MEJORES ALBUMES DE 2020

Mejores Discos Internacionales 2020 - Top 30

Como ya es habitual, al final de cada año elaboró un video con los "Mejores Álbumes del Año" (Internacionales). Es una especie de compilación de todos los discos que durante el año he etiquetado con "Disco 2020". Puede que aparezca uno o dos que no les haya puesto el "tag" pero en su mayoría son mis "Disco 2020".

Voy a ir contracorriente a muchas personas, en general para mi ha sido un año muy flojo en términos de publicaciones de álbumes de calidad. Es obvio que 2020 ha sido un año atípico dominado por el "CoVID-19", los confinamientos y las restricciones a la movilidad, y en muchos aspectos obstaculizando la vida social. He leído por otros medios musicales que precisamente "el confinamiento" ha motivado a los artistas-músicos a grabar obras más íntimas y creativas.

Personalmente, no les he visto y ni los he escuchado, y si se me han cruzado por mis manos (oídos) dichos álbumes  - y mira que consumo cientos de títulos - no me han llamado la atención. Estoy viendo muchas listas de "Best Albums of  2020" por gente muy metido en música, con mucho conocimiento y relevancia que incluyen en sus listas de elegidos discos a  artistas como Bad Bunny, Dua Lipa, Taylor Swift, Haim...etc., y aunque hay que respetarlo, me indica claramente el mal año que ha sido 2020 musicalmente. En un año de realmente grandes lanzamientos, de calidad y rompedores no había espacio para dichos artistas para una lista Top 10, 20 y/o 30.  Es mi opinión.

Sigue la tendencia que muchos definen como "la lenta muerte del álbum" como formato. Primero, cada año escuchamos "la muerte" de algo en la música y sigue dando vueltas y vueltas. Es verdad que la forma de consumir música en la actualidad vía las plataformas digitales favorece el single y que la capacidad de mantener nuestra atención y concentración es muy corta. Es decir, para ser un "éxito" tienes que captar la atención en los primeros 20-30 segundos. Además hay una feroz y bestial competencia para estar en el "escaparate" de los "Playlists" y ser una prioridad de los algoritmos que posicionan títulos y música en dichas plataformas de “streaming y video”. Aquí las multinacionales tienen las armas, mejor dicho la pasta (dinero) para influir directamente sobre las plataformas y los medios musicales.  Si añades a esto que los ingresos de las multinacionales vienen ahora directamente del streaming, entonces interesa música en formato single de estilo "chicle", es decir, comer y escupir la música cuando no tenga más sabor. En otras palabras, es el dominio total del formato corto, desechable y de estilo POP más comercial, y es aún peor, con una visión a corto plazo.

Otra tendencia ya asentada es el dominio del Regatón y el Trap,  es total. Obviamente gusta a millones de personas, jóvenes que bailan y ligan con ello, hay que respetarlo. Pero si me preguntas, vaya mierda de música amigo.

Comentado esto, el 2020 si que nos ha dado muy buenos e interesantes álbumes, algunos auténticas pequeñas joyas y en otros casos,  sorprendentes descubrimientos. Muchos son ya viejos conocidos que han conseguido consolidar su sonido y "fan base", así es más fácil lanzar sus álbumes. Mientras otros son novatos que espero puedan sobrevivir el "maldito segundo disco" y así poder seguir siendo relevantes en el futuro... el tiempo nos dirá. 

Adjunto abajo mi video que repasa los "Mejores Álbumes del 2020 – Top 30" para mí, los que me han impactado de alguna manera. No están situados en ningún orden de preferencia... aunque si voy a destacar algunos discos: 

- Shell of a Shell - "Away Team"
- The Cool Greenhouse – “The Cool Greenhouse”
- Gleemer - "Down Throught"
- Armand Hammer - "Shrines"
- Freddie Gibbs & The Alchemist - "Alfredo's"
- Porridge Radio - "Every Bad"
- Disc - "Collector"

No voy a poner la lista completa para animarte a ver el video pero si adjunto un "widget" de Spotify para poder visitar y escuchar un tema de cada álbum elegido.

Y quiero dejarlo claro, esta lista - mi selección - es subjetiva, cada uno tiene sus gustos y vive la música a su manera. Todo es respetable y debe ser respetado. Esto es más un ejercicio para compartir música, crear comunidad y sugerirnos otros estilos. Se que muchos álbumes no van estar presente, algunos muy buenos,  y encima solo elijo 30. No hay ni existen motivos para los enfados, cada uno es libre de expresar sus gustos  ¿OK?

Adjunto abajo un "widget" de "Spotify" para escuchar una canción de los álbumes elegidos, y si deseas seguir la cuenta de "Descubre + Música":

ALCEST | Shelter - Album

Alcest (Banda)

Grupo francés de post-black metal de Bagnols-sur-Cèze, fundada y dirigida por el multi-instrumentista Neige (Stéphane Paut), quien también trabajó con Peste Noire, Mortifera y Amesoeurs. El proyecto "ALCEST" comenzó en el año 1999 como una idea en solitario de "Black Metal", que pronto se transformó en un trío; pero tras el lanzamiento del primera demo en 2001, los miembros, Aegnor y Argoth dejaron la banda, dejando a Neige de nuevo como el único miembro. En 2009, el baterista Winterhalter de Les Discrets (y anteriormente Peste Noire) se unió a la formación de Alcest, después de ocho años con Neige como único miembro a tiempo completo. 

La música de "Alcest" ha ido cambiando gradualmente del black metal al shoegaze, al post-metal y finalmente al sonido integrado conocido como blackgaze. Melodía intensa, texturas electrónicas y a veces, voces cantadas a gritos que entrelazan en sus mezclas. Las primeras grabaciones, como su primer demo "Tristesse Hivernale" en 2001, mostraban a un trío tocando black metal melódico, crudo y lo-fi. Para cuando se publicó el primer álbum "Souvenirs d'un Autre Monde" de 2007, Alcest se había convertido en un proyecto completo de textura metal. La banda iría musicalmente hacia el post-rock, en particular el "shoegaze" hasta el disco "Shelter" de 2014, fácilmente su grabación más accesible. Con el álbum "Kodama" de 2016 Alcest fusiona el metal y el dream-pop para proponer su "Blackgaze"...una mezcla de los anteriores discos.

La discografía de "Alcest" hasta ahora:

• 2007    Souvenirs d'un autre monde 
• 2010    Écailles de Lune        
• 2012    Les Voyages de l'Âme          
• 2014    Shelter
• 2016    Kodama         
• 2019    Spiritual Instinct

El álbum que más me gusta es "Shelter" de 2014; hubo bastante controversia desde la prensa especializada ya que fue un cambio drástico hacia el estilo "shoegaze" (dream-pop). Descolocó a mucha gente, aunque los fans lo aceptaron positivamente. 

ALBUM: Shelter

El cuarto álbum de estudio publicado el 17 de enero de 2014. El nombre del álbum está relacionado con el concepto general del álbum..."Shelter"...es un lugar seguro para escapar, esa cosa secreta que todos tenemos cuando la vida va demasiado rápido y estás lleno de ansiedad "...así lo define Neige en una entrevista a la revista musical "Spin", y agregó que … "este refugio podría ser cualquier cosa: una persona, un película, música. Es algo que te recuerda en cierto modo quién eres, como un espejo, y te convence de perderte".  El álbum marca un importante cambio estilístico para la banda, abrazando completamente las influencias de shoegaze y del “Dream pop” mientras se elimina las influencias del sonido metal de anteriores trabajos.

No obstante, dado que toda la prensa declaró que Alcest se había 'vuelto dream-pop', realmente "Shelter" no es un gran cambio en sonido, o al menos no tan drástico o sorprendente, es una evolución natural para un banda que se ha ido alejando cada vez más de sus orígenes del "Black Metal" … hacia el territorio más afín del post-rock-dream-pop. Ahora disfrutan en una zona dominado "Blackgaze", un mix de "Black "Metal" y "Shoegaze"...son unos innovadores (en los EEUU estaba "Deafheaven" haciendo cosas similares). Además desde mi punto de vista, este álbum es el más accesible de Alcest, al menos lo puedo escuchar de principio a fin cómodamente.

Shelter, está en deuda con sus fuentes de inspiración británicas de los noventa (Cure, Slowdive, Ride...) y está totalmente comprometido con la sensibilidad melódica. El compositor y multi-instrumentista Neige (Stéphane Paut) y el baterista Jean “Winterhalter” Deflandre contrataron el estudio "Sundlaugin" de Sigur Rós, y a su productor, Birgir Jón Birgisson. Su huella sonora es evidente en la breve y vaporosa introducción del corte "Wings" y permanece constante. Otros participantes islandeses incluyen el cuarteto de cuerda del grupo "Amiina". 

Si, el disco "Shelter" es un cambio de sonido y un homenaje directo al sonido "shoegaze" de los años 90: Neil Halstead de Slowdive incluso ofrece la voz principal en el tema "Away". Shelter está diseñado para ser tocado fuerte, con capas de guitarras que se desmayan, tambores mantecosos pero contundentes, letras cantadas soñadoras y otros efectos de textura que crean una calidez auditiva y acuosa en la que el oyente puede perderse por un tiempo: solo escuchar los temas "Opale", "La Nuit Marche Avec Moi", "Voix sereines" y "Deliverence". Simplemente, es un disco de ensueño, un refugio bien diseñado, vulnerable y honesto. Mola! 

Un disco recomendado. Dream pop con una maravillosa sensibilidad, hermosas melodías, instrumentales relajantes y la voz limpia de …un álbum calmante. Si te gusta el "Dream pop" busca este álbum que te va sorprender. Si prefieres algo más fuerte busca los trabajos anteriores o incluso escucha el álbum posterior "Kodama". 

Buen álbum, de una muy interesante banda.

Video del tema "Voix Sereines":

Tracklist:

1.         "Wings"          1:32
2.         "Opale" ("Opal")         4:56
3.         "La Nuit marche avec moi" ("The Night Walks With Me")  4:58
4.         "Voix sereines" ("Serene Voices")     6:44
5.         "L'Éveil des muses" ("The Awakening of the Muses")         6:49
6.         "Shelter"         5:29
7.         "Away" (featuring Neil Halstead)     5:02
8.         "Délivrance" ("Deliverance") 10:06

MY MORNING JACKET | Z - Album

My Morning Jacket (Banda)

Grupo americano de Alt-rock formado en Louisville, Kentucky en 1998. Actualmente, la banda está formada por el vocalista y guitarrista Jim James, el bajista Tom Blankenship,  el guitarrista Carl Broemel, el tecladista Bo Koster y el baterista Patrick Hallahan. El sonido de la banda, arraigado en el rock y el country, es a menudo experimental y psicodélico. El grupo acumuló muchos seguidores y fans a partir de la década de 2000, en parte debido a sus impactantes presentaciones en directo.

My Morning Jacket (MMJ) comenzó con el cantautor Jim James. James creó el grupo como una salida para las canciones acústicas que había desarrollado por su cuenta que su banda en ese momento, "Month of Sundays", no podía usar. La primera formación del grupo incluía a su primo, Johnny Quaid (guitarra), Tom Blankenship (bajo) y J. Glenn a la batería, todos anteriormente de la banda emo-punk "Winter Death Club". El nombre de la banda proviene de James, quien una vez encontró un abrigo descartado con las letras MMJ estampadas. El álbum debut de MMJ, "The Tennessee Fire", fue publicado en mayo de 1999.

Aclamados como los nuevos héroes de la escena del country alternativo cuando debutaron a fines de la década de 1990, "My Morning Jacket" maduró hasta convertirse en un conjunto ecléctico y diverso en cuanto a sonido, cuyo trabajo abarcaba indie-rock, psicodélica, folk, blues e incluso toques de funk y rock progresivo. La música de MMJ está fuertemente arraigada en la cultura americana. Sin embargo, James y sus compañeros de banda han mostrado un interés frecuente en superar sus límites, agregando nuevos estilos a lo largo de su carrera mientras se aferran a las fuertes melodías y las voces apasionadas.

La discografía de MMJ hasta el momento:

• The Tennessee Fire (1999)
• At Dawn (2001)
• It Still Moves (2003)
• Z (2005)
• Evil Urges (2008)
• Circuital (2011)
• The Waterfall (2015)
• The Waterfall II (2020)

El segundo disco de MMJ , "At Dawn",  es una auténtica maravilla de Alt-folk y muy recomendado. Sin embargo,  el álbum "Z" es un salto cualitativo y para mí el mejor trabajo de la banda hasta ahora. Hay un cambio en dirección músical que ya se venía escuchando antes de "Z" que explora la psicodélica de forma muy íntima.

ALBUM: Z

El cuarto álbum de estudio publicado el 5 de octubre de 2005. Esta obra presenta un sonido mucho más espacioso y pulido que los discos anteriores, haciendo un uso intensivo de sintetizadores e incorporando otras influencias. La fuerte reverberación que fue una característica de las grabaciones anteriores de la banda está en gran parte ausente. Las canciones del álbum están más enfocadas y son más cortas en comparación con los álbumes anteriores. Los miembros de la banda experimentan con arreglos únicos y con un mayor uso de paisajes sonoros musicales. El álbum "Z" fue el primer álbum de My Morning Jacket en tener un productor profesional, John Leckie (Radiohead, Stone Roses, Cast, Muse...).

Es algo inusual ser testigo de una banda que se vuelve experimental y más accesible al mismo tiempo. Tal es el caso de "Z" con canciones más cortas y ajustadas llenas de hermosas texturas electrónicas y psicodélicas. Lo que hace que esta producción sea más impresionante es que mejora el sonido de la guitarra reconocible de la banda en lugar de restarle valor. El trabajo de guitarra en canciones como "What a Wonderful Man" y "Lay Low" es nada menos que sublime. Quizás lo que une este disco es la incomparable voz de Jim James, que nunca ha sonado mejor o más poderosa.

El álbum ofrece una gama de riquezas, ya sea el brillo etéreo y la voz altísima del tema que abre el disco "Wordless Chorus", la perfecta inocencia Pop-rock de "Off the Record" o la delicada balada de "Knot Comes Loose". MMJ incluso tienen los "cojon*s" de experimentar con "dub-reggae" en el tema "Dondante", y no les sale nada mal. En fin, un disco que lleva a MMJ a explorar y emprender nuevos caminos musicales, esa valentía les sacar de "la zona de confort" y produce nuevos horizontes.

Los momentos estelares para mi gusto son; "Wordless Chorus", "It Beats 4 You" ,"Giddeon", "Off The Record", "Lay Low" y "Dondante" (por su valentía)… 

Un disco recomendado. Un álbum que merece la pena buscar y escuchar si aun no lo conoces. Se de muchos que han "flipado" después de pasar por este disco. Hacerme caso :)

Video del tema "Lay Low":

 Tracklist:

1."Wordless Chorus" – 4:12
2."It Beats 4 U" – 3:46
3."Gideon" – 3:39
4."What a Wonderful Man" – 2:25
5."Off the Record"  – 5:33
6."Into the Woods" – 5:21
7."Anytime" – 3:56
8."Lay Low" – 6:05
9."Knot Comes Loose" – 4:02
10. "Dondante" - 8:01

VIVA BELGRADO | Bellavista - Album

Viva Belgrado (Banda) 

Grupo español de post-hardcore de Córdoba que se formó en 2011. Una formación que han ido evolucionando su sonido más hacia el "Post-Rock" y con más melodía. 

Desde su fundación Viva Belgrado ha estado formado por el cantante y guitarrista Cándido Gálvez, el guitarrista Pedro Ruíz, el bajista Ángel Madueño y el baterista Álvaro Moreno. Desde su primer concierto en Córdoba a finales de 2011, Viva Belgrado han ofrecido más de 200 conciertos por todo el mundo. En 2017 cuentan ya con más de 60 conciertos cerrados en 17 países (España, Francia, Italia, Suiza, Eslovenia, Eslovaquia, Polonia, Alemania, Rumania, Croacia, Serbia, Rusia, Bielorrusia, Lituania, Japón, Andorra, Reino Unido), que se suman a las amplias giras de 2016, incluyendo actuaciones en festivales como el Primavera Sound Festival de Barcelona (Radiohead, Sigur Rós), el Resurrection Festival de Viveiro (Iron Maiden, The Offspring), el ArcTanGent en Bristol, UK o el New Noise de Karlsruhe, Alemania, sumados a una fecha en el "Palacio de los Deportes" de Madrid junto a Toundra o Jardín de la Croix y una fecha en "La Riviera" abriendo para Berri Txarrak para más de 1500 personas. En fin, estamos hablando de unos músicos ya curtidos y con tablas.

Hasta ese momento, gran parte del mérito de Viva Belgrado se debe a la autogestión y la labor propia. En 2012, la banda lanzó su primer demo, seguido un año después por el EP El Invierno. Ambos fueron reeditados en 2013 con bonus tracks y editados por el sello japonés "Tokyo Jupiter Records". El álbum debut "Flores, Carne", fue publicado en 2014, que se distribuye en la segunda edición en CD y en la tercera edición en discos a través de ocho compañías discográficas en todo el mundo. En 2016, se publicó el segundo álbum de estudio "Ulises" y en 2020 se publicó el tercer álbum "Bellavista".

Viva Belgrado mezcla elementos del post-rock con "screamo" en su música, por lo que la música en los pasajes del post-rock recuerda a grupos como “Red Sparrows”, “Explosions in the Sky” y “Moving Mountains”. La banda no trata contenido político en sus canciones, sino que aborda temas emocionales de forma metafórica y poética. En su álbum debut "Flores, Carne", los músicos lidian con la superación de las pérdidas, el dolor que causa este proceso y cómo se pueden extraer energías positivas de él. La banda trabaja con el principio de bricolaje común en el Punk.  

La discografía hasta ahora:

•  2012 – Demo  – Autoeditado
• 2013 – El invierno – Autoeditado
• 2013 – Viva Belgrado: Demo 2012 
• 2014 – Flores, Carne
• 2016 – Ulises 
• 2020 - Bellavista

El disco Ulises es fantástico, pero el último "Bellavista" es un discazo, casi roza "la perfección" si no fuera por una anomalía que expongo más adelante. Me gusta tanto "Bellavista" que es sin duda (para mi) uno de los mejores álbumes en español del 2020. 
 

ALBUM: Bellavista

El tercer álbum de estudio que se publicó el 30 de abril de 2020. Un pedazo de álbum. Me gusta cada vez más que lo escucho, y aprecio toques sutiles y melodías que encantan desde la segunda fila. Hay mucha emoción en este disco, el grupo se les aprecia que son una piña y nos permiten entrar en "su mundo". El cantante Cándido Gálvez se sale como letrista, y sus gritos son nada más otra manera de expresarse, quizás con dolor, frustración, algo de rabia o exaltación a la vida. El guitarrista Pedro Ruíz introduce increíbles sutiles melodías de ensueño, el bajista Ángel Madueño está "On Fire" y el baterista Álvaro Moreno (¿es nuevo?) saca toda la magia de su chistera; menudo repertorio de estilos. 

Un disco algo más accesible que los anteriores pero igualmente hiriente. “Bellavista” roza "la perfección" si no fuera por el cuarto tema "Más triste que Shinji Ikari", un corte de estilo electrónico-mid-tempo sintetizador que no pinta nada dentro del contexto general del todo el disco. Una pequeña mancha e ida de "olla" que quizás está más dirigido al mercado japonés (donde tienen fans), o peor, relleno, aunque puede ser un "experimento pop". Sea cual sea la razón, se puede perdonar, "Bellavista" sigue siendo un "tremendo" álbum.

Hay momentos que son verdaderamente acojonantes. Abren con el tema "Una Soga", una historia que podría ser de cualquier millennial, de la generación z o adulto buscando entender "la mierda" que observa cada día. Y es aquí el encanto de "Bellavista",  la conexión lírica con el oyente que comienza desde principio a fin. Vaya forma de abrir el disco, … y siguen impresionando con "Cerecita Blues", "Un collar", "Shibari emocional", "Amapolita Blues" y "¿Que hay detrás de la ventana?"...temas que más me gustan.

En fin, un álbum repleto de narrativas contemporáneas, humanas, emotivas...arropado de un acojonante uso de espacios, silencios y cambios musicales. Los gritos de Cándido Gálvez solo acentúan lo que quiere expresar, a veces como un martillo para romper la cortina de sonido que acompaña de sus colegas. Y esas melodías, por favor, celestiales, la guitarra de Pedro Ruiz se sale, y todo acompañado de una energía feroz y constante de bajo (Ángel) y esa batería machacón (Álvaro).

Un disco recomendado. Uno de los mejores álbumes en español del 2020. Los chicos van creciendo y evolucionando, su propuesta es rica en estilos musicales del Rock y la composición es muy buena. Seguir así Viva Belgrado. 

Video del tema "Bellavista" :

 

Tracklist del álbum "Bellavista":

1.Una Soga     2:51
2.Bellavista     3:16
3.Cerecita Blues         3:34
4.Más Triste Que Shinji Ikari 3:14
5.Un Collar     2:32
6.Ikebukuro Sunshine 3:00
7.Vicios          1:48
8.Shibari Emocional   3:13
9.Amapolita Blues      3:16
10.Lindavista  3:50
11.¿Qué Hay Detrás de la Ventana? 5:04

AGAINST ALL LOGIC | 2017-2019 - Album

Against All Logic (alias Nicolás Jaar)

Nicolás Jaar es un compositor y músico electrónico chileno-estadounidense afincado en Nueva York. Jaar nació en Nueva York del artista y arquitecto chileno Alfredo Jaar y la madre chilena Evelyne Meynard. 

 En 2007 Jaar conoció a Gadi Mizrahi y Zev Eisenberg, quienes dirigían las legendarias fiestas de "Marcy" en Brooklyn, Nueva York. Después de escuchar sus primeros trabajos, Mizrahi sugirió que Nicolás Jaar, entonces de 17 años, pusiera un bombo de 4/4 debajo de sus composiciones en gran parte experimentales. Esta fue la primera incursión de Jaar en la música dance, documentada en su primer lanzamiento en el sello "Wolf & Lamb" de Mizrahi, titulado "The Student". Nicolás Jaar pasó cuatro años en la escena de baile underground de Nueva York, elaborando música house áspera e influenciada por el Hip Hop. Publicó su álbum debut, "Space Is Only Noise", en enero de 2011 con gran éxito de crítica.

Su trabajo en solitario se trasladó rápidamente a un territorio más experimental, y sus álbumes se volvieron más prolongados y parecidos a un collage. Jaar fundó el sello "Other People" en 2013 y comenzó a grabar canciones bajo su otro nombre artístico Against All Logic (A.A.L.). En 2018, Jaar publicó el A.A.L. colección "2012 - 2017" sin promoción. Con el lanzamiento del álbum, también dio entrevistas en las que habló abiertamente sobre ser la fuerza creativa detrás del apodo. 

Su discografía es muy amplia, especialmente bajo "Nicolas Jaar", con singles, remixes, BSO, Eps y álbumes. Puedes surfear la web y ver todas las referencias. Bajo su "ultra-ego", Against All Logic (A.A.L.), tiene dos referencias hasta ahora:

• 2018 - A.A.L 2012-2017
• 2020 - A.A.L 2017-2019

Me quedo con el último, publicado en 2020. Un trabajo que ha entrado en mi lista de "mejores álbumes del 2020".

ALBUM: 2017-2019  

El álbum de estudio del artista de música electrónica Nicolas Jaar, bajo el sobrenombre de Against All Logic (A.A.L). Fue publicado el 7 de febrero de 2020. 

Nicolas Jaar publica música bajo su propio nombre que era cada vez más abstracto y experimental, sin embargo también acumuló silenciosamente un grupo de temas más bailables bajo su apodo "A.A.L.". Para tener un mejor contexto sobre este proyecto en paralelo, es importante hacer un balance de lo que sucedió con Jaar durante los últimos dos años. Público "2012-2017" en 2018, que era bastante diferente de su música electrónica y que empuja los límites. El trabajo "2012-2017" se basa en la música de disco y el house. Fue uno de los proyectos de escucha más accesibles de Jaar. Luego, en el 2019, ayudó a producir el álbum "Magdalene" de Fka Twigs. En 2020 Nicolas Jaar publicó varias grabaciones, y aunque las que llevan su propio nombre son escasas, a menudo difíciles aventuras en la composición moderna, su material como "Against All Logic" continúa centrándose en las construcciones de sonidos Club exploratorios.  Jaar pública este año "2017-2019", el segundo trabajo de A.A.L. Si bien "2012-2017" fue una colección de cortes disco-house y matices de nostalgia rave, el estado de ánimo del segundo es un poco más complejo, no es tan alegre como su predecesor. Es un disco más desafiante, con una variedad de sonidos más extraña, más ediciones de corte e interjecciones de ruido, y texturas que rayan en lo electro-industrial. Sin embargo, es más conciso y enfocado, 45 minutos sólidos y varios cortes se combinan a la perfección, manteniendo la energía del álbum. 

Haciendo eco de los samples de soul y R & B en el primer álbum de A.A.L., el primer tema de "2017-2019", "Fantasy", samplea y corta las voces de Beyoncé y Sean Paul (de su colaboración "Baby Boy"). Las ediciones de estudio continúan con "If Loving You Is Wrong" (basado en un sample de Luther Ingram de 1972), plagado de ediciones alucinantes y una distorsión tensa y nerviosa, el tema "With an Addict" es un híbrido de drum'n'bass atmosférico, con roturas distantes y "glitch" resonando alrededor de un sample de hip-hop. La magia del alquimista de la música electrónica continua con temas como "If You Can't Do It Good, Do It Hard", "Alarm" y "Deeeeeefers" donde ejecuta perfectamente un agresivo sonido industrial, mientras que "If Loving You Is Wrong" suenan en una dirección más post-industrial. 

En resumen, hay algunas de las mejores producciones que he escuchado en mucho tiempo, increíblemente pegadizas, excelentes muestras vocales y canciones muy diversas, lo que hace que cada tema suene diferente pero no fuera de lugar.

Momentos estelares para mi gusto: "With an Addict", "If You Can't Do It Good, Do It Hard", "Faith", "Alarm" & "Fantasy"...un disco en general muy coherente.

Un disco recomendado y uno de los "mejores de 2020" en su estilo. Un álbum ameno y de casi obligada escucha para los amantes del House y la música electrónica en general.

Para un álbum que transmite el caos a veces, todo encaja. ¡Excelente álbum!

Video del tema "If Loving You Is Wrong":

Tracklist: 

1.         "Fantasy" *     5:12
2.         "If Loving You Is Wrong" *  3:56
3.         "With an Addict"       7:05
4.         "If You Can't Do It Good, Do It Hard" (con Lydia Lunch)   3:58
5.         "Alarm"           1:52
6.         "Deeeeeeefers"           5:50
7.         "Faith" 7:00
8.         "Penny"           6:41
9.         "You (Forever)"          3:55

Samples acreditados:

*Fantasy" contiene samples de "Baby Boy", escrito por Beyoncé Knowles, Shawn Carter, Sean Paul Henriques, Scott Storch y Robert Waller, interpretado por Beyoncé.

*"If Loving You Is Wrong" contiene samples de "(If Loving You Is Wrong) I Don't Want to Be Right", escrito por Homer Banks, Carl Hampton y Raymond Jackson, e interpretado por Luther Ingram.

TRENTEMOLLER | The Last Resort

Trentemøller (músico y productor de música electrónica)

Anders Trentemøller - nombre artístico, "Trentemøller" - es un compositor, productor y multi-instrumentista danés de música indie / electrónica con sede en Copenhague, Dinamarca. Trentemoller ha sido descrito por la prensa especializada como quizás el mejor artista del que nunca has oído hablar. Vamos a ver si podemos cambiar esto.

Trentemøller empezó a finales de la década de 1990 con diferentes proyectos de Indie-rock. En 2006, siguiendo una línea de EP de temas 12" más electrónicos, Trentemøller publicó su álbum debut "The Last Resort".

Inicialmente Trentemøller comenzó su aventura en la música electrónica con deep house y minimal techno, desde entonces Anders Trentemøller ha expandido continuamente su sonido con sus ambiciosos largometrajes y sus shows en directo, que a menudo incorporan una banda completa.

La discografía de álbumes de estudio hasta ahora son:

• 2006    The Last Resort                     
• 2010    Into the Great Wide Yonder
• 2013    Lost               
• 2016    Fixion            
• 2019    Obverse

La música de Trentemøller se ha descrito generalmente como Synth-wave y pop (yo diría más bien "Minimal"). Sus primeros trabajos muestran influencias downtempo y Trip-hop, minimal, glitch y darkwave con una sensación a menudo cinematográfica. Anders Trentemøller cita entre sus influencias "Siouxsie and the Banshees", "My Bloody Valentine", "Slowdive", "Joy Division" y "Depeche Mode".

Conocí Trentemøller por su álbum debut "The Last Resort", un disco que hasta ahora considero su mejor trabajo. Desde su descubrimiento he mantenido el artista dentro de mi radar.

ALBUM: The Last Resort

 
Es el álbum debut publicado el 9 de octubre de 2006. El álbum debutó en el puesto número 5 en la lista de álbumes daneses. En Dinamarca, The Last Resort fue certificado platino en octubre de 2009 por ventas de más de 30.000 copias, una hazaña poco común para un álbum de música electrónica. Es un disco de escucha casero dividido aproximadamente entre cortes de downtempo cambiantes y temas de tempo House-minimalista. The Last Resort, se ha descrito por la crítica, como quizás el mejor álbum de minimal techno que nunca hayas escuchado.

Por si no se sabía, el "minimal" es un subgénero del techno que se caracteriza por una instrumentación sobria y superpuesta a ritmos espartanos pero insistentes. Esta es una música que se adapta tan bien a los auriculares como los sistemas de sonido más ruidosos de los clubes nocturnos; su sutileza es tan importante como su capacidad para hacer que uno se mueva. La ética prevaleciente es que una línea de bajo, batería y algunos sintetizadores dispersos son todas las herramientas que necesita.

Dicho esto, si eres un amante de la electrónica y del estilo "minimal", este álbum es la ost*a (la bomba). Si en cambio eres un fan más abierto y ecléctico, puede que te parezca un disco algo largo y lineal. Aquí está - "the key to the question" - lo que hace que sea un grandísimo álbum o simplemente un disco más de electrónica.

Este álbum es una colección de 13 temas, el estado de ánimo puede ser un poco oscuro, pero siempre es estimulante, nunca deprimente. La música muestra en cierto modo dónde le gusta "estar" Trentemoller y donde más se siente cómodo: el romanticismo electrónico alemán, pero lo que hay dentro también muestra lo que está buscando, elaborar música de "dance" universal. En ese nivel, este álbum es un éxito. Los momentos estelares para mi gusto son "Always Something Better", "Moan" y "Miss You"... aunque hay muchos "momentos" más...

Un disco recomendado, ideal para escuchar tranquilamente con los auriculares, en un contexto relajado o como acompañamiento musical de fondo. Si lo tuyo es la electrónica pienso que te va encantar, si la electrónica no es algo que te apasione, quizás te cueste más absorber.

Video del tema "Always Something Better":

Tracklist:

1.         "Take Me into Your Skin"     7:43
2.         "Vamp"           4:33
3.         "Evil Dub"      6:15
4.         "Always Something Better"   6:10
5.         "While the Cold Winter Waiting"      5:04
6.         "Nightwalker" 4:08
7.         "Like Two Strangers" 3:25
8.         "The Very Last Resort"          8:31
9.         "Snowflake"   7:33
10.       "Chameleon"   6:57
11.       "Into the Trees (Serenetti Part 3)"     7:22
12.       "Moan"           5:50
13.       "Miss You"     4:03

LA DISPUTE | Rooms of the House

La Dispute (Banda)

 
Grupo americano de Post-hardcore de Grand Rapids, Michigan, formada en 2004. La formación actual está formada por el vocalista Jordan Dreyer, el guitarrista Chad Morgan-Sterenberg, el guitarrista Corey Stroffolino, el bajista Adam Vass y el baterista Brad Vander Lugt. La banda pasó de un sonido potente con letras "poéticas" durante sus primeros trabajos a material que ha incorporado una amplitud más profunda de influencias musicales. Interesada desde el principio en un estilo de entrega lírico que a veces se desvió hacia "spoken word", la banda experimentó con jazz, sonidos progresivos y cambios dinámicos a medida que avanzaban. Este crecimiento se pudo ver de manera más explícita con el tercer álbum "Rooms of the House" de 2014.

La historia de "La Dispute" comienza en 2004 cuando los primos Jordan Dreyer y Brad Vander Lugt (en voz y batería, respectivamente) con los amigos Kevin Whittemore y Derek Sterenberg en la guitarra y Adam Kool en el bajo forman la banda. Antes de "La Dispute", Jordan Dreyer era escritor y nunca había cantado con una banda. Su letra y estilo vocal fueron una firma del grupo desde el principio, a menudo inclinándose hacia el estilo del "spoken word". La banda tocó localmente antes de lanzar su EP debut "Vancouver" en 2006. Poco después, Derek Sterenberg fue reemplazado por su hermano Chad; Adam Vass se unió a la banda en 2007, reemplazando a Kool en el bajo. En estos primeros años, ninguno de los miembros realmente se tomó a la banda muy en serio, pero en la época de su álbum debut "Somewhere at the Bottom of the River Between Vega and Altair", su sonido comenzó a tomar forma.

La discografía - álbumes de estudio - de LA DISPUTE hasta ahora:

• 2008 Somewhere at the Bottom of the River Between Vega and Altair   
• 2011 Wildlife
• 2014 Rooms of the House    
• 2019 Panorama 

El estilo musical de "La Dispute" se puede describir como una mezcla de jazz y blues influenciada por el Post-hardcore que incorpora elementos que van desde el Rock progresivo, Post-rock y Hardcore- punk. Como ya he mencionado, hay elementos bien conocidos de la música de "La Dispute" como la incorporación de pasajes de estilo hablado en canciones intensas, el uso de letras muy complejas y el versátil control de Jordan Dreyer sobre su voz; capaz de alternar entre cantar y gritar para corresponder y complementar la emoción de la música y la letra. La instrumentación de la banda se escucha como "drones de guitarra" que rozan el "shoegaze". Como se puede apreciar, hay algo para todos.

Y para concluir, se ha descrito a "La Dispute" como parte de un grupo autoproclamado de bandas Post-hardcore llamado "The New Wave of Post-hardcore", abreviado como "The Wave", con otras bandas como Defeater, Make Do & Mend, Pianos Become the Teeth y Touché Amoré. 

El álbum que más me gusta de "La Dispute" es su tercer trabajo de 2014 "Rooms of a House".
 

ALBUM: Rooms of the House 

 
Es el tercer álbum de estudio publicado el 18 de marzo de 2014 a través de su propio sello "Better Living". A pesar de que "Rooms of the House" suena un poco menos intenso que los dos álbumes anteriores, es líricamente mejor y en ese aspecto probablemente el mayor logro del vocalista Jordan Dreyer. El álbum fue coproducido por "Will Yip".

La mayoría de las canciones son letras muy personales en las que Jordan Dreyer contempla su divorcio y la vida en general, es muy poética, existencial y hermosa, pero a menudo desgarradora e incluso bastante amarga en canciones como "For Mayor in Splitsville". Sin embargo, cuatro de las canciones cuentan historias ficticias sobre hechos reales que ocurrieron en el pasado, y es increíblemente eficaz y cautivadora, especialmente "Hudsonville, MI 1956", que cuenta la historia fragmentada de una pareja que intenta sobrevivir durante el tornado de 1956 que azotó la localidad de "Hudsonville" (Michigan).

El sonido de este álbum es Post-hardcore básico con elementos de Indie-rock, todo con una producción que suena como si lo hubieran grabado en un sótano, suena muy simple y hecho a sí mismo, pero esto en realidad se suma a el ambiente íntimo. Hay muchos riffs brillantes y el sonido es agradable (accesible), pero al final, todo está compuesto y elaborado para apoyar las letras y la entrega emocional de Jordan Dreyer. Para ser una banda que lleva la etiqueta "Post-hardcore" te va sorprender el calor y afecto que desprende este álbum. Yo no soy muy fan de los sonidos "super fuertes" y agresivos, y aquí estoy ablandando la banda y este disco.

Los momentos estelares del álbum para mi gusto son: "Hudsonville, MI 1956", "The Child We Lost 1963", "For Mayor in Splitsville", "Objects in Space" y "35"...aunque es un álbum sólido desde principio a fin.

Un disco recomendado. Con una duración de 42 minutos, muestra la voluntad y la capacidad de la banda para reinventarse en mayor medida que nunca y explora una variedad de emociones humanas. Hay mucho musicalmente sucediendo de fondo en este álbum, a mi me sorprenden y me ayudó apreciar algo más a "La Disputa".

¡"Rooms of the House", un muy buen álbum!

Video del tema "Hudsonville, MI 1956":

Tracklist: 

1.         "Hudsonville, MI 1956"         3:59
2.         "First Reactions After Falling Through the Ice"       2:38
3.         "Woman (in mirror)"   4:25
4.         "Scenes from Highways 1981-2009" 3:50
5.         "For Mayor in Splitsville"      3:35
6.         "35"     4:34
7.         "Stay Happy There"   3:27
8.         "The Child We Lost 1963"    4:22
9.         "Woman (reading)"    3:31
10.       "Extraordinary Dinner Party" 3:19
11.       "Objects in Space"      4:09

LO MOON | Lo Moon - Album

En 2018 elegí el álbum debut homónimo de los estadounidenses "Lo Moon" dentro de mis "mejores álbumes del año". Gran parte de la razón fue su sonido rock suaves y atmosféricos acompañados de una voz que parecía al mismísimo MARK HOLLIS de Talk Talk. Desde entonces espero mucho de esta banda pero aún no han publicado nada nuevo. No obstante, periódicamente he recuperado el disco para escucharlo y me sigue gustando mucho, pienso que es un excelente trabajo de Synth-pop estilo años 80 y 90.

¿Quiénes son la banda LO MOON?

Banda americana de Indie rock afincados en Los Ángeles. El grupo saltó a la fama publicando su primer single, "Loveless" producido por el ex guitarrista y productor de "Death Cab for Cutie", Chris Walla y François Tétaz, en septiembre de 2016. Su álbum debut de estudio homónimo fue publicado el 23 de febrero de 2018. Hasta el momento su único long-play.

Antes de la formación de la banda, su cantante, Matt Lowell, comenzó a escribir canciones en la ciudad de Nueva York con la intención de formar una banda. Más tarde se mudó a Los Ángeles donde conoció al bajista y teclista Crisanta Baker. Le puso un demo de la canción "Loveless" y, poco después, se convirtió en el segundo miembro de la banda. El guitarrista Samuel Stewart, quien es hijo de David A. Stewart de "Eurythmics" y "Siobhan Fahey" de Bananarama, se unió poco después. La banda pronto comenzó ensayos en el patio trasero de Lowell. La demo de "Loveless", que Lowell había comenzado a escribir en 2012, atrajo la atención de Columbia Records e impulsó al sello a firmar con Lo Moon. Sterling Laws se unió más tarde como su baterista de gira.

El grupo ha recibido muy buenas críticas y también muy malas. La semejanza con la banda TALK TALK (Mark Hollis) es una espada de doble filo; el cantante Matt Lowell no se esconde en mencionar que Mark Hollis es una gran influencia. Dicho esto, muchos especialistas no pueden evitar comparar el álbum de "Lo Moon" con las obras maestras de Talk Talk como "Spirit of Eden" o "Laughing Stock", y naturalmente ven que se queda corto. Aquí el fallo de los especialistas, nada puede mejorar a los últimos álbumes de Talk Talk, el listón es demasiado alto. Los fans de "Talk Talk" - mi caso - aprecian la similitudes y se enfocan más en la oferta puramente musical, igualmente como los críticos que buscan juzgar la banda por solo su trabajo. En fin, guste o no, la sombra de Talk Talk es larga, sin embargo "Lo Moon" proponen un primer álbum muy interesante, agradable y digno. Me parece un muy buen disco.

ALBUM: Lo Moon

El álbum de estudio de debut publicado el 23 de febrero de 2018. El debut homónimo de Lo Moon es una escucha agradable de principio a fin. Si bien la banda parece apoyarse un poco en sus raíces de "Talk Talk", hacen un excelente trabajo al hacer que cada canción sea lo suficientemente memorable como para no confundirlas con una banda de versiones de Talk Talk. Las atmósferas melancólicas y las armonías vocales se entregan impecablemente en este debut, además el álbum contiene su gran single y buque insignia hasta el momento "Loveless".

En general, lo llamativo del disco es cómo "Lo Moon" ha tomado los aspectos posiblemente "tediosos" de la música atmosférica y simplemente los ha utilizado como capa base para acumular los rasgos accesibles del Pop-rock convencional. Indie rock en su máxima expresión. Es asombroso cómo el álbum es igualmente rico tanto musical como líricamente, mientras que también es bastante accesible incluso para quienes lo escuchan por primera vez. La música es etérea y elegante, con las voces perfectamente superpuestas a su fascinante mezcla ecléctica de sonidos. El álbum se revela como un paisaje sonoro anacrónico de temas que te llevan de un lado a otro en el tiempo, sin embargo, su hilo de continuidad bellamente incrustado garantiza que no te alejes demasiado como para que parezca una variedad de canciones perdidas. Lo que es destacable es cómo los sonidos te permiten retroceder, pero sin perder el control del presente, por lo que incluso en su versión más retro, Synth-pop al estilo de los 80, las cosas siguen siendo relevantes y arraigadas en el "ahora" de las cosas.

Un disco recomendado. El álbum resuena con un ensueño que es alternativamente imponente y sutil, lo que le da al sonido una sensación reflexiva, incluso meditativa. Es realmente un excelente álbum de "Synth-pop" exquisito. Si, no podrás escapar "el debate" sobre esta banda y este álbum ¿son/es demasiado parecido a Talk Talk o no? Personalmente me da igual, me encanta Talk Talk, y me gusta "Lo Moon". Además el tema "Thorns" recuerda más a "The Blue Nile", "The Right Thing" a "Cocteau Twins" y "Tried to Make You My Own" a Fleetwood Mac, ósea no todo es Mark Hollis y su banda. Al final hay que escucharlo y tomar tu mismo la decisión. 

Estoy esperando escuchar nuevo material pronto de LO MOON. Algunos observadores sugieren que están tardando tanto porque buscan poder "escaparse" de las comparaciones ¿Podrán? Hasta entonces, tenemos el álbum, "Lo Moon". 

Video de "My Money":

Tracklist:

1.         "This Is It"        5:12
2.         "Loveless"        7:03
3.         "The Right Thing"         3:54
4.         "Thorns"           5:34
5.         "Tried to Make You My Own"            5:34
6.         "My Money"    4:50
7.         "Real Love"      4:18
8.         "Camouflage"   4:23
9.         "Wonderful Life"          4:03
10.       "All In" 4:46 

MEDICINE | Shot Forth Self Living

Medicine (Banda)

Es un grupo americano de Noise-pop, formada en Los Ángeles, en 1990 por el guitarrista y teclista Brad Laner. La revista musical online "Pitchfork" ha aclamado a "Medicine" como lo más parecido a ser una respuesta estadounidense a "My Bloody Valentine" (MBV). No se si es un halago para "Medicine", supongo que buscan tener su propia identidad. No obstante, es un hecho que recuerdan mucho a "MBV" y a las bandas de "Shoegaze" más clásicas.

La banda Medicine toca un estilo melódico y rítmico de "Noise-rock" que ha sido etiquetado por muchos especialistas y fans como "Dream-pop". El líder Brad Laner comenzó a actuar en su adolescencia en bandas locales como "Vox Pop" y "Nervous Gender" después de desarrollar un gusto por artistas de rock de vanguardia como "Captain Beefheart","Throbbing Gristle" y "The Residents". A lo largo de los años, Brad Laner tocó en más de 300 álbumes, el más famoso de los cuales perteneció al grupo de rock industrial "Savage Republic", para quien se desempeñó como baterista. Medicine se formó en 1990 con el baterista Jim Goodall; su formación inicial incluía al guitarrista Jim Putnam, el bajista Eddie Ruscha y la cantante Annette Zalinskas, miembro original de "The Bangles". Jim Putnam, Ruscha y Zalinskas finalmente se fueron; este último fue reemplazado por la ex cantante de "Fourwaycross" Beth Thompson.

La banda firmó con "Creation Records", convirtiéndose en la primera banda estadounidense en hacerlo. En Estados Unidos, Medicine firmó con el sello "American Recordings" de Rick Rubin en 1992. Su primer álbum, Shot Forth Self Living, fue publicado en 1992.

La discografía de Medicina hasta ahora:

1992 Shot Forth Self Living
1993 The Buried Life
1995 Her Highness
2003 The Mechanical Forces of Love
2013 To the Happy Few
2014 Home Everywhere
2019 Scarred for Life

Para mi el álbum por excelencia de "Medicine" - el que más me gusta - es el debut.

ALBUM: Shot Forth Self Living

 
Es el álbum debut de estudio publicado el 15 de septiembre de 1992. Tiene el honor, o la mala suerte, de ser un disco comparado con "Loveless" de My Bloody Valentine (MBV) y "Psychcandy" de Jesus & the Mary Chain. Un álbum de "Noise" que roza el "Shoegaze" (a la americana) aunque manteniéndose firme al Indie-dream pop. Personalmente me costó varias escuchas para poder dirigir esta obra, ahora lo pongo para escuchar con cierta regularidad. Mola.

Este álbum es una muestra de lo que es llevar el "Noise" y distorsiones al extremo. Sin duda un duro competidor contra "Loveless" de "MBV" cuando se trata de ruido, aunque detrás de todo ese "muro" de distorsiones se esconden canciones de pop dulces. Las armonías vocales de Brad Laner y Beth Thompson son bastante hermosas, los ganchos están empapados de retroalimentación y abrasión, las melodías se disparan y rompen. Magnífica obra.

El disco comienza con una explosión de comentarios de guitarra y chirría durante más tiempo de lo que uno pensaría tolerable, y luego, de repente, emergen la batería y una línea de bajo y el oyente encuentra que en medio de todo el ruido, se escucha una hermosa canción de Pop. Y así es el álbum de nueve temas  de elaborada construcción que contienen mucho más que se escucha a primeras. Medicine "entierran" las melodías primarias bajo ondas de sonido, para crear algo más sutil y más conmovedor

Los momentos destacados abundan, que es exactamente lo que hace que este álbum sea tan llamativo. A medida que el álbum se pone en marcha, las guitarras en cascada levantan el techo y todo va de maravilla. Temas a destacar son "One More", "Aruca", "5ive", "Sweet Explosion" y "Miss Drugstore"...por mencionar algunos.

Un disco recomendado, un álbum que esconde mucho detrás de cada canción. Si buscas un pop "extremo", es un álbum que te va gustar, si ya no lo conoces.

Video del tema “Aruca”:

Tracklist del álbum "Shot Forth Self Living": 

1.         "One More"                             9:08
2.         "Aruca"                                    4:49
3.         "Defective"                              4:10
4.         "A Short Happy Life"               6:39
5.         "5ive"                                      3:33
6.         "Sweet Explosion"                   3:15
7.         "Queen of Tension"                  4:14
8.         "Miss Drugstore"                     5:00
9.         "Christmas Song"                     8:33

NATHAN FAKE - Blizzards - Album

Nathan Fake (músico electrónico y productor)

Es un artista inglés de música electrónica cuyas grabaciones van desde el Techno-house atmosférico hasta el downtempo vívido e influenciado por el "shoegaze".

Nathan Fake comenzó su carrera en la región agrícola de Norfolk en el Reino Unido, donde aprendió a tocar instrumentos acústicos básicos antes de encontrar el amor por los géneros electrónicos. Se mudó a Reading a la edad de 19 años, lo que hizo que sus grabaciones ganaran una exposición significativamente mayor, y sus demos llegaron al productor / remezclador / DJ James Holden. Holden inmediatamente firmó a Nathan Fake con su sello "Border Community" y lanzó un conjunto de 12" singles ("Outhouse" y "The Sky Was Pink") que lo colocaron en la escala mundial de la música dance en términos de reconocimiento. Nathan Fake publicó su álbum debut "Drowning in a Sea of Love" en 2006.

A continuación la discografía de Nathan Fake hasta ahora:

2006 Drowning in a Sea of Love
2009 Hard Islands* mini-album
2012 Steam Days
2017 Providence
2020 Blizzards

Descubrí a este músico de la electrónica con su disco "Providence" de 2017, una obra muy buena que puso el productor dentro de mi "radar" para estar atento a futuros lanzamientos. Este año ha publicado su último álbum "Blizzards" que supera el anterior, un muy buen disco de música electrónica. No entro dentro de mi lista de "Mejores Álbumes de 2020" por muy poco ya que mi única crítica es que "se hace un poco largo". Si no, posiblemente el mejor disco de Nathan Fake hasta ahora.

 

ALBUM: Blizzards

 
Es el quinto álbum de estudio publicado el 3 de abril de 2020. El primer single del álbum, "Tbilisi", fue lanzado el 12 de febrero de 2020. Un trabajo de 11 temas, o 11 caminos, que tienen un carácter y un color emocional diferente. Unos te atrapan con oscuras sorpresas, y otros te calman con hermosos paisajes. Los sonidos fluyen y dibujan filas asociativas de imágenes en tu cabeza. Los álbumes de Nathan Fake vienen en ciclos de reinvención, y "Blizzards" cambia el guion una vez más. Es posiblemente su disco más amigable en línea "Club" sin sacrificar la melodía altísima de su trabajo. El álbum suena como la banda sonora de un rave.

Nathan Fake grabó este álbum utilizando estrictamente equipos de hardware, capturando la mayoría de las pistas en una sola toma y canalizando la energía espontánea de sus shows en directo. Hay una sensación de peligro e incertidumbre en partes en "Blizzards". Los ritmos poli-rítmicos y los bombos de propulsión están pintados con tonos deformados y texturas manchadas, todo cubierto por una capa de distorsión espesa y vibrante que brilla en lugar de sofocar.

Nathan Fake se aproxima al éxtasis de la escena rave de principios de los años 90. El corte "Stepping Stone" es beatífico y festivo, y suena completamente fresco y nuevo, con un sintetizador loco y pesado que se abre paso a través de una melodía ultra alegre y un ritmo lleno de aplausos. La distorsión amenaza constantemente con volcar y descarrilar todo, pero el estado de ánimo positivo es simplemente insoportable, y la intensidad añadida lo hace aún más emocionante. Los temas "Ezekiel" y "North Brink" son dos de los momentos más introvertidos del álbum, pero luego hay varios giros de cabeza seguidos, incluida la efervescente, "Firmament", el cambiante "Torch Song", y la deslumbrante "Eris & Dysnomia". Luego todo se reduce con la pieza "ambient" en fuerte descenso "Vitesse" que termina el disco. En resumen, un álbum coherente y vital, un balancín de emociones sónicas con momentos bailables e introspectivos. Mi única "queja", un trabajo algo largo...pero es un tema menor, es un muy buen disco de electrónica.

Un disco recomendado. Si eres fan de la electrónica y no conoces este álbum pienso que te puede gustar. Para mi es una obra bastante accesible, atmosférica y convincente. 

Video del tema "Torch Song":

Tracklist:

1.         "Cry Me a Blizzard"   5:25
2.         "Tbilisi"           4:01
3.         "Pentiamonds"            5:07
4.         "Stepping Stone"        7:14
5.         "Ezekiel"         6:36
6.         "North Brink" 3:44
7.         "Vectra"          3:43
8.         "Firmament"   8:46
9.         "Torch Song"  5:25
10.       "Eris & Dysnomia"     7:37
11.       "Vitesse"         5:46

THE BLUE NILE | Hats - Album

The Blue Nile (Banda)

Es un grupo (trio) musical de Glasgow, Escocia. La música al principio del grupo se basó en gran medida en sintetizadores e instrumentación electrónica y percusión, aunque las obras posteriores destacaron la guitarra. The Blue Nile ganó elogios de la crítica musical, en particular por sus dos primeros álbumes "A Walk Across the Rooftops" and "Hats", y cierto éxito comercial tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, lo que llevó a la banda a trabajar con una amplia gama de músicos desde finales de la década de 1980 en adelante.

Los miembros de "The Blue Nile" también se han ganado una reputación por evitar la publicidad, sus tratos idiosincrásicos con la industria discográfica, su perfeccionismo y ritmo de trabajo lento, lo que ha resultado en la publicación de solo cuatro álbumes desde la formación del grupo en 1981.

La banda escocesa disfruta de una mística. El grupo está formado por tres nativos de Glasgow que se habían graduado de la universidad: el cantante, compositor y guitarrista Paul Buchanan, el bajista Robert Bell y el tecladista Paul Joseph Moore: el ingeniero de sonido Callum Malcolm y el baterista Nigel Thomas han trabajado con el trío de manera constante, hasta el punto de ser considerados miembros secundarios de la banda).

El nombre de "The Blue Nile" es el título de la secuela de 1962 de Alan Moorehead de "The White Nile", los dos libros que componen la historia del río Nilo.

La discografía de The Blue Nile (hasta ahora):

1984    A Walk Across the Rooftops
1989    Hats
1996    Peace at Last
2004    High

Como ves​,​ graban muy poco, y aunque no hay un comunicado oficial, dan la sensación que están separados. Paul Buchanan aparece de vez en cuando colaborando en proyectos de otros (ej. Craig Armstrong). La banda se ha ganado su fama y adoración por sus dos primeros álbumes. El debut "A Walk Across the Rooftops" es uno de mis álbumes favoritos de siempre, mientras "Hats" es absolutamente impresionante. Ambos discos han fracturado a los críticos y fans en cuanto a decidir cual es mejor álbum. Hay mucho debate, creo que la mayoría de fans se inclinan hacia el debut, mientras los especialistas (y músicos) se inclinan hacia "Hats" por ser más elaborado en la producción.

Personalmente me gusta más "A Walk Across the Rooftops", aunque dependiendo del día o como estoy anímicamente "Hats" gana y muchas veces. Ya he escrito un post hace un tiempo sobre el debut, ahora hago algunos comentario sobre "Hats" y quien sabe, si no lo conoces, animarte a buscarlo y escucharlo.

ALBUM: Hats

 
Es el segundo álbum de estudio publicado el 16 de octubre de 1989. El álbum recibió grandes elogios y se convirtió en el álbum más exitoso de la banda, alcanzando el #12 en las listas de álbumes del Reino Unido. Se lanzaron tres singles: "The Downtown Lights", "Headlights on the Parade" y "Saturday Night".

Tardó cinco largos años en grabar. Después del éxito del debut y su consecuente gira de promo y conciertos, la discográfica solicitaba otro álbum, y fueron directamente al estudio. Si​n​ tiempo para "volver a la normalidad", la banda no conseguía producir material que llegará a los niveles altísimos de "calidad" que ellos mismos se ponían. Se descarto todo lo hecho, y al final en pleno conflicto con su discográfica se les "echaron" del estudio para volver todos a su casa. Bajo ese ambiente y contexto más relajado, comenzaron a componer y elaborar el material que sería "Hats".

El resultado final es arrolladora y majestuosa, es un triunfo sobre los fríos y remotos cálculos de la tecnología. Aunque creado casi exclusivamente sin el beneficio de instrumentos en directo, es sin embargo un álbum inmensamente cálido y humano; la voz y las canciones de Paul Buchanan son extraordinariamente conmovedoras, y su despliegue de sintetizador y percusión electrónica es magistral; cada canción está elaborada con precisión. Los temas del álbum evocan perfectamente sus títulos: ricas en una atmósfera romántica, evocan un mundo de fantasía nocturna iluminado por neón y envuelto en niebla, dando al oyente una experiencia intensamente cinematográfica.

Un disco muy elaborado y sofisticado, nada se apresura ni se hace por accidente. Cada nota, melodía, ritmo y lavado del sintetizador se elabora con una precisión mínima para crear un álbum tan inmenso que no está muy lejos de llamar a "Hats" una de las mejores álbumes de la década de 1980, por no decir película (por su semejanza cinematográfica) . La música evoca imágenes sugerentes y escenas de elegante melancolía urbana, angustia contenida y romanticismo desesperado. Uno de los álbumes más bellos y personales, y con una historia que circula por la red que originalmente fue grabado para hacer música para probar equipos de audio de alta gama. No se si es verdad o no, pero la producción es impresionante y el trabajo del ingeniero de sonido Callum Malcolm es para quitarse el sombrero (no era un chiste, sombrero = hat).

Un disco recomendado, una obra maestra y hoy es más de "easy listening" (es un trabajo más afín al oyente más veterano). La elegancia del Synth-pop de los años 80 se lleva a su máxima expresión. La calidad es tan alta que el disco todavía suena de actualidad, quizás esto podría considerarse como un clásico atemporal. Es la banda sonora perfecta para cuando es tarde por la noche y estás sol@. Mira que la banda tocó la "perfección" con "Hats" y que nunca más lo llegaron a conseguir. Grandísimo álbum (junto con el debut "A Walk Across the Rooftops"...mi preferido personal). Si aun no lo conoces, buscarlo y escucharlo, puede que sea un "momento eureka" musicalmente. A algunos les ha cambiado su forma de escuchar música...no te digo nada!

Video del tema "Let’s Go Out Tonight"​:​

Tracklist del álbum "Hats":

Cara A
1."Over the Hillside" – 5:03
2."The Downtown Lights" – 6:26
3."Let's Go Out Tonight" – 5:12 

Cara B
4."Headlights on the Parade" – 6:11
5."From a Late Night Train" – 3:59
6."Seven A.M." – 5:09
7."Saturday Night" – 6:26