprano mostraba signos de acid house, pero a mediados de los 90 era conocido por una fusión distintiva de soul, folk, pop, dance y rock que le trajo un gran éxito a ambos lados del Atlántico.

Seal ha ganado múltiples premios a lo largo de su carrera, incluidos tres Brit Awards, así como cuatro premios Grammy. Como compositor, recibió dos premios Ivor Novello a la mejor canción musical y lírica de la Academia Británica de Compositores, Compositores y Autores por "Killer" (1990) y "Crazy" (1991).

Al principio, Seal pasó un corto tiempo cantando en clubes y bares locales durante los años 80. En 1987, se unió a "Push", una banda británica de funk, y realizó una gira con ellos por Japón. En Tailandia, se unió a una banda de blues por un tiempo antes de separarse del grupo y viajar por la India por su cuenta. Regresó a Inglaterra y conoció al productor de música dance "Adamski" e interpretó la letra del sencillo de Adamski "Killer". Esta fue su gran oportunidad.

El single "Killer" fue un éxito en las listas de éxitos llegando al #1 en el Reino Unido. Posteriormente, Seal firmó con "ZTT Records" y publicó su álbum debut homónimo en 1991.

Discografía hasta ahora:

• Seal (1991)
• Seal ("Seal II") (1994)
• Human Being (1998)
• Seal IV (2003)
• System (2007)
• Seal 6: Commitment (2010)
• 7 (2015)

Muchos consideran su segundo álbum "Seal II" como el más exitoso comercialmente. La verdad es que le consolida como una estrella mundial. Sin embargo, mi obra favorita es el debut, quizás por ser más bailable.

ALBUM: Seal

El álbum de estudio debut publicado en 1991. Considerado por la crítica como uno de los mejores álbumes de debut de los años 90 (Siglo XX). El disco debutó en el #1 en el Reino Unido y es mejor conocido por el éxito "Crazy", posiblemente uno de los mejores singles de la década. El álbum fue platino en los EE. UU. y doble platino en el Reino Unido; hizo de "Seal" un nombre internacional.

La obra contiene una artesanía y composiciones asombrosas para ser un debut, que es también delicado y bien definido. Las representaciones líricas y la composición son personales y los créditos de producción son impresionantes. Con el magnífico trabajo de Trevor Horn y Trevor Rabin, la voz de Seal es "soulful" y las pistas de este álbum están llenas de pasión y alma. Disfruto de los ritmos bailables de este disco.

La canción "Crazy" fue un gran éxito de radio durante el verano de 1991, lo que convirtió a Seal en una estrella mundial. Su colaboración con "Adamski" para la canción "Killer" también fue un gran éxito en los clubes de baile. De hecho, prefiero lo último a lo primero.

En general, gracias a Trevor Horn, este álbum presenta la belleza, el deseo y la simplicidad de crear un nuevo sonido para su época. Es decir, música bailable accesible para un público más amplio, donde antes se pensaba como música perteneciente al ámbito del circuito de baile de élite y underground. Con el tiempo, este álbum ha trascendido hacia un espacio aún más comercial, lo que permite que lo disfrute una audiencia mucho más amplia. Resiste la prueba del tiempo.

Disco recomendado. Uno de los mejores discos de los 90: bailable, fluido, completo y en lugares, espiritual (soul).

Video del tema "Killer":

Tracklist:

01."The Beginning" – 5:40
02."Deep Water" – 5:56
03."Crazy"  – 4:47
04."Killer"  – 6:22
05."Whirlpool" – 3:56
06."Future Love Paradise" – 4:20
07."Wild"  – 5:19
08."Show Me" – 5:59
09."Violet" – 8:06

THE WOOGLES | Teen Dance Party - Album

Son una banda que encaja muy bien en la filosofía de este blog. Relativamente poca conocida, que por eso no quiere decidir que sean malos. Todo lo contrario, son buenísimos y además complementan su oferta con potentes actuaciones en directo que les han ganado muchísimos seguidores por todo el mundo, por no decir, mucho respecto y credibilidad. Una formación que trabaja duro para difundir su pasión por el rock. Hablo de...

The Woogles (Banda)

Son una formación única que se ha ganado el estatus de culto con su mezcla de garage rock, música de surf y rockabilly fiestera que conectan sólidamente tanto en vivo como en el estudio. The Woggles son una de las pocas bandas que abordó el garage rock de los años 80 llevándolo hasta hoy sin perder impacto.

Una breve historia:

El grupo fue formado en 1987 por el cantante Manfred Jones, también conocido como "The Professor". Tomando su nombre de una línea en la canción "Wiggle Waggle Woo" de "Sticks McGhee", "The Woggles" hizo su debut discográfico con "Elvis Cadillac", un EP de vinilo de 7 "lanzado en 1990; después de unos sencillos más, se asoció con el sello de garage rock "Estrus Records" para publicar su primer álbum, "Teen Dance Party" de 1993. Aunque tienen 10 álbumes de los que estar orgullosos, su historia se puede describir como "on & off".

The Woggles han tenido problemas para mantener una alineación estable en sus primeros años, pero cuando publicaron "Get Tough!" en 1997, la formación se había estabilizado, con Manfred acompañado por Montague (también conocido como George Montague Holton III) en la guitarra, Buzz Hagstrom (también conocido como Patrick O'Connor) en el bajo y Dan Electro (también conocido como Dan Hall) en la batería. En 2003, el guitarrista Montague murió y Jeff Walls se hizo cargo de la guitarra, adoptando el nombre artístico "Flesh Hammer".

El grupo durante su historia ha realizado muchas giras tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, ganando una reputación como una banda en directo increíble, ganando una base de fans leales y un estatus de culto. El disco "Live! At The Star Bar" publicado en 2001 captura perfectamente su magia en directo, y es muy recomendado.

Discografía - álbumes de interés - hasta ahora:

•  Teen Dance Party       1993               
• Get Tough! 1997                   
• Wailin' With The Woggles 1998                  
• Fractured 2000                      
• Live! At The Star Bar          2001               
• Ragged But Right      2003               
• Rock n Roll Backlash            2007               
• Tempo Tantrum          2009               
• The Big Beat              2013               
• Tally Ho! 2017

Conocí a la banda por su primer disco, "Teen Dance Party", una obra genial de garage rock revival que sigue sonando tan de actualidad.

ALBUM: Teen Dance Party

Primer álbum publicado en 1993. Una oferta de catorce canciones muy directas y sin trampas con una sensación de R & B y con un sonido muy de buen rollo.

Realmente es un disco festivo y de celebración de principio a fin, y contiene su gran tema "Mad Dog 20/20", junto con una versión fabulosa de "My Baby Likes To Boogaloo" de Don Gardner, que es una joya.

Un álbum poco conocido que va ha deleitar a los fans del buen rock n roll y los sonidos del garage-rock

Un disco recomendado. Hacerte el favor, busca este disco y simplemente disfrutarlo.

Video del tema "Mad Dog 20/20":

Tracklist:

1.Mad Dog 20/20     
2.Insomnia
3.Count the Ways     
4.Raining Teardrops
5.ABBA       
6.End of the World
7.My Baby Likes to Boogaloo         
8.Get Yourself Together
9.Struttin' in Style     
10.The Third Rail     
11.Hoodoo Healer
12.Hang Up
13.Country Squire     
14.Wild Man

ANDREW HILL | Black Fire - Album

Andrew Hill (Músico Jazz)

Fue un compositor y pianista innovador, pero estuvo relativamente perdido en la confusión de la revolución del free jazz de los años sesenta. Mientras que muchos de sus contemporáneos estaban impulsando totalmente las técnicas rítmicas y armónicas del bop y el hard bop, Hill trabajó para ampliar las posibilidades; la suya fue una revolución desde dentro. Andrew Hill fue una fuerza impulsora del jazz de vanguardia.

Gran parte del jazz más fascinante de los sesenta fue casi aleatorio; Andrew Hill, por otro lado, exhibió un dominio absoluto de su oficio y por muy abstracto que pudiera ser a veces. Sus melodías compuestas eran laberínticas y melodías rítmica y armónicamente complejas. Como pianista, Hill tenía un melodioso fluido y un sentido elástico del tiempo.

Las principales influencias musicales de Andrew Hill fueron los pianistas Thelonious Monk, Bud Powell y Art Tatum.
 

Un breve historia:

Andrew Hill, nacido en 1931 en Chicago, empezó a tocar el piano a los trece años. Cuando era niño, asistió a la "Escuela Experimental de la Universidad de Chicago". El compositor de jazz Bill Russo lo remitió a Paul Hindemith, con quien estudió informalmente hasta 1952. Cuando era adolescente, actuó en bandas de rhythm and blues y con músicos de jazz en gira, incluidos Charlie Parker y Miles Davis.

En 1950, Hill aprendió sus primeros cambios de blues en el piano del saxofonista Pat Patrick y en 1953 realizó su primer trabajo profesional como músico, con la banda de Paul Williams. En 1961, después de viajar como acompañante de Dinah Washington, el joven pianista se instaló en la ciudad de Nueva York, donde trabajó para Johnny Hartman y Al Hibbler; luego se mudó brevemente a Los Ángeles, donde trabajó con el cuarteto de Roland Kirk y en el club de jazz Lighthouse Café.

Andrew Hill grabó por primera vez como acompañante en 1954, pero su reputación se hizo con sus grabaciones de sello "Blue Note" como líder de 1963 a 1970, que incluían a varios otros importantes músicos post-bop como Joe Chambers, Richard Davis, Eric Dolphy, Bobby Hutcherson, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Elvin Jones, Woody Shaw, Tony Williams y John Gilmore.

Su última actuación pública fue el 29 de marzo de 2007 en la ciudad de Nueva York. Después de luchar contra el cáncer de pulmón durante muchos años, Hill sucumbió a la enfermedad el 20 de abril de 2007, dejando un impresionante legado de trabajo.

Como muchos músicos de jazz, la discografía es larga tanto como artista principal como colaborador. Una lista demasiada amplia para poner aquí y que será más eficaz  buscando en internet: concentrándose en sus años con "Blue Note". Hay muchos  álbumes para recomendar; Judgement (1964), el magnífico "Point of Departure" (1965), "Passing Ships (1969)…etc. Sin embargo, un disco que le tengo un especial cariño fue un regalo, "Black Fire". Una obra sorprendente experimental y de lenta digestión que te va ganando más y más con cada escucha. Excelente obra para cualquier fan del post-bop o para aquellos que buscan explorar el estilo.

ALBUM: Black Fire

 
Un álbum de estudio publicado por "Blue Note Records" en 1964. Fue el debut de Hill para el sello. Inicialmente, "Philly Joe Jones" estaba programado para tocar en el álbum, pero fue reemplazado por Roy Haynes después de problemas de programación. "Black Fire" es un gran ejemplo de jazz muy escuchable y melódico, pero aún extraño y fuera de los límites de lo que la mayoría de los compositores de jazz estaban haciendo en 1963. Es un disco de jazz para aquellos que disfrutan de los sonidos más intransigentes de la era "Blue Note" de los años 60 (Siglo XX).

La música de Hill es original, se construye a partir de una base de hard bop y se mueve hacia un territorio armónico y rítmico inexplorado. Sus composiciones y técnica se arriesgan; suele parecer inquieto, buscando voces, ritmos y frases provocativas. "Black Fire" toma prestado de la vanguardia, pero no forma parte de ella; las estructuras siguen siendo bastante similares al bop y hay melodías distintas.

En general, tienes un cuarteto tradicional de saxo-piano-bajo-batería en todas las canciones menos dos, donde todos se expresan bien. Hill y su banda, compuesta por el saxofonista tenor Joe Henderson, el bajista Richard Davis y el baterista Roy Haynes, no están contentos con las limitaciones del hard bop. Los cuatro se lo arreglan lo suficiente como para competir de manera inventiva e impredecible en torno a los cambios de acordes y los solos de los demás, lo que crea una música que se basa en elementos fijos pero que evita la repetición a través de la imaginación en el momento e irrepetible. Gran parte de la música está informada por ritmos afro-cubanos y armónicos modales, lo que resulta en una música continuamente desafiante y gratificante. Los complejos acordes de Hill son absolutamente impresionantes, y los atrevidos solos de Henderson son más aventureros que sus anteriores actuaciones de bop.

Disco recomendado. Una declaración de propósito que conserva gran parte de su poder décadas después de su lanzamiento inicial. La maestría musical, junto con la sección rítmica ágil e impredecible, hacen de "Black Fire" un clásico del jazz moderno. Hay mucho más material fantástico procedente de Andrew Hill y del jazz de vanguardia en general, pero "Black Fire" es un lugar tan bueno como cualquier otro para escucharlo por primera vez.

Video del tema “Pumpkin”:

Tracklist (formato vinilo):

1."Pumpkin'" – 5:24
2."Subterfuge" – 8:04
3."Black Fire" – 6:56
4."Cantarnos" – 5:42
5."Tired Trade" – 5:51
6."McNeil Island" – 2:58
7."Land of Nod" – 5:48

Bonus temas en formato CD:
"Pumpkin'" [Alternate Take] - 5:16
"Black Fire" [Alternate Take] - 5:48

PORCUPINE TREE | In Absentia - Album

Porcupine Tree (Banda)

Banda de rock inglesa formada por el músico Steven Wilson en 1987.

El grupo comenzó como un proyecto en solitario para Steven Wilson (también se le conoce a través de la banda "No-Man"), quien inicialmente creó toda la música de la banda. Sin embargo, a finales de 1993,quería trabajar en un entorno de banda, trayendo a los colaboradores Richard Barbieri (teclista), Colin Edwin (bajista) y Chris Maitland (baterista) para formar la primera formación. Con Wilson como vocalista principal y guitarrista, esto se mantuvo hasta febrero de 2002, cuando Maitland dejó la banda y Gavin Harrison fue reclutado para reemplazarlo.

El sonido inicial de "Porcupine Tree" evocaba varios estilos de rock psicodélico, space rock y rock experimental, moviéndose luego hacia una dirección de rock más progresivo comparable al de "Pink Floyd". A principios de la década de 2000, la banda cambió su sonido de nuevo, esta vez en una dirección de metal y más progresiva.

Mencionado esto, el trasfondo musical inherente de "Porcupine Tree" se remonta a la infancia de Steve Wilson. Su padre le introdujo al disco "Dark Side of the Moon" de Pink Floyd, mientras que su madre consiguió introducir a "Love to Love You Baby" de Donna Summer. Estos álbumes influyeron en su composición posterior. Otros conocidos influencias son Camel y ABBA (gran sorpresa para mí).

Más tarde, en su adolescencia, Wilson se convirtió brevemente en un fan de la nueva ola de música heavy metal británica, pero tan pronto como descubrió la música de los setenta y el rock progresivo, su interés en el metal disminuyó a favor de la música experimental. Más tarde (en la década de 2000) descubrió bandas en los gustos, Sunn O))) y Meshuggah, que restauró su fe en la música metal.

Además, transmiten cierta influencia del krautrock y la música electrónica en las obras de "Porcupine Tree", ya que a Wilson le gustan las bandas como Can, Neu !, Tangerine Dream y Aphex Twin. Steven Wilson también ha mencionado en múltiples ocasiones que admira el trabajo del músico estadounidense Trent Reznor, de Nine Inch Nails.

Porcupine Tree ha influido en una nueva generación de artistas y bandas, por ejemplo The Pineapple Thief, Sylvan, Bjorn Riis, Cosmograf, Pinkroom … por mencionar algunos.

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora:

• On the Sunday of Life... (1992)
• Up the Downstair (1993)
• The Sky Moves Sideways (1995)
• Signify (1996)
• Stupid Dream (1999)
• Lightbulb Sun (2000)
• In Absentia (2002)
• Deadwing (2005)
• Fear of a Blank Planet (2007)
• The Incident (2009)
• Closure/Continuation (2022)

Personalmente el álbum que más me gusta, y más escucho de la banda, es "In Absentia".

ALBUM: In Absentia

El séptimo álbum de estudio fue publicado el 24 de septiembre de 2002. El disco marcó varios cambios para la banda, siendo el primero con el nuevo baterista Gavin Harrison y el primero en moverse hacia una dirección de metal y más progresiva. Se considera, y con razón, el mayor logro de la banda, vendiendo más del triple de lo que cualquiera de los álbumes anteriores de la banda tenía en el pasado. El álbum ha vendido +100.000 copias en todo el mundo. Un esfuerzo de calidad; un álbum de rock atmosférico genial y suave en la tradición del Pink Floyd de mediados de los años 70 (Siglo XX).

Como ya mencionado, la banda cambia su sonido y decide moverse en una dirección de metal más progresiva. Steve Wilson redescubrió la música heavy metal, especialmente de la banda "Opeth" y su álbum "Blackwater Park", que le inspiró a mover "Porcupine Tree" en una dirección más "metal".

Si bien no es un álbum conceptual, muchas de las canciones tienen temas comunes relacionados con los asesinos en serie (principalmente), la inocencia juvenil que salió mal y las críticas al mundo moderno. El título del álbum evoca el mismo tema, con la frase en latín para "In Absentia" o "en ausencia de uno", un término que se utiliza a menudo en relación con los procesos penales que ocurren a pesar de la ausencia del acusado.

El álbum está lleno de mezclas de percusión electrónica con una batería simple y sólida para proporcionar un potente ritmo de fondo mientras Steven Wilson pega su complicado pop sobre los procedimientos. La capacidad de Wilson para enterrar su voz en capas sobre la guitarra eléctrica espaciosa sin ahogar sus frágiles letras es una característica valiosa, y en los momentos de claridad su voz es impresionante. Depender de un sonido de heavy metal algo gótico crea algunos momentos extraños, especialmente cuando se compara con su material más suave, dicho esto, es bueno que las cosas cambien y evita lo lineal.

Técnicamente, este álbum captura la esencia del rock progresivo y el heavy metal, combinándolos para crear un diferente y nuevo sonido. Aunque se escuchan algunas texturas metálicas, la mayoría del material de “In Absentia” es más de naturaleza melódica. Hablando líricamente, puedes escuchar la composición más fuerte e inteligente de la banda. Los temas como Blackest Eyes, Trains, Lips of Ashes, Gravity Eyelids, The Creator Has a Mastertape y el instrumental Wedding Nails se encuentran entre los más fuertes y destacan la altura lograda.

Mis momentos mágicos de este álbum son las canciones Trains, Blackest Eyes y Wedding Nails.

Disco recomendado. "In Absentia" es un álbum que cambia las reglas del juego para la banda, un disco casi impecable. La formación logra un equilibrio entre la melancolía sentimental y las canciones duras con potentes bajos. Este disco refleja la vanguardia del rock progresivo moderno. Si aún no lo has hecho, escucha este álbum.

Video del tema "Trains":

Tracklist:

1.         "Blackest Eyes"                     4:23
2.         "Trains"                      5:56
3.         "Lips of Ashes"                     4:39
4.         "The Sound of Muzak"                     4:59
5.         "Gravity Eyelids"                  7:56
6.         "Wedding Nails" (instrumental)                    6:33
7.         "Prodigal"                  5:32
8.         "3"                  5:25
9.         "The Creator Has a Mastertape"                   5:21
10.       "Heartattack in a Layby"                  4:15
11.       "Strip the Soul"                      7:21
12.       "Collapse the Light Into Earth"                    5:54

LORD HURON | Long Lost - Album

Lord Huron (Banda)

Grupo americano de indie rock con sede en Los Ángeles. La banda fue fundada por el guitarrista y cantante Ben Schneider y está compuesta por Miguel Briseño (bajo y teclados), Tom Renaud (guitarra) y Mark Barry (batería).

La banda combina los géneros western, folk rock, rock, pop y surf rock y las influencias de la nueva era para producir un sonido novedoso: un sonido cinematográfico, temperamental y con imágenes evocadoras. Lord Huron recuerda el sonido de bandas como The Band, Neil Young, My Morning Jacket y Fleet Foxes.

Breve historia:

En 2010, Ben Schneider formó Lord Huron como un proyecto en solitario, grabando sus primeros EPs completamente por su cuenta y agregando miembros constantemente para ayudar a tocar en directos. El nombre de la banda se inspiró en Lake Huron, el lago que Schneider creció visitando donde pasaba las noches tocando música alrededor del fuego. En enero de 2012, Lord Huron firmó con el sello independiente "Iamsound Records" y comenzó a trabajar en su álbum debut estilo indie folk, "Lonesome Dreams".

Discografía hasta ahora:

2012 Lonesome Dreams       
2015 Strange Trails   
2018 Vide Noir         
2021 Long Lost         

Había dejado  a seguir a "Lord Huron" hasta su recién y último álbum "Long Lost". Un trabajo totalmente diferente de todo publicado este año y que lo separa del resto. Es un disco que recuerda a muchas otras bandas aunque mantiene su propia personalidad.

ALBUM: Long Lost

Este cuarto álbum es una mezcla de dream pop barroco con un acento country-western. "Long Lost" es una obra que abarca temas de amor, pérdida y preguntas metafóricas sobre el tiempo. En la superficie parece melancólico, pero la historia del álbum es mucho más profunda. Es un conjunto de 16 temas publicado el 21 de mayo de 2021 comenzando con varias piezas intersticiales antes de lanzarse en el single "Mine Forever". El resto es una aventura cinematográfica sonora y mental.

Es un disco sólido y muy atmosférico con paredes de reverberación e instrumentos de fondo. Con muchas imágenes mentales, vistas exuberantes y sonidos de guitarra inspirados en Ennio Morricone, es retro y hermoso. Salpicado de interludios que van desde las llamadas vocales de armonías hasta las emisiones de radio espectrales, "Long Lost" apunta hacia la inmersión total, y cuando se consume en una sola sesión, es innegablemente transportador.

Las piedras de toque sonoras de salidas pasadas siguen siendo prominentes: el ágil "Not Dead Yet" lleva el sello distintivo de una producción limpia y trabajo, y el corte del título está inundado de densos parecidos de "Fleet Foxes" como armonías.

Si tienes tiempo para escuchar atentamente este peculiar álbum de rock alternativo-western, serás muy recompensado por tus esfuerzos. Es la destilación más satisfactoria del folk-pop pastoral de la banda hasta la fecha y una banda sonora para un viaje por carretera a ninguna parte.

Un disco recomendado. Revitaliza los tonos y modos de raíces clásicas, y los entrega de manera entrañable a un público amplio. Desde el rockabilly hasta los entusiastas de americana y los rockeros indie, "Long Lost" se congracia al ofrecer un tratado sobre la belleza de la música estadounidense. Un álbum para acompañarte en los momentos de tranquilidad.

Si eres fan de bandas como "My Morning Jacket" y "Fleet Foxes" te va gustar. Aparte es uno de los lanzamientos más diferenciadores de año.

Video del tema "Love Me Like You Used To":

Tracklist:

1.The Moon Doesn’t Mind 1:10
2.Mine Forever 4:48
3.(One Helluva Performer) 0:21
4.Love Me Like You Used To 3:40
5.Meet Me in the City 3:54
6.(Sing for Us Tonight) 0:04
7.Long Lost 4:44
8.Twenty Long Years 4:50
9.Drops in the Lake 4:01
10.Where Did the Time Go 1:33
11.Not Dead Yet 2:57
12.(Deep Down Inside Ya) 0:24
13.I Lied 3:54 feat. Allison Ponthier
14.At Sea 1:35
15.What Do It Mean 5:53
16.Time's Blur 14:18